ศิลปะสมัยใหม่. กราฟฟิตี้ - นามธรรม

สาธารณชนยังคงไม่สามารถตัดสินใจได้ว่ากราฟฟิตี้คืออะไร ไม่ว่าจะเป็นรูปแบบหนึ่งของศิลปะ วิธีในการแสดงออก หรือการกระทำที่เป็นการก่อกวน อย่างไรก็ตามก็ยังคงไม่สูญเสียความนิยมและด้านหน้าของบ้านที่มีรั้วยังคงเต็มไปด้วยภาพวาดและจารึกทุกประเภท ทุกอย่างเริ่มต้นอย่างไร กราฟฟิตีมีรูปแบบใดบ้าง และจะวาดอย่างไร - อ่านต่อ

กราฟฟิตี: มันคืออะไร?

ในบริบททางประวัติศาสตร์ กราฟฟิตี้หมายถึงภาพวาดและคำจารึกในทางใดทางหนึ่ง พื้นผิวต่างๆ- แต่ใน ความเข้าใจที่ทันสมัยกราฟฟิตี้ถือเป็นสตรีทอาร์ตประเภทหนึ่ง ซึ่งประกอบด้วยการใช้ภาพวาดและจารึกโดยใช้สี ซึ่งมักเป็นละอองลอยบนพื้นผิวทุกประเภท โดยส่วนใหญ่อยู่บนผนัง คนวาดเรียกว่านักเขียน

บริเวณนี้ได้รับความสนใจจากมวลชนในปี 1971 เมื่อมีการกล่าวถึงกราฟฟิตี้เป็นครั้งแรกในสิ่งพิมพ์ เป็นเรื่องเกี่ยวกับนักเขียนชื่อ Demetraki ซึ่งทำงานเป็นคนส่งเอกสารและทิ้งลายเซ็นไว้ทั่วทุกมุมของนิวยอร์ก ลายเซ็นนี้คือแท็ก Taki183 โดยที่ Taki เป็นส่วนหนึ่งของชื่อของเขา และ 183 คือชื่อถนนที่เขาอาศัยอยู่

ต่อมาจารึกเริ่มปรากฏบ่อยขึ้นภายในสถานีรถไฟใต้ดินและสถานีรถไฟ การเคลื่อนไหวดังกล่าวมีลักษณะการแข่งขัน โดยศิลปินแนวสตรีทพยายามทิ้งแท็กไว้ให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้

ประเภทของกราฟฟิตี

ถึง การเขียนอันที่จริงแล้วรวมถึงสิ่งที่เรามักเข้าใจกันมากที่สุดในตอนนี้ว่าเป็นกราฟฟิตี - ภาพวาดบนผนังที่ทำในสไตล์ต่างๆ มีความซับซ้อนมากกว่าแท็ก โดดเด่นด้วยความรอบคอบและภาพสามมิติ

ระเบิดพวกเขาวาดภาพบนยานพาหนะและในสถานที่สุดขั้วอื่น ๆ และศิลปินถูกเรียกว่าเครื่องบินทิ้งระเบิด กราฟฟิตี้ประเภทนี้ไม่ได้ซับซ้อนหรือแม่นยำเป็นพิเศษในการดำเนินการ เนื่องจากหน้าที่หลักของมือระเบิดคือการทำให้แน่ใจว่าจะไม่ถูกจับได้ขณะใช้ภาพวาด

รวมถึงจารึกในรูปแบบด้วย เกา— พวกมันถูกขูดออกด้วยหินลับ ซึ่งมักจะอยู่บนกระจก

สไตล์กราฟฟิตี้

สไตล์ที่ง่ายที่สุดคือ โยนขึ้น- กราฟฟิตี้นี้ประกอบด้วยสีที่ตัดกันสองสี: ส่วนเติมของคำจารึกและโครงร่างซึ่งมักจะเป็นสีดำ มันมีลักษณะเป็นทรงกลม

อีกหนึ่งสไตล์ที่เรียบง่าย - หนังดัง- ทำด้วยสีไม่เกินสามสีและโดดเด่นด้วยตัวอักษรเชิงมุมขนาดใหญ่

สไตล์ ฟองสบู่ลักษณะ เป็นตัวพิมพ์ใหญ่มีรูปร่างเหมือนฟองอากาศ หมายถึงโรงเรียนเก่าที่ไม่ธรรมดาในปัจจุบัน

สไตล์ป่าโดดเด่นด้วยข้อความขนาดใหญ่ที่อ่านยาก มีตัวอักษรที่คมและยาว มักมีการอินเทอร์เลซ มันเป็นสไตล์ที่ซับซ้อนดังนั้นจึงทำได้โดยนักเขียนที่มีประสบการณ์เท่านั้น

สไตล์ตัวละคร- ภาพวาดบนผนังในรูปแบบหนังสือการ์ตูน ไม่ใช่ทุกคนที่สามารถทำได้เพราะต้องใช้ทักษะการวาดภาพบางอย่าง

ชนิดย่อยที่เรียกว่ากราฟฟิตี้ 3 มิติ ได้รับความนิยมแล้ว - ภาพวาดขนาดใหญ่บนพื้นที่ดูใหญ่โตเมื่อมองจากจุดชมวิวจุดหนึ่ง

ไม่ใช่ทุกกราฟฟิตี้ที่สามารถจัดอยู่ในสไตล์เฉพาะได้ มีผลงานข้างถนนมากมายที่บางครั้งก็ทำให้ประหลาดใจกับความงามและดูเหมือนภาพวาดจริงพร้อมเนื้อหาความหมายดั้งเดิมของตัวเอง

วิธีการเรียนรู้การวาดกราฟฟิตี

หากคุณต้องการเริ่มสร้างกราฟฟิตี้ของคุณเอง คุณจะต้องฝึกฝนให้มาก และก่อนที่คุณจะออกไปทาสีเพื่อค้นหาผนังที่สะดวกสบายและไม่มีรอยเปื้อน ผืนผ้าใบของคุณจะเป็นกระดาษธรรมดาและคุณจะวาดด้วยดินสอ

สเก็ตช์บนกระดาษ

การวาดภาพใด ๆ เริ่มต้นด้วยภาพร่าง ก่อนอื่น คุณต้องตัดสินใจเกี่ยวกับสไตล์ที่คุณต้องการแสดง การวาดภาพในอนาคต- จากนั้นเลือกคำ เขียนลงในกระดาษโดยเว้นระยะห่างระหว่างตัวอักษร

หลังจากนั้นให้ใช้ลายเส้นเพื่อจัดรูปทรงตัวอักษรตามสไตล์ที่เลือก


อย่าลืมเรื่องแสงและปริมาตร: ในบางจุดตัวอักษรจะบางลงเพื่อสร้างเอฟเฟกต์เงา และในบางจุดตัวอักษรจะนูนมากขึ้น


ตอนนี้คุณสามารถเพิ่มองค์ประกอบที่คุณสนใจได้อย่างช้าๆ เพิ่มระดับเสียงและความมืดให้กับตัวอักษร


เมื่อรูปทรงพร้อมแล้วให้เติมสี ใช้หลายสี ทาสีด้วยปากกาสักหลาดหรือสี - กราฟฟิตี้นี้จะดูสว่างและสื่อความหมายได้มากขึ้น


เราขอเชิญคุณชมวิดีโอการฝึกอบรมกับ กราฟฟิตีที่เรียบง่ายสำหรับผู้เริ่มต้น:

ข้อควรจำ: กระบวนการร่างภาพด้วยดินสอบนกระดาษฝึกทักษะของคุณในการวาดภาพกราฟฟิตีในรูปแบบและเทคนิคเฉพาะ แต่ไม่ได้ฝึกฝนความสามารถในการวาดบนพื้นผิวถนนโดยใช้สีสเปรย์

หลังจากฝึกฝนบนกระดาษมากพอแล้ว คุณควรเริ่มคิดถึงการวาดภาพกราฟฟิตี้บนผนัง

หากคุณไม่เคยถือกระป๋องในมือมาก่อน คุณจะต้องเข้าใจว่ามันคืออะไรและหลักการทำงานของมันคืออะไร ฝึกพ่นบนพื้นผิวแยก ทดสอบการทำงานของกระป๋อง ความแข็งแรง และความหนาของเครื่องพ่นสี

เลือกผนังที่เรียบง่ายกว่า เรียบ ลงสีพื้นแล้ว และที่สำคัญที่สุดคือทำจากคอนกรีตที่มีรูพรุน คุณต้องวาดภาพในวันที่อากาศแห้งและอบอุ่น

นอกจากกระป๋องสีและแบบร่างของคุณแล้ว อย่าลืมว่าต้องใช้อุปกรณ์ที่เหมาะสม เช่น เสื้อผ้าหนา เครื่องช่วยหายใจ ถุงมือ คุณจะต้องมีฝาปิดด้วย - ฝาปิดพิเศษสำหรับฉีดพ่นเปลี่ยนบนกระป๋องโดยตรง มีหลายประเภทสำหรับการวาดเส้น จุด และโครงร่างทั้งบางและหนา

ร่างควรทำโดยใช้สีของพื้นหลังหลักของคุณเพื่อให้คุณสามารถแก้ไขข้อผิดพลาดได้ตลอดเวลา จากนั้นจึงเพิ่มโครงร่างและสร้างปริมาตรของรูปวาด

นักเขียนมือใหม่สามารถใช้ลายฉลุเสริมกับคำจารึก ตัวอักษร หรือองค์ประกอบแต่ละรายการได้

เรียนรู้การเลเยอร์: กราฟฟิตี้นี้จะคงความสว่างของสีไว้ แต่เลเยอร์จะต้องบาง ไม่เช่นนั้นจะใช้เวลานานในการทำให้แห้ง อย่าพยายามกรอกตัวอักษรในคราวเดียว ให้ลากทีละบรรทัด

เพื่อทำความเข้าใจวิธีวาดกราฟฟิตีในสไตล์ Throw-up คุณสามารถชมวิดีโอต่อไปนี้:

โปรดจำไว้ว่าเราไม่มีสถานที่ที่ได้รับอนุมัติอย่างเป็นทางการสำหรับสตรีทอาร์ต ดังนั้นผลงานของคุณจึงมีแนวโน้มที่จะถือเป็นการก่อกวน และคุณจะได้รับการพิจารณาว่าเป็นผู้บุกรุก

แต่ถ้าคุณเป็นศิลปินที่มีประสบการณ์อยู่แล้วและได้เตรียมภาพร่างที่ดีแล้วคุณสามารถลองเสี่ยงโชคและรับสิทธิ์ในการออกแบบอาคารที่พักอาศัยร้านค้า โรงเรียนอนุบาล- บางครั้งก็มีการจัดเทศกาลศิลปะซึ่งนักเขียนผู้มีประสบการณ์จะแสดงทักษะของตนในพื้นที่ที่กำหนดเป็นพิเศษ

เปลี่ยน

เอกสารแผ่นเลขที่ ย่อย วันที่

D.2102.1.32.02.003.0000

แผ่น

การแนะนำ
กราฟฟิตี้ (จากภาษากรีก - "การวาดภาพ การขีดข่วนบนพื้นผิวเรียบ") เป็นองค์ประกอบทางศิลปะ การวาดภาพ หรือเพียงคำจารึกที่ใช้กับพื้นผิวของผนัง อาคาร หรือวัตถุอื่น ๆ ซึ่งมักจะปรากฏต่อสาธารณชน เช่นเดียวกับสิ่งอื่นๆ ศิลปะของละอองลอยมาจากอเมริกา การพัฒนากราฟฟิตีเริ่มต้นด้วยคำจารึกที่ง่ายที่สุด "แท็ก" ซึ่งทำด้วยปากกามาร์กเกอร์ ในตอนแรก ผู้แท็กจำกัดตัวเองให้เขียนชื่อ จากนั้นภาพวาดง่ายๆ ก็ปรากฏขึ้น ในช่วงเวลานี้ ทิศทางของการทิ้งระเบิดก็เริ่มเป็นรูปเป็นร่างเช่นกัน - การใช้ภาพที่ผิดกฎหมายบนรถยนต์และยานพาหนะรถไฟใต้ดิน ตัวอย่างที่เด่นชัดของเรื่องนี้คือ "รถทั้งคัน" - ภาพวาดของ "รถที่ไม่ดี"

การปฏิวัติครั้งต่อไปเกิดขึ้นเมื่อศิลปิน Pistol จากบรูคลินเป็นผู้บุกเบิกการวาดภาพ 3 มิติ เขาสร้างชื่อของเขาด้วยสีแดงขาวตัดด้วยสีน้ำเงิน ให้ความรู้สึกสามมิติ ผู้ประเมินหลายคนไม่สามารถทำซ้ำการกระทำของเขาได้ในทันที ต่อมาในที่สุด "รูปแบบกว้าง" ที่ซับซ้อนที่สุดก็เกิดขึ้น โดยที่ตัวอักษรเชื่อมโยงกันอย่างชาญฉลาดและเชื่อมโยงเข้ากับเว็บที่ไม่สามารถอ่านได้
กราฟฟิตี้เป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวในเมืองที่มีเอกลักษณ์ที่สุดในวัฒนธรรมฮิปฮอป การระเบิดของฮิปฮอปในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ได้ขับเคลื่อนศิลปะละอองลอย ควบคู่ไปกับการเคลื่อนไหว เช่น เบรกแดนซ์และการแร็พ กลายเป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมยอดนิยม ประการแรก นี่คือศิลปะที่มีอดีตอันยาวนานและไม่ต้องสงสัยเลยว่ามีอนาคตที่สดใส

แต่อะไรคือสาเหตุของการปรากฏตัวของ "ผลงานชิ้นเอก" เหล่านี้? ผลงานหลายชิ้นอาจเป็นวิธีแสดงออกของผู้เขียน การสร้างสรรค์หลายอย่างมีความละเอียดอ่อน ความหมายเชิงปรัชญาที่ซึ่งเบื้องหลังสัมผัสเล็กๆ น้อยๆ ของ "ผลงานชิ้นเอก" อันยิ่งใหญ่สามารถซ่อนความเศร้าหรือความสุข ความรำคาญ หรือความโล่งใจไว้ได้

ประวัติโดยย่อของศิลปะสมัยใหม่

ศิลปะร่วมสมัยในรูปแบบปัจจุบันถือกำเนิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนผ่านของทศวรรษที่ 1960 และ 1970 การแสวงหาทางศิลปะในยุคนั้นสามารถอธิบายได้ว่าเป็นการค้นหาทางเลือกอื่นนอกเหนือจากสมัยใหม่ (บ่อยครั้งสิ่งนี้ส่งผลให้เกิดการปฏิเสธโดยการแนะนำหลักการที่ตรงข้ามกับสมัยใหม่โดยตรง) สิ่งนี้แสดงให้เห็นในการค้นหาภาพใหม่ๆ วิธีการใหม่ๆ และวัสดุในการแสดงออก จนถึงการลดทอนความเป็นตัวตนของวัตถุ (การแสดงและเหตุการณ์ที่เกิดขึ้น) มีศิลปินมากมายติดตาม นักปรัชญาชาวฝรั่งเศสผู้เสนอคำว่า "ลัทธิหลังสมัยใหม่" เราสามารถพูดได้ว่ามีการเปลี่ยนแปลงจากวัตถุหนึ่งไปอีกกระบวนการหนึ่ง

ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นที่สุดในช่วงเปลี่ยนทศวรรษที่ 60 และ 70 เรียกได้ว่าเป็นการพัฒนาแนวความคิดและความเรียบง่าย ในยุค 70 การวางแนวทางสังคมของกระบวนการศิลปะเพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัดทั้งในแง่ของเนื้อหา (ธีมที่เกิดขึ้นในผลงานของศิลปิน) และองค์ประกอบ: ปรากฏการณ์ที่เห็นได้ชัดเจนที่สุดในช่วงกลางทศวรรษที่ 70 คือสตรีนิยมในงานศิลปะรวมถึงการเพิ่มขึ้น ในกิจกรรมของชนกลุ่มน้อย (1980-e) และกลุ่มทางสังคม

ช่วงปลายทศวรรษที่ 70 และ 80 มีลักษณะเฉพาะคือ "ความเหนื่อยล้า" ด้วยศิลปะเชิงแนวคิดและความเรียบง่าย และการกลับมาสนใจในการนำเสนอ สีสัน และรูปลักษณ์ที่เป็นรูปเป็นร่าง (การเพิ่มขึ้นของการเคลื่อนไหว เช่น "New Wild") ในช่วงกลางทศวรรษที่ 80 มีการเคลื่อนไหวเพิ่มขึ้นซึ่งใช้ภาพของวัฒนธรรมมวลชนอย่างแข็งขัน - การตั้งแคมป์, ศิลปะ East Village, นีโอป๊อป กำลังได้รับความเข้มแข็ง การออกดอกของภาพถ่ายในงานศิลปะเกิดขึ้นในช่วงเวลาเดียวกัน - ศิลปินจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ เริ่มหันมาใช้ภาพถ่ายเป็นวิธีการแสดงออกทางศิลปะ

กระบวนการทางศิลปะได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการพัฒนาเทคโนโลยี: ในยุค 60 - วิดีโอและเสียง จากนั้นคอมพิวเตอร์ และในยุค 90 - อินเทอร์เน็ต

จุดเริ่มต้นของยุค 2000 มีความผิดหวังในความสามารถของวิธีการทางเทคนิคในการปฏิบัติงานทางศิลปะ ในเวลาเดียวกันยังไม่มีการอ้างเหตุผลทางปรัชญาที่สร้างสรรค์สำหรับศิลปะร่วมสมัยของศตวรรษที่ 21 ศิลปินบางคนในยุค 2000 เชื่อว่า "ศิลปะร่วมสมัย" กำลังกลายเป็นเครื่องมือแห่งอำนาจในสังคม "หลังประชาธิปไตย" กระบวนการนี้กระตุ้นความกระตือรือร้นในหมู่ตัวแทนของระบบศิลปะ และการมองโลกในแง่ร้ายในหมู่ศิลปิน

ศิลปินจำนวนหนึ่งในยุค 2000 หวนคืนสู่สินค้าโภคภัณฑ์ โดยละทิ้งกระบวนการดังกล่าว และเสนอความพยายามในเชิงพาณิชย์ในแนวคิดสมัยใหม่ของศตวรรษที่ 21

ศิลปะร่วมสมัย

ในรัสเซียในยุค 90 คำว่า "ศิลปะร่วมสมัย" ก็ถูกนำมาใช้เช่นกันซึ่งมีหลายวิธีคล้ายกัน แต่ไม่เหมือนกันในความหมายกับคำว่า "ศิลปะร่วมสมัย" ตามศิลปะร่วมสมัย ผู้เข้าร่วมกระบวนการทางศิลปะในรัสเซียหมายถึงศิลปะร่วมสมัยเชิงนวัตกรรม (ในแง่ของแนวคิดและ/หรือวิธีการทางเทคนิค) ศิลปะร่วมสมัยล้าสมัยอย่างรวดเร็วและมีคำถามเกี่ยวกับการเข้าสู่ประวัติศาสตร์ ศิลปะร่วมสมัยศตวรรษที่ 20 หรือ 21 เปิดอยู่ ผู้เข้าร่วมในกระบวนการศิลปะในรัสเซียมอบคำจำกัดความของ "ศิลปะร่วมสมัย" โดยมีความหมายว่าครั้งหนึ่งมีสาเหตุมาจากลัทธิเปรี้ยวจี๊ด (นวัตกรรม, หัวรุนแรง, การใช้เทคนิคและเทคนิคใหม่)

สถาบันศิลปะร่วมสมัย

ศิลปะร่วมสมัยจัดแสดงโดยหอศิลป์ร่วมสมัย นักสะสมส่วนตัว บริษัทการค้า องค์กรศิลปะสาธารณะ พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ สตูดิโอศิลปะ หรือโดยศิลปินเองในพื้นที่ที่ศิลปินดำเนินการ ศิลปินร่วมสมัยได้รับการสนับสนุนทางการเงินทั้งเงินสนับสนุน รางวัล และของรางวัล และยังได้รับเงินทุนจากการขายผลงานอีกด้วย การปฏิบัติของรัสเซียค่อนข้างแตกต่างในแง่นี้จากการปฏิบัติของตะวันตก หอศิลป์ร่วมสมัยหลายแห่งเสนอการชำระเงินรายเดือนให้กับศิลปินโดยไม่คำนึงถึงผลงานที่ขายได้ [ เพื่อสนับสนุนศิลปิน สำหรับเงินทุน รางวัล ทุนสนับสนุน รูปแบบการสนับสนุนศิลปะร่วมสมัยนี้แทบไม่มีในรัสเซีย หนึ่งในข้อยกเว้นคือมูลนิธิการกุศล Iris เพื่อการพัฒนาและสนับสนุนงานศิลปะซึ่งก่อตั้งโดย Daria Zhukova โครงการแรกของมูลนิธิคือศูนย์อู่สำหรับวัฒนธรรมร่วมสมัย

มีความสัมพันธ์ใกล้ชิดระหว่างหน่วยงานภาครัฐที่เกี่ยวข้องกับศิลปะร่วมสมัยและภาคการค้า ตัวอย่างเช่น ในสหราชอาณาจักร ผลงานส่วนใหญ่ของศิลปินร่วมสมัยคนสำคัญที่จัดแสดงในพิพิธภัณฑ์สาธารณะจะซื้อจากผู้ค้างานศิลปะที่มีอิทธิพลเพียงไม่กี่ราย

พิพิธภัณฑ์ เบียนนาเลส งานเทศกาล และงานแสดงศิลปะร่วมสมัยค่อยๆ กลายเป็นเครื่องมือในการดึงดูดเงินทุน การลงทุนในธุรกิจการท่องเที่ยว หรือเป็นส่วนหนึ่งของนโยบายของรัฐบาล (ดู เช่น พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยดัด)

นักสะสมส่วนตัวมีอิทธิพลอย่างมากต่องานศิลปะร่วมสมัยทั้งระบบ ตัวอย่างเช่น ตลาดศิลปะร่วมสมัยในสหราชอาณาจักรถูกครอบงำมาตั้งแต่ปี 1980 โดย Charles Saatchi ซึ่งบางครั้งชื่อนี้มีความเกี่ยวข้องกับงานศิลปะร่วมสมัยของอังกฤษตลอดทั้งทศวรรษ

องค์กรเชิงพาณิชย์พยายามที่จะรวมเข้ากับระบบศิลปะร่วมสมัยโดยตรง โดยจัดนิทรรศการศิลปะร่วมสมัยในอาณาเขตของตน จัดระเบียบและสนับสนุนรางวัลในสาขาศิลปะร่วมสมัย รับผลงานของศิลปิน และสร้างคอลเลกชันขนาดใหญ่

สถาบันศิลปะร่วมสมัยมักตกเป็นเป้าหมายของการวิพากษ์วิจารณ์จากศิลปินและนักวิจารณ์ศิลปะอิสระ กิจกรรมประเภทนี้เรียกว่าการวิจารณ์เชิงสถาบัน ในรัสเซีย แนวปฏิบัติประเภทนี้ไม่มีข้อยกเว้นที่หายาก (เช่น งานของ Avdey Ter-oganyan)

กราฟฟิตี้. ประวัติศาสตร์และความทันสมัย

กราฟฟิตี (ในบริบทของจารึกทางประวัติศาสตร์ เอกพจน์คือ graffito; จาก ita ล- กราฟฟิตี้ (พหูพจน์) กราฟฟิตี) - รูปภาพ ภาพวาดหรือจารึกที่มีรอยขีดข่วน เขียนหรือวาดด้วยสีหรือหมึกบนผนังและพื้นผิวอื่น ๆ กราฟฟิตี้สามารถนิยามได้ว่าเป็นภาพวาดบนถนนประเภทใดก็ได้บนผนัง ซึ่งคุณสามารถค้นหาได้ทุกอย่างตั้งแต่การเขียนคำง่ายๆ ไปจนถึงภาพวาดที่ประณีต

กราฟฟิตี้ถือว่ามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับวัฒนธรรมฮิปฮอปและสไตล์นับไม่ถ้วนที่พัฒนามาจากกราฟฟิตี้ในสถานีรถไฟใต้ดินในนิวยอร์กซิตี้ อย่างไรก็ตาม ยังมีตัวอย่างกราฟฟิตี้ดีๆ อีกมากมาย ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 กราฟฟิตี้เริ่มปรากฏในรถบรรทุกสินค้าและทางเดินใต้ดิน กราฟฟิตี้ชนิดหนึ่ง - Texino - มีอายุย้อนไปถึงปี ค.ศ. 1920 จนถึงปัจจุบัน ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สองและในอีกไม่กี่ทศวรรษข้างหน้า วลี "คิลรอยอยู่ที่นี่" พร้อมด้วยรูปภาพ กลายเป็นเรื่องธรรมดาไปทั่วโลก วลีนี้ถูกใช้โดยกองทหารอเมริกันและแทรกซึมวัฒนธรรมสมัยนิยมของอเมริกาอย่างรวดเร็ว ไม่นานหลังจากการเสียชีวิตของ Charlie Parker (เขามีชื่อเล่นว่า "Yardbird" หรือ "Bird") กราฟฟิตี้ที่มีคำว่า "Bird Lives" ก็เริ่มปรากฏให้เห็นทั่วนิวยอร์ก ในระหว่างการประท้วงของนักศึกษาและการนัดหยุดงานทั่วไปในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2511 ในกรุงปารีส เมืองแห่งนี้เต็มไปด้วยคำขวัญปฏิวัติ อนาธิปไตย และนักสถานการณ์ เช่น L'ennui est contre-révolutionnaire ("ความเบื่อหน่ายคือการต่อต้านการปฏิวัติ") ซึ่งถูกแสดงผลด้วยกราฟฟิตี้ โปสเตอร์ และรูปแบบศิลปะลายฉลุ ขณะนี้ในประเทศสหรัฐอเมริกา ช่วงสั้น ๆสโลแกนทางการเมืองได้รับความนิยม (เช่น "Free Huey" ที่อุทิศให้กับ Huey Newton ผู้นำขบวนการ Black Panther) ผลงานกราฟฟิตี้อันโด่งดังจากทศวรรษ 1970 คือ "Dick Nixon Before He Dicks You" อันโด่งดัง ซึ่งสะท้อนถึงความเกลียดชังของเยาวชนที่มีต่อประธานาธิบดีสหรัฐฯ

กราฟฟิตี้ที่เกี่ยวข้องกับร็อกแอนด์โรลเป็นส่วนสำคัญของศิลปะกราฟฟิตี้ กราฟฟิตี้ที่มีชื่อเสียงแห่งศตวรรษที่ 20 คือคำจารึกบนรถไฟใต้ดินลอนดอนที่อ่านว่า "แคลปตันคือพระเจ้า" วลีนี้ถูกพ่นสีบนผนังสถานีอิสลิงตันในฤดูใบไม้ร่วงปี 1967 ภาพกราฟฟิตี้นี้ถ่ายไว้ในรูปถ่ายของสุนัขปัสสาวะอยู่บนผนัง ศิลปะกราฟฟิตี้ยังมีความเกี่ยวข้องกับขบวนการประท้วงพังก์ร็อกในช่วงต้นทศวรรษ 1970 กลุ่มชอบ ธงดำและ Crass (และผู้ติดตามของพวกเขา) ก็เขียนชื่อของพวกเขาไปทุกที่ ในขณะที่ไนต์คลับ สถานที่และสถานที่แฮงเอาท์แนวพังก์หลายแห่งมีชื่อเสียงในเรื่องกราฟฟิตี้ ในช่วงปลายทศวรรษ 1980 รูปแก้วมาร์ตินี่กลับหัวซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของวงดนตรีพังก์ Missing Foundation กลายเป็นกราฟฟิตี้ที่แพร่หลายที่สุดในแมนฮัตตันตอนล่าง และได้รับการทำซ้ำโดยแฟน ๆ ฮาร์ดคอร์พังก์ทั่วอเมริกาและเยอรมนีตะวันตก

กราฟฟิตีในปัจจุบันคือศิลปะบนท้องถนนประเภทหนึ่ง ซึ่งเป็นหนึ่งในรูปแบบการแสดงออกทางศิลปะที่มีความเกี่ยวข้องมากที่สุดทั่วโลก มีมากมาย สไตล์ที่แตกต่างและประเภทของกราฟฟิตี้ ผลงานที่สร้างขึ้นโดยศิลปินกราฟฟิตี้เป็นประเภทศิลปะสมัยใหม่ที่เป็นอิสระ ซึ่งเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมและวิถีชีวิตคนเมือง หลายประเทศและเมืองต่างๆ มีชื่อเสียงเป็นของตัวเอง นักเขียนสร้างสรรค์ผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงบนท้องถนนในเมือง

ในประเทศส่วนใหญ่ในโลก การใช้กราฟฟิตี้กับทรัพย์สินของผู้อื่นโดยไม่ได้รับอนุญาตจากเจ้าของทรัพย์สินถือเป็นการก่อกวนและมีโทษตามกฎหมาย บางครั้งกราฟฟิตี้ก็ใช้เพื่อเผยแพร่ข้อความทางการเมืองและสังคม สำหรับบางคน กราฟฟิตี้เป็นงานศิลปะที่แท้จริง สมควรแก่การจัดแสดงในแกลเลอรีและนิทรรศการ สำหรับคนอื่นๆ มันเป็นการก่อกวน

เนื่องจากกราฟฟิตีกลายเป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมป๊อป จึงมีความเกี่ยวข้องกับดนตรีฮิปฮอป ฮาร์ดคอร์ บีทดาวน์ และเบรกแดนซ์ สำหรับหลาย ๆ คนมันเป็นวิถีชีวิตที่ถูกซ่อนไว้จากสาธารณชนและคนทั่วไปไม่สามารถเข้าใจได้

กราฟฟิตี้ยังใช้เป็นสัญญาณแก๊งค์เพื่อทำเครื่องหมายอาณาเขตหรือใช้เป็นชื่อหรือ "แท็ก" สำหรับกิจกรรมของแก๊งค์ ข้อถกเถียงเกี่ยวกับงานศิลปะประเภทนี้ยังคงกระตุ้นให้เกิดความแตกแยกระหว่างเจ้าหน้าที่บังคับใช้กฎหมายและศิลปินกราฟฟิตี้ที่ต้องการแสดงผลงานของตนให้สาธารณชนได้เห็น มันเป็นรูปแบบศิลปะที่เติบโตอย่างรวดเร็วซึ่งคุณค่าได้รับการปกป้องอย่างดุเดือดจากผู้ที่นับถือในสงครามคำพูดกับเจ้าหน้าที่ของรัฐ แม้ว่ากฎหมายเดียวกันนี้มักจะปกป้องกราฟฟิตีก็ตาม

กำเนิดของกราฟฟิตี้สมัยใหม่

การเกิดขึ้นของกราฟฟิตี้สมัยใหม่สามารถย้อนกลับไปในช่วงต้นทศวรรษ 1920 เมื่อมีการใช้ภาพวาดและคำจารึกเพื่อทำเครื่องหมายรถบรรทุกสินค้าที่เดินทางไปทั่วสหรัฐอเมริกา อย่างไรก็ตาม ต้นกำเนิดของขบวนการกราฟฟิตี้ในความหมายสมัยใหม่นั้นมีความเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของนักเคลื่อนไหวทางการเมืองที่ใช้กราฟฟิตี้ในการเผยแพร่แนวคิดของตน กราฟฟิตี้ยังถูกนำไปใช้โดยแก๊งข้างถนน เช่น Savage Skulls, La Familia และ Savage Nomads เพื่อทำเครื่องหมายอาณาเขต "ของพวกเขา" ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ลายเซ็นที่เรียกว่าแท็กเริ่มปรากฏให้เห็นทุกที่ดำเนินการโดยนักเขียนจากฟิลาเดลเฟียซึ่งมีชื่อว่า Cornbread, Cool Earl, Topcat 126 นักเขียน Cornbread มักถูกเรียกว่าเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งกราฟฟิตีสมัยใหม่

ช่วงเวลาระหว่างปี 1969 ถึง 1974 เรียกได้ว่าเป็นการปฏิวัติวงการกราฟฟิตี้ ในช่วงเวลานี้ ความนิยมเพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัด มีรูปแบบใหม่มากมายปรากฏขึ้น และศูนย์กลางของการเคลื่อนไหวกราฟฟิตีได้ย้ายจากฟิลาเดลเฟีย เพนซิลเวเนีย ไปยังนิวยอร์ก นักเขียนพยายามทิ้งแท็กไว้ทุกที่ที่เป็นไปได้และบ่อยที่สุด ไม่นานหลังจากที่นิวยอร์กซิตี้กลายเป็นศูนย์กลางแห่งกราฟฟิตี้แห่งใหม่ สื่อต่างๆ ก็สังเกตเห็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมใหม่นี้ นักเขียนคนแรกที่เป็นหัวข้อของบทความในหนังสือพิมพ์คือ TAKI 183 เขาเป็นวัยรุ่นจากย่าน Washington Heights ในแมนฮัตตัน แท็กของเขา TAKI 183 ประกอบด้วยชื่อของเขา Demetrius (หรือ Demetraki, Taki) และหมายเลขถนนที่เขาอาศัยอยู่ - 183 Taki ทำงานเป็นคนส่งของ ดังนั้นเขาจึงต้องนั่งรถไฟใต้ดินบ่อยครั้ง ไปไหนก็ทิ้งป้ายไว้ทุกที่ ในปี 1971 New York Times ตีพิมพ์บทความเกี่ยวกับเขาเรื่อง "Taki สร้างกระแสผู้ติดตาม" Julio 204 ก็ถือว่าเป็นหนึ่งในนักเขียนยุคแรก ๆ แต่ในเวลานั้นเขาไม่มีใครสังเกตเห็นจากสื่อ ศิลปินกราฟฟิตี้ที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ได้แก่ Stay High 149, PHASE 2, Stitch 1, Joe 182 และ Cay 161 Barbara 62 และ Eva 62 เป็นผู้หญิงกลุ่มแรกๆ ที่โด่งดังจากผลงานกราฟฟิตี้ของพวกเขา

ในเวลาเดียวกัน กราฟฟิตี้เริ่มปรากฏบนรถไฟใต้ดินบ่อยกว่าบนถนนในเมือง นักเขียนเริ่มแข่งขันกัน และจุดประสงค์ของการแข่งขันคือการเขียนชื่อของพวกเขาให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ในสถานที่ให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ความสนใจของศิลปินกราฟฟิตี้ค่อยๆ หันไปหาสถานีรถไฟ ซึ่งพวกเขามีโอกาสทำงานที่ซับซ้อนขนาดใหญ่โดยมีความเสี่ยงน้อยกว่า ตอนนั้นเองที่หลักการสำคัญได้ถูกสร้างขึ้น แนวคิดที่ทันสมัย"ระเบิด"

ในปี 1971 วิธีดำเนินการแท็กเปลี่ยนแปลงไป แท็กมีความซับซ้อนและซับซ้อนมากขึ้น นี่เป็นเพราะศิลปินกราฟฟิตีจำนวนมากซึ่งแต่ละคนพยายามดึงดูดความสนใจ การแข่งขันระหว่างนักเขียนกระตุ้นให้เกิดรูปแบบใหม่ในกราฟฟิตี ศิลปินสร้างความซับซ้อนในการวาดภาพโดยพยายามทำให้มันเป็นต้นฉบับ แต่นอกจากนี้พวกเขายังเริ่มเพิ่มขนาดของตัวอักษร ความหนาของเส้น และใช้เส้นขอบสำหรับตัวอักษรอย่างเห็นได้ชัด สิ่งนี้นำไปสู่การสร้างภาพวาดขนาดใหญ่ในปี 1972 ที่เรียกว่า "ผลงานชิ้นเอก" หรือ "ผลงาน" เชื่อกันว่านักเขียน Super Kool 223 เป็นคนแรกที่แสดง "ผลงาน" ดังกล่าว

มีตัวเลือกต่าง ๆ สำหรับการตกแต่งกราฟฟิตีเข้ามาในแฟชั่น: ลายจุด, ลายตาหมากรุก, การฟักไข่ ฯลฯ ปริมาณการใช้สีสเปรย์เพิ่มขึ้นอย่างมากเนื่องจากนักเขียนเพิ่มขนาดของงาน ในเวลานั้น "ชิ้นส่วน" เริ่มปรากฏซึ่งครอบครองความสูงของรถม้าทั้งหมด พวกมันถูกเรียกว่า "บนลงล่าง" นั่นคือ "จากบนลงล่าง" การพัฒนากราฟฟิตีเป็นปรากฏการณ์ทางศิลปะใหม่ ความแพร่หลาย และระดับที่เพิ่มขึ้นของทักษะของนักเขียนไม่อาจมองข้ามได้ ในปี 1972 Hugo Martinez ก่อตั้ง United Graffiti Artists ซึ่งรวมถึงศิลปินกราฟฟิตี้ที่เก่งที่สุดในยุคนั้นหลายราย องค์กรพยายามที่จะนำเสนอผลงานกราฟฟิตี้แก่ประชาชนทั่วไปภายในกรอบของหอศิลป์ ภายในปี 1974 นักเขียนเริ่มรวมภาพตัวการ์ตูนและฉากไว้ในผลงานของพวกเขา ทีมงาน TF5 (“The Fabulous Five”) มีชื่อเสียงจากการทาสีรถม้าทั้งคันอย่างชำนาญ

การเผยแพร่วัฒนธรรมกราฟฟิตี้

ในปี 1979 Claudio Bruni พ่อค้างานศิลปะได้มอบแกลเลอรีให้กับศิลปินกราฟฟิตี้ Lee Quiñones และ Fab 5 Freddy ในกรุงโรม สำหรับนักเขียนหลายคนที่ทำงานนอกนิวยอร์ก นี่เป็นครั้งแรกที่พวกเขาได้สัมผัสกับรูปแบบศิลปะแบบดั้งเดิม มิตรภาพระหว่าง Fab 5 Freddy และนักร้อง Blondie Debbie Harry เป็นแรงบันดาลใจให้กับซิงเกิล "Rapture" ของ Blondie ในปี 1981 วิดีโอสำหรับเพลงนี้ซึ่งมี Jean-Michel Basquiat ซึ่งมีชื่อเสียงจากกราฟฟิตี้ SAMO ของเขาแสดงให้ผู้ชมเห็นถึงองค์ประกอบของกราฟฟิตีและวัฒนธรรมฮิปฮอปเป็นครั้งแรก แม้ว่าสิ่งที่สำคัญกว่าในแง่นี้คือการเปิดตัวภาพยนตร์สารคดีเรื่อง "Wild Style" ในปี 1982 โดยผู้กำกับอิสระ Charlie Ahearn รวมถึงภาพยนตร์สารคดีเรื่อง "Style Wars" ที่ผลิตโดย Public Broadcasting Service (สถานีโทรทัศน์แห่งชาติของสหรัฐอเมริกา) ในปี พ.ศ. 2526 เพลงฮิต"The Message" และ "Planet Rock" ช่วยเพิ่มความสนใจในฮิปฮอปนอกนิวยอร์ก ภาพยนตร์เรื่อง "Style Wars" ไม่เพียงแสดงให้สาธารณชนเห็นนักเขียนชื่อดังเช่น Skeme, Dondi, MinOne และ Zephyr เท่านั้น แต่ยังเสริมสร้างบทบาทของกราฟฟิตีในวัฒนธรรมฮิปฮอปที่กำลังเกิดขึ้นในนิวยอร์ก: นอกเหนือจากนักเขียนแล้ว กลุ่มเบรกแดนซ์ชื่อดังยังปรากฏตัวอีกด้วย ในโรงภาพยนตร์เช่น Rock Steady Crew และเพลงประกอบเป็นเพลงแร็พโดยเฉพาะ ยังถือว่าภาพยนตร์เรื่อง "Style Wars" สะท้อนสิ่งที่เกิดขึ้นในวัฒนธรรมฮิปฮอปในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ได้แม่นยำที่สุด ในฐานะส่วนหนึ่งของ New York City Rap Tour Fab ปี 1983 5 Freddy และ Futura 2000 ได้สาธิตกราฟฟิตี้ฮิปฮอปแก่ผู้ชมชาวยุโรปในปารีสและลอนดอน ฮอลลีวูดยังแสดงความสนใจต่อฮิปฮอปเมื่อภาพยนตร์เรื่อง "Beat Street" ออกฉายในปี 1984 ซึ่งนำเสนอวัฒนธรรมฮิปฮอปอีกครั้ง ผู้กำกับได้ปรึกษากับนักเขียนบทของ PHASE 2 ระหว่างการสร้างภาพยนตร์เรื่องนี้

การปรากฏตัวของกราฟฟิตีลายฉลุก็มีมาตั้งแต่สมัยนี้เช่นกัน ตัวอย่างแรกของศิลปะลายฉลุถูกสร้างขึ้นราวปี 1981 โดยศิลปินกราฟฟิตี้ Blek le Rat ในปารีส และในปี 1985 ศิลปะเหล่านี้ได้รับความนิยมในเมืองอื่นๆ หลายแห่ง รวมถึงนิวยอร์ก ซิดนีย์ และเมลเบิร์น ช่างภาพชาวอเมริกัน Charles Gatewood และช่างภาพชาวออสเตรเลีย Rennie Ellis ได้บันทึกภาพลายฉลุจำนวนมากในช่วงหลายปีที่ผ่านมาไว้ในรูปถ่ายของพวกเขา

บทนำ 3

ประวัติโดยย่อของศิลปะสมัยใหม่ 4

ศิลปะร่วมสมัย5

สถาบันศิลปะร่วมสมัย 5

กราฟฟิตี้.

ประวัติศาสตร์และความทันสมัย ​​6

การกำเนิดของกราฟฟิตี้ยุคใหม่ 8

การเผยแพร่วัฒนธรรมกราฟฟิตี้ 9 และประวัติศาสตร์ของกราฟฟิตี้เริ่มต้นด้วยข้อความที่สมาชิกแก๊งชาวนิวยอร์กทิ้งไว้ตามท้องถนนในเมืองในช่วงทศวรรษที่ 1920 และ 1930 เมื่อเวลาผ่านไป คำจารึกที่คล้ายกันเริ่มปรากฏบนวัตถุจริงและเคลื่อนย้ายได้ทุกชนิด และจำนวนศิลปินและสไตล์ก็เพิ่มมากขึ้นความก้าวหน้าทางเรขาคณิต จนกระทั่งปลายศตวรรษที่ผ่านมาตำรวจและเจ้าหน้าที่เมืองเข้ามาประเทศต่างๆ

เริ่มต่อสู้กับสาวกสตรีทอาร์ต เป็นผลให้การเคลื่อนไหวใต้ดินถูกแบ่งออกเป็นหลายทิศทาง และศิลปินบางคนชอบถนนเพื่อการค้าและไปที่แกลเลอรี เพื่อเปิดทางให้กับทหารผ่านศึกที่กล้าหาญที่สุดในประเภทนี้ ไม่ทางใดก็ทางหนึ่งกราฟฟิตีเป็นปรากฏการณ์ที่ฝังแน่นอยู่ในวัฒนธรรมสตรีทและเป็นการยากที่จะจินตนาการถึงเมืองสมัยใหม่โดยปราศจากมัน นิตยสาร DTF ร่วมกับแบรนด์อเมริกันซึ่งเพิ่งเข้าสู่ตลาดยูเครนเราค่อยๆเข้าใจประวัติศาสตร์ของกราฟฟิตีและวัฒนธรรมย่อยในเมืองนี้ได้รับความนิยมอย่างมากได้อย่างไร

1920-1950: ภาพวาดชิ้นแรกบนท้องถนน

การแสดงกราฟฟิตีครั้งแรกถือเป็นภาพวาดและจารึกที่ถูกทิ้งไว้บนผนังอาคารและตู้รถไฟบรรทุกสินค้าโดยสมาชิกของแก๊งข้างถนนในนิวยอร์กในช่วงทศวรรษปี 1920-1930 นี่คือวิธีที่สมาชิกแก๊ง "ทำเครื่องหมายอาณาเขต" และสื่อสารกัน

จากนั้นคนหนุ่มสาวก็นำแนวปฏิบัตินี้มาใช้ แต่พวกเขาไม่ได้ใช้ภาพวาดบนผนังในทันทีเพื่อแสดงออก จารึกปรากฏเป็นการตอบสนองต่อปัญหาทางสังคมและการเมือง และคำขวัญและคำขวัญที่ท้าทายได้กลายเป็นลักษณะเฉพาะของช่วงเวลานั้น

เฉพาะในช่วงต้นครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เท่านั้นที่ศิลปินข้างถนนได้เข้าร่วมขบวนการใหม่ โดยทิ้งร่องรอยไว้บนถนนด้วยนามแฝง

พ.ศ. 2503-2513: การพัฒนาวัฒนธรรมการวาดภาพบ้านและรถไฟ

การพัฒนาวัฒนธรรมสตรีทอาร์ตเริ่มขึ้นบนชายฝั่งตะวันออกของสหรัฐอเมริกาในช่วงทศวรรษ 1960 ตอนนั้นเองที่ผู้ที่ชื่นชอบกลุ่มแรกเริ่มทิ้งจารึกชื่อไว้ในที่สุ่มทั่วเมือง ในบรรดานักเขียนคนแรกๆ ได้แก่ ศิลปิน Cool Earl และ Topcat126 และศิลปินข้างถนนจาก Philadelphia Cornbread ถือเป็นผู้ก่อตั้งขบวนการทางวัฒนธรรมอย่างไม่เป็นทางการ - เขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรก ๆ ที่ทิ้งโน้ตที่ลงนามด้วยชื่อของเขาโดยไม่มีเสียงหวือหวาทางการเมือง

ในตอนแรกผู้คนไม่ได้ให้ความสำคัญกับคำจารึกเหล่านี้มากนักและเครื่องหมายเองก็ไม่ธรรมดา - ในเวลานั้นไม่มีการพูดถึงรูปแบบที่หลากหลายเนื่องจากขบวนการบนถนนรุ่นเยาว์เพิ่งเริ่มได้รับแรงจูงใจทางวัฒนธรรม

การกล่าวถึงกราฟฟิตีครั้งแรก

จุดเริ่มต้นในประวัติศาสตร์ของกราฟฟิตีถือเป็นสิ่งพิมพ์ในหนังสือพิมพ์ The New York Times ซึ่งตีพิมพ์ในช่วงต้นทศวรรษที่เจ็ดสิบ บทความนี้พูดถึงศิลปินข้างถนนหนุ่มจากนิวยอร์กโดยใช้นามแฝง Taki183 เขาทำงานเป็นคนส่งของ ดังนั้นเขาจึงใช้เวลาส่วนใหญ่อยู่บนรถไฟใต้ดิน ที่นั่นเขาทิ้งเครื่องหมายชื่อของเขาไว้ที่ทุกสถานีที่เขาไป เมื่อเวลาผ่านไป มีผู้คนมากมายที่ไม่เพียงแต่เดินผ่านไปมาเท่านั้น แต่นักข่าวท้องถิ่นก็สังเกตเห็นพวกเขาด้วย ศิลปินกลายมาเป็นผู้เข้ามาแทนที่คนแรกในประวัติศาสตร์ของกราฟฟิตี้และถือว่าเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้ง และถึงแม้ว่า Taki183 จะไม่ใช่ศิลปินคนแรกที่ทิ้งร่องรอยไว้บนถนน ต้องขอบคุณการอยู่ทั่วไปทุกหนทุกแห่งของเขา ชาวเมืองและสื่อมวลชนเริ่มพูดถึงวัฒนธรรมการวาดภาพที่ไม่ค่อยมีใครรู้จักมาก่อน ศิลปินที่โดดเด่นอื่นๆ ในช่วงเวลานี้ ได้แก่ Stay High 149, PHASE2, Stitch1 และ Joe136

แนวทางปฏิบัติของ Taki183 และผู้บุกเบิกกราฟฟิตี้คนอื่นๆ คือการติดแท็ก - คำจารึกที่ใช้นามแฝงทิ้งไว้บนผนัง รั้ว รถยนต์ และสถานที่สำคัญอื่นๆ ศิลปินได้รับความเคารพเป็นพิเศษสำหรับการแท็กในสถานที่ที่เข้าถึงยาก เช่น ระดับความสูงหรือพื้นที่คุ้มครอง จากนั้นไม่ได้ให้ความสำคัญกับด้านการมองเห็น แต่ความนิยมวัดจากจำนวนคะแนนทั่วทั้งเมือง ศิลปินที่มีชื่อเสียงอื่นๆ ที่แท็กตามท้องถนนและรถไฟใต้ดิน ได้แก่ Hondo 1, Japan 1, Moses 147, Snake 131, Lee 163d, Star 3, Pro-Soul, Tracy 168, Lil Hawk, Barbara 62, Eva 62, Cay 161 และ Junior 161

การแสดงความเป็นปัจเจกนิยมเหล่านี้ท้าทายความแพร่หลายที่เพิ่มขึ้นของการสร้างแบรนด์และโครงสร้างพื้นฐานสาธารณะ ดังนั้น กราฟฟิตี้ที่ปรากฏอย่างผิดกฎหมายบนหน้าร้าน โฆษณา หรือโปสเตอร์โฆษณาจึงถือเป็นปรากฏการณ์เชิงลบล้วนๆ สำหรับเจ้าหน้าที่ของเมือง และประชาชนบางคนถึงกับถือว่ากราฟฟิตี้สะท้อนถึงการแสดงตลก ของแก๊งข้างถนน

รถไฟใต้ดินเป็นวิธีการสื่อสาร

รถไฟใต้ดินกลายเป็นวิธีการสื่อสารสำหรับนักแสดงข้างถนน ต้องขอบคุณภาพวาดที่ทิ้งไว้บนผนังของรถไฟใต้ดิน ศิลปินจากพื้นที่ต่าง ๆ จึงได้เรียนรู้เกี่ยวกับการดำรงอยู่ของกันและกัน ดังนั้นเมื่อเวลาผ่านไป คำจารึกก็ครอบคลุมทั้งส่วนภายนอกและภายในของรถไฟเกือบทั้งหมด ดังนั้นรถไฟใต้ดินนิวยอร์กจึงกลายเป็นวิธีการสื่อสารที่เป็นเอกลักษณ์สำหรับศิลปินใต้ดิน

" data-ids="27634,27635,27637,27636,27638" data-orderby="post__in" data-include="27634,27635,27637,27636,27638" data-items="1">

ในสมัยนั้นรถไฟใต้ดินไม่ได้รับการรักษาความปลอดภัยเพียงพอและไม่ค่อยได้ทำความสะอาดตู้โดยสาร ดังนั้นรถไฟที่ทาสีจึงวิ่งไปรอบเมืองเป็นเวลาหลายเดือนและศิลปินก็คลุมตู้โดยสารเพื่อนำเสนอผลงานของพวกเขาต่อผู้คนให้มากที่สุด - ปรากฏการณ์นี้เรียกว่า "การวางระเบิด ". เพื่อที่จะใช้แท็กและภาพวาดกับรถยนต์โดยเร็วที่สุด ศิลปินได้เลือกนามแฝงสั้น ๆ เป็นพิเศษ - Tee, Iz, Pi, In, Le, To, Oi ซึ่งต้องขอบคุณแท็กการวาดที่ใช้เวลาน้อยกว่ามาก อย่างไรก็ตามยังมีสิ่งที่เรียกว่า stylewriters ซึ่งมีสไตล์มาก่อน ศิลปินทั้งสองประเภทนี้แข่งขันกันอย่างลับๆ โดยวาดภาพในคลังและบนรถใต้ดิน

การพัฒนาเทคนิค

ศิลปินกลุ่มแรกๆ ที่ฝึกฝนสไตล์นี้ในรถไฟใต้ดินอย่างจริงจังคือ Futura 2000 จากผลงานชิ้นแรกของเขา เขามองเห็นศักยภาพในการวาดภาพบนรถรถไฟใต้ดิน - ที่นั่นผู้คนที่สัญจรไปมาได้เห็นป้ายและภาพวาดชิ้นแรกของเขา

และในขณะที่ วัฒนธรรมใหม่ดึงดูดผู้เข้าร่วมมากขึ้นเรื่อยๆ ใบหน้าที่จดจำได้ต้องคิดว่าจะโดดเด่นท่ามกลางแท็กที่เพิ่มขึ้นได้อย่างไร ศิลปินที่มีความคิดสร้างสรรค์มากที่สุดเริ่มแนะนำรายละเอียดกราฟิกให้กับลายเซ็นในรูปแบบของลายเส้น วงกลม ดาว และองค์ประกอบอื่นที่คล้ายคลึงกัน ลองใช้สไตล์ทางศิลปะหรือเล่นกับความหนา สไตล์ และสีของจารึก ผู้มาใหม่ได้รับแนวทางปฏิบัติใหม่อย่างรวดเร็ว - นี่คือจุดเริ่มต้นของวิวัฒนาการของสไตล์

การแข่งขันกระตุ้นให้ศิลปินมีความคิดสร้างสรรค์มากขึ้นและนักแสดงข้างถนนก็ค่อยๆ เริ่มถอยห่างจากแท็กที่มีคำจารึก และติดตั้งภาพวาดด้วยองค์ประกอบกราฟิกมากขึ้น ศิลปินชาวฟิลาเดลเฟีย Topcat126 นำเสนอสไตล์บรอดเวย์ ซึ่งในไม่ช้าก็ถูกแทนที่ด้วยสไตล์ Block Busters คุณลักษณะเฉพาะซึ่งกลายเป็นจารึกโดยใช้ตัวอักษรเอียงขนาดใหญ่ และผู้ที่ชื่นชอบอีกคนหนึ่งภายใต้นามแฝง PHASE2 ก็เริ่มใช้ฟอนต์ฟองสามมิติที่เรียกว่า Bubble Letters

สไตล์เหล่านี้กลายเป็นสไตล์หลักโดยอาศัยการพัฒนาแนวปฏิบัติของศิลปินข้างถนนอื่นๆ Block Busters และ Bubble Letters ผลักดันให้ศิลปินมีความคิดสร้างสรรค์ และเทคนิคที่หลากหลายส่งผลให้เกิดสไตล์ผสมผสานหนึ่งเดียวที่เรียกว่า Wild Style ช่วงเวลาระหว่างปี 1975 ถึง 1980 ถือเป็นช่วงเวลาหนึ่งที่ดีที่สุดสำหรับการพัฒนากราฟฟิตี: ด้วยการเผชิญหน้าระหว่างสไตล์ของศิลปินที่กำลังเบ่งบาน แต่ละคนพยายามที่จะทำให้โดดเด่นกว่าคนอื่นๆ ศิลปินชื่อดังของช่วงเวลานี้ - กรณีที่ 2, ซีน, แมร์, ดาวหาง, ขับไล่, Cos 207, Duro, Kade 198, Fed 2, Revolt, Rasta, Zephyr, Lee, Dondi, Blade, Crash และ Daze

" data-ids="27642,27641,27643,27644,27646,27645" data-orderby="post__in" data-include="27642,27641,27643,27644,27646,27645" data-items="1">

1980-1990: การต่อสู้กับกราฟฟิตี้และการมาถึงของยุโรป

การต่อสู้กับการป่าเถื่อน

ในช่วงต้นทศวรรษที่แปดสิบเท่านั้นที่ศิลปินข้างถนนต้องเผชิญกับปัญหาที่แท้จริงเป็นครั้งแรก เมื่อเจ้าหน้าที่ของเมืองเริ่มต่อสู้กับภาพวาดครั้งใหญ่ งานจำนวนมากเริ่มถูกทำลายอย่างไร้ความปราณี อายุของงานใหม่ลดลงอย่างเห็นได้ชัด และจำนวนเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยในสถานีรถไฟใต้ดินและตำรวจบนท้องถนนก็เพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัด เพื่อต่อสู้กับจิตรกร เจ้าหน้าที่ของเมืองถึงกับออกกฎหมายหลายฉบับที่ห้ามขายสีให้กับผู้เยาว์ และกระป๋องสีสเปรย์ เช่นเดียวกับอาวุธ จะถูกเก็บไว้ในตู้นิรภัยหรือตู้เก็บของที่ปลอดภัย

เนื่องจากความยากลำบากที่เกิดขึ้น ชุมชนของศิลปินก็ลดน้อยลงเช่นกัน หลายคนไม่ชอบการคุกคามของความรับผิดทางอาญา ดังนั้นศิลปินบางคนจึงหยุดวาดภาพบนท้องถนนและในรถไฟใต้ดิน และบางคนก็หันมาใช้ความคิดสร้างสรรค์ทางกฎหมายโดยทำงานในสตูดิโอ

สำหรับศิลปินที่เหลือ กฎของเกมมีความเข้มงวดมากขึ้นอย่างเห็นได้ชัด เมื่อขอบเขตของสถานที่สำหรับการวาดภาพลดลง การเผชิญหน้าของพวกเขาในบางแห่งเริ่มคล้ายกับความบาดหมางของแก๊งข้างถนน ศิลปินเดี่ยวไม่กล้าโจมตีอย่างสร้างสรรค์โดยไม่มีอาวุธ เพราะไม่เช่นนั้นพวกเขาจะถูกทุบตีและกลุ่มที่ใกล้ชิดกันก็ไปวาดภาพเป็นกลุ่มด้วยเหตุผลด้านความปลอดภัย ในบรรดาผู้จับเวลาเก่าที่มีส่วนร่วมในการเผชิญหน้า Skeme, Dez, Trap, Delta, Sharp, Seen, Shy 147, Boe, West, Kaze, Spade 127, Sak, Vulcan, Shame, Bio, Min, Duro, Kel, T Kid ยังคงทำงานต่อไป, Mack, Nicer, Brim, Bg 183, Kenn, Cem, Flight, Airborn, Rize, Jon 156, Kyle 156 และ X Men

ฉากที่เหลือเริ่มเปล่งประกายด้วยสีสันใหม่ๆ เมื่อจำนวนศิลปินแนวสตรีทลดลง ผู้คร่ำหวอดในวงการกราฟฟิตี้ก็ยอมให้ตัวเองเป็นอิสระ และสไตล์ที่มีอยู่แล้วก็มีรูปแบบที่สดใสและคุณลักษณะที่เป็นที่รู้จักมากขึ้น

นอกจากนี้ เมื่อเริ่มต้น "สงคราม" เพื่อความสะอาดของสถานีรถไฟใต้ดิน ศิลปินก็หันมาสนใจวัตถุเคลื่อนที่อื่น ๆ เช่นรถยนต์ โดยพื้นฐานแล้ว นักเขียนมักชอบวาดภาพบนรถตู้หรือรถบรรทุกขนาดเล็กของบริการจัดส่งในเมือง ยานพาหนะเหล่านี้แล่นไปรอบเมืองทุกวัน และนักเขียนก็มีโอกาสอีกครั้งในการโฆษณาตัวเองและผลงานของพวกเขา ดังนั้นหลังจากเงื่อนไขในการวาดภาพบนรถไฟใต้ดินยากขึ้น การฝึกวาดรูปบนระบบขนส่งสาธารณะก็เริ่มได้รับความนิยม

อคติทางศิลปะ: ไอคอนของยุคแปดสิบ

บุคคลที่โดดเด่นที่สุดคนหนึ่งในวัฒนธรรมสตรีทอาร์ตคือ Keith Haring ซึ่งเป็นที่รู้จักไม่เพียงแต่จากนิทรรศการในแกลเลอรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพประกอบของเขาในรถไฟใต้ดินด้วย สไตล์ของเขามีพื้นฐานมาจากการผสมผสานศิลปะป๊อปอาร์ตเข้ากับภาพวาดบนท้องถนน ดังนั้น Haring จึงไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นนักเขียนในความหมายปกติของคำนี้ คุณสมบัติของภาพวาดของเขาถือเป็นเส้นหนาสีสันสดใสและภาพของชายร่างเล็กที่ปรากฏอยู่ตลอดเวลา มุมที่แตกต่างกันเมืองต่างๆ Haring ผสมผสานความคิดสร้างสรรค์เข้ากับการเคลื่อนไหว: ศิลปินมีชื่อเสียงในการต่อสู้กับโรคเอดส์ และข้อความนี้กลายเป็นส่วนสำคัญของภาพวาดของเขา

อีกหนึ่งสัญลักษณ์ของวัฒนธรรมกราฟฟิตี้คือ Jean-Michel Basquiat เขาเริ่มวาดภาพเมื่ออายุเจ็ดสิบต้นๆ และสิบปีต่อมาเขาก็ได้เป็นเพื่อนกับ Andy Warhol ซึ่งเป็นบุคคลสำคัญในหมู่ศิลปินในยุครุ่งเรืองของศิลปะป๊อปอาร์ต Basquiat และเพื่อนของเขา ศิลปิน Al Diaz ก่อตั้งขบวนการ SAMO (Same Old Shit) ซึ่งมีลายเซ็นต์และภาพวาดปกคลุมอยู่ตามถนนสายต่างๆ ในเมือง ใน วัฒนธรรมสมัยใหม่ Basquiat ได้กลายเป็นหนึ่งในบุคคลที่มีชื่อเสียงที่สุด และผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงในพิพิธภัณฑ์ต่างๆ ทั่วโลก

กราฟฟิตี้ในยุโรป

อย่างไรก็ตาม เราไม่ควรประมาทบทบาทของเพื่อนร่วมงานชาวอเมริกันที่เกษียณอายุไปแล้ว เมื่อศิลปินบางคนย้ายไปที่แกลเลอรี และผลงานของนักเขียนเช่น Dondi, Lee, Zephyr, Daze และ Futura 2000 ปรากฏในพื้นที่ศิลปะของยุโรป วัฒนธรรมของกราฟฟิตีก็เข้ามาสู่ยุโรป หลังจากการจัดนิทรรศการครั้งแรก เยาวชนชาวยุโรปเริ่มหมกมุ่นอยู่กับวัฒนธรรมนิวยอร์ก และฮิปฮอปก็กลายเป็นปัจจัยเพิ่มเติม ภาพวาดในแกลเลอรีทำหน้าที่เป็นไกด์ภาพสำหรับผู้ที่ชื่นชอบและในไม่ช้าคำจารึกก็เริ่มปรากฏในเมืองต่างๆ ในยุโรป

หนึ่งในผู้บุกเบิกการเคลื่อนไหวในฝรั่งเศสคือศิลปินภายใต้นามแฝง Blek le Rat ในการสร้างภาพวาดเขาใช้ลายฉลุพิเศษซึ่งช่วยให้เขาวาดกราฟฟิตีได้อย่างรวดเร็วและหลีกเลี่ยงการถูกจับกุม ศิลปินตั้งใจที่จะแสดงให้เห็นว่างานศิลปะสามารถเข้าถึงได้โดยทุกคนผ่านกิจกรรมของเขา และไม่ได้จำกัดอยู่เพียงบนผนังของแกลเลอรีเท่านั้น

ในสหราชอาณาจักร ศิลปะข้างถนนมีความเกี่ยวข้องกับชื่อ Banksy เป็นหลัก - เขาเริ่มวาดภาพในยุค 90 และยังถือเป็นบุคคลสำคัญของวัฒนธรรมข้างถนนที่มองเห็นได้ชัดเจนที่สุดและเป็นความลับที่สุด แม้ว่าตัวตนที่แท้จริงของศิลปินจะถูกเก็บเป็นความลับ แต่ผลงานของเขาถูกจัดแสดงในแกลเลอรีต่างๆ ทั่วโลก และภาพวาดของเขาก็ปรากฏโดยไม่คาดคิดในเมืองต่างๆ มากมาย นอกจากนี้ Banksy ยังมีบทบาทอยู่ กิจกรรมทางการเมืองซึ่งสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนในผลงานยั่วยุของเขาในหัวข้อความโหดร้ายของตำรวจ การเลือกปฏิบัติทางเชื้อชาติและเพศ ความขัดแย้งทางทหาร และปัญหาสมัยใหม่อื่นๆ อีกมากมาย

กราฟฟิตี้ในศตวรรษที่ 21: จากท้องถนนไปจนถึงพิพิธภัณฑ์และแกลเลอรี

ในยุคของเรา วัฒนธรรมบนท้องถนนยังคงเป็นปรากฏการณ์ที่ถกเถียงกันอยู่ ภาพวาดกราฟิตีบางภาพได้รับการยอมรับจากประชาชน อย่างไรก็ตาม เมื่อพิจารณาถึงกรณีของการก่อกวนอยู่ตลอดเวลา ไม่ใช่ทุกคนที่มีทัศนคติเชิงบวกต่องานของนักเขียน ผู้มาใหม่จำนวนมากได้ปรากฏตัวในแวดวงสตรีทอาร์ต และได้สร้างไอคอนต่างๆ แม้ว่าพวกเขาจะกลายมาเป็นผู้เข้าร่วมนิทรรศการและโครงการศิลปะเป็นประจำ แต่ก็ยังคงวาดภาพบนถนนในเมืองต่อไป

กราฟฟิตี้ยังคงเป็นส่วนสำคัญของการประท้วงต่อต้านวัฒนธรรมผู้บริโภค ตัวอย่างนี้คือผลงานของศิลปินแนวสตรีท Kidult ผู้วาดภาพหน้าต่างของ Chanel, Céline, Maison Margiela, Supreme และแบรนด์ดังระดับโลกอื่น ๆ

การค้าขายได้กลายเป็นลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมกราฟฟิตี้สมัยใหม่ เมื่อบริษัทขนาดใหญ่ตระหนักถึงความนิยมในการออกแบบของศิลปินแนวสตรีท ศิลปินจึงถูกนำมาใช้มากขึ้นในการทำแคมเปญโฆษณา และการปรากฏของกราฟฟิตี้ในวัฒนธรรมสมัยนิยมสามารถพบได้ในทุกสิ่งตั้งแต่โฆษณาและภาพยนตร์ไปจนถึงวิดีโอเกม

ด้วยการพัฒนาเครือข่ายโซเชียล ศิลปินไม่ได้ใช้รถไฟใต้ดินเป็นองค์ประกอบในการเชื่อมโยงวัฒนธรรมใต้ดินอีกต่อไป และอีกเหตุผลหนึ่งที่ทำให้ความนิยมในการวาดภาพบนรถยนต์ลดลงก็คือความปลอดภัยของวัตถุที่เพิ่มขึ้น นักเขียนในนิวยอร์กและเมืองอื่นๆ กลับทิ้งงานศิลปะไว้บนรถตู้หรือรถบรรทุก และแม้แต่ Banksy ก็เป็นหนึ่งในแฟนงานศิลปะบนมือถือที่วาดภาพรถตู้ส่งของในคืนหนึ่ง หลังจากที่ผลงานของศิลปินข้างถนนปรากฏในแกลเลอรี เจ้าของรถสมัครใจเชิญนักเขียนให้ทาสียานพาหนะของตนเพื่อให้มีรูปลักษณ์ดั้งเดิม

พวกเราใส่จิตวิญญาณของเราเข้าไปในไซต์ ขอบคุณสำหรับสิ่งนั้น
ว่าคุณกำลังค้นพบความงามนี้ ขอบคุณสำหรับแรงบันดาลใจและความขนลุก
เข้าร่วมกับเราบน เฟสบุ๊คและ ติดต่อกับ

“สตรีทอาร์ตไม่ได้ช่วยแก้ปัญหาความยากจนทั่วโลก แต่สามารถทำให้คุณคิดและยิ้มได้”

ภาพวาดตามท้องถนนได้ก้าวล้ำเส้นมานานแล้ว เมื่อมองว่าเป็นเพียงการก่อกวนเท่านั้น และไม่ได้พกพาสิ่งใดที่สมเหตุสมผล ดี หรือชั่วนิรันดร์ ไม่ แน่นอนว่า "แท็ก" ที่ไม่มีความหมายและบ่อยที่สุดมักธรรมดาและจะไม่หายไป แต่สตรีทอาร์ตสมัยใหม่นั้นลึกซึ้งและกว้างกว่าแค่ป้ายโฆษณา การแสดงออกถึงการประท้วงหรือจุดยืนของคนเรา มันได้เติบโตและทำหน้าที่ทางสังคม เหนือสิ่งอื่นใด

เว็บไซต์ฉันได้เตรียมรายชื่อศิลปินที่มีผลงานทำให้เมืองสวยงามขึ้น และผู้คนดีขึ้นและมีความสุขมากขึ้นเล็กน้อย

โปรเจ็กต์ "Living Walls" ของเขาเป็นที่รู้จักไปไกลเกินขอบเขตของประเทศ ผลงานของเขาถูกรวมอยู่ในสตรีทอาร์ตที่ดีที่สุดของโลกเป็นประจำ สิ่งมีชีวิตตาโตใจดีของ Nikita ซึ่งรวมเข้ากับอวกาศโดยเล่นกับรูปร่างของกำแพงนั้นมีอยู่แล้วในหลายเมืองของรัสเซีย: ในบ้านเกิดของเขา นิจนี นอฟโกรอด, เยคาเตรินเบิร์ก, ระดับการใช้งาน, คาซานและอื่น ๆ

อเล็กเซย์ เมนชิคอฟ

Alexey Menshikov ศิลปินจาก Penza ตกแต่งถนนในเมืองของเขาด้วยภาพวาดตลกๆ และประสบความสำเร็จในการตกแต่งถนนเหล่านั้น ภูมิทัศน์โดยรอบ- ตัวละครเชิงบวกจะไม่ปล่อยให้ใครเฉยเมยและคิดบวกกับคุณตลอดทั้งวัน

ศิลปินข้างถนนมากความสามารถจากรัสเซียคนนี้ชื่นชอบสไตล์เหนือจริง ซึ่งถ่ายทอดผลงานทั้งหมดของเขาอย่างพิถีพิถัน หัวข้อของผลงานมีความหลากหลายมากตั้งแต่การวาดภาพตัวแทนของวีรบุรุษในวัฒนธรรมย่อยและปรากฏการณ์ต่าง ๆ ไปจนถึงลวดลายเหนือจริงและเทพนิยาย

ศิลปินจาก Yekaterinburg Slava PTRK เป็นนักทดลองตัวจริงซึ่งมักจะเลือกวัตถุแปลก ๆ ให้กับผลงานของเขา ภาพวาดและผลงานศิลปะจัดวางทั้งหมดของเขาเป็นข้อความที่เข้ารหัส เรียกร้องให้เปิดจินตนาการและคิดถึงปัญหาในยุคของเรา

ศิลปินอีกคนจากเยคาเตรินเบิร์กซึ่งมีชื่อเสียงจากผลงานที่ไม่ธรรมดาและเฉพาะเจาะจงซึ่งมักเกี่ยวข้องกับเหตุการณ์ทางการเมือง

ศิลปินข้างถนนในมอสโก Zhenya 0331С (Ozzik) ใช้เพื่อเปรียบเทียบสิ่งที่วาดในตัวเขา บ้านเกิดและบนท้องถนนของโลก สิ่งนี้ช่วยให้เขารู้ว่าทำไมเขาถึงสร้างผลงานขึ้นมา สำหรับ Ozzik ศิลปะข้างถนนเป็นศิลปะที่เต็มเปี่ยม เป็นโอกาสในการถ่ายทอดความรู้สึกหรืออารมณ์ผ่านสิ่งที่คุณทำได้

ศิลปินกราฟฟิตี้อายุน้อยที่มีประสิทธิผลและมีความสามารถจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เธอทำงานเกี่ยวกับเทคนิคการถ่ายภาพเหมือนจริงและสร้างตัวละครที่สดใสและน่าจดจำ

Andrey Adno เกิดในปี 1986 และตอนนี้อาศัยอยู่ที่คาลินินกราด ศิลปินอ้างว่ากราฟฟิตีไม่เคยเป็นแรงบันดาลใจหลักของเขามาก่อน เขาอยู่ใกล้กับโรงเรียนเก่า การออกแบบกราฟิกโปสเตอร์โซเวียตและทุกสิ่งที่มีความสมดุลระหว่างกราฟฟิตีและงานศิลปะที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป

คำว่า "graffiti" ใช้เพื่อจำแนกรูปแบบงานศิลปะที่ผิดกฎหมายโดยทั่วไป ปัจจุบัน กราฟฟิตี้มีความเกี่ยวข้องกับรูปแบบทางเลือกของวัฒนธรรมเมืองเป็นหลัก กราฟฟิตี้สามารถนิยามได้ว่าเป็นภาพวาดบนถนนประเภทใดก็ได้บนผนัง ซึ่งคุณสามารถค้นหาได้ทุกอย่างตั้งแต่การเขียนคำง่ายๆ ไปจนถึงภาพวาดที่ประณีต ปัจจุบันศิลปะการพ่นคือการวาดภาพกราฟฟิตี้โดยใช้สีสเปรย์ได้กลายเป็นที่แพร่หลาย สเปรย์-artaerosol

กราฟฟิตีครั้งแรก "กราฟฟิตี" แรก - จารึกและภาพวาดในความหมายดั้งเดิมของลักษณะเสียดสีและล้อเลียนถูกค้นพบในอนุสรณ์สถานโบราณและภาชนะโบราณ ชาวโรมันโบราณวาดภาพกราฟฟิตี้บนผนังและรูปปั้น ซึ่งตัวอย่างนี้ยังมีให้เห็นในอียิปต์อีกด้วย กราฟฟิตี้ในโลกคลาสสิกมีความหมายและเนื้อหาแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง สังคมสมัยใหม่- กราฟฟิตี้โบราณเป็นตัวแทนของการประกาศความรัก วาทกรรมทางการเมือง และความคิดง่ายๆ ที่สามารถเปรียบเทียบได้กับข้อความยอดนิยมในปัจจุบันเกี่ยวกับอุดมคติทางสังคมและการเมือง เป็นการแสดงให้เห็นถึงความคิดสร้างสรรค์ "ระดับรากหญ้า" "กราฟฟิตี" ให้ความสนใจกับศิลปินจำนวนมากที่พยายามปลดปล่อยตัวเองจากแบบแผนและ แบบแผน ผลงานของ Joan Miró และ Paul Klee มีสไตล์ใกล้เคียงกับ "ภาพวาด" ของสตรีทอาร์ต กราฟฟิตี้ได้รับการชื่นชมจาก Picasso และ Hugo สิ่งที่คล้ายกับกราฟฟิตีพบได้ในถ้ำของคนโบราณ เช่นเดียวกับในอียิปต์โบราณและกรีซ

วัตถุประสงค์ของกราฟฟิตี กราฟฟิตีอาจเป็นภาพวาดหรือจารึกที่เรียบง่าย แต่โดยทั่วไปแล้วจะเป็นองค์ประกอบขาวดำหรือหลายสีที่ค่อนข้างซับซ้อน ผู้เขียนกราฟฟิตีเรียกว่านักเขียน - "นักเขียน" มีเวอร์ชันหนึ่งที่การพัฒนาภาพถนนได้รับการสนับสนุนจากผู้ค้ายาผู้กล้าได้กล้าเสีย ซึ่งใช้ภาพวาดและจารึกที่เข้ารหัสซึ่งไม่ได้บอกตำรวจหรือคนที่สัญจรไปมา บอกวัยรุ่นว่าขายยาที่ไหน ราคา ฯลฯ เมื่อเวลาผ่านไป จากการสื่อสารแบบลับๆ “กราฟฟิตี้” กลายเป็นวิธีการสื่อสารทั่วไปในหมู่วัยรุ่น โดยปกติแล้วกราฟิกเหล่านี้จะมีขนาดใหญ่ โดยส่วนใหญ่เป็นกราฟิก “ฉ่ำ” สีแดง-ดำ-น้ำเงิน

เครื่องมือกราฟฟิตี้ เครื่องมือที่เหมาะสำหรับการแสดงออกถึงตัวตนคือกระป๋องสีสเปรย์ธรรมดาซึ่งทำหน้าที่เหมือนยาระงับกลิ่นกาย สามารถเคลื่อนย้ายได้ตอบสนองความต้องการด้านความเร็วและความง่ายในการวาดภาพประสิทธิภาพการมองเห็นสีจากนั้นจึงเข้ากันได้อย่างลงตัวกับพื้นผิวที่มีอยู่ส่วนใหญ่ หัวฉีดขนาดต่างๆ และช่องเปิดของกระป๋องช่วยให้ได้เอฟเฟกต์พิเศษทุกประเภท สร้างองค์ประกอบกราฟิกที่ทรงพลัง และภาพลวงตาของความคล่องตัวของภาพ การผสมผสานเทคนิคแบบเหลี่ยมและนามธรรม ศิลปะกราฟิกสไตล์กราฟฟิตี้ที่อ่านยากมักจะทำให้การเรียบเรียงมีความลึกลับบางอย่าง

Style Wars การปฏิวัติด้านสไตล์เกิดขึ้นเมื่อ Pistol 1 - ปรมาจารย์แห่งบรูคลิน - ลงสีสามมิติครั้งแรก ผลงานประกอบด้วยชื่อตัวเองเป็นสีแดงขาวมีขอบสีน้ำเงินซึ่งให้อารมณ์สามมิติ นักเขียนจากทั่วนิวยอร์กแห่กันไปชื่นชมผลงานของเขา หลังจากนั้นไม่นาน ทุกคนก็สร้าง 3D ด้วยสัมผัสของตัวเอง สงครามสไตล์ได้เริ่มต้นขึ้นแล้ว ทันทีที่วัฒนธรรมประกาศตัวเข้ามา เสียงเต็ม, กำลังถ่ายทำอยู่ สารคดี"Style Wars" (1984) หนังสือที่เขียน

ปัญหากับเจ้าหน้าที่ จุดเจ็บอีกประการหนึ่งคือความสัมพันธ์กับเจ้าหน้าที่เมือง ตราบใดที่กราฟฟิตียังคงมีอยู่ มันก็ถูกข่มเหง ผู้ที่รักษากฎหมายและความสงบเรียบร้อยยืนยันว่าการทาสีทรัพย์สินของเทศบาลถือเป็นภัยคุกคามร้ายแรงต่อสังคม นักบิดชาวอเมริกันจำนวนไม่น้อยต้องจ่ายค่าปรับอันน่าประทับใจสำหรับการสร้างสรรค์ผลงาน และบางคนก็ติดคุก ในหลายเมือง ศิลปินกราฟฟิตี้เคยได้รับสิ่งที่เรียกว่ากำแพงและสนามหญ้าตามกฎหมาย แต่มีพื้นที่ที่ได้รับการอนุมัติอย่างเป็นทางการไม่เพียงพอสำหรับทุกคน

สไตล์และเทคนิคกราฟฟิตี้ ชนิดพิเศษศิลปะ "ใต้ดิน" ในเมืองมีการพัฒนาและปรับปรุงอย่างต่อเนื่อง แต่ละประเทศนำสิ่งใหม่และสดใหม่มาสู่งานศิลปะชิ้นนี้ กราฟฟิตี้ไม่สามารถควบคุมหรือกำจัดให้สิ้นซากได้โดยการห้าม ดังนั้นในฐานะที่เป็นรูปแบบศิลปะและวิธีการแสดงความคิดเห็น จึงมีความยืดหยุ่น ครอบคลุม และไม่มีการเซ็นเซอร์