Edward Hopper es un poeta de los espacios vacíos. Iluminación de la exposición de obras del artista estadounidense Edward Hopper Infancia y juventud del artista

10.05.16

Iluminación de una exposición de obras del artista estadounidense Edward Hopper (1882-1967): fuentes de luz semiconductoras del siglo XXI en un palacio renacentista (Palazzo Fava, Bolonia)

Edward Hopper (autorretrato, 1906)

Edward Hopper (1882-1967) destacado portavoz , uno de los más grandes urbanistas del siglo XX. Fue llamado "el poeta de los espacios vacíos". Las principales áreas de creatividad: "Escuela de botes de basura", "Arte contemporáneo", "Nuevo realismo".

El 25 de marzo de 2016 en Bolonia, en el palacio "Palazzo Ghisilardi Fava" ("Palazzo Ghisilardi Fava" Bologna) abrió una exposición retrospectiva de las obras del artista, que exhibe 160 de sus pinturas (la exposición está abierta hasta el 24 de julio).

Los visitantes también pueden ver frescos únicos del siglo XVI de pintores de la familia Carracci (Ludovico, Annibale y Agostino). Se consideran entre las primeras obras maestras del barroco.

El Palazzo Fava fue construido en estilo renacentista por el arquitecto Gilio Montanari en 1483-1491. para el notario y canciller Bartolomeo Gisilardi.

Torre de los Consenti ("Torre dei Conoscenti")

Se encuentra en Via Manzoni en Bolonia. En el patio hay una torre medieval "Torre dei Conoscenti" (siglo XIV), que fue dañada significativamente durante el terremoto de 1505. El patio está rodeado de pórticos con logias.

Durante la restauración en 1915, se devolvió al complejo del palacio el aspecto original del siglo XV.

Desde 2015, el palacio alberga el Museo de la Edad Media de la ciudad, cuyas salas están destinadas a exposiciones temporales, que, por ejemplo, hoy es una retrospectiva de obras de un artista estadounidense. edward tolva.

En varias salas del palacio, los frescos se conservan perfectamente, cuyas tramas ilustran uno de los mitos de la antigua Grecia: la leyenda de Medea y Jason.

Medea: en la mitología griega antigua, la reina de Colchis, una hechicera y amada del argonauta Jason. Habiéndose enamorado de Jasón, ella lo ayudó a tomar posesión del Vellocino de Oro y huyó con él de Cólquida a Grecia. Los frescos fueron pintados en 1594 por Ludovico, Annibale y Agostino Carracci.

Iluminación de exposiciones y exposiciones.

Las lámparas LED se utilizan en las salas de exposiciones. ERCO Logotec Y ERCO Pólux, que iluminan las pinturas de E. Hopper con una luz direccional bastante intensa.

Algunas de estas lámparas se utilizan para una iluminación menos acentuada (tanto reflejada como directa) de los frescos de la zona superior de los muros.

También se utilizó una técnica inusual: "zócalos brillantes" de luz reflejada en la unión de las paredes y el piso. Sirven para colocar carteles con información sobre los cuadros y, al mismo tiempo, para la orientación y circulación segura de los visitantes, crean una iluminación horizontal baja del suelo (además de la luz reflejada por los cuadros).

Las obras de Edward Hopper (período 1914-1942)

"Camino en Maine" (1914)

"Puesta de sol en el ferrocarril" (1929)

"Ático" (1923)

"Sol de la mañana" (1930)

"Ventanas nocturnas" (1928)

"Estofado chino" (1929)

"Habitación en Nueva York" (1930)

"Automático" (1927)

Luz, sombras... y soledad humana en el cuadro Night Owls de Edward Hopper (1942, Fine Arts Institute of Chicago)

Del 25 de marzo al 24 de julio de 2016 en el Palazzo "Ghisilardi Fava"(Bolonia) muestra una exposición retrospectiva de Edward Hopper (1882-1967), un destacado representantepintura de genero americano , uno de los más grandes urbanistas del siglo XX. Entre las 160 obras expuestas, una de las pinturas más famosas del artista es de gran interés: "medianoches".

Halcones nocturnos (Night Owls): este título en inglés de la pintura es más expresivo que las opciones tradicionales: "Night Owls" o "Night Revelers".

La pintura es quizás la más convincente de las imágenes de Hopper sobre la soledad humana en las megaciudades y una de las obras más reconocibles en la historia de la pintura estadounidense del siglo XX.

Después de completar el trabajo en 1942, el artista vendió la pintura por $3,000 al Instituto de Arte de Chicago, donde permanece hasta el día de hoy. AIC - Art Institute of Chicago - museo de arte e institución de educación superior, pc. Illinois.

El biógrafo de Hopper (Gale Levin) cree que la trama puede haberse inspirado en el cuento de E. Hemingway "Los asesinos". Es posible que el artista haya sido influenciado por la acuarela "Night Cafe in Arles" de Vincent van Gogh ("Night Cafe in Arles", 1888), que se exhibió en la Galería de Arte de Nueva York a principios de 1942.

W. Van Gogh "Café nocturno en Arles" (Café nocturno en Arles, 1888)

Eduardo Hopper. "Halcones nocturnos" (1942)

Es probable que el tema del cuadro también se pueda inspirar en la vista nocturna de un restaurante en la zona de Greenwich Village de Manhattan, junto a la casa del artista.

Y aquí está lo que el propio autor dijo sobre el origen de la idea: “... La trama me la incitó la vista del restaurante en Greenwich Avenue, en la intersección de dos calles... Simplifiqué mucho la escena y amplió el espacio. Probablemente, con un ojo subconsciente, vi la soledad de la gente en las grandes ciudades..."

Representando una situación que recuerda las historias de E. Hemingway, el artista, aparentemente, se basó en las imágenes de la pantalla para iluminar y dividir el espacio...

Sin embargo, Hopper no revela nada. Simplemente captura una escena aislada en un marco momentáneo, dejando la intriga narrativa a merced de la imaginación del espectador.

Un par de clientes al otro lado de la barra evocan inevitablemente a personajes del cine americano de la época. Una mujer examina su manicura. El hombre, mirando al vacío, manoseando un cigarrillo. Sus manos casi se tocan, pero Hopper no aclara si este contacto es intencional o accidental.

El cantinero es el único personaje desprovisto de un principio vivo, pero con su habitual atención "profesional", mecánica, reforzará la impresión de ausencia de relaciones verdaderamente humanas.

Mostrado de espaldas, un personaje misterioso con un sombrero que le cubre la cara, como si girara un vaso en su mano mientras pensaba, es un tipo clásico de "extraño" de las películas de Hollywood...

De acuerdo con la relación visual de brillo sobre la figura de este personaje, se puede ver que la luz cae sobre él desde arriba a la derecha. Corte la diferencia de brillo en la figura le da un matiz adicional de cierta soledad trágica.

La intensa radiación de una lámpara invisible (pero obviamente lo suficientemente poderosa), por así decirlo, anima las propiedades reflectantes de los elementos inanimados de la imagen: dos tanques de metal brillante, un mostrador pulido de color marrón oscuro, una franja amarilla brillante en la pared, suave tapicería de cuero de taburetes redondos a lo largo de la barra.

Este es un detalle de la trama sutil, pero muy importante... Se congelaron con anticipación... otros visitantes, otras historias, otros secretos que acechaban en la noche...

Se puede decir que la amargura de las murallas de la ciudad de Hopper radica precisamente en esto: en la aleatoriedad de los encuentros, su brevedad y la soledad de los destinos, cortados por el marco de un entorno anónimo, monótono, sin alma.

El pavimento ancho y desierto crea un extraño desequilibrio en la composición, donde todos los personajes se apiñan en el lado derecho, encontrando refugio temporal en un café nocturno (o un restaurante barato).

Una amplia zona de una calle desierta evoca un estado de ánimo de soledad e inquietud…. Las ventanas oscuras de la casa de al lado contrastan con iluminación eléctrica brillante café, bombeando un sentimiento de falta de comunicación y alienación.

Entre la ventana oscura de la casa de enfrente y rayo de luz, descartada por una linterna sin nombre, la figura de un cajero es apenas visible: una imagen sin palabras, pero elocuente, del poder inevitable del dinero ...

Esta linterna crea su propia juego de luces y sombras…. El artista utiliza aquí motivos típicos pintura metafísica.

Pintura metafísica (Pitura metafisica italiana) - una dirección en la pintura italiana del comienzosiglo XX.

El antepasado de esta dirección esJorge de Chirico (1888-1978), que todavía estaba enParísV1913 — 1914creó paisajes urbanos desiertos que anticiparon la futura estética de la metafísica. En la pintura metafísicametáforaYsueñoconvertirse en la base para que el pensamiento vaya más allá de la lógica ordinaria, ycontrasteentre un objeto representado con precisión realista y la extraña atmósfera en la que se coloca, realza el efecto surrealista.
La pintura de Nighthawks "Night Owls" o "Night Owls" fue probablemente el trabajo más ambicioso de Hopper al representar el ambiente nocturno de la ciudad en contraste con la luz artificial.

Hay una pintura tan pegadiza que atrapa al espectador al instante. No hay desconcierto, alerta, todo parece aclararse enseguida, como en el amor a primera vista. No es de extrañar que el escrutinio cuidadoso, la reflexión y la empatía puedan dañar ese amor. ¿Es posible encontrar algo profundo, sólido allí, detrás del brillo externo? No es un hecho.

Tomemos, por ejemplo, lo más de moda para los segundos cien años del impresionismo. Probablemente, para el público masivo de hoy, no existe una tendencia más popular en la historia de la pintura. Sin embargo, como dirección artística, el impresionismo resultó ser sorprendentemente transitorio, ya que existió en su forma pura durante unos breves veinte años. Sus padres fundadores finalmente abandonaron su creación, sintiendo el agotamiento de las ideas y los métodos. Renoir volvió a las formas clásicas de Ingres y Monet se adelantó al abstraccionismo.

También sucede lo contrario. Las pinturas son modestas y sin pretensiones, los motivos son ordinarios y las técnicas son tradicionales. Aquí hay una casa junto al camino, aquí hay una niña en la ventana, pero en general una estación de servicio banal. Sin atmósfera, sin efectos de iluminación, sin pasiones románticas. Si te encoges de hombros y sigues adelante, entonces todo seguirá siendo así. Y si te detienes y miras, encontrarás un abismo.

Así es la pintura de Edward Hopper, uno de los artistas estadounidenses más famosos del siglo XX.

Sin fijarme en Europa

La biografía de Hopper casi no contiene eventos brillantes ni giros inesperados. Estudió, fue a París, trabajó, se casó, continuó trabajando, recibió reconocimiento ... Sin lanzamientos, escándalos, divorcios, alcoholismo, payasadas escandalosas, nada "frito" para la prensa amarilla. En esto, la historia de vida de Hopper es similar a sus pinturas: exteriormente todo es simple, incluso tranquilo, pero en el fondo hay una tensión dramática.

Ya en la infancia descubrió la habilidad para dibujar, en lo que sus padres lo apoyaron en todo lo posible. Después de la escuela, estudió ilustración por correspondencia durante un año y luego ingresó a la prestigiosa Escuela de Arte de Nueva York. Las fuentes estadounidenses citan una lista completa de sus famosos compañeros de estudios, pero sus nombres casi no dicen nada a la audiencia rusa. Con la excepción de Rockwell Kent, todos siguieron siendo artistas de importancia nacional.

En 1906, Hopper terminó sus estudios y comenzó a trabajar como ilustrador en una agencia de publicidad, pero en otoño se fue a Europa.

Debo decir que viajar a Europa era casi una parte obligatoria de la educación profesional de los artistas estadounidenses. En ese momento, la estrella de París brillaba intensamente, y gente joven y ambiciosa de todo el mundo acudía allí para unirse a los últimos logros y tendencias de la pintura mundial.

Es sorprendente lo diferentes que son las consecuencias de esta gestación en un caldero internacional. Algunos, como el español Picasso, pasaron rápidamente de estudiantes a líderes y se convirtieron ellos mismos en pioneros de la moda artística. Otros siempre fueron imitadores, por muy talentosos que fueran, como Mary Cassatt y James Abbot McNeil Whistler. Todavía otros, como los artistas rusos, regresaron a su tierra natal, contagiados y cargados del espíritu del nuevo arte, y ya en casa allanaron el camino desde los patios traseros de la pintura mundial hasta su vanguardia.

Hopper fue el más original de todos. Viajó por Europa, estuvo en París, Londres, Ámsterdam, volvió a Nueva York, volvió a viajar a París y España, estuvo en museos europeos y conoció a artistas europeos... Pero, aparte de influencias coyunturales, su pintura no revelar cualquier familiaridad con las tendencias modernas. ¡Nada en absoluto, incluso la paleta apenas se iluminó!

Apreció a Rembrandt y Hals, más tarde, El Greco, de los maestros cercanos en el tiempo, Edouard Manet y Edgar Degas, que ya se habían convertido en clásicos en ese momento. En cuanto a Picasso, Hopper afirmó muy seriamente que no había oído su nombre mientras estuvo en París.

Es difícil de creer, pero el hecho permanece. Acababan de fallecer los postimpresionistas, los fauvistas y cubistas ya rompían sus lanzas, el futurismo asomaba en el horizonte, la pintura se desligaba de la imagen de lo visible y se centraba en los problemas y limitaciones del plano pictórico, brillaban Picasso y Matisse . Pero Hopper, estando en medio de las cosas, no pareció darse cuenta.

Y después de 1910 nunca cruzó el Atlántico, incluso cuando sus pinturas se exhibieron en el pabellón estadounidense de la prestigiosa Bienal de Venecia.

artista en el trabajo

En 1913, Hopper se instaló en Nueva York en Washington Square, donde vivió y trabajó durante más de cincuenta años, hasta el final de sus días. En el mismo año, vendió su primera pintura, exhibida en el famoso Armory Show de Nueva York. Parecía que la carrera comienza de manera prometedora y el éxito no está lejos.

No resultó tan color de rosa. The Armory Show fue concebida como la primera exhibición de arte contemporáneo en los Estados Unidos y como tal fue un éxito rotundo. Apartó la mirada de aficionados, críticos y artistas del realismo y la volvió hacia la vanguardia, aunque acompañada de burlas y escándalos. En el contexto de Duchamp, Picasso, Picabia, Brancusi, Braque, el realismo de Hopper parecía provinciano y anticuado. Estados Unidos decidió que era necesario ponerse al día con Europa, los coleccionistas adinerados se interesaron en el arte extranjero y las ventas individuales de obras nacionales no marcaron la diferencia.

Hopper trabajó como ilustrador comercial durante muchos años. Incluso abandonó la pintura y se dedicó al aguafuerte, técnica en ese momento más adecuada para la reproducción en estampa. No estaba en el servicio, trabajaba a tiempo parcial con pedidos de revistas y experimentó todas las penurias de este puesto, llegando a veces incluso a caer en la depresión.

Sin embargo, en lo que entonces era Nueva York, hubo una patrona de las artes que decidió coleccionar las obras de artistas estadounidenses específicamente: Gertrude Whitney, hija del millonario Vanderbilt; por cierto, aquel con el que compitió sin éxito el caníbal Ellochka, trocando un colador de té de Ostap Bender por una de las doce sillas.

Sombras nocturnas.

Posteriormente, Whitney intentó donar su colección de artistas estadounidenses contemporáneos al Museo Metropolitano de Arte, pero su gerencia no consideró digno el regalo. La coleccionista rechazada, en represalia, fundó su propio museo en las cercanías, que todavía se considera el mejor museo de arte estadounidense.

viento de la tarde. 1921 Museo de Arte Americano, Nueva York

Pero eso es en el futuro. Mientras Hopper visitaba el Whitney Studio, donde en 1920 tuvo su primera exposición individual: 16 pinturas. Algunos de sus grabados también llamaron la atención del público, en particular "Sombras nocturnas" y "Viento vespertino". Pero aún no podía convertirse en un artista independiente y siguió ganando dinero con la ilustración.

Familia y reconocimiento

En 1923, Hopper conoció a su futura esposa Josephine. Su familia resultó ser fuerte, pero la vida familiar no fue fácil. Jo prohibió a su esposo pintar desnudos y, si era necesario, posó para ella. Edward estaba celoso de ella incluso por el gato. Todo se agravaba por su carácter taciturno y lúgubre. “A veces, hablar con Eddie era como tirar una piedra a un pozo. Con una excepción: no se escuchaba el sonido de caer al agua”, admitió.

Edward y Joe Hopper. 1933

Sin embargo, fue Jo quien le recordó a Hopper las posibilidades de la acuarela, y volvió a esta técnica. Pronto exhibió seis obras en el Museo de Brooklyn, y el museo compró una de ellas por 100 dólares. La crítica acogió con beneplácito la exposición y destacó la vitalidad y expresividad de las acuarelas de Hopper, incluso con los temas más modestos. Esta combinación de moderación externa y profundidad expresiva se convertiría en la marca registrada de Hopper por el resto de los años.

En 1927, Hopper vendió el cuadro "Dos en el auditorio" por 1.500 dólares y la pareja consiguió su primer coche con ese dinero. El artista tuvo la oportunidad de realizar bocetos, y la América rural provincial durante mucho tiempo se convirtió en uno de los motivos principales de su pintura.

Dos en el auditorio. 1927. Museo de Arte, Toledo

En 1930 se produce otro acontecimiento importante en la vida del artista. El filántropo Stephen Clark donó su pintura "Railway House" al Museo de Arte Moderno de Nueva York, y desde entonces se encuentra en un lugar destacado.

Así, poco antes de cumplir los 50 años, Hopper entró en el momento del reconocimiento. En 1931 vendió 30 obras, incluidas 13 acuarelas. En 1932 participó en la primera exposición regular del Museo Whitney y no se perdió la siguiente hasta su muerte. En 1933, en honor al aniversario del artista, el Museo de Arte Moderno presentó una retrospectiva de su obra.

Durante los siguientes treinta años de su vida, Hopper trabajó fructíferamente, a pesar de los problemas de salud que surgieron en la vejez. Jo le sobrevivió diez meses y legó toda la colección familiar al Museo Whitney.

Midnighters. 1942. Instituto de Arte, Chicago

En los años de madurez, el artista creó muchas obras maestras reconocidas, como "Early Sunday Morning", "Night Owls", "Office in New York", "People in the Sun". Durante este tiempo, recibió muchos premios, viajó a Canadá y México, se presentó en varias exposiciones retrospectivas e individuales.

Protección de vigilancia

No se puede decir que en todos estos años su pintura no se haya desarrollado. Sin embargo, Hopper encontró temprano sus temas e imágenes favoritos, y si algo ha cambiado, es la credibilidad de su encarnación.

Si uno tuviera que encontrar una fórmula abreviada para el trabajo de Hopper, sería "alienación y aislamiento". ¿Hacia dónde van sus personajes? ¿Por qué se congelan a la mitad del día? ¿Qué les impide iniciar un diálogo, acercarse, llamar y responder? No hay respuesta y, para ser honestos, casi no hay preguntas, al menos para ellos. Así son ellos, así es la vida, así es el mundo que separa a las personas con barreras invisibles.

Esta invisibilidad de las barreras preocupó seriamente a Hopper, razón por la cual hay tantas ventanas en sus pinturas. El vidrio es un vínculo visual, pero una barrera física. Sus héroes y heroínas, vistos desde la calle, parecen estar abiertos al mundo, pero en realidad están cerrados, inmersos en sí mismos: fíjate en Night Owls o The Office en Nueva York. Tal dualidad da lugar a una conmovedora combinación de frágil vulnerabilidad e inaccesibilidad obstinada, incluso inexpugnable.

Si, por el contrario, nosotros, junto con los personajes, miramos a través del vidrio, entonces la ventana vuelve a engañar, solo provocando la posibilidad de ver algo. En el mejor de los casos, el mundo exterior solo se indica mediante una serie de árboles o edificios y, a menudo, no se ve nada en la ventana, como, por ejemplo, en "Evening Wind" o en la pintura "Automat".

aparato mecánico. 1927. Centro de Artes, Des Moines. EE.UU

En general, las ventanas y puertas de Hopper se caracterizan por la misma combinación de apertura y cercanía que los personajes animados. Fajas ligeramente entreabiertas, cortinas que se balancean, persianas cerradas, puertas entrecerradas, deambulan de cuadro en cuadro.

Lo transparente es impenetrable, y lo que debe unir separa. De ahí la constante sensación de misterio, subestimación, contacto fallido.

La soledad entre las personas, en una gran ciudad, frente a todos, se ha convertido en un tema transversal del arte del siglo XX, solo que aquí, con Hopper, no es de la soledad de donde huyen, sino de donde se salvan. La cercanía de sus personajes se siente como una forma natural de autodefensa, y no como un capricho o rasgo de carácter. La luz que se vierte sobre ellos es dolorosamente despiadada y se muestran abiertamente al público, y algún tipo de amenaza indiferente acecha en el mundo que los rodea. Por lo tanto, en lugar de barreras externas, es necesario construir barreras internas.

Por supuesto, si se destruyen las paredes de la oficina, la eficiencia del trabajo aumentará, porque frente a los demás, y más aún frente al jefe, las personas están menos distraídas y conversando. Pero cuando todos están bajo vigilancia, la comunicación se detiene y el silencio se convierte en la única forma de defensa. Se restringe a los héroes, se suprimen los instintos, se profundizan las pasiones: gente civilizada y culta en la armadura protectora de la propiedad externa.

atención más allá

Muy a menudo, las pinturas de Hopper dan la impresión de un momento detenido. Y esto a pesar de que en la imagen en sí no se indica el movimiento en absoluto. Pero se percibe como un fotograma de película que acaba de reemplazar al anterior y está listo para dar paso al siguiente. No es casualidad que Hopper fuera tan apreciado por los cineastas estadounidenses, en particular Hitchcock, y los estándares de Hollywood para enmarcar un cuadro se formaron en gran medida teniendo en cuenta su influencia.

Era natural que el artista dirigiera la atención del espectador no tanto al momento representado como a los eventos imaginarios que lo precedieron o siguieron. Esta habilidad, rara en la historia de la pintura, combinó paradójicamente los logros del impresionismo, con su mayor atención al momento, y el posimpresionismo, que quería comprimir el paso del tiempo en una imagen artística momentánea.

Hopper realmente logró fijar firmemente un momento esquivo de ser en el lienzo y al mismo tiempo insinuar el flujo incesante del tiempo que lo trajo a la superficie y lo lleva de inmediato a las oscuras profundidades del pasado. Si el futurismo trató de representar el movimiento directamente en el plano pintoresco, entonces Hopper lo saca de los límites de la pintura, pero lo deja dentro de los límites de nuestra percepción. No lo vemos, pero lo sentimos.

De la misma manera, el artista logra redirigir nuestra atención más allá del cuadro, no solo en el tiempo, sino también en el espacio. Los personajes miran a algún lugar afuera, la carretera que pasa volando por la estación de servicio atrae la atención del espectador allí, y en el ferrocarril, el ojo logra atrapar solo el último vagón del tren. Y más a menudo él ya no está allí, el tren pasó corriendo, y nosotros, involuntariamente y sin éxito, nos deslizamos con los ojos detrás de él a lo largo de los rieles.

Esta es América tal como es: sin añoranza por los perdidos, sin glorificación del progreso. Pero si fuera solo Estados Unidos, entonces Hopper no habría caído en la suerte de la fama mundial, al igual que muchos de sus contemporáneos de no peor habilidad no la obtuvieron. De hecho, Hopper logró tocar sentimientos universales, utilizando material nacional. Allanó el camino para el reconocimiento internacional de la pintura estadounidense, aunque fue llevada a los papeles principales en el arte mundial por artistas de la posguerra que no fueron reconocidos por el propio Hopper.

Su camino es único. En el convulso mundo de los vibrantes movimientos artísticos, consiguió no sucumbir a la influencia de nadie y caminar por el estrecho camino entre el romanticismo y la crítica social, entre la obsesión vanguardista por los conceptos y el naturalismo deliberado del precisionismo y el hiperrealismo, manteniéndose fiel a él mismo hasta el final.

Los historiadores del arte Edward Hopper (Edward Hopper) dan diferentes nombres. “Artista de los espacios vacíos”, “poeta de la época”, “realista socialista lúgubre”. Pero sea cual sea el nombre que elija, no cambia la esencia: Hopper es uno de los más brillantes representantes de la pintura americana, cuya obra no puede dejar indiferente a nadie.

Gasolinera, 1940

El método creativo estadounidense tomó forma durante la Gran Depresión en los Estados Unidos. Diversos investigadores de la obra de Hopper suelen encontrar en sus obras ecos con los escritores Tennessee Williams, Theodore Dreiser, Robert Frost, Jerome Salinger, con los artistas DeKirko y Delvaux, posteriormente se empieza a ver un reflejo de su obra en las obras cinematográficas de David. linchar...

No se sabe con certeza si alguna de estas comparaciones tiene una base real, pero una cosa está clara: Edward Hopper logró representar muy sutilmente el espíritu de la época, transmitiéndolo en las poses de los héroes, en los espacios vacíos de sus lienzos. , en un esquema de color único.

Esto se conoce como representantes del realismo mágico. De hecho, sus personajes, el entorno en el que los coloca, es absolutamente simple en términos cotidianos. Sin embargo, sus lienzos siempre reflejan algún tipo de subestimación, siempre reflejan un conflicto oculto, dan lugar a una variedad de interpretaciones. Llegando, en ocasiones, al punto del absurdo. Por ejemplo, su pintura "Conferencia nocturna" fue devuelta por el coleccionista al vendedor, porque vio en ella una conspiración comunista oculta.

Reunión vespertina, 1949

La pintura más famosa de Hopper es Night Owls. En un momento, su reproducción colgaba en la habitación de casi todos los adolescentes estadounidenses. La trama de la imagen es extremadamente simple: en la ventana de un café nocturno, tres visitantes están sentados en la barra del bar, son atendidos por un cantinero. Parecería que nada destacable, pero cualquiera que mira la imagen de un artista estadounidense, siente casi físicamente el sentimiento trascendente y doloroso de la soledad de una persona en una gran ciudad.

Medianoche, 1942

El realismo mágico de Hopper no fue aceptado por sus contemporáneos en ese momento. Con una tendencia general hacia métodos más "interesantes" (cubismo, surrealismo, abstraccionismo), sus pinturas parecían aburridas e inexpresivas.
“Nunca entienden tolva dijo, que la originalidad del artista no es un método de moda. Esta es la quintaesencia de su personalidad”.

Hoy, su trabajo se considera no solo un hito en las bellas artes estadounidenses, sino una imagen colectiva, el espíritu de su tiempo. Uno de sus biógrafos escribió una vez: “Los descendientes aprenderán más sobre esa época de las pinturas de Edward Hopper que de cualquier libro de texto”. Y, tal vez, en cierto sentido, tiene razón.

Hay una pintura tan pegadiza que atrapa al espectador al instante. No hay desconcierto, alerta, todo parece aclararse enseguida, como en el amor a primera vista. No es de extrañar que el escrutinio cuidadoso, la reflexión y la empatía puedan dañar ese amor. ¿Es posible encontrar algo profundo, sólido allí, detrás del brillo externo? No es un hecho.

Tomemos, por ejemplo, lo más de moda para los segundos cien años del impresionismo. Probablemente, para el público masivo de hoy, no existe una tendencia más popular en la historia de la pintura. Sin embargo, como dirección artística, el impresionismo resultó ser sorprendentemente transitorio, ya que existió en su forma pura durante unos breves veinte años. Sus padres fundadores finalmente abandonaron su creación, sintiendo el agotamiento de las ideas y los métodos. Renoir volvió a las formas clásicas de Ingres y Monet se adelantó al abstraccionismo.

También sucede lo contrario. Las pinturas son modestas y sin pretensiones, los motivos son ordinarios y las técnicas son tradicionales. Aquí hay una casa junto al camino, aquí hay una niña en la ventana, pero en general una estación de servicio banal. Sin atmósfera, sin efectos de iluminación, sin pasiones románticas. Si te encoges de hombros y sigues adelante, entonces todo seguirá siendo así. Y si te detienes y miras, encontrarás un abismo.

Así es la pintura de Edward Hopper, uno de los artistas estadounidenses más famosos del siglo XX.

Sin fijarme en Europa

La biografía de Hopper casi no contiene eventos brillantes ni giros inesperados. Estudió, fue a París, trabajó, se casó, continuó trabajando, recibió reconocimiento ... Sin lanzamientos, escándalos, divorcios, alcoholismo, payasadas escandalosas, nada "frito" para la prensa amarilla. En esto, la historia de vida de Hopper es similar a sus pinturas: exteriormente todo es simple, incluso tranquilo, pero en el fondo hay una tensión dramática.

Ya en la infancia descubrió la habilidad para dibujar, en lo que sus padres lo apoyaron en todo lo posible. Después de la escuela, estudió ilustración por correspondencia durante un año y luego ingresó a la prestigiosa Escuela de Arte de Nueva York. Las fuentes estadounidenses citan una lista completa de sus famosos compañeros de estudios, pero sus nombres casi no dicen nada a la audiencia rusa. Con la excepción de Rockwell Kent, todos siguieron siendo artistas de importancia nacional.

En 1906, Hopper terminó sus estudios y comenzó a trabajar como ilustrador en una agencia de publicidad, pero en otoño se fue a Europa.

Debo decir que viajar a Europa era casi una parte obligatoria de la educación profesional de los artistas estadounidenses. En ese momento, la estrella de París brillaba intensamente, y gente joven y ambiciosa de todo el mundo acudía allí para unirse a los últimos logros y tendencias de la pintura mundial.

Es sorprendente lo diferentes que son las consecuencias de esta gestación en un caldero internacional. Algunos, como el español Picasso, pasaron rápidamente de estudiantes a líderes y se convirtieron ellos mismos en pioneros de la moda artística. Otros siempre fueron imitadores, por muy talentosos que fueran, como Mary Cassatt y James Abbot McNeil Whistler. Todavía otros, como los artistas rusos, regresaron a su tierra natal, contagiados y cargados del espíritu del nuevo arte, y ya en casa allanaron el camino desde los patios traseros de la pintura mundial hasta su vanguardia.

Hopper fue el más original de todos. Viajó por Europa, estuvo en París, Londres, Ámsterdam, volvió a Nueva York, volvió a viajar a París y España, estuvo en museos europeos y conoció a artistas europeos... Pero, aparte de influencias coyunturales, su pintura no revelar cualquier familiaridad con las tendencias modernas. ¡Nada en absoluto, incluso la paleta apenas se iluminó!

Apreció a Rembrandt y Hals, más tarde, El Greco, de los maestros cercanos en el tiempo, Edouard Manet y Edgar Degas, que ya se habían convertido en clásicos en ese momento. En cuanto a Picasso, Hopper afirmó muy seriamente que no había oído su nombre mientras estuvo en París.

Es difícil de creer, pero el hecho permanece. Acababan de fallecer los postimpresionistas, los fauvistas y cubistas ya rompían sus lanzas, el futurismo asomaba en el horizonte, la pintura se desligaba de la imagen de lo visible y se centraba en los problemas y limitaciones del plano pictórico, brillaban Picasso y Matisse . Pero Hopper, estando en medio de las cosas, no pareció darse cuenta.

Y después de 1910 nunca cruzó el Atlántico, incluso cuando sus pinturas se exhibieron en el pabellón estadounidense de la prestigiosa Bienal de Venecia.

artista en el trabajo

En 1913, Hopper se instaló en Nueva York en Washington Square, donde vivió y trabajó durante más de cincuenta años, hasta el final de sus días. En el mismo año, vendió su primera pintura, exhibida en el famoso Armory Show de Nueva York. Parecía que la carrera comienza de manera prometedora y el éxito no está lejos.

No resultó tan color de rosa. The Armory Show fue concebida como la primera exhibición de arte contemporáneo en los Estados Unidos y como tal fue un éxito rotundo. Apartó la mirada de aficionados, críticos y artistas del realismo y la volvió hacia la vanguardia, aunque acompañada de burlas y escándalos. En el contexto de Duchamp, Picasso, Picabia, Brancusi, Braque, el realismo de Hopper parecía provinciano y anticuado. Estados Unidos decidió que era necesario ponerse al día con Europa, los coleccionistas adinerados se interesaron en el arte extranjero y las ventas individuales de obras nacionales no marcaron la diferencia.

Hopper trabajó como ilustrador comercial durante muchos años. Incluso abandonó la pintura y se dedicó al aguafuerte, técnica en ese momento más adecuada para la reproducción en estampa. No estaba en el servicio, trabajaba a tiempo parcial con pedidos de revistas y experimentó todas las penurias de este puesto, llegando a veces incluso a caer en la depresión.

Sin embargo, en lo que entonces era Nueva York, hubo una patrona de las artes que decidió coleccionar las obras de artistas estadounidenses específicamente: Gertrude Whitney, hija del millonario Vanderbilt; por cierto, aquel con el que compitió sin éxito el caníbal Ellochka, trocando un colador de té de Ostap Bender por una de las doce sillas.

Sombras nocturnas.

Posteriormente, Whitney intentó donar su colección de artistas estadounidenses contemporáneos al Museo Metropolitano de Arte, pero su gerencia no consideró digno el regalo. La coleccionista rechazada, en represalia, fundó su propio museo en las cercanías, que todavía se considera el mejor museo de arte estadounidense.

viento de la tarde. 1921 Museo de Arte Americano, Nueva York

Pero eso es en el futuro. Mientras Hopper visitaba el Whitney Studio, donde en 1920 tuvo su primera exposición individual: 16 pinturas. Algunos de sus grabados también llamaron la atención del público, en particular "Sombras nocturnas" y "Viento vespertino". Pero aún no podía convertirse en un artista independiente y siguió ganando dinero con la ilustración.

Familia y reconocimiento

En 1923, Hopper conoció a su futura esposa Josephine. Su familia resultó ser fuerte, pero la vida familiar no fue fácil. Jo prohibió a su esposo pintar desnudos y, si era necesario, posó para ella. Edward estaba celoso de ella incluso por el gato. Todo se agravaba por su carácter taciturno y lúgubre. “A veces, hablar con Eddie era como tirar una piedra a un pozo. Con una excepción: no se escuchaba el sonido de caer al agua”, admitió.

Edward y Joe Hopper. 1933

Sin embargo, fue Jo quien le recordó a Hopper las posibilidades de la acuarela, y volvió a esta técnica. Pronto exhibió seis obras en el Museo de Brooklyn, y el museo compró una de ellas por 100 dólares. La crítica acogió con beneplácito la exposición y destacó la vitalidad y expresividad de las acuarelas de Hopper, incluso con los temas más modestos. Esta combinación de moderación externa y profundidad expresiva se convertiría en la marca registrada de Hopper por el resto de los años.

En 1927, Hopper vendió el cuadro "Dos en el auditorio" por 1.500 dólares y la pareja consiguió su primer coche con ese dinero. El artista tuvo la oportunidad de realizar bocetos, y la América rural provincial durante mucho tiempo se convirtió en uno de los motivos principales de su pintura.

Dos en el auditorio. 1927. Museo de Arte, Toledo

En 1930 se produce otro acontecimiento importante en la vida del artista. El filántropo Stephen Clark donó su pintura "Railway House" al Museo de Arte Moderno de Nueva York, y desde entonces se encuentra en un lugar destacado.

Así, poco antes de cumplir los 50 años, Hopper entró en el momento del reconocimiento. En 1931 vendió 30 obras, incluidas 13 acuarelas. En 1932 participó en la primera exposición regular del Museo Whitney y no se perdió la siguiente hasta su muerte. En 1933, en honor al aniversario del artista, el Museo de Arte Moderno presentó una retrospectiva de su obra.

Durante los siguientes treinta años de su vida, Hopper trabajó fructíferamente, a pesar de los problemas de salud que surgieron en la vejez. Jo le sobrevivió diez meses y legó toda la colección familiar al Museo Whitney.

Midnighters. 1942. Instituto de Arte, Chicago

En los años de madurez, el artista creó muchas obras maestras reconocidas, como "Early Sunday Morning", "Night Owls", "Office in New York", "People in the Sun". Durante este tiempo, recibió muchos premios, viajó a Canadá y México, se presentó en varias exposiciones retrospectivas e individuales.

Protección de vigilancia

No se puede decir que en todos estos años su pintura no se haya desarrollado. Sin embargo, Hopper encontró temprano sus temas e imágenes favoritos, y si algo ha cambiado, es la credibilidad de su encarnación.

Si uno tuviera que encontrar una fórmula abreviada para el trabajo de Hopper, sería "alienación y aislamiento". ¿Hacia dónde van sus personajes? ¿Por qué se congelan a la mitad del día? ¿Qué les impide iniciar un diálogo, acercarse, llamar y responder? No hay respuesta y, para ser honestos, casi no hay preguntas, al menos para ellos. Así son ellos, así es la vida, así es el mundo que separa a las personas con barreras invisibles.

Esta invisibilidad de las barreras preocupó seriamente a Hopper, razón por la cual hay tantas ventanas en sus pinturas. El vidrio es un vínculo visual, pero una barrera física. Sus héroes y heroínas, vistos desde la calle, parecen estar abiertos al mundo, pero en realidad están cerrados, inmersos en sí mismos: fíjate en Night Owls o The Office en Nueva York. Tal dualidad da lugar a una conmovedora combinación de frágil vulnerabilidad e inaccesibilidad obstinada, incluso inexpugnable.

Si, por el contrario, nosotros, junto con los personajes, miramos a través del vidrio, entonces la ventana vuelve a engañar, solo provocando la posibilidad de ver algo. En el mejor de los casos, el mundo exterior solo se indica mediante una serie de árboles o edificios y, a menudo, no se ve nada en la ventana, como, por ejemplo, en "Evening Wind" o en la pintura "Automat".

aparato mecánico. 1927. Centro de Artes, Des Moines. EE.UU

En general, las ventanas y puertas de Hopper se caracterizan por la misma combinación de apertura y cercanía que los personajes animados. Fajas ligeramente entreabiertas, cortinas que se balancean, persianas cerradas, puertas entrecerradas, deambulan de cuadro en cuadro.

Lo transparente es impenetrable, y lo que debe unir separa. De ahí la constante sensación de misterio, subestimación, contacto fallido.

La soledad entre las personas, en una gran ciudad, frente a todos, se ha convertido en un tema transversal del arte del siglo XX, solo que aquí, con Hopper, no es de la soledad de donde huyen, sino de donde se salvan. La cercanía de sus personajes se siente como una forma natural de autodefensa, y no como un capricho o rasgo de carácter. La luz que se vierte sobre ellos es dolorosamente despiadada y se muestran abiertamente al público, y algún tipo de amenaza indiferente acecha en el mundo que los rodea. Por lo tanto, en lugar de barreras externas, es necesario construir barreras internas.

Por supuesto, si se destruyen las paredes de la oficina, la eficiencia del trabajo aumentará, porque frente a los demás, y más aún frente al jefe, las personas están menos distraídas y conversando. Pero cuando todos están bajo vigilancia, la comunicación se detiene y el silencio se convierte en la única forma de defensa. Se restringe a los héroes, se suprimen los instintos, se profundizan las pasiones: gente civilizada y culta en la armadura protectora de la propiedad externa.

atención más allá

Muy a menudo, las pinturas de Hopper dan la impresión de un momento detenido. Y esto a pesar de que en la imagen en sí no se indica el movimiento en absoluto. Pero se percibe como un fotograma de película que acaba de reemplazar al anterior y está listo para dar paso al siguiente. No es casualidad que Hopper fuera tan apreciado por los cineastas estadounidenses, en particular Hitchcock, y los estándares de Hollywood para enmarcar un cuadro se formaron en gran medida teniendo en cuenta su influencia.

Era natural que el artista dirigiera la atención del espectador no tanto al momento representado como a los eventos imaginarios que lo precedieron o siguieron. Esta habilidad, rara en la historia de la pintura, combinó paradójicamente los logros del impresionismo, con su mayor atención al momento, y el posimpresionismo, que quería comprimir el paso del tiempo en una imagen artística momentánea.

Hopper realmente logró fijar firmemente un momento esquivo de ser en el lienzo y al mismo tiempo insinuar el flujo incesante del tiempo que lo trajo a la superficie y lo lleva de inmediato a las oscuras profundidades del pasado. Si el futurismo trató de representar el movimiento directamente en el plano pintoresco, entonces Hopper lo saca de los límites de la pintura, pero lo deja dentro de los límites de nuestra percepción. No lo vemos, pero lo sentimos.

De la misma manera, el artista logra redirigir nuestra atención más allá del cuadro, no solo en el tiempo, sino también en el espacio. Los personajes miran a algún lugar afuera, la carretera que pasa volando por la estación de servicio atrae la atención del espectador allí, y en el ferrocarril, el ojo logra atrapar solo el último vagón del tren. Y más a menudo él ya no está allí, el tren pasó corriendo, y nosotros, involuntariamente y sin éxito, nos deslizamos con los ojos detrás de él a lo largo de los rieles.

Esta es América tal como es: sin añoranza por los perdidos, sin glorificación del progreso. Pero si fuera solo Estados Unidos, entonces Hopper no habría caído en la suerte de la fama mundial, al igual que muchos de sus contemporáneos de no peor habilidad no la obtuvieron. De hecho, Hopper logró tocar sentimientos universales, utilizando material nacional. Allanó el camino para el reconocimiento internacional de la pintura estadounidense, aunque fue llevada a los papeles principales en el arte mundial por artistas de la posguerra que no fueron reconocidos por el propio Hopper.

Su camino es único. En el convulso mundo de los vibrantes movimientos artísticos, consiguió no sucumbir a la influencia de nadie y caminar por el estrecho camino entre el romanticismo y la crítica social, entre la obsesión vanguardista por los conceptos y el naturalismo deliberado del precisionismo y el hiperrealismo, manteniéndose fiel a él mismo hasta el final.

Hopper, Eduardo (1882 - 1967)

Hopper, Eduardo

Edward Hopper nació el 22 de julio de 1882. Fue el segundo hijo de Garret Henry Hopper y Elizabeth Griffith Smith. Tras el matrimonio, la joven pareja se instala en Nyack, un pequeño pero próspero puerto cerca de Nueva York, no lejos de la madre viuda de Elizabeth. Allí, la pareja bautista Hoppers criará a sus hijos: Marion, nacida en 1880, y Edward. Ya sea por la inclinación natural del carácter, o por una educación estricta, Edward crecerá silencioso y retraído. Siempre que sea posible, preferirá retirarse.

Infancia del artista

Los padres, y en especial la madre, buscaban dar a sus hijos una buena educación. Tratando de desarrollar las habilidades creativas de sus hijos, Elizabeth los sumerge en el mundo de los libros, el teatro y las artes. Con su ayuda, se organizaron representaciones teatrales y conversaciones culturales. Hermano y hermana pasaban mucho tiempo leyendo en la biblioteca de su padre. Edward se familiariza con las obras de los clásicos estadounidenses, las lee traducidas por escritores rusos y franceses.

El joven Hopper comenzó muy temprano a interesarse por la pintura y el dibujo. Se educó copiando las ilustraciones de Phil May y del dibujante francés Gustave Doré (1832-1883). Edward será el autor de las primeras obras independientes a la edad de diez años.

Desde las ventanas de su casa natal, ubicada en una colina, el niño admira los barcos y veleros que flotan en la bahía de Hudson. El paisaje marino seguirá siendo una fuente de inspiración para él por el resto de su vida: el artista nunca olvidará la vista de la costa este de los EE. UU., a menudo volviendo a ella en sus obras. A los quince años construirá con sus propias manos un velero a partir de piezas proporcionadas por su padre.

Después de estudiar en una escuela privada, Edward ingresó a la escuela secundaria Nyack y se graduó en 1899. Hopper tiene diecisiete años y tiene un deseo ardiente: convertirse en artista. Los padres, que siempre han apoyado los esfuerzos creativos de su hijo, incluso están satisfechos con su decisión. Recomiendan empezar por las artes gráficas, o mejor aún, por el dibujo. Siguiendo su consejo, Hopper se matriculó por primera vez en la Correspondence School of Illustration de Nueva York para formarse como ilustrador. Luego en 1900 ingresó a la New York School of Art, que popularmente se llamaba Chase School, donde estudiaría hasta 1906. Allí tendrá como maestro al profesor Robert Henry (1865-1929), pintor cuya obra estuvo dominada por los retratos. Edward era un estudiante diligente. Gracias a su talento, recibió muchas becas y premios. En 1904, The Sketch book publicó un artículo sobre las actividades de Chase School. El texto fue ilustrado con el trabajo de Hopper que representa un modelo. Sin embargo, el artista tendrá que esperar muchos años más antes de probar el éxito y la fama.

El encanto irresistible de París

En 1906, después de dejar la escuela, Hopper consiguió un trabajo en la agencia de publicidad CC Philips and Company. Esta posición lucrativa no satisface sus ambiciones creativas, pero le permite alimentarse. En octubre del mismo año, el artista, por consejo de su maestro, decide visitar París. Gran admirador de Degas, Manet, Rembrandt y Goya, Robert Henri envía a Hopper a Europa para enriquecer su acervo de impresiones y conocer en detalle el arte europeo.

Hopper permanecería en París hasta agosto de 1907. Inmediatamente se presta al encanto de la capital francesa. El artista escribiría más tarde: "París es una ciudad hermosa, elegante, y hasta demasiado decente y tranquila en comparación con la terriblemente ruidosa Nueva York". Edward Hopper tiene veinte años y continúa su formación en el continente europeo, visitando museos, galerías y salones de arte. Antes de regresar a Nueva York el 21 de agosto de 1907, realiza varios viajes por Europa. Primero, el artista llega a Londres, a la que recuerda como una ciudad "triste y triste"; allí se familiariza con las obras de Turner en la National Gallery. Luego Hopper va a Ámsterdam y Harlem, donde descubre con entusiasmo a Vermeer, Hals y Rembrandt. Al final visita Berlín y Bruselas.

Después de regresar a su ciudad natal, Hopper vuelve a trabajar como ilustrador y un año después se va a París. Esta vez, le da un placer infinito trabajar al aire libre. Siguiendo los pasos de los impresionistas, pinta las orillas del Sena en Charenton y Saint-Cloud. El mal tiempo atrincherado en Francia obliga a Hopper a poner fin a su viaje. Regresó a Nueva York, donde en agosto de 1909 exhibió sus pinturas por primera vez como parte de la Exposición de Artistas Independientes, organizada con la asistencia de John Sloan (1871-1951) y Robert Henry. Inspirado por sus logros creativos, Hopper visitaría Europa por última vez en 1910. El artista pasará unas semanas de mayo en París, para luego ir a Madrid. Allí quedará más impresionado por la corrida de toros que por los artistas españoles, a los que no mencionará una palabra más adelante. Antes de regresar a Nueva York, Hopper se queda en Toledo, a la que describe como "una ciudad antigua maravillosa". El artista no volverá nunca más a Europa, pero quedará impresionado por estos viajes durante mucho tiempo, confesando más tarde: “Después de este regreso, todo me parecía demasiado ordinario y terrible”.

Comienzo difícil

El regreso a la realidad americana es difícil. Hopper está desesperadamente corto de fondos. Reprimiendo su disgusto por el trabajo de un ilustrador, obligado a ganarse la vida, el artista vuelve a él. Trabaja en publicidad y para publicaciones periódicas como Sandy Megezine, Metropolitan Megezine y System: Megezine of Business. Sin embargo, Hopper dedica cada minuto libre a pintar. “Nunca quise trabajar más de tres días a la semana”, diría más tarde. “Ahorré tiempo para mi creatividad, ilustrar me deprimía”.

Hopper persiste en la pintura, que sigue siendo su verdadera pasión. Pero el éxito nunca llega. En 1912, el artista presenta sus pinturas parisinas en una exposición colectiva en el McDowell Club de Nueva York (a partir de ahora expondrá aquí regularmente, hasta 1918). Hopper pasa sus vacaciones en Gloucester, un pequeño pueblo en la costa de Massachusetts. En compañía de su amigo Leon Kroll, vuelve a los recuerdos de infancia, dibujando el mar y los barcos que siempre le encantan.

En 1913, los esfuerzos del artista finalmente comienzan a dar sus frutos. Invitado por la Comisión Nacional Electoral para participar en el New York Armory Show en febrero, Hopper vende su primera pintura. La euforia del éxito se desvanece rápidamente, ya que a esta venta no le seguirán otras. En diciembre, el artista se instala en 3 Washington Square North, Nueva York, donde residirá durante más de medio siglo, hasta su muerte.

Los años siguientes fueron muy difíciles para el artista. No logra vivir de los ingresos de la venta de cuadros. Por lo tanto, Hopper continuó practicando la ilustración, a menudo por un salario exiguo. En 1915, Hopper exhibió dos de sus lienzos, incluido Blue Evening, en el McDowell Club, y los críticos finalmente se fijaron en él. Sin embargo, su exposición personal, que se realizará en el Whitney Studio Club, se esperará hasta febrero de 1920. En ese momento, Hopper tenía treinta y siete años.

Animado por el éxito en el campo de la pintura, el artista experimenta con otras técnicas. Uno de sus grabados recibirá numerosos premios en 1923. Hopper también intenta pintar con acuarela.

El artista pasa los veranos en Gloucester, donde nunca deja de pintar paisajes y arquitectura. Trabaja en un gran ascenso, lo impulsa el amor. Josephine Versteel Nivison, a quien el artista conoció por primera vez en la Academia de Bellas Artes de Nueva York, pasa sus vacaciones en la misma región y conquista el corazón del artista.

¡Por fin reconocimiento!

Al dudar del gran talento de Hopper, Josephine lo inspira a participar en una exposición en el Museo de Brooklyn. Las acuarelas que el artista exhibe allí le reportan un éxito considerable, y Hopper se deleita con el creciente reconocimiento. Su romance con Joe se desarrolla, descubren más y más puntos en común. Ambos aman el teatro, la poesía, los viajes y Europa. Hopper se distingue durante este período simplemente por una curiosidad insaciable. Le encanta la literatura estadounidense y extranjera e incluso puede recitar los poemas de Goethe de memoria en el idioma original. A veces redacta sus cartas a su amada Jo en francés. Hopper es un gran conocedor del cine, especialmente del cine americano en blanco y negro, cuya influencia se deja ver claramente en su obra. Fascinada por este hombre tranquilo y sereno de aspecto afable y ojos inteligentes, enérgico y lleno de vida, Jo se casa con Edward Hopper el 9 de julio de 1924. La boda tuvo lugar en la Iglesia Evangélica de Greenwich Village.

1924 es un año de éxito para el artista. Después de la boda, el feliz Hopper exhibe acuarelas en la Galería Frank Ren. Todas las obras se agotaron nada más salir de la exposición. Hopper, que ha esperado el reconocimiento, finalmente puede dejar el trabajo del ilustrador que le ha puesto los dientes de punta y hacer su trabajo favorito.

Hopper se está convirtiendo rápidamente en un artista "de moda". Ahora puede "pagar las cuentas". Elegido como miembro de la Academia Nacional de Diseño, se niega a aceptar este título, ya que en el pasado la Academia no aceptó su trabajo. El artista no olvida a quienes lo ofendieron, así como recuerda con gratitud a quienes lo ayudaron y confiaron en él. Hopper será "fiel" toda su vida a Frank Ren Gelery y al Museo Whitney, a quienes lega sus obras.

Años de reconocimiento y gloria

Después de 1925, la vida de Hopper se estabilizó. El artista vive en Nueva York y pasa todos los veranos en la costa de Nueva Inglaterra. A principios de noviembre de 1933, el Museo de Arte Moderno de Nueva York acogió la primera exposición retrospectiva de sus obras. Al año siguiente, los Hoppers construyen una casa taller en Truro Sauce donde pasarán sus vacaciones. El artista llama en broma a la casa un "gallinero".

Sin embargo, el apego de los cónyuges a esta casa no les impide viajar. Cuando Hopper carece de inspiración creativa, la pareja sale al mundo. Así, en los años 1943-1955 visitan México cinco veces, y también pasan mucho tiempo viajando por Estados Unidos. En 1941 recorren la mitad de Estados Unidos, visitando Colorado, Utah, el desierto de Nevada, California y Wyoming.

Edward y Joe viven de manera ejemplar y en perfecta armonía, pero una especie de rivalidad ensombrece su unión. Jo, que también fue artista, sufre en silencio a la sombra de la fama de su marido. Desde principios de los años treinta, Edward se ha convertido en un artista de fama mundial; el número de sus exposiciones va en aumento, y numerosos galardones y premios no lo pasan por alto. Hopper fue elegido miembro del Instituto Nacional de las Artes y las Letras en 1945. Esta institución en 1955 le otorga una medalla de oro por servicios en el campo de la pintura. La segunda retrospectiva de las pinturas de Hopper tiene lugar en el Museo Whitney de Arte Americano en 1950 (este museo albergará al artista dos veces más: en 1964 y 1970). En 1952, Hopper y otros tres artistas fueron elegidos para representar a Estados Unidos en la Bienal de Venecia. En 1953, Hopper, junto con otros artistas, representantes de la pintura figurativa, participa en la edición de la revista "Realidad". Aprovechando esta oportunidad, protesta contra el dominio de los artistas abstractos dentro de las paredes del Museo Whitney.

En 1964, Hopper comienza a enfermarse. El artista tiene ochenta y dos años. A pesar de las dificultades con las que se da a la pintura, en 1965 crea dos, que se convierten en las últimas, obras. Estos cuadros fueron pintados en memoria de la hermana que murió este año. Edward Hopper muere el 15 de mayo de 1967 a la edad de ochenta y cinco años en su estudio de Washington Square. Poco antes recibió reconocimiento internacional como representante de la pintura estadounidense en la Bienal de Sao Paulo. El traslado de todo el patrimonio creativo de Edward Hopper al Museo Whitney, donde hoy se pueden ver la mayoría de sus obras, lo realizará la esposa del artista, Jo, quien dejará este mundo un año después que él.