Naše doba se vyznačuje rychlou změnou módních cyklů. Znakem vývoje módy je jejich sezónní obrat: jaro - léto a podzim - zima. V tomto ohledu jsme svědky rychlé změny módních trendů, formování nových forem odívání. Zdrojem poznatků o proměnách forem a struktur je především historický kostým, který se formoval a schvaloval po staletí. Lidový kroj je neocenitelným nedílným majetkem kultury lidí, nashromážděným po staletí. Oděv, který ve svém vývoji urazil dlouhou cestu, je úzce spjat s historií a estetickými názory tvůrců. Umění moderního kroje se nemůže rozvíjet izolovaně od lidových, národních tradic. Bez hlubokého studia tradic je progresivní rozvoj jakéhokoli typu a žánru současného umění nemožný.

Lidový kroj je nejen jasným originálním prvkem kultury, ale také syntézou různých druhů dekorativního umění, které až do poloviny 20. století přinášelo tradiční prvky střihu, ornamentu, použití materiálů a dekorací charakteristických pro ruský oblečení v minulosti.

Utváření kompozičních, střihových a ozdobných prvků ruského kroje bylo ovlivněno geografickým prostředím a klimatickými podmínkami, ekonomickou strukturou a úrovní rozvoje výrobních sil. Důležitými faktory byly historické a společenské procesy, které přispěly k vytvoření zvláštních forem oděvu, významná byla role místních kulturních tradic.

Košile je právem považována za nejstarší typ oděvu. Již ve století VI. v kroji našich předků - Slovanů - zaujímala přední místo a někdy byla jediným kusem oděvu. Dámská košile se od pánské lišila vlastně jen délkou a bohatším střihem.

Košile zřejmě pochází ze slova „rub“, což v jazyce předků znamenalo kus, kus látky, ale zároveň sloužilo jako název celého komplexu. Sedlák, městský obyvatel a šlechtic měli na sobě stejnou košili střihu, rozdíl byl pouze v kvalitě látky.

Nejběžnějším materiálem dodnes zůstává len. Ve starém ruském jazyce existovaly dva termíny: "hlast" - "plátno", "tlstyna" - nebělená látka a "náboj" - bělené plátno pro označení hlavního materiálu. Od pradávna se ženy zabývaly předením a tkaním plátna. Věřili, že pouze dobré ženské ruce, které nedrží zbraně, mohou být pověřeny výrobou oděvů, první ochránkyně člověka. Téměř všechny ženy ve venkovských rodinách a nejprve v městských rodinách vlastnily toto řemeslo.

Nejstarší košile se šily z jednoho dlouhého plátna přeloženého napůl na ramena. Do stran byly všity klínovité vložky, získané šikmým řezáním obdélníku, rozšiřující lem. Potom prořízli štěrbinu brány a uprostřed hrudníku. Po skončení řezu tedy nezůstal jediný úlomek navíc.

Postup zdobení košile se vyvíjel i v pohanských dobách a dodnes je přísně dodržován v lidovém kroji.Ve staré Rusi sloužily jako ozdoba oděvů šlechty perly, úlomky s polodrahokamy a barevná skla, drahé prýmky a šňůry. . Oděvy hlavní části obyvatelstva byly tradičně zdobeny ruční výšivkou nebo vzorovaným tkaním. Podél lemu, okrajů rukávů, na ramenou, podél límce a podél zářezu na hrudi byly nutně umístěny ozdobné pruhy a později stuhy, prýmky, nášivky ze zakoupených látek, barevné krajky. Takový zvláštní systém ochranných linií v kombinaci s pásem, který měl podle starověkých názorů přepásat jakoukoli košili, chránil životně důležité části těla. Ozdoby umístěné po okrajích oděvů zároveň chránily odhalené části těla před zlými duchy.

Obzvláště silně zdobené byly slavnostní a slavnostní košile, které se nosily v určité dny. První den sklizně trav se tedy mělo vyjít v „kosení“ se širokým vzorovaným pruhem na lemu. Ve svátek žní se oblékli do „sklizňové“ košile. Poslední týden před svatbou dívky nosily košili s 1 velmi dlouhými rukávy, nazývanou „zabiják“. V něm měla nevěsta plakat strachem z nadcházejícího rodinného života v cizím domě. Svatební košile byla ale právem považována za nejkrásnější. Byl vyšíván vícebarevnými vzory, kde hlavní místo zaujímala červená. Mladá žena si ho oblékala ještě několik let o velkých svátcích a pak si ho pečlivě uschovala.

V ruském národním kroji, stejně jako v kostýmech jiných národností, po mnoho staletí existuje nepsané pravidlo: věnovat větší pozornost ženskému oblečení, protože je primárně určeno k ochraně zdraví předka rodiny.

V jižních oblastech byl rovný střih košil složitější, prováděl se pomocí tzv. poliků - střihových detailů spojujících přední a zadní stranu podél linie ramen. Poliky by mohly být rovné a šikmé. Obdélníkové poliki spojovaly čtyři panely plátna o šířce 32-42 cm každý. Šikmé poliky (ve formě lichoběžníku) byly spojeny širokou základnou s rukávem, úzkým - s podšívkou krku. Obě konstruktivní řešení byla zdůrazněna dekorativně.

Sarafan (perský serapa, turecko-tatarský „od hlavy až k patě“) je národní kroj ruských žen. Nosí se přes košili s nafouknutými rukávy. Pokud je to provedeno přes hlavu, pak je na hrudi našito několik ozdobných knoflíků. Sundress lze také odepnout vpředu.

Je známo několik různých druhů sarafanu, jehož tvorba brusu a zdobení byly ovlivněny vlastnostmi dané oblasti.

Jeho nejstarší forma je šikmá na průramcích nebo širokých popruzích. Přední a zadní panely této letní šaty byly po stranách spojeny dalšími klíny. Přední rovný panel neměl střední šev. V provincii Tver se mu říkalo "kostolan", v severních oblastech - "hrbáč".

Sundress v severozápadních provinciích (Novgorod, Olonets, Pskov atd.) měl jiný střih. Byl uzavřenější, a proto se mu přezdívalo „šušun“ nebo „tetřev“. Staří věřící nosili takové letní šaty.

Tyto letní šaty byly ušity z látky ohnuté přes ramena se zkosenými klíny po stranách. Dlouhé, často falešné rukávy byly našity zezadu.

Šikmé šaty s rozparkem vpředu s knoflíky a poutky.

Byl distribuován v 19. století ve všech provinciích středního Ruska. V provinciích Jaroslavl a Tver se mu říkalo "feryaz", v Moskvě - "Sayan", Smolensk - "sorokoklin". Tam byla také taková jména - "kumashnik", "modrá". Tyto letní šaty byly ušity následovně: dva přední panely a jeden zadní panel byly rovné, byly k nim přišity silně zkosené klíny, které oděv rozšiřovaly. Zářez vpředu byl ozdoben červenou krajkou, prýmkem, třásněmi atd. Někdy se přední zářez zašíval a knoflíky a poutka byly ponechány jako ozdoba. Někdy mladé dívky šily takové letní šaty s popruhy.

Rovné nebo kulaté letní šaty byly ušity z několika rovných látek (od 4 do 7), přebytečná látka byla shromážděna nahoře v malé sestavě a uzavřena úzkou stuhou nebo lemem. Úzká krátká ramínka na zádech byla sešita a vpředu samostatně. Podél spodní a horní části letní šaty byly vyrobeny ozdoby ve formě ozdobných výšivek, prýmků atd. V Moskevské a Vladimirské provincii se mu říkalo kožich. Takové letní šaty nosily mladé i starší ženy. Rozdíl byl pouze v barvě: mladí šili letní šaty ze světlých látek, starší používali tmavé barvy.

Letní šaty s vypasovaným živůtkem se objevily koncem 19. - začátkem 20. století. a byly jakési pološaty. Jeho hlavně byly řezány podél šikmé nitě.

Svatební letní šaty byly obzvláště odlišné. Například v provincii Rjazaň se nevěsta provdala v černých letních šatech s bílým šátkem na hlavě, který se obvykle nosil během smutku. Hned první den společného života se mladá žena objevila ve svých nejlepších letních šatech – nejčastěji v různých odstínech červené. V provinciích Vologda a Kostroma byly modro-růžové, karmínové letní šaty šité z drahých látek. Byly zdobeny spředeným zlatem, prýmkem, perlami.

Podmínky historického vývoje, počínaje XII - XIII stoletím. určil nejcharakterističtější rozdělení forem ruského kroje na severní a jižní. V XIII - XV století. severní oblasti (Vologda, Archangelsk, Velikij Usťug, Novgorod, Vladimir atd.), na rozdíl od jižních, nebyly devastovány nájezdy kočovníků. Intenzivně se zde rozvíjela umělecká řemesla, kvetl zahraniční obchod.

Počínaje XVIII stoletím. Sever se ukázal být stranou rozvíjejících se průmyslových center, a proto si zachoval integritu lidového života a kultury. Proto se v ruském kroji Severu hluboce odrážejí národní rysy a nezažívají cizí vlivy.

Jihoruský kroj (Rjazaň, Tula, Tambov, Voroněž, Penza, Orel, Kursk, Kaluga atd.) je z hlediska oblečení mnohem rozmanitější. Mnohonásobná migrace obyvatel v důsledku nájezdů kočovníků a poté během formování moskevského státu vedl vliv sousedních národů (Ukrajinců, Bělorusů, národů Povolží) k častější změně oblečení a rozmanitosti jeho typů. .

V jihoruském kroji se místo letních šatů častěji používala poneva - pásové oblečení z vlněné tkaniny, někdy lemované plátnem. Látka používaná na ponevu je nejčastěji tmavě modrá, černá, červená, s kostkovaným nebo pruhovaným (s příčným pruhem) vzorem. Každodenní ponevové vyšli skromně: vlněný podomácku upředený vzorovaný cop (pásek) na dně. Slavnostní ponevy byly bohatě zdobeny výšivkami, vzorovaným prýmkem, vložkami z kaliko, barvením, pozlátkovými krajkami a jiskrami. Široký horizontální pruh lemu byl kombinován se švy, vertikálními barevnými vložkami. Barevné schéma poníků bylo obzvláště jasné a barevné díky jejich tmavému pozadí.

Poneva je ve skutečnosti také sukně, pouze její podlahy zpravidla nebyly šité. Říkalo se tomu rastopolka, tedy houpací. Poneva se držela na plynu (řemen, lano, šňůra, cop).

Vyrobeny zpravidla z kostkované podomácku předené vlny, byly „laskavé“, „svaté“, „zasvěcené“ a „poslední“. A ponev se dělily na modřiny (plné modré) a červené (červené) se vzorem. Poneva nejvíce připomíná naše rovné sukně.

Zástěra

Nejzdobnější a nejbohatěji zdobenou součástí severního i jižního ženského kroje byla zástěra neboli závěs, zakrývající ženskou postavu zepředu. Zástěra byla obvykle vyrobena z plátna a zdobena výšivkami, tkanými vzory, barevnými ozdobnými vložkami a hedvábnými vzorovanými stuhami. Okraj zástěry zdobily zoubky, bílá nebo barevná krajka, třásně z hedvábných nebo vlněných nití a různě široký volán.

zahřívající duši

V oblečení ruského severu, ze starověkého ruského kostýmu, "epanechki" a dushegrey, jsou zachovány krátké kožichy, prošívané na vatě, s rukávy. Dushegreya - dámské hrudní oblečení bez rukávů vyrobené z drahých továrních tkanin. V těchto místech se dushegrei šily z brokátu. A je střižena tak, že látka vzadu leží ve velkých skladech a vpředu mají police lichoběžníkový tvar. Brokát se při stříhání zpevňoval (lepil) hrubou plátennou látkou, někdy se lemoval novinami, aby držel rovný tvar polic, byly na zadní straně sklady. Na úzkých popruzích - úzký galon nebo krajka. Sprchový ohřívač se zapínal pouze na brož, která se nahoře přišpendlila nebo přivázala na mašli ze širokých stuh. To naznačuje, že se dříve nosila s letní šaty.

Vrstvením kostýmu, který měl různé délky současně nošených košil, ponevy, zástěry, náprsenky, vzniklo horizontální členění siluety, opticky rozšiřující postavu.

Klobouky

V ruském lidovém kroji jsou zachovány starodávné pokrývky hlavy a samotný zvyk pro vdanou ženu skrýt vlasy, pro dívku - nechat je odkryté. Tento zvyk je způsoben formou ženské čelenky ve formě uzavřené čepice, dívčí - ve formě obruče nebo obvazu. Rozšířené jsou kokošniky, „straky“, různé obvazy a korunky.

Ze šperků se používají perlové, korálkové, jantarové, korálové náhrdelníky, přívěsky, korálky, náušnice.

Látky, barva, ornament

Hlavními látkami lidového selského oděvu bylo podomácku spřádané plátno a vlna jednoduché plátnové vazby a od poloviny 19. stol. - tovární výroba hedvábí, satén, brokát s ornamentem bujných květinových girland a kytic, kaliko, chintz, satén, barevný kašmír.

Vzorované tkaní, výšivky a potisky byly hlavními způsoby zdobení bytového textilu. Pruhované a kostkované vzory jsou tvarově i barevně rozmanité. Technika lidového vzorovaného tkaní, stejně jako vyšívání počítáním nití, vedly k přímočarým, geometrickým obrysům, absenci zaoblených obrysů ve vzoru. Nejběžnější prvky ornamentu: kosočtverce, šikmé kříže, osmiboké hvězdy, rozety, vánoční stromky, keře, stylizované postavy ženy, ptáka, koně, jelena. Vzory, tkané a vyšívané, byly vyrobeny lněnými, konopnými, hedvábnými a vlněnými nitěmi, barvenými rostlinnými barvivy, které dávaly tlumené odstíny. Rozsah barev je vícebarevný: bílá, červená, modrá, černá, hnědá, žlutá, zelená. O vícebarevnosti se rozhodovalo nejčastěji na základě bílé, červené a modré (nebo černé) barvy.

Od poloviny XIX století. podomácku předené tkaniny jsou nahrazeny tkaninami vyrobenými v továrně s potištěnými květinovými, kostkovanými, pruhovanými vzory.

Lidové tradice v moderním oblečení

Lidové umění zůstává skutečným skladištěm nápadů pro módní návrháře a návrháře. V 70. letech minulého století byly ve sbírkách módních návrhářů ceněny projevy „národního ducha“, nikoli však v etnografickém smyslu, ale v kontextu „mezinárodního stylu“: ruský styl, asijský styl atd. .

21. století přinesl do moderního módního návrhářství nové národní tradice – estetiku postmoderny. Při vytváření modelu oblečení se používá metoda "uvozovek". "Citát" může být detail národního kroje, prvek dekoru, zvětšený nebo zdeformovaný ornamentální motiv, střih nebo barevné schéma. Kombinací různých „citátů“, mícháním prvků kostýmů různých národů vytváří návrhář nový obraz se specifickým a rozpoznatelným kreativním zdrojem.

Oblečení pro teenagery je poněkud ovlivněno „dospěláckou“ módou, ale nevyznačuje se častými změnami a radikálními převraty. Je stabilnější, což souvisí se zvláštnostmi tělesné stavby věkových skupin dětí. Hlavní požadavky na náctileté oděvy (jednoduchost střihu, maximální účelnost forem, znělost a svěžest barevných schémat) se plně promítají do lidových oděvů, kde se neodmyslitelně snoubí krása a funkčnost.

barevná harmonie

Nezbytnou podmínkou krásy oděvu je harmonie barev v něm, tedy důslednost, harmonie v kombinaci barev. Abychom vytvořili kostým (to je výběr látky, dokončovacích materiálů), studovali jsme harmonii barev.

Barva v oblečení. Nezbytnou podmínkou krásy oděvu je harmonie barev v něm, tedy důslednost, harmonie v kombinaci barev.

Pro vytvoření barevné harmonie obleku je důležité nejen vědět, jak se barvy kombinují, rozlišovat kompatibilní a nekompatibilní barvy, ale také umět seřadit detaily oblečení podle barev a barevných proporcí do jednoho celku .

Základy teorie barev položil Newton, který se jako první pokusil systematizovat svět barev objevením vztahu mezi lomem světla a barvou. Věřil, že bílé světlo, které bylo před ním bráno jako homogenní, se po lomu v hranolu rozkládá na mnoho různých světelných vln. Newton zakroužkoval barvy svého spektra a přidal chybějící purpurovou, která se získává smícháním červené a fialové barvy a přidává se k hladkému přechodu z fialové na červenou. Pokud jsou spektrální barvy (od červené po fialovou) uspořádány za sebou v kruhu, pak se vytvoří chromatický kruh.

Celá paleta barev se dělí do dvou skupin – chromatické a achromatické.

Achromatické barvy jsou bílá, černá a všechny odstíny šedé - od bílé po černou.

Chromatické barvy jsou spektrální barvy a purpurová.

Existují tři skupiny barev podle kombinace – příbuzné, příbuzné-kontrastní a kontrastní.

Příbuzné barvy mají ve svém složení alespoň jednu společnou (hlavní) barvu. Existují čtyři skupiny příbuzných barev – žlutočervená, modrozelená a zelenožlutá. Pečlivě vybrané související barvy poskytují skvělé příležitosti pro řešení barevné kompozice. Například zelená a zelenomodrá jsou příbuzné barvy, dobře se kombinují v kompozicích s různými velikostmi barevných skvrn. Velký počet skvrn jedné barvy a malé množství jiné je dobrým řešením. Při použití příbuzných barev v kostýmní kompozici se obvykle jedna nebo obě používají tlumené. Správné síly barev se dosáhne výběrem příbuzných barev tak, aby nebyly příliš jasné. Žlutá a žlutozelená, zelená a zelenomodrá, modrá a fialová, fialová a červená, červená a oranžová atd. jsou příbuzné barvy.

V tónové kompozici je dosaženo silného efektu prostřednictvím různé světlosti použitých barev - zavedením světlých a tmavých tónů v kontrastu. Harmonické kombinace příbuzných barev jsou reaktivní, klidné, měkké, zvláště pokud jsou barvy mírně syté a blízko v lehkosti.

Související kontrastní barvy. Existují také skupiny příbuzných kontrastních barev - žlutočervená a červenomodrá, červenomodrá a modrozelená, modrozelená a zelenožlutá, zelenožlutá a žlutočervená. Harmonie příbuzných kontrastních barev je ve srovnání s příbuznými aktivnější a emotivnější.

Kontrastní barvy. Jedná se o žlutočervenou, modrozelenou, žlutozelenou a modročervenou. Kombinace harmonických kontrastních barev je obzvláště aktivní, protože barvy jsou dvojnásobně vyváženy jejich opačnými vlastnostmi. Ne všechny kontrastní barvy jsou však harmonické. Například žlutočervená a zelenomodrá jsou neharmonické kontrastní barvy.

Na tvorbě kompozice kostýmu se podílejí i achromatické barvy: bílá, černá, modrá. Černá a bílá samotná nebo v kombinaci jsou vnímány jasně, protože jsou v kontrastu s pozadím. Oba - černé i bílé - vypadají vznešeně a výhodně. Šedá vypadá velkolepě v kombinaci s černou a bílou. Černá barva má silný vliv na chromatické, zejména střední ve světlosti a vysoce syté červené a zelené barvy: tyto chromatické barvy se rozjasňují, zvyšuje se jejich sytost, zdá se, že září. Bílá, zejména tahy chromatických barev, dodávají kompozici zvláštní chuť: barvy se stávají vzdušnými, pastelovými; bílá barva dodává kostýmu eleganci.

Harmonické barevné schéma obleku závisí nejen na kombinaci barev, ale také na tom, kolik z těchto barev je odebráno, jaká je struktura látky. Doporučené barevné kombinace však nelze brát jako závazné.

Výběr látky na oblek.

Pro jevištní kostým „Sudarushka“ jsme pro košili zvolili bílý krepový satén, protože bílá barva se hodí ke všem barevným kompozicím a ve starém ruském kostýmu byla košile vždy bílá.

Pro letní šaty byla vybrána sytá modrá barva a pro hlavní dokončovací práce související barvy: modrá a světle modrá.

Pro emotivnější vnímání kostýmu byly do výzdoby přidány kontrastní barvy: červená a zelená. Trocha černé dodá celému obleku sytost.

Výběr a zdůvodnění materiálu.

Krep, krepový satén. Souhrnný název všech tkanin se zrnitým vázaným povrchem, získaným krepovým kroucením příze, proplétáním nití, ražením tkaniny.

Krepový satén: saténová vazba, střední vráska, dobrá srst, prodyšnost, nízká hygroskopicita, střední tepelná ochrana. Střední prošívání odolává, protože má silný skluz, vysoké roztahování nití ve švech. Při WTO je nutné vzít v úvahu tepelný režim, protože tkanina je vyrobena ze syntetických a umělých vláken a má také lesklý hladký povrch, na kterém po navlhčení zůstávají skvrny.

Má dobré koloristické zbarvení látky, má výrazný lesk, výrazné zbarvení.

Analýza kostýmů.

Po rozboru lidových krojů jsme prozkoumali košile, letní šaty, ponevy. Rozhodli se nechat střih košile starý, ale ke zdobení použít moderní materiály. Široké letní šaty, ponyovy mají objemný tvar a neradi bychom zdůraznili dívčí postavu, zvolili jsme letní šaty s podříznutými sudy.

Výběr modelu

Košile: střih košile, dlouhý rukáv, krajkový lem.

Sundress: polopřilehlá silueta, podříznuté soudky, zakončení - nášivka, vyšívaný cop, saténová stuha, šikmá vložka.

Dokončení produktu

Košile: podél linií průramku rukávu, spodní části rukávu, výstřihu, zakončení modrou, krajkové šití.

Sundress: střední přední linie, spodní linie - modrý pruh modrého krepového saténu. Aplikace je symetrická od střední linie ke spodní části sukně. Kontrastní lem s vyšívaným prýmkem, svlačec, saténová stuha.

Konstrukce

Konstrukce výkresu základu ramenního výrobku s jednodílnou objímkou.

Modelování, příprava vzorů ke stříhání

Rukáv: z bodu B2 podél čáry B2B5 změřte délku ramene + délku rukávu, z tohoto bodu vytvořte pravý úhel. Z bodu G1 nakreslete rovnoběžku k průsečíku.

Krk: od bodu B2 dejte stranou 2 cm, od bodu B4 6 cm, spojte je obloukem.

Vzory: odstřihněte rukáv přes body B1 a G2. Středová čára B1B6 a přehyb rukávu. Získáme tři části: záda, police, rukáv.

Průramek: vyčlenit 10 cm od bodu B2 (šířka ramen). Výsledný bod spojte hladkou čarou s bodem T.

Krk: 3 cm od bodu B2, 10 cm od bodu B4. Spojte hladkou čarou. Prohloubte límec na zádech o 2 cm.

Na linii hrudníku od linie středu vzoru odložte míru středu hrudníku. Nakreslete svislou čáru přes bod od linie ramen ke spodní linii.

Vzory: přední - střední část 1 kus, hlaveň - 2 kusy (řez podél šikmého); hřbet - střední díl 1 díl, hlaveň - 2 díly.

Rozšíření podél spodní linie: rozšiřte střední části přední a zadní části podél spodní linie od linie pasu, roztáhněte boční detaily na obou stranách.

Technologie výroby

Košile: spojte ramenní švy na zádech a vepředu, spojte je s rukávy a vytvořte vložku z krajky. Spodní část rukávu olemujte nabíranou krajkou. Šijte peplum na gumičku. Dekolt zakončete nabíranou krajkou. Šijte podél boční linie, spodní část zpracujte lemovým švem s uzavřeným řezem. Vložte elastický pásek podél spodní linie rukávu.

Sundress: před: spojte střední část s sudy, prošijte pruh dokončovací látky podél linie středu přední části. Aplikaci na obou stranách přetáhněte ukončovacím proužkem.

Zadní strana: spojte střední část se sudy.

Připojte detaily produktu, zpracujte průramky a krk červeným šikmým lemem. Spodní část výrobku ošetřete pruhem dokončovací látky. Šijte podél linie krku podél řezů ukončovacích proužků s vyšívaným prýmkem, červenou saténovou stuhou.

ekonomická kalkulace

Materiál Cena Množství Cena

krep - satén 90 rub. 3 m. 270 rublů.

šití krajky 24 rub. 4m. 56 rublů

cop vyšívaný 8 rub. 5m. 40 rublů

saténová stuha 4 rub. 8m. 32 rublů.

dublirin 50 rublů. 1 m. 50 cm 75 rublů.

nitě (různé barvy) 10 rub. 6 cívek 60 rub.

Celkem: 533 rublů.

Na výrobu kostýmu jsme utratili 533 rublů. Z tabulky vyplývá, že hlavní náklady byly na nákup látky. Na nášivku byla použita klopa, která byla ponechána při šití dalších výrobků.

"Část výpravy, která je v rukou herců, je jeho kostým."
Francouzská encyklopedie.

„Kostým je druhou skořápkou herce, je to něco neoddělitelného od jeho bytosti, je to viditelná maska ​​jeho jevištního obrazu, která s ním musí tak integrálně splývat, aby se stala neoddělitelnou...“
A. Ya, Tairov.

Divadlo je syntetická forma umění, která nám umožňuje nejen slyšet, nejen si představovat, ale také se dívat, vidět. Divadlo nám dává možnost být svědkem psychologických dramat a účastníkem historických činů a událostí. Divadlo, divadelní představení vzniká úsilím mnoha umělců, od režiséra a herce až po produkčního výtvarníka, protože představení je „spojením různých umění, z nichž každé je v tomto plánu transformováno a získává novou kvalitu. ......".

Divadelní kostým je složkou jevištního obrazu herce, jedná se o vnější znaky a vlastnosti ztvárňované postavy, které napomáhají herecké reinkarnaci; prostředky uměleckého působení na diváka. Kostým je pro herce hmota, forma inspirovaná smyslem role.

Tak jako herec slovem a gestem, pohybem a zabarvením hlasu vytváří novou podstatu jevištního obrazu, vycházející z toho, co je ve hře dáno, tak umělec, vedený stejnými daty hry, ztělesňuje obraz tím, prostředky jeho umění.

V průběhu staleté historie divadelního umění procházel kulisový design důsledně evoluční proměnou, způsobenou nejen zdokonalováním jevištní techniky, ale i všemi peripetiemi stylů a módy odpovídajících dob. Záleželo na povaze literární struktury hry, na žánru dramaturgie, na sociální skladbě publika a na úrovni jevištní techniky.

Období stabilních architektonických struktur starověku ustoupilo primitivním etapám středověku, který zase ustoupil královským dvorním divadlům se soběstačným luxusem představení. Hrálo se v plátně, ve složitých konstruktivních kulisách, pouze ve světelném designu, zcela bez dekorace - na holém pódiu, na plošině, jen na chodníku.

Role kostýmu jako „pohyblivé“ kulisy byla vždy dominantní. Změnil se pohled na jeho „vztah“ k herci, době a historii a nakonec i k přímému „partnerovi“ – ​​výtvarnému řešení scény.

V procesu progresivního rozvoje umění moderního divadla, inovací režie, proměny způsobu výtvarného ztvárnění role kostýmního umění neubývá – naopak. S růstem svých mladších a flexibilnějších protějšků - kina a televize - divadlo nepochybně získává při hledání a mučení nové formy spektakulárních technik, přesně takové, které by bránily a definovaly pozici divadla jako trvalé hodnoty nezávislé umělecké formy. . Kostým jako nejpohyblivější prvek divadelní kulisy se v tomto hledání dostává na první místo.

Vysoká moderní kultura divadelního umění, jemná a hluboká režijní práce na hře a představení, talentované herectví vyžaduje od kostýmního výtvarníka, který inscenaci navrhuje, především pečlivé pronikání do dramaturgie představení, úzký kontakt s směr. Moderní design není kanonizován pravidly. Je to individuální a konkrétní v každém konkrétním případě. „Práce režiséra je neoddělitelná od práce umělce. Nejprve musí režisér najít vlastní odpovědi na základní scénografické problémy. Umělec zase musí cítit úkoly prostředí a vytrvale hledat výrazové prostředky ... “. Divadelní kostým vzniká nejprve vizuálními prostředky, tedy skicou.

Každé představení či představení hrané na jevišti je koncipováno tak, aby divákovi přineslo mimo jiné i estetické potěšení z toho, co viděl. Proto je tak důležité obléknout postavy do příslušných divadelních kostýmů. Pak bude snadné cítit ducha éry díla, zachytit charakter postav a jen si užívat krásu podívané.

Divadelní kostýmy od starověku po současnost

Oblečení herců prošlo od vzniku divadla jako takového až do současnosti:

• Snažili se vytvářet jevištní obrazy v dávných dobách, experimentovali s improvizovanými materiály. I ve staré Číně a Japonsku bylo možné pozorovat herce ve specifických oděvech, zejména na slavnostních či rituálních představeních. V Indii se v dávných dobách pouliční tanečníci také oblékali do neobvyklých zářivých sárí, aby přitáhli pozornost. A s příchodem umění malby přírodními barvivy se sárí nestalo monofonním, ale vzorovaným.
• Je to „divadelní“, který lze nazvat kostýmem, který se objevil ve starověkém Řecku. Byly použity groteskní masky, make-up a zvláštní barva oděvu postav naznačovala postavení nebo povolání hrdiny představení.
• Poté se evropské divadlo začalo rozvíjet v éře feudalismu, kdy se představení, tzv. „záhady“ dávali potulní umělci – histrioni. Vzhled postav se vyznačoval elegancí a bohatými prvky dekorace.
• Renesance se svými komediemi dell'arte se vyznačuje groteskností. Pomocí oblečení, účesů a paruk, pokrývek hlavy, bot, masek a make-upu vznikaly vtipné obrazy, zdůrazňovaly se inherentní rysy konkrétních postav, které diváka zesměšňovaly nebo potěšily (ozdobná peříčka na kloboucích, barevné pantalony).
• V následujících stoletích byla v každém evropském a východním státě nějaká divadla, muzikálové salony, opery, balety atd. Kostýmy se staly rozmanitějšími, často přenášejícími ducha historické epochy, moderní oblečení, osvobozující se od přílišné stylizace. Na jevišti tak bylo možné vidět jak divákovi známé obrazy, tak předělané historické kostýmy, naturalistické zjevy a fantazijní líčení.

Zvláštní pozornost si zaslouží ruský divadelní kostým. Za jeho první tvůrce jsou považováni buvoli. Světlé košile, kaftany s vlečkami, lýkové boty, čepice s rolničkami, nášivky na kalhotách - všechny tyto prvky kostýmu připomínaly selské oblečení, ale v přehnaně satirické podobě. Bylo tam církevní divadlo, kde byli účinkující oblečeni v bílých šatech jako andělé. Ve školních divadlech měly postavy své vlastní emblémy. A za cara Alexeje Michajloviče fungovalo profesionální divadlo. Proto prvky panovnického kroje nesly znaky královské důstojnosti, používaly se zakázkové výšivky, ručně se přišívaly drahé kameny a nádherné dekorace.

Druhy

Je obvyklé rozlišovat tři hlavní typy kostýmů:

1. Osobní. Tento typ je figurativně-plastickou kompozicí, která je přímou součástí celého obrazu interpreta role. V obleku je postava často zcela skrytá. Sám herec ji uvádí do pohybu a namlouvá. Takže pro pekingskou operu byly charakteristické obrazy posvátného chrámu nebo draka.
2. Hra. Jedná se o prostředek proměny vzhledu umělce a důležitý prvek jeho hry. Proměna postav v rituálních a folklórních akcích podle charakteru měla často základ v použití grotesky a parodie, například když se mladí muži převlékali za dívky.
3. Stejně jako oblečení postavy. Je to hlavní v moderních představeních, často přesně připomínající tradiční oděvy konkrétní éry akce v inscenaci. Na základě takového obleku vznikají výše uvedené dva typy.

Krejčovské vlastnosti

Šití scénických outfitů je poměrně složitá a kreativní činnost. Je nutné zvolit správné materiály, doplňky, případně vytvořit výšivku a nášivku. Divadelní kostým musí splňovat následující požadavky:

• Přesně ztělesňovat éru, s přihlédnutím k historickým, etnografickým, národním rysům díla a postav.
• Přizpůsobte záměr režiséra vyjádřit podstatu charakteru postavy.
• Udělejte efekt obrazu herce v očích diváka.
• Je dobré sedět podle postavy svého majitele.
• Pohodlí nošení kostýmu (zejména důležité pro tanečníky účastnící se představení).

Jelikož kostýmní výtvarník vybírá divadelní kostým pro konkrétní roli a konkrétního herce, je nutné jej ušít na míru. Za tímto účelem je lepší obrátit se na profesionály. Tailoring Factory je šicí výroba v Moskvě a Moskevské oblasti, zde si můžete objednat ušití kostýmu pro představení, operu a balet. Budou vybrány nejlepší materiály a aplikovány moderní šicí technologie.

DIVADLO je syntetická forma umění, která nám umožňuje nejen slyšet, nejen si představovat, ale také se dívat, vidět. Divadlo nám dává možnost být svědkem psychologických dramat a účastníkem historických činů a událostí. Divadlo, divadelní představení vzniká úsilím mnoha umělců, od režiséra a herce až po produkčního výtvarníka, protože představení je „kombinací různých umění, z nichž každé je v tomto plánu transformováno a získává novou kvalitu. ...“

Divadelní kostým je složkou jevištního obrazu herce, jedná se o vnější znaky a vlastnosti ztvárňované postavy, které napomáhají herecké reinkarnaci; prostředky uměleckého působení na diváka. Oblek je pro herce hmota, forma inspirovaná smyslem role.

Tak jako herec slovem a gestem, pohybem a zabarvením hlasu vytváří novou podstatu jevištního obrazu, vycházející z toho, co je ve hře dáno, tak umělec, vedený stejnými daty hry, ztělesňuje obraz tím, prostředky jeho umění.

V průběhu staleté historie divadelního umění procházel kulisový design důsledně evoluční proměnou, způsobenou nejen zdokonalováním jevištní techniky, ale i všemi peripetiemi stylů a módy odpovídajících dob. Záleželo na povaze literární struktury hry, na žánru dramaturgie, na sociální skladbě publika a na úrovni jevištní techniky.

Období stabilních architektonických struktur starověku ustoupilo primitivním etapám středověku, který zase ustoupil královským dvorním divadlům se soběstačným luxusem představení. Hrálo se v plátně, ve složitých konstruktivních kulisách, pouze ve světelném designu, zcela bez dekorace - na holém pódiu, na plošině, jen na chodníku.

Role kostýmu jako „pohyblivé“ kulisy byla vždy dominantní. Změnil se pohled na jeho „vztah“ k herci, době a historii a nakonec i k jeho bezprostřednímu „partnerovi“ – ​​výtvarnému řešení scény.

V procesu progresivního rozvoje umění moderního divadla, inovací režie, proměny způsobu výtvarného ztvárnění role kostýmního umění neubývá – naopak. S růstem svých mladších a flexibilnějších protějšků - kina a televize - divadlo nepochybně získává při hledání a mučení nové formy spektakulárních technik, přesně takové, které by bránily a definovaly pozici divadla jako trvalé hodnoty nezávislého. umělecká forma. Kostým jako nejpohyblivější prvek divadelní kulisy se v tomto hledání dostává na první místo.

Vysoká moderní kultura divadelního umění, jemná a hluboká režijní práce na hře a představení, talentovaný herecký výkon vyžaduje od umělce, který inscenaci navrhuje, zvláště důkladný průnik do dramaturgie představení, úzký kontakt s směr. Moderní design není kanonizován pravidly. Je to individuální a konkrétní v každém konkrétním případě. „Práce režiséra je neoddělitelná od práce umělce. Nejprve musí režisér najít vlastní odpovědi na základní scénografické problémy. Umělec zase musí cítit úkoly nastavení a vytrvale hledat výrazové prostředky ... “

Divadelní kostým vzniká nejprve vizuálními prostředky, tedy skicou.

Odeslat svou dobrou práci do znalostní báze je jednoduché. Použijte níže uvedený formulář

Studenti, postgraduální studenti, mladí vědci, kteří využívají znalostní základnu ve svém studiu a práci, vám budou velmi vděční.

• 3
• 2. Kostým starověkého divadla 5
• 7
• 9
• 5. Divadelní kostým Evropy z XVIPROTI. až do moderní doby 13
• 17

1. Co je to divadelní kostým?

Divadlo je druh umění, které nemůže existovat bez publika, takže vše v něm je navrženo pro vnější efekt. Divadelní kostým (spolu s umělými kníry a vousy, parukami, kosmetikou, maskami) je součástí divadelního líčení. Make-up (z francouzského "grimer" - "malovat obličej") je umění změnit vzhled herce pro danou roli a prostředky k tomu nezbytné.

Divadlo (a s ním i make-up) se zrodilo v hlubinách magického synkretického obřadu starověku. Lidé v něm viděli léčivou sílu, která očišťuje tělo od různých vášní.

Všechny národy světa od pradávna mají svátky spojené s každoročními cykly umírání a znovuzrození přírody. Tyto svátky daly divadlu život.

Staří Řekové milovali a ctili mladého boha Dionýsa. Nejvyššího božstva - Dia - uctívali pouze jednou za čtyři roky (olympijské hry); Athena - jednou za dva roky; Apollo - jednou za dva roky; ale Dionýsos třikrát do roka. Je to pochopitelné: Dionýsos byl bůh vinařství.V březnu přicházeli do Athén do Velké Dionýsie lidé ze všech řeckých měst. Během týdne uzavírali obchody, politická spojenectví a prostě se bavili.

Svátek začal dovozem dřevěného Dionýsa v lodi na kolech. Tuto loď doprovázel sbor satyrů-mummerů. Proto byl vzhled tohoto božstva vždy spojen s oblékáním a karnevalovými kostýmy.

Vrchol dovolené přišel třetí den. V tento den byli Dionýsovi obětováni samci, protože se narodil ze stehna Dia a byl spojen s čistě mužským principem. Obětí se mohli stát kohouti, býci, ale nejčastěji kozy. Když byl takový „obětní beránek“ zabit, zpívali smutnou „kozí píseň“ – tragédii. Poté se košík s vnitřnostmi a falusem kozy vynesl na pole, aby zúrodnil zemi, a postupně se opíjel vínem zasvěceným Dionýsovi. Po návratu domů nosiči koše někomu vynadali (například místního politika). Když vešli do města, pověsili komos (vnitřnosti kozy) poblíž mužova domu. Tato akce, tento dav a ty veselé písně. které zpívala, se nazývaly komos ("bujaré"). Odtud pochází komedie. Pravda, existují i ​​jiné verze vzniku divadla.

Co se týče outfitů účastníků dovolené, je známo, že se jednalo o zvířecí kůže (pro větší podobnost s kozonohými satyry). Později se díky konkurenci básníků na divadelních prknech staly tragické a komické písně samostatnými divadelními žánry.

2. Kostým starověkého divadla

Oficiálním rokem zrodu antického divadla je rok 534 před naším letopočtem. e .. když byla tragédie Thespides poprvé inscenována na Velké Dionýsii.

V té době se již divadelní kostým velmi lišil od každodenního. Umělec, který byl zpočátku jen jeden, šel na pódium ve velkolepých a jasných šatech. Na obličeji měl masku spojenou s parukou a vybavený kovovým hlasovým rezonátorem umístěným u úst. Maska měla otvory pro oči. Herec se obul do koturnů na vysoké platformě. To vše bylo kalkulováno na odlehlost diváka, protože řecké divadlo pod širým nebem mohlo pojmout až 17 000 lidí. Světlé šaty, velká maska, vysoké boty umožnily lépe vidět umělce. Rezonátor zesílil zvuk (ačkoli akustika v antických divadlech byla taková, že slovo vyslovené šeptem uprostřed jeviště se dostalo do posledních řad).

Různých druhů masek bylo až sedmdesát. Byly nutné i proto, že všechny role tehdy hráli muži. Herec měnil masku v průběhu akce, když vystupoval v nové roli a když divákovi ukázal změnu nálady své postavy. Masky zprostředkovávaly typický výraz radosti, smutku, lumpárny atd. Byly vyrobeny ze dřeva nebo sádry a následně malovány.

Důležitou roli hrála barevná symbolika. Panovníci měli purpurová roucha: jejich ženy byly bílé; vyhnanci jsou černí nebo modří; mladí muži jsou červení; obyčejné ženy jsou žluté; getry jsou pestré.

Kostýmy byly doplněny trvalými atributy, aby publikum snadněji rozeznalo postavu. Vládce měl žezlo, poutník měl hůl, Dionýsos měl kvetoucí větev plyše (thyrsus), Apollo měl luk a šípy, Zeus měl blesky atd.

Tragičtí herci díky dlouhému oblečení a vysokým botám působili monumentálně a pohybovali se plynule. Komici preferovali kratší a upnutější outfity. Zobrazující satyry a sileni se drželi vzadu na culíku, nasadili si zvířecí masku (nebo rohy), a to vyčerpalo jejich líčení. Takové oblečení jim umožňovalo volně poskakovat po pódiu. V Římě byly milovány spíše lehké žánry a tragédie dávaly přednost komedii. Tam vstoupila na scénu pantomima. Cirkusová představení byla velmi oblíbená. Diváci snáze vnímali flyaky (z řeckého „flyax“ – „vtip“) – parodie na tragédie a komedie; memy - drobné scénky na každodenní témata; atellani - vtipné improvizace.

Kostým se přiblížil každodenním outfitům. Pravda, barevná symbolika zůstala zachována. V mimech už nebyly masky a diváci mohli pozorovat mimiku herců. V těchto představeních hráli nejen muži, ale i ženy, což umocňovalo erotický moment a vytvářelo záminky pro veřejný striptýz.

Řecko-římský divadelní kostým ovlivňoval jevištní kostým i v pozdějších dobách.

3. Divadelní kostým evropského středověku

Ve středověku lidé nezapomínali na starověké zábavy a téměř každý křesťanský svátek provázelo klaunské představení naruby: koruna – šašek, čepec – král.

Histrions se potulují Evropou (z latinského "histrio" - "herec"), kterým se ve Francii říká kejklíři, v Anglii - minstreli. v Německu - shpilmani a v Rusku - bubáci. Jsou divadlem jednoho herce, protože umí hrát, zpívat. chodit po laně, žonglovat. Kostým těchto lidí byl vhodný pro akrobacii: trikoty, měkké boty, krátká přepásaná tunika, vedle histrionů cestovali tuláci - "trampy": polovzdělaní školáci, seminaristé, kněží-rasstrigi. Hranice jako takové ještě neexistovaly a jazyky se příliš neodchylovaly od jednoho základu, což umožnilo srozumitelnost všude. Oblečení Vagantů se nelišilo od každodenního kostýmu středověkého člověka.

Vaganti hráli zábavná představení - comu, ve kterých byla církev zesměšňována v podobě Matky blázna, kvůli níž představitelé oficiálního náboženství pronásledovali umělce.

Církev však také potřebovala zvýšit podívanou svých „reprezentací“, a tak přímo uvnitř chrámu vzniká liturgické drama. Epizody z Bible inscenovali sami kněží ve svých uniformách. Čím více se ale moment hry v těchto inscenacích zvyšoval, tím „neslušnější“ se ve zdech kostela stávaly. Představení se proto přeneslo nejprve na verandu a poté na náměstí. Objevil se nový žánr – zázrak („zázrak“), představující zázračné události spojené s Pannou Marií a Ježíšem. Na základě zázraku se objevuje mystérium („záhada“) - divadelní akce, vzdáleně spojená s biblickým příběhem.

Postavami mystérií mohli být nejen Panna Maria, Ježíš a biblickí proroci, ale také čerti, čert a spravedliví měšťané. Proto se kostým stal rozmanitějším. Kristus, apoštolové, proroci jednali v rouchu kléru. A samotní představitelé těchto rolí mohli být kněží nebo mniši (to nebylo zakázáno). Obchodníci, řemeslníci a další hrdinové měli oblečení měšťanů své doby. Fantastické postavy oblečené do složitého kostýmu s nepostradatelnými atributy, jako jsou rohy, ocasy a vlčí nebo beraní kůže pro čerty. Masky mohly mít personifikované nemoci (mor, neštovice), hříchy (obžerství, pochlebování), ctnosti (pravdivost, naděje).

Často však nebyly vyrobeny žádné speciální kostýmy (stejně jako kulisy). Nápisů „Ráj“, „Peklo“, „Bůh Otec“ atd. bylo docela dost.

Světlo bylo hlavní kategorií středověké estetiky, takže nejdůležitější božské postavy byly v bílých a lesklých šatech a ďáblovi potomci byli v černém. Věra byla oblečená v bílých šatech. Naděje je zelená. Láska je v červené barvě.

Stejně jako v antickém divadelním kostýmu měli hrdinové konstantní atributy: Víra měla kříž, Naděje měla kotvu, Láska měla srdce nebo růži, Lakomost měla peněženku, Rozkoš měl pomeranč, Flattery měl liščí ocas.

Divadelní kostým se postupem času stále více podobal běžnému domácímu a ten domácí se stával více divadelním.

4 Divadelní kostým zemí jihovýchodní Asie

Synkretismus primitivní kultury (neoddělitelnost různých druhů kulturní činnosti) se projevoval v magických městech, kde vedle sebe v hlubinách mytologie koexistovaly tance, hudba, malířství, divadelní představení atd. E. tanec a pantomima byly součástí uctívání bohů ve starověké Indii. Eposy „Mahab-harap“ a „Ramayana“, které se objevily v 1. tisíciletí před naším letopočtem. e., tvořily základ klasického divadla Indie a těch zemí, kde existuje hinduismus, protože tyto eposy jsou posvátnými knihami tohoto náboženství. V různých formách (aktuální divadlo, loutkové divadlo, stínové divadlo, balet) stále existují inscenace epizod Mahábháraty a Rámájany. A nyní používají velmi světlé, drahé kostýmy, masky nebo masky podobný make-up. Nejsou zde žádné kulisy, vše se odehrává v lůně majestátní přírody.

V Číně se divadlo také vyvinulo z tance a akrobatických prvků, které byly součástí posvátných obřadů. V 7.-10. století se rozšířily tance na historická a hrdinská témata prokládané drobnými divadelními mezihrami. Poprvé se objevily speciální divadelní kostýmy.

Ve 13.-14. století dosáhlo čínské divadlo svého vrcholu v podobě zaju. Toto smíšené vystoupení zahrnovalo hudbu, zpěv, tanec a akrobacii.

Nebyly tam žádné kulisy, takže hra herců a jejich vzhled byly obzvláště důležité. Všechny role hráli muži. Nejpatetičtější scény byly odehrány zpomaleně.

Všechna hnutí byla přísně kanonizována. Sami herci o sobě mluvili jako o hrdinech, určovali čas a místo konání.

V následujících staletích zaju nezemřelo, ale bylo přeměněno do různých podob. Stejně jako dříve je na jevišti málo rekvizit a to, co tam je, je použito polyfunkčně: stůl je jak hora, tak oltář a vyhlídková plošina; černé vlajky symbolizují vítr, červené vlajky oheň atd. Barevná symbolika se používá v líčení a kostýmu: červená je odvaha, bílá je podlost, žlutá je barva císaře.

V Japonsku se také vyvinulo několik typů divadelních představení, které přežily dodnes. Kan'ami Kpetsugu a jeho syn Zeami na přelomu 14. a 15. století vytvořili divadlo Noh z nesourodých písňových a tanečních čísel. Sami byli herci, režiséři, autoři a skladatelé (a Zeami byl také teoretik divadla No). Jejich práce přišla v době, kdy byl způsob života Japonců znatelně divadelní: vládci byli lidé nízkého původu a jako všichni nováčci zvláště dodržovali rituál. Touha po podívané dala vzniknout masivním čajovým obřadům nebo oslavám obdivování třešňových květů (což je samo o sobě absurdní, protože to je pro Japonce něco velmi osobního). Divadelní představení No se stala povinnou součástí ceremonií a recepcí. Mnohdy mnohahodinová (a dokonce mnohodenní) představení na historická a hrdinská témata začala měnit běh skutečných událostí (například průběh dovolené). Vládci si na obrazy jevištních hrdinů zvykli. A šógun (vojenský diktátor) Tojotomi Hidejoši se z velkého obdivovatele divadla No stal svým hercem a v roce 1593 během třídenního představení na počest narození svého syna exceloval v deseti hrách. Hrál sám sebe.

Divadlo Noh má charakteristické rysy, které již byly zmíněny: nedostatek kulis, pomalost pohybů na důležitých místech představení, mužští herci. Scény se odvíjely před obrazem borovice na zlatém pozadí. Obraz borovice se vrátil k nejstarším agrárním magickým symbolům a zlato zosobňovalo slunce a bohyni Amaterasu. Kromě toho takové pozadí symbolizovalo splynutí s přírodou, zejména proto, že akce mohly přesáhnout jeviště a spojit se se skutečnou atmosférou recepce nebo dovolené.

Herecký kostým do 17. století. se nelišil od domácího kroje šlechty (později se začal vyrábět podle rytin a vzorků ze XIV-XV století). Existovala tradice - dávat hercům drahé šaty (zvláště se rozšířilo za dob divadelního vládce Tojotomi Hidejošiho). Díky tomu se divadlo Noh stalo také muzeem luxusního oblečení. Nyní nejstarším oděvem uchovávaným v divadle je šógunův kostým z 15. století.

V roce 1615 vydal vládce Ieyasa Totkugawa kodex upravující barvy a kvalitu látek. Zákaz drahých materiálů se dotkl i divadla Noh. Režiséři začali hledat jiný obrazný výraz, už ne kvůli drahým outfitům. Látka kostýmu se proměnila v symbolickou knihu, kterou bylo možné naplnit informacemi. Nyní stylizovaný kanonický kostým divadla No odhaluje charakteristický obraz. Vše v něm je symbolické – od střihu až po výšivku.

Důležitou roli hraje barva. Bílá znamená vznešenost, červená patří bohům a kráskám, bledě modrá je spojena s vyrovnaností, hnědá znamená nízkou zrozenost.

Muži hrají v divadle Noh, takže masky a fanoušci jsou důležité. Velikost, zbarvení, vzor, ​​pohyb vějíře charakterizuje postavu. Masky jsou jednoduché, ale velmi elegantní. Jsou vyrobeny z cypřiše, opatřeny základním nátěrem a broušeny. Maska se nosí přes paruku a zapíná se pomocí vázanek. Sebemenší změna osvětlení nebo úhlu mu dává nový výraz. Existují masky různého pohlaví, věku, postav a dokonce i fantastických tvorů.

5. Divadelní kostým Evropy 16. století. až do moderní doby

V období renesance se v Evropě začaly objevovat první stálé soubory pracující na profesionální bázi. Bloudí nebo jsou přibiti na jednom místě. Lidé se rádi smějí víc než pláč, a tak herci nasadili světlo, komické inscenace, frašky a parodie. Potulní komedianti navázali na středověké tradice a (stejně jako celá kultura renesance) se obrátili k antickému dědictví. Za prvé, takové skupiny vznikly v Itálii. Právě tam se objevila divadelní commedia dell „arte“, tedy „komedie masek“.

V commedia dell'arte byla jedna scenérie - městská ulice. Neexistovala žádná trvalá zápletka: požádal to šéf skupiny (kapokomiko) a herci improvizovali jako ve starověkém atellani. Tyto triky a poznámky, které způsobily souhlas veřejnosti, byly opakovány a konsolidovány. Akce se točila kolem lásky mladých, které staří bránili a pomáhalo služebnictvo.

Nejdůležitější roli v komedii sehrála maska. Černá maska ​​by mohla pokrývat celý obličej nebo jeho část. Někdy to byl ulepený nos nebo hloupé brýle. Hlavní je vytvořit typickou tvář, nasměrovanou na karikaturu.

Na kostým byly kladeny dva požadavky: pohodlnost a komickost. Na jednu stranu proto připomínal oděv středověkých histrionů a na stranu druhou byl doplněn o charakteristické vtipné detaily.

Například Pantalone - lakomý obchodník - byl vždy u své peněženky. Jeho oblečení připomínalo oblečení benátských obchodníků: sako svázané šerpou, krátké kalhoty, punčochy, plášť a kulatá čepice. Ale jednoho dne umělec vyšel na pódium v ​​širokých červených kalhotách, divákům se tento charakteristický detail líbil. Výsledkem bylo, že Pantalone a jeho kalhoty splynuly v myslích lidí natolik, že se postupem času z osobního jména vytvořil společný název pantaloonů pro dámské spodní prádlo.

Doktor - další hrdina commedia dell'arte - přednesl parodii na vědce a vyšel v černém akademickém oděvu s krajkovým límcem a manžetami. V rukou měl vždy papírové svitky na hlavě – široký klobouk.

Kapitán, vojenský dobrodruh, nosil kyrys, květáky, boty nad kolena s obrovskými ostruhami, krátký plášť a klobouk s peřím. Jeho trvalým atributem byl dřevěný meč, který se v případě potřeby jistě zasekl v pochvě.

Nejpočetnějšími a nejrozmanitějšími postavami byli služebníci (zanni), protože to byli právě oni, kdo v milostném konfliktu působil jako „motory pokroku“. Pulcinella měla obrovský zahnutý nos; Harlekýn má tolik nášivek, že se časem stylizovaly do šachovnicového vzoru, Pierrot má širokou bílou košili s střiženým límečkem a dlouhé kalhoty; Brighella má širokou bílou halenku a odpovídající kalhoty.

Toto oblíbené divadlo bylo díky svým lehkým zápletkám mnohem populárnější než divadla Shakespeara nebo Lope de Vega, která dávala větší přednost nikoli spektáklu, ale hloubce obsahu. Například pro díla Lope de Pega se dokonce objevil název „komedie s pláštěm a mečem“, protože v nich umělci hráli opravdu jen v každodenních kostýmech pro autora moderních.

Paralelně s toulkami existovala i dvorní divadla, jejichž kostýmy se počítaly na stovky a vyznačovaly se vysokou cenou. Byly uvedeny odděleně od představení hry.

V XVII-XVIII století vývoj divadelního kostýmu upadl. Ke slovu se dostává, dialogy pohlcují veškerou pozornost publika. Na jevišti je použit domácký kostým postrádající historismus. To je obvyklý módní oblek té doby. Pravda, ve hře neuvidíte otrhaného sluhu ani špatně oblečenou pastýřku. Kostým je zušlechtěný. To je důsledek teatralizace života. Divadlo je tak hluboce zakořeněno v každodenním životě, že se smazává hranice „divadelní – každodenní“ kostým. Je třeba poznamenat, že v XVII-XVIII století divadelní kostým často určuje módu (což již bylo zmíněno v předchozích kapitolách). Herci se oblékali lépe a extravagantněji než ostatní. V 17. stol pro Monsieur a la fashion byla na jevišti uspořádána speciální místa pro publikum, kde nejen sledovali představení, ale diskutovali o umělcích a jejich kostýmech.

V 17.-18. století vzkvétaly syntetické žánry: opera, balet, cirkus (i když byly známy již dříve). Tyto žánry zahrnují dramatickou akci, kaskadérské kousky, hudbu, zpěv a jasný, nezapomenutelný make-up. Syntetické žánry absorbují prvky každodenního života. Například společenský tanec kankán (francouzsky kankán) s charakteristickým vysokým přehazováním nohou vznikl kolem 70. let 18. století. Postupně se stává nedílnou součástí operety – žánru hudební a taneční komedie.

V 19. století ožil zájem o historii ve všech oblastech kultury. Díky archeologickým a literárním nálezům bylo možné dozvědět se více o kostýmech starověku, proto se v historických hrách poprvé pokouší reprodukovat původní kostýmy minulosti.

Rozvoj kritického realismu jako metody umění a způsobu vnímání světa vede k tomu, že na jevišti už neuvidíte selanky v peignoirech a naškrobené sluhy. V divadle se objevují takové rekvizity, o kterých se dříve ve zdvořilé společnosti nahlas nemluvilo. Hledání nových forem vyjádření vede k naturalistickému líčení. Zde je to, co V. A. Gilyarovsky píše ve svých esejích o Moskvě a Moskvicích:

"V roce 1879 byl chlapec v Penze s divadelním kadeřníkem Shishkovem student, malý Mitya. Byl oblíbencem penzského podnikatele V.P. Dalmatova, který mu dovolil pouze dotýkat se jeho vlasů a učil ho líčení. inscenoval "Notes of a Madman". “ a nařídil Miťovi, aby připravil plešatou paruku, která na představení přinesla mokrý býčí měchýř a začala Dalmatovovi navlékat upravené vlasy... Herci za výkřiku herce vběhli do šatny.

- Jste skvělý umělec, Vasiliji Panteleymonoviči, ale dovolte mi, abych byl umělcem svého vlastního podnikání! - zvedl hlavu na vysokého V.P. Dalmatova, ospravedlnil se chlapec. - Jen to zkus!

V.P. Dalmatov nakonec souhlasil - a za pár minut byla bublina nasazena, místy namazaná a oči B.P. Dalmatova zářily potěšením: zcela nahá lebka s černýma očima a výrazným make-upem působila silným dojmem.

Trend modernismu dává na přelomu 19. a 20. století vzniknout novým formám divadelního kostýmu. Outfity jsou stylizované, mění se v symboly. Evropané objevili divadla Východu, což se odrazilo i na jevištním kostýmu.

V prvních letech po říjnové revoluci divadelní kostým úplně zmizel, byl nahrazen „montérkami“, protože herci jsou „dělníci divadelní práce“.

Postupně se vše vrátilo do starých kolejí a na jeviště se opět vrátil divadelní kostým. Navíc ve XX století. tam byla taková nová podívaná jako divadlo módy. Přehlídky modelů se změnily v hudebně dramatické show. Takže domácí kostým byl nakonec otevřeně "provdán" s divadlem.

Seznam použité literatury

2. Gelderod M. de. Divadlo: So.: Per. od fr. / Post-min. L. Andrea, str. 653-694

3. Komentář. S. Shkunaeva; Umělecký N. Aleksejev. -M.: Umění, 2003. -717 s.

4. Divadlo De Filippo E.: Hry: Per. s tím. /Později. L. Veršinina, str. 759-775; Umělecký N. Aleksejev. -M.: Umění, 2007. -775 s.

Podobné dokumenty

Charakteristika divadelního kostýmu. Požadavky na jeho skicu. Analýza obrazu lidské postavy; techniky a nástroje používané v grafických pramenech. Využití grafických technik divadelního kostýmu při vývoji oděvní kolekce.

semestrální práce, přidáno 28.09.2013


Antropomorfologická charakteristika postavy. Analýza historického kostýmu. Vlastnosti mužského obleku. Odůvodnění výběru základního modelu. Umělecká a kompoziční analýza analogových modelů. Výpočet a konstrukce výkresů navrženého výrobku.

semestrální práce, přidáno 28.04.2015


Kostým jako předmět sociokulturní analýzy: historie vývoje, význam, role, funkce a typologie. Popis sémiotických aspektů kostýmu, atributů, doplňků, sociálního a psychologického základu. Analýza symboliky kostýmu "dandy".

práce, přidáno 24.01.2010


Pojem dekorativního umění jako prostředek expresivity divadelního umění. Hlavní výrazové prostředky divadelního umění: role kulis, kostýmu, make-upu při odhalování obrazu postav, vizuální a optické řešení představení.

kontrolní práce, přidáno 17.12.2010


Historie evropského kroje 19. století. Rozdíly mezi empírem a klasicismem. Charakteristika skladby kroje. estetický ideál krásy. Hlavní typy oděvů, jeho konstrukční řešení. Společenské šaty, boty, klobouky, účesy, šperky.

semestrální práce, přidáno 27.03.2013


Historická charakteristika dynastie Ming. Národní čínské oblečení jako součást historie Číny. Ornament, dekorativní prvky a symbolika kroje. Zásady výtvarného ztvárnění kostýmu, jeho originalita. Obecná povaha barevného schématu.

abstrakt, přidáno 23.05.2014


Role a význam kostýmu ve starověkém světě: Egypt, Řecko, Rimma, Indie a Byzanc. Kroj západní Evropy ve středověku. Renesanční kostým: italština, španělština, francouzština, němčina, angličtina. Empírový styl a romantismus, rokoko a baroko.

semestrální práce, přidáno 26.12.2013


Charakteristika vývoje kroje barokní doby, estetický ideál krásy a rysy látek, barev, ozdob. Zvláštnosti dámských a pánských kostýmů, obuvi a účesů. Charakteristika střihového systému barokní doby, jejich odraz v moderní módě.

semestrální práce, přidáno 12.7.2010


Obecná charakteristika kultury a umění Japonska. Popis principů formování japonského kroje. Druhy kimon, střih a doplňky. Moderní interpretace japonského kostýmu v dílech slavných návrhářů (J. Galliano, A. McQueen, Is. Miyake, M. Prada).

abstrakt, přidáno 01.07.2013


Dámské účesy Byzantské říše. Charakteristické rysy pánských účesů XV-XVI století. Vývoj dvorského kroje v Rusku v 18. století. "Románský" styl v moderní ženské image. Vliv šlechtického kroje na kroje jiných vrstev.