La industria de la música moderna es un fenómeno bastante extraño que no se detiene y está en constante evolución. Quienes han trabajado en la “cocina” musical durante más de un año saben que a veces es muy difícil predecir lo que nos depara el futuro musicalmente. Sin embargo, el sistema de ganancias es siempre el mismo, y cualquiera que se tome en serio convertir su música en dinero en efectivo haría bien en tener al menos una comprensión básica de cómo funciona el negocio de la música.

Por lo tanto, decidimos escribir una pequeña guía para los temerarios que quieren y tienen la intención de promocionar su música y ganar un buen dinero con ella. Esta es información suficiente para darle una comprensión básica de cómo vive y respira el negocio de la música y para hacerle pensar en cómo podría ser parte de él.

Compañías discográficas

El camino "tradicional" hacia el éxito en la industria de la música es cuando tu disco es escuchado por un sello conocido, que luego firmará un contrato contigo para promocionar tu trabajo. Es incluso mejor si ya ha grabado algunas canciones que se pueden incluir en su mini-álbum, en un álbum de larga duración o en varios álbumes en la red.

De hecho, el sello actúa como un inversor que invierte su dinero en ti y en tu proyecto. Este dinero se usa para pagar el alquiler del estudio, la mezcla y la masterización, así como para pagar su adelanto, que se paga por adelantado para que pueda vivir hasta el punto en que comience a recibir su parte de las ventas, que se refiere en la industria. como regalías.

El sello también maneja todo el papeleo necesario para lanzar una pista/álbum, que incluye un diagrama de cómo se reparten las regalías: qué porcentaje de cada moneda ganada va para ustedes, los colaboradores, y qué porcentaje va al sello para cubrir su ingreso inicial. inversión y reciba más ganancias que la etiqueta podría invertir en su promoción nuevamente.

Sobornos musicales

La Sociedad de Protección de Derechos de Autor (MCPS) paga una regalía por cada copia de tu pista. Esto significa que cuantos más discos venda, más obtendrá. Además, si su canción termina en CD o DVD, o si se usa de alguna otra manera, también obtendrá una cierta cantidad por esto.
Por ejemplo: hay 20 canciones en la colección, y una de ellas es tuya. Esto significa que la Sociedad de derechos de autor le pagará el 5% de todas las ventas.

Lanzamiento largamente esperado de su música

El lanzamiento de tu música significa el uso de tu pista en cualquier forma, y ​​todos los ingresos recibidos después del lanzamiento de tu música pueden provenir de muchas y variadas fuentes. En realidad, el dinero proviene de cada vez que una canción se reproduce en la televisión, la radio o se utiliza como banda sonora de una película, incluso cuando la pista se reproduce en los probadores de Topshop. La lista es interminable.

Teóricamente, resulta que obtienes dinero por cualquier uso de tu pista. Este sistema funciona a través de agencias de cobro como PRS en el Reino Unido o ASCAP (Composers, Writers and Publishers of America) en los Estados Unidos. Estas organizaciones rastrean todas las formas en que se usa tu música, luego recolectan y distribuyen el dinero en consecuencia.

TV, películas y más

Los principales canales de distribución y fuentes de ingresos en la industria de la música son la televisión, el cine y los videojuegos, es decir, la distribución de la banda sonora de tu música a través de estos canales. Los beneficios de un fonograma son obvios: te pagan por usar tu composición; como resultado, obtiene nuevos ingresos por el hecho de que su canción se usa en proyectos de películas o programas de televisión, por ejemplo, como banda sonora. Este uso de su música le permite aumentar la visibilidad de usted y su trabajo, ya que será escuchado por una audiencia potencialmente enorme que no estaba familiarizada previamente con su música.

No es fácil conseguir pistas en proyectos de cine y televisión, pero hay productoras especializadas que actuarán en tu nombre para impulsar tu música en una dirección u otra. De modo que puede ocuparse de su negocio mientras agencias como esta promocionan sus pistas entre personas involucradas en el cine y la televisión.

La necesidad de catalogar la música que estará en la biblioteca de discos de las compañías musicales (más recientemente denominadas Compañías de Producción Musical) es bastante comprensible. Después de todo, es un catálogo de este tipo que es potencialmente lo más rentable de todo lo que hará. Por regla general, dicha empresa se llevará un porcentaje por la promoción de su música. Pero no tiene que pagarles por adelantado para que lo representen. El pago se realiza en el acto. Y lo que es aún mejor es que no se les paga hasta que se lanza tu música, lo que significa que trabajarán tan duro como puedan para asegurarse de que todos sepan de ti.

Piensa en la composición de Rembrandt "I'll Be There For You", la banda sonora de la serie "Friends", y cuántas personas lo conocen en todo el mundo...

Otras fuentes de ingresos

¿Qué pasaría si no escribieras o produjeras nada en absoluto? No te preocupes, aún puedes ganar dinero con la música. La transmisión de PPL no es un canal de distribución típico debido a los compositores. Esta es una fuente adicional de regalías pagadas por las emisoras a los artistas intérpretes o ejecutantes por el uso de su música. Todos los involucrados en la creación de la canción (bajistas, coristas, etc.) también reciben una pequeña cantidad de dinero por su trabajo.

Distribución

El distribuidor es responsable de hacer llegar tu música desde el almacén hasta la tienda. Para hacer esto, si crea contenido físico, debe celebrar un acuerdo de distribución.
Como sabemos, la música 'física' se está quedando atrás en popularidad con respecto a la música digital, lo cual es una buena noticia si está comenzando su propio sello, ya que la distribución no tiene que ser un gran esfuerzo o gasto. La distribución digital significa que tus grabaciones estarán disponibles para la venta digitalmente en todos los lugares que tus fanáticos están esperando. Por ejemplo, Amazon, Beatport, iTunes. En otras palabras, la distribución digital le ahorra líos innecesarios en todos los sentidos.

Y finalmente

Todo lo anterior es bastante difícil de aceptar, pero si quieres conectar tu vida con la música, entonces debes entender los mecanismos básicos de una máquina musical tan grande, y debes estar listo, si realmente quieres expresarte y salir. una marca en el campo musical, asumirlo es un asunto y llegar hasta el final, pase lo que pase.
¡Y te deseamos mucha suerte!

Con qué frecuencia escuchamos música de todas partes. La música se convierte en el fondo sonoro de nuestra vida. ¿Conoces la sensación cuando te olvidas de llevar tus auriculares contigo? Silencio, no, incluso vacío. Inusualmente, y las manos tienden a encender algo. La música deja de sonar, la voz interior se enciende, pero de alguna manera no quiero escucharla en absoluto. Nos recuerda asuntos pendientes, nos reprocha algo, trae pensamientos serios. No, una nueva pista habría comenzado lo antes posible. Simplemente nos acostumbramos a la música, nos acostumbramos a no estar solos todo el tiempo, sino con estos ritmos musicales alegres (o no tan).

Probablemente, todos tienen melodías favoritas, en cuyo sonido aparecen líneas de canciones familiares en algún lugar profundo. Al mismo tiempo, a menudo sucede que una persona sabe la letra de memoria, pero nunca pensó en el significado de las palabras impresas en su memoria e incluso en las palabras que se pronuncian con frecuencia. Esto sucede porque la mayoría de la gente está acostumbrada a escuchar música de fondo o en formato de reposo, es decir, relajarse y no pensar en nada, disfrutar de las emociones o simplemente sumergirse en pensamientos ajenos.

Como resultado de tal escucha, la visión del mundo de una persona se llena de textos y significados que no han sido filtrados en el nivel de la conciencia. Y como la información se presenta acompañada de varios ritmos y melodías, se absorbe muy bien y luego, desde el nivel del subconsciente, comienza a influir en el comportamiento humano. ¿Qué programas de comportamiento son transmitidos a la audiencia masiva por la música popular moderna, la que se reproduce en la televisión y la radio, y puede ser tratada inconscientemente, es decir, sin pensar en su influencia? Veamos algunos videos:

Después de ver estos videos, es apropiado recordar la cita del antiguo filósofo chino Confucio: “La destrucción de cualquier estado comienza precisamente con la destrucción de su música. Un pueblo sin música pura y brillante está condenado a la degeneración”.

Tenga en cuenta que en la última revisión, no se trataba solo del contenido de canciones específicas, sino también de la dirección general del tema de la música popular. Este es un matiz importante que debe tenerse en cuenta. Después de todo, la música debe reflejar diferentes aspectos de nuestra vida, y no elevar uno a un tamaño e importancia inapropiados.

La creatividad de una persona, cuando viene del corazón, siempre refleja su mundo interior, toca los temas del desarrollo personal, la búsqueda de respuestas a preguntas apasionantes. Si la creatividad es reemplazada por negocios y ganar dinero es lo primero, entonces su contenido se llena automáticamente con los significados y formas apropiados: primitivo, estereotipado, insípido, estúpido.

Escuchar el contenido que se reproduce hoy en día en la mayoría de las estaciones de radio es un proceso real de programación de las personas para implementar inconscientemente en sus vidas todos los comportamientos enumerados en los videos.

Al mismo tiempo, en las revisiones de video presentadas, solo se analizó el contenido de los textos y la secuencia de video de los clips, pero el ritmo, la tonalidad, la melodía y el volumen de la música tienen un gran impacto en una persona. Después de todo, cualquier música es, al final, vibraciones que pueden armonizar con el estado interno de una persona o actuar destructivamente en el sentido literal.

El impacto de la música en la sociedad.

Disonancia en la música, cambios repentinos en el ritmo, sonido fuerte: todo esto es percibido por el cuerpo como estrés, como un factor contaminante que afecta no solo al sistema nervioso, sino también al sistema cardiovascular y endocrino. En Internet, puede encontrar los resultados de muchos experimentos que muestran que si la música clásica o folclórica mejora las habilidades mentales, entonces la música pop moderna, construida sobre los mismos ritmos, o la música irregular pesada, por el contrario, deprime la psique humana, empeorando memoria, pensamiento abstracto, atención.

Puedes ver claramente la influencia de la música en estas imágenes:

Estas fotografías fueron tomadas por el investigador japonés Masaru Emoto. Expuso el agua a varias melodías y habla humana, después de lo cual la congeló y fotografió los cristales de agua congelados resultantes con gran aumento. Como puede ver en la diapositiva, bajo la influencia de los sonidos de la música clásica, los cristales de agua destilada adquieren elegantes formas simétricas, bajo la influencia de la música pesada o las palabras negativas, las emociones, el agua congelada forma estructuras caóticas y fragmentadas.

Teniendo en cuenta que todos somos en su mayoría agua, puedes imaginar la gran influencia que tiene la música en nosotros. Por ello, la elección de aquellas composiciones que sueles escuchar tú mismo o incluir para niños debe ser consciente, evaluando el impacto de la música y el efecto que te gustaría conseguir.

La música afecta a una persona en 3 aspectos:

1. Mensaje significativo de letras y videoclips.
2. Vibraciones musicales (ritmo, tonalidad, melodía, timbre de voz, etc.)
3. Las cualidades personales de los artistas populares cuyas vidas están en exhibición

Como tercer punto de esta diapositiva, destacamos el aspecto personal asociado a la moralidad de aquellos intérpretes que reciben fama y gloria. Dado que el mundo del espectáculo moderno se basa en el hecho de que lleva a la discusión pública toda la vida personal de las llamadas estrellas, imponiéndolas a las generaciones más jóvenes como ídolos que encarnan el "éxito", al evaluar las canciones modernas, también se debe tener en cuenta el estilo de vida que transmiten con su ejemplo a sus ejecutantes.

Probablemente todos hayan oído hablar de un cantante occidental tan popular como. Veamos qué ideología promueve con su trabajo y con su ejemplo personal.

Como parte del proyecto Teach Good, se realizaron revisiones similares sobre otros artistas occidentales más populares: - y en todas partes lo mismo. Su carrera se desarrolla como si fuera un patrón: de niñas relativamente simples y modestas, que ingresaron a la industria del espectáculo, se convierten gradualmente en aquellas cuyas fotografías y frutos de creatividad son incluso vergonzosos de demostrar durante una conferencia debido a la vulgaridad obsesiva y la vulgaridad.

Al mismo tiempo, son estas estrellas las que reciben constantemente los principales premios musicales, sus videos se reproducen en canales de televisión y estaciones de radio, incluso aquí en Rusia, sus canciones se reproducen regularmente. Es decir, se construye el mismo sistema en la industria musical, basado en 3 herramientas principales: instituciones de premios, flujos financieros y control sobre los medios centrales.

¿Dónde encontrar buenas canciones?

Es casi imposible para los buenos intérpretes, aquellos que cantan canciones realmente significativas y tratan de dirigir su creatividad en beneficio de las personas, romper esta barrera. La situación está comenzando a cambiar solo hoy, cuando con la llegada de Internet, cada persona tuvo la oportunidad a través de sus cuentas en las redes sociales, blogueando y creando sitios web para actuar como un medio de comunicación independiente.

El surgimiento del proyecto Teach Good y de muchas otras asociaciones de personas solidarias es un proceso natural de destrucción del antiguo sistema construido sobre un control estricto de las personas admitidas en los medios. Y es en Internet donde puedes encontrar canciones de esos artistas que no escucharás en la televisión, pero cuya música es realmente agradable y útil de escuchar.

También realizan giras por ciudades, actúan en escenarios, reúnen casas llenas, pero sus fotos no se imprimen en revistas de moda y sus canciones no se transmiten en estaciones de radio populares o canales de televisión de música. Porque para la industria de la música moderna, su trabajo no se ajusta al "formato" definido e impuesto a una amplia audiencia a través de los mismos medios, o más bien, los medios para formar y controlar la conciencia pública.

Como ejemplo de creatividad significativa, llamamos su atención sobre una de las canciones que fue inventada y grabada por los lectores del proyecto Teach Good.

El comienzo del siglo XX se caracteriza por el rápido desarrollo de la industria del entretenimiento musical. La Sociedad Filarmónica de San Petersburgo, la Sociedad Filarmónica de Moscú, la Sociedad Musical Rusa, el Círculo de Música Rusa y la organización musical de conciertos House of Song, que existió hasta 1918, jugaron un papel importante en el desarrollo de la actividad de conciertos. El escenario musical durante este período estuvo principalmente en manos de una empresa privada.

La industria discográfica es especialmente activa. La primera fábrica de discos en Rusia abrió en Riga en 1902. Y en 1907, la producción de discos fue organizada por la empresa Pate, que importaba matrices del extranjero (desde 1922, la "Fábrica que lleva el nombre del 5º aniversario de octubre"). Desde 1910, la fábrica Metropol-Record en la estación Aprelevka cerca de Moscú produce discos. En 1911 se puso en funcionamiento la fábrica de la sociedad Sirena-Record, que imprimió 2,5 millones de discos en un año.

La Duma del Estado aprobó la ley "Sobre los derechos de autor", que por primera vez tuvo en cuenta los intereses de las empresas de grabación de sonido. Se formó la Agencia de Derechos Musicales para Autores Rusos (AMPRA). La producción bruta anual en Rusia ascendió a 18 millones de discos de gramófono, unas 20 empresas operaron en el mercado. La planta de Aprelevka aumentó su capacidad a 300.000 registros al año. Se creó un "Sindicato de Fábricas Unidas" para oponerse a los grandes fabricantes extranjeros. Sin embargo, tras el estallido de la Primera Guerra Mundial en Rusia, su número disminuyó.

En 1915, se puso en funcionamiento la planta "Escribiendo Cupido en Moscú". Antes de la revolución en Rusia había seis fábricas que producían 20 millones de discos al año; además, se produjeron 5-6 millones utilizando matrices importadas. La mayoría de las fábricas se basaron en capital ruso personal: "¿Asociación de Rebikov y K?" y otros.

Sin embargo, al mismo tiempo, el mercado también se enfrenta a los primeros fenómenos negativos en la industria de la música, que también son característicos del mundo del espectáculo moderno. Aparecieron los primeros discos pirateados, producidos por la empresa Neographon y la sucursal de San Petersburgo de la empresa estadounidense Melodifon. El empresario D. Finkelstein fue más lejos: su asociación con Orfenon produjo exclusivamente discos pirateados.

Fenómenos similares ocurrieron en las editoriales musicales. A principios del siglo XX, la publicación de música en Rusia alcanzó un alto nivel de desarrollo, no inferior en términos de técnica de impresión a las publicaciones de música extranjeras. Las editoriales de música rusas como la firma de Jurgenson ganaron reconocimiento mundial.

En las primeras décadas del siglo XX, había numerosas tiendas de música, empresas en la periferia (Yaroslavl, Rostov-on-Don, Yekaterinburg, Saratov y otras ciudades) dedicadas a actividades de publicación de música. Las editoriales de música y las tiendas de música en Rusia produjeron catálogos de las partituras que publicaron, que hasta el día de hoy son fuentes valiosas para estudiar los gustos musicales de la época.

Cambios cardinales en el arte de la música tuvieron lugar después de la revolución de 1917. El negocio editorial pasa a manos del Estado (Decreto del Consejo de Comisarios del Pueblo del 19 de diciembre de 1918). En 1921, las editoriales de música y las imprentas de música se fusionaron en una sola editorial de música, que en 1922 pasó a formar parte de Gosizdat como su sector musical. En 1930, el sector de la música se reorganizó en la Editorial Estatal de Música "Muzgiz" con una sucursal en Leningrado, que se convirtió en la editorial de música más grande.

En los mismos años, también operan otras editoriales de música, en particular, la cooperativa "Tritron" (1925-1935). Publicaron partituras y libros de música. Varias organizaciones y departamentos públicos participan en la publicación episódica de notas: la Sociedad de Escritores y Compositores Dramáticos de Moscú (MOPIK, 1917-1930), la Dirección de Protección de Derechos de Autor de toda la Unión.

En 1939, se creó el Fondo Musical de la URSS bajo la Unión de Compositores, cuyas tareas incluían la publicación de obras de compositores soviéticos. En 1964, "Muzgiz" y "Soviet Composer" se fusionaron en una editorial "Music", pero en 1967 se separaron nuevamente. Estas editoriales publican las revistas "Música soviética" y "Vida musical".

La producción discográfica también está atravesando un período de cambios dramáticos. Esta industria fue nacionalizada. Y uno de los primeros discos de gramófono lanzados bajo el régimen soviético fue una grabación del discurso de V.I. Llamamiento de Lenin al Ejército Rojo. En 1919-1920. El departamento de "Centropechat" "Placa soviética" produjo más de 500 mil discos de gramófono. Se trataba en su mayoría de grabaciones de discursos: discursos de figuras públicas y del partido prominentes.

En la década de 1920, la producción se reanudó en las antiguas empresas, y en la década de 1930 comenzó a funcionar la All-Union Recording House en Moscú. En 1957, se fundó All-Union Recording Studio. En 1964, se creó All-Union Firm Melodiya, que unió fábricas, casas y estudios de grabación nacionales y se convirtió en el monopolio de la grabación de sonido durante muchos años.

También ha habido grandes cambios en la actividad de conciertos. La organización y gestión de toda la industria pasó a manos del Estado, lo que tuvo una gran influencia en la orientación ideológica de la creatividad de los intérpretes. Esto fue especialmente notable en el campo del arte pop. Se crearon instituciones estatales especiales que organizaron las actividades de conciertos de artistas de todos los géneros, incluida la música pop.

Este sistema, bajo el auspicio del Ministerio de Cultura, incluía el Concierto de Estado, Soyuzconcert, Rosconcert, sociedades filarmónicas republicanas, regionales y municipales, asociaciones concertísticas que protagonizaron toda la vida concertística más compleja de nuestro país. La libre empresa fue castigada por la ley como una actividad ilegal. Juntos, durante este período, el trabajo musical, educativo y cultural cobra protagonismo.

Los conciertos se llevan a cabo no solo en las salas de conciertos de las grandes ciudades, sino también en pequeños clubes, casas de cultura, en las tiendas de fábricas, fábricas, granjas estatales, granjas colectivas, en esquinas rojas y en granjas. Al mismo tiempo, a los artistas se les pagaba según tarifas estrictamente establecidas: de 4,5 a 11,5 rublos por concierto.

Con el surgimiento de una economía de mercado, comienzan a desarrollarse direcciones alternativas en el escenario oficial. Hay problemas asociados con la reorganización de esta actividad. La principal contradicción se formó: entre el carácter personal del talento y la práctica de apropiación por el estado de su obra. Después de todo, antes no existía el derecho a pagar al contratista a pedido. La aparición de numerosas firmas y compañías que trabajan en el escenario musical se ha convertido en una respuesta objetiva de los nuevos tiempos al creciente interés de consumidores y empresarios por el escenario en su conjunto y sus direcciones.

Actualmente hay más de setenta asociaciones, empresas, empresas y asociaciones públicas y privadas en Moscú que organizan actividades de conciertos. Sin tener en cuenta las asociaciones ilegales y no formadas, solo los gerentes especializados altamente profesionales pueden administrar actividades tan polifacéticas, que no solo deben satisfacer las crecientes demandas del público, y no tanto, sino también anticiparlas, captando claramente las condiciones del mercado y monitoreando las actividades de competidores, teniendo en cuenta otros factores en su trabajo en este mercado, como la solvencia de la población, etc.

Enviar su buen trabajo en la base de conocimiento es simple. Utilice el siguiente formulario

Los estudiantes, estudiantes de posgrado, jóvenes científicos que utilizan la base de conocimientos en sus estudios y trabajos le estarán muy agradecidos.

Documentos similares

La esencia y particularidades de la actividad concertística, su finalidad y procedimiento de ejecución. Requisitos para participantes en programas de conciertos: director, presentador, intérpretes, músicos. Estructura y características de los principales elementos de la actividad concertística.

trabajo de control, añadido el 25/06/2010


Consideración del problema del apoyo metodológico a las actividades de las instituciones culturales. El estudio de los detalles del funcionamiento del sistema de apoyo metodológico de las actividades socioculturales en el ejemplo de la Casa Regional de Arte Popular de Murmansk.

documento final, agregado el 04/01/2013


tesis, agregada el 14/12/2010


El desarrollo del factor espiritual en la vida de los adolescentes como prioridad en las actividades socioculturales. Conocimiento de las características de la organización de actividades socioculturales entre los niños sobre la base de la Casa de la Cultura Infantil que lleva el nombre de D.N. Pichugin.

documento final, agregado el 07/10/2017


Las direcciones principales de organizar el ocio de un residente rural en condiciones modernas. Diagnóstico del nivel de satisfacción de los residentes del pueblo de 2nd Pristan con la calidad de la organización de actividades socioculturales, recomendaciones y métodos para su mejora.

tesis, agregada el 07/06/2015


La esencia de la función de individualización de la personalidad. Metas y objetivos de las instituciones socioculturales, formas de actividades socioculturales. La generación como sujeto de la actividad sociocultural. Formas de transmitir la información cultural en el proceso de inculturación.

prueba, agregada el 27/07/2012


Modo de funcionamiento, actividades financieras y económicas, proceso educativo, tareas, actividades y funciones del Palacio de la Creatividad Infantil y Juvenil. Direcciones de la actividad educativa y metódica en el ámbito sociocultural.

trabajo final, agregado el 27/01/2012

Cómo se hace: producir en las industrias creativas

La industria musical en la era digital

A principios del siglo XXI, la industria ha cambiado mucho. El negocio de la música se ha reconstruido más de una vez con el desarrollo de las tecnologías de Internet. Los principales problemas siguen siendo la piratería y el débil deseo de los internautas de pagar por contenidos legales. Entonces, solo en el período de 2004 a 2010, los ingresos de la industria discográfica mundial cayeron casi un 31%. En 2013, por primera vez, se registró un ligero aumento en las ventas de música grabada con respecto al año anterior por un monto de 0,3%.5 Principalmente debido a las ventas oficiales en la tienda en línea iTunesStore. Pero ya en 2014, las ventas de iTunesStore de pistas individuales cayeron un 11 % interanual, de 1260 millones de dólares a 1100 millones de dólares, mientras que las ventas de medios físicos cayeron un 9 %.6 En Rusia, las cifras siguen siendo peores que las globales. De 2008 a 2010, las ventas de medios físicos legales cayeron de $400 millones a $185 millones, más del doble en tres años y con una tasa de piratería del 63%. En comparación, EE. UU. tiene una tasa de piratería de solo el 19 %.7

La misma actitud hacia la música, las formas de escucharla, también están cambiando. Popular hace 3-5 años, las tiendas en línea como iTunesStore están siendo eliminadas del mercado por servicios de transmisión como Spotify y BeatsMusic. Los analistas predicen que para 2019, casi el 70 % de todos los ingresos de la industria de la música en línea provendrán de los servicios de transmisión, mientras que los ingresos de las tiendas en línea caerán un 39 %. Al mismo tiempo, el 23 % de todos los usuarios de servicios de transmisión que solían comprar al menos un álbum por mes ahora no los compra en absoluto.8 De los 210 millones de usuarios de servicios de transmisión en línea, solo el 22 % de los usuarios todavía han pagado. cuentas Como señala el analista de música Mark Mulligan, “La transición a un nuevo modelo de distribución se ve obstaculizada por la necesidad de encontrar valor por el que los suscriptores gratuitos estén dispuestos a pagar”.9

Además, la música de hoy necesita otras formas de atraer a una audiencia moderna. Formas que mejor satisfagan las necesidades y hábitos de esta misma audiencia, acostumbrada a servicios de streaming, gadgets, percepción de fondo y streaming de material musical.

Entre las transformaciones más importantes que se han producido en la industria musical, cabe destacar:

- una abundancia musical nunca antes vista. Hay demasiada música hoy. Internet ha multiplicado la oferta. Como resultado, el oyente tiene un efecto de saturación. Y cuando el oyente comienza a sentirse sobresaturado, el valor de la música cae. Como resultado, es muy difícil atraer a un oyente tan hastiado y cansado. Especialmente cuando hay muchos otros entretenimientos en la red además de la música10;

- reducir la duración del contacto con una obra. Si al internauta no le gusta algo, inmediatamente cierra el archivo y cambia a contenido más interesante11;

– la transición de la descarga y el almacenamiento de archivos a la escucha continua;

- trastorno por déficit de atención de la audiencia de Internet;

– Percepción de clip y desintegración de grandes formas musicales. La transición del pensamiento de álbum a singles;

- Desacralización de la música. Ahora la red está disponible casi todo para todos los gustos. El usuario no necesita realizar grandes esfuerzos para obtener el registro deseado. La música llega con demasiada facilidad. Y cuando la música se obtiene sin mucha dificultad, no evoca un sentido de valor y singularidad;

– el consumo en modo multitarea, lo que llevó a la práctica de escuchar en segundo plano. Hoy en día, una persona puede darse el lujo de escuchar música, leer un artículo y sentarse en YouTube al mismo tiempo. Es decir, una persona accede a Internet no por la música, sino por otra cosa (por ejemplo, películas o juegos). La música no es un fin en sí mismo para el usuario. Ella juega de fondo12;

– cambio frecuente de tendencias y necesidad de actualización constante de contenidos provocada por el efecto FOMO. FOMO es “el miedo a perderse algo nuevo, ser excluido, un deseo obsesivo de estar al tanto”. 13 El fenómeno FOMO es especialmente relevante para los fanáticos que están acostumbrados a seguir la vida de los ídolos. Puede seguirnos en las redes sociales durante todo el día. Pero si el artista no actualiza el contenido y comparte algo realmente (desde el punto de vista de los fans) importante con los fans, entonces el interés desaparece rápidamente14;

- síntesis con otros tipos de arte, principalmente con el cine y el teatro;

- el contenido multimedia del material musical, es decir, cuando se promueve la música, el contenido de video, foto y texto que lo acompaña comienza a desempeñar un papel importante;

– la necesidad de competir por la atención de la audiencia no solo con la comunidad musical profesional, sino también con los “aficionados” a quienes se les permite probar suerte con la creatividad y compartir los resultados de esta creatividad con una amplia audiencia con tecnologías relativamente baratas y software.

Teniendo en cuenta todos los desafíos que la revolución digital arroja a la industria, los expertos de la escuela británica The Music Business School creen que hoy en día una campaña de promoción exitosa para un músico debe sustentarse en varios pilares, que incluyen:

- énfasis en la singularidad del artista;

- comunidades de fans dedicadas, que deberían estar presentes en varias redes sociales importantes a la vez;

- distribución del álbum a través del máximo número posible de recursos y plataformas (tiendas online, servicios de streaming, aplicaciones móviles, etc.), es decir, el denominado modelo de negocio multiplataforma;

– presencia en todos los sitios de alojamiento de videos más famosos;

– participación de las comunidades de fans en la generación y distribución de contenidos;

- construir la promoción de su música en torno a una historia (o idea) interesante que proporcione a sus oyentes potenciales una participación narrativa;

- ofrecer proyectos no estándar que amplíen las posibilidades de la música y permitan "consumirla" no solo en conciertos oa través de la escucha ordinaria en Internet, sino también a través de cualquier formato híbrido15.

Por lo tanto, la tarea principal de un músico es atraer la atención de tantos oyentes como sea posible y mantener esta atención durante el mayor tiempo posible. La industria de la música está llegando gradualmente a la conclusión de que es difícil atraer a una audiencia de Internet solo con música. “Necesitamos una búsqueda de nuevas formas en las que los músicos ahora puedan presentar su música. Ahora está claro para todos los músicos, tanto una luminaria como un principiante: solo grabar una canción no es suficiente ahora, porque tiene todas las posibilidades de no ser escuchada”, dice el líder del grupo Mumiy Troll, Ilya Lagutenko16.