Ilustraciones para el Jinete de Bronce Benois. Ilustraciones de A.N.

En las primeras décadas del siglo XX se realizaron los dibujos de Alexander Nikolaevich Benois (1870 - 1960) para El jinete de bronce, los mejores que se crearon en toda la historia de la ilustración de Pushkin.
Benoist comenzó a trabajar en El jinete de bronce en 1903. Durante los siguientes 20 años, creó un ciclo de dibujos, intros y finales, así como una gran cantidad de opciones y bocetos. La primera edición de estas ilustraciones, que fueron preparadas para una edición de bolsillo, se realizó en 1903 en Roma y San Petersburgo. Diaghilev las imprimió en un formato diferente en el primer número de la revista "World of Art" de 1904. El primer ciclo de ilustraciones constó de 32 dibujos realizados en tinta y acuarela.
En 1905, AN Benois, mientras estaba en Versalles, reelaboró ​​seis de sus ilustraciones anteriores y completó el frontispicio de El jinete de bronce. En los nuevos dibujos de El jinete de bronce, el tema de la persecución del jinete al hombrecito se convierte en el principal: el jinete negro sobre el fugitivo no es tanto la obra maestra de Falcone como la personificación de la fuerza brutal, el poder. Y Petersburgo no es el que cautiva con su perfección artística y el alcance de las ideas de construcción, sino una ciudad sombría: un grupo de casas sombrías, galerías comerciales, cercas. La ansiedad y la ansiedad que se apoderaron del artista durante este período se convierten aquí en un verdadero grito sobre el destino de una persona en Rusia.
En 1916, 1921-1922, el ciclo fue revisado por tercera vez y complementado con nuevos dibujos.

En los dibujos de A. N. Benois, las imágenes del "Cuento de Petersburgo" de A. S. Pushkin están, por así decirlo, coloreadas por las reflexiones y experiencias de una persona a principios del siglo XX.
Por lo tanto, fue la "modernidad" de las ilustraciones de Benois lo que llamó la atención de los conocedores del arte a principios del siglo XX, les pareció no menos significativo que el sentido del estilo inherente del artista, la comprensión de la era Pushkin y la capacidad de teatralizar hábilmente la acción, habiendo desarrollado una serie de “puestas en escena magistralmente escenificadas”. El artista e historiador del arte Igor Emmanuilovich Grabar en ese momento le escribió a Benois sobre estas ilustraciones suyas: "Son tan buenas que todavía no puedo recuperarme de la novedad de las impresiones. La época y Pushkin están malditamente transmitidos, mientras que no hay absolutamente ningún olor". de material de grabado, sin pátina. Son terriblemente modernos, y esto es importante..."

"ABC en imágenes" de Alexandre Benois (1904)

Alexandre Benois, pintor, artista gráfico, artista de teatro, historiador y teórico del arte, comenzó con paisajes y trabajó principalmente en acuarela. Desde 1898, domina el género de la ilustración de libros, descubriendo una nueva área de las bellas artes. El cuerpo principal de sus obras gráficas está asociado con ilustraciones para las obras de Pushkin. En 1904 vio la luz el ABC en imágenes, durante cuya creación Benois actuó tanto como autor de la idea como ilustrador y diseñador. El artista se enfrentaba a la tarea no sólo de ilustrar, sino de inventar la construcción artística del ABC.
Benois no representa un objeto específico solo, sino una situación en la que este objeto juega un papel clave. El artista prefiere no un retrato, sino una escena narrativa detallada, con personajes, con muchos pequeños detalles. En el ABC aparece también un personaje transversal que, según la intención del autor, domina el abecedario junto al niño: su primer retrato abre una serie de ilustraciones, y el segundo la completa.

Cada era en Rusia ofrecía su propio tipo de alfabeto. La Edad de Plata trajo a los lectores el ABC al estilo del Mundo del Arte. Los refinados gráficos de Benois siguen siendo un ejemplo insuperable de ilustración de libros. Cada página del "ABC" es un fascinante mundo de cuento de hadas.

Mirar un libro evoca muchas asociaciones, y cuando se realiza la tarea tradicional de "historia por imagen" para niños, la imaginación de los lectores jóvenes y sus padres o mentores puede ser simplemente ilimitada. "Azbuka" recibió el permiso de censura el 24 de octubre de 1904, el ciclo de producción para su publicación duró unos seis meses. Según alguna información, se imprimieron 34 cromolitografías con oro y plata en cooperación con la imprenta de I.Kadushin. Se fijó un alto precio de venta al público de 3 rublos para el libro. La tirada fue de 2500 ejemplares.

Cada página del "ABC" es un mundo de cuento de hadas asombroso y fascinante: una escena alegre llena de acción y personajes. Estas escenas están impregnadas del espíritu de los cines en casa, que no eran infrecuentes en Rusia en los antiguos tiempos acogedores, con la poesía de las "habitaciones de los niños de Petersburgo", que el escritor Mikhail Kuzmin observó con admiración, según el cual Benois "mismo , todo, íntegramente en estas habitaciones, estas delicias y fantasmagorías. Es muy hogareño, local, personal…”

Una vez, reflexionando sobre los libros para niños, Benois dijo que le gustaría expresar en ellos "pasión directa, diversión, sentimientos reales e inimaginables, sol, bosque, flores, sueños de un espíritu lejano y peligroso, valiente, heroico, deseo de una hazaña , hermoso orgullo". Todo esto lo podemos encontrar fácilmente en las páginas del ABC en Imágenes, chispeantes de fantasía y diversión...

Antes de la reforma ortográfica rusa de 1918, la letra "i" existía en el idioma ruso. Se usaba antes de las vocales y antes de la letra "y" en palabras como iod, historia, ruso, Jerusalén.
Ahora bien, cuando leemos textos prerrevolucionarios, a veces debemos tener mucho cuidado, porque la letra "i" podría cambiar seriamente el significado de la palabra. Por ejemplo, Vladimir Dal en su famoso "Diccionario explicativo de la gran lengua rusa viva" distinguió entre las palabras "mir" y "paz".
"mir" - "el universo<…>, nuestra tierra, el globo, todas las personas, el mundo entero, la comunidad, la sociedad de campesinos,
"paz" - "ausencia de disputa, enemistad, desacuerdo, guerra".
La letra "i" también entró en el famoso "ABC en imágenes", creado por Alexandre Benois en 1904..

15.

mundo del arte

B. M. Kustodiev.

Historia

Característica

- "MUNDO DEL ARTE"

Alejandro Nikoláyevich Benois

Serie rusa (1907-1910)

"Eco del tiempo pasado" se escucha en la imagen del panorama de San Petersburgo a fines del siglo XVIII. El castillo de Mikhailovsky, aún sin terminar, aparece ante el espectador, en el que el emperador será asesinado más tarde. Mientras tanto, Pablo I, sentado sobre un caballo blanco, dirige el desfile de tropas. La predilección del rey por el ejercicio militar y la organización de ejércitos para desfiles y formaciones de aficionados que satisfacían su vanidad son ridiculizadas por el artista. La rigidez y disciplina del ambiente del desfile se sienten en la gráfica y la linealidad, indicadas en los detalles -los pulidos pasos de la marcha con las piernas de los soldados levantadas al mando, el ritmo parejo de las verticales de armas y andamios en el fondo.

La solución compositiva del trabajo es interesante: Benois elimina la acción del desfile del espectador con el marco de la barrera, lo que le da al trabajo un sonido "pictórico" y no se sumerge en lo que está sucediendo. Los copos de nieve voladores traen un renacimiento y una especie de consuelo a la imagen del evento de una era pasada.

gráficos de libros

El artista entró en la historia de los gráficos de libros rusos con su libro "El alfabeto en las imágenes de Alexander Benois" (1905) e ilustraciones para "La dama de picas" de A. S. Pushkin, interpretadas en dos versiones (1899, 1910), así como como maravillosas ilustraciones para "El jinete de bronce", a cuyas tres variantes dedicó casi veinte años de trabajo (1903-22).

ABC en imágenes (1905)

Junto con los trabajos anteriores de Polenova, Malyutin y Bilibin, el ABC en imágenes se puede ubicar en los orígenes de una nueva variedad de gráficos rusos: la historia de las publicaciones ilustradas para niños comienza desde aquí.

Tanto en “Toys” como en “ABC”, el sistema argumental-figurativo de las ilustraciones está desprovisto de edificación: su base hay que buscarla en el campo del lirismo, en las memorias del artista sobre su propia infancia, sobre los juegos, alegrías y aventuras de los niños. Días festivos. Estas son memorias gráficas originales - no en vano, Benois es aquí al mismo tiempo el autor de la idea general, el texto y los dibujos. Por otro lado, cabe señalar como tendencia generalmente característica de Benois (se manifestará con particular fuerza más adelante en sus obras teatrales) la voluntad de combinar diversas funciones creativas en nombre de la integridad estética de la obra. Prestemos atención a las tradiciones que utiliza el autor. No deben buscarse en absoluto en los gráficos de Europa occidental, como podría parecer, si cree en la leyenda sobre la orientación "pro-occidental" del maestro, sino en el arte popular ruso, en juguetes populares y grabados populares, en el representaciones del teatro de feria y del teatro de marionetas Petrushki. El lenguaje gráfico del libro ruso moderno, tal como lo imagina el artista, debe ser, ante todo, nacional.

Teatro

Hoy en día, los bocetos de escenografía y vestuario para las representaciones de Alexandre Benois son clásicos. Benois trabajó en estrecha colaboración con Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko durante mucho tiempo, trabajó como el primer diseñador de producción del Teatro de Arte de Moscú. Fue Benois quien primero tuvo la idea de que el artista, al montar una actuación, debería tener el mismo poder que el director.

Al analizar numerosas obras de A. Benois: “Arlequinada. Fantasía sobre el tema de la comedia italiana (1906, Museo Ruso), "Comedia italiana" (1901, Museo Ruso. Dos bocetos), "Figuras para comedias italianas" (1901, Museo Ruso), "Arlequinada" (1906, Galería Estatal Tretyakov ), "Comedia italiana. Nota de amor" (1905, Galería Estatal Tretyakov), "Comedia italiana" (1919, Museo Nacional de Arte), "Comedia italiana" (1905, IHM), "Harlekinade" (GMII) y otros. , con la ayuda de la cual el artista transmite un baile efectivo con un gran protagonismo de las expresiones faciales y los gestos. Los actores viven aquí, completamente inmersos en su juego. La acción es francamente teatral, dirigida al público. Los héroes no son personajes desarrollados psicológicamente, sino máscaras, figuras condicionales elevadas a la potencia de un símbolo. Probablemente, Benois no buscó hacer que sus héroes de la Commedia dell'Arte parecieran bailarines de ballet, pero los propios medios expresivos de la comedia italiana tienen muchos puntos de contacto con el teatro coreográfico.

Posteriormente, con la participación en la preparación de las representaciones para las estaciones rusas, el nuevo enfoque de Benois para el desarrollo de la escenografía y el vestuario teatral ayudó a la compañía Diaghilev a actuar triunfalmente en los escenarios de los teatros europeos.

Perejil

Bocetos de escenografía, vestuario y accesorios: "Bosquejo de escenografía para la primera, segunda y tercera escena del ballet "Petrushka" (todo - sincronización), bocetos de utilería: "Caballo", "Samovar", "Columpio", "Carrusel ” (all-timing), así como bocetos de vestuario (GRM, GTsTM) dan lugar a contrastes de color, emociones, imágenes. Incluso una mirada superficial a los bocetos de vestuario: "Bailarina callejera", "Gypsy", "Máscara enmascarada", "Enfermera", "Cochero", "Mercader", "Molinillo de órganos", "Tendero", "Mercader", "Mago ", etc. Dibuja los tipos de una multitud diversa, el bullicio de una ruidosa fiesta de feria, donde se desarrollaba un espectáculo de títeres de Petrushka, Bailarina y Moro. Aquí, el amor de A. Benois se manifestó no solo por la forma de vida antigua, sino también por la vigilancia de la mirada del artista, que sabe notar sus toques característicos en la vida real. El tema de los titiriteros recibe un desarrollo especial: revela una sed de diversidad, un anhelo por la diversidad de manifestaciones humanas. La concreción de la vida cotidiana aquí convive con la abstracción del símbolo, aunque con la fantasía, una fiesta popular con el lanzamiento de un alma solitaria, una estampa popular ingenua con el refinamiento del arte mundano.

Perejil Bailarina Arap

Konstantin Somov

Konstantin Somov nació en la familia de Andrei Ivanovich Somov, una conocida figura del museo y curador del Hermitage. Su madre, Nadezhda Konstantinovna (nee Lobanova) era una buena música, una persona bien educada. En 1879-1888 estudió en el gimnasio K. May. Desde septiembre de 1888 hasta marzo de 1897 estudió en la Academia de Artes de San Petersburgo: el curso principal, hasta 1892, luego, desde octubre de 1894, clases en el taller de I. Repin. En 1894, por primera vez, participó en la exposición de la Sociedad de Acuarelistas Rusos. En 1897 y 1898 estudió en la Académie Colarossi de París. Desde 1899 vivió en San Petersburgo.

Incluso en el gimnasio, Somov conoció a A. Benois, V. Nouvel, D. Filosofov, con quien más tarde participó en la creación de la sociedad World of Art. Somov participó activamente en el diseño de la revista "World of Art", así como en el periódico "Artistic Treasures of Russia" (1901-1907), publicado bajo la dirección de A. Benois, creó ilustraciones para "Count Nulin". de A. Pushkin (1899), historias de N. Gogol "La nariz" y "Nevsky Prospekt" (1901), pintó las portadas de las colecciones de poesía de K. Balmont "El pájaro de fuego". Pipe Slav”, V. Ivanov “Cor Ardens”, la portada del libro de A. Blok “Teatro”, etc.

La primera exposición personal de pinturas, bocetos y dibujos (162 obras) se realizó en San Petersburgo en 1903; 95 obras se mostraron en Hamburgo y Berlín en el mismo año. En 1905 comienza a colaborar en la revista "Vellocino de Oro".

Junto con la pintura y la gráfica de paisajes y retratos, Somov trabajó en el campo de las pequeñas artes plásticas, creando exquisitas composiciones de porcelana "Count Nulin" (1899), "Lovers" (1905), etc.

En enero de 1914 recibió el estatus de miembro de pleno derecho de la Academia de las Artes.

En 1918, la editorial de Golike y Vilborg (San Petersburgo) publicó la edición más famosa y completa con dibujos e ilustraciones eróticas de Somov: "El libro de la marquesa" ("Le livre de la Marquise"), donde el artista creó no sólo todos los elementos del diseño del libro, sino que también recogió textos en francés. Hay una versión rara de esta edición, el llamado "Gran "Libro de la Marquesa"" complementado con ilustraciones aún más frívolas.

En 1918 se convirtió en profesor en los Talleres Educativos de Arte Libres del Estado de Petrogrado; Trabajó en la escuela de E. N. Zvantseva.

En 1919, su exposición individual de aniversario tuvo lugar en la Galería Tretyakov.

En 1923, Somov partió de Rusia hacia Estados Unidos como representante de la "Exposición Rusa"; en enero de 1924, en una exposición en Nueva York, Somov recibió 38 obras. No volvió a Rusia. A partir de 1925 vivió en Francia; en enero de 1928 compró un apartamento en Boulevard Exelmans (fr. Boulevard Exelmans) en París.

Murió repentinamente el 6 de mayo de 1939 en París. Fue enterrado en el cementerio de Sainte-Genevieve-des-Bois, a 30 km de París.

Somov se hizo especialmente cercano a Benois, quien escribió el primer artículo sobre él, que apareció en la revista "World of Art" en 1898. En este artículo, el crítico de arte enfatizó la influencia de los gráficos alemanes en el trabajo de Somov (O. Beardsley, S . Konder, T. Heine), así como la influencia de la pintura francesa del siglo XVIII. (A. Watteau, N. de Largilliere), "pequeña pintura holandesa" y rusa de la primera mitad del siglo XIX.

Al regresar a Rusia, Somov rindió homenaje al género del retrato. Creó retratos de su padre (1897), N. F. Ober (1896), A. N. Benois (1896) y A. P. Ostroumova (1901)

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Retrato de Ostroumova Retrato de N.F. Ober

El pináculo de la creatividad en este período fue el retrato del artista E. M. Martynova (" dama de azul", 1897-1900), representado en el contexto de un paisaje con flautistas. El refinamiento y la ruptura, la espiritualidad y la poesía de la imagen correspondían completamente al credo estético del "Mundo del Arte", que encarna la armonía de los sueños y la realidad. Los retratos gráficos de la intelectualidad creativa realizados por Somov ocupan un lugar especial. Son puramente reales, con su energía intelectual, las imágenes de personas creativas creadas por él (retratos de los poetas A.A. Blok, M.A. Kuzmin, V.I. Ivanov, pintados en mezcla medios), artistas E.E. Lansere (1907), M.V. Dobuzhinsky (1910), etc., que con razón se consideran extremadamente objetivos. Realizados a lápiz con resaltado en acuarela, gouache, lápices de colores o cal, se distinguen por su técnica virtuosa, el laconismo de composición y sutileza de soluciones colorísticas.

Retrato de AA Blok (1907)

Retrato de MA Kuzmin (1909)

Además del retrato, Somov también trabajó en el campo de la ilustración de libros. A principios del siglo XX. los artistas del "Mundo del Arte", entre los que se encontraba Somov, revivieron esta forma de arte después de un largo olvido. El diseño del libro, todos sus elementos -fuente, formato, borde, portada, pantallas de presentación y viñetas- debían formar un todo único.

León Bakst (1866 - 1924)

Lev Rosenberg nació el 8 de febrero (27 de enero) de 1866 en Grodno en una familia judía pobre de un erudito talmúdico. Después de graduarse del gimnasio, estudió como voluntario en la Academia de las Artes, trabajando como ilustrador de libros.

En su primera exposición (1889) adoptó el seudónimo de Bakst, un apellido abreviado de su abuela (Baxter). A principios de la década de 1890 expuso en la Sociedad de Acuarelistas. En 1893-1897 vivió en París, regresando a menudo a San Petersburgo. Desde mediados de la década de 1990, se unió al círculo de escritores y artistas que se formó en torno a Diaghilev y Alexander Benois, que luego se convirtió en la asociación World of Art. En 1898, junto con Diaghilev, participó en la fundación de la publicación del mismo nombre. Los gráficos publicados en esta revista dieron fama a Bakst.

Continuó dedicándose a la pintura de caballete, creando retratos de Malyavin (1899), Rozanov (1901), Andrei Bely (1905), Zinaida Gippius (1906). También enseñó pintura a los hijos del Gran Duque Vladimir. En 1902, en París, recibió una orden de Nicolás II para una reunión de marineros rusos.

En 1898, Bakst mostró su trabajo en la "Primera Exposición de Artistas Rusos y Finlandeses" organizada por Diaghilev; en exposiciones del "Mundo del Arte", en la exposición "Secesión" en Munich, exposiciones del Artel de Artistas Rusos, etc.

En 1903, se convirtió al luteranismo por matrimonio con la hija de P. M. Tretyakov, L. P. Gritsenko.

Durante la revolución de 1905, Bakst trabajó para las revistas Zhupel, Infernal Mail, Satyricon y más tarde en la revista de arte Apollo.

En 1907, junto con Serov, viajó a Grecia, donde estudió los hallazgos arqueológicos del período cretense-micénico. Bakst descubrió para sí mismo (y más tarde para toda Europa) que la Grecia arcaica no es el color blanco que todo el mundo ha popularizado durante siglos, sino un derroche de colores. Fue entonces cuando se determinaron las bases del estilo de Bakst: la holgura griega arcaica del traje, combinada con el lujo de Oriente.

Desde 1907, Bakst vivió principalmente en París y trabajó en la escenografía teatral, en la que hizo una verdadera revolución. Creó escenografías para tragedias griegas, y desde 1908 pasó a la historia como autor de escenografías para los Ballets Rusos de Diaghilev (Cleopatra 1909, Scheherazade 1910, Carnaval 1910, Narciso 1911, Dafnis y Cloe 1912). En 1910 se divorció de Gritsenko y volvió al judaísmo. Todo este tiempo vivió en Europa, porque, siendo judío, no tenía permiso de residencia fuera del Pale of Settlement.

Durante las visitas a San Petersburgo, enseñó en la escuela Zvantseva. En el período 1908-1910, uno de sus alumnos fue Marc Chagall, pero en 1910 rompieron relaciones. Bakst prohibió a Chagall ir a París porque, en su opinión, esto dañaría el arte de Chagall y llevaría financieramente al joven artista a la inanición (Chagall no pintó escenarios teatrales). Chagall, sin embargo, fue, no murió de hambre y encontró su propio estilo de pintura.

En 1914, Bakst fue elegido miembro de la Academia de las Artes.

En 1918, Bakst finalmente rompió relaciones con Diaghilev y los Ballets Russes. El 27 de diciembre de 1924 murió en París de un edema pulmonar.

Terror antiguo ("Terror Antiquus") (1908)

En la cosmovisión pagana, el “antiguo horror” es el horror de la vida en el mundo bajo el dominio de un Destino lúgubre e inhumano, el horror de la impotencia de una persona esclavizada por él y sumisa sin remedio (Fatum); así como el horror del caos como abismo de inexistencia, cuya inmersión es desastrosa. Se señala que el cristianismo con su nuevo concepto de destino liberó al hombre del poder del antiguo horror, pero la descristianización de la cultura significa su retorno.

Un gran lienzo de formato casi cuadrado está ocupado por una panorámica del paisaje, escrita desde un punto de vista elevado. El paisaje está iluminado por un relámpago. El espacio principal del lienzo lo ocupa el mar embravecido, que destruye barcos y golpea contra los muros de las fortalezas. En primer plano hay una figura de una estatua arcaica en un corte de generación. El contraste del rostro tranquilo y sonriente de la estatua es especialmente llamativo en comparación con la violencia de los elementos a sus espaldas. Quizás se represente la destrucción de la Atlántida.

La estatua femenina representada es un tipo de kora arcaica, que sonríe con una enigmática sonrisa arcaica y sostiene un pájaro azul (o una paloma, el símbolo de Afrodita) en sus manos. Tradicionalmente, se acostumbra llamar a la estatua representada por Bakst - Afrodita, aunque aún no se ha establecido qué diosas fueron representadas por la corteza. El prototipo de la estatua fue una estatua encontrada durante las excavaciones en la Acrópolis. La esposa de Bakst posó para la mano sin preservantes. Es curioso que Maximilian Voloshin señale la similitud del rostro de la arcaica Afrodita en la imagen con el rostro del propio Bakst.

El paisaje de la isla que se desarrolla detrás de la espalda de la diosa es una vista desde la Acrópolis de Atenas. Al pie de las montañas en el lado derecho de la imagen en primer plano hay edificios, según Pruzhan: la Puerta del León de Micenas y los restos del palacio en Tirinto. Estos son edificios que pertenecen al período Creta-micénico temprano de la historia griega. A la izquierda, un grupo de personas que huyen despavoridas entre los edificios característicos de la Grecia clásica; lo más probable es que se trate de la Acrópolis con sus propileos y sus enormes estatuas. Detrás de la Acrópolis hay un valle iluminado por un relámpago, cubierto de aceitunas plateadas.

En 1907, Bakst diseñó los Conciertos Rusos organizados por Chaliapin y Diaghilev en París. En 1908, Bakst terminó el trabajo de la pintura "Antique Terror" (premio en la Exposición Internacional de Bruselas en 1910).

En 1909, exiliado de San Petersburgo, Bakst se unió a la compañía de ballet del "Ballet Ruso" de S. P. Diaghilev. Junto con A. N. Benois y M. M. Fokin, fue su colaborador más cercano con Diaghilev, y desde 1911 fue el director artístico de la empresa. Su talento como escenógrafo se desplegó al máximo en las representaciones: Cleopatra (Noches egipcias) con música de Arensky, S. I. Taneyev y M. I. Glinka (1909), Scheherazade con música de Rimsky-Korsakov (1910), El pájaro de fuego de Stravinsky ( 1910), Carnaval (1910), Narciso de Tcherepnin (1910), Visión de una rosa de K. M. Weber (1911), "Dafnis y Cloe" de Ravel (1912), "El Dios azul" de R. Hahn (1912), " Tarde de fauno" con la música de C. Debussy (1912), "Tamara" con la música de M. A. Balakirev (1912), "Peri" (esta actuación no estaba destinada a ver la luz), "Mariposas" (1914), "Juegos" (1913), "La leyenda de José" de R. Strauss (1914), "Guasones" con la música de D. Scarlatti (1917), "La bella durmiente" de P. I. Tchaikovsky (1921).

Escenografía para la primera producción de Dafnis y Cloe (foto 2).

Es él quien inventa el saludo que deslumbró al público de la Ópera Garnier con motivo del estreno del ballet Scherezade. Las "Temporadas Rusas" en París dejaron una impresión inolvidable no solo por la habilidad de los bailarines de ballet, sino también por la amplitud y el color, el exotismo y la expresión del vestuario y la escenografía creados por Bakst. El vestuario diseñado por Bakst, remitiendo a la audiencia a los colores y formas del orientalismo y el gran estilo de Louis, fue tan llamativo que comenzó a ir más allá del teatro y el ballet. "París estaba realmente borracho con Bakst", escribió Levinson más tarde. Mstislav Dobuzhinsky escribió sobre este período de la siguiente manera: "La penetración del arte en la vida a través de la rampa, el reflejo del teatro en la vida cotidiana, su influencia en el campo de la moda, se reflejó en la profunda impresión que acompañó a los brillantes triunfos de Diaghilev. Temporadas rusas en París. El cambio de gusto del público que siguió a estos triunfos se debió en mayor medida a Bakst, a esas nuevas revelaciones que dio en sus producciones de excepcional belleza y encanto, que impactaron no sólo a París, sino a todo el mundo cultural de Occidente.

Escenografía para el ballet La siesta de un fauno. 1911

Las técnicas de diseño desarrolladas por Bakst marcaron el comienzo de una nueva era en la escenografía de ballet. El nombre de Bakst, el artista principal de las estaciones rusas, retumbó junto con los nombres de los mejores intérpretes y coreógrafos famosos. Las órdenes de los teatros llovían sobre él desde todos los lados.

Nijinsky. 1912

Colabora activamente con Ida Rubinstein: escenografía y vestuario para El martirio de San Sebastián de C. Debussy (1911), Tamar (1912), El dios azul (1912), Faun Noon (1912) d.), "Helena de Esparta" de D. de Severac (1912), "Pisanella" (1913) "Artemisa confundida" (1922), "Fedra" (1923), "Istar" (1924 G.).

Diseño de vestuario de Ida Rubinstein para el ballet "Helena of Sparta"

Para Anna Pavlova, Bakst diseña escenografía y vestuario para las representaciones "Oriental Fantasy" (con música de M. M. Ippolitov-Ivanov y M. P. Mussorgsky, 1913) y "The Big Show", representada en 1916 en el Hippodrome Theatre de Nueva York.

Trabajando en bocetos de vestuario teatral, Leon Bakst, sin saberlo, comenzó a influir en la moda parisina y luego europea. Esto lo lleva a probar suerte en el arte de la "alta costura". En 1912, crea "Fantasía sobre el tema del traje moderno" para Paquin, que recibió una gran respuesta en el mundo de la moda parisina. “Al comprender y sentir, por raro que sea cualquier estilista, toda la magia de los adornos y el encanto de las combinaciones de colores, creó su propio estilo bakstiano especial. Este picante fabuloso oriental cautiva con un extraordinario alcance de fantasía. La sofisticación de los colores brillantes, el lujo de los turbantes con plumas y telas tejidas con oro, la exuberante abundancia de adornos y decoraciones: todo esto fue tan asombroso para la imaginación, tan acorde con la sed de lo nuevo que percibió la vida. . Worth y Paken, los creadores de tendencias de la moda parisina, comenzaron a hacer propaganda de Bakst ”(M. Dobuzhinsky). “Bakst logró capturar ese nervio esquivo de París que rige la moda, y su influencia ahora se siente en todas partes en París, tanto en vestidos de dama como en exposiciones de arte” (Maximilian Voloshin). Los motivos de Bakst son visibles en las obras de las casas de moda parisinas Paquin, Callot Soeurs, Drecoll y Babani: bombachos, turbantes, corpiños de mujer, almohadas orientales. Los retretes, realizados según sus bocetos, impresionaron por la brillantez de los colores, la armonía de los colores y la sofisticación de la decoración, las cortinas, una acertada selección de abalorios y perlas.

Diseño de vestuario para danza judía con pandereta. 1910

El trabajo de Bakst tuvo un impacto significativo en el arte de la escenografía en Rusia y Francia.

En su trabajo se manifestó un deseo de sofisticación y estilización. Las obras del artista se caracterizan por una composición audaz, colores brillantes y un sentido del ritmo.

Un maestro del vestuario escénico, Bakst dispuso en sus bocetos filas de patrones de colores que se repetían rítmicamente de tal manera que no solo caracterizaban la imagen escénica, sino que también enfatizaban la dinámica de la danza y los movimientos del actor.

Evgeny Evgenievich Lansere (1875-1946)

Evgeny Evgenievich Lansere es un artista polifacético. Autor de pinturas monumentales y paneles que decoran las estaciones de metro de Moscú, la estación de tren Kazansky, el hotel Moskva, paisajes, pinturas sobre el tema de la historia rusa del siglo XVIII, también fue un maravilloso ilustrador de obras clásicas de la literatura rusa (" Dubrovsky” y “Shot” A S. Pushkin, “Hadji Murad” de L. N. Tolstoy), el creador de agudas caricaturas políticas en revistas satíricas en 1905, artista teatral y decorativo.

Emperatriz Elizaveta Petrovna en Tsarskoe Selo - Yevgeny Evgenievich Lansere. 1905. Papel pegado sobre cartón, gouache. 43,5x62

La imagen da testimonio de la comprensión misma de la pintura histórica en el arte de principios del siglo XX. Así, la atmósfera de la época se revela aquí a través de las imágenes del arte plasmadas en la arquitectura y los conjuntos del parque, los trajes y peinados de las personas, a través del paisaje, mostrando la vida de la corte, los rituales. El tema de las procesiones reales se volvió especialmente favorito. Lansere representa la salida solemne de la corte de Elizabeth Petrovna en su residencia de campo. Como en el escenario del teatro, una procesión pasa frente al espectador. Una corpulenta emperatriz nada majestuosamente, vestida con ropas tejidas de asombrosa belleza. Le siguen damas y caballeros con magníficos vestidos y pelucas empolvadas. En sus rostros, poses y gestos, el artista revela diferentes personajes y tipos. Vemos ahora cortesanos humillados y tímidos, luego altivos y rígidos. En el despliegue de Isabel y su corte no se puede dejar de notar la ironía del artista e incluso algo grotesco. Lansere contrasta las personas representadas por él con la noble austeridad de la estatua de mármol blanco y la verdadera grandeza encarnada en la magnífica arquitectura del palacio Rastrelli y la belleza del parque regular.

mundo del arte

"Retrato de grupo de los miembros de la asociación "Mundo del Arte".1916-1920.
B. M. Kustodiev.

El Mundo del Arte (1890-1924) es una asociación artística formada en Rusia a finales de la década de 1890. Bajo el mismo nombre se editó una revista, editada desde 1898 por miembros del grupo.

Historia

Los fundadores del "Mundo del Arte" fueron el artista de San Petersburgo A. N. Benois y la figura del teatro S. P. Diaghilev.

Se declaró en voz alta al organizar la "Exposición de artistas rusos y finlandeses" en 1898 en el Museo de la Escuela Central de Dibujo Técnico del Barón A. L. Stieglitz.

El período clásico en la vida de la asociación cayó entre 1900 y 1904. - en este momento, el grupo se caracterizó por una unidad especial de principios estéticos e ideológicos. Los artistas organizaron exposiciones bajo los auspicios de la revista World of Art.

Después de 1904, la asociación se expandió y perdió su unidad ideológica. En 1904-1910, la mayoría de los miembros del Mundo del Arte formaban parte de la Unión de Artistas Rusos. En la reunión de fundación del 19 de octubre de 1910, se revivió la sociedad artística "World of Art" (N. K. Roerich fue elegido presidente). Después de la revolución, muchos de sus líderes se vieron obligados a emigrar. La asociación dejó de existir en 1924.

Característica

Los artistas del "Mundo del Arte" consideraron prioritario el principio estético en el arte y lucharon por la modernidad y el simbolismo, oponiéndose a las ideas de los Wanderers. El arte, en su opinión, debe expresar la personalidad del artista.

S. Diaghilev escribió en uno de los números de la revista:

“Una obra de arte es importante no en sí misma, sino sólo como expresión de la personalidad del creador”

- "MUNDO DEL ARTE"

Alejandro Nikoláyevich Benois

Alexander Nikolaevich Benois (21 de abril (3 de mayo de 1870, San Petersburgo - 9 de febrero de 1960, París) - Artista ruso, historiador del arte, crítico de arte, fundador y principal ideólogo de la asociación World of Art. De la familia de famosos arquitectos Benois: hijo de N. L. Benois, hermano de L. N. Benois y A. N. Benois y primo de Yu. Yu. Benois.

Alexander Benois (Alexandre Benois) nació el 21 de abril (3 de mayo) de 1870 en San Petersburgo, en la familia del arquitecto ruso Nikolai Leontyevich Benois y Camilla Albertovna Benois (hija del arquitecto A.K. Cavos). Se graduó del prestigioso 2nd St. Petersburg Gymnasium. Durante algún tiempo estudió en la Academia de las Artes, también estudió bellas artes por su cuenta y bajo la tutela de su hermano mayor Albert.

En 1894, comenzó su carrera como teórico e historiador del arte, escribiendo un capítulo sobre artistas rusos para la colección alemana Historia de la pintura del siglo XIX. En 1896-1898 y 1905-1907 trabajó en Francia.

Se convirtió en uno de los organizadores e ideólogos de la asociación artística "World of Art", fundó la revista del mismo nombre.

En 1916-1918, el artista creó ilustraciones para el poema de A. S. Pushkin "El jinete de bronce". En 1918, Benois dirige la Galería de Arte del Hermitage y publica su nuevo catálogo. Continuó trabajando como artista de libros y teatro, en particular, trabajó en el diseño de espectáculos BDT. En 1925 participó en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de París.

En 1926, Benois abandonó la URSS sin regresar de un viaje de negocios al extranjero. Vivió en París, trabajó principalmente en bocetos de escenografía y vestuario teatral. Alexandre Benois desempeñó un papel importante en las producciones del ballet entreprise de S. Diaghilev "Ballets Russes", como artista y autor - director de espectáculos. Benois murió el 9 de febrero de 1960 en París.

Serie Versalles (1905-1906)

Paseo del rey - Alexander Nikolaevich Benois. 1906. Papel sobre lienzo, acuarela, gouache, pintura bronce, pintura plata, lápiz grafito, pluma, pincel. 48x62

En el campo de la pintura de caballete, Benois continúa trabajando en dos géneros, el paisaje y la composición histórica, adquiriendo en su interpretación el carácter de una especie de "fantasía histórica". Aún aficionado a la acuarela, él, sin embargo, con particular tenacidad, además, por primera vez (y, añadimos, la única vez a lo largo de su larga carrera) se vuelve hacia la pintura al óleo.

Sus numerosos estudios de 1905 y 1906, realizados en la localidad costera de Primel, están pintados con energía, con una pincelada libre, sencilla y realista en todo su espíritu.

El paisaje real del parque de Versalles se convierte aquí en la base en la que la imaginación del artista "incrusta" siluetas nítidas y nerviosas: el rey, los cortesanos, los sirvientes. En estos originales "bocetos-pinturas", pequeñas figuras complementan irónicamente, animan el paisaje, hacen más claro y vivo su tema principal. En otros casos, los personajes de marionetas de las composiciones de Benoit crecen, se vuelven hacia el espectador y, suprimiendo el paisaje, comienzan a desempeñar un papel dominante en la imagen ("Rey"). El maestro intenta ver en la imagen majestuosa del antiguo Versalles un monumento idílico del florecimiento de las artes. Todas las personas son mortales. Solo hay un arte para siempre. Sobre esto, las pinturas "Fantasía sobre el tema de Versalles" y "El paseo del rey".

En la "Serie de Versalles" la vida se entiende como un juego ocioso y sin sentido, junto al cual reina el arte. Omnipotente, omnipresente y poderoso. Pero también tiene fallas: en la época de Louis, el arte, "a pesar de toda su fuerza y ​​belleza, tenía una sombra de pomposidad y pomposidad: era falso". No es de extrañar que la vida aquí sea como una actuación ("Pabellón chino", "Baño de marquesa").

Los límites del teatro y la realidad se desdibujan. El artista mira a sus héroes con la mirada evaluadora, ligeramente irónica, de un director que monta otro episodio de una gran actuación, donde el viejo parque aparece como escenario en el que se representó uno de los actos de la “gran comedia humana”. afuera.

Serie rusa (1907-1910)

Acuarelas y gouaches sobre un tema histórico, como siempre con Benois, se combinan en una serie, pero dedicada exclusivamente a la historia nacional; en ellos más fuerte que antes, “suena el sentimiento de la patria”. Se hicieron durante 1907-1910 por orden del editor de libros I. P. Knebel, quien publicó la edición más interesante "Historia rusa en imágenes" con la participación de Serov, S. Ivanov, Lansere, Kustodiev, Dobuzhinsky, Kardovsky, Roerich. Esto determinó la originalidad del género: estamos hablando de ilustraciones estrictamente documentadas, "pinturas para imprimir".

Knebel ordenó pinturas de Benois sobre el siglo XVIII, "de Pedro a Pablo".

En la "Serie rusa" de Benois, tres composiciones están dedicadas a Peter y su época ("En el barrio alemán", "Petersburg Street under Peter I" y "Peter I in the Summer Garden"), otras cuatro hablan sobre el final. del siglo XVIII ("Mañana del terrateniente", "Campamento Suvorov", "Salida de Catalina II en el Palacio Tsarskoye Selo" y "Desfile bajo Pablo I"). Los episodios de género representados aquí se interpretan desde el punto de vista de un testigo presencial, y surge un vivo y agudo sentido de autenticidad histórica sobre la base del cuidadoso trabajo de reconstrucción del artista, a partir del estudio del material de grabado, el vestuario, la arquitectura y los elementos cotidianos. . El autor es partidario del principio narrativo de la composición.

Desfile en el reinado de Pablo I - Alexander Nikolaevich Benois. 1907. Gouache sobre papel. 59,6x82

MINISTERIO DE EDUCACIÓN Y CIENCIA DE RUSIA

Institución educativa estatal de educación profesional superior.

"UNIVERSIDAD HUMANITARIA DEL ESTADO DE RUSIA"

(RGGU)

FACULTAD DE HISTORIA DEL ARTE

Escuela Superior de Restauración

DESCRIPCIÓN Y ANÁLISIS DE LAS ILUSTRACIONES DE A. BENOIT AL POEMA DE A. S. PUSHKIN "El JINETE DE BRONCE"

Trabajo de curso de un estudiante de primer año del departamento vespertino.

Moscú 2011

1. Introducción _________________________________________________ 3

2. Capítulo I. Análisis del contexto histórico y artístico______ 5

3. Capítulo II. Fichas gráficas de la 3ª edición: descripción y análisis ____ 9

4. Capítulo III. Características del arte de la gráfica de libros _____________ 15

5. Conclusión________________________________________________ 19

6. Lista de fuentes y literatura _____________________________ 21

Introducción

En el proceso de trabajar en ilustraciones para el poema "El jinete de bronce", que duró casi 20 años, A. Benois creó tres ediciones de ilustraciones: 1903, 1905, 1916. El tema de análisis en este trabajo son las ilustraciones de la tercera edición, que fueron publicadas en la edición del libro de 1923. Las hojas gráficas originales están hechas por Benois en tinta, lápiz de grafito, acuarela. Las ilustraciones están impresas mediante la técnica de la litografía.

Una copia de la edición de 1923 se encuentra en la RSL, también en el Museo Estatal (GMP). Las hojas originales de diferentes ediciones se dividen en diferentes museos: el Museo Pushkin im. Pushkin, GMP, Museo Ruso, y también se encuentran en colecciones privadas.

La naturaleza del material analizado, la ilustración de libros, determina dos áreas de análisis: la publicación de libros y las fichas gráficas.

El propósito del trabajo es explorar la relación de las características artísticas y técnicas del material ilustrativo en el contexto de la edición de un libro, la encarnación de las imágenes poéticas del poema por medios artísticos y gráficos.

Para lograr este objetivo, se resuelven las siguientes tareas: identificar la intención artística de Benois, el aspecto histórico y cultural en la creación de material ilustrativo, identificar las características técnicas de ejecución, determinar la importancia de los gráficos de libros en el trabajo del artista. Las tareas del trabajo también incluyen una comparación de ilustraciones en la edición de 1916 con ediciones anteriores, lo que permite rastrear el desarrollo del pensamiento creativo del artista.

De acuerdo con la meta y objetivos objeto de análisis, el trabajo tiene una estructura tripartita. La primera parte está dedicada al análisis del contexto artístico e histórico de la obra del artista, así como del poema de Pushkin. La segunda parte está dedicada a las láminas gráficas en el contexto del esquema artístico general del poema. La tercera parte analiza las características de la ilustración de libros en términos de tecnología y arquitectura de libros.

Capítuloyo. Análisis del contexto histórico y artístico

Estudiando, explorando la obra de A. Benois, se debe considerar su actividad artística en el contexto de la asociación Mundo del Arte, que fue uno de los fenómenos culturales más significativos de principios del siglo XX. Benois, junto con Somov, Bakst, Dobuzhinsky, fue uno de sus fundadores. Como señala N. Lapshina: “... el círculo de intereses del Mundo del Arte, especialmente de sus representantes más grandes, era inusualmente amplio y variado. Además de la pintura de caballete y la gráfica… son los grandes triunfadores en el arte de los libros… Incluso se puede decir que en la escenografía teatral y la gráfica del libro, la obra de los artistas del Mundo del Arte constituyó la etapa más importante en el historia no solo de Rusia, sino también del arte mundial”.

El comienzo del siglo XX estuvo marcado por el florecimiento del arte de la gráfica de libros, los grabados en madera y la litografía. Cabe destacar la colección de obras en tres volúmenes para el 100 aniversario de Pushkin con ilustraciones de Benois, Repin, Surikov, Vrubel, Serov, Levitan, Lanceray, en la que Benois presentó dos ilustraciones para La dama de picas. El artista estudia ampliamente la historia del arte del libro y del grabado, imparte un curso de conferencias sobre la historia de los estilos y la ornamentación; es conocido como un conocedor y hábil conocedor del libro.

La idea de ilustrar el poema "El jinete de bronce" le llegó a Benois en 1903. Luego completó 32 dibujos, pero los desacuerdos con los editores no permitieron que se realizara la empresa planeada. Una característica del concepto creativo de Benois fue la ilustración verso por estrofa, estricta adherencia al texto de Pushkin. Así describe Benois la solución a su idea: “Concebí estas ilustraciones en forma de composiciones que acompañan cada página del texto. Configuré el formato en uno diminuto, de bolsillo, como los almanaques de la era Pushkin.

Las ilustraciones del poema se pueden ver en el contexto de la actividad artística general de Benois en la "rehabilitación" del estado artístico y cultural de San Petersburgo. Para muchos, Petersburgo en ese momento parecía ser el centro del espíritu de la burocracia, la burocracia; los edificios modernos violaron la integridad del conjunto arquitectónico. En esta línea, surgen las publicaciones artísticas de Benois, entre ellas "Pintoresco Petersburgo", una serie de acuarelas de Petersburgo de los años. Benois define su actitud ante los acontecimientos que tienen lugar en la vida de la ciudad como “sentimentalismo histórico”, provocado por los contrastes entre lo antiguo, “clásico”, y el nuevo modo de vida industrial, la aparición de elementos arquitectónicos ajenos (fábrica edificios, edificios de fábricas), la destrucción de monumentos históricos. Por lo tanto, la apelación al "Cuento de Petersburgo" tiene una sólida justificación para el artista. “Hasta ahora, es costumbre mirar a San Petersburgo como algo perezoso y pálido, sin vida propia. Solo en los últimos años han comenzado a comprender de alguna manera que San Petersburgo tiene una belleza completamente original y peculiar. … Petersburgo es algo verdaderamente precioso para toda la cultura rusa”. En esto descubrimos las intenciones comunes de Pushkin y Benoit: crear un himno a la creación de Peter. La ciudad está presente en el poema no sólo como un decorado, un espacio para los acontecimientos en curso, sino que revela su propio carácter, domina el destino de una persona. Pedro es el genio de esta ciudad, y el monumento Falconet es su personificación.

Los investigadores señalan el profundo arraigo de la obra de los artistas del "Mundo del Arte" en la historia de San Petersburgo. “Su arte nació en Petersburgo. … me hicieron ver el carácter gráfico de la ciudad con su arte.”

Benois es un pintor histórico maravilloso y sutil. Aquí puedes recordar su obra "Desfile bajo Pablo I". La ciudad en las ilustraciones de Benois para El jinete de bronce se presenta en toda la riqueza de su arquitectura y sus elementos cotidianos. Las ilustraciones representan, de hecho, una reconstrucción histórica, encarnan el espíritu de la era de Alejandro. El trabajo de Benois tiene sus raíces en la era Pushkin, la poesía, porque fue ella quien sirvió como clave para recrear el mundo tan querido por el corazón del artista.

Sin duda, en el contexto de este estudio, la apelación de Benoit al tema de la catástrofe, los elementos es curiosa. El comienzo del siglo XX está lleno de presagios de convulsiones. Rusia estaba en vísperas de grandes cambios. Cuánto más contenido filosófico y trágico se llena con un poema, ilustraciones en la perspectiva de eventos futuros. En esa vena profética, muchos consideraron el dibujo que ilustra la escena de la persecución, la huida de Eugenio, que se convirtió en el frontispicio de la edición de 1923. Notemos también la inundación que ocurrió en San Petersburgo en el otoño de 1903. No tuvo consecuencias tan trágicas como en 1824, "... el agua del Neva y de los canales se desbordó, y las calles... se convirtieron en ríos durante varias horas", sin embargo, proporcionó al artista la material vivo más valioso para el trabajo.

Otro aspecto del poema de Pushkin le pareció esencial a Benois en la percepción de la relación entre el héroe (Eugene) y la ciudad, creación de Peter. Esta es la irrealidad, la fantasía de San Petersburgo, que se encuentra en la esencia misma de la ciudad, sin entender que es difícil apreciar la profundidad de la tragedia del héroe. El mismo Benois destaca su pasión por esta particular característica: "... fue este poema el que me cautivó, me conmovió y me emocionó con su mezcla de lo real y lo fantástico...". Aparentemente, esta es la "paleta" característica de la ciudad, donde las noches blancas crean una sensación de naturaleza ilusoria e ilusoria del espacio circundante, donde el suelo pantanoso da lugar a visiones locas.

La segunda edición de las ilustraciones fue realizada por Benois en 1905. La serie constaba de seis ilustraciones, incluido el famoso frontispicio. El artista escribe: “... Quería que el libro fuera de “bolsillo”, en formato de almanaques de la era Pushkin, pero tuve que subordinar los dibujos al formato de nuestra revista [World of Art, No. 1, 1904]. Esta es la razón por la que decidí lanzar en nuestra otra editorial la misma serie de composiciones en un formato mucho más grande”. El frontispicio original mide 42x31,5 cm, mientras que las ilustraciones de la primera edición miden 21,3x21,1 cm.

El material ilustrativo de la edición artística del poema "El jinete de bronce" de 1923 se basa en la tercera edición de dibujos de Benois, realizada por él en 1916. Repitió seis grandes hojas de la segunda edición casi sin cambios, las hojas de la primera fueron dibujadas nuevamente con algunas correcciones. Transferiendo los originales al Museo Ruso en 1918, el autor hizo inscripciones dedicatorias y conmemorativas en casi cada uno de ellos. Estas dedicatorias son una especie de subtexto autobiográfico, un eslabón importante en la comprensión del material ilustrativo, aportando un aspecto personal a su percepción.

CapítuloYo. Fichas gráficas de la 3ª edición: descripción y análisis

Los dibujos están hechos con tinta, pluma, lápiz de grafito con varios revestimientos de acuarela tonal: gris, verdoso, amarillento, aplicados con un pincel. Crean una atmósfera, transmiten el carácter de la ciudad, su espacio aéreo, el estado interno del protagonista. El esquema de color de los dibujos es bastante monótono, tacaño, lo que denota más claramente las experiencias internas de Evgeny, la naturaleza dramática de los eventos. Las técnicas de acuarela, pastel, gouache fueron predilectas en el trabajo de los artistas del “Mundo del Arte”, sirvieron para plasmar sensaciones tan importantes para los artistas como “lo efímero de la vida, la fragilidad de los sueños, la poeticidad de las experiencias”. ."

Una característica de las ilustraciones es la coexistencia de diferentes estilos gráficos: se intercalan litografías en color con salvapantallas gráficos que enfatizan los episodios finales de cada una de las partes. Esto dio lugar a críticas al artista, que contenían un reproche por la falta de integridad, la fluctuación de la idea artística. Sin embargo, este enfoque se basó en el deseo de Benoit de igualar "la generosa variedad de flujos estilísticos de la epopeya de San Petersburgo de Pushkin". Los tocados gráficos son simbólicos y reflejan la naturaleza romántica y fantástica del poema. Al llenar las páginas con imágenes mitológicas, como Tritón y una náyade (personajes frecuentes en la escultura del parque), se enfatiza la animación de la ciudad, los elementos, que en el texto de Pushkin son transmitidos por varias imágenes poéticas: “El Neva corría como un enfermo persona en su cama”, “las olas trepan como animales por las ventanas”, “El Neva respiraba como un caballo que huye de la batalla. El inicio del conflicto al final de la primera parte del poema es resuelto por Benois con la ayuda de un protector de pantalla gráfico, que enfatiza la naturaleza fantástica de la confrontación.

Detengámonos en los episodios clave del material poético e ilustrativo. La edición se abre con un frontispicio que representa una escena de persecución. Como base del poema, parece esbozar el leitmotiv, el motivo del enfrentamiento, la locura, la fantasmagoría. En él, el contraste entre la grandeza del monumento y la insignificancia de Eugene se expresa de manera más significativa: parece extenderse por el suelo, representando más bien su propia sombra, la sombra de la Sombra del Gigante. El reflejo brillante de la luna en la frente del monumento realza la impresión de la naturaleza fantástica de lo que está sucediendo.

Las ilustraciones que acompañan la introducción del poema están dedicadas a la glorificación de la ciudad en sus artes y están directamente relacionadas con los motivos del arte de la época de Pushkin.

A diferencia de la edición de 1903, en la que Peter ocupa la parte central del dibujo, de frente al espectador, en el dibujo de 1916 Peter se mantiene a distancia y mira al espectador de lado, casi de espaldas. Aquí observamos la correspondencia del "Se paró" de Pushkin, el reemplazo del nombre por el pronombre. Esto le da a Pedro el carácter de grandeza sublime e inalcanzable. En la ilustración, Benoit resuelve este problema de la siguiente manera. La postura de Peter, en contraste con su séquito, literalmente volado, es equilibrada y tranquila. Las olas parecen rodar pacíficamente a sus pies. Entendemos que no somos una persona común. La grandeza en el texto se revela en sus aspiraciones, en la figura es la amplitud del horizonte, la aspiración de Pedro en la lejanía. La mirada de Peter se dirige no solo a la distancia, sino también más allá del borde de la ilustración, que refleja solo sus intenciones. Es curioso que Benois "despeje" el horizonte de las imágenes de Pushkin de "pobre barco", "choza oscura". Esto reflejaba la idea de Benois y las peculiaridades de la poética de Pushkin: vemos perfectamente, sentimos las imágenes fuera del dibujo; ráfagas de viento, levantando la ropa, permiten distinguir claramente el bosque ruidoso detrás del espectador. La naturaleza lluviosa y hostil de la zona se enfatiza mediante expresivos trazos y líneas negras.

"Han pasado cien años ...", leemos en el texto de Pushkin, y la siguiente ilustración es un panorama de la ciudad, ascendiendo, según N. Lapshina, a las obras de paisaje del notable pintor de la era de Alejandro F. Alekseev. A la derecha está el bastión de la esquina de la Fortaleza de Pedro y Pablo, en la distancia el edificio de la Bolsa de Valores, columnas rostrales, a la izquierda en la distancia está el Almirantazgo. El espacio está organizado por una perspectiva que se expande en todas las direcciones. En la distancia, en el fondo, vemos una ciudad fantástica, flotante y elevada, lista para desaparecer en la noche blanca fantasmal, si no estuviera equilibrada por un bastión en la esquina. En el bote que flota en el río, que surge de la estrofa anterior, vemos un remero y dos jinetes: un hombre y una mujer. La gente desapareció casi por completo en el paisaje circundante, los elementos de granito y agua.

Este dibujo está dedicado a “la esposa y amiga de Akita”, y, quizás, en los jinetes, el autor se representa a sí mismo ya su novia, trasladando así la historia gráfica a través de dos siglos. Combinando capas de tiempo, introduciendo su propio elemento del autor-héroe lírico, Benois entreteje sentimientos personales, su vida en el tejido de la historia. El poema adquiere el carácter de continuidad histórica, y los hechos que se suceden adquieren un carácter suprahistórico.

La siguiente ilustración interior, situada en un pliego en contraste con el panorama, nos traslada a la morada más íntima del mundo artístico de San Petersburgo. El poeta, iluminado por la luz de la noche blanca, lee poemas a sus amigos en el crepúsculo de la habitación. La poesía y la gráfica reinan aquí. En este círculo cerrado nacen líneas imperecederas. El brillante contraste entre la luz y la sombra de la composición enfatiza el misterio de lo que está sucediendo.

En la introducción, descubrimos las aspiraciones titánicas de Peter, al comienzo de la primera parte descubrimos los sueños modestos y humanos de Eugene, quien tendrá que "romperse" en el granito del monumento. La habitación representada en la ilustración, en la que está sentado Eugenio, remite al lector a otro Petersburgo, el Petersburgo de los "pobres" de Dostoievski, el "Abrigo" de Gogol, enfatizando así la continuidad histórica, la importancia del tema del hombrecito levantado por Pushkin en el poema.

Las ilustraciones de la primera parte del poema representan varias escenas del diluvio, el triunfo de los elementos, fuerzas míticas de la naturaleza. En la imagen de los elementos, Benoit utiliza líneas diagonales, quebradas, trazos desgarrados. Destruyen la integridad de la composición, la estabilidad del paisaje urbano. Se puede decir que los ritmos armoniosos gráficos de San Petersburgo son destruidos por las diagonales irregulares de las olas y los contornos celestiales.

Volvamos a la ilustración de Eugenio sobre un león (“sobre una bestia de mármol, a caballo, sin sombrero, con las manos cruzadas en cruz”), que es el comienzo de un conflicto dramático. Aquí observamos una desviación de la estructura figurativa del poema. "El ídolo sobre un caballo de bronce" se eleva sobre el Neva "en una altura inquebrantable". Sin embargo, la ubicación histórica y topográfica del león en el que se sentó Eugene no le permitió a Benois darse cuenta del conflicto en una ilustración, la silueta del monumento está apenas delineada por un punto en la distancia. Por tanto, el surgimiento del conflicto se traslada a la página siguiente en forma de salvapantallas gráfico, dando un carácter mítico a los acontecimientos futuros. Vemos a Peter en un pedestal, sobre el cual camina un león mítico, por así decirlo, tejido a partir de los elementos. Sin embargo, tal decisión todavía resta valor al drama del episodio.

Las ilustraciones de la segunda parte están dedicadas a la tragedia personal de Eugenio, su locura y oposición a Pedro, el genio de San Petersburgo.

Las escenas de Evgeny acercándose al monumento, las persecuciones son de naturaleza cinematográfica. Observando el monumento desde diferentes ángulos, parecemos sentir su materialidad. Expresado en una serie de escenas que se desarrollan sucesivamente alrededor del monumento, la huida de Yevgeny, el lienzo ilustrativo transmite el dinamismo y la tensión de la persecución. El jinete que galopa tras Eugenio no es una escultura revivida, sino un monumento impreso a Falcone. Al representar un monumento saltador en forma de silueta, Benois enfatiza su carácter fantasmagórico y fantasmal. La silueta significa también la convencionalidad del fondo, traslada a los personajes desde las profundidades del paisaje al plano de la hoja.

El monumento, que se eleva al nivel de una casa de tres pisos en la última escena, abruma con su grandeza, parece ser la apoteosis de las alucinaciones. Eugene, pegado a la espalda contra el edificio, ya no ve, no siente al ídolo detrás de él, está en todas partes. Desde las calles nocturnas de San Petersburgo, somos transportados al mundo interior de Eugene, como si lo miráramos a los ojos y tuviéramos una visión de pesadilla allí.

Al dibujar escenas de una persecución nocturna, la locura de Eugene, Benois usa contrastes, creando una sensación de tensión. El cielo, lleno de franjas alternas y rotas de tinta y blanco, transmite truenos, el vacío de las calles intensifica la tensión de lo que sucede, el blanco utilizado por el autor crea una ilusión de iluminación; la luna llena surge como la apoteosis de la locura.

En contraste con la última imagen de la locura, la siguiente ilustración tiene un carácter mundano y realista. Eugene deambula entre los transeúntes, está completamente destrozado por su locura, y su tragedia parece perderse en el ritmo diverso general de la ciudad. El monumento se asienta firme e inquebrantablemente sobre un pedestal, como Pedro una vez se paró con confianza en la orilla de las olas del desierto. Vemos el momento de movimiento cuando Eugene y el jinete se cruzan en la misma línea recta de perspectiva, lo que representa un completo opuesto en su dirección.

Designemos además una serie de características artísticas de las ilustraciones. Se colocan igualmente, secuencialmente en cada página, determinando la estricta naturaleza narrativa del material ilustrativo. En diferentes lugares, observamos técnicas de encuadre. En la ilustración “En la orilla de las olas del desierto”, Peter mira a lo lejos, lleno de “grandes pensamientos”, en el cuadro siguiente vemos, por así decirlo, la imagen de sus pensamientos, la ciudad que ha surgido; El Emperador, mirando hacia la Lonja, y luego la columna rostral, con las olas rompiendo sobre ella; Eugene, montado en un león, piensa en Parasha, y en la siguiente ilustración vemos una casa en la isla inundada por las olas. El material ilustrativo también es rico en conexiones plásticas y repeticiones. Al ver a Eugene destruido por la locura en la última escena contra el fondo del monumento, vemos el mismo monumento, que se eleva inquebrantable entre las olas de la inundación.

Si seguimos la acertada observación de Whipper de que para evaluar el trabajo de un ilustrador "siempre se decide en última instancia por el criterio -... si [el artista] captura el espíritu del trabajo", entonces el trabajo de Benoit parece ser el pináculo de la habilidad de ilustración de libros. Logró una autenticidad notable al transmitir el espíritu de la era Alexander, Pushkin, la profundidad de la confrontación psicológica, la tragedia de la contradicción entre la grandeza de la obra de Peter y el triste destino del "hombrecito". Se puede argumentar que la profundidad de penetración en el texto, su interpretación depende de la cantidad de talento artístico que Benois poseía por completo. Esto determinó el valor inherente de sus ilustraciones, que son a la vez un ejemplo de una notable unidad de gráficos y poéticas, y un ciclo gráfico independiente y valioso por sí mismo.

Capítulotercero. Características del arte de la gráfica de libros.

Hablando de un libro como un solo objeto, se debe hablar de su arquitectura, es decir, la correspondencia de varias partes a una estructura común, una impresión holística. Esta es la forma del libro, las características de tipo y material ilustrativo en la organización del espacio de la hoja blanca. El texto y la ilustración (gráficos impresos), por lo tanto, parecen ser fenómenos relacionados, y su unidad estilística pasa a primer plano. Vipper destaca los siguientes rasgos consonantes: “... el deseo de consonancia con el papel blanco, el lenguaje de los contrastes en blanco y negro, las funciones decorativas, una cierta libertad en relación con la unidad espacial y temporal. Estas propiedades ayudan a que la gráfica del libro se acerque más a la literatura, a la poesía.

La unidad estilística se realiza más plenamente cuando se usa la misma técnica para preparar clichés. Esta técnica fue la xilografía. Líneas claras, precisas, concisas dibujadas a cincel, la convencionalidad del fondo correspondía al conjunto tipográfico. Aquí podemos mencionar el libro de bloques, donde el texto y la ilustración se imprimieron de una sola tabla. Con el tiempo, se desarrollaron otras técnicas: grabado, litografía. Aportan a la ilustración la plasticidad de las imágenes, la profundidad de la perspectiva, impartiendo a la ilustración la naturaleza de su propio peso, la separación de la página del libro.

Las ilustraciones del libro para el poema están hechas con la técnica de la litografía. Pasemos al comentario del autor: "Las estampas recibidas de la imprenta, reproduciendo mis dibujos (realizados al estilo de los politipos de los años 30), los pinté inmediatamente en tonos "neutros", que luego serían impresos litográficamente". Las litografías se caracterizan por la más completa transferencia de los rasgos de la técnica original, amplias posibilidades pictóricas. Características técnicas de la técnica litográfica: tacto suave, transiciones suaves, profundidad de contrastes. “La noche y la niebla están más cerca de la litografía que la luz del día. Su lenguaje se construye sobre transiciones y reticencias.

¿Qué otra cosa podría ser más adecuada para transmitir el espíritu de San Petersburgo, “la ciudad más deliberada y abstracta”, su carácter ilusorio y efímero? Los rasgos estilísticos de la litografía sirvieron para revelar la imagen romántica del poema. Probablemente, además de las características puramente artesanales, fue la naturaleza real-ficticia y romántica del "Cuento de Petersburgo", la ciudad misma, que tanto apasionaba a Benois, determinó la elección del artista a favor de la litografía. El uso de una pluma y un lápiz de grafito le permitió al artista transmitir el clasicismo de la ciudad, expresado con un trazo lacónico, líneas precisas.

Las ilustraciones de libros son un tipo de gráficos complementarios. Esto determina la dirección del trabajo del artista: la interpretación de imágenes poéticas por medios gráficos, ritmos. Para Benois, el equilibrio pictórico y poético de la composición es especialmente importante. Notemos que la palabra de Pushkin tiene claridad visual, riqueza figurativa de la poética, gama sonora. Seguir literalmente el texto podría traer discordia a la composición, debilitar las experiencias poéticas. Así, podemos hablar de la vigencia de diversas reticencias, o de la introducción de innovaciones por parte del artista.

Concebida para el formato de un almanaque de bolsillo, la primera edición de las ilustraciones se reflejó en su carácter: esto es concisión, simplicidad. La ausencia de un marco, un marco, lleva a los personajes directamente al plano de la página. En bocetos toscos, Benois recurre a cierta ornamentación en el diseño de ilustraciones, pero luego se niega a favor de la simplicidad, la naturalidad, correspondiente al espíritu de la poesía de Pushkin.

Los dibujos de 1916 están enmarcados con una línea negra, lo que da el carácter de peso, algo pintoresco de las ilustraciones. Esto incide en un cierto aislamiento de las ilustraciones respecto del texto, que se puede observar en comparación con los salvapantallas gráficos, que en algunos lugares aparecen entre las ilustraciones. Tienen una gran conexión con el texto, la fuente. Para el artista teatral Benois, puede haber habido un elemento de teatralidad, convencionalidad: el marco parece separar el escenario del espectador.

Benois se caracterizó por el reconocimiento del significado propio de la ilustración, la responsabilidad de la interpretación artística. El objetivo principal de la ilustración es "agudizar la persuasión de las imágenes que se generaron mediante la lectura, ... para permanecer en estrecha armonía con el contenido principal del libro ...". Las ilustraciones deben servir como "decoración... en el sentido de animar genuinamente el texto, en el sentido de explicarlo...". Vemos aquí una indicación de dos funciones complementarias de la ilustración de libros: ornamental y figurativa. Whipper argumenta de manera similar en su obra: "... la ilustración de un libro debe ser tanto una imagen como un signo ornamental". Así, unidos por la unidad de la sábana y el tejido de la historia, el texto y el dibujo representan dos planos de narración que conviven en una sutil unidad.

El reconocimiento de la dignidad de las obras gráficas de Benois fue generalizado, fueron muy apreciadas por Grabar, Repin, Kustodiev, fueron recibidas con entusiasmo en la exposición de la Unión de Artistas Rusos en 1904. El frontispicio de 1905 también fue reconocido como un fenómeno significativo y causó una gran impresión. En el trabajo de Benois hubo una convergencia de la poesía rusa con el libro de arte ruso.

Las características “materiales” de la publicación, como la calidad del papel y la impresión, permitieron hablar del libro como “uno de los mayores logros impresos de la época revolucionaria”, sin embargo, la separación de estilos gráficos, pictóricos , la naturaleza "no libresca" de las ilustraciones que suprimen columnas delgadas de texto, dio lugar a comentarios críticos sobre la publicación. El “fracaso” del libro de 1923 también fue reconocido por los críticos más serios: el libro evocaba un sentimiento de desarmonía, falta de coherencia, aleatoriedad. Pero también hubo otras opiniones. A. Ospovat escribe: "El vacío de los resbalones y campos, que surgió debido a la diferencia en el ancho del texto y las ilustraciones ... se lee como un gesto caballeresco de los gráficos hacia la poesía". La blancura de la hoja del libro personifica en este caso el receptáculo de la voz del autor, que representa el ornamento sonoro de una obra poética.

Conclusión

Las ilustraciones para "El jinete de bronce" de Pushkin son una de las cumbres de la obra del artista Alexander Benois. Logró encarnar en su trabajo el espíritu de la era Pushkin, la belleza de las artes que llenan el espacio de San Petersburgo y, al mismo tiempo, transmitir uno de los motivos más importantes de la historia de Pushkin: la tragedia de un hombrecito. a la luz de la grandeza del diseño histórico.

Un momento importante en el nacimiento de la concepción artística de Benois es su similitud con la concepción de Pushkin: la creación de un himno a la creación de Peter. Al explorar los orígenes de la idea, fue importante para nosotros recurrir al trabajo de la asociación "World of Art", una de cuyas direcciones fue la "rehabilitación" del patrimonio artístico de la cultura rusa del siglo XIX.

Siguiendo la narrativa gráfica, encontramos una serie de características: técnicas de encuadre cinematográfico, repeticiones plásticas, el uso de contrastes y oposiciones que reflejan la dinámica, el ritmo del poema, la intensidad de las emociones, el carácter dramático de los acontecimientos. Una característica del material ilustrativo es también la coexistencia de dos estilos gráficos: estas son litografías en color y tocados gráficos, que reflejan la diversidad de los flujos estilísticos del texto de Pushkin, la coexistencia de las capas real y mística del poema.

Para comprender la unidad de la ilustración y el texto, la comunidad de sus tareas es el desarrollo del espacio de una hoja en blanco. Habiendo estudiado el enfoque del artista a la ilustración de libros, hemos identificado dos componentes de la función: figurativo y ornamental. Es la estrecha unidad de estas funciones la clave de la coexistencia de ilustración y texto.

Habiendo determinado las características de la técnica litográfica, como los trazos suaves, las transiciones suaves, la profundidad de los contrastes, llegamos a comprender su correspondencia con el espíritu romántico y fantástico del poema de Pushkin.

Habiendo estudiado el desarrollo del concepto creativo del artista en varias ediciones, hemos esbozado sus características. Entonces, la primera edición se acerca más a la técnica de los grabados en madera, revela proximidad al texto, composición tipográfica. Las ilustraciones de la última edición tienen un carácter más pintoresco y de peso, representando en sí mismas un valioso ciclo gráfico. Este enfoque reflejaba la idea de Benois sobre el sentido propio de la ilustración, la interpretación responsable de las imágenes poéticas.

Lista de fuentes y literatura

Fuentes

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Literatura

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Famoso pintor y artista gráfico de San Petersburgo, ilustrador de libros, maestro de escenografía teatral, historiador y crítico de arte. Inspirador y líder de la asociación de artistas "World of Art", desempeñó un papel destacado en la vida artística de Rusia durante muchos años. El “Mundo del Arte”, como se denominaba a los artistas de este movimiento artístico, a diferencia de los grupos artísticos tradicionales, aspiraba menos a convertirse en una “sociedad de pintores”.

El padre de Benois es un conocido arquitecto de San Petersburgo, su madre, nacida Kavos, también es hija de un arquitecto, constructor del Teatro Mariinsky, cerca del cual vivían en San Petersburgo en la calle Nikolskaya en la Casa Benois. Cada minuto de la vida de "Shura" Benois estuvo lleno de arte. Los primeros dibujos son escenas de actuaciones vistas. El teatro es un palco en la ópera, se visita todas las semanas. El teatro es su dios, su fe para toda la vida. El escenario de los ballets y óperas "Estaciones rusas en París" de Sergei Diaghilev traerá fama europea a Benoit. "Alexandre Benois decorador" estará escrito en su tarjeta de visita parisina. La pasión por el teatro afectará el trabajo posterior en el diseño de libros. En 1894, después de graduarse de la universidad, Benois se fue al extranjero. Viaja a Alemania e Italia, estudiando la herencia de los maestros alemanes e italianos, en París estudia intensamente la cultura francesa y crea una serie de sus acuarelas.

AN Benois vivió una larga vida y vio mucho. Vi el florecimiento de Repin y Stasov. Fue maestro y colega de Diaghilev. Yo era amigo de Serov. Trabajó con Stanislavsky, Gorky, Lunacharsky.

Francés e italiano de nacimiento, Benoit es ruso por educación y persuasión. Hablaba, escribía y pensaba en ruso. Con todas sus actividades multifacéticas, contribuyó al florecimiento de la cultura nacional, introduciendo a Rusia en el arte de Occidente y a Occidente en el arte de Rusia.

En 1926, habiendo recibido otro interesante encargo para el diseño del espectáculo y preparando la primera exposición individual, Benois partió hacia París, donde se vio obligado a permanecer hasta el final de sus días.

Uno de los primeros trabajos publicados de Benois en el campo de la ilustración de libros es su célebre "ABC en imágenes", resuelto como un exquisito ejemplo de la gráfica san petersburgo, estricta y depurada. En 1904, se imprimió en la mejor imprenta de ese momento: la Expedición para la adquisición de documentos estatales. En 1990 se reprodujo en facsímil. Con su "ABC", el artista cumplió su sueño: dar "un hermoso libro a los niños rusos". En él, cada letra del abecedario está dedicada a una página con un divertido dibujo en colores, combinando caprichosamente lo real con lo fabuloso. En el "ABC" el artista logró una unidad artística holística del "organismo libro", los dibujos de cada página se convirtieron en obras maestras del arte gráfico. Gracias a las ilustraciones de Benois, casi cada página se convierte en un espectáculo de cuento de hadas.