Méritos artísticos del drama “Tormenta. Un Diccionario Conciso de Estética Méritos Artísticos

Historia

En 1240, surgió un mercado en este sitio, donde se comercializaba grano en una logia abierta con pilastras que protegían de la lluvia. En memoria de la iglesia ubicada en este sitio, dos imágenes de S. Miguel y la Madre de Dios. Se creía que este último tenía poderes milagrosos.

Arcadas del primer piso, decoradas con ventanas caladas.

Las arcadas exteriores con ventanas ricamente decoradas aparecieron solo en 1367. La iglesia comenzó a desempeñar su papel en la historia del arte solo a partir de 1348, cuando la primera ola de peste asoló Europa. La Iglesia de Orsanmichele se enriqueció en ese momento: los sobrevivientes de la peste donaron 350.000 florines a la parroquia por culpa o arrepentimiento, lo que superó el presupuesto anual de la ciudad y permitió a la iglesia encargar un gran tabernáculo de mármol. Dado que el comercio de cereales no encajaba bien con el magnífico tabernáculo de Orcagni, el mercado se trasladó a otro lugar. A partir de ese momento, la planta baja de Orsanmichele sirvió exclusivamente para fines religiosos y, por primera vez en la historia de Florencia, el comercio dio paso al arte. Los pisos superiores continuaron sirviendo como granero de reserva hasta principios del siglo XVI.

En el siglo XIV. Se asignó una nueva función al edificio: el centro de talleres artesanales. En las décadas siguientes, los gremios donaron fondos para crear esculturas de sus santos patronos y otros santos, ubicadas en 14 nichos en las cuatro paredes exteriores de la iglesia. Los gremios eran lo suficientemente ricos como para emplear a artistas famosos: Nanni di Banco, Donatello, Lorenzo Ghiberti y Andrea del Verocchio.

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Interior de Orsanmichele

Tabernáculo de altar en Orsanmichel

San Marcos de Donatello

Tomás el Incrédulo de Verrocchio

templo catolico
Santa Maria dei Miracoli Santa Maria dei Miracoli
autor del proyecto	Lombardo, Pedro
· San Giorgio Maggiore · Santi Giovanni y Paolo · Santa Maria dei Frari · Santa Maria della Salute the Builder	Lombardo, Pietro y Lombardo, Tullio
Construcción	20 de febrero de 1367 - c. 1422
pasillos	6,96 m de profundidad y 5,38 m de ancho
Reliquias y santuarios	frescos de Masolino, Masaccio y Filipino Lippi

Capilla Brancacci(ital. Capella Brancacci) - una capilla en la iglesia de Santa Maria del Carmine en Florencia, famosa por sus pinturas murales del Renacimiento temprano. Los frescos de Masaccio en la Capilla Brancacci revolucionaron las bellas artes europeas y predeterminaron el vector de su desarrollo durante varios siglos por venir.

La Iglesia de Santa Maria del Carminevo en Florencia, donde se encuentra la Capilla Brancacci, como muchas iglesias antiguas, se distingue por una fachada extremadamente modesta que esconde una verdadera perla de pintura en el interior.

El 20 de febrero de 1367, Piero di Puvicese Brancacci ordenó la construcción de una capilla familiar en la Iglesia del Carmine, que estaba en construcción desde 1268. En el futuro, la Capilla Brancacci se convirtió no solo en una capilla familiar privada, sino que desempeñó un papel importante en la vida pública de Florencia: contenía el famoso icono de la Madonna del Popolo del siglo XIII, que era objeto de culto público (trofeos de la guerra de Pisa se colgaron delante de ella). Por lo tanto, como V.N. Lazarev y la pintura que decoraba la capilla contenían una serie de alusiones inequívocas a los eventos sociales de esa época.

Madonna del Popolo

Esta sala debe su famoso ciclo de frescos al descendiente del fundador de la capilla, el rival de Cosimo el Viejo Medici, un influyente estadista. Felice Brancacci(ital. Felice Brancacci; 1382-ca. 1450), quien hacia 1422 encargó a Masolino y Masaccio pintar la capilla situada en el crucero derecho de la iglesia (no se han conservado las fechas exactas documentadas de trabajo en los frescos). Se sabe que Felice Brancacci regresó de una embajada en El Cairo el 15 de febrero de 1423 y poco después contrató a Masolino. el cumplio primer paso de pintura: pintó los frescos ahora perdidos de la luneta y la bóveda, y luego el artista se fue a Hungría. Cuándo empezo pintura segunda etapa, no se sabe con certeza: Masolino regresó de Hungría solo en julio de 1427, pero quizás su compañero de trabajo Masaccio se puso a trabajar incluso antes de su regreso, al 1er piso. 1420s

El trabajo de los frescos se interrumpió en 1436 tras el regreso de Cosimo el Viejo del exilio. Felice Brancacci fue encarcelado por él en 1435 durante diez años en Kapodistria, después de lo cual en 1458 también fue declarado rebelde con la confiscación de todas las propiedades. La pintura de la capilla se completó solo medio siglo después, tercera etapa, en 1480, por el artista Filippino Lippi, quien logró preservar los rasgos estilísticos de la manera de sus predecesores, copiando minuciosamente. (Además, según los contemporáneos, él mismo quería convertirse en artista cuando era niño, después de haber visto los frescos en esta capilla en particular).

La capilla perteneció a la familia Brancacci durante más de cuatrocientos años, hasta el 18 de agosto de 1780, cuando los marqueses de Ricordi firmaron un acuerdo de redención de mecenazgo por 2000 escudos. En el siglo XVIII, los frescos fueron restaurados varias veces y en 1771 resultaron gravemente dañados por el hollín de un gran incendio. Las restauraciones se llevaron a cabo a principios del siglo XX y en las décadas de 1940 y 1950. En 1988 se llevaron a cabo los trabajos finales de restauración y limpieza a gran escala.

Como señala Lazarev, las restauraciones del siglo XVIII afectaron no solo a la pintura, sino también a la arquitectura del local: la ventana ojival de dos hojas (biforio), bajo la que se encontraba el altar y que llegaba hasta lo más alto, se cambió por una ventana rectangular, se transformó el arco de entrada en capilla de ojiva a semicircular, también se modificó la bóveda de crucería y los lunetos. En un momento, la arquitectura de la capilla parecía más "gótica" de lo que es ahora.

Descripción

Masaccio. "Expulsión del Paraíso" (fragmento, antes de la restauración)

Michelino da Besozzo, "Desposorios de St. Catalina"- una pintura también pintada en la década de 1420, un ejemplo del estilo gótico internacional, en comparación con el cual el realismo de los frescos en la Capilla Brancacci fue un verdadero shock

El tema principal de los frescos, por recomendación del cliente, fue la vida del Apóstol Pedro y el pecado original. Los frescos están dispuestos en dos filas a lo largo de las paredes laterales y traseras de la capilla (se pierde la tercera fila de lunetos). En la parte inferior hay un panel que imita el revestimiento de mármol.

Sobreviven un total de doce escenas, seis de las cuales están pintadas en su totalidad, o casi en su totalidad, por Masaccio. La serie comienza con la Caída de Adán y Eva (pared superior derecha) y continúa con la Expulsión del Paraíso (pared superior izquierda). Luego viene el Milagro con el Estater, el Sermón de Pedro a los Tres Mil, el Bautismo de los Neófitos de Pedro, la Curación del Lisiado de Pedro y la Resurrección de Tabita. Abajo a la izquierda: "Pablo visita a Pedro en prisión"; "Resurrección del hijo de Teófilo"; "Pedro sanando a los enfermos con su sombra"; "Pedro distribuyendo la propiedad de la comunidad entre los pobres"; "La crucifixión de Pedro y la disputa entre Pedro y Simón el Mago"; Un ángel libera a Pedro de la prisión. Las composiciones de imágenes verticales, por regla general, conectan varios episodios de diferentes épocas, lo que es un homenaje a la tradición medieval de la narración pictórica.

"Caer"

Se colocan pilastras dobles en las esquinas de la capilla, separando los frescos de la escena del altar de los frescos de las paredes laterales. Estas pilastras llevan una cornisa con picatostes, que va entre los registros (la misma cornisa sin duda estuvo ubicada sobre el segundo registro). Probablemente, también se colocaron pilastras similares al final de los registros laterales, cerca del arco de entrada (los frescos más externos fueron cortados parcialmente durante su reconstrucción).

• frescos perdidos:
• En 1422, la iglesia fue consagrada, y Masaccio luego capturó este evento en uno de los frescos de la iglesia, llamado "Sagra" y luego muy famoso, pero, por desgracia, destruido a principios del siglo XVII durante las reparaciones.
• murales de la luneta (incluyendo "La vocación de Pedro y Andrés") y bóvedas de Mazolino

Merito artistico

Los frescos de Masaccio en la capilla Brancacci se consideran una obra maestra de la pintura renacentista, se distinguen por la claridad de las líneas, la concreción realista en la representación de los personajes y la capacidad de penetrar en los personajes de las personas representadas. Además, el gran Masaccio vivió solo 27 años, y fue este ciclo el que siguió siendo su obra principal.

Las obras de Masaccio, gracias a las soluciones artísticas que aplicó, en particular, el uso de la perspectiva lineal y aérea hasta ahora poco conocida, se convirtieron inmediatamente en un modelo a seguir, comenzaron a llamarse "la base sobre la cual todo el edificio de la pintura europea Es basado". En las Vidas de los pintores más famosos, hay una larga lista de artistas italianos que, según Vasari, deben sus logros a la influencia de Masaccio:

“Todos los escultores y pintores famosos desde esa época hasta el presente, que practicaron y estudiaron en esta capilla, se hicieron excelentes y famosos, a saber, Fra Giovanni da Fiesole, Fra Filippo, Filippino, quien la completó, Alessio Baldovinetti, Andrea del Castagno, Andrea del Verrocchio, Domenico Ghirlandaio, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Pietro Perugino, Fra Bartolomeo de San Marco... y el divino Miguel Ángel Buonarotti... También Rafael de Urbino derivó de aquí el principio de su bella manera... y, en general, todos los que se esforzaban por aprender este arte, iban constantemente a estudiar a esta capilla para aprender de las figuras de Masaccio instrucciones y reglas para el buen trabajo.

Una ventaja importante del trabajo de Masaccio fue que prestó especial atención a la anatomía confiable de sus personajes, aplicando el conocimiento que recibió de la escultura antigua; por lo tanto, su gente parece tener cuerpos reales y masivos. Además, sitúa sus frescos en un entorno arquitectónico real, prestando atención a la ubicación de la ventana de la capilla y pintando los objetos como si estuvieran iluminados por esta fuente de luz. Por lo tanto, parecen tridimensionales: este volumen se transmite a través de un poderoso modelado de luces y sombras. Además, las personas están escaladas al fondo del paisaje, que también está pintado con una perspectiva de aire ligero.

Lazarev escribe sobre el color de estos frescos: “Masaccio, como todos los florentinos, subordinó el color a la forma, utilizando el color para resaltar su plasticidad. Los colores pálidos desaparecen de su paleta, el color se vuelve denso y pesado. El maestro prefiere los colores lila, azul, amarillo anaranjado, verde oscuro, púrpura oscuro y negro, el color blanco juega un papel muy modesto en sus pinturas, siempre gravitando hacia el gris. En comparación con los colores iluminados del gótico tardío, el color de Masaccio se percibe como mucho más material, estrechamente relacionado con la estructura de la forma. Todo lo fabuloso y festivo ha desaparecido de la gama de colores, pero se ha vuelto mucho más serio y significativo. Y gracias a la luz adquirió tal expresividad plástica que, junto a ella, las soluciones cromáticas de los maestros del gótico tardío siempre parecen un tanto naif.

el concepto de arte

Palabra " arte" tanto en ruso como en muchos otros idiomas se usa en dos sentidos:

• V angosto sentido es una forma específica de desarrollo práctico-espiritual del mundo;
• V ancho- el más alto nivel de habilidad, habilidades, independientemente de la forma en que se manifiesten (el arte de un fabricante de estufas, médico, panadero, etc.).

- un subsistema especial de la esfera espiritual de la sociedad, que es una reproducción creativa de la realidad en imágenes artísticas.

Inicialmente, el arte se llamó un alto grado de habilidad en cualquier negocio. Este significado de la palabra sigue presente en el idioma cuando hablamos del arte de un médico o maestro, arte marcial u oratoria. Más tarde, el concepto de "arte" comenzó a utilizarse cada vez más para describir una actividad especial destinada a reflejar y transformar el mundo de acuerdo con estándares estéticos, es decir. según las leyes de la belleza. Al mismo tiempo, se ha conservado el significado original de la palabra, ya que se requiere la más alta habilidad para crear algo hermoso.

Sujeto Las artes son el mundo y el hombre en la totalidad de sus relaciones recíprocas.

Forma de existencia arte - una obra de arte (poema, pintura, obra de teatro, película, etc.).

El arte también utiliza especiales significa para reproducción de la realidad: para la literatura es una palabra, para la música es el sonido, para las bellas artes es el color, para la escultura es el volumen.

Objetivo el arte es dual: para el creador es autoexpresión artística, para el espectador es el disfrute de la belleza. En general, la belleza está tan estrechamente relacionada con el arte como la verdad con la ciencia y la bondad con la moral.

El arte es un componente importante de la cultura espiritual del hombre, una forma de conocimiento y reflexión de la realidad que rodea a la persona. En términos del potencial para comprender y transformar la realidad, el arte no es inferior a la ciencia. Sin embargo, las formas de entender el mundo por la ciencia y el arte son diferentes: si la ciencia usa conceptos estrictos e inequívocos para esto, entonces el arte -.

El arte, como rama independiente y como rama de la producción espiritual, surgió de la producción del material, se entretejió originalmente en él como un momento estético, pero puramente utilitario. un artista por naturaleza, y se esfuerza por llevar la belleza a todas partes de una forma u otra. La actividad estética de una persona se manifiesta constantemente en la vida cotidiana, la vida social y no solo en el arte. pasando exploración estética del mundo una persona pública.

funciones del arte

El arte realiza un número funciones publicas.

funciones del arte se puede resumir de la siguiente manera:

• función estética le permite reproducir la realidad de acuerdo con las leyes de la belleza, forma un gusto estético;
• Función social manifestado en el hecho de que el arte tiene un impacto ideológico en la sociedad, transformando así la realidad social;
• funciones compensatorias le permite restaurar la paz mental, resolver problemas psicológicos, "escapar" por un tiempo de la vida cotidiana gris, compensar la falta de belleza y armonía en la vida cotidiana;
• función hedónica refleja la capacidad del arte de traer placer a una persona;
• función cognitiva permite conocer la realidad y analizarla con la ayuda de imágenes artísticas;
• función predictiva refleja la capacidad del arte para hacer predicciones y predecir el futuro;
• función educativa manifiesta en la capacidad de las obras de arte para moldear la personalidad de una persona.

función cognitiva

En primer lugar, esto cognitivo función. Las obras de arte son valiosas fuentes de información sobre procesos sociales complejos.

Por supuesto, no todos en el mundo circundante están interesados ​​​​en el arte, y si lo están, entonces en un grado diferente, y el enfoque mismo del arte al objeto de su conocimiento, el ángulo de su visión es muy específico en comparación con otras formas. de conciencia social. El principal objeto de conocimiento en el arte siempre ha sido y sigue siendo. Por eso se llama ciencia humana al arte en general y, en particular, a la ficción.

función educativa

Educativo función: la capacidad de tener un impacto importante en el desarrollo ideológico y moral de una persona, su superación personal o su caída.

Y, sin embargo, las funciones cognitivas y educativas no son específicas del arte: otras formas de conciencia social también realizan estas funciones.

función estética

La función específica del arte, que lo hace arte en el verdadero sentido de la palabra, es su estético función.

Al percibir y comprender una obra de arte, no solo asimilamos su contenido (como el contenido de la física, la biología, las matemáticas), sino que dejamos que este contenido pase por el corazón, las emociones, dan a las imágenes sensualmente concretas creadas por el artista una evaluación estética como bello o feo, sublime o bajo, trágico o cómico. El arte forma en nosotros la capacidad de dar tales valoraciones estéticas, de distinguir lo verdaderamente bello y sublime de todo tipo de sucedáneos.

función hedónica

Cognitivo, educativo y estético se fusionan juntos en el arte. Gracias al momento estético, disfrutamos del contenido de una obra de arte, y es en el proceso de disfrute que nos ilustramos y educamos. En este sentido, hablan de hedonista(traducido del griego - placer) funciones arte.

Durante muchos siglos, en la literatura sociofilosófica y estética ha continuado la disputa sobre la relación entre la belleza en el arte y la realidad. Esto revela dos posiciones principales. Según uno de ellos (en Rusia fue apoyado por N. G. Chernyshevsky), lo bello en la vida es siempre y en todos los aspectos superior a lo bello en el arte. En este caso, el arte aparece como una copia de los personajes y objetos típicos de la realidad misma y un sustituto de la realidad. Obviamente, es preferible un concepto alternativo (G. V. F. Hegel, A. I. Herzen y otros): lo bello en el arte es superior a lo bello en la vida, ya que el artista ve con mayor precisión y profundidad, se siente más fuerte y brillante, y por eso puede inspirar con el suyo el arte de los demás. De lo contrario (siendo un sustituto o incluso un duplicado), la sociedad no necesitaría el arte.

obras de arte, siendo la encarnación sustantiva del genio humano, se convierten en los valores espirituales y más importantes que se transmiten de generación en generación, propiedad de la sociedad estética. El dominio de la cultura, la educación estética es imposible sin la familiarización con el arte. Las obras de arte de siglos pasados ​​capturan el mundo espiritual de miles de generaciones, sin dominar lo cual una persona no puede convertirse en una persona en el verdadero sentido de la palabra. Cada persona es una especie de puente entre el pasado y el futuro. Debe dominar lo que le dejó la generación pasada, comprender creativamente su experiencia espiritual, comprender sus pensamientos, sentimientos, alegrías y sufrimientos, altibajos, y transmitirlo todo a la posteridad. Esta es la única forma en que se mueve la historia, y en este movimiento un gran ejército pertenece al arte, expresando la complejidad y la riqueza del mundo espiritual del hombre.

tipos de arte

La forma primaria de arte era un especial sincrético complejo (indiviso) de actividad creativa. Para el hombre primitivo, no había música, ni literatura, ni teatro separados. Todo se fusionó en una sola acción ritual. Más tarde, de esta acción sincrética comenzaron a destacarse distintos tipos de arte.

tipos de arte- estas son formas históricamente establecidas de reflexión artística del mundo, utilizando medios especiales para construir una imagen: sonido, color, movimiento corporal, palabra, etc. Cada tipo de arte tiene sus propias variedades especiales: géneros y géneros, que juntos brindan una variedad de actitudes artísticas hacia la realidad. Consideremos brevemente los principales tipos de arte y algunas de sus variedades.

Literatura utiliza medios verbales y escritos para construir imágenes. Hay tres tipos principales de literatura: drama, épica y lirismo y numerosos géneros: tragedia, comedia, novela, cuento, poema, elegía, cuento, ensayo, folletín, etc.

Música utiliza audio. La música se divide en vocal (destinada al canto) e instrumental. Géneros musicales: ópera, sinfonía, obertura, suite, romance, sonata, etc.

Bailar utiliza medios de movimientos plásticos para construir imágenes. Asignar ritual, folk, salón de baile,

bailes modernos, ballet. Direcciones y estilos de baile - vals, tango, foxtrot, samba, polonesa, etc.

Cuadro muestra la realidad en un plano por medio del color. Géneros de pintura: retrato, naturaleza muerta, paisaje, así como todos los días, animales (imagen de animales), géneros históricos.

Arquitectura forma un entorno espacial en forma de estructuras y edificios para la vida humana. Se divide en residencial, público, paisajístico, industrial, etc. También hay estilos arquitectónicos: gótico, barroco, rococó, art nouveau, clasicismo, etc.

Escultura crea obras de arte que tienen volumen y forma tridimensional. La escultura es redonda (busto, estatua) y relieve (imagen convexa). El tamaño se divide en caballete, decorativo y monumental.

Artes y manualidades relacionados con las necesidades de la aplicación. Esto incluye objetos de arte que se pueden usar en la vida cotidiana: platos, telas, herramientas, muebles, ropa, joyas, etc.

Teatro organiza una acción escénica especial a través del juego de actores. El teatro puede ser dramático, de ópera, de títeres, etc.

Circo presenta una acción espectacular y entretenida con números inusuales, arriesgados y divertidos en una arena especial. Estos son las acrobacias, el acto de equilibrio, la gimnasia, la equitación, los malabares, los trucos de magia, la pantomima, el payaso, el entrenamiento de animales, etc.

Película es el desarrollo de la acción teatral basada en modernos medios técnicos audiovisuales. Los tipos de cinematografía incluyen ficción, documentales, animación. Por género se distinguen comedias, dramas, melodramas, películas de aventuras, policíacas, thrillers, etc.

Foto fija imágenes visuales documentales con la ayuda de medios técnicos - ópticos y químicos o digitales. Los géneros de la fotografía corresponden a los géneros de la pintura.

Escenario incluye pequeñas formas de artes escénicas: dramaturgia, música, coreografía, ilusiones, espectáculos de circo, espectáculos originales, etc.

Se pueden agregar gráficos, arte de radio, etc. a los tipos de arte enumerados.

Para mostrar las características comunes de los diferentes tipos de arte y sus diferencias, se proponen varios fundamentos para su clasificación. Entonces, hay tipos de arte:

• por la cantidad de medios utilizados: simples (pintura, escultura, poesía, música) y complejos o sintéticos (ballet, teatro, cine);
• en términos de la proporción de obras de arte y realidad: pictórica, representando la realidad, copiándola (pintura realista, escultura, fotografía) y expresiva, donde la fantasía y la imaginación del artista crean una nueva realidad (ornamento, música);
• en relación con el espacio y el tiempo - espacial (bellas artes, escultura, arquitectura), temporal (literatura, música) y espacio-tiempo (teatro, cine);
• en el momento de la ocurrencia - tradicionales (poesía, danza, música) y nuevos (fotografía, cine, televisión, video), generalmente utilizando medios técnicos bastante complejos para construir una imagen;
• según el grado de aplicabilidad en la vida cotidiana: aplicado (artes y oficios) y fino (música, danza).

Cada tipo, género o género refleja un lado o faceta particular de la vida humana, pero tomados en conjunto, estos componentes del arte brindan una imagen artística integral del mundo.

La necesidad de creación artística o disfrute de las obras de arte aumenta junto con el crecimiento del nivel cultural de una persona. El arte se vuelve tanto más necesario cuanto más se separa una persona del estado animal.

VALOR ARTÍSTICO - una obra de arte en su relación con las más altas necesidades e intereses humanos, realizada en sus méritos y funciones artísticas de contenido, gracias a las cuales tiene un efecto positivo en los sentimientos, la mente, la voluntad de las personas, contribuyendo a su desarrollo espiritual.

El valor artístico es el contenido emocional, sensual-psicológico, ideológico de la obra como sistema de imágenes, la totalidad de los significados contenidos en ella y los significados generados por ella. Dado que este contenido es objetivado por el autor con la ayuda de un “constructor-portador” (creado a partir de un determinado material de acuerdo con las leyes de este tipo de arte), también se valoran las cualidades resultantes del procesamiento artístico de este material. significativo. Estas cualidades (unidad orgánica de forma y contenido, armonía compositiva, armonía, plenitud, expresividad, veracidad artística de los medios, inteligibilidad lingüística) adquieren valor estético como perfección lograda, manifestación de talento, evidencia de maestría.

El valor artístico está formado por la unidad de significados objetivos y significados que surgen durante el desarrollo de una obra. Dependiendo del género de la obra, su propósito y aspectos orgánicos del contenido (psicológico, socioanalítico, filosófico, etc.), esta unidad puede estar dominada por algunos de los posibles significados de valor (por ejemplo, cognitivo, educativo, socialmente movilizador, hedonista, etc.).

Las obras de arte verdaderamente significativas pertenecen a los artistas que crean en beneficio del hombre y por lo tanto protegen, afirman, poetizan los valores significativos de la vida y la cultura. Al mismo tiempo, la obra en sí misma se crea como un valor artístico potencial. Se convierte en valor social en la medida en que se conocen los significados y pensamientos de autor contenidos en él, se reconocen sus méritos, se despliegan y cumplen sus funciones. Dado que este desarrollo lo llevan a cabo sujetos cuyas orientaciones valorativas no son idénticas, la obra recibe una valoración no idéntica. De acuerdo con el concepto relativista, que ignora la dialéctica de las relaciones estéticas sujeto-objeto, el valor artístico se interpreta en función de la evaluación, resulta ser un derivado de las orientaciones, gustos y opiniones de una determinada parte del público o un destinatario individual. Así, los productos de vanguardia, los productos pseudoartísticos, percibidos como fenómenos del arte, resultan atribuidos a la esfera del valor artístico. De acuerdo con el concepto marxista, una calificación adecuada del valor artístico sólo es posible si el sujeto de la relación evaluativa tiene una cultura común, educación artística correspondiente, buen gusto estético y orientación de valor que responda a las tendencias del progreso social y cultural. La variabilidad histórica del gusto artístico no sólo no excluye, sino que presupone la continuidad de ideas sobre virtudes bien definidas que tienen un valor perdurable y sobre los criterios correspondientes.

El valor artístico no es igual en su significado objetivo, que está determinado por el grado de profundización en el tema de exhibición, ideología, originalidad creativa, innovación. Del más alto valor son las obras que, con una aspiración y veracidad humanísticas, contienen adquisiciones y descubrimientos creativos, encarnan profundas generalizaciones de las relaciones sociales, los caracteres y destinos humanos, los estados y sentimientos psicológicos universalmente significativos. Dependiendo de la especificidad del tema-trama y la problemática de la obra, sus significados de valor pueden ser predominantemente "situacionales", de naturaleza histórica concreta, o pueden ser universales. Los significados de valor universal surgen en condiciones históricas, sociales, nacionales y contextos culturales específicos. Sin embargo, si las condiciones de vida de las personas, sus estereotipos psicológicos, costumbres, costumbres cambian, entonces las preguntas cardinales sobre el significado de la vida y la felicidad de una persona, su dignidad, la búsqueda de armonía en las relaciones con otras personas siguen siendo generalmente significativas. El estatus de valores artísticos humanos universales lo adquieren las obras que plantean y discuten estas cuestiones “eternas”, contienen significados universales que están abiertos a personas de diferentes naciones y diferentes épocas. Así, por la certeza de las propiedades de un “ser humano” y la presencia de constantes axiológicas de la conciencia estética humanística, se hace posible la herencia de los valores artísticos, el intercambio interétnico de los mismos, el surgimiento y enriquecimiento de su fondo universal.

2 de agosto de 2010

Las técnicas dan derecho a considerarla una de las obras maestras de la literatura dramática. Admirando la obra de La tormenta, I. A. Goncharov escribió: “De cualquier lado que se tome, ya sea del lado del plan de creación, del movimiento dramático o, finalmente, de los personajes, está impreso en todas partes con el poder de la creatividad, la sutileza. de observación y acabados de gracia". Goncharov enfatizó especialmente la tipicidad de las imágenes de The Thunderstorm: “Cada rostro en el drama es un personaje típico arrebatado directamente del entorno de la vida popular. dio todo un mundo diverso de personalidades existentes a cada paso. A esto podemos agregar que la propia ciudad de Kalinov, representada en.

La acción del drama se revela con una profunda regularidad interna, armoniosa y natural. Al mismo tiempo, el dramaturgo utiliza hábilmente métodos de composición que le dan a la obra una presencia especial en el escenario y el movimiento de acción: nitidez y tensión. Esta es la forma en que se utiliza el paisaje a lo largo de la obra.

El paisaje cumple una doble función en The Thunderstorm. Al comienzo de la obra, él es el telón de fondo sobre el que se desarrolla la acción dramática.

Él, por así decirlo, enfatiza la discrepancia entre la vida muerta e inmóvil de los kalinovitas y su "moral cruel", por un lado, y los hermosos dones de la naturaleza, que Kalinovtsy no sabe apreciar, por el otro. Este paisaje es realmente hermoso. Admirándolo, le dice a Boris:

• "Está bien, señor, vamos a dar un paseo ahora.
• Silencio, el aire es excelente,
• por el Volga, los prados huelen a flores, el cielo está despejado.
• Se abrió el abismo, las estrellas del regimiento.
• Las estrellas del número de ket, el abismo del fondo.

Pero Kuligin, un soñador, está solo en la ciudad con su actitud entusiasta hacia la naturaleza. Cuanto más vívidamente se destaca la indiferencia por todo lo elegante, hermoso por parte de Wild y Kabanovs, que están listos para sofocar cualquier manifestación de un sentimiento bueno y natural en su entorno. La tormenta eléctrica juega un papel diferente en la obra en el primer y cuarto acto. Una tormenta en la naturaleza, una tormenta atmosférica, aquí invade directamente el drama espiritual de la heroína, influyendo en el resultado mismo de este drama. Llega en el momento de las experiencias más poderosas de Katerina.

En el alma de Katerina, bajo la influencia de un sentimiento de amor por Boris, comienza la confusión. Ella le revela su secreto a Varvara y lucha entre dos sentimientos: el amor por Boris y la conciencia de la pecaminosidad, la "ilegalidad" de este amor. Katerina siente como si se le acercara algún tipo de desgracia, terrible e inevitable, y en ese momento comienza una tormenta. "¡Tormenta! ¡Corramos a casa! ¡Apurarse!" ella exclama con horror. Se escuchan los primeros truenos, y Katerina exclama: "¡Oh, date prisa, date prisa!" Está en el primer acto de la obra. Pero aquí viene la tormenta de nuevo:

Mujer. Bueno, todo el cielo estaba superpuesto. Exactamente con un sombrero, y lo tapó.

1er caminante. Eko, mi hermano, es como si una nube se estuviera retorciendo en una bola, es como si el ser vivo estuviera dando vueltas en ella.

2do caminante. Marca mi palabra de que esta tormenta eléctrica no pasará en vano ... O matará a alguien o la casa se incendiará ...

KATERINA (escuchando). ¿Qué están diciendo? Dicen que matarán a alguien... Tisha, sé a quién matarán... Me matarán a mí. Se desata una tormenta y los nervios tensos de Katerina no pueden soportarlo: se arrepiente públicamente de su culpa. Thunderclap - y ella cae sin sentido.

El papel de la anciana “dama con dos lacayos” también tiene un importante significado compositivo. Su apariencia también coincide con las imágenes de una tormenta. “Ser un pecado de algún tipo”, dice Katerina, “¡Qué miedo para mí, qué miedo para mí! Es como si estuviera parado sobre un abismo y alguien me estuviera empujando allí…”

Oka tiene miedo de la tentación, el “pecado terrible” del amor prohibido, y luego aparece la anciana con sus discursos ominosos: “¿Qué, bellezas? ¿Qué estás haciendo aquí? ¿Están esperando a los buenos muchachos, caballeros? ¿Te estás divirtiendo? ¿Divertido? ¿Tu belleza te hace feliz? Aquí, aquí, en la misma piscina ”, profetiza Katerina su destino. En la distancia, detrás del Volga, las nubes se arrastran, envolviendo el cielo antes de una tormenta.

La dama del bastón y dos lacayos con sombreros triangulares detrás se muestran una vez más en el momento de mayor tensión de la obra. Trueno retumba. Katerina vuelve a escuchar las palabras de la anciana loca: “¿Qué escondes? ¡Nada que esconder! Se ve que tienes miedo: ¡no te quieres morir!... Es mejor con belleza en la piscina. ¡Todo arderá en fuego inextinguible! Katerina, horrorizada, corre hacia la pared de la galería y, como a propósito, se arrodilla cerca de la imagen que representa “gehenna ardiente”: “¡Diablos! ¡Infierno! ¡Infierno! Gehenna ardiente! Kabanova, Kabanov y Varvara la rodean. ¡Todo el corazón está roto! No lo soporto más. ¡Madre! Tikhon! Soy un pecador ante Dios"

Kudryash, a diferencia de Boris, es vivaz, valiente, diestro, capaz de defenderse incluso frente a Dikiy; simple y fácilmente mira a Varvara, no sufre remordimientos, como Katerina, y ni siquiera comprende sus tormentos. "En mi opinión", argumenta, "haz lo que quieras, siempre que esté cosido y cubierto". Varvara no se deja ofender, no sucumbe a su madre y, defendiendo su libertad, se escapa de casa con Kudryash.

Ostrovsky también enfatiza las cualidades características de los héroes con los llamados apellidos significativos o pictóricos, con la ayuda de los cuales el autor revela el mundo interior de sus héroes, las características dominantes de su carácter (Wild es un hombre salvaje, Kudryash es un buen tipo rizado, Tikhon es una persona tranquila, Kuligin es similar a Kulibin). Este método de caracterización generalmente se usa ampliamente en la dramaturgia de Ostrovsky, y sus personajes no solo tienen apellidos y nombres alegóricos: Gordey y Lyubim Tortsovs en "La pobreza no es un vicio", Terrible Power en las escenas dramáticas "La verdad es buena, pero mejor". , Lup Lupych es oficial en "Abyss", etc.

Entonces, Kuligin, un admirador de Lomonosov y Derzhavin, es algo anticuado. En él se siente la influencia de los giros librescos del eslavo eclesiástico. El lenguaje de Curly está salpicado de palabras vernáculas (slobodanno, vamos... en jolgorio) refranes, refranes y refranes populares; la elocuencia del empleado también es visible en él.

El vagabundo Feklusha teje sus palabras halagadoras, habla de sus maravillosas "visiones" y de las tierras "donde todas las personas tienen cabeza de perro", y por sí mismo dibuja un hipócrita y un santo, que vive a expensas de la oscuridad y la ignorancia filistea.

Méritos artísticos de la novela "Un héroe de nuestro tiempo"

Habiéndome familiarizado con la composición de la novela "Un héroe de nuestro tiempo", que es inusual y compleja, me gustaría señalar los méritos artísticos de la novela. El paisaje de Lermontov tiene una característica muy importante: está estrechamente relacionado con las experiencias de los personajes, expresa sus sentimientos y estados de ánimo, toda la novela está impregnada de un lirismo profundo. De aquí surge la emotividad apasionada, la excitación de las descripciones de la naturaleza, que crea un sentido de la musicalidad de su prosa. El hilo plateado de los ríos y la niebla azulada que se desliza a través del agua, escapando a las gargantas de las montañas de los cálidos rayos, y el brillo de la nieve en las crestas de las montañas: los colores exactos y frescos de la prosa de Lermontov son muy confiables. . En "Bela" nos fascinan los cuadros pintados con veracidad de las costumbres de los montañeses, su forma de vida dura, su pobreza. Lermontov escribe: "La saklya estaba pegada a un lado de la roca, tres escalones mojados conducían a su puerta.

"La gente del Cáucaso vivió dura y tristemente, oprimida por sus príncipes, así como por el gobierno zarista, que los consideraba "nativos de Rusia". Mostrando los lados oscuros de la vida de los montañeses, Lermontov simpatiza con la gente. Las imágenes majestuosas de la naturaleza de la montaña se dibujan con mucho talento.

y esto nos ayuda a penetrar en su alma, a comprender muchos rasgos de su carácter. Pechorin es una persona poética, apasionadamente amante de la naturaleza, capaz de transmitir en sentido figurado lo que ve. A menudo, sus pensamientos sobre la naturaleza parecen estar entrelazados con sus pensamientos sobre las personas, sobre sí mismo. Pechorin describe magistralmente la naturaleza de la noche /su diario, 16 de mayo/ con sus luces en las ventanas y "montañas lúgubres y nevadas". A veces, las imágenes de la naturaleza sirven como ocasión para pensar, razonar, comparar. Un ejemplo de tal paisaje es la descripción del cielo estrellado en la historia "El fatalista", cuya aparición lo lleva a reflexionar sobre el destino de la generación. Exiliado a la fortaleza, Pechorin se aburre, la naturaleza le parece aburrida.

"Tamán". La imagen que se abre a Gregory desde la plaza donde iba a tener lugar el duelo, la vista del sol, cuyos rayos no calientan a Pechorin después del duelo, toda la naturaleza está triste. Así, vemos que la descripción de la naturaleza ocupa un gran lugar a. revelando la personalidad de Pechorin.

Solo a solas con la naturaleza, Pechorin experimenta la alegría más profunda. "¡No recuerdo una mañana más profunda y fresca!" - exclama Pechorin, impresionado por la belleza del amanecer en las montañas. Las últimas esperanzas de Pechorin también se dirigen a las infinitas extensiones del mar, el sonido de las olas. Comparándose con un marinero nacido y criado en la cubierta de un bergantín ladrón, dice que extraña la arena costera, escucha el rugido de las olas que se aproximan y mira a lo lejos cubierto de niebla. A Lermontov le gustaba mucho el mar, su poema "Vela" se hace eco de la novela "Un héroe de nuestro tiempo".

"vela" está buscando a Pechorin en el mar. Ni para Lermontov ni para el héroe de su novela se hizo realidad este sueño: la "vela deseada" no apareció y los llevó a otra vida, a otras costas en las últimas páginas de la novela. Pgchorin se llama a sí mismo ya su generación "descendientes miserables que vagan por la tierra sin convicción ni orgullo, sin placer ni miedo". La imagen maravillosa de una vela es el anhelo de una vida fallida. La historia "Princesa María" se abre con un paisaje maravilloso. Pechorin escribe en su diario: "Tengo una vista maravillosa desde tres lados". Lermontov fue muy apreciado por Chéjov. El escribio; "No conozco un idioma mejor que el de Lermontov. Aprendí a escribir con él".

"Un héroe de nuestro tiempo" deleitó a los más grandes maestros de la palabra. "Nadie ha escrito nunca con nosotros una prosa tan correcta, hermosa y fragante", dijo Gogol sobre Lermontov. Al igual que Pushkin, Lermontov ^ logró la precisión y la claridad de cada frase, su refinamiento. El lenguaje de la novela es fruto del extenso trabajo manuscrito del autor. El lenguaje de Pechorin es muy poético, la estructura flexible de su discurso atestigua a un hombre de gran cultura, con una mente sutil y penetrante. La riqueza del lenguaje de la novela se basa en la actitud personal de Lermontov hacia la naturaleza. Escribió una novela en el Cáucaso, la naturaleza lo inspiró.

"Diario de Pechorin". Por primera vez en la literatura rusa, aparece una exposición tan despiadada por parte del héroe de su personalidad. Las experiencias del héroe son analizadas por él con "la severidad de un juez y un ciudadano". Pechorin dice: "Todavía trato de explicarme qué tipo de sentimientos hierven en mi pecho". El hábito de la introspección se complementa con las habilidades de observación constante de los demás. En esencia, todas las relaciones de Pechorin con las personas son una especie de experimentos psicológicos que interesan al héroe en su complejidad "durante un tiempo se entretienen con la suerte. Tal es la historia con Bela, la historia de la victoria sobre María".

"juego" con Grushnitsky, a quien Pechorin engaña, declarando que Mary no le es indiferente, para luego probar su deplorable error. Pechorin argumenta que "la ambición no es más que una sed de poder, y la felicidad es solo un orgullo pomposo". Si se considera que A. S. Pushkin es el creador de la primera novela poética realista sobre la modernidad, entonces, en mi opinión, Lermontov es el autor de la primera novela sociopsicológica en prosa, su novela se distingue por la profundidad del análisis de lo psicológico. percepción del mundo, representando su época, Lermontov la expone a un profundo análisis crítico, sin sucumbir a ninguna ilusión y seducción.

"Un héroe de nuestro tiempo" difiere en muchos aspectos del realismo de la novela de Pushkin. Dejando de lado los elementos cotidianos, la historia de vida de los héroes, Lermontov se centra en su mundo interior, revelando en detalle los motivos que impulsaron a tal o cual héroe a hacer algo. El autor describe todo tipo de desbordamientos de sentimientos con tal profundidad, penetración y detalle, que la literatura de su tiempo aún no conocía. Muchos consideraron a Lermontov como el predecesor de Leo Tolstoy, y estoy absolutamente de acuerdo con esto, fue de Lermontov que Tolstoy aprendió las técnicas para revelar el mundo interior de los personajes, el retrato y el estilo del habla.

Dostoievski también procedía de la experiencia creativa de Lermontov, pero los pensamientos de Lermontov sobre el papel del sufrimiento en la vida espiritual de una persona, sobre la conciencia dividida, sobre el colapso del individualismo de una personalidad fuerte, convirtieron a Dostoievski en una imagen de dolorosa tensión y doloroso sufrimiento de los héroes de sus obras. La naturaleza rebelde de Pechorin rechaza las alegrías y la paz mental. Este héroe siempre está "pidiendo tormentas". Su naturaleza es demasiado rica en pasiones y pensamientos, demasiado libre para contentarse con poco y no exigir grandes sentimientos, acontecimientos, sensaciones del mundo.

y su generación. El "Diario de Pechorin" revela un trabajo mental vivo, complejo, rico y analítico. Esto nos prueba no solo que el protagonista es una figura típica, sino también que en Rusia hay un joven que se encuentra trágicamente solo, Pechorin se considera entre los miserables descendientes que vagan por la tierra sin convicción. Él dice: "Ya no somos capaces de grandes sacrificios, ni por el bien de la humanidad, ni siquiera por nuestra propia felicidad". Lermontov repite la misma idea en el poema "Duma": somos ricos, apenas desde la cuna, con los errores de los padres y su mente tardía, y la vida ya nos atormenta, como un camino suave sin meta, como un fiesta en la fiesta de un extraño. Toda persona verdaderamente rusa se siente inquieta ante la idea de que M. Yu. Lermontov falleció prematuramente.

"¿Por qué viví? ¿Para qué nací? Pero, es cierto, tenía una alta cita, ya que siento fuerzas inmensas en el alma", escribe. En esta incertidumbre se encuentran los orígenes de la actitud de Pechorin hacia las personas que lo rodean. Es indiferente a sus experiencias, por lo que, sin dudarlo, distorsiona los destinos de otras personas.

Pushkin escribió sobre esos jóvenes: "Millones de criaturas de dos patas tienen el mismo nombre para ellos". Usando las palabras de Pushkin, se puede decir sobre Pechorin que en sus puntos de vista sobre la vida "se refleja la época y el hombre moderno se representa con bastante precisión, con su alma inmoral, egoísta y seca". Así es como Lermontov vio a su generación.