Una foto de una mujer regordeta acostada. mujeres en la pintura

ANTIGÜEDAD

Mujer Egipto eran más libres e independientes que las mujeres en otros países, no sólo Mundo antiguo, pero también Europa: desde la Edad Media hasta finales del XIX siglo. Sin embargo, la llamada "igualdad de género" en Antiguo Egipto estaba ausente - porque según el orden mundial establecido por Maat, la esencia vital de hombres y mujeres es diferente. Los hombres de Egipto adoraban a las mujeres, las admiraban y cuidaban de ellas. Al mismo tiempo, naturalmente, exigiéndoles atención y respeto. En el arte tradicional egipcio, las mujeres eran representadas con mayor frecuencia como esposa amorosa sosteniendo la mano de su marido o abrazándole el hombro. Dado que los hombres trabajaron para aire fresco en el campo o junto al río, su piel era oscura, mientras que las mujeres que trabajaban en una habitación protegida del sol abrasador eran claras. De acuerdo a Bellas Artes, las mujeres egipcias suelen presentarse como frágiles y elegantes.

cretense las mujeres tenían una cintura anormalmente estrecha, no eran alto y físico elegante. Ocultaron sus rostros en las sombras, lo que hizo que su piel se pusiera pálida, y contra el fondo había ojos y cabello negros. Las mujeres llevaban rizos que enmarcaban el cuello, rizos recogidos en la frente o trenzas con cintas tejidas. Las mujeres cretenses llevaban sombreros mullidos en la cabeza (similares a los del siglo XIX). Los pies a menudo estaban descalzos, pero las mujeres de clase alta a veces usaban zapatos de cuero bordados.

Fragmento de la parte trasera del trono de Tutankamón.

Pintura en el Palacio de Knossos. Creta

Pintura en Pompeya

Retrato de Fayum.Egipto

EDAD MEDIA

La Edad Media dio a las mujeres un lugar muy modesto, si no insignificante, en el ordenado edificio de la jerarquía social. El instinto patriarcal, las tradiciones conservadas desde los tiempos de la barbarie y, finalmente, la ortodoxia religiosa: todo esto llevó al hombre medieval a tener una actitud muy cautelosa hacia las mujeres. El uso de cosméticos y joyas se consideraba un atributo integral de la "pecaminidad" femenina; ambos lo eran. severamente condenado por la iglesia. Incluso había una resolución especial según la cual un matrimonio celebrado con la ayuda de "trucos" femeninos (cosméticos, vestidos, etc.) se consideraba fraudulento, ilegal y podía disolverse.

RENACIMIENTO

personalidad humana en el Renacimiento no está mediada por Dios, sino por la belleza y, sobre todo, la belleza femenina. Por primera vez en la historia de la humanidad, una mujer ocupa un lugar exclusivo, como la Virgen en el trono.
De aquí surge la interminable serie de Madonnas, que poco a poco se van convirtiendo en meros retratos de mujeres jóvenes de la época. La mujer del Renacimiento es nobleza, belleza y educación.

Van Eyck

Botticelli -Madonna Magnificat (Glorificación de la Virgen)

Botticelli - Nacimiento de Venus

El Greco

Raffaello

Raffaello

Bronzino

da Vinci - La dama del armiño

Sí Vinci-Madonna litta

Sí Vinci-Gioconda

Cristofano Allori

Giorgione - Venus durmiente

BARROCO

En la época barroca (finales del siglo XVI-XVII), la naturalidad volvió a pasar de moda. Está siendo reemplazado por la estilización y la teatralidad. El barroco floreció durante el reinado del "Rey Sol" francés. Luis XIV. A partir de entonces, la corte francesa empezó a dictar la moda en toda Europa. El cuerpo femenino en el período barroco, como antes, debía ser “rico” con cuello de “cisne”, hombros anchos echados hacia atrás y caderas curvas. Pero ahora la cintura debería ser lo más delgada posible y los corsés de ballena se están poniendo de moda. La ropa exuberante y con volantes se ha convertido desde hace mucho tiempo en uno de los principales elementos de la irresistibilidad femenina. Desfile apariencia Se manifestó más claramente en el uso generalizado de lujosos collares y pelucas, que existió entre la nobleza durante casi tres siglos.

rubens

Rubens con su esposa

van meer

Rembrandt

Rembrandt - Saskia

ROCOCÓ

EN principios del XVIII v. Comienza la era rococó y la silueta femenina vuelve a cambiar. Ahora la mujer debería parecerse a una frágil figura de porcelana. La solemne pompa del barroco es reemplazada por la gracia, la ligereza y la alegría. Al mismo tiempo, la teatralidad y la antinaturalidad no desaparecen, por el contrario, alcanzan su punto máximo. Tanto hombres como mujeres adquieren apariencia de muñecos. La belleza de la época rococó tiene hombros estrechos y cintura delgada, un pequeño corpiño contrasta con una enorme falda redonda. El escote aumenta y la falda se acorta algo. En este sentido, se empieza a prestar mucha atención ropa interior. Las medias están de moda y la enagua está ricamente decorada. A partir de ahora se consideró bastante decente exponer los senos de una mujer, tocarlos y besarlos. La modestia solo provocó el ridículo: como una niña se avergüenza, significa que no tiene nada de qué jactarse. Las damas constantemente encontraban una razón para mostrar sus senos: ya sea una rosa que se cayó y se pinchó, o un mordisco de pulga, "¡mira!" Un entretenimiento popular para la nobleza eran también los singulares concursos de belleza, en los que las damas se levantaban descaradamente los dobladillos y abrían sus corpiños. Las damas galantes se maquillaban tanto que, dicen, los maridos a menudo no reconocían a sus esposas.

Francois Boucher - Retrato de Louise O'Murphy

Francois Boucher

Fragonard -Columpio

ROMANTICISMO

La imitación de ropa antigua también cambió la silueta de una mujer. El vestido adquiere proporciones claras y líneas suaves. La ropa principal de los amantes de la moda se ha convertido en el shmiz blanco como la nieve: una camisa de lino con un escote grande, mangas cortas, estrecha en la parte delantera y que envuelve holgadamente la figura de abajo. El cinturón se movió justo debajo del cofre. El estilo Imperio fue uno de los últimos estilos claramente definidos, dictando cánones de belleza y moda relativamente claros. CON principios del siglo XIX siglo, la moda comienza a cambiar tan rápidamente que solo se pueden captar algunas de las tendencias más brillantes.

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En primer lugar, sabemos dos cosas sobre el cuadro: su autor y, posiblemente, la historia del lienzo. Pero no sabemos mucho sobre el destino de quienes nos miran desde los lienzos.

sitio web Decidí hablar de mujeres cuyos rostros nos resultan familiares, pero sus historias no.

Zhanna Samari
Auguste Renoir, Retrato de la actriz Jeanne Samary, 1877

La actriz Jeanne Samary, aunque no pudo convertirse en una estrella de teatro (interpretó principalmente a sirvientas), tuvo suerte en otra cosa: durante algún tiempo vivió no lejos del estudio de Renoir, quien pintó cuatro retratos de ella en 1877-1878, con lo que haciéndola famosa mucho más de lo que podría hacerla carrera de actor. Zhanna actuó en obras de teatro desde los 18 años, a los 25 se casó y dio a luz a tres hijos, e incluso escribió un libro para niños. Pero esta encantadora dama, lamentablemente, no vivió mucho: a la edad de 33 años enfermó de fiebre tifoidea y murió.

Cecilia Gallerani
Leonardo da Vinci, "La dama del armiño"
1489-1490

Cecilia Gallerani era una niña de una noble familia italiana, que a los 10 años (!) ya estaba comprometida. Sin embargo, cuando la niña tenía 14 años, el compromiso se rompió por razones desconocidas y Cecilia fue enviada a un monasterio, donde conoció (o todo se organizó) con el duque de Milán, Ludovico Sforza. Comenzó una aventura, Cecilia quedó embarazada y el duque instaló a la niña en su castillo, pero luego llegó el momento de contraer matrimonio dinástico con otra mujer, a quien, por supuesto, no le gustó la presencia de su amante en su casa. Luego, después de que Gallerani dio a luz, el duque tomó a su hijo y la casó con el empobrecido conde.

En este matrimonio, Cecilia dio a luz a cuatro hijos, dirigió casi el primer salón literario en Europa, visitó al duque y disfrutó jugando con el hijo de su nueva amante. Después de un tiempo, el marido de Cecilia murió, llegó la guerra, ella perdió su bienestar y encontró refugio en la casa de la hermana de la esposa del mismo Duque; fue en relaciones tan maravillosas que logró estar con la gente. Después de la guerra, Gallerani devolvió su propiedad, donde vivió hasta su muerte a la edad de 63 años.

Zinaida Yusupova
VIRGINIA. Serov, “Retrato de la princesa Zinaida Yusupova”, 1902

La heredera rusa más rica, la última de la familia Yusupov, la princesa Zinaida era increíblemente hermosa y, a pesar de que su favor era buscado, entre otros, por personas augustas, quería casarse por amor. Ella cumplió su deseo: el matrimonio fue feliz y tuvo dos hijos. Yusupova dedicó mucho tiempo y esfuerzo a actividades caritativas y, después de la revolución, continuó en el exilio. Su amado hijo mayor murió en un duelo cuando la princesa tenía 47 años y ella apenas pudo soportar esta pérdida. Con el estallido de los disturbios, los Yusupov abandonaron San Petersburgo y se establecieron en Roma, y ​​tras la muerte de su marido, la princesa se mudó con su hijo a París, donde pasó el resto de sus días.

María Lopukhina
VL Borovikovsky, “Retrato de M.I. Lopukhina", 1797

Borovikovsky pintó muchos retratos de mujeres nobles rusas, pero éste es el más encantador. María Lopukhina, representante de la familia de los condes Tolstoi, está representada aquí a la tierna edad de 18 años. El retrato fue encargado por su marido Stepan Avraamovich Lopukhin poco después de la boda. La facilidad y una mirada ligeramente arrogante parecen ser una pose común para un retrato de este tipo de la era del sentimentalismo o signos de una disposición melancólica y poética. El destino de esta misteriosa niña resultó triste: apenas 6 años después de pintar, María murió de tisis.

Giovanina y Amacilia Pacini
Karl Bryullov, “Amazona”, 1832

La "amazona" de Bryullov es brillante retrato ceremonial, en el que todo es lujo: el brillo de los colores, el esplendor de los cortinajes y la belleza de las modelos. Representa a dos niñas que llevaban el apellido Pacini: la mayor, Giovanina, está sentada sobre un caballo, la más joven, Amatzilia, la mira desde el porche. Encargué un cuadro a Karl Bryullov, mi amante de toda la vida. madre adoptiva, la condesa Yulia Pavlovna Samoilova, una de las mujeres más bellas de Rusia y heredera de una colosal fortuna. La condesa garantizó una gran dote para sus hijas mayores. Pero resultó que a la vejez estaba prácticamente en quiebra, y luego hijas adoptivas Giovanina y Amazilia cobraron a la condesa el dinero y los bienes prometidos a través del tribunal.

Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, "El nacimiento de Venus"
1482-1486

En pintura famosa Botticelli representa a Simonetta Vespucci, la primera belleza del Renacimiento florentino. Simonetta nació en una familia adinerada, a los 16 años se casó con Marco Vespucci (un pariente de Amerigo Vespucci, quien "descubrió" América y le dio su nombre al continente). Después de la boda, los recién casados ​​se instalaron en Florencia y fueron recibidos en la corte. Lorenzo Medici, en esos años famoso por sus magníficas fiestas y recepciones.

Hermosa, al mismo tiempo muy modesta y amigable, Simonetta rápidamente se enamoró de los hombres florentinos. El propio gobernante intentó cuidarla. Florencia Lorenzo, pero fue su hermano Giuliano quien lo buscó más activamente. La belleza de Simonetta inspiró a muchos artistas de la época, entre los que se encontraba Sandro Botticelli. Se cree que desde el momento en que se conocieron, Simonetta fue el modelo de todas las Vírgenes y Venus pintadas por Botticelli. A la edad de 23 años, Simonetta murió de tisis, a pesar de los esfuerzos de los mejores médicos de la corte. Después de eso, el artista representó a su musa solo de memoria, y en su vejez legó ser enterrado junto a ella, lo cual se hizo.

Vera Mamontova
VIRGINIA. Serov, “La muchacha de los melocotones”, 1887

El cuadro más famoso del retratista Valentin Serov fue pintado en la finca del rico industrial Savva Ivanovich Mamontov. Todos los días, durante dos meses, su hija Vera, de 12 años, posó para el artista. La niña creció y se convirtió en chica encantadora, casado Amor mutuo para Alexander Samarin, perteneciente al famoso familia noble. Después de un viaje de luna de miel a Italia, la familia se instaló en la ciudad de Bogorodsk, donde nacieron tres hijos, uno tras otro. Pero inesperadamente, en diciembre de 1907, apenas cinco años después de la boda, Vera Savvishna murió de neumonía. Tenía sólo 32 años y su marido nunca se volvió a casar.

Alexandra Petrovna Struyskaya
F.S. Rokotov, “Retrato de Struyskaya”, 1772

Este retrato de Rokotov es como una media pista aireada. Alexandra Struyskaya tenía 18 años cuando se casó con un viudo muy rico. Existe la leyenda que para su boda su marido le regaló nada menos que nueva iglesia. Y toda mi vida le escribí poesía. No se sabe con certeza si este matrimonio fue feliz, pero todos los que visitaron su casa prestaron atención a lo diferentes que eran los cónyuges entre sí. Durante 24 años de matrimonio, Alexandra le dio a su marido 18 hijos, 10 de los cuales murieron en la infancia. Después de la muerte de su marido, vivió otros 40 años, administró firmemente la propiedad y dejó a sus hijos una fortuna considerable.

Galina Vladimirovna Aderkas
B.M. Kustodiev "La esposa del comerciante tomando el té", 1918

"La esposa del mercader tomando el té" de Kustodiev es una verdadera ilustración de esa Rusia brillante y bien alimentada, donde hay ferias, carruseles y el "crujido del pan francés". El cuadro fue pintado en el año de hambruna posrevolucionaria de 1918, cuando uno sólo podía soñar con tal abundancia.

Galina Vladimirovna Aderkas, una baronesa natural de una familia cuya historia se remonta a un caballero de Livonia del siglo XVIII, posó para la esposa del comerciante en este retrato. En Astracán, Galya Aderkas era compañera de casa de los Kustodiev, desde el sexto piso; La esposa del artista llevó a la niña al estudio después de notar el colorido modelo. Durante este período, Aderkas era muy joven, estudiante de primer año de medicina, y en los bocetos su figura parece mucho más delgada. Después de graduarse en la universidad y trabajar durante algún tiempo como cirujana, dejó la profesión y años soviéticos cantó en un coro ruso, participó en doblajes de películas, se casó y empezó a actuar en el circo.

Lisa del Giocondo
Leonardo da Vinci, "Mona Lisa", 1503-1519.

Quizás uno de los más famosos y retratos misteriosos de todos los tiempos y pueblos: esta es la famosa Mona Lisa del gran Leonardo. Entre las muchas versiones sobre quién es el propietario de la legendaria sonrisa, en 2005 se confirmó oficialmente la siguiente: el lienzo representa a Lisa del Giocondo, la esposa del comerciante de seda florentino Francesco del Giocondo. Es posible que el retrato haya sido encargado al artista para conmemorar el nacimiento de un hijo y la compra de una casa.

Junto con su marido, Lisa crió cinco hijos y, muy probablemente, su matrimonio se basó en el amor. Cuando su marido murió a causa de la peste y Lisa también sufrió esta grave enfermedad, una de las hijas no tuvo miedo de llevar a su madre a su casa y la abandonó. Mona Lisa se recuperó y vivió algún tiempo con sus hijas, muriendo a la edad de 63 años.

En términos de su variabilidad, la moda es superada solo por el clima, aunque este es un tema controvertido. Además, la moda cambia no sólo en ropa, estilos o complementos, sino también en belleza femenina. Una belleza reconocida de una época, medio siglo después, puede considerarse fea (pero tú y yo sabemos que no mujer hermosa no puede ser). En todo momento, los artistas respondieron con mucha sensibilidad a los caprichos de la moda, ya que siempre se esforzaron por representar a las mujeres más bellas de su época.

Antigua Grecia y Roma

Desafortunadamente, oh ideales femeninos La antigüedad debe juzgarse por los frescos y esculturas, en toda regla. pinturas no conservado. EN Antigua Grecia La diosa Afrodita, una dama curvilínea con cabello largo y espeso y rojo, era considerada el estándar de la belleza femenina. Así es exactamente como se la representa en el cuadro “El nacimiento de Venus” de Sandro Botticelli, aunque ya fue pintado en 1485. EN Antigua Roma valoraba la belleza sobre todo rostro femenino, y el esplendor de las formas quedó en segundo lugar. Por ejemplo, el cuadro “Proserpina” (1874) de Dante Rossetti fue creado con esta idea.

Edad media

En la Edad Media se podía enviar a alguien a la hoguera por alabar la belleza femenina, por lo que no queda ninguna evidencia artística. Demostrar figura femenina estaba estrictamente prohibido. La ropa tenía que ocultar completamente el cuerpo y el cabello escondido debajo de los sombreros. El estandarte de la belleza femenina eran las mujeres santas que se dedicaban al servicio de Dios.

Renacimiento

El Renacimiento recibe este nombre debido al resurgimiento del interés por los ideales de la Antigüedad, incluso en materia de belleza femenina. Caderas anchas, cuerpo completo, rostro alargado, tez sana: así debería haber sido la primera belleza de los siglos XV-XVI. Así es exactamente como se representan a las mujeres en las pinturas de Sandro Botticelli, Raphael Santi y Miguel Ángel. El ideal de belleza del Renacimiento se puede llamar la italiana Simonetta Vespucci, representada en varias pinturas de Botticelli "Primavera" (1478), "El nacimiento de Venus" (1485), "Retrato de una mujer joven" (1485). Durante el Renacimiento estuvo de moda frente alta, y para lograr este efecto, los amantes de la moda se afeitaron las cejas y la línea del cabello. Esto es claramente visible en el famoso cuadro "Mona Lisa" de Leonardo Da Vinci.

época barroca

A finales del siglo XVI y principios del XVII, el ideal de la belleza femenina eran las mujeres de piel blanca (el bronceado era considerado la suerte de las campesinas) con senos pequeños, piernas diminutas, rostro pálido, pero con caderas curvas. Además, cualquier aristócrata debía tener un peinado alto y complejo. Estos tendencias de la moda claramente visible en el retrato de la favorita de Luis XIV, Madame de Montespan (1670), realizado por Pierre Mignard. De esta época data la famosa obra de Jan Vermeer “La mujer de la perla” (1665).

época rococó

Si en la imagen la mujer parece más bien una muñeca de porcelana, rodeada de abanicos, paraguas, manguitos y guantes, entonces podemos decir con seguridad que estamos hablando de la época rococó. A principios del siglo XVIII se puso de moda la “anorexia leve”: la belleza femenina se volvía frágil, con caderas estrechas, pechos pequeños y mejillas hundidas. Existe evidencia de que para lograr el efecto de "mejillas hundidas", algunas mujeres se quitaron los dientes laterales y dejaron solo los frontales: la belleza requiere sacrificio. Los cánones de belleza de la época rococó están perfectamente ilustrados por los retratos de François Boucher, por ejemplo el “Retrato de la marquesa de Pompadour” (1756).

Era romantica

Sólo en la segunda mitad del siglo XIX el rubor natural, la frescura saludable y la redondez de las formas volvieron a convertirse en los estándares de la belleza femenina. Y la parte más atractiva. Cuerpo de mujer Los hombros se redondean, que eran simplemente necesarios para que cualquier belleza quedara al descubierto. Son precisamente mujeres así las que se encuentran en las pinturas de Adolphe Bouguereau; estas mujeres fueron representadas por los primeros impresionistas ("El nacimiento de Venus" de Bouguereau, "Las grandes bañistas" de Renoir, " bailarines azules"Degas).

Principios del siglo 20

"La Venus rusa", "La esposa del comerciante tomando el té", "La chica del Volga" de Boris Kustodiev ilustran perfectamente los cánones de belleza de principios del siglo XX. Todo lo que el romanticismo admiraba en una mujer se volvió aún más magnífico y pesado. 20-40 años del siglo XX.

Mediados del siglo XX

Marilyn Monroe se convirtió en el ideal de la belleza femenina a mediados del siglo pasado. Un rubio corto, sin excesos de delgadez o gordura. El fundador del arte pop, Andy Warhol, utilizó voluntariamente su imagen en sus obras.
Hablar sobre mayor desarrollo Los ideales de belleza femenina, especialmente en su relación con la pintura, aún no merecen la pena. Sólo es necesario señalar que la historia se desarrolla en círculos y la delgadez y la enfermedad vuelven a estar de moda.

¿Con qué frecuencia admiramos obras de arte sin pensar en quién está representado en ellas? En la memoria sólo quedan los nombres de los miembros de la realeza, y se desconoce la identidad de la niña, cuya silueta brumosa es visible en la esquina de la imagen. Sobre las mujeres que posaron para artistas Pinturas famosas, lo diré hoyAficionado. medios de comunicación.

Mona Lisa holandesa

La famosa "Mona Lisa holandesa", "La joven con un pendiente de perla" de Jan Vermeer fue pintada alrededor de 1665. Durante mucho tiempo, la pintura se llamó simplemente "La joven con un turbante", su nombre moderno lo recibió recién en el siglo XX. La representación de turbantes en las pinturas se ha vuelto popular desde el siglo XV, y Vermeer utiliza a menudo este detalle del baño en sus retratos. Toda la imagen está escrita en genero especial“troni”, que denotaba la imagen de la cabeza de una persona.

La "Mona Lisa holandesa" ha sido llamada durante mucho tiempo "La chica del turbante"

Fiel a su nombre, la atención del espectador se centra en un gran pendiente de perla.

Según la versión más común, se cree que su pequeña hija María posó para el retrato de Vermeer, aunque algunos investigadores todavía sugieren que podría tratarse de la hija del mecenas del artista, el filántropo Ruyven. María fue una de los 15 hijos de Vermeer; su matrimonio fue verdaderamente feliz. El artista amaba a su esposa y ella a menudo posaba para él en sus cuadros.

Retrato místico de la joven Lopukhina

El retrato de María Ivanovna Lopukhina, una de las representantes de la familia condal de Tolstoi, es uno de los más trabajos famosos El artista ruso Borovikovsky. Fue pintado en 1797 y actualmente se conserva en la Galería Tretyakov.

El retrato de M. I. Lopukhina es uno de los más trabajos famosos Borovikovski

El poeta Yakov Polonsky dedicó sus poemas a la niña representada en el retrato: “Ella falleció hace mucho tiempo, y esos ojos ya no están allí, y se fue esa sonrisa que expresaba silenciosamente el sufrimiento, la sombra del amor y los pensamientos. la sombra de la tristeza, pero Borovikovsky salvó su belleza”. El artista utiliza tradicionales. pintura de retrato técnica: rodear al personaje con objetos que ayuden a caracterizarlo. Estas son las características del paisaje ruso, un delicado chal y capullos de rosa caídos.

El retrato de Lopukhina es considerado el más poético de la obra de Borovikovsky.

Curiosamente, el retrato de María Lopukhina se utilizó durante mucho tiempo para asustar a las jóvenes. El caso es que poco después de pintar el cuadro, una joven de 21 años murió de tisis. Muchos creían que el retrato parecía quitarle la vida y que si las niñas miraban el cuadro, pronto también morirían.

Chica con paraguas de los cuadros de Monet.

El famoso cuadro de Claude Monet "Campo de amapolas en Argenteuil" fue pintado en 1873. Esta pintura apareció en una exposición de los impresionistas en 1874, cuando por primera vez se declararon como un grupo separado. Las dos figuras en primer plano son Camila, la esposa de Monet, y su hijo Jean.

El cuadro de Claude Monet "Campo de amapolas en Argenteuil" fue pintado en 1873.

Monet pintó, como era su costumbre, al aire libre, tratando de capturar la atmósfera de ligereza y movimiento. Dato interesante, al que pocas personas prestan atención: en la esquina izquierda de la imagen hay otra pareja similar, una mujer con un niño. Un camino apenas perceptible serpentea entre las dos parejas.

La pintura representa a dos parejas, una de las cuales es la esposa y el hijo de Monet.

La historia de amor de Monet y Camila fue trágica: el padre de Monet amenazó más de una vez con privar a su hijo de su manutención si no se separaba de su amada. Vivieron separados durante mucho tiempo, pero Monet no pudo durar mucho sin su familia. Sin embargo, el artista le pedía a menudo a su esposa que posara para sus cuadros. Podemos ver a Camila tanto en el lienzo “Dama de Verde” como entre “Mujeres en el Jardín”. También hay varios retratos separados de Camila y su hijo. Y cuando Camila murió, pintó su retrato póstumo, que se diferencia del resto de obras del artista.

Monet pintó un retrato póstumo de su esposa bajo la impresión de su muerte

Impresionado por la muerte de su amada esposa, Monet pintó su retrato póstumo

La actriz que cautivó a Renoir

Auguste Renoir, uno de los artistas impresionistas más famosos, amaba y supo representar la belleza femenina. La actriz Jeanne Samary era su modelo favorita. Renoir le pintó cuatro retratos, pero el más famoso fue “Retrato de la actriz Jeanne Samary”. Fue escrito en 1877 y ahora se conserva en el Museo Pushkin de Moscú.

Los tonos principales utilizados en el retrato son el rosa y el verde.

Zhanna provenía de una familia de teatro y no eligió su campo por mucho tiempo. Hizo su debut teatral en el papel de Dorina en Tartufo de Moliere y su fama creció rápidamente. Antes de casarse, la niña iba a menudo al estudio de Renoir y posaba para él. Es cierto que asistía a las sesiones de forma irregular y esto enfureció al artista. Pero quedó completamente fascinado por la gracia de la actriz, por lo que una y otra vez la invitó a convertirse en su modelo. Pero su fama y felicidad no duraron mucho: murió a los 33 años a causa del tifus.

Bailarina con la flexibilidad de una serpiente.

El famoso autor de "La joven de los melocotones" Valentin Serov, tras conocer a Ida Rubinstein en París en 1910, le pidió que sirviera de modelo para el nuevo cuadro. Antes de eso, posó para muchos artistas: Kees van Dongen, Antonio de la Gándara, André de Segonzac, Leon Bakst y más tarde para Romaine Brooks.

El retrato de Ida Rubenstein fue comprado casi de inmediato a Serov.

Pero fue el retrato del artista ruso el que se convirtió en el más famoso. La pintura fue comprada casi de inmediato al autor y colocada en la colección del Museo Ruso.

La hija de Serov, Olga, escribió que, en realidad, Ida no era tan delgada en absoluto y el artista la estilizó deliberadamente.

Ida Rubinstein fue una famosa bailarina y actriz rusa. De 1909 a 1911 actuó como parte de la compañía de Sergei Diaghilev. Rubinstein era alta, pero su gracia asombró al público y fue descrita como una bailarina “con la flexibilidad de una serpiente y la plasticidad de una mujer”. Los papeles de Cleoparta y Zobeide se convirtieron en sus papeles estelares. Después de dejar Diaghilev, creó su propia compañía, en la que actuó durante mucho tiempo. Y en 1921 incluso protagonizó la película italiana "El barco".