Jaký je hudební nástroj ve Francii na konci. Začněte ve vědě

Počátky F. m. sahají k folklóru keltských, galských a franských kmenů, které žily v dávných dobách na území dnešní Francie. Nar.-písňové umění, jakož i galsko-římská kultura se staly základem rozvoje F. m. Antické lit. a znázornit. materiály naznačují, že hudba, tanec byly přiřazeny bytostem. roli v životě lidu, hudba byla důležitým prvkem rodinného života, náboženství. rituály. Spolehlivá data o skutečném Nar. Píseň patří do 15. století. (z této doby pocházejí její první dochované záznamy).

V dílech Francouzů folkloristé jsou považováni za četné. lidové žánry. písně: lyrické, milostné, žalující písně (complaintes), taneční (rondes), satirické, řemeslnické písně (chansons de metiers), kalendář, například. Vánoce (noel); pracovní, historické, vojenské atd. K folkloru patří i písně spojené s galskou a keltskou věroukou – „písně o činech“ (chansons de geste). Zvláštní místo mezi lyrickými zaujímají pastorály (idealizace venkovského života). V milostných příbězích převládají témata nešťastné lásky a rozchodu. Mnoho písniček je věnováno dětem – ukolébavky, hry. Dělnické (písně ženců, oráčů, vinařů atd.), písně vojáků a rekrutů jsou pestré. Zvláštní skupinu tvoří balady o křížových výpravách, písně odhalující krutost feudálních pánů, králů a dvořanů, písně o selských povstáních (vědci tuto skupinu písní nazývají „básnický epos dějin Francie“).

Pro Francouze nar. písně se vyznačují elegantní a flexibilní melodií, úzkým spojením hudby a slova, jasnou, často kupletní formou. Převládající mody jsou přirozené dur a moll. Typické jsou 2- a 3dílné velikosti, nejčastější metr je 6/8. Často se slabiky opakují ve sborech, které nemají žádný sémantický význam: tin-ton-tena, ra-ta-plan, ron-ron atd. Nar. píseň je organicky spojena s tancem. Mezi nejstarší nar tance patří různé kruhové tance, skupinové a párové tance vč. jig, bourre, rigaudon, farandel, branle, paspier.

Jedno ze stvoření. Francouzské vrstvy. hudba kultura byla církev. hudba, která se rozšířila spolu s křesťanstvím. Počínaje 4. stol. do kostela hudba byla stále více ovlivněna místními lidmi. vliv. Církev byla nucena při bohoslužbě využívat lidově písňový materiál, přizpůsobit lat. texty k existujícím nár. melodie. V katol kostel hymny pronikají i do hudby (v Galii se mezi jejich autory proslavil Illarius z Poitiers). Že. vznikly místní formy liturgie a vznikly jejich vlastní zpěvy. zvyky (galské melodie). Centra gallikánské kultovní hudby byla soustředěna v Lugdunu, Narbo, Massilia. Během několika Po staletí se stavěli proti všepohlcující politice římské církve, která se stavěla proti místním typům bohoslužeb, kvůli uniformitě církve. služby. V tomto boji byl Řím podporován franskými králi.

V 8.-9.stol. rané gallikánské formy křesťanské liturgie jsou nahrazeny gregoriánskou liturgií, která je nakonec schválena v 11. století. Šíření gregoriánského chorálu za vlády karolínské dynastie (751-987) je spojeno především s činností benediktinských klášterů. katolík sloužily opatství Jumiège (na Seině u Rouenu), Saint-Martial (v Limoges), Saint-Denis (u Paříže), Cluny (v Burgundsku) a také v Poitiers, Arles, Tours, Chartres a dalších městech jako centra propagandy pro církev. hudby, byla centry prof. duchovní a částečně světská hudba. kultura. V mnoha opatstvích byli zpěváci. školy (metrises), kde se vyučovalo pravidlům gregoriánského chorálu, hraní hudby. nástroje. Zde se vypracovávaly zásady notace (s příchodem bezvýznamové notace v polovině 9. století studenti zvládli základy této notace; viz Nevmas), formovala se skladatelská kreativita.

V 9. stol v souvislosti s rozpadem říše Karla Velikého a oslabením pozice papežství v církvi. v hudbě se objevují demokratičtější, v podstatě „protigregoriánské“ tendence, rozvíjejí se její nové formy, zejména sekvence (ve Francii se jí říká také próza). Vytvoření této podoby bylo připsáno mnichovi z kláštera St. Gallen (ve Švýcarsku) Notkerovi, který však v předmluvě ke své „Knize hymnů“ uvedl, že informace o sekvencích obdržel od mnicha z opatství z Jumièges. Následně se ve Francii proslavili zejména autoři próz Adam z opatství Saint-Victor (12. století) a P. Corbeil (počátek 13. století, tvůrce slavné „Oslí prózy“).

Spolu se sekvencemi se rozšířily tropy. Zpočátku se tyto vložky uprostřed gregoriánského chorálu od něj nelišily povahou hudby, doplňovaly hlavní. zpívat. V budoucnu tropizací do kostela. do hudby pronikly světské melodie. Ve stejném období (počínaje 10. stoletím) se v hloubi samotné bohoslužby (v Limoges, Tours a dalších městech) formovalo liturgické drama zrozené z dialogizovaných tropů se střídáním „otázek“ a „odpovědí“ dvě antifonální skupiny sboru. Postupně liturgický drama se stále více vzdalovalo od kultu (spolu s obrazy z evangelia byly zahrnuty realistické postavy).

Konečně v jednom. Gregoriánský chorál začíná pronikat prvky polyfonie, která byla známá v Nar. claim-ve z dávných dob. K prvním příkladům psané polyfonie - organum, pocházejícím z 9. století. (byly nalezeny právě na území Francie), patří k záznamu uvedenému v díle mnicha ze Saint-Aman (Flandry) Gukbald. Ve svých pojednáních (konec 9. – začátek 10. století) nastínil principy organum. U prof. hudba byla vytvořena polygonální. styl, který se liší od hudba praktiky. Fenomény jako je teatralizace církve. ritu, zavedení sekvencí, tropů do bohoslužby, vznik liturgických dramata, výhonky polyfonie v gregoriánském chorálu, svědčily o vlivu nar. chutě, úvod do katol. kostel soudní spor.

Spolu s kultem se rozvíjela světská hudba, která zazněla v nar. život, na dvorech franských králů, na hradech feudálů. Nosiče Nar. hudba tradicemi středověku byly Ch. arr. potulní muzikanti – kejklíři, kteří byli mezi lidmi velmi oblíbení. Zpívalo se moralizující, humorné, satirické. písně, tančily se za doprovodu decomp. nářadí, vč. tamburína, buben, flétna, drnkací nástroj jako loutna (to přispělo k rozvoji instr. hudby). Kejklíři vystupovali o svátcích na vesnicích, na feudálních dvorech a dokonce i v klášterech (účastnili se některých rituálů, divadelních průvodů věnovaných církevním svátkům, zvaných koleda). Byli pronásledováni katolíky. církve jako představitelé nepřátelské sekulární kultury. Ve 12.-13.stol. mezi kejklíři došlo k sociální stratifikaci. Někteří z nich se usadili na rytířských hradech, upadli do naprosté závislosti na feudálním rytíři, jiní se usadili ve městech. A tak se z kejklířů, kteří ztratili svobodu kreativity, stali usedlí pěvci v rytířských hradech a horách. hudebníků. Tento proces však zároveň přispěl k pronikání do hradů a měst Nar. tvořivosti, která se stává základem rytířské a měšťanské hudební a poetické. soudní spor. V éře pozdního středověku v souvislosti s všeobecným vzestupem franc. kultura se začíná rychle rozvíjet a hudba. Nárok. Ve feudálních hradech založených na palandách. hudba vzkvétá světská muz.-poetich. oblek trubadúrů a truveurů (11-14 století). Chcete-li con. 11. st. na jihu části země, v Provence, která v té době dosáhla vyšší ekonomické úrovně. a kulturní úrovni (na jihu dříve než v jiných regionech Francie a Evropy obecně došlo k obratu v rytířských mravech od hrubého barbarství ke dvorskému chování), došlo k obleku trubadúrů, což nebyla jen rytířská kultura , ale nová světská lyrika, která absorbovala i lidové písňové tradice. Mezi trubadúry byli známí Marcabru, Guillaume IX - vévoda z Akvitánie, Bernart de Ventadorn, Jaufre Rudel (konec 11.-12. století), Bertrand de Born, Giraut de Borneil, Giraut Riquiere (konec 12.-13. století).

Ve 2. patře. 12. stol. vše dovnitř regionech země vznikl podobný směr - oblek kalhot, který byl původně rytířský a později stále více přicházel do styku s palandou. tvořivost. Mezi Trouvers, spolu s králi, nejvyšší aristokracie - Richard Lví srdce, Thibault ze Champagne (král Navarre), zástupci demokratů později získali slávu. vrstvy společnosti – Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Moniot a další.

Ve svém op. trubadúři a trouvové oslavovali odvahu a ušlechtilost válečníků, opěvovali lásku ke „krásné dámě“. V jejich tvorbě převládala rytířská tematika, takové žánry jako pastviny, alby (úsvitové písně), sirventy, epicha. písně, tanec estampides. Jejich umění přispělo k rozvoji řady múz. žánry a formy - balady, virele, le, rondo; to předjímalo určitá umění. Renesanční tendence.

V souvislosti s růstem měst (Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse atd.) v kon. 12.-13. století vyvinuty hory. hudba umění, jehož tvůrci byli básníci-zpěváci z hor. stavů (řemeslníci, obyčejní měšťané, ale i měšťané). Do obleku trubadúrů a truveurů vnesli své vlastní charakteristiky a vzdali se jeho vznešeně rytířské hudebně-poetice. obrazy, ovládající lidová témata všedního dne, vytvářející charakteristický styl, vlastní žánry. Největší mistr hor. hudba kultury 13. století. byl básník a skladatel Adam de la Alle, autor písní, motet a také tehdy populární hry o Robinovi a Marion (kol. 1283), plné hor. písně, tance (už samotná myšlenka na vytvoření světského divadelního představení prostoupeného hudbou byla neobvyklá). Tradiční jednohlavý interpretoval novým způsobem. hudebně-poetické. žánry trubadúrů, využívající polyfonii (mezi jeho díly jsou 3branková ronda).

Posílení ekonomiky a kulturní význam měst, vznik univerzit (včetně pařížské univerzity na počátku 13. století), kde byla hudbě věnována velká pozornost (byla jedním z povinných předmětů, byla součástí kvadrivia), přispěl k nárůstu v roli hudby jako umění va. Ve 12. stol jedno z center hudby. Paříž se stala kulturou a především její Pěvecká škola katedrály Notre Dame (tzv. Pařížská škola), která sdružovala největší mistry – zpěváky-skladatele, vědce. S touto školou je spojen rozkvět ve 12.-13. kultovní polyfonie (viz Ars antiqua), vznik nových múz. žánry, objevy v oblasti hudby. teorie.

Ch. centry polyfonie, která vznikla v 9. století, byly kláštery - v Chartres (zde vznikla největší severofrancouzská pěvecká škola), Saint-Martial v Limoges aj. Rukopisy těchto klášterů obnovují etapy histor. vývoj organa (viz Diaphonia, Treble). Významné osobnosti školy katedrály Notre Dame - diskantisté Leonin (12. století) a Perotin (konec 12. - 1. třetina 13. století) vytvořili vysoké příklady polygolů. kostel hudba. Leonin má 2 góly. melismatický organums, ve kterých poprvé použil rytmický záznam (nastolil jasný rytmus pohyblivého horního hlasu - výšky). Perotin rozvinul úspěchy svého předchůdce: napsal nejen 2-, ale také 3-, 4-branky. Prod., a Perotin polyfonii rytmicky zkomplikoval a obohatil (dolní hlas - tenor postavil do protikladu se skupinou rytmicky uspořádaných (podle principu modus), vyznačujících se rychlejším pohybem vyšších hlasů). Nový styl vyvinutý představiteli školy katedrály Notre Dame popřel principy gregoriánského chorálu. Ve výrobě těchto skladatelů doznal změn i samotný gregoriánský chorál: dříve rytmicky volný, pružný chorál získal větší pravidelnost, hladkost (odtud název takového chorálu cantus planus), diktovaný mnohobrankami. sklad. Polygonální komplikace. tkáně a její rytmické struktury vyžadovaly přesné označení trvání (představitelé pařížské školy z nauky o modech došli k nauce o stupnici), vylepšení notace. Ve 13. stol se začala používat menzurální notace (mezi teoretiky, kteří se tímto problémem zabývali – J. Garlandia).

Polyfonie uvedla do života nové žánry církevní i světské hudby vč. chování a motet. Na přelomu 12.-13.stol. objevilo se vedení - volně komponovaný chorál v lat. text (duchovního i světského obsahu), jakýsi trop. Byl plný premiéra. během slavnostního kostela. služby. Jde o přechodný žánr: zprvu byla dirigování zařazována do liturgie, později se stala čistě světskou, nabývala až všedního podtextu (zpívala se o hostinách, svátcích, existovala dirigování s ostře satirickými texty). Mezi autory vedení - Perotin. Na základě vodiče v kon. 12. stol. ve Francii vznikl nejvýznamnější polygoal žánr. hudba - motet. Její rané příklady patří také mistrům pařížské školy (Perotin, Franco z Kolína nad Rýnem, Pierre de la Croix). Motet umožnil svobodu kombinování li-turgich. a světské melodie, texty (každý z hlasů měl obvykle svůj vlastní text a tenor byl často prováděn v latině, horní hlasy ve francouzštině a jejích místních dialektech). Ze svazku církve. a melodie písní se zrodily populární ve 13. století. vtipné motet. Spojení polyfonie s každodenními formami dalo velké umění. Výsledek.

Moteto bylo široce používáno v tvorbě představitelů ars nova, progresivního hnutí, které vzniklo ve 14. století ve filozofické hudbě. V tomto raném světském prof. hudba v umění byl velký význam přikládán vzájemnému působení „každodenní“ a „učené“ hudby (tedy písní a motet). Ve 14. stol píseň zaujala přední místo mezi múzami. žánry. Oslovili ji všichni významní skladatelé, zároveň měla velký vliv na moteto. Na začátku. 14. stol. objevil se cyklus písní Jeannot de Lecurel - první sbírka písní jednoho autora ve Francii. Ideologem ars nova byl humanistický básník, skladatel, hudební teoretik a matematik Philippe de Vitry (připisuje se mu traktát „Ars nova“, který dal tomuto hnutí jméno), který doložil principy „nového umění“ . Inovace Philippa de Vitryho v oblasti teorie souvisely zejména s naukou o konsonancích a disonancích (prohlásil tercie a sexty za konsonance). Do svých múz vnesl i nové kompoziční vzory. cit., vytvářející izometrický. motet. Tento typ motet byl ztělesněn v díle největšího skladatele a básníka ars nova Guillauma de Machaux. V jeho produkci jakoby kombinovaná umění. úspěchy rytířské hudby a poezie. soud s jeho jednohlavým. písně a mnoho gólů. hory hudba kultura. Vlastní písně lidu. sklad (kladi), virele, rondo, balady (nejprve rozvinul žánr mnohohlavých balad). V motetech používal Machaux (důsledněji než jeho předchůdci) múzy. nástroje (pravděpodobně spodní hlasy byly instrumentální). Je autorem prvního francouzského polyfonní mše. sklad (1364). Obecně Francouzi ars nova znamená. stupně spojeného se stylem středověku. polyfonie (polyfonně složitá díla mistrů tohoto směru – typický fenomén zralého středověku).

V 15. stol kvůli historickému důvodů (během stoleté války opět dominovali feudálové, kulturními centry se ukázaly velké feudální dvorce; s obnovenou vervou ožily tradice středověku scholastiky) ve F. m. nebyly pozorovány žádné zvlášť nápadné jevy. . Vedoucí postavení v hudbě. Francouzská kultura 15. století obsazené představiteli francouzsko-vlámské (nizozemské) školy. Nizozemská škola, která se vyvinula jako kreativní. směr širokého pokrytí na základě zobecnění progresivních trendů ve francouzštině, angličtině, italštině. hudba, měla velký vliv na Evropu. hudba kultury, vč. a francouzština. Po dvě století působili největší skladatelé Nizozemska ve Francii. polyfonní školy: v seř. 15. stol. - J. Benchois, G. Dufay, ve 2. patře. 15. stol. - I. Okegem, J. Obrecht, v kon. 15 - prosit. 16. století - Josquin Despres, ve 2. patře. 16. století - O. Lasso.

Benchois a Dufay se osvědčili na poli tkz. Burgundský šanson (vznikl na dvoře burgundských vévodů v Dijonu). Dufay, jeden ze zakladatelů Nizozemska. školy spolu s mnoha cíli. písně a jiné světské op. (zejména odrůdy motet) vytvářely duchovní produkty. Velkou zajímavostí jsou jeho mše, ve kterých je Nar použit jako cantus firmus. nebo světská píseň (např. milostná „Její tvář zbledla“ ve 4gólové mši vzniklé kolem roku 1450).

Šikovný kontrapunktista Okeghem byl nejen hudebníkem (několik let byl 1. kaplanem a kapelníkem francouzského královského dvora), ale také matematikem a filozofem. Mistrné zvládnutí techniky imitace a kánonu. dopisy, používal jej ve svých mších, stejně jako burgundský šanson. Inscenace vyniká vytříbeným a virtuózním stylem, jasnou emocionalitou a barevností hudby s odlehčením melodie (lidové melodie jsou hojně využívány v cantus firmus a dalších hlasech vícehlasých op.), čistotou harmonie, čistotou rytmu. Obrekhta - mše (včetně tzv. parodie), moteta, ale i šanson, instr. hraje.

Josquin Despres (nějakou dobu byl dvorním hudebníkem Ludvíka XII.), opírající se o úspěchy Obrechta a dalších mistrů Nizozemska. školy, angažovaný ve svých pracovních kvalitách. skok, zdůrazňující estetiku. smysl tvrzení. Jako vynikající polyfonista zároveň přispěl k „harmonickému vyjasnění“ stylu (v jeho dílech, prosycených nejsložitějšími polyfonními technikami, jsou detailní epizody čistě akordického skladu). Josquin Despres dosáhl takové technické svobody, kdy se dovednost již stává neviditelnou a zcela podřízenou odhalení umění. úmysl. V jejich inscenacích (mše, moteta, světské písně, vícehlasé instr. hry obrazového charakteru), z nichž každá je jasně individuální, reflektoval Josquin Despres hlouběji, pravdivěji než jeho předchůdci. svět člověka. Jeho písně jsou ve francouzštině. texty připravili Francouzi polyfonní Píseň 16. století Tento žánr je široce zastoupen v dílech největšího niderla. Polyfonista 16. století Laso jsou mistři přísné polyfonie. Jeho mnohoúhelník. francouzština písně („O starém manželovi“, „Na trhu v Arrasu“ atd.) jsou vtipné, pikantní, spontánní; jsou charakterizovány typicky niderl. žánr v zobrazování každodenních scén, dobromyslný, hrubý humor. Jeho styl byl krokem vpřed na cestě k harmonii. jasnosti, používá již techniky homofonního psaní. Týká se to především světské produkce. (písně, vilanelly, madrigaly). V duchovních dílech (moteta, mše, žalmy) převažuje transparentní polyfonie, v některých jsou nastíněny principy formy fugy. Laso mělo plodný účinek na F. m. Obecně niderl. škola 15.-16. století se stal jedním z důležitých zdrojů, které Francouze živily. prof. hudba Nárok.

V kon. 15. stol. ve Francii je zavedena kultura renesance. (Někteří vědci viděli v umění ars nova rysy renesance, přičemž 14. století považovali za ranou francouzskou renesanci. Publikace světských hudebních děl na přelomu 14. a 15. století, která se objevila v 50. letech 20. století, však svědčí o omylu takový postoj. ) Oživení připravila řada historiků. procesy. O vývoji franc kulturu blahodárně ovlivnily takové faktory jako vznik buržoazie (15. stol.), boj za sjednocení Francie (skončil koncem 15. stol.) a vytvoření centralizovaného státu, voj. zájezdy do Itálie – země vyšších kulturních tradic, tvorů. důležitý byl také neustálý latentní růst palandy. tvořivost a činnost skladatelů francouzsko-vlámské školy.

Nejvýznamnějším projevem kultury renesance byl humanismus. Do popředí se dostává člověk se svým vnitřním já. svět. V 16. stol role hudby ve společnosti vzrostla. život. Franz. králové vytvořili na svých dvorech velké kaple, uspořádali múzy. slavnosti (např. velkolepý festival pořádaný v roce 1518 králem Františkem I. na nádvoří Bastily na počest vyslanců anglického krále). V 16. stol král. nádvoří (je nakonec přeneseno do Louvru) se stává Ch. ohniště hudby života, kolem kterého prof. Nárok. Posílil roli adv. kaple (viz Paříž). V roce 1581 schválil Jindřich III. pozici „hlavního intendanta hudby“ u dvora. První "proviantní" - Ital. houslista Balthazarini de Belgioso (Balthazar de Beaujoieux) post. v malém burgundském paláci v Paříži, kterou společně složili. s básníkem Lachenetem a hudebníky J. de Beaulieu a J. Salmonem "Komediální balet královny" - první zkušenost spojení hudby a tance s jevištěm. akce, která otevřela nový žánr - adv. balet. Významná centra hudby. soud spolu s králem. nádvoří a kostel byly také šlechtické. salony (např. v Paříži salon hraběnky de Retz, kde vystupovali nejlepší hudebníci té doby), dílenské múzy. sdružení řemeslníků.

Rozkvět renesance, spojený s formováním francouzštiny. nat. kultura, připadá na střed. 16. století Výrazným projevem renesance byl světský polygon. píseň je šansonem, který se, aniž by ztratil kontakt s každodenním životem, stal žánrem prof. soudní spor. Polyfonní styl přijímá ve francouzštině. píseň nová interpretace (v porovnání s písní mistrů holandské školy), odpovídající jiným poet. myšlenky Francouzů humanismus - k myšlenkám Rabelaise, K. Mara, P. Ronsarda. Obvykle šanson je píseň se světským textem a lidovou melodií všedního dne. Její příběh vyjádří. fondy byly spojeny s každodenní demokr. život.

Vynikající francouzský skladatel Renaissance byl K. Zhaneken, který vlastní více než 200 polygólů. písně. Se Zhanequinem se píseň promění v detailní kompozici realistickým způsobem. zápletka (do jakési fantasy písně). Jsou to jeho "Lov", "Bitva", "Ptačí zpěv", "Ženské žvatlání", "Pouliční výkřiky Paříže" atd. Šťavnatostí žánrových náčrtů jsou jeho písně právem srovnávány s díly. F. Rabelais. Janequin také psal duchovní hudbu (mše, moteta). Charakteristiku světských woků však vnesl i do kultovních žánrů. op. Mezi dalšími autory šanson - komp. G. Kotle, K. Sermizi.

Šanson získal slávu nejen ve Francii, ale i za jejími hranicemi. přinejmenším díky notovému zápisu, který také přispěl k posílení múz. vazby mezi evropskými zemí. V roce 1528 v Paříži P. Attenyan společně. s P. Otenem byla založena hudba. nakladatelství (existovalo do roku 1557); ve 2. patře. 16. století Velký význam nabyla firma R. Ballarda a A. Le Roye (založena v Paříži roku 1551, později v čele s Ballardovými syny a vnuky; firma zaujímala přední místo v hudebním nakladatelství až do poloviny 18. století). Již z kon. 20. léta 16. století Attenyan začal vydávat sbírky písní, skladby pro loutnu a také tištěné tabulatury pro loutnu, varhany a později i další nástroje.

V období renesance se role instr. hudba. V hudbě Viola, loutna, kytara, housle (jako lidový nástroj) byly široce používány v každodenním životě. Nástroj žánry pronikly jak do všední hudby (úpravy a úpravy tanců a písní), tak do profesionální, částečně církevní hudby (úpravy vokálních vícehlasých děl, úpravy sborových melodií). Domácí tanec. hudba byla určena pro loutnu nebo malý nástroj. soubor, polyfonní prod. provedené na varhany. Loutnové tance. hry vynikly mezi dominantami v 16. století. polyfonní prod. rytmický plasticita, jasnost melodií, homofonní sklad, průhlednost textury. Charakteristické bylo spojení dvou a více. rytmický tanec. kontrast do zvláštních cyklů, které se staly základem budoucího tance. apartmá, např. prosinec branly (ve sbírkách nakladatelství Attenyan jsou takové cykly 2, 3 tanců).

Nezávislejší. org také získal na významu. hudba. Vznik org. školy ve Francii (konec 16. století) je spojena s působením varhaníka J. Titluze.

Poznámka. fenomén Francouzů kultury renesance byla Akademie poezie a hudby, založená v roce 1570 hudebníkem, básníkem, který byl součástí tvořivých. společenství francouzštiny humanističtí básníci „Plejády“ od J. A. de Baif spol. se svými společníky (existoval do roku 1584). Členové akademie usilovali o oživení antické poetiky a múz. metriky, hájil princip neoddělitelného spojení hudby a poezie. Učinili rozhodnutí. příspěvek k vývoji některých hudebních dramat. formuláře. Ale jejich experimenty v podřízení rytmu melodii metriky. struktura verše vedla k vytvoření abstraktních múz. prod. Na „odměřené verše“ Baifa, Ronsarda (kapitoly „Plejád“) hudbu napsali C. Le Jeune, J. Maudui a další.

Prostředek. vrstva v hudbě. Francouzská kultura 16. století byla hudba hugenotů – francouz. představitelé reformace (to byli hlavní arr. šlechtici, kteří usilovali o zachování feudálního řádu a oslabení vměšování do jejich záležitostí královské moci, a také část buržoazie, která bránila své staré městské svobody). K ser. 16. století vznikla hugenotská píseň: melodie oblíbené domácnosti a palandy. písně přizpůsobené těm přeloženým do francouzštiny. lang. liturgické texty. O něco později, Relig. boj ve Francii dal vzniknout hugenotským žalmům s jejich charakteristickým přenesením melodie do vyššího hlasu a odmítnutím polyfonie. složitosti. Největší hugenotští skladatelé, kteří skládali žalmy, byli K. Goudimel, Le Jeune. Gudimel byl mistrem polyfonie a hrál podlé. role při přípravě homofonní harmonické. sklad, to-ry začíná převládat v F. m. renesance. Spory mezi protestanty a katolíky vyvolaly kontroverze. písně. V důsledku širokého používání této masové demokracie písňový žánr v náboženské době. války rostly nat. vlastenecký francouzština píseň, která byla projevem nár. francouzská identita.

17.-18. století poznamenán rozhodující převahou světské hudby nad duchovní. V 17. století, v období vzniku absolutní monarchie ve Francii, měl dvůr velký význam. umění, které určilo směr vývoje nejvýznamnějších žánrů F. m. té doby - opery a baletu jako syntet. dekorativní spektakulární představení podřízená myšlence oslavy monarchie.

Léta vlády Ludvíka XIV. se vyznačovala mimořádnou nádherou dvora. život, touha dvora a feudální šlechty po luxusu a sofistikovaných zábavách. V tomto ohledu byla velká role přidělena adv. balet, představení to-rogo se konala v Louvre, Arsenal, t-re "Palais-Cardinal" (otevřeno v roce 1641, od roku 1642 - "Palais-Royal"). Všichni R. 17. století u dvora zesílila italština. trendy. Výsadba italsky. divadlo. Tradice prosazoval kardinál Mazarin, který do Paříže pozval skladatele a zpěváky z Říma, Benátek a Boloně. Italové představili Francouze. aristokracie s novým žánrem - operou (na královském dvoře bylo několik post. oper - "Imaginární blázen" Sakrati, 1645; "Orfeus a Eurydika" L. Rossi, 1647 aj.). Seznámení s italštinou opera sloužila jako pobídka k vytvoření vlastní národní. opery. První experimenty v této oblasti patří hudebníkovi E. Jacquetovi de la Guerre („Triumf lásky“, 1654), komp. R. Kamber a básník P. Perrin („Pastorál“, 1659). V roce 1661 byla založena "King Academy of Dance" v čele s choreografem P. Beauchampem (existovala do roku 1780). V roce 1669 získali Camber a Perrin patent na uspořádání stálého operního domu, který byl otevřen v roce 1671 pod jménem. "King. Academy of Music" (viz "Grand Opera") s jejich operou "Pomona". Od roku 1672 stál v čele divadla J. B. Lully, který získal monopol na operní představení ve Francii.

Největší francouzský skladatel, zakladatel nár operní škola, Lully na počátku tvůrčí práce. způsob, jakým psal baletní hudbu pro kurt. slavnosti. Vytvořil řadu komedií-baletů („Svatba nedobrovolně“, 1664; „Láska k léčiteli“, 1665; „Monsieur de Poursonyac“, 1669; „Obchodník ve šlechtě“, 1672; vytvořil je spolu s J. B. Molièrem), z nichž se zrodily opery-baletty. Lully byl praotcem žánru lyrické tragédie (typ hrdinsko-tragické opery). Jeho lyrika tragédie („Cadmus a Hermiona“, 1673; „Alceste“, 1674; „Theseus“, 1675; „Atis“, 1676; „Perseus“, 1682 atd.) s jejich vysokým hrdinstvím, silnými vášněmi, konfliktem mezi citem a dluhem na jejich předmět a DOS. stylistický principy se blíží klasickým tragédiím P. Corneille a J. Racina.

Na F. m. 17. stol. Silný vliv měl racionalismus. estetika klasicismu, která kladla požadavky na vkus, rovnováhu krásy a pravdy, jasnost záměru, harmonii kompozice. Klasicismus, který se rozvíjel ve stejné době. s barokním slohem, přijatým ve Francii v 17. stol. úplný výraz a Lully se stal jeho nejjasnějším představitelem v hudbě. Dílo tohoto skladatele má zároveň rysy barokního umění, o čemž svědčí množství spektakulárních efektů (tance, průvody, tajemné proměny atd.).

Lullyho příspěvek k instr. hudba. Vytvořili typ francouzštiny. operní předehra (samotný termín se ustálil ve 2. polovině 17. století ve Francii). Četné tance z jeho děl. velká forma (menuet, gavotte, sarabande atd.) ovlivnila následnou formaci orka. apartmá. Creativity Lully - důležitá etapa ve vývoji hudby od staré polyfonie. formy do sonáty-symfonie. žánry 18. století.

V kon. 17 - 1. patro. 18. století M. A. Charpentier psal pro t-ra (opera Medea, 1693 a další; byl také autorem první francouzské kantáty - Orfeus sestupující do pekel, 1688), A. Campra (opera-balet " Galantní Evropa", 1697; "Benátské slavnosti", 1710; lyrická tragédie "Tancred", 1702 atd.), M. R. Delaland (divertissement "Palace of Flora", 1689; "Melisert", 1698; "Country Marriage", 1700 atd.), A. K. Detush (lyrická tragédie „Amadis Řek“, 1699; „Omphala“, 1701; „Telemachus a Calypso“, 1714; opera-balet „Karneval a šílenství“, 1704 atd.). Mezi nástupci Lullyho se stala zvláště patrná konvenčnost příchodu. divadlo. styl. Ve výrobě tito skladatelé, kteří pokračovali v tvorbě textů. do popředí se dostaly tragédie, dekorativně-baletní, pastýřsko-idylické. strany tohoto žánru na úkor dramat. základy opery, její hrdinství. obsah. Obzvláště důležitý je začátek divertissement (viz Divertissement, 3). Lyric. tragédie ustupuje novému žánru – opeře-baletu.

V 17. stol ve Francii byly vyvinuty dekomp. instr. školy - loutna (D. Gauthier, který ovlivnil i styl cembala J. A. Angleberta, J. Ch. de Chambonnière), cembalo (Chambonniere, L. Couperin), viola (gambista M. Marin, to-ry poprvé ve Francii zavedl kontrabas do operního orchestru místo kontrabasové violy). Francouzština získala největší význam. cembalová škola. Raný styl cembala se formoval přímo. vliv loutnového umění. Ve výrobě Chambonière byl označen jako charakteristický pro Francouze. cembalisté, způsob zdobení melodie (viz Ornamentace) Hojnost dekorací dala výrobku. u cembala jistá propracovanost i větší soudržnost, „melodičnost“, „délka“ až trhanému zvuku tohoto nástroje. V instr. hudba byla široce používána již v 16. století. spojení párových tanců (pavan, galliard aj.), které vedlo v 17. stol. k vytvoření apartmá. Ke starým lidovým tancům (courante, branle) přibyly tance z různých oblastí Francie s výraznými místními rysy (paspier, burre, rigaudon), které spolu s menuetem a gavotou tvořily pro Francouze stabilní základ. instr. apartmá.

Ve 20-30 letech. 18. století cembalová suita dosahuje svého vrcholu, vyznačuje se ostrostí obrazu, jemností a elegancí stylu. Mezi Francouzi cembalisté, vynikající role patří představiteli rozsáhlé francouzské rodiny. hudebníci F. Couperin („velký“), jehož tvorba je vrcholem franc. hudba nároky období klasicismu. Ve svých raných suitách následoval vzor zavedený jeho předchůdci a následně překonal normy starého tance. suity, vytvořil Couperin volné cykly založené na principu podobnosti a kontrastu kusů. Mistr miniatury vynikal ztělesněním různorodého obsahu v rámci tohoto žánru, jehož průkopníky byli Francouzi. cembalisté. Couperinova hudba se vyznačuje nevyčerpatelnou melodií. vynalézavost. Jeho instr. Hry jsou expresivní. Většina her má programové názvy („Ženci“, „rákos“, „kukačka“, „Florentýn“, „koketní“ atd.). S velkou psychikou ladné ženské obrazy jsou v nich otištěny s jemností, jsou podávány poetizované žánrové náčrty. Velký podíl na rozvoji programově charakteristické cembalové suity měli spolu s Cooperem také J. F. Dandrieu a především J. F. Rameau, který ve svém cembalu op. často překračovaly meze intimity, usilovaly o dekorativnější psaní s využitím dynamického rozvoje sonátového typu. Prostředek. milník ve formování Francouzů. skr. školy, která se vyvíjela v těsném spojení s italštinou, bylo dílem J. M. Leclerca („staršího“), který vytvořil názorné ukázky Skr. sonáty a koncerty 18. století a C. de Mondonville, který poprvé uvedl do Skr. části přirozené harmonické a také ve svých „Skladech pro cembalo ve formě sonát s doprovodem houslí“ (1734) poprvé rozvinul obligátní (viz Obligato, 1) část cembala.

V F. m. 18. stol. první místo patřilo hudebnímu divadlu. žánry. Ve 30-60 letech. vedoucí postavení v adv. opera - "Král hudební akademie" byla obsazena Rameauem, v jehož díle je žánr lyr. tragédie dosáhla svého vrcholu. rozvoj. Vytvořil řadu vynikajících operních inscenací. - lyrika. tragédie Hippolytus a Arisia (1733), Castor a Pollux (1737, 2. vydání 1754), Dardanus (1739, 2. vydání 1744), Zoroaster (1749, 2. vydání. 1756), operní balety „Gallantská Indie“ (1735), atd. Největší hudebník 18. století Rameau aktualizoval hudební výraz. operní žánr. Jeho wok.-recitace. styl byl obohacen o zesílenou melodickou harmonii. výraz a organicky přeložená italština. ariózní formy. Pestřejší obsah od něj získala 2dílná předehra typu ukolébavky, přešel i k předehře 3dílné, blízké italštině. operní symfonie. V řadě oper Rameau předvídal mnoho pozdějších výbojů na poli hudby. činohra, dláždící cestu k operní reformě K. V. Glucka. Ale vzhledem k historickým poměrům nedokázal zastaralou lyriku zásadně reformovat. tragédie, překonat ji galantně aristokraticky. estetika. Velké jsou zásluhy Rameaua v oblasti hudby. teorie. Vynikající hudba. teoretik vyvinul harmonický vědecký. systém, jehož řada ustanovení sloužila jako základ pro nauku o harmonii („Pojednání o harmonii“, 1722; „O původu Harmony“, 1750 atd.). Heroicko-mytologický. opery Lullyho, Rameaua a dalších autorů do poloviny. 18. století přestalo odpovídat estetice. požadavky buržoazie publikum. Populární byla pouťová představení, ostře satirická svým zaměřením (pařížská fairtradová centra byla všeobecně známá již od konce 17. století), zesměšňující móresy „vyšších“ vrstev společnosti i parodující dvůr. opera. První autoři takových komedií. opery byli dramaturgové A. R. Lesage a C. S. Favard, kteří dovedně vybírali hudbu pro svá představení, skládající se z kupletových písní - "voix de ville" (dosl. - "Hlasy města"; viz Vaudeville) a dalších populárních typů hor folklór. V útrobách veletržního t-ra dozrála nová francouzština. operní žánr - operní komik. Posílení pozice operního komika usnadnil příjezd Italů do Paříže v roce 1752. operní soubor, který nastudoval řadu operních nadšenců vč. „Služebnice“ Pergolesi, a polemika o otázkách operního umění, která se rozhořela mezi příznivci (buržoazně-demokratické kruhy) a odpůrci (představiteli aristokracie) Italem. buffa opery, - tzv. "válku bubáků".

Ve vyhrocené politice atmosféra Paříže, tento spor se stal obzvláště akutní, získal obrovskou komunitu. rezonance. Francouzské osobnosti se na něm aktivně podílely. osvícenství, které podporovalo demokr. umění "buffonistů" - D. Diderota, J. J. Rousseaua, F. M. Grimma a dalších.Jejich brilantní ostro-polemická. brožury a vědecké pojednání (Rousseau – články o hudbě v „Encyklopedii neboli výkladovém slovníku věd, umění a řemesel“; „Hudební slovník“, 1768; „Dopisy o francouzské hudbě ...“, 1753; Grimm – „Dopisy o Omphale“, 1752; "Malý prorok z Bömisch-Brod", 1758; Diderot - "Rozhovory o "zlém synovi", 1757 atd.) byly namířeny proti konvencím Francouzů. adv. t-ra. Na formování Francouzů mělo velký vliv jimi proklamované heslo „imitace přírody“. operního stylu 18. století. Tato díla obsahují také hodnotnou estetiku. a hudebně teoretické. zobecnění.

Ve své činnosti se encyklopedisté ​​neomezili pouze na lit. kontroverze. Důležitou roli při schvalování nového typu hudby. Představení bylo hráno Rousseauovým pastoračním „Vesnickým čarodějem“ (1752), což byl první Francouz. komik opera. Od té doby začal operní komik vzkvétat, stal se předním žánrem F. m. (představení byla uvedena v divadle Komické opery; viz "Operní komik"). Mezi prvními autory franc komik opery - E. Dunya, F. A. Philidor. italština skladatel Dunya, který od roku 1757 působil v Paříži, vytvořil více než 20 děl tohoto žánru. („Dva lovci a dojička“, 1763; „Ženci“, 1768 atd.).

Komik. Philidorovy opery jsou především každodenní opery, mnohé z nich obsahují barevné žánrové obrazy (Kovář, 1761; Dřevorubec, 1763; Tom Jones, 1765 atd.). Operní komik pokračoval samostatně v rozvíjení, rozšiřování záběru svých zápletek (postupně sem patří melodramatická a hrdinská témata). způsobem, aniž by byl ovlivněn textem. tragédie. Obohacený a komplikovaný svými múzami. jazyk, ale zůstává demokratický. soudní spor. V 60. letech 18. století komik opera se blíží „vážné komedii“, jak ji Diderot myslel. Charakteristickým představitelem tohoto směru byl P. A. Monsigny, jehož tvorba má blízko k tehdejšímu sentimentalismu („Dezertér“, 1769; „Felix, nebo Foundling“, 1777 aj.). Jeho produkce. svědčí o osvícenském humanismu komiksu. opera, o jejím společenském trendu, typickém pro předrevoluční. dekády. Figurativní umění. sféra komiksu Operu výrazně posunul A. E. M. Gretry, který do ní vnesl rysy lyriky. poetizace a preromantismus. barva („Lucille“, 1769; „Richard Lví srdce“, 1784; „Raoul Modrovous“, 1789 atd.). Francouzské nápady. Osvícení hráli tvorové. roli v přípravě Gluckovy operní reformy. Svou reformu zahájil v 60. letech 18. století. ve Vídni („Orfeus a Eurydika“, 1762; „Alceste“, 1767), dokončil v Paříži. Inscenace v Paříži oper Ifigenie v Aulis (1774), Armida (1777), Ifigénie v Tauris (1779), které ztělesňovaly myšlenky hrdinství a občanské udatnosti prosazované vyspělými předrevolučními kruhy. Francie, se stala příčinou urputného boje směrů ve F. m. Proti Gluckovi byli i přívrženci starých Francouzů. opery (uznávající pouze opery Lullyho, Rameaua) a fanoušky ital. opery, v roji čisté hudby. strana zvítězila nad dramatem. Gluckův operní styl (podporovaly ho osobnosti progresivního umění) byl aristokratický. kruhy, příznivci starého hédonistického. Operní estetika (J. F. Marmontel, J. F. La Harpe aj.) se postavila proti operní tvorbě ital. komp. N. Piccinni. Boj mezi „glukisty“ a „pichinisty“ (první vyhráli) odrážel hluboké ideologické posuny, ke kterým došlo ve Francii ve 2. polovině. 18. století

V souvislosti se sílícím vlivem měšťanstva v 18. stol. objevují se nové formy hudebních společností. život. Postupně koncerty překračují palácové a šlechtické sály. salony. V roce 1725 organizoval A. Philidor (Danikan) v Paříži pravidelné veřejné „Duchovní koncerty“ a v roce 1770 F. J. Gossec založil společnost „Amatérské koncerty“. Akademické večery byly uzavřenějšího charakteru. Společnost "Friends of Apollo" (založena v roce 1741), na které hráli profesionálové i amatérští aristokraté. Každoroční cykly koncertů pořádala „Královská hudební akademie“. Skvělá francouzština. Revoluce přinesla obrovské změny do všech oblastí hudby. žaloba-va, to-roe pod vlivem kreativity revoluce. masy získaly občansko-demokratické. charakter. Hudba se stává nedílnou součástí všech prostředků. revoluční události. čas - vojenský. vítězství, revoluční oslavy. slavnosti, smuteční obřady (Bastila padla za zvuku hudby, lid skládal písně o svržení monarchie, o přijaté ústavě, pohřeb hrdinů se změnil v hromadné průvody, doprovázené duchem. orchestry atd.).

Tato nová sociální funkce múz. art-va (proměnila se v aktivní prostředek občanské výchovy, ve společenskou sílu, která sloužila zájmům státu) přispěla k ustavení masových žánrů - písní, hymnů, pochodů atd. V 1. franc. revoluční Písně využívaly hudbu populárních melodií, které již mezi lidmi existovaly: například píseň Francouzů. sans-culottes "Za ira" - to je jakási reintonace melodie "National Carillon" Bekur. Hojně se používaly i písně, které shrnuly charakteristické intonace nars. hudba, - "Carmagnola" a další. Vysoká, nejvýraznější příklad revoluce. Písní Francie je Marseillaise, kterou vytvořil C. J. Rouget de Lisle (1792; od roku 1795 s přestávkou Státní hymna Francie). Renesance v hrdinské hudbě. obrazy, apelovat na masové publikum přivedl k životu umění revoluce. klasicismus. Myšlenky boje proti tyranii, svoboda lidské osoby, která živila múzy. soudní spor, přispěl k hledání nové hudby. finančních prostředků. Pro wok. a instr. Typickou se stává hudba (od různých autorů), oratorní intonace, melodie, která se vyznačuje "velkými konturami" (často obsahující fanfárové intonace), honěné rytmy, pochod, výrazná lapidarita modálních harmonických. sklad. Největší skladatelé té doby - Gossec, E. Megul, J. F. Lesueur, L. Cherubini se věnovali psaní písní, hymnů, pochodů ("Píseň 14. července", sbor "Probuďte se, lidé!", "Truchlivý pochod" pro duchovní orchestr a další díla od Gosseka, „Píseň pochodu“, „Píseň vítězství“ od Megula, „Píseň o triumfech Francouzské republiky“, „Hymna 9. Thermidoru“ od Lesueura; „Hymna na bratrstvo“ , „Písně desátého srpna“ od Cherubiniho). Tito skladatelé byli nejvýznamnějšími múzami. vůdci Velké francouzštiny revoluci, zejména vedli organizaci grandiózních masových múz. slavnosti (dirigovali sbory, orchestry na pařížských náměstích). Jeden z tvůrců hudby. stylem revoluce je Gossec, jehož tvorba položila základ novým žánrům vč. revoluční vlastenec. hromadná píseň, hrdinská pohřební pochod, agitace opera revoluce. Byl také zakladatelem francouzštiny symfonie (1. symfonie, 1754). Na základě úspěchů Francouzů opery (především Rameau), Gossec aktualizoval a rozšířil složení symfonie. orchestr (zavedl do partitury klarinety a lesní rohy). Společnosti. atmosféra éry vykreslená průměrně. vliv na hudbu. t-r. Revoluční. ideologie přispěla ke vzniku nových žánrů – apoteóza, agitace. vystoupení s využitím velkých sborů. mše (Gosseck – apoteóza „Dar svobody“, 1792; opera „Triumf republiky aneb tábor v Grand Pre“, 1793; Gretry – agitace. opery „Republikánský vyvolený aneb Svátek ctnosti“, „Tyran Dionysius“, obě 1794 atd.).

V letech revoluce se rozvíjela zejména „opera spásy“ (vznikla ještě před revolucí), která nastolila témata boje proti tyranii, odhalovala duchovenstvo, oslavovala loajalitu a oddanost. Tento nový heroický žánr syntetizuje vznešené hrdinství a každodenní realismus, rysy komiksu. opery a hrdinské tragédie Gluck. Živé příklady „opery spásy“ vytvořili Cherubini („Lodoiska“, 1791; „Eliza“, 1794; „Nosič vody“, 1800), Breton („Hrůzy kláštera“, 1790), Lesueur („“ Jeskyně", 1793). Skladatelé éry Velké francouzštiny. Revoluce přispěly velkou hodnotou k rozvoji operního žánru: obohatily jeho výraz. prostředky (Cherubini ve vrcholech využíval principy melodramatu), charakterizační techniky (vznik leitmotivismu Gretry, Lesueur, Cherubini, Megul; viz Leitmotiv), daly nový výklad některým operním formám. Řada Gretryho oper („Richard Lví srdce“, „Raoul Modrovous“) a Cherubini (včetně „Medea“, 1797), v nichž se autoři snaží ukázat nitro. lidské zkušenosti obsahují romantické. trendy. Tato díla vydláždila cestu romantické opeře v 19. století.

V 80. letech. 18. století rozložená konc. aktivity G. B. Viottiho - největšího představitele hrdinské éry. klasicismu ve Skr. claim-ve, který ovlivnil formování franc. skr. školy 19. století Během let revoluce získal pro svůj zvláštní význam vojenského ducha. hudba (zněla při slavnostech, oslavách, ceremoniích, pohřebních průvodech), byl organizován Národní orchestr. Stráže (1789, zakladatel B. Sarret). Revoluční. Proměnami prošel i hudební systém. vzdělání. Metriky byly zrušeny; v roce 1792 otevřely Múzy. škola Národní stráží pro vojenský výcvik. hudebníků. Na základě této školy a král. školy zpěvu a recitace (založené státním tajemníkem, 1784) v roce 1793 Nat. hudba in-t (od 1795 - pařížská konzervatoř). Velkou zásluhu na organizaci konzervatoře má Sarret, mezi její první inspektory a učitele - Gossec, Gretry, Cherubini, Lesuer, Megul.

V období napoleonské diktatury (1799-1814) a restaurování (1814-15, 1815-30) ideologický úpadek F. m. Semiramide" Katel, 1802 aj.). Tyto roky nedávaly (až na výjimky) prostředky. eseje. Na pozadí bujného, ​​falešně hrdinského. prod. vynikají opery „Ossian, or Bards“ od Lesueura (post. 1804), „Joseph“ od Megula (1807).

G. Spontini byl typickým představitelem navenek spektakulárního operního stylu, jehož tvorba nejplněji odrážela požadavky a vkus doby. Ve svých operách („The Vestal Virgin“, 1805; „Fernand Cortes, aneb dobytí Mexika“, 1809 atd.) pokračoval v hrdinství. tradice pocházející z Glucku. Múzy. dramaturgie ztvárněných bytostí "Vestal". vliv na formování žánru velké opery.

Do konce období restaurování v prostředí počátku společnosti. Po vzestupu, který vedl k červencové revoluci roku 1830, bylo také pozorováno oživení v oblasti kultury. V boji proti akad. žalobu napoleonské říše tvořili Francouzi. romantický opera, do ráje ve 20.–30. zaujímala dominantní postavení. Romantický. tendence se projevovaly v touze po ideové saturaci, lyr. bezprostřednost výrazu, demokratizace a barevnost múz. Jazyk. Romantizaci prošel i operní žánr, operní komika, který byl v těchto letech nejrozšířenější. Nejlepšímu komikovi. Opery tohoto směru patří k dílům. A. Boildieu, jehož nejvyšším počinem byla opera Bílá paní (1825) s patriarchální idylkou. každodenní scény a romantické. fantazie. Další romantizace komiksu. opera způsobila nárůst její lyriky. začátek, širší využití nar. melodie a také obohatila její styl. Nový typ komiksu opery s dojemným zápletky, rychle se rozvíjející akce, hudba. jehož jazyk je prosycen intonací každodenních písní a tanců, vytvořil F. Ober („Fra Diavolo“, 1830; „Bronzový kůň“, 1835; „Black Domino“, 1837 atd.). V komediálním žánru. v operách působili i další skladatelé - F. Herold ("Tsampa, aneb Mramorová nevěsta", 1831), F. Halevi ("Blesk", 1835), A. Adam ("Pošťák z Longjumeau", 1836), který později schváleno také romantické. režie v baletu („Giselle, nebo Willis“, 1841; „Corsair“, 1856).

Ve stejných letech se zformoval žánr velké opery o historické a vlastenecké. a hrdinské příběhy. V roce 1828 zde byla pošta. opera „Němý z Portici“ („Fenella“) od Auberta, jejíž děj odpovídal společnosti. nálady v předvečer červencové revoluce roku 1830. Jednalo se o první velkou operu, kde místo antických hrdinů hráli obyčejní lidé. Samotná hudba se lišila od slavnostnosti starých hrdinství. žánry. „Mute from Portichi“ podnítilo další rozvoj lidového hrdinství. a romantické. opery. Ve Velké opeře se realizovali určití dramaturgové. techniky používané G. Rossinim v opeře „William Tell“ (1829), kterou napsal pro Paříž. Rossini, která pracovala ve Francii, vzala hodně ze své kultury a zároveň ovlivnila práci Francouzů. hudebníci, zejména J. Meyerbeer.

Ve francouzštině velká opera 30. a 40. let 19. století, vytvořená érou romantismu, hrdinská. patos, vzrušení pocitů bylo kombinováno s hromadami jevištních výkonů. efekty, vnější dekorativní efekt. V tomto ohledu je příznačné především dílo Meyerbeera, nejvýraznějšího představitele velkého historického a romantismu. opera, dlouhá léta spjatá s franc. kultura. Pro jeho produkci typické jsou pečlivě napsané, vypouklé charakteristiky postav, chytlavý způsob psaní, jasná hudba. dramaturgie (vyčlenění celkového vyvrcholení a klíčových momentů ve vývoji akce). Se známým eklekticismem hudby. stylu (jeho hudební jazyk se formoval pod vlivem různých národních kultur), Meyerbeer vytvořil opery, které zachycují akci s intenzivním dramatem, velkolepým divadlem. okázalost. Charakteristické pro celou historii spojení F. m. je divadlo. a hudba. art-va se projevila v díle Meyerbeera, který byl ovlivněn romant. především dramata V. Hugo. (Významný podíl na utváření Meyerbeerova operního stylu má tehdejší velký dramatik E. Scribe, který se stal jeho stálým libretistou.) Meyerbeerovy pařížské opery - "Robert ďábel" (1830), kde je struktura vel. Vznikla francouzština. opera, jeho nejlepší dílo. „hugenotů“ (1835), kteří se stali nejzářivějším příkladem Francouzů. romantický opery, „Prorok“ (1849) a „Afričan“ (1864), v nichž se již objevují známky úpadku tohoto žánru, – při všech svých zásluhách svědčí o nedůslednosti tvůrčí práce. Meyerbeerova metoda a samotný žánr velké opery s vnějšími efekty na úkor pravdivosti. Velká opera je spojena s tvorbou řady Francouzů. skladatelů, vč. Halevi ("Žhidovka", 1835; "Kyperská královna", 1841; "Karl VI", 1843).

Progresivní francouzština. hudba romantismus našel svůj nejvýraznější a nejucelenější výraz v díle G. Berlioze, jednoho z největších skladatelů 19. století. Berlioz byl tvůrcem softwarového romantika. symfonie – „Fantastická symfonie“ (1830), která se pro Francouze stala jakýmsi manifestem. hudba romantismus, „Harold v Itálii“ (1834). Zvláštnost symfonie Berliozova kreativita je způsobena lomem v jeho hudbě lit. obrazy Virgila, W. Shakespeara, J. Byrona, J. W. Goetha, konvergence symf. žánry s divadlem. V každé jeho inscenaci je řešen problém teatralizace. jednotlivě: dram. symfonie „Romeo a Julie“ (1839) je obdobou oratoria (vzhledem k uvedení sólistů a sboru) a obsahuje prvky operní akce; doušek. legenda "Odsouzení Fausta" (pro sóla, sbor a orchestr, 1846) je komplexní opera-oratorium-symfonie. žánr. Do jisté míry se pojí i Berliozem hojně využívaný princip monotematismu v symfoniích, který v tomto případě vychází z charakteristiky leitmotivu v opeře. Berlioz svým programovým symfonismem nastínil jednu z nejdůležitějších cest rozvoje Evropy. symp. hudba (viz Program hudba). V jeho hudbě spolu s intimními texty fantastický. a žánrové obrazy jsou vytrvale ztělesňovány občansko-revoluční. předmět; oživil tradice masové a demokratické. nároky Velkých Francouzů. Revoluce (Requiem, 1837; Pohřebně-triumfální symfonie, 1840) Velký inovátor Berlioz vytvořil nový typ nat. melodika (jeho melodie se vyznačují příklonem ke starým modům, svérázným rytmem, který byl ovlivněn vlivem zvláštností francouzské řeči; některé jeho melodie připomínají povznesenou řečnickou řeč). Udělal velké inovace v oblasti hudby. formy, udělal revoluci v oblasti instrumentace (důležitou roli při vytváření obrazu hraje orchestrálně-timbrální prvek, kterému jsou podřízeny další složky hudebního jazyka - rytmus, harmonie, forma, textura). Poněkud zvláštní postavení ve francouzštině. hudba t-re obsadil Berliozovy opery: jeho opera „Benvenuto Cellini“ (1837) pokračuje v tradici komiky. opery, dilogie „Trójané“ (1859) – Gluckovo hrdinství, malované v romantických tónech.

Největší dirigent a vynikající hudba. kritik Berlioz byl spolu s Wagnerem zakladatelem nové dirigentské školy, napsal řadu pozoruhodných děl, vč. věnované L. Beethovenovi, Gluckovi, otázkám dirigentského umění (mezi nimi - pojednání „Dirigent orchestru“, 1856) a orchestraci („Velké pojednání o instrumentaci“, 1844).

Práce Berlioze zastínila aktivity řady Francouzů. skladatelé ser. 19. století, působící v oblasti symfonie. žánr. Některé z nich, vč. F. David, učinil rozhodnutí. příspěvek k hudbě nárok ve Francii. Autor jednosymfonií Poušť (1844), Kryštof Kolumbus (1847) a dalších děl položil základy orientalismu ve F. m.

Ve 30-40 letech. 19. století Paříž se stává jedním z center světové hudby. kultury, která přitahovala hudebníky z jiných zemí. Zde se rozvinula kreativita, dozrál klavírismus F. Chopina a F. Liszta, vzkvétalo umění pěvců P. Viardo-Garcii, M. Malibran, koncertovali N. Paganini a další vynikající interpreti.

Od začátku 19. století evropský slávu získala francouzština. housle, tzv. Pařížská škola - P. Rode, P. M. Baio, R. Kreutzer; do popředí se dostala plejáda zpěváků spojených s romantikou. opera, mezi nimi - zpěváci L. Damoro-Chinti, D. Arto, zpěváci A. Nurri, J. L. Dupre. Objevila se řada prvotřídních múz. týmy. V roce 1828 dir. F. Habenkem založil v Paříži "Společnost koncertů pařížské konzervatoře", symfonii. jehož koncerty sehrály velkou roli při propagaci Beethovenova díla ve Francii (v letech 1828-31 se v Paříži konal cyklus, který zahrnoval všechny Beethovenovy symfonie), stejně jako Berlioz (Fantastická symfonie, Romeo a Julie byly poprvé uvedeny na koncertech Společnost ", "Harold v Itálii"). Berlioz vedl širokou dirigentskou činnost, to-ry organizoval symfonii. koncerty-festivaly (později byl dirigentem Velké pařížské filharmonické společnosti, vytvořené z jeho iniciativy, 1850-51). Prostředek. rozvíjel se i sbor. představení, které se postupně přesunulo z kostelů do konc. haly. Obrovské množství milovníků sboru. zpěv sjednotil Orpheon Society. Pro hudbu. Život Francie v letech Druhého císařství (1852-70) je charakterizován vášní pro kavárny-koncerty, divadlo. revue, žaloba šansoniér. Během těchto let četné t-ry lehkých žánrů, kde byly inscenovány vaudeville a frašky. Všude to znělo zábavně, zábavně. hudba. Nicméně zkušenosti získané komiksem. opera v zobrazování každodenního života, ve vytváření skutečných obrazů, přispěla ke vzniku nového divadla. žánry - opereta a lyrická opera.

Pařížská opereta je typickým produktem Druhého císařství. Vyrostl z představení-recenzí (recenzí), vytvořených na témata dnešní doby. Opereta se vyznačovala především sytostí moderny. obsahu a aktuální hudby. intonací. Jeho základem byly pikantní kuplety a tance. divertissementy proložené konverzačními dialogy. Mezi tvůrce pařížské operety patří J. Offenbach, P. Herve. Operety největšího mistra tohoto žánru Offenbacha se dějově lišily („Orfeus v pekle“, 1858; „Genevieve of Brabant“, 1859; „Krásná Helena“, 1864; „Modrovous“ a „Pařížský život“, 1866; „ Pericola“, 1868 atd.) jsou podřízeny Ch. téma - obraz moderny. Offenbach rozšířil ideologické umění. žánrový rozsah; jeho opereta získala akutní aktuálnost, sociální orientaci (v řadě děl je zesměšňována morálka měšťansko-aristokratické společnosti). Nejdůležitější dramaturgií se stává hudba v Offenbachových operetách. faktor.

Následně (v 70. letech, v podmínkách třetí republiky) opereta ztratila satiru, parodii a aktuálnost a převládaly historicko-všední a lyricko-romantické. zápletky, v hudbě vystoupila do popředí lyrika. začátek ("Madame Favard", 1878, a "Dcera Tambour Majora", 1879, Offenbach; "Mademoiselle Nitouche" Herve, 1889 atd.); jasně je to vyjádřeno v operetách C. Lecoqa („Dcera Madame Ango“, 1872; „Girofle-Giroflya“, 1874), R. Plunket („Zvony Corneville“, 1877). Pro operetní představení v Paříži bylo otevřeno několik operních domů. t-příkop - "Buff-Parisien" (1855, zakladatel - Offenbach), "Foli Dramatic" (1862), "Foli Bergère" (1872; později - hudební sál) atd.

Do 50. let. 19. století francouzsky claim-ve zesílený realistický. trendy. V opeře se to projevilo touhou po obyčejných zápletkách, po obrazu nijak výjimečného, ​​romantického. hrdinů, ale obyčejných lidí se svými intimními zážitky. V kon. 50. - 60. léta vzniká lyrický žánr. opery. Jeho nejlepší vzorky se vyznačují hloubkovým psychologismem, jemným odhalením nitra. lidského světa, věrný obraz situace, na jejímž pozadí se děj vyvíjí. Nicméně lyrika opera postrádala šíři ideologického umění. zobecnění. Často osvětlené. základem oper byla díla. světové klasiky, ale akcentované v nich preim. lyrika drama, zápletky byly vykládány v každodenních termínech, ideologické problémy zúžené, filozofický obsah lit. původní zdroj. Lyric. opera se vyznačuje poetickou. skica scény. obrazy, jednoduchá srozumitelná hudba, atraktivita, melodičnost, demokratizace múz. jazyk, který se přibližoval každodenním textům (hojně využívaný je městský folklór, různé žánry každodenního života včetně romantiky, valčíku).

Lyric. opera dostala nejucelenější a umělecky nejdokonalejší ztělesnění v díle Ch.Gounoda. Jeho klasikou je opera Faust (1859, 2. vydání 1869), která znamenala zrod nového žánru. vzorek. Gounod vytvořil další 2 zářivé texty. opery - "Mireil" (1863, 2. vydání 1864) a "Romeo a Julie" (1865, 2. vydání 1888). Mezi skladateli, kteří psali v tomto žánru, vyniká lyrika svým originálem. talent, ladnost hudby. stylu J. Massenet, autor populárních oper „Manon“ (1884), „Werther“ (1886). Široce známá taková lyrika. opery jako „Mignon“ (1866) a „Hamlet“ (1868) od Thomase, „Pearl Diggers“ (1863), „Krása Perthu“ (1866) a „Jamile“ (1871) od Bizeta, „Lakme“ od Delibes (1883). Jmenované opery J. Bizeta a L. Delibes o exot. „Orientální“ náměty, stejně jako „Samson a Dalila“ od Saint-Saense (1876) patří k nejlepším francouzštinám. lyricko-orientální díla. Mnoho lyrika opery byly uváděny v Lyrickém divadle (založeno v roce 1851).

V 70. letech. 19. století realistický. trendy se objevily i v žánru baletu. Delibes byl v této oblasti inovátorem, to-ry v baletech Coppelia aneb Dívka se smaltovanýma očima (1870), Sylvia nebo Dianina nymfa (1876) posílily drama. začátek v tanci, rozšířil záběr lyricko-psychologického. expresivita tradice. baletní formy, užívané přes vývoj hud.-xopeografich. akce, dosahující symfonizace baletní hudby. Výklenek je realistický. lyrické principy. opera je spojena s dílem Bizeta. Jeho nejlepší výtvory – hudba k dramatu A. Daudeta „The Arlesian“ (1872) a opera „Carmen“ (1874) se vyznačují realismem. odhalení dramatu lidí z lidu, síla zobrazení životních konfliktů, pravdivost lidských vášní, dynamika obrazů, dramata. expresivita hudby, živá rekreace nat. barevný, melodický bohatost, originalita múz. jazyk, kombinace intenzity symf. vývoj z tradice. Francouzské formy. komik opery („Carmen“ je formálně napsána v tomto žánru). "Carmen" - vrchol realismu ve francouzštině. opera, jedno z největších děl. světové operní umění. V poslední třetině 19. stol stvoření. místo v hudbě život Francie zabíralo dílo R. Wagnera, které mělo svůj smysl. vliv na řadu Francouzů skladatelé. Mezi Wagnerovci a jejich odpůrci se rozpoutala bouřlivá debata. Paříž se stala jedním z center wagnerismu. Dokonce zde vyšel speciál. časopis „Revue Wagnerrienne“ (1885-88), na níž spolupracovali významní spisovatelé, hudebníci, filozofové a umělci. Vliv hudby Wagnerova dramaturgie se promítla do oper Fervaal d'Andy (1895), Chabrierova Gwendoline (1886), Wagnerovy vlivy zasáhly i instrumentální žánry (hledání v oblasti harmonie, orchestrace) - některá díla A. Duparca, E. Chaussona aj. V 90. letech však došlo k reakci proti dominanci wagnerovských idejí. Existuje touha po větším národním charakteru, po pravdivosti života v hudbě. V tomto ohledu nalezli ve francouzské opeře realizaci trendu podobné italskému verismu, ve významné míře spojené s literárním hnutím v čele s E. Zolou. Jsou živě ztělesněny v díle A. Bruna, nejvýznamnějšího představitele naturalismu ve francouzském operním umění. V jeho operách (většina je - na zápletkách a částečně na libreto Zoly ) poprvé přivedl na scénu moderní rolníky, dělníky - "Obležení mlýna" (1893), "Messidor" (1897), "Uragán" (1901). , na úkor realismu v Brunových dílech se často pravdivé životní konflikty snoubí s tajemnou symbolikou, k naturalistickému směru se pojí dílo G. Charpentiera, autora opery Louise (1900), která byla oblíbená zejména mezi demokratickým publikem. , ve kterém jsou zachyceny snímky obyčejných lidí i snímky každodenního pařížského života.

Ve 2. patře. 19. století se rozšířila písňová tradice, reprezentovaná tvorbou šansoniérky. Následně se V. I. Lenin o jejich tvrzení vyjádřil s velkými sympatiemi. V. I. Lenin si oblíbil především populární v 90. letech. zpěvák šansoniér G. Montegus - syn komunarda. Prod. šansoniéři se často vyznačovali jasnou publicitou. Mnoho písní přispělo k probuzení třídního vědomí dělníků. Mezi nimi je "Internationale" - živá odpověď na hrdinství. události Pařížské komuny (slova napsal popový písničkář E. Pottier v červnu 1871, hudbu dělník, amatérský skladatel P. Degeyter v roce 1888, poprvé uvedena v roce 1888 na pracovní dovolené v Lille), která se stala hymna revoluce. proletariátu.

Pařížská komuna znamenala zásadní obrat v společensko-politické oblasti. a kulturní život ve Francii. Politika komuny v umění. oblast vycházela ze sloganu, který hlásala „Umění – masám“. Pro lidi byly organizovány velkolepé koncerty, masové podívané v paláci Tuileries, v decomp. pařížské čtvrti, hudba zněla ulicemi, náměstími. Navrženo Pařížskou komunou umění. události byly ideologicky široké. Pracující dostali příležitost navštěvovat divadla, koncerty a muzea. Hlavní postava revoluce. Paris byl skladatel a folklorista R. Salvador-Daniel, který bojoval na barikádách, vedl konzervatoř v dobách Pařížské komuny (byl zajat Versailles a zastřelen). Myšlenky Pařížské komuny našly přímo. odrážely se v písních vytvořených pracujícími básníky a skladateli, přispěly i k demokratizaci prof. realistický. soudní spor. Po událostech v letech 1870-71 ve Francii se hnutí za nastolení národních tradic v hudbě rozšiřovalo. Přichází spásná změna v oboru instr. hudba – vysoké umění. výsledků dosáhli francouzští skladatelé v symfonii, komorní-instr. žánry. Tato „obnova“ je spojena především s aktivitami S. Franka a C. Saint-Saense.

Největší francouzský skladatel a varhaník Frank ve svém díle spojil klasiku. jasnost stylu s jasným romantickým. obraznost. Velkou pozornost věnoval problému umění. jednota instr. cyklu, založený na principu průřezové tématiky: spojení dokončených, relativně samostatných. části cyklu se společnými tématy (tradice pocházející z Beethovenovy 5. symfonie). K vysokým příkladům francouzštiny. symfonie k takovým dílům patří. Franca, jako symfonie v d-moll (1888), symfon. básně Zatracený lovec (1882), Džinové (pro klavír a orchestr, 1884), Psyché (pro sbor a orchestr, 1888), Symfonické variace (pro klavír a orchestr, 1885). Princip cykličnosti, charakteristický pro symfonii. Frankova tvorba je vlastní i jeho komornímu instr. eseje. Byl autorem varhan, fp. díla, oratoria, romance, duchovní hudba. Klasicistní tendence ve Frankově díle (apel na přísné klasické formy, rozšířené používání polyfonie) částečně připravily neoklasicismus v hudbě 20. století. Jeho poznatky v oblasti harmonie přitom anticipovaly impresionismus. způsoby psaní. Vynikající učitel Frank byl zakladatelem školy (mezi jeho žáky byli V. d "Andy, A. Duparc, E. Chausson). Jeho práce měla blahodárný vliv na konec R. m. 19. - počátek 20. stol. .

Tvořivý. individualita Saint-Saens, autor četných. prod. různé žánry, nejzřetelněji se projevují v instrumentální, především koncertní virtuózní hudbě - symfonie s varhanami (3. symfonie, 1886), symfonie. báseň „Tanec smrti“ (1874), „Úvod a Rondo Capriccioso“ a 3. koncert pro housle a orchestr (1863, 1880), 2., 4., 5. koncert pro klavír. s orchestrem (1868, 1875, 1896), 2. koncert pro violoncello a orchestr (1902) aj. V romantické hudbě lze vysledovat klasicistní tendence. Kreativita Saint-Saens se vyznačuje věrností nat. tradice (jeho tvůrčí principy se formovaly do značné míry pod vlivem cembalistů, Berlioze, velké a lyrické opery). Ve svém op. hojně využívá folklorní intonace a žánry, tance. rytmy (projevil zájem i o lidovou hudbu jiných zemí: "Alžírská suita" pro orchestr, 1880; fantasy pro klavír s orchestrem "Afrika", 1891; "Perské melodie" pro hlas s klavírem, 1870 atd.) . Národní definitivnost a demokratičnost múz. Saint-Saens žalobu obhajoval i jako hudebník. kritik. Všechny jeho mnohostranné aktivity jako skladatel, koncertní virtuózní klavírista, varhaník, dirigent, hudba. kritika směřovala k propagaci F. m. Svědčí o tom i publikace z podnětu a za redakce. Plný Saint-Saens. kol. op. Rameau (1895-1918, nedokončeno).

Významný přínos pro Francouze hudba koňská kultura. 19 - prosit. 20. století komp. E. Lalo (mistr orchestrální a komorní instrumentální hudby, autor populární „Španělské symfonie“ pro housle a orchestr, 1875, která znamenala počátek vášně francouzských hudebníků pro španělský folklór), E. Chabrier (umělec, který ukázal dar důvtipu, hluboké lyriky a tvůrčí vynalézavosti, kteří se postavili proti kanonizaci umění, mezi jehož díla patří zářivě národní komická opera Král nedobrovolně, 1887, klavírní skladby), A. Duparc (autor romancí, které předjímaly díla tohoto žánru G Fauré, C. Debussy), Chausson (subtilní textař, tvůrce srdečných symfonických děl, včetně „Básní“ pro housle a orchestr, 1896, i romancí).

V této galaxii d "Andy vyniká. Frankův oddaný student, který ve své práci rozvinul své tradice. d" Andyho hudba se vyznačuje polyfonií. nápaditost, brilantnost harmonie, transparentnost orchestrace, rozsah skladeb. Obdivovatel a propagátor Wagnerových myšlenek se řídil jeho hudebními zásadami. dramaturgie, leitmotivismus. V řadě inscenací d "Andy našel ztělesnění francouzského hudebního folklóru - "Symfonie na téma písně francouzského horolezce" pro klavír a orchestr (1886), "Fantazie na témata francouzských lidových písní" pro hoboj a orchestr (1888), symfonická suita "Summer Day in the mountains" (1905). Aktivity d" Andyho přispěly ke zvýšení zájmu o palandu. Francouzská hudba (sbíral a zpracovával lidové písně, vydal několik sbírek písní), ale i kontrapunktická. umění starých mistrů, až po obrození staré hudby (projev neoklasicistních tendencí). Přednosti d "Andyho jsou také velké na vzestupu hudebního vzdělávání ve Francii.

Zvýšena v poslední třetině 19. století. zájem o instr. hudba způsobila oživení konc. život. Objevily se prvotřídní symfonie. a komorní nástroje. týmy. V roce 1861 na základě říd. J. Padlu „Spolek mladých umělců konzervatoře“ vznikl „Oblíbené koncerty vážné hudby“ (existoval do r. 1884, v letech 1886-87 obnoven Padlu; od r. 1920 obnoven ředitelem Rene-Batonem jako „Koncertní spolek Padlu“). V roce 1873 byl z podnětu nakladatele J. Hartmana konc. Společnost "Národní koncerty" v čele s dir. E. Sloupec (od r. 1874 - "Chateletské koncerty", později - "Sloupové koncerty"). V koncertech tohoto spolku byl F. m. hojně uváděn, zvláště produkce. Berlioz, Frank. Téhož roku 1873 z podnětu dir. S. Lamoureux hlavní. "Společnost posvátné harmonie" ("Société de I" Harmonie sacré "), na koncertech, na kterých poprvé ve Francii zazněla některá díla J. S. Bacha, G. F. Händela (v roce 1881 přeměněna na "Na - v nov. koncertů", od roku 1897, po sloučení s operou Koncerty pod vedením C. Chevillarda, - v Lamoureux Concertos). Zvláštní role v propagaci F. m. z iniciativy Saint-Saense a R. Bussina za účasti S. Franka, které vznikly jako reakce na celonárodní vlastenecké vzepětí, vzrostla role sborového výkonu. , Padlou) vznikly: Společnost Concordia (1879), v jejímž repertoáru dominovala díla Bacha a Händela, sv. -Spolek pěvců Gervaise (1892, zakladatel Ch. Bord), který provozoval hudbu renesance, Bachovského (1904), Gendelevského (1908) ob-va.

Získal celosvětovou slávu. francouzština Účinkující ve 2. patře 19 - prosit. 20. století, vč. zpěvačka S. Galli-Marieux, zpěváci J. L. Lassalle, V. Morel, J. M. Reshke, J. F. Delmas, klavíristé A. F. Marmontel, L. Diemer, varhaníci Ch. M. Widor, Frank, L. Viern, G. Pierne, A. Gilman a v průběhu 19. století. Francouzština se rychle rozvíjela. hudební výzkum myslel. Četné teoretické a pedagogické. díla vytvořil Čech žijící v Paříži. skladatel a teoretik A. Reich; Historický slovník hudebníků (sv. 1-2, 1810-11) a Hudební encyklopedii (sv. 1-8, 1834-36, neukončeno) vydal A. E. Shoron, autor prací z hudební teorie (připojil teorie s obecnou a hudební estetikou); o franco-flam. kostel hudby a středního století. hudba E. A. Kusmaker psal teoretikům, jejichž díla otevřela cestu ke studiu hudby středověku; sestavil sbírku písně, připravil a vydal klavíry zapomenutých oper a baletů, napsal dílo o dějinách instrumentace (1883) J. B. T. Vekerlen; velký přínos pro studium Nar. hudbu uvedl L. A. Burgot-Ducudray, který vydal četné. sbírky lid melodie; kapitálové práce v oboru lexikografie a dějin hudby vč. "Obecný životopis hudebníků a bibliografický hudební slovník" (sv. 1-8, 1837-44, dodatečné vyd. 1860-65), patří F. J. Fetisovi; Bord sestavil antologii starověké duchovní hudby; antologie varhanní hudby 16.-18. století. vyd. Gilman a A. Pirro (sv. 1-10, 1898-1914).

V 19. stol hudba pařížská konzervatoř pokračovala ve výcviku personálu (Cherubini, Aubert, Salvador-Daniel, Thomas a T. F. C. Dubois byli jejími řediteli až do 20. století po Sarretovi). Nechyběly ani nové múzy. uch. institucí, mezi nimiž vyniká Niedermeierova škola, která připravovala kapelníky a varhaníky (otevřena v roce 1853 na základě reorganizovaného Institutu církevní hudby, vytvořeného v roce 1817 Shoronem), a Schola Cantorum (založena v roce 1894 z iniciativy d'Andy, Borda, Gilman, oficiální otevření proběhlo v roce 1896, jeho ředitelem byl v letech 1900-1931 d "Andy), který se stal střediskem studia a propagandy (koncerty, školní publikace) starého světského i církevního. hudba, díla francouzská skladatelé 17.-18. století, stejně jako Frank. V kon. 80. - 90. léta 19. století ve Francii vznikl nový trend, který se rozšířil ve 20. století - impresionismus (vznikl v 70. letech ve francouzském malířství, poté se projevil v hudbě atd.). Múzy. impresionismus oživil některé nat. umění. tradice - touha po konkrétnosti, programová, elegance stylu, průhledná textura. Hlavní věcí v hudbě impresionistů je přenos proměnlivých nálad, prchavých dojmů a jemných duševních stavů. Odtud ta přitažlivost k poetice. krajina, stejně jako vytříbená fantazie.

Impresionismus našel své nejplnější vyjádření v hudbě C. Debussyho, projevil se v díle M. Ravela, P. Duka, J. J. E. Rogera-Ducas a dalších. Debussy, když shrnul úspěchy svých předchůdců, rozšířil své výrazy. a kolorista. možnosti hudby. Vytvořil inscenaci vysoké umění. hodnoty, které se vyznačují bezmeznou variabilitou zvukových obrazů. Jeho pružné, křehké melodie jako by byly utkány z neustálých „přechodů-přelivů“. Rhythmich. kresba je také proměnlivá, nestálá. V harmonii je pro skladatele především důležitá kolorismus. efekt (modální volnost, použití tučných paralelismů, navlékání nerozřešených barevných harmonií). Harmonická složitost. prostředky vedly v jeho hudbě k polytonálním prvkům. V orku. paletě dominují čisté, akvarelové barvy. Debussy také vytvořil nového pianistu. stylu, který najde nespočet témbrových nuancí zvuku klavíru.

Impresionismus zavedl inovace i na poli hudby. žánry. V díle Debussyho, symf. cykly ustupují symf. skici; v fp. hudbě dominují programové miniatury. Živými příklady obrazové impresionistické zvukomalby jsou jeho „Předehra k odpoledne fauna“ (1894), ork. triptych "Nocturnes" (1899), 3 symfony. skica "Moře" (1905) pro orchestr, řadu klavírů. prod.

Debussy byl tvůrcem impresionistické opery. Jeho „Pelléas et Mélisande“ (1902) je v podstatě jednota. příklad tohoto typu opery (pro hudební impresionismus obecně není typické obracet se k dramatickým žánrům). Ukázala také autorovu náklonnost k symbolistickým obrazům. Při vší hloubce psychologické expresivity, subtilním přenosu pomocí hudby různých nuancí v náladě postav trpí opera určitou statickou dramaturgií. Inovativní dílo Debussyho mělo obrovský dopad na následný vývoj veškeré světové hudby 20. století.

Významný umělec 20. století Ravel byl ovlivněn i estetikou impresionismu. V jeho díle se prolínají dif. estetické a stylistické tendence - klasicistní, romantický impresionistický (v pozdějších dílech - i neoklasicistní). Jiskřivá, temperamentní hudba Ravela se vyznačuje smyslem pro proporce, zdrženlivostí výrazu. Větší svoboda přenosu hudby. myšlenka se snoubí s věrností klasiky. formy (preferuje sonátovou formu). S úžasnou rytmikou rozmanitost a bohatost Ravelovy hudby podléhá přísnému metru. Velký mistr instrumentace dosáhl sofistikovanosti, orčí brilantnosti. barvy při zachování jistoty zabarvení. Charakteristickým rysem jeho tvorby je zájem o folklór (francouzský, španělský aj.) a každodenní život, především tanec. žánry. Jeden z vrcholů Francouzů symfonie bylo jeho "Bolero" (1928), další orkové mají nepochybnou hodnotu. op. - "Španělská rapsodie" (1907), choreografická. báseň "Valčík" (1920). Světlé příklady vytvořil Ravel v žánrech opery (Hodina španělská, 1907, prototypem této opery byla Musorgského Manželství; opera-balet Dítě a kouzla, 1925) a baletu (včetně Dafnis a Chloe, 1912) v r. oblast fp. hudba (2 koncerty pro klavír a orchestr, 1935, klavírní skladby, cykly). Použitím technik polytonality, polyrytmu, linearity, prvků jazzu Ravel vydláždil cestu nové stylistice. trendy v hudbě ve 20. století. Spolu s impresionistickými tendencemi ve F. m. na přelomu 19. a 20. stol. tradice Saint-Saens a Francka se dále rozvíjely. G. Fore vystupoval jako správce těchto tradic. Starší současník Debussyho, Ravelova učitele, měl ve své tvorbě daleko k novým trendům doby. S výbornou melodikou pro nic, Fauré vytvářel hudbu prodchnutou upřímnou lyrikou - takové jsou jeho poetický vokál (romance na verše P. Verlaina a další), klavír (balada pro klavír s orchestrem, 1881; řada nokturn, preludií), komorní instr. (2. sonáta pro housle s klavírem, 2 sonáty pro violoncello s klavírem, smyčcové kvarteto, klavírní trio, 2 klavírní kvintety) děl. Vlastní také operu "Penelope" (1913), kterou později velmi ocenil A. Honegger. Největší učitel, Fore vychoval mnoho. skladatelé, mezi jeho žáky - J. J. E. Roger-Ducas, C. Keklen, F. Schmitt, L. Ober.

Impresionistický styl psaní byl do jisté míry charakteristický pro Duku. To se například projevilo v lesku harmoniky. a ork. jazyk jeho opery „Ariana a Modrovous“ (1907). Obdivovatel Debussyho talentu Dukas však nebyl zastáncem impresionistické estetiky. Jeho produkce. vyznačuje se jasností kompozice, jasností formy, klasika. hudební rovnováha. vývoj (symfonické scherzo „Čarodějův učeň“, 1897). Partitury tohoto mistra orchestrace oplývají barvami. nálezy (choreografická báseň pro orchestr „Peri“, 1912). Prostředek. zájem je pro něj kritický. dědictví. Duke byl také uznávaným učitelem.

Debussy, Ravel, Duke aj. Francouzi. skladatelé projevovali velký zájem o ruštinu. hudby, studoval dílo M. P. Musorgského, N. A. Rimského-Korsakova, A. P. Borodina a dalších. skladba v hudbě život Francie opustil koncerty ruštiny. hudba při světové výstavě v Paříži (1889; Rimskij-Korsakov a A. K. Glazunov se účastnili jako dirigenti koncertů), Istorich. ruština koncerty pořádané S. P. Diaghilevem (1907, řídili Rimskij-Korsakov, Glazunov, S. V. Rachmaninov a další) a zejména "Ruská roční období" (pořádaná od roku 1908 z iniciativy Diaghileva), v operních a baletních představeních se - ryh největší ruský. umělci - F. I. Chaliapin, A. P. Pavlova, V. F. Nižinskij a další.„Ruská roční období“ seznámila Francouze nejen s ruštinou. hudby, ale uvedla v život řadu produktů vč. I. F. Stravinskij - "Pták Ohnivák" (1910), "Petrushka" (1911), "Svěcení jara" (1913), stejně jako "Svatba" (1923), "Apollo Musaget" (1928), odkud od malebnými stylizacemi v duchu Světa umění se dostal k baletům založeným na symfonizaci hudby a tance. Na objednávku Diaghileva byla řada op. E. Satie, J. Orica, F. Poulenc, D. Millau a další.

Proces formování mnoha skladatelů nebyl snadný. Cesta k Rykhovi zahrnuje historicky obtížné období podvodů. 19 - 1. patro. 20. století K jejich počtu patřil A. Roussel. Poté, co vzdal hold vášni pro Wagnerovu hudbu, Frank, po zkušenostech s vlivem impresionismu (opera-balet „Padmavati“, 1918; balet-pantomima „Spider's Feast“, 1913), obrátil se k neoklasicismu (balet „Bacchus a Ariadne", 1931; 3. a 4. symfonie, 1930 a 1934 atd.). Do stejného období spadá i činnost skladatele a múz. teoretik Keklen - jeden z největších pedagogů (mezi svými žáky - F. Poulenc, A. Coge), skladatel a klavírista Roger-Ducas, který sousedil s pozdním romantismem. proud v hudební hudbě, skladatel a varhaník Vidor, skladatel a klavírista D. Severakovi, skladatelé A. Manyar, L. Aubert, G. Roparz a další.

1. světová válka v letech 1914-18 způsobila zásadní změny v názorech lidí na život, v jejich vkusu a v přístupu k umění. Mezi mladými kulturními osobnostmi probíhá protest proti buržoazii. morálka, šosáctví. V prvních desetiletích 20. stol zvláštní pozornost přitahovala její rebelsko-antiburžoazní. pozice, negace všech múz. počítačové úřady. Sati. Spolu s básníkem, libretistou, výtvarníkem a kritikem J. Cocteauem vedl hnutí mladých Francouzů. hudebníků, kteří mluvili za estetiku urbanismu, za umění „dnes“, tedy moderní. město s hlukem aut, hudebním sálem, jazzem. Sati ovlivnil mladé skladatele spíše jako duchovní rádce, nikoli svou tvorbou, která při vší své originalitě (v jeho tvorbě vznikají neobvyklé zvuky, reprodukující sirénu v autě, cvrlikání psacího stroje, pak jasné, někdy zdrženlivě tvrdé melodie jsou uváděny, techniky Dobachovy polyfonie jsou kombinovány s groteskními prvky) nepřesáhl rámec své doby. Veřejný skandál provázel inscenaci Satieho baletu "Parade" (scenárista Cocteau, výtvarník P. Picasso, 1917), způsobený jak neobvyklou hudbou, která ztělesňovala ducha hudebního sálu, obnovující zvuky ulice, tak samotnou inscenací (konvergence choreografie se scénou, excentricita a kubofuturistické principy scénografie). Skladatelské mládí balet nadšeně přivítalo. Pod záštitou Sati a Cocteaua vznikla kreativita. společenství skladatelů, v historii známé pod jménem. „Šest“ (tento název dal skupině kritik A. Collet v článku „Pět Rusů a šest Francouzů“, publikovaném v roce 1920). "Šest", které zahrnovaly velmi odlišné v jejich kreativitě. aspirace skladatelů - D. Milhaud, A. Honegger, F. Poulenc, J. Auric, L. Durey, J. Taillefer - nebyl stylově jednotnou školou, nedržel se společné ideové a estetické. pohledy. Její účastníky spojovala láska k Francouzům. kultura, závazek k nat. tradice (prosazení pravé francouzštiny v hudbě), touha po novosti a zároveň jednoduchosti, vášeň pro Stravinského, stejně jako amer. jazz. Poté, co vzdali určitou poctu urbanismu ("Pacific-231" a "Rugby" pro Honeggerův orchestr, 1923, 1928; vokální cyklus "Agricultural Machinery" Millau, 1919 atd.), si každý z členů této skupiny zachoval jasnou individualitu. ; jejich inovativní výpravy se často ubíraly diametrálně opačnými směry. „Šestka“ jako pospolitost nevydržela dlouho, uprostřed. 20. léta se rozpadla (dobré vztahy jejích účastníků byly zachovány po mnoho let). Po přestávce se Šestkou vytvořil Sati novou skupinu mladých skladatelů - tzv. Škola Arkey, která stejně jako „Šestka“ neměla kreativce. jednota. Patřili sem A. Coge, R. Desormière, M. Jacob, A. Cliquet-Pleyel. Největší zástupci F. m. ve střed. 20. století byli Honegger a Milhaud. Skladatel velkých dramat. talent, jeden z předních modern. mistrů, Honegger ve své práci ztělesňoval vysoké etické ideály. Odtud jeho přitažlivost pro starověký, biblický, středověk. subjekt jako zdroj univerzálních mravních hodnot. Ve snaze zobecnit obrazy dospěl ke sbližování žánrů opery a oratoria. Syntetický operní a oratorní díla. patří k nejvyšším počinům skladatele: opera-oratorium "Král David" (1921, 3. vydání 1924), "Judita" (1925), činohra. nejvýznamnější z jeho tvorby je oratorium „Johanka z Arku na sázce" (1935). Živým příkladem symfonie jsou jeho symfonie – 3. „Liturgická" (1946), 5. „Symfonie tří D" (1950). Honegger se ve své tvorbě láme, různé tendence moderního umění, včetně neoklasicismu, expresionismu, zůstávají zářivě originálním umělcem.

Rozmanitost charakterizuje dílo Milhauda, ​​pokrývající téměř všechny múzy. žánry, se lišily tématem a dokonce i stylem. Mezi jeho 16 operami jsou díla. na antické a biblické náměty, vyznačující se přísností barvy, epické („Eumenides“, 1922; „Medea“, 1938; „David“, 1953), zde op. na volně modernizovaná antická témata („Orfeova neštěstí“, 1924), dále v duchu veristického dramatu („Ubohý námořník“, 1926), a konečně tradičně romantické. představení jako velká opera, ale založené na moderně. hudebními prostředky. výrazy (triptych "Kryštof Kolumbus", "Maximilián", "Bolivar", 1928, 1930, 1943). Vlastní také operní miniatury (parodický lom mytologické zápletky) - "Únos Evropy", "Opuštěná Ariadna", "Osvobození Thésea" (1927).

Milhaud je mistrem na komorní nástroje. hudba (především smyčce kvarteta), sbor. recitace (melodická i recitativní a v duchu Schoenbergova Sprechgesangu). V komorní instr. žánrů je patrná především souvislost s francouzštinou. hudba klasika. Milhaud je přitom důsledným zastáncem polytonality, která v něm vzniká v důsledku spojování vícetónových melodií. linky, sklon k polyfonii. vývojové metody (prvky polytonality najdeme i u Honeggera, ale jejich základ je jiný – jsou výsledkem harmonických překryvů).

Významný přínos pro operní umění a komorní wok. žánrů Poulenca - skladatele se skvělou melodičkou. pro nic. Jeho hudba je čistě francouzská. ulehčit. Ve třech operách - šašek "Prsa Tiresias" (1944), tragické "Dialogy karmelitek" (1956), lyricko-psychologické. monoopera "Lidský hlas" (1958) soustředila všechny nejlepší rysy Poulencova díla. Během let fašistické okupace vytvořil tento pokrokový umělec vlastenec. kantáta "Lidská tvář" (text písně P. Eluard, 1943). Melodich. bohatství, sklon k vtipům, ironie odlišují Orikovu hudbu. Skladatelova individualita se nejzřetelněji projevila ve 20. letech 20. století. (Ne náhodou mu ze všech členů „Šestky“ Cocteau věnoval brožuru „Kohout a Harlekýn“). Humanistický umělec ztělesnil ve svém díle tragédii válečných let („Čtyři písně trpící Francie“, na texty L. Aragona, J. Superville, P. Eluarda, 1947; cyklus 6 básní na texty Eluarda , 1948). Jedna z jeho nejlepších inscenací. - balet "Phaedra" (1950).

Ve 30. letech. 20. století v díle některých Francouzů. skladatelé zesílili modernistické tendence. Přitom mnozí hudebníci hájili realismus. art-in, ideově blízký demokratickému Nar. přední. K hnutí antifašistického Nar. frontu doplnili bývalí členové „Šestky“ a další múzy. postavy. Svou hudbou reagovali na akutní problémy naší doby (oratoria „Hlasy světa“, 1931, „Tance mrtvých“, 1938, Honegger; sbory na texty revolučních básníků, kantáta „O světě“ pro sbor atd. op. Milhaud; „Píseň bojovníků za svobodu“ a „Na křídlech holubice“ pro sbor Durey; řada hromadných písní, včetně „Sing, girls“ od Orika; píseň „Freedom to Telman“ pro sbor a orchestr Keklen, 1934 atd.). Velký zájem byl také o Nar. hudba ("Suite Provence" pro orchestr Millau, 1936; úprava lidových písní Honegger, Poulencovy sbory), k hrdinským. minulosti („Johanka z Arku na sázce“ od Honeggera aj.). Skladatelé Honegger, Auric, Milhaud, Roussel, Kequelin, J. Iber, D. Lazarus se podíleli na tvorbě hudby k revoluční hře R. Rollanda „Červenec 14" (1936).

V roce 1935 byla vytvořena Lidová hudební federace, která zahrnovala progresivní osobnosti vč. Roussel, Keklen (později také jeden ze zakladatelů společnosti „Francie-SSSR“), Durey, Milhaud, Honegger, A. Prunier, A. Radiguet, spisovatelé L. Aragon, L. Moussinac a další.

Spolu s vůdci "Šestky", školy Arkey, mnoho dalších přispělo k rozvoji F. m. skladatelů, vč. J. Hiber, C. Delvencourt, E. Bondeville, J. Wiener, J. Migot.

V roce 1935 vznikla nová kreativita. sdružení - "Mladá Francie" (manifest vydaný v roce 1936). Skladatelé O. Messiaen, A. Jolivet, Daniel-Lesur, I. Baudrier, kteří byli členy této skupiny, spatřovali svůj úkol ve vytváření „živé“ hudby prodchnuté humanismem, v obrodě národního. tradicemi. Vyznačují se zvláštním zájmem o duchovní svět člověka. Usilovali o „probuzení hudby v člověku“ a „vyjádření člověka v hudbě“, považovali se za předchůdce nového humanismu.

Mezi největší hudební mistry. kultura 20. století patří skladateli a varhaníkovi Messiaenovi - jednomu z nejjasnějších a zároveň kontroverzních fenoménů hudební hudby, jehož skladatelovy myšlenky jsou často lámány prizmatem náboženství. reprezentace. Messian se vyznačuje přitažlivostí k ideálním, nadpozemským obrazům. Jeho dílo je prostoupeno teologickým a mystickým. nápady (suita „Vánoce“ pro varhany, 1935; klavírní cyklus „Dvacet pohledů na Jezulátko“, 1944; oratorium „Proměnění našeho Pána“, 1969 aj.). Messiaenova hudba je založena na složitých modálních strukturách, akordově-sonorových konstrukcích, rytmických. schémata, u kterých jsou dif. typy polyrytmu a polymetrie, o použití seriality. Mimo Evropu přikládal velký význam. kultury (arabská, indická, japonská, polynéská). Ospravedlnění vaší kreativity. hledaje teoreticky, Messiaen zavádí nové pojmy, hudbu. termíny (např. polymodalita). Talentovaný učitel zařazuje do svých osnov studium klasiky, hudby asijských zemí a skladatelů 20. století. (zejména Stravinskij, A. Schoenberg), se snaží u svých studentů (mezi nimi - P. Bouleze, S. Niga, který také studoval teorii kompozice u E. Leibovitz) vštípit zájem o hledání. Za fašistické okupace za 2. světové války 1939-45 múzy. Francouzský život byl paralyzován. Pokročilí hudebníci bojovali s nepřítelem svou kreativitou: vznikaly písně odporu, zrodily se produkce. (včetně Poulenca, Orika, Honeggera), odrážející hrůzy války, touhy po osvobození, hrdinské. duch nepokořeného.

Po skončení války začalo obrození múz. kultura. Divadla obnovila produkci oper a baletů Francouzů. autorů, v konc. v sálech zněla hudba otců. skladatelů, což bylo v letech okupace zakázáno. V poválečných letech pokračovala aktivní kreativita. vzkvétala činnost skladatelů, kteří přišli k umění v prvních desetiletích 20. století, dílo J. Francaise, A. Dutilleuxe, J. L. Martineta a M. Landowského.

Z kon. 40. a zejména v 50. letech. Rozšířila se dodekafonie, seriál (viz dodekafonie, serialita), elektronická hudba, aleatorica a další avantgardní hnutí. Významný představitel Francouzů hudba avantgardou byl skladatel a dirigent Boulez, který rozvíjející principy A. Weberna široce používá takové kompoziční metody, jako je pointilismus a serialita. Boulez znamená naprostou sériovost. On také používá sonoristics (viz Sonorism), prvky kterého jsou přítomné v jednom z jeho slavných op. "Kladivo bez pána" pro hlas s instr. souboru (1954, 2. vyd. 1957). V roce 1954 organizoval koncerty nové hudby „Domaine musicale“, která se stala centrem Francouzů. avantgardy (od roku 1967 v jejich čele stál skladatel a dirigent J. Ami, v roce 1974 přestali). Od roku 1975 (v letech 1966-75 působil ve Velké Británii, USA) stojí Boulez v čele Institutu výzkumu a koordinace hudby a akustiky, který vznikl z jeho iniciativy. problémy (IRCAM).

Někteří skladatelé došli k využití principů aleatoriky – Ami, A. Bukureshliev, P. Mefano, J. K. Elua. Probíhají rešerše v oblasti elektronických a tzv. konkrétní hudba - P. Schaeffer, I. Henri, F. Bayle, F. B. Mash, B. Parmegiani aj. Za tímto účelem Schaeffer vytvořil v roce 1948 skupinu múz. výzkum (GRM - Groupe de recherches musicales) za Franze. rozhlasu a televize, která se zabývá hudebně-akustickou. problémy. Řecký skladatel používá speciální "stochastický" systém kompozice (založený na matematických výpočtech, teorii pravděpodobnosti a dokonce i na akcích elektronických počítačů). Původ J. Xenakis. Řada skladatelů se přitom zasazovala o rozumnou obnovu hudby, usilující o spojení nejnovějších hudebních prostředků. expresivita s nat. tradicemi. Do národního jistota v moderně hudba nazývá Nig, autor oratoria „Neznámý popravený“ (1949), symfonií. básně "Zajatému básníkovi" (věnováno Nazimu Hikmetovi, 1950), 2 koncerty pro klavír. s orchestrem (1954, 1971). Comp. C. Baif, J. Bondon, R. Butry, J. Gillou, J. Cosma, M. Michalovichi, C. Pascal a další. vytvořili představitelé hudebního umění: dirigenti - P. Monteux, P. Pare, A. Kluytens, S. Bruck, I. Markevich, P. Drevo, J. Martinon, L. Forestier, J. Pretre, P. Boulez , S. Bodo; klavíristé - A. Cortot, M. Long, E. Riesler, R. Casadesus, Yves Nat, S. Francois, J. B. Pommier; houslisté - J. Thibault, Z. Francescatti, J. Neveu; violoncellisté - M. Marechal, P. Fournier, P. Tortellier; varhaníci - Ch. Tournemire, M. Dupre, O. Messiaen, J. Alain; zpěváci - E. Blanc, R. Crespin, J. Giraudeau, M. Gerard, D. Duval; šansoniér - A. Bruant, E. Piaf, S. Gainsbourg, J. Brassens, Ch. Aznavour, M. Mathieu, M. Chevalier, J. Dassin a další Historie hudební hudby, její modernost i otázky hudební teorie věnovaná četným Francouzská díla. muzikologové vč. J. Combarieux, A. Lavignac, J. Tierso, L. de La Laurencie, P. Landormi, R. Rolland, A. Prunier, E. Viyermoz, R. Dumesnil, N. Dufourc, B. Gavoti, R. M. Hoffmann, A Golea, F. Lesiura.

Múzy. středem země je stále Paříž, i když v mnoha ohledech. města Francie (zejména od poloviny 60. let) vznikaly operní domy, symfonie. orchestry, hudba uch. institucí. Fungování v Paříži (1980): Velká opera, Paris Opera Studio (založeno v roce 1973 na základě operního komiksu, který ztratil svůj význam), Divadlo národů (založeno v roce 1954, představení se konají v různých divadelních prostorách , včetně v "Divadlo Champs-Elysées", "Divadlo Sarah Bernhardt"); mezi symboly orchestry se vyznačují Parisian Orchestra (založen 1967), Nat. Franz Orchestra. rozhlas a televize; četné výkony. komorní orchestry a soubory vč. Mezinárodní soubor hudebníků v IRCAM (založeno v roce 1976). V roce 1975 byl v Paříži otevřen Palais des Congrès, kde se konají symfonie. koncerty, v témže roce v Lyonu - konc. Sál "Audience M. Ravel".

Mezi speciální hudba uch. instituce - pařížská konzervatoř, Schola Cantorum, Ecole Normal (založena 1919 A. Cortotem a A. Manzhou) v Paříži, Amer. konzervatoř ve Fontainebleau (založena v roce 1918 houslistou F. Casadesem). Nejdůležitější hudba n.-i. centrem je Institut hudební vědy na pařížské univerzitě. Knihy, archiválie jsou uloženy v Nat. b-ke (oddělení hudby vzniklo v roce 1935), B-ke a Muzeum múz. nástroje na konzervatoři. V Paříži jsou největší múzy. asociací a institucí Francie, vč. Národní hudba výbor, hudba Federation, Gramophone Academy pojmenovaná po Sh. Cro. Paříž je sídlem Mezinárodní hudební rady UNESCO. V roce 1977 Národní Svaz skladatelů.

Ve Francii se konají: Mezinárodní. soutěž klavíristů a houslistů. M. Long - J. Thibaut (organizováno 1943 jako národní, od 1946 - mezinárodní), kytarová soutěž (1959, od 1961 - mezinárodní, od 1964 - Mezinárodní kytarová soutěž francouzského rozhlasu a televize), Stáž. pěvecká soutěž v Toulouse (od 1954), Intern. soutěž pro mladé dirigenty v Besançonu (od 1951), Intern. harfové soutěže v Paříži, stejně jako četné. festivaly, vč. Podzimní festival v Paříži klasický hudba, Pařížský hudební festival 20. stol. (založena v roce 1952), Festival moderny. hudba v Royan, „Týden hudby v Orleansu“. Hudba vychází ve Francii. časopisů, vč. „La Revue musicale“ (od roku 1827 bylo vydávání opakovaně přerušeno, časopis se sloučil s jinými časopisy), „Revue de musicologie“ (od roku 1922 pokračování časopisu „Bulletin de la Société Française de musicologie“, který vycházel od r. 1917), " Journal musical français" (1951-66), "Diapason" (od roku 1956), "Le Courrier musical de France" (od roku 1963), "Harmonie" (od roku 1964), "Musique en jeu" (od roku 1970 ). V Paříži byla vydána řada encyklopedií. publikace, věnované hudba, vč. "Encyclopédie de la musique et dictionnaire du conservatoire..." (partie I (v. 1-5), partie II (v. 1-2), 1913-26), "Larousse de la musique" (v. 1- 2, 1957), "Dictionnaire des musiciens français" (1961), "Dictionnaire de la musique. Les hommes et leurs oeuvres" (v. 1-2, 1970); "Dictionnaire de la musique. Science de la musique. Formy, technika, nástroje" (v. 1-2, 1976); Tynot F., Carles Ph., "Le jazz" (1977).

Literatura: Ivanov-Boretsky M.V., Materiály a dokumenty k dějinám hudby, díl 2, M., 1934; Alschwang A., francouzský hudební impresionismus (Debussy a Ravel), M., 1935; Francouzská hudba druhé poloviny 19. století (sat. umění), intro. Umění. a ed. M. S. Druskina, M., 1938; Livanová T. H., Dějiny západoevropské hudby do roku 1789, M. - L., 1940; Gruber R., Dějiny hudební kultury, díl 1, díl 1-2, M. - L., 1941; Schneerson G., Hudba Francie, M., 1958; jeho, francouzská hudba XX století, M., 1964, 1970; Alekseev A.D., francouzská klavírní hudba konce XIX - počátku XX století, M., 1961; Khokhlovkina A., Západoevropská opera. Konec 18. - první polovina 19. století. Essays, M., 1962; Hudební estetika západoevropského středověku a renesance, komp., heslo. Umění. V. P. Shestakova, M., 1966; Hudba francouzské revoluce 18. století Beethoven, M., 1967; Nestiev I., Na přelomu dvou století, M., 1967; Konen V., Divadlo a symfonie, M., 1968, 1975; Dějiny evropských dějin umění. Druhá polovina 19. století - začátek 20. století, M., 1969; Druskin M., O západoevropské hudbě XX století, M., 1973; Hudební estetika Francie 19. století, komp. texty, úvod. Umění. a úvod. eseje E. P. Bronfina, M., 1974; Auric J., Francouzská hudba přežila, Dopis z Paříže, "CM", 1975, č. 9; Krasovskaya V., Západoevropské baletní divadlo. Historické eseje. Od počátků do poloviny XVIII století, L., 1979.

O. A. Vinogradová

Ve 12.-13. století byli rytíři a měšťané severní Francie, trouvères, pokračovateli tradice trubadúrů. Mezi nimi je nejznámější Adam de la Halle (zemřel 1286).

Adam de la Al "Hra Robin a Marion".

Ve 14. století se ve francouzské hudbě objevilo hnutí Nového umění. Hlavou tohoto hnutí byl Philippe de Vitry (1291-1361) - hudební teoretik a skladatel, autor mnoha světských moteta. Ke konci 16. století, v době Karla 9, se však povaha francouzské hudby změnila. Začala éra baletu, kdy tanec doprovázela hudba. V této době byly široce používány tyto nástroje: flétna, cembalo, violoncello, housle. A tuto dobu lze nazvat dobou zrodu skutečné instrumentální hudby..

Philippe de Vitry "Pán lordů" (motet).

17. století je novou etapou ve vývoji francouzské hudby. Velký francouzský skladatel Jean Baptiste Lully (Jean-Baptiste de Lully 28.11.1632, Florencie - 22.3.1687, Paříž) tvoří své opery. Jean Baptiste je vynikající tanečník, houslista, dirigent a choreograf italského původu, považovaný za uznávaného tvůrce francouzské národní opery.
Mezi nimi jsou takové opery jako: "Theseus" (1675), "Isis" (1677), "Psyche" (1678), "Perseus" (1682), "Phaeton" (1683), "Roland" (1685) a " Armida" (1686) a další. Jean-Baptiste Lully se ve svých operách, nazvaných "tragédie mise en musique" ("tragédie na hudbě") snažil umocnit dramatické efekty hudbou. Díky inscenačnímu mistrovství vznikl velkolepý balet, jeho opery vydržely na jevišti asi 100 let Zároveň operní pěvci poprvé začali vystupovat bez masek a ženy začaly tančit v baletu na veřejné scéně.
Rameau Jean Philippe (1683-1764) - francouzský skladatel a hudební teoretik. S využitím výdobytků francouzské a italské hudební kultury výrazně upravil styl klasické opery, připravil operní reformu Christopha Willibaldiho Glucka. Napsal lyrické tragédie Hippolytus a Arisia (1733), Castor a Pollux (1737), operu a balet Galantní Indie (1735), cembalové kusy a další. Jeho teoretické práce jsou významnou etapou ve vývoji nauky o harmonii.
Francois Couperin (1668-1733) – francouzský skladatel, cembalista, varhaník. Z dynastie srovnatelné s německou dynastií Bachů, neboť v jeho rodině bylo několik generací hudebníků. Couperin dostal přezdívku „velký Couperin“ částečně kvůli jeho smyslu pro humor, částečně kvůli jeho charakteru. Jeho dílo je vrcholem francouzského cembalového umění. Couperinova hudba se vyznačuje melodickou nápaditostí, graciézností a dokonalostí detailů.

1. Jean-Baptiste Lully sonáta a moll, 4. část "Gig" Alexey Koptev (klarinet) - Oleg Boyko (kytara).

2. Jean Philippe Rameau "Kuře", Arkady Kazaryan hraje na knoflíkovou harmoniku.

3. Francois Couperin "Alarm Clock", na knoflíkový akordeon v podání Ayany Sambuyeva.

V 18. století – na konci 19. století se hudba stává skutečnou zbraní v boji za vlastní přesvědčení a touhy. Objevuje se celá galaxie slavných skladatelů: Maurice Ravel (Maurice Ravel), Jean-Philippe Rameau (Jean-Philippe Rameau), Claude Joseph Rouget de Lisle (1760-1836) francouzský vojenský inženýr, básník a skladatel. Psal hymny, písně, romance. V roce 1792 napsal skladbu „La Marseillaise“, která se později stala hymnou Francie.

Hymna Francie.

Glück Christoph Willibald (1714-1787) byl slavný francouzsko-německý skladatel. Jeho nejslavnější činnost je spojena s pařížskou operní scénou, pro kterou napsal svá nejlepší díla francouzskými slovy. Proto ho Francouzi považují za francouzského skladatele. Četné jeho opery: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" a další byly uvedeny v Miláně, Turíně, Benátkách, Cremoně. Po pozvání do Londýna napsal Gluck pro divadlo Hay-Market dvě opery: „La Caduta de Giganti“ (1746) a „Artamene“ a operu potpourri (pasticcio) „Pyram“

Melodie z opery „Orfeus a Eurydika“.

V 19. století - skladatelé Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel a další.

Ve 20. století se objevují skuteční profesionální interpreti. Byli to oni, kdo proslavil francouzské písně a vytvořil celý směr francouzského šansoniéra. Dnes jejich jména stojí mimo dobu a módu. Jsou to Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis. Všichni jsou známí svými krásnými lyrickými písněmi, které si získaly nejen publikum ve Francii, ale i v dalších zemích. Mnoho z nich bylo pokryto jinými účinkujícími.

Text práce je umístěn bez obrázků a vzorců.
Plná verze práce je k dispozici v záložce "Job Files" ve formátu PDF

Hudební kultura Francie: minulost, přítomnost a budoucnost.

Jak často přemýšlíme o tom, jak je pro nás hudba důležitá? Slouží jako vynikající způsob sebevyjádření, způsob předávání pocitů, emocí a myšlenek. Není divu, že hudba je nazývána univerzálním komunikačním jazykem. Hudba je každému blízká a srozumitelná. Každý národ na naší planetě dokonale zvládl 7 všem známým notám. Hudební jazyk je nejjednodušší a nejpřístupnější. Proniká do srdce a duše. Slouží ke sjednocení různých národů a lidí, budování úžasných mostů od srdce k srdci, od duše k duši. Tyto nádherné mosty někdy překlenují staletí, z jedné země do druhé, z jednoho kontinentu přes oceán na druhý kontinent. Hudební jazyk dokáže zázraky. Každý z nás po dílech velkých klasiků zažívá a cítí nepopsatelné věci. Z vysokých tónů se třeseme, ze známých pohnutek jsme uvrženi do pláče. V textu hledáme sami sebe a v melodii slyšíme známé hlasy. Není to ono? A jak se poté díváte na hudbu? Jak se, když si uvědomíte roli hudby, budete dívat na svět bez ní? Jen si představte život bez toho, po kterém se chcete bez přestání smát, po kterém chcete tančit a možná i plakat... Hrůzné, že? Co vás může dostat mimo realitu? Co dokáže obrátit váš vnitřní svět vzhůru nohama? Co funguje, jaká hudba? Přemýšlejte o tom. Ale dnes vám povím o hudbě Francie. Dnes uvidíte, že je to úžasné jako Francie sama. Zní to stejně rafinovaně a vábí a láká a láká.

Francouzština je velmi hudební, melodická, melodická. Zdá se, že nejjednodušší slova a fráze jsou plné hudby a jsou připraveny se kdykoli změnit v píseň. Francouzská hudba je jednou z nejzajímavějších a nejvlivnějších evropských hudebních kultur. Jasně sleduje ohlasy starověkých kultur, folklór keltských a franských kmenů, které žily v dávných dobách na území dnešní Francie. Právě ony sloužily jako základ, úrodná půda, na které, obrazně řečeno, vyrostl krásný, mohutný, rozvětvený strom francouzské hudební kultury. Keltské a franské kořeny se přeměnily v silný kmen, který se zformoval ve středověku a v pozdějších obdobích na něm rostly četné větve a větvičky, např. v době renesance, klasicismu, moderny atd. Organicky se zde prolínaly hudební tradice jak početných národů země, tak dalších evropských států. Nejužší interakce a vzájemné pronikání byly pozorovány mezi hudebními kulturami Francie, Itálie, Německa a Španělska. Velký vliv měla také vlámská kultura. Je třeba připomenout, že jak sami Francouzi říkají, Francie je zemí otevřenou světu. Pravda, v průběhu staletí chápali toto heslo velmi svérázným způsobem, například prováděním aktivní koloniální politiky. Nicméně z hlediska rozvoje vlastní hudební kultury měl tento proces hmatatelný pozitivní dopad. Francouzská hudební kultura byla výrazně obohacena, absorbovala to nejlepší z hudebních kultur národů Afriky a Asie. Tento trend se zřetelně projevil ve druhé polovině 20. století, kdy byla hudební scéna Francie obohacena o hudební tradice imigrantů z Afriky.

Když už mluvíme o hudební kultuře Francie, nelze nezmínit významný příspěvek ruské hudební kultury k jejímu rozvoji. Obě velmoci spojují úzké vazby dlouhé historie téměř ve všech oblastech lidské činnosti. Ruskou kulturu dlouho živili Francouzi, což bylo v naší společnosti vnímáno jako standard a objekt k následování. Pak ale přišel čas „splatit dluhy“ a kulturní osobnosti Francie již vzhlížely ke svým ruským kolegům, přejímaly od nich vše nejlepší, vyspělé a zajímavé. Po revoluci v roce 1917 a občanské válce v Rusku našlo mnoho emigrantů úkryt ve Francii. Jejich přínos francouzské kultuře, včetně té hudební, je obrovský. Je těžké to přeceňovat, a ještě víc si toho nevšimnout.

Mluvíme-li tedy o francouzské hudební kultuře, mluvíme o zcela unikátním fenoménu v celosvětovém měřítku. Tato kultura absorbovala vše nejlepší z téměř všech národů, změnila, transformovala, přehodnotila, dala nový impuls a zvuk a nakonec se zformovala do něčeho krásného, ​​jedinečného, ​​originálního, svůdného a fascinujícího. Je to živý organismus, který neustále roste, mění se, transformuje. Francouzská hudební kultura nezůstává stranou světové hudební kultury. Dává novou, zvláštní francouzskou příchuť takovým moderním trendům v hudbě, jako je jazz, rock, hip-hop a elektronická hudba.

Etapy formování francouzské hudební kultury.

Středověk.

Francouzská hudební kultura se začala formovat na bohaté vrstvě lidové písně. Nejstarší spolehlivé záznamy písní, které se dochovaly dodnes, pocházejí z 15. století. Církevní hudba přišla do francouzských zemí s křesťanstvím. Původně latinská se postupně měnila pod vlivem lidové hudby. Církev, aby posílila své postavení a vliv na francouzský lid, používala při svých bohoslužbách materiál, který byl místním obyvatelům srozumitelný, blízký a dostupný. Zde je to, co se o tom říká v elektronické encyklopedii Wikipedie: „Takto se mezi 5. a 9. stoletím vyvinul v Galii zvláštní, zvláštní typ liturgie – gallikánský obřad s gallikánským zpěvem. Z historických pramenů je známá, což naznačuje, že se výrazně lišila od té římské. Bohužel se nedochovala, protože ji zrušili francouzští králové ve snaze získat z Říma císařský titul a římská církev se snažila dosáhnout sjednocení bohoslužeb. Kostel byl po mnoho staletí centrem osvěty, vzdělanosti, kultury včetně hudby. Její vliv na formování hudební kultury byl obrovský a ozvěny jsou v hudbě stále slyšet, jen je třeba umět slyšet. V průběhu středověku došlo k rozvoji církevní hudba . Rané gallikánské formy křesťanské liturgie byly nahrazeny gregoriánskou liturgií. Šíření gregoriánského chorálu za vlády karolínské dynastie je spojeno především s činností benediktinských klášterů. Katolická opatství Jumiège se stala centry církevní hudby, buňkami profesionální duchovní i světské hudební kultury. Aby se studenti naučili zpívat v mnoha opatstvích, byly vytvořeny speciální pěvecké školy (metrises). Vyučovali nejen gregoriánský chorál, ale i hru na hudební nástroje, schopnost číst noty. V polovině 9. st. objevila se nepovinná notace, jejíž postupný vývoj vedl po mnoha staletích ke vzniku moderní notové osnovy. V 9. století byl gregoriánský chorál obohacen o sekvence, kterým se ve Francii říká také próza. Vytvoření této formy bylo připisováno mnichovi Notkerovi z kláštera St. Gallen (dnešní Švýcarsko). Notker však v předmluvě ke své „Knize hymnů“ uvedl, že informaci o sekvenci obdržel od mnicha z opatství Jumièges. Následně se ve Francii proslavili zejména autoři próz Adam z opatství Saint-Victor (12. století) a tvůrce slavné „Oslí prózy“ Pierre Corbeil (začátek 13. století).

Díla francouzských folkloristů se zabývají četnými žánry lidová píseň : písně lyrické, milostné, písně stížnosti (complaintes), taneční (rondes), satirické, písně řemeslníků (chansons de metiers), kalendář, např. vánoční (Noёl); pracovní, historické, vojenské atd. Je tedy snadné vidět, že tematická a žánrová paleta folklórní hudební kultury je mnohonásobně bohatší než ta církevní. Mezi lyrickými žánry zaujímá zvláštní místo pastorále. Toto téma se odráží nejen ve francouzské hudební kultuře, ale také v literatuře, malbě, divadle. Pastýř, oblíbený i na královském dvoře, oslavoval a idealizoval život na venkově a kreslil pohádkový obraz, šíleně vzdálený tomu skutečnému. Ve francouzské lidové hudbě se mi líbí především jeden úsek, který je tak či onak přítomen ve folklóru kteréhokoli národa. Zdá se mi nejsladší, nejpříjemnější, nejveselejší. Cítí vřelost, úctu, mateřskou péči, naivitu, touhu věřit v zázraky a užívat si každý prožitý den. Mluvím o francouzských lidových písních věnovaných dětem - ukolébavky, hry, počítání říkanek (fr. comptines). Dělnické (písně ženců, oráčů, vinařů atd.), písně vojáků a rekrutů jsou pestré. Další žánr francouzské lidové hudby byl velmi v souladu s hudebními tradicemi zemí Evropy, které se účastnily křížových výprav. Ve všech zúčastněných zemích byly vytvořeny písně a balady, které vyprávěly o těchto historických událostech, kořistech, bitvách, porážkách, rytířích, hrdinech, nepřátelích a zrádcích. Francouzi se samozřejmě nemohli držet stranou ani kampaní, ani kreativity. Většina těchto děl se bohužel do dnešních dnů nedochovala, na rozdíl od mistrovských děl chrámové hudby, která byla nejčastěji zaznamenána, tedy zdokumentována.

Církevní ani lidová hudba však nedokázala uspokojit duchovní potřeby třetí části společnosti, nejbohatší a nejvlivnější - šlechty. Bylo to pod jejím vlivem světská hudba . Neznělo to pod klenbami kostela, ne na jarmarcích a náměstích, ale v královském paláci, na hradech urozených šlechticů a feudálů. Nositeli lidových hudebních tradic středověku byli především potulní muzikanti - kejklíři, kteří byli mezi lidmi velmi oblíbení. Zpívaly moralizující, humorné, satirické písně, tančily za doprovodu různých nástrojů, včetně tamburíny, bubnu, flétny, drnkacího nástroje loutnového typu (to přispělo k rozvoji instrumentální hudby). Kejklíři vystupovali o svátcích na vesnicích, na feudálních dvorech a dokonce i v klášterech (účastnili se některých rituálů, divadelních průvodů věnovaných církevním svátkům, zvaných Carole). Byli pronásledováni církví jako představitelé sekulární kultury jí nepřátelské. Ve 12.-13.stol. mezi kejklíři došlo k sociální stratifikaci. Někteří z nich se usadili na rytířských hradech, upadli do naprosté závislosti na feudálním rytíři, jiní pobývali ve městech. A tak se z kejklířů, kteří ztratili svobodu kreativity, stali usedlí pěvci na rytířských hradech a městští hudebníci. Tento proces však zároveň přispěl k pronikání lidového umění na hrady a do měst, které se stává základem rytířského a měšťanského hudebního a básnického umění. V éře pozdního středověku se v souvislosti s všeobecným vzestupem francouzské kultury začalo intenzivně rozvíjet hudební umění. Na feudálních hradech na základě lidové hudby vzkvétalo světské hudební a básnické umění trubadúrů a trouvů (11.-14. století). Mezi trubadúry byli známí Markabrun, Guillaume IX., vévoda z Akvitánie, Bernard de Ventadorne, Geoffre Rudel (konec 11.-12. století), Bertrand de Born, Giraut de Borneil, Giraut Riquier (konec 12.-13. století). Ve 2. patře. 12. stol. v severních oblastech země vznikl podobný trend - umění truveurů, které bylo nejprve rytířské, později se stále více přibližovalo lidovému umění. Mezi trouveurs se spolu s králi následně proslavila aristokracie - Richard Lví srdce, Thibault of Champagne (král Navarry), představitelé demokratických vrstev společnosti - Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Mony a další. V souvislosti s růstem takových měst jako Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse atd. se ve 12-13 století rozvíjelo městské hudební umění, jehož tvůrci byli básníci-zpěváci z městských panství (řemeslníci, běžní občané, např. stejně jako buržoazie). Do umění trubadúrů a truveurů vnesli vlastní charakteristiky, vzdali se jeho vznešeně rytířské hudební a poetické představě, osvojili si lidová i všední témata, vytvořili charakteristický styl, vlastní žánry. Nejvýraznějším mistrem městské hudební kultury 13. století byl básník a skladatel Adam de la Halle, autor písní, motet, ale i kdysi populární hry „Hra Robina a Marion“ (kolem 1283), nasycený městskými písněmi, tanci (už samotná myšlenka vytvořit světské divadelní představení prodchnuté hudbou byla neobvyklá). Tradiční jednomyslné hudební a básnické žánry trubadúrů interpretoval novým způsobem pomocí polyfonie.

Během tohoto období je pozorován růst a posilování takových měst jako Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse. To se projevilo nejen v politické a ekonomické, ale i v kulturní oblasti. Vznik univerzit a škol v nich přispěl k rozvoji kultury, hudby a posílení role hudby jako umění. Takže na pařížské Sorbonně, založené na počátku 13. století, byla hudba jedním z povinných a důležitých předmětů. To samozřejmě přispělo k posílení role hudby jako umění. Paříž se ve 12. století stala jedním z center hudební kultury a především její Pěvecká škola katedrály Notre Dame, která sdružovala největší mistry – zpěváky-skladatele, vědce. S touto školou je spojen rozkvět ve 12.-13. kultovní polyfonie, vznik nových hudebních žánrů, objevy v oblasti hudební teorie. V dílech skladatelů školy Notre Dame doznal gregoriánský chorál změn: dříve rytmicky volný, pružný chorál získal větší pravidelnost a hladkost (odtud název takového chorálu cantusplanus). Komplikace polyfonní tkaniny a její rytmické struktury si vyžádaly přesné označení dob trvání a zdokonalení notového zápisu – v důsledku toho zástupci pařížské školy postupně docházeli k nahrazení doktríny modů menzurální notací. V tomto směru významně přispěl muzikolog John de Garlandia. Polyfonie přivedla k životu nové žánry církevní i světské hudby, včetně dirigování a moteta. Dirigování se původně provozovalo především při slavnostní bohoslužbě, později se z něj stal ryze světský žánr. Mezi autory chování je Perotin. Na základě dirigenta na konci 12. století. ve Francii vznikl nejdůležitější žánr polyfonní hudby, motet. Její rané příklady patří také mistrům pařížské školy (Perotin, Franco z Kolína nad Rýnem, Pierre de la Croix). Moteto umožňovalo svobodu kombinovat liturgické a světské melodie a texty, což je kombinace, která vedla ke zrodu ve 13. století. vtipné motet. Žánr moteta se významně aktualizoval ve 14. století v podmínkách arsnova směru, jehož ideologem byl Philippe de Vitry. V umění arsnova byl velký význam přikládán interakci „každodenní“ a „vědecké“ hudby (tj. písně a moteta). Philippe de Vitry vytvořil nový typ moteta - izorytmické motet. Inovace Philippa de Vitry ovlivnily i doktrínu konsonance a disonance (oznámil konsonance tercií a sext). Myšlenky arsnova a zejména izorytmického moteta se dále rozvíjely v díle Guillauma de Machauxe, který spojil umělecké úspěchy rytířského hudebního a poetického umění s jeho jednohlasnými písněmi a vícehlasou městskou hudební kulturou. Vlastní písně s lidovým skladem, virele, rondo, také nejprve rozvinul žánr vícehlasých balad. V motetu Machaux používal hudební nástroje důsledněji než jeho předchůdci (pravděpodobně dříve byly nižší hlasy instrumentální). Macheud je také považován za autora první francouzské vícehlasé mše.

V 15. stol během stoleté války, vedoucí postavení v hudební kultuře Francie v 15. století. obsazené představiteli francouzsko-vlámské (nizozemské) školy. Po dvě století působili ve Francii nejvýraznější skladatelé nizozemské polyfonní školy: v polovině 15. století. - J. Benchois, G. Dufay, ve 2. polovině 15. století. - J. Okegem, J. Obrecht, koncem 15. - začátkem 16. století. - JoskenDepre, ve 2. polovině 16. století. — Orlando di Lasso.

Jak je vidět, francouzská hudební kultura středověku byla velmi rozmanitá, bohatá a rozmanitá. Vyvinula se na základě původní lidové hudby kmenů a národů, které až do středověku obývaly moderní území Francie. Velmi ji ovlivnilo křesťanské náboženství a tradice křesťanské kultovní hudby. Bez povšimnutí samozřejmě nezůstaly četné kontakty a kulturní setkání s národy sousedních zemí. Francouzská středověká hudební kultura pevně spočívala na třech hlavních pilířích: náboženské, lidové a světské hudbě. Byly jejím základem, základem, který umožnil francouzské hudební kultuře se vzájemným spojením těchto směrů rozvíjet, zdokonalovat, obohacovat.

Renesance.

Ponurý, náboženský středověk vystřídala velkolepá a brilantní renesance. Renesance se objevila v Itálii a brzy si získala oblibu v Evropě. Francouzi nezůstali stranou. Byli mezi prvními, kteří tuto „kulturní revoluci“ ocenili a přidali se k ní. Vrozený smysl pro krásu, vynikající vkus, umělecký cit nenechal Francouze ve štychu. Ale nejen estetický vkus ovlivnil změnu kulturních epoch ve Francii. Zde je třeba vzít v úvahu řadu nejdůležitějších historických procesů a faktorů, které sehrály významnou roli při formování a schvalování norem a kánonů renesance. Jedním z klíčových faktorů této historické řady událostí je právem nástup buržoazie (15. století) a výrazné posílení její role a pozice ve francouzské společnosti. Dalším faktorem by měl být boj o sjednocení Francie, který skončil koncem 15. století. A samozřejmě vytvoření jediného centralizovaného státu, který hlásal nové hodnoty v nové éře. Tedy již na konci 15. stol. ve Francii je konečně schválena kultura renesance.

V tomto období výrazně narůstá role hudby ve společenském životě. Francouzští králové vytvářeli na svých dvorech velké kaple, pořádali hudební festivaly, královský dvůr se stal centrem profesionálního umění. Byla posílena role dvorní kaple. V roce 1581 schválil Jindřich III. místo „hlavního intendanta hudby“ u dvora, jako první tento post zastával italský houslista Baltazarini de Belgioso. Vedle královského dvora a kostela byly významnými centry hudebního umění i šlechtické salony. Rozkvět renesance, spojený s formováním francouzské národní kultury, spadá do poloviny 16. století. V této době se světská vícehlasá píseň - šanson - stala vynikajícím žánrem profesionálního umění. Její polyfonní styl dostává novou interpretaci, v souladu s myšlenkami francouzských humanistů - Rabelaise, Clementa Marota, Pierra de Ronsarda. Za předního autora šansonů této doby je považován Clement Zhanequin, který napsal více než 200 vícehlasých písní. Šansony získaly slávu nejen ve Francii, ale i v zahraničí, a to především díky notovému zápisu a upevňování vazeb mezi evropskými zeměmi. Během renesance vzrostla role instrumentální hudby. Viola, loutna, kytara, housle (jako lidový nástroj) byly široce používány v hudebním životě. Instrumentální žánry pronikly jak do všední hudby, tak do profesionální, částečně církevní hudby. Mezi dominanty v 16. století patřily loutnové taneční kusy. polyfonní díla rytmickou plasticitou, homofonní skladbou, průhledností textury. Charakteristické bylo spojení dvou a více tanců podle principu rytmického kontrastu do svérázných cyklů, které se staly základem budoucí taneční suity. Varhanní hudba také získala samostatnější význam. Vznik varhanické školy ve Francii (konec 16. století) je spojen s působením varhaníka J. Titluze. V roce 1570 Jean-Antoine de Baif založil Akademii poezie a hudby. Členové této akademie se snažili oživit starověkou poeticko-hudební metriku a hájili princip nerozlučného spojení hudby a poezie. Významná vrstva v hudební kultuře Francie v 16. století. byla hudba hugenotů. Hugenotské písně používaly melodie populárních domácích a lidových písní a přizpůsobovaly je přeloženým francouzským liturgickým textům. O něco později dal náboženský boj ve Francii vzniknout hugenotským žalmům s jejich charakteristickým přenesením melodie do vyššího hlasu a odmítnutím vícehlasých složitostí. Největší hugenotští skladatelé, kteří složili žalmy, byli Claude Goudimel, Claude Lejeune.

Klasicismus a baroko.

17. století se stalo důležitým mezníkem ve formování francouzské hudební kultury. V tomto období došlo nejen ke změně kulturních epoch: renesanci vystřídal nejprve klasicismus a poté zdobné baroko, ale také změna priorit. Tehdy sekulární hudba konečně přebírá náboženskou a v budoucnu je to ona, kdo formuje francouzskou hudební kulturu, určuje kánony, módu, styl, přední směry, trendy a žánry. Tyto dva faktory přispěly k rozvoji nejvýznamnějších žánrů té doby – opery a baletu. Léta vlády Ludvíka XIV. se vyznačovala mimořádnou nádherou dvorského života, touhou šlechty po luxusu a sofistikovaných zábavách. Není divu, že se tomuto králi říkalo Král Slunce. Všechno bylo plné nádhery, nádhery a nádhery. Francouzský dvůr zářil jako Olymp. V tomto ohledu byla velká role přidělena dvornímu baletu. Kupodivu, kardinál Mazarin se, byť nepřímo, významně podílel na rozvoji hudební kultury a všemožně přispěl k posílení italského vlivu u dvora. Seznámení s italskou operou posloužilo jako silný podnět k vytvoření vlastní národní opery, první zkušenost v této oblasti patří Elisabeth Jacquet de la Guerre (Triumf lásky, 1654). V roce 1671 byl v Paříži otevřen operní dům s názvem Royal Academy of Music. V jejím čele stál J. B. Lyuli. Tato vynikající osobnost je dnes považována za zakladatele národní operní školy. Lully vytvořil řadu komedií-baletů, které se staly předchůdcem žánru lyrické tragédie, později opery-baletu. Lully významně přispěl k rozvoji instrumentální hudby. Vytvořil typ francouzské operní předehry (termín se ustálil ve 2. polovině 17. století ve Francii). Četné tance z jeho děl velkých forem (menuet, gavota, sarabanda aj.) ovlivnily další formování orchestrální suity. Na konci 17. - první polovině 18. století psali pro francouzské divadlo takoví slavní skladatelé jako N. A. Charpentier, A. Campra, M. R. Delalande, A. K. Detouche. S Lullyho nástupci se umocňuje konvenčnost dvorského divadelního stylu. V jejich lyrických tragédiích vystupují do popředí dekorativně-baletní, pastýřsko-idylické stránky a dramatický začátek je stále více slábnut. Lyrická tragédie ustupuje opeře-baletu V 17. stol. ve Francii se vyvinuly různé nástrojové školy - loutna (D. Gauthier, který ovlivnil styl cembala J.-A. d "Angleberta, J. Ch. de Chambonnière), cembalo (Chambonniere, L. Couperin), viola (M. Marin, který ve Francii poprvé uvedl kontrabas do operního orchestru místo kontrabasové violy). Největšího významu nabyla francouzská škola cembalistů. Raný styl cembala se vyvíjel pod přímým vlivem loutnového umění. V dílech Chambonnière se promítl způsob zdobení melodie, charakteristický pro francouzské cembalisty. Množství dekorací dodávalo dílům pro cembalo jistou propracovanost i větší ucelenost, „melodičnost“, „délku“ a trhavý zvuk tohoto nástroje. V instrumentální hudbě byla široce používána hudba používaná od 16. století. spojení párových tanců (pavane, galliard aj.), které vedlo v 17. století ke vzniku instrumentální suity.

18-19 století v historii francouzské hudby.

V 18. století se se sílícím vlivem buržoazie formovaly nové formy hudebního a společenského života. Postupně koncerty přesahují palácové sály a šlechtické salony. V roce 1725 A. Philidor (Danikan) pořádal v Paříži pravidelné veřejné „Duchovní koncerty“ a v roce 1770 Francois Gossec založil společnost „Amatérské koncerty“. Večery akademické společnosti Friends of Apollo (založené roku 1741) měly uzavřenější charakter a Royal Academy of Music pořádala každoroční koncertní cykly. Ve 20-30 letech 18. stol. cembalová suita dosahuje svého vrcholu. Mezi francouzskými cembalisty má hlavní roli F. Couperin, autor volných cyklů založených na principech podobnosti a kontrastu skladeb. Spolu s Couperinem přispěli k rozvoji programově charakteristické cembalové suity také J. F. Dandre a především J. F. Rameau. V roce 1733 zajistila úspěšná premiéra Rameauovy opery Hippolyte et Aricia skladateli přední místo ve dvorní opeře, Královské hudební akademii. V díle Rameaua dosáhl žánr lyrické tragédie svého vrcholu. Jeho vokálně-deklamační styl byl obohacen o melodicko-harmonický projev. Jeho dvoudílné předehry se vyznačují velkou rozmanitostí, nicméně v jeho díle jsou zastoupeny i předehry třídílné, blízké italské opeře „sinphonia“. V řadě oper Rameau předjímal mnohé pozdější úspěchy na poli hudebně dramatické tvorby, čímž připravil cestu pro operní reformu K. V. Glucka. Rameau vlastní vědecký systém, jehož řada ustanovení sloužila jako základ moderní doktríny harmonie („Pojednání o harmonii“, 1722; „O původu Harmony“, 1750 atd.). V polovině 18. století již heroicko-mytologické opery Lullyho, Rameaua a dalších autorů nevyhovovaly estetickým nárokům měšťanského publika. Svou oblibou jsou horší než ostře satirická pouťová představení známá od konce 17. století. Tato představení mají za cíl zesměšnit morálku „vyšších“ vrstev společnosti a také parodovat dvorní operu. Prvními autory takových komických oper byli dramaturgové A. R. Lesage a C. S. Favara. V útrobách pouťového divadla dozrál nový francouzský operní žánr - operní komik. Jeho pozici posílil v roce 1752 příjezd italského operního souboru do Paříže, který zde uvedl řadu nadšených oper, včetně Pergolesiho Sluhy, a spor o operní umění, který se rozhořel mezi příznivci (buržoazně-demokratické kruhy) a odpůrci. (představitelé aristokracie) italské operní fanynky, tzn. n. „Válka Buffoonů“. V napjaté atmosféře Paříže nabyla tato kontroverze zvláštní naléhavosti a vyvolala obrovský pobouření veřejnosti. Aktivně se na něm podílely postavy francouzského osvícenství, které podporovaly demokratické umění „buffonistů“ a Rousseauův pastorační „Vesnický zaklínač“ tvořil základ první francouzské komické opery. Jimi proklamované heslo „imitace přírody“ mělo velký vliv na formování francouzského operního stylu 18. století. Díla encyklopedistů obsahují i ​​cenná estetická a hudebně-teoretická zobecnění.

Velmi tragicky skončilo 18. století, které začalo rozkvětem měšťanské kultury a formováním nových forem hudebního společenského života: veřejných koncertů, cyklů koncertů a představení, hudebních spolků. Vypukla Velká francouzská revoluce. Udělala obrovské změny ve všech oblastech francouzského kulturního života a samozřejmě i v oblasti hudebního umění. . Hudba se stává nedílnou součástí všech událostí revoluční doby a nabývá společenských funkcí. Samotná éra přispěla ke vzniku a ustavení masových žánrů: písní, hymnů, pochodů a dalších. Pod vlivem francouzské revoluce vznikly takové divadelní žánry jako apoteóza, propagandistické představení s využitím velkých sborových mší. Samostatně bychom měli zmínit „operu spásy“, která se v té znepokojivé, tragické době stala nesmírně populární. Zvlášť jasně v nich zaznělo téma boje proti tyranii, byly odhaleny neřesti kléru, oslavována byla věrnost, oddanost, vlastenectví, oběť pro dobro lidu a vlasti. V souvislosti s růstem vlasteneckého cítění ve společnosti nabyla velkého významu vojenská dechová hudba a byl založen orchestr Národní gardy. Převratnými proměnami prošel i systém hudebního vzdělávání: v roce 1792 byla otevřena Hudební škola Národní gardy pro výcvik vojenských hudebníků a v roce 1793 Národní hudební institut (od roku 1795 Pařížská konzervatoř).

Období napoleonské diktatury (1799-1814) a restaurování (1814-15, 1815-30) nepřineslo francouzské hudbě jasné úspěchy. K určitému oživení v oblasti kultury došlo až ke konci doby restaurování. Ve 20.–30. letech 19. století se formovala francouzská romantická opera a také žánr velké opery na historická, vlastenecká a hrdinská témata. G. Berlioz, tvůrce programového romantického symfonismu, je právem uznáván jako jeden z nejvýraznějších představitelů francouzského hudebního romantismu na celém světě. Během let II. císařství ve Francii se módní sekulární trend stal vášní pro kavárenské koncerty, divadelní revue a umění šansoniérky. V tomto období byly populární a četné vaudeville, frašky a operety. Francouzská opereta doslova vzkvétá, začíná znít obzvlášť zajímavě, neotřele, originálně, což přímo souvisí se jmény jejích duchovních tvůrců a inspirátorů J. Offenbach, F. Hervé. Postupně ztrácí satiru, parodii, aktuálnost, s operetní lehkostí a lehkostí mění jejich historické, všední i lyricko-romantické zápletky. To plně odpovídá všeobecnému hudebnímu trendu té doby: lyrický charakter vystupuje do popředí téměř ve všech kulturních sférách. V opeře se tato tendence projevila v touze po každodenních zápletkách, po zobrazení obyčejných lidí s jejich intimními zážitky. Mezi nejznámější autory lyrické opery patří Ch. Gounod, „Faust“, „Mireil“ a „Romeo a Julie“, J. Massenet, J. Bizet „Carmen“. Móda je ale vrtkavá a větrná, včetně hudební, a ve Francii ještě více. Již v druhé polovině 19. stol. dochází k nárůstu realistických tendencí. Důležitou událostí ve společenském a politickém životě Francie byla Pařížská komuna v letech 1870-1871. Odrazilo se to i v hudební kultuře: vzniklo mnoho pracovních písní, z nichž jedna, „The Internationale“ (hudba Pierra Degeytera na slova Eugena Pottiera), se stala hymnou komunistických stran a v letech 1922-1944 hymna SSSR.

20. století. Nové trendy.

Koncem 80. - 90. let 19. století vznikl ve Francii nový trend, který se rozšířil na počátku 20. století - impresionismus. Hudební impresionismus oživil určité národní tradice - touhu po konkrétnosti, programovosti, sofistikovanosti stylu, průhlednosti textury. Impresionismus našel své nejplnější vyjádření v hudbě C. Debussyho, ovlivnil tvorbu M. Ravela, P. Duka a dalších. Impresionismus zavedl inovace i na poli hudebních žánrů. V Debussyho díle ustupují symfonické cykly symfonickým skicám; klavírní hudbě dominují programové miniatury. Maurice Ravel byl také ovlivněn estetikou impresionismu. V jeho tvorbě se prolínaly různé estetické a stylové směry - romantické, impresionistické, v pozdějších dílech - neoklasické tendence. Spolu s impresionistickými tendencemi ve francouzské hudbě přelomu 19. a 20. století. tradice Saint-Saens se dále rozvíjely, stejně jako Franck, jehož dílo se vyznačuje kombinací klasické jasnosti stylu s živými romantickými obrazy. Po první světové válce se ve francouzském umění projevovaly tendence odmítat německý vliv, usilovat o novost a zároveň o jednoduchost. V této době se pod vlivem skladatele Erica Satieho a kritika Jeana Cocteaua vytvořilo tvůrčí sdružení nazvané „Francouzská šestka“, jehož členové se stavěli nejen proti wagneriánství, ale i impresionistické „vágnosti“. Podle jejího autora Francise Poulenca však skupina „nemala jiné cíle než čistě přátelské a už vůbec ne ideologické sdružení“ a od dvacátých let se její členové (mezi nejznámějšími také Arthur Honegger a Darius Milhaud) každý vyvíjel individuálním způsobem. V roce 1935 vzniklo ve Francii nové tvůrčí sdružení skladatelů – „Mladá Francie“, do kterého patřili mimo jiné takoví skladatelé jako O. Messiaen, A. Jolivet, kteří podobně jako „Šestka“ kladli oživení národních tradic a humanistické myšlenky v popředí. Odmítli akademismus a neoklasicismus, zaměřili své úsilí na aktualizaci prostředků hudebního vyjádření. Nejvlivnější byly Messiaenovy rešerše v oblasti modálních a rytmických struktur, které byly vtěleny jak do jeho hudebních děl, tak do muzikologických pojednání. Po druhé světové válce se ve francouzské hudbě rozšířily avantgardní hudební proudy. Vynikajícím představitelem francouzské hudební avantgardy byl skladatel a dirigent Pierre Boulez, který rozvíjel principy A. Webern, široce používá takové metody kompozice, jako je pointilismus a serialita. Zvláštní "stochastický" systém skladby používá skladatel řeckého původu J. Xenakis. Francie sehrála významnou roli ve vývoji elektronické hudby - právě zde se koncem 40. let objevila konkrétní hudba, počítač s grafickým vstupem informací - UPI byl vyvinut pod vedením Xenakise a v 70. letech směr spektrální hudby se narodil ve Francii. Od roku 1977 se IRCAM, výzkumný ústav založený Pierrem Boulezem, stal centrem experimentální hudby. Souhrnně lze konstatovat, že hlavními milníky 20. století ve francouzské hudební kultuře byly: hudební impresionismus, avantgardní hudební směry, které se rozvinuly po 2. světové válce, elektronická hudba, francouzský šanson.

Modernost. Pohled do budoucnosti.

A dnes Francie samozřejmě zůstává jedním z největších světových center hudební kultury. V samotné Francii je hudebním centrem, respektive jejím rytmicky tepajícím, pulzujícím srdcem Paříž. To není nepodložené tvrzení, ale skutečnost potvrzená přítomností ve francouzském hlavním městě: Státní opera Paříž, divadla Opera Garnier a Opera Bastille, četná divadla, koncertní sály, místa. Z předních hudebních uskupení je třeba jmenovat Francouzský národní orchestr, Filharmonii Radio France, Pařížský orchestr, Orchestra Column aj. Hudební vzdělávací instituce Francie (Pařížská konzervatoř, Scola Cantorum, Ecole Normal ad. .). To je pýcha a dědictví francouzské hudební kultury a oslavuje ji po celém světě. Mimořádně zajímavým aspektem je, že ve Francii je velký význam přikládán vědecké práci v oblasti hudby. Zde se plně projevuje princip služby vědy umění. Nejvýznamnějším hudebním výzkumným centrem je Institut hudební vědy na univerzitě v Paříži. Knihy a archiválie jsou uloženy v Národní knihovně, kde již v roce 1935 bylo speciálně vytvořeno hudební oddělení, dále v Knihovně a Muzeu hudebních nástrojů na konzervatoři. Tisíce turistů přijíždějí do Francie na různé hudební akce, které se pravidelně konají. Všechny jsou považovány za jasné, nezávislé, významné události hudebního kulturního života. Je těžké rozhodnout, kdo vyhrál tento závod talentů, lze jmenovat jen nejznámější a nejoblíbenější akce bohatého kulturního a hudebního života Francie: Mezinárodní klavírní a houslovou soutěž. M. Longa a J. Thibaulta, kytarová soutěž, Besançon International Competition for Young Conductors, Toulouse International Vocal Competition, Paris International Harp Competition, etc. Nelze opomíjet četné festivaly: Podzimní festival v Paříži, Pařížský hudební festival 20. století, Klavírní soutěž v Epinalu, Festival klasické hudby v Rouenu a další, „Perlové noci“ – akordeonový festival ve městě Tulle, varhanní soutěž „Garne pri de Chartres. V roce 1982, 21. června, Francouzi vymysleli a poprvé pořádali „Slavnost hudby“. V tento den si každý může zazpívat, zahrát hudbu přímo v ulicích měst. Zde můžete potkat začínající umělce a celebrity. V současné době se tento svátek stal mezinárodním a slaví se ve 110 zemích světa.

Francouzská hudební scéna zná téměř všechny oblasti populární hudby, zároveň dala vzniknout řadě specifických národních žánrů, především francouzskému šansonu. . (Nemá to nic společného s ruským šansonem!!!). V moderní kultuře se populární francouzská hudba nazývá šanson, který si zachovává specifický rytmus francouzského jazyka. Tyto písně se výrazně liší melodiemi, texty, významem, duchem a zvukem od písní napsaných pod vlivem anglicky psané hudby. Poznají se od prvních tónů, od prvních akordů. Srdce samo reaguje již na první zvuky a na rtech se mimovolně objeví teplý, jednoduchý úsměv. Je to jednoduchost a vřelost, která prostupuje všemi melodiemi francouzského šansonu. Ať se v těchto písních zpívá cokoli, mají to hlavní – duši. Světovou proslulost si vydobyli takoví vynikající interpreti francouzského šansonu (šansoniér) jako Georges Brassens, Edith Piaf, Joe Dassin, Jacques Brel, Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kaas a další. Jejich cédéčka se dodnes úspěšně prodávají po celém světě, písničky zní v rádiích, snadno se stahují na internetu. Francie hostila soutěž Eurovision Song Contest třikrát. Tato významná událost moderního hudebního života se odehrála v letech 1959, 1961 a 1978. Pět francouzských interpretů vyhrálo soutěž Eurovision Song Contest - André Clavier (1958), Jacqueline Boyer (1960), Isabelle Aubret (1962), Frida Boccara (1969) a Marie Miriam (1977), po nichž bylo nejvyšším francouzským úspěchem druhé místo v roce 1990 a 1991. Francouzští hudebníci výrazně přispěli k novému, modernímu žánru elektronické hudby. Na zvláštním čestném místě pro mě stojí Jean-Michel Jarre, jeho grandiózní, uhrančivá, nezapomenutelná laserová show, která skladatele a hudebníka proslavila po celém světě. Jeho tvorba je v Rusku srozumitelná a oblíbená jak mezi mladými lidmi, tak mezi milovníky hudby starší generace.

Závěr.

Tak jsme si uvědomili, že Francie hraje obrovskou roli v dějinách hudby a hudba hraje obrovskou roli v dějinách Francie. Aktivně ovlivňovala formování hudební kultury v jiných zemích, v určitých historických epochách byla považována za standard, ze kterého si vzali příklad, který napodobovali. Dokonale uměla vstřebávat, vstřebávat hudební trendy, žánry, trendy a styly jiných národů, přizpůsobovat je, zpracovávat, přehodnocovat, znět novým způsobem, ve francouzštině. Za nápadný příklad kolize a interakce hudebních kultur v současné fázi lze považovat interakci americké a francouzské hudební kultury. Již od počátku pronikání americké masové kultury na evropský kontinent se Francouzi ze všech sil snažili zachovat čistotu své kultury včetně hudby, bojovali o její jedinečnost, exkluzivitu, originalitu a nezávislost. Francouzi svou moderní hudební kulturu milují, oceňují, jsou na ni hrdí a velmi pečlivě ji uchovávají. Nutno podotknout, že díky velmi korektní státní politice v oblasti kultury, postavení příslušného ministerstva, význačným osobnostem Francie, dokázali na poli zachování, rozvoje a popularizace francouzské hudební kultury udělat mnoho. V důsledku toho se Francouzi dokázali vyhnout jak nerozdělené americké dominanci, tak vlastní kulturní izolaci. Toho bylo dosaženo zejména díky vysílacím kvótám, omezením rozhlasovým stanicím pro přehrávání hudby v anglickém jazyce a všemožným zvýhodněním domácích interpretů. Na druhou stranu důležitou roli sehrálo francouzské vlastenectví, láska ke všemu „rodnému, francouzskému“, hrdost a úcta ke své kultuře, která byla podle mého názoru Francouzům vštěpována od dětství. V tomto ohledu je vhodnější hovořit o vzájemném pronikání hudebních kultur. Francouzské písně se dostaly do Ameriky, i když v přepracované verzi („My Way“, která se stala charakteristickým znakem Franka Sinatry, napsal Claude Francois a nazývá se „Comme d“ habitude ), nebo „Et maintenant“ od Gilberta Beca , kterou nazpíval duet Sonny a Cher, a pak mnoho dalších – „What now my love“). Jsou zde francouzské písně – překlady z angličtiny, mnohem slavnější než originály. Nejjasnějším příkladem je známá píseň Joe Dassina „ Champs-Elysées" ("Les Champs-Elysées"). kdo zná originál - "Waterloo Road"?

Doufám, že nyní jste stejně jako já přesvědčeni, že francouzská hudební kultura je bohatá, rozmanitá, jedinečná, nenapodobitelná a vlivná. Snad si ji stejně jako já zamilujete, nebo se alespoň začnete zajímat a zkusíte se o ní dozvědět víc. Bylo by vhodné, abychom si za příklad vzali pečlivý přístup Francouzů ke své hudební kultuře, a to jak na úrovni státu, tak na úrovni běžných občanů. Takovou zkušenost rozumného, ​​důstojného kulturního patriotismu by mělo přijmout mnoho zemí. Hudba je jedním z divů světa. Hudba je univerzální jazyk mezinárodní komunikace, dostupný, blízký a srozumitelný po celém světě. Francie významně přispěla k jejímu vzniku, rozvoji a prosperitě.

Literatura:

https://ru.wikipedia.org/wiki/ Hudba Francie

http://niderlandi.takustroenmir.ru

http://www.frmusique.ru/review.htm

https://dis.academic.ru/dic.nsf/ruwiki/1569665

A. Klenov "Tam, kde hudba žije" M. "Pedagogika" 1985

Medushevsky V.V., Ochakovskaya O.O. Encyklopedický slovník mladého hudebníka, M. "Pedagogika" 1985

Původ francouzské hudby.

Lidové počátky francouzské hudby sahají do raného středověku: v 8. – 9. století existovaly taneční melodie a písně různých žánrů – pracovní, kalendářní, epické a další.
Do konce 8. stol Gregoriánský chorál.
V V 11.-12. století vzkvétalo na jihu Francie rytířské hudební a básnické umění trubadúrů.
V Ve 12.-13. století pokračovali v tradici trubadúrů rytíři a měšťané severní Francie, trouvères. Mezi nimi je nejznámější Adam de la Halle (zemřel 1286).

Adam de la Al "Hra Robin a Marion".

Ve 14. století se ve francouzské hudbě objevilo hnutí Nového umění. Hlavou tohoto hnutí byl Philippe de Vitry (1291-1361) - hudební teoretik a skladatel, autor mnoha světských moteta. Ke konci 16. století, v době Karla 9, se však povaha francouzské hudby změnila. Začala éra baletu, kdy tanec doprovázela hudba. V této době byly široce používány tyto nástroje: flétna, cembalo, violoncello, housle. A tuto dobu lze nazvat dobou zrodu skutečné instrumentální hudby.

Philippe de Vitry "Pán lordů" (motet).

17. století je novou etapou ve vývoji francouzské hudby. Velký francouzský skladatel Jean Baptiste Lully (Jean-Baptiste de Lully 28.11.1632, Florencie - 22.3.1687, Paříž) tvoří své opery. Jean Baptiste je vynikající tanečník, houslista, dirigent a choreograf italského původu, považovaný za uznávaného tvůrce francouzské národní opery. Mezi nimi jsou takové opery jako: "Theseus" (1675), "Isis" (1677), "Psyche" (1678), "Perseus" (1682), "Phaeton" (1683), "Roland" (1685) a " Armida" (1686) a další. Jean-Baptiste Lully se ve svých operách, nazvaných "tragédie mise en musique" ("tragédie na hudbě") snažil umocnit dramatické efekty hudbou. Díky inscenačnímu mistrovství vznikl velkolepý balet, jeho opery vydržely na jevišti asi 100 let Zároveň operní pěvci poprvé začali vystupovat bez masek a ženy začaly tančit v baletu na veřejné scéně.
Rameau Jean Philippe (1683-1764) - francouzský skladatel a hudební teoretik. S využitím výdobytků francouzské a italské hudební kultury výrazně upravil styl klasické opery, připravil operní reformu Christopha Willibaldiho Glucka. Napsal lyrické tragédie Hippolytus a Arisia (1733), Castor a Pollux (1737), operu a balet Galantní Indie (1735), cembalové kusy a další. Jeho teoretické práce jsou významnou etapou ve vývoji nauky o harmonii.
Francois Couperin (1668-1733) – francouzský skladatel, cembalista, varhaník. Z dynastie srovnatelné s německou dynastií Bachů, neboť v jeho rodině bylo několik generací hudebníků. Couperin dostal přezdívku „velký Couperin“ částečně kvůli jeho smyslu pro humor, částečně kvůli jeho charakteru. Jeho dílo je vrcholem francouzského cembalového umění. Couperinova hudba se vyznačuje melodickou nápaditostí, graciézností a dokonalostí detailů.

1. Jean-Baptiste Lully sonáta a-moll, 4. část "Gig".

2. Jean Philippe Rameau "Kuře" - hraje Arkady Kazaryan.

3. Francois Couperin "Budík" - hraje Ayana Sambuyeva.

V 18. století – na konci 19. století se hudba stává skutečnou zbraní v boji za vlastní přesvědčení a touhy. Objevuje se celá galaxie slavných skladatelů: Maurice Ravel (Maurice Ravel), Jean-Philippe Rameau (Jean-Philippe Rameau), Claude Joseph Rouget de Lisle (1760-1836) francouzský vojenský inženýr, básník a skladatel. Psal hymny, písně, romance. V roce 1792 napsal skladbu „La Marseillaise“, která se později stala hymnou Francie.

Hymna Francie.

Glück Christoph Willibald (1714-1787) byl slavný francouzsko-německý skladatel. Jeho nejslavnější činnost je spojena s pařížskou operní scénou, pro kterou napsal svá nejlepší díla francouzskými slovy. Proto ho Francouzi považují za francouzského skladatele. Četné jeho opery: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" a další byly uvedeny v Miláně, Turíně, Benátkách, Cremoně. Po pozvání do Londýna napsal Gluck pro divadlo Hay-Market dvě opery: „La Caduta de Giganti“ (1746) a „Artamene“ a operu potpourri (pasticcio) „Pyram“

Melodie z opery „Orfeus a Eurydika“.

V 19. století - skladatelé Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel a další.

Ve 20. století se objevují skuteční profesionální interpreti. Byli to oni, kdo proslavil francouzské písně a vytvořil celý směr francouzského šansoniéra. Dnes jejich jména stojí mimo dobu a módu. Jsou to Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis. Všichni jsou známí svými krásnými lyrickými písněmi, které si získaly nejen publikum ve Francii, ale i v dalších zemích. Mnoho z nich bylo pokryto jinými účinkujícími.

Naučit se hrát na hudební nástroj je jednou z nejúžasnějších věcí, které kdy budete dělat. Ať už jste právě po škole a rozhodli jste se, že byste chtěli hrát v kapele, nebo se rozhodnete naučit se hrát hudbu teď, když jsou děti velké, je to zábava, obohacování a nutnost. Pokud ještě nevíte, co chcete hrát, jste ve skvělé formě - to znamená, že je pro vás možné všechno! Užitečné tipy pro výběr správného nástroje naleznete v kroku 1.

Kroky

Výběr z rozmanitosti

Začněte s klavírem. Klavír je běžný spouštěcí nástroj, protože je snadné skutečně vidět hudbu. Klavír a klávesy, které jsou společné mnoha kulturám a stylům hudby, jsou skvělou volbou, pokud se chcete naučit hrát na nástroj bez ohledu na váš věk. Možnosti klavíru, které můžete později přidat do svého repertoáru, mohou zahrnovat:

• Orgán
• Akordeon
• Syntetizér
• Cembalo
• Harmonium

Rock ven na kytaru. Od klasiky po metal, učení se hře na kytaru otevírá všechny dveře novým stylům hudby. Kytara měla vliv na pop kulturu možná více než jakýkoli jiný nástroj a stala se nejoblíbenější volbou pro začátečníky po celém světě. Vezměte si akustickou kytaru, abyste byli mobilní, nebo se podívejte na její elektrickou verzi a začněte dovádět se svými sousedy a hrát opojné fráze. Jakmile zvládnete základy hry na kytaru, můžete přidat i další nástroje od společnosti se šesti strunami:

• Baskytara
• Mandolína
• Bendžo
• Cimbál

Francouzská hudba, kterou slyšíme, má hluboké kořeny. Objevuje se z lidového umění sedláků a měšťanů, náboženské a rytířské poezie, z tanečního žánru. Tvorba hudby závisí na epochách. Keltská víra a později regionální zvyky francouzských provincií a sousedních národů tvoří zvláštní hudební melodie a žánry, které jsou vlastní hudebnímu zvuku Francie.

Hudba Keltů

Galové, největší keltský národ, ztratili jazyk tím, že mluvili latinsky, ale získali keltské hudební tradice, tance, eposy a hudební nástroje: flétnu, dudy, housle, lyru. Galská hudba se zpívá a je neoddělitelně spjata s poezií. Hlas duše a projev emocí zprostředkovali potulní bardi. Znali mnoho písní, vlastnili hlas a uměli hrát a také používali hudbu v tajemných rituálech. Ve francouzském folklóru jsou známy 2 verze hudebních děl: balady a texty - lidová poezie s refrénem, ​​který nahradil hudbu. Všechny písně jsou napsány ve francouzštině, a to i přesto, že obyvatelé různých částí Francie mluvili vlastními dialekty. Jazyk střední Francie byl považován za slavnostní a poetický.

epické písně

Baladické písně se mezi lidmi těšily velké úctě. Německé legendy vzaly talenty od lidí jako základ pro své legendární písně. Epický žánr předvedl kejklíř - lidový zpěvák, který jako kronikář zvěčnil události v písni. Později byly jeho hudební zkušenosti předány středověkým potulným zpěvákům – trubadúrům, minstrelům, trouvrům. Mezi legendárními písněmi je významnou skupinou píseň - stížnost, jako reakce na tragické nebo neférové ​​události. Náboženský nebo světský příběh je obvykle smutný, s převahou mollové tóniny. Stížnost mohla být romantická nebo dobrodružná, v nichž se hlavní zápletkou ukázal být milostný příběh s tragickým koncem nebo scény vášně, někdy plné krutosti. Píseň-stížnost se rozšířila hluboko do vesnic a postupně získala komický a satirický charakter. Melodií stížností mohly být kostelní hymny nebo vesnický zpěv – dlouhé příběhy s pauzami. Klasickým příkladem narativních zpěvů je „Song of Reno“, která má rytmus C dur. Melodie je klidná a dojemná.

Písňovou baladu s keltskými motivy zazní v tvorbě Nolwen Leroy, folkové zpěvačky z Bretaně. První album „Breton“ (2010) oživilo lidové písně. Balady slyší i klasika rock-folku – „Tri Yann“. Příběh prostého námořníka a jeho přítelkyně je uznáván jako hit a perla folklóru. Skupinu založili tři hudebníci jménem Jean v roce 1970. Svědčí o tom i název skupiny, který se z bretonštiny překládá jako „tři džíny“. Další písňová balada „Ve věznicích v Nantes“ o uprchlém vězni za asistence dcery žalářníka je populární a známá po celé Francii.

milostné texty

Ve všech formách lidové hudby vznikl milostný příběh. V eposu se jedná o příběh o lásce na pozadí jakýchkoli vojenských nebo každodenních událostí. V komické písni je to ironický dialog, kde se jeden partner směje druhému, neexistuje jednota milujících srdcí a vysvětlení. Dětské písně zpívají o svatbě ptáků. Lyrická francouzská píseň v klasickém slova smyslu je pastorální, která vznikla z venkovského žánru a přešla do repertoáru trubadúrů. Její hrdinové jsou pastýřky a páni. Veřejní zpěváci také upřesňují čas a místo konání – většinou je to příroda, vinice nebo zahrada. Regionálně lidová píseň o lásce se liší tónem. Velmi citlivá bretaňská píseň. Vážná, vzrušená melodie hovoří o vznešených pocitech. Alpská hudba je čistá, plynulá, naplněná horským vzduchem. Ve střední Francii - "prosté písně" ve stylu romantiky. Provence a jih země tvořily serenády, v jejichž středu byl zamilovaný pár a dívka byla přirovnávána ke květině nebo hvězdě. Zpěv byl doprovázen hrou na tamburínu nebo francouzskou dýmku. Trubadúrští básníci skládali své písně v jazyce Provence a opěvovali dvorskou lásku a rytířské činy. Ve sbírkách lidových písní XV století. obsahuje mnoho humorných a satirických písní. V milostných textech není žádná rafinovanost charakteristická pro žhavé písně Itálie a Španělska, mají charakteristický odstín ironie.

Rozhodující roli hraje smyslnost lidových písní a láska k tomuto žánru se rozšířila i k tvůrcům šansonu a dodnes žije ve Francii.

hudební satira

Galský duch se projevuje ve vtipech a v písních. Plná života a výsměchu tvoří charakteristický rys francouzské písně. Městský folklór, velmi blízký lidovému umění, vznikl v 16. století. Pak pařížští šansoniéři, kteří bydleli poblíž Pont Neuf, zpívali o aktuálních problémech, ale tady se svými texty obchodovali. Ohlasy na různé společenské události se satirickými verši se staly módou. Ostré lidové písně určovaly vývoj kabaretu.

taneční hudba

Hudba klasického směru čerpala inspiraci i z tvorby rolníků. Lidové melodie se odrážejí v dílech francouzských skladatelů – Berlioze, Saint-Saense, Bizeta, Lullyho a mnoha dalších. Starověké tance - farandole, gavotte, rigodon, menuet a bourre úzce souvisí s hudbou a jejich pohyby a rytmus vycházejí z písní.

• Rychlý tanec se objevil v raném středověku v jižní Francii z vánočních koled. Tanec byl doprovázen zvuky tamburíny a jemné flétny. Jeřábí tanec, jak byl později nazýván, se tančil o svátcích a hromadných slavnostech. Farandole zní v Bizetově suitě „Arlesian“ po „Pochodu tří králů“.
• Francouzský tanec- starý tanec obyvatel Alp - gavotes, a v Bretani. Původně kruhový tanec v keltské kultuře byl provozován v rychlém tempu podle principu „krok – dej nohu“ na dudy. Dále se pro svou rytmickou formu proměnil v salonní tanec a stal se prototypem menuetu. V opeře Manon Lescaut je možné slyšet gavotu ve skutečné interpretaci.
• Rigaudon- v baroku byl oblíbený veselý tanec sedláků z Provence na hudbu houslí, zpěv a tlučení dřevěnými dřeváky. Šlechta si ho zamilovala pro jeho lehkost a temperament.
• Burre- energický lidový tanec se skoky vznikl ve střední Francii v 15. století. V 17. a 18. století vznikl z lidového prostředí provincie Poitou ladný tanec dvořanů. Menuet se vyznačuje pomalým tempem s malými kroky, úklony a klony. Hudbu menuetu formuje cembalo v rychlejším tempu než pohyby tanečníků.

Zazněly různé hudební a písňové skladby – lidové, pracovní, sváteční, ukolébavky, počítací písně.

Moderní výraz v Leroyově albu „Breton“ přijal lidový melodický pult „Mare from Michaud“ (La Jument de Michao). Její hudební původ je kruhový tanec. Lidové písně obsažené na bretaňském albu byly napsány pro svátky Fest-noz a na památku lidových tanečních a písňových tradic Bretaně.

Francouzská píseň absorbovala všechny rysy lidové hudební kultury. Vyznačuje se upřímností a realismem, nejsou v něm žádné nadpřirozené prvky a zázraky. A v naší době ve Francii a ve světě jsou francouzští pop zpěváci, pokračovatelé nejlepších lidových tradic, velmi populární.

Hudební nástroje jsou navrženy tak, aby vydávaly různé zvuky. Pokud hudebník hraje dobře, pak lze tyto zvuky nazvat hudbou, pokud ne, pak kakofonií. Existuje tolik nástrojů, že jejich učení je jako vzrušující hra horší než Nancy Drew! V moderní hudební praxi se nástroje dělí do různých tříd a rodin podle zdroje zvuku, materiálu výroby, způsobu výroby zvuku a dalších vlastností.

Dechové hudební nástroje (aerofony): skupina hudebních nástrojů, jejichž zdrojem zvuku jsou vibrace vzduchového sloupce v hlavni (trubce). Jsou klasifikovány podle mnoha kritérií (podle materiálu, designu, způsobu výroby zvuku atd.). V symfonickém orchestru se skupina dechových hudebních nástrojů dělí na dřevěné (flétna, hoboj, klarinet, fagot) a žesťové (trubka, lesní roh, pozoun, tuba).

1. Flétna - dřevěný dechový hudební nástroj. Moderní typ příčné flétny (s ventily) vynalezl německý mistr T. Bem v roce 1832 a má varianty: malá (neboli pikolová flétna), altová a basová flétna.

2. Hoboj - dřevěný dechový plátkový hudební nástroj. Známý od 17. století. Odrůdy: malý hoboj, hoboj d "amor, anglický roh, haeckelphone.

3. Klarinet - dřevěný dechový plátkový hudební nástroj. Navrženo na začátku 18. století V moderní praxi se běžně používají sopránové klarinety, pikoloklarinet (italsky pikola), alt (tzv. basetový roh), basklarinet.

4. Fagot - dřevěný dechový hudební nástroj (převážně orchestrální). Vznikl v 1. patře. 16. století Odrůda basů je kontrafagot.

5. Trubka - dechový žesťový nátrubkový hudební nástroj, známý již od starověku. Moderní typ ventilového potrubí se vyvinul na ser. 19. století

6. Lesní roh - dechový hudební nástroj. Objevil se na konci 17. století v důsledku zdokonalení loveckého rohu. Moderní typ rohoviny s ventily vznikl v první čtvrtině 19. století.

7. Pozoun - dechový žesťový hudební nástroj (převážně orchestrální), u kterého se výška tónu reguluje speciálním zařízením - zákulisím (tzv. posuvný pozoun nebo zugtrombon). Existují také ventilové pozouny.

8. Tuba je nejníže znějící žesťový hudební nástroj. Navrženo v roce 1835 v Německu.

Metalofony jsou jakési hudební nástroje, jejichž hlavním prvkem jsou talíře-klávesy, do kterých se tluče kladivem.

1. Samozvučné hudební nástroje (zvonky, gongy, vibrafony apod.), jejichž zdrojem zvuku je jejich elastické kovové tělo. Zvuk je extrahován kladivy, tyčemi, speciálními bubeníky (jazyky).

2. Nástroje jako xylofon, na rozdíl od nich jsou metalofonové desky vyrobeny z kovu.

Smyčcové hudební nástroje (chordofony): podle způsobu výroby zvuku se dělí na smyčcové (například housle, violoncello, gidjak, kemanča), drnkací (harfa, harfa, kytara, balalajka), perkuse (činely), perkuse klávesy (klavír), drnkací - klávesy (cembalo).

1. Housle - 4strunný smyčcový hudební nástroj. Nejvyšší v rejstříku v rodině houslí, které tvořily základ klasického symfonického orchestru a smyčcového kvarteta.

2. Violoncello - hudební nástroj houslové rodiny bastenorového rejstříku. Objevil se v 15-16 století. Klasické vzorky vytvořili italští mistři 17.-18. století: A. a N. Amati, J. Guarneri, A. Stradivari.

3. Gidžak - strunný smyčcový hudební nástroj (tádžický, uzbecký, turkmenský, ujgurský).

4. Kemancha (kamancha) - 3-4strunný smyčcový hudební nástroj. Distribuováno v Ázerbájdžánu, Arménii, Gruzii, Dagestánu a také v zemích Středního a Blízkého východu.

5. Harfa (z němčiny Harfe) - vícestrunný drnkací hudební nástroj. Rané obrazy - ve třetím tisíciletí před naším letopočtem. Ve své nejjednodušší formě se vyskytuje téměř u všech národů. Moderní pedálová harfa byla vynalezena v roce 1801 S. Erardem ve Francii.

6. Gusli - ruský strunný hudební nástroj. Pterygoidní gusli ("znělé") mají 4-14 nebo více strun, ve tvaru helmy - 11-36, obdélníkové (ve tvaru stolu) - 55-66 strun.

7. Kytara (španělsky guitarra, z řeckého cithara) - strunný drnkací nástroj loutnového typu. Ve Španělsku je znám od 13. století a v 17. a 18. století se rozšířil do zemí Evropy a Ameriky, mimo jiné jako lidový nástroj. Od 18. století se 6-strunná kytara stala běžnou, sedmistrunná se rozšířila hlavně v Rusku. Mezi odrůdy patří tzv. ukulele; v moderní populární hudbě se používá elektrická kytara.

8. Balalajka - ruský lidový 3-strunný drnkací hudební nástroj. Známý od začátku 18. století Vylepšeno v 80. letech 19. století. (pod vedením V.V. Andreeva) V.V. Ivanov a F.S. Paserbsky, kteří navrhli rodinu balalajek, později - S.I. Nalimov.

9. Činely (polsky cimbaly) - vícestrunný bicí hudební nástroj starověkého původu. Jsou součástí lidových orchestrů Maďarska, Polska, Rumunska, Běloruska, Ukrajiny, Moldavska atd.

10. Piano (italsky fortepiano, z forte - hlasitý a piano - tichý) - obecný název klávesových hudebních nástrojů s kladívkovým mechanismem (klavír, klavír). Na začátku bylo vynalezeno pianoforte. 18. století Vzhled moderního typu klavíru - s tzv. dvojitá zkouška – odkazuje na 20. léta 19. století. Doba rozkvětu klavírního hraní - 19-20 století.

11. Cembalo (francouzsky clavecin) - strunný klávesový drnkací hudební nástroj, předchůdce klavíru. Známý od 16. století. K vidění byla cembala různých tvarů, typů a variet, včetně cembala, virginelu, spinetu, claviciterium.

Klávesové hudební nástroje: skupina hudebních nástrojů, které spojuje společný rys – přítomnost klávesové mechaniky a klaviatury. Jsou rozděleny do různých tříd a typů. Klávesové hudební nástroje jsou kombinovány s dalšími kategoriemi.

1. Struny (bicí a drnkací klávesy): klavír, celesta, cembalo a jeho varianty.

2. Dechové (dechové a plátkové klávesy): varhany a jejich odrůdy, harmonium, knoflíková harmonika, akordeon, melodie.

3. Elektromechanické: elektrické piano, clavinet

4. Elektronika: elektronické piano

pianoforte (italsky fortepiano, z forte - hlasitý a klavír - tichý) - obecný název klávesových hudebních nástrojů s kladívkovým mechanismem (klavír, klavír). Byl vynalezen na počátku 18. století. Vzhled moderního typu klavíru - s tzv. dvojitá zkouška – odkazuje na 20. léta 19. století. Doba rozkvětu klavírního hraní - 19-20 století.

Bicí hudební nástroje: skupina nástrojů kombinovaných podle způsobu výroby zvuku - úder. Zdrojem zvuku je pevné těleso, membrána, struna. Existují nástroje s určitou (timpány, zvonky, xylofony) a neurčitou (bubny, tamburíny, kastaněty) tónovou výškou.

1. Timpány (timpány) (z řeckého polytaurea) - bicí hudební nástroj kotlového tvaru s blánou, často párový (nagara aj.). Rozšířený od starověku.

2. Zvony - orchestrální bicí libozvučný hudební nástroj: sada kovových desek.

3. Xylofon (z xylo... a řec. telefon - zvuk, hlas) - bicí samozvučný hudební nástroj. Skládá se z několika dřevěných bloků různých délek.

4. Buben - bicí membránový hudební nástroj. Odrůdy se vyskytují u mnoha národů.

5. Tamburína - bicí membránový hudební nástroj, někdy s kovovými přívěsky.

6. Castanetvas (španělsky: castanetas) - bicí hudební nástroj; dřevěné (nebo plastové) desky ve formě skořápek upevněné na prstech.

Elektrické hudební nástroje: hudební nástroje, ve kterých se zvuk vytváří generováním, zesilováním a přeměnou elektrických signálů (pomocí elektronických zařízení). Mají zvláštní témbr, dokážou napodobovat různé nástroje. Mezi elektrické hudební nástroje patří theremin, emiriton, elektrická kytara, elektrické varhany atd.

1. Theremin - první domácí elektrický hudební nástroj. Navrhl L. S. Theremin. Výška v thereminu se mění v závislosti na vzdálenosti pravé ruky interpreta k jedné z antén, hlasitosti - od vzdálenosti levé ruky k druhé anténě.

2. Emiriton - elektrický hudební nástroj vybavený klaviaturou klavírního typu. Navrhli v SSSR vynálezci A. A. Ivanov, A. V. Rimskij-Korsakov, V. A. Kreutser a V. P. Dzeržkovič (1. model v roce 1935).

3. Elektrická kytara - kytara, obvykle dřevěná, s elektrickými snímači, které přeměňují vibrace kovových strun na vibrace elektrického proudu. První magnetický snímač sestrojil inženýr Gibson Lloyd Loer v roce 1924. Nejběžnější jsou šestistrunné elektrické kytary.

Francouzská hudební kultura se začala formovat na bohaté vrstvě lidové písně. Přestože nejstarší spolehlivé záznamy písní, které se dochovaly dodnes, pocházejí z 15. století, literární a umělecké materiály naznačují, že hudba a zpěv zaujímaly od dob římského impéria přední místo v každodenním životě lidí.

Církevní hudba přišla do francouzských zemí s křesťanstvím. Původně latinská se postupně měnila pod vlivem lidové hudby. Církev při bohoslužbách používala materiál, který byl pro místní obyvatele srozumitelný. Mezi 5. a 9. stoletím se v Galii vyvinul zvláštní typ liturgie - galský obřad s gallikánským zpěvem. Mezi autory církevních hymnů proslula Hilary z Poitiers. Gallikánský rituál je znám z historických pramenů, což naznačuje, že se výrazně lišil od římského. Nezachovala se, protože ji zrušili francouzští králové usilující o získání císařského titulu z Říma a římská církev se snažila dosáhnout sjednocení bohoslužeb.

Z 9.-12. stol. se dochovaly „písně o činech“ (chansons de geste).

lidová hudba

V dílech francouzských folkloristů jsou uvažovány četné žánry lidových písní: lyrické, milostné, stěžovací písně (complaintes), taneční (rondes), satirické, řemeslnické písně (chansons de metiers), kalendářní, např. vánoční (Noel); pracovní, historické, vojenské atd.. Folklór zahrnuje také písně spojené s galskou a keltskou vírou. Mezi lyrickými žánry zaujímá zvláštní místo pastorále (idealizace venkovského života). V dílech milostného obsahu převládají témata neopětované lásky a rozchodu. Mnoho písniček je věnováno dětem - ukolébavky, hry, počítání říkanek (fr. comptines). Dělnické (písně ženců, oráčů, vinařů atd.), písně vojáků a rekrutů jsou pestré. Zvláštní skupinu tvoří balady o křížových výpravách, písně odhalující krutost feudálů, králů a dvořanů, písně o selských povstáních (vědci nazývají tuto skupinu písní „básnický epos dějin Francie“).

Středověk

církevní hudba

Nejlépe byl zdokumentován vývoj církevní hudby ve středověku. Rané gallikánské formy křesťanské liturgie byly nahrazeny gregoriánskou liturgií. Šíření gregoriánského chorálu za vlády karolínské dynastie (751-987) je spojeno především s činností benediktinských klášterů. Katolická opatství Jumiège (na Seině, také v Poitiers, Arles, Tours, Chartres a dalších městech) se stala centry církevní hudby, buňkami profesionální duchovní i světské hudební kultury. Aby se studenti naučili zpívat v mnoha opatstvích, byly vytvořeny speciální pěvecké školy (metrises). Vyučovali nejen gregoriánský chorál, ale i hru na hudební nástroje, schopnost číst noty. V polovině 9. st. objevila se nepovinná notace, jejíž postupný vývoj vedl po mnoha staletích ke vzniku moderní notové osnovy.

V 9. stol Gregoriánský chorál byl obohacen o sekvence, kterým se ve Francii také říká próza. Vytvoření této formy bylo připisováno mnichovi Notkerovi z kláštera St. Gallen (dnešní Švýcarsko). Notker však v předmluvě ke své „Knize hymnů“ uvedl, že informaci o sekvenci obdržel od mnicha z opatství Jumièges. Následně se ve Francii proslavili zejména autoři próz Adam z opatství Saint-Victor (12. století) a tvůrce slavné „Oslí prózy“ Pierre Corbeil (začátek 13. století). Další novinkou byly tropy – vložky uprostřed gregoriánského chorálu. Jejich prostřednictvím začaly do chrámové hudby pronikat světské melodie.

Od 10. stol. v Limoges, Tours a dalších městech se v útrobách samotné bohoslužby objevilo liturgické drama zrozené z dialogových tropů se střídáním „otázek“ a „odpovědí“ dvou antifonálních skupin sboru. Postupně se liturgické drama stále více vzdalovalo kultu (spolu s obrazy z evangelia byly zařazovány realistické postavy).

Od starověku se lidové písně vyznačovaly polyfonií, zatímco gregoriánský chorál se utvářel jako jednohlasý. V 9. století začaly do chrámové hudby pronikat i prvky polyfonie. V 9. století byly napsány příručky o organum polyfonii. Za autora nejstarší z nich je považován mnich Gukbald ze Saint-Aman u Tournai ve Flandrech. Polyfonní styl, který se vyvinul v církevní hudbě, se však liší od lidové hudební praxe.

světská hudba

Spolu s kultovní hudbou se rozvíjela i hudba světská, která zněla v lidovém životě, na dvorech franských králů, na hradech feudálů. Nositeli lidových hudebních tradic středověku byli především potulní muzikanti - kejklíři, kteří byli mezi lidmi velmi oblíbení. Zpívaly moralizující, humorné, satirické písně, tančily za doprovodu různých nástrojů, včetně tamburíny, bubnu, flétny, drnkacího nástroje loutnového typu (to přispělo k rozvoji instrumentální hudby). Kejklíři vystupovali o svátcích na vesnicích, na feudálních dvorech a dokonce i v klášterech (účastnili se některých rituálů, divadelních průvodů věnovaných církevním svátkům, tzv. koleda). Byli pronásledováni církví jako představitelé sekulární kultury jí nepřátelské. Ve 12.-13.stol. mezi kejklíři došlo k sociální stratifikaci. Někteří z nich se usadili na rytířských hradech, upadli do naprosté závislosti na feudálním rytíři, jiní pobývali ve městech. A tak se z kejklířů, kteří ztratili svobodu kreativity, stali usedlí pěvci na rytířských hradech a městští hudebníci. Tento proces však zároveň přispěl k pronikání lidového umění na hrady a do měst, které se stává základem rytířského a měšťanského hudebního a básnického umění.

V éře pozdního středověku se v souvislosti s všeobecným vzestupem francouzské kultury začalo intenzivně rozvíjet hudební umění. Na feudálních hradech na základě lidové hudby vzkvétalo světské hudební a básnické umění trubadúrů a trouvů (11.-14. století). Mezi trubadúry byli známí Markabrun, Guillaume IX - vévoda z Akvitánie, Bernard de Ventadorne, Geoffre Rudel (konec 11.-12. století), Bertrand de Born, Giraut de Borneil, Giraut Riquier (konec 12.-13. století). Ve 2. patře. 12. stol. v severních oblastech země vznikl podobný trend - umění truveurů, které bylo nejprve rytířské, a poté se stále více sbližovalo s lidovým uměním. Mezi trouveury se následně spolu s králi proslavila aristokracie - Richard Lví srdce, Thibault of Champagne (král Navarry), představitelé demokratických vrstev společnosti - Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Mony a další.

V souvislosti s růstem takových měst jako Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse atd. se ve 12-13 století rozvíjelo městské hudební umění, jehož tvůrci byli básníci-zpěváci z městských panství (řemeslníci, běžní občané a , navíc buržoazní) . Do umění trubadúrů a truveurů vnesli vlastní charakteristiky, vzdali se jeho vznešeně rytířské hudební a poetické představě, osvojili si lidová i všední témata, vytvořili charakteristický styl, vlastní žánry. Nejvýraznějším mistrem městské hudební kultury 13. století byl básník a skladatel Adam de la Halle, autor písní, motet a kromě toho populární hry „Hra Robina a Marion“ (kolem 1283). , nasycený městskými písněmi, tanci (už samotná myšlenka na vytvoření světského divadelního představení prostoupeného hudbou byla neobvyklá). Tradiční jednomyslné hudební a básnické žánry trubadúrů interpretoval novým způsobem pomocí polyfonie.

škola notre dame

Více: Škola Notre Dame

K posílení role přispělo posílení hospodářského a kulturního významu měst, vznik univerzit (včetně pařížské univerzity na počátku 13. století), kde hudba byla jedním z povinných předmětů (součást quadrivia). hudby jako umění. Paříž se ve 12. století stala jedním z center hudební kultury a především její Pěvecká škola katedrály Notre Dame, která sdružovala největší mistry – zpěváky-skladatele, vědce. S touto školou je spojen rozkvět ve 12.-13. kultovní polyfonie, vznik nových hudebních žánrů, objevy v oblasti hudební teorie.

V dílech skladatelů školy Notre Dame doznal gregoriánský chorál změn: dříve rytmicky volný, pružný chorál nabyl větší pravidelnosti a plynulosti (odtud název takového chorálu cantus planus). Komplikace polyfonní tkaniny a její rytmické struktury si vyžádaly přesné označení dob trvání a zdokonalení notového zápisu – v důsledku toho zástupci pařížské školy postupně docházeli k nahrazení doktríny modů menzurální notací. V tomto směru významně přispěl muzikolog John de Garlandia.

Polyfonie přivedla k životu nové žánry církevní i světské hudby, včetně dirigování a moteta. Dirigování se původně hrálo především při slavnostní bohoslužbě, ale zároveň se později stalo ryze světským žánrem. Mezi autory chování je Perotin.

Na základě dirigenta na konci 12. století. ve Francii vznikl nejdůležitější žánr polyfonní hudby, motet. Její rané příklady patří také mistrům pařížské školy (Perotin, Franco z Kolína nad Rýnem, Pierre de la Croix). Motet umožnil svobodu kombinovat liturgické a světské melodie a texty, což je kombinace, která vedla ke zrodu ve 13. století. vtipné motet. Žánr motet se v podmínkách režie dočkal výrazné aktualizace ve 14. století ars nova, jehož ideologem byl Philippe de Vitry.

V umění ars nova byl velký význam přikládán interakci „každodenní“ a „vědecké“ hudby (tedy písně a moteta). Philippe de Vitry vytvořil nový typ moteta - izorytmické motet. Inovace Philippa de Vitry ovlivnily i doktrínu konsonance a disonance (oznámil konsonance tercií a sext).

Myšlenky ars nova a zejména izorytmického moteta se dále rozvíjely v díle Guillauma de Machaux, který spojil umělecké úspěchy rytířského hudebního a poetického umění s jeho jednomyslnými písněmi a polyfonní městskou hudební kulturou. Vlastní písně s lidovým skladem (lay), virele, rondo, také nejprve rozvinul žánr vícehlasých balad. V motetu Machaux používal hudební nástroje důsledněji než jeho předchůdci (pravděpodobně dříve byly nižší hlasy instrumentální). Macheud je také považován za autora první francouzské vícehlasé mše (1364).

renesance

Čtěte více: Francouzská renesance

V 15. stol během stoleté války, vedoucí postavení v hudební kultuře Francie v 15. století. obsazené představiteli francouzsko-vlámské (nizozemské) školy. Po dvě století působili ve Francii nejvýraznější skladatelé nizozemské polyfonní školy: uprostřed. 15. stol. - J. Benchois, G. Dufay, ve 2. patře. 15. stol. - J. Okegem, J. Obrecht, v kon. 15 - prosit. 16. století - Josquin Despres, ve 2. patře. 16. století - Orlando di Lasso.

Na konci 15. stol ve Francii je zavedena kultura renesance. Vývoj francouzské kultury byl ovlivněn takovými faktory, jako je vznik buržoazie (15. století), boj za sjednocení Francie (který byl dokončen koncem 15. století) a vytvoření centralizovaného státu. Významný význam měl i neustálý rozvoj lidového umění a činnost skladatelů francouzsko-vlámské školy.

Role hudby ve společenském životě roste. Francouzští králové vytvářeli na svých dvorech velké kaple, pořádali hudební festivaly, královský dvůr se stal centrem profesionálního umění. Byla posílena role dvorní kaple. V roce 1581 schválil Jindřich III. místo „hlavního intendanta hudby“ u dvora, jako první tento post zastával italský houslista Baltazarini de Belgioso. Vedle královského dvora a kostela byly významnými centry hudebního umění i šlechtické salony.

Rozkvět renesance, spojený s formováním francouzské národní kultury, spadá do poloviny 16. století. V této době se světská vícehlasá píseň - šanson - stala vynikajícím žánrem profesionálního umění. Její polyfonní styl dostává novou interpretaci, v souladu s myšlenkami francouzských humanistů - Rabelaise, Clementa Marota, Pierra de Ronsarda. Za předního autora šansonů této doby je považován Clement Janequin, který napsal více než 200 vícehlasých písní. Šansony se proslavily nejen ve Francii, ale i v zahraničí, především díky notovým zápisům a upevňování vazeb mezi evropskými zeměmi.

Během renesance vzrostla role instrumentální hudby. Viola, loutna, kytara, housle (jako lidový nástroj) byly široce používány v hudebním životě. Instrumentální žánry pronikly jak do všední hudby, tak do profesionální, částečně církevní hudby. Mezi dominanty v 16. století patřily loutnové taneční kusy. polyfonní díla rytmickou plasticitou, homofonní skladbou, průhledností textury. Charakteristické bylo spojení dvou a více tanců podle principu rytmického kontrastu do svérázných cyklů, které se staly základem budoucí taneční suity. Varhanní hudba také získala samostatnější význam. Vznik varhanické školy ve Francii (konec 16. století) je spojen s působením varhaníka J. Titluze.

V roce 1570 Jean-Antoine de Baif založil Akademii poezie a hudby. Členové této akademie se snažili oživit starověkou poeticko-hudební metriku a hájili princip nerozlučného spojení hudby a poezie.

Významná vrstva v hudební kultuře Francie v 16. století. byla hudba hugenotů. Hugenotské písně používaly melodie populárních domácích a lidových písní a přizpůsobovaly je přeloženým francouzským liturgickým textům. O něco později dal náboženský boj ve Francii vzniknout hugenotským žalmům s jejich charakteristickým přenesením melodie do vyššího hlasu a odmítnutím vícehlasých složitostí. Největší hugenotští skladatelé, kteří složili žalmy, byli Claude Goudimel, Claude Lejeune.

Vzdělání

Přečtěte si více: Age of Enlightenment

17. století

Silný vliv na francouzskou hudbu 17. století měla racionalistická estetika klasicismu, která kladla požadavky vkusu, rovnováhy krásy a pravdy, jasnosti záměru, harmonie kompozice. Klasicismus, který se rozvíjel současně s barokním stylem, obdržel ve Francii v 17. století. kompletní výraz.

V této době světská hudba ve Francii převažuje nad duchovní. Se vznikem absolutní monarchie získalo dvorské umění velký význam, který určil směr vývoje nejvýznamnějších žánrů francouzské hudby té doby - opery a baletu. Léta vlády Ludvíka XIV. se vyznačovala mimořádnou nádherou dvorského života, touhou šlechty po luxusu a sofistikovaných zábavách. V tomto ohledu byla velká role přidělena dvornímu baletu. V 17. stol Italské trendy u dvora zesílily, k čemuž přispěl zejména kardinál Mazarin. Seznámení s italskou operou posloužilo jako podnět k vytvoření vlastní národní opery, první zkušenost v této oblasti patří Elisabeth Jacquet de la Guerre (Triumf lásky, 1654).

V roce 1671 byl v Paříži otevřen operní dům s názvem Royal Academy of Music. Šéfem tohoto divadla byl J. B. Lully, který je dnes považován za zakladatele národní operní školy. Lully vytvořil řadu komedií-baletů, které se staly předchůdcem žánru lyrické tragédie a později - opery-baletu. Lullyho příspěvek k instrumentální hudbě je zásadní. Vytvořil typ francouzské operní předehry (termín se ustálil ve 2. polovině 17. století ve Francii). Četné tance z jeho děl velkých forem (menuet, gavota, sarabanda aj.) ovlivnily další formování orchestrální suity.

Na konci 17. - 1. poloviny 18. století psali pro divadlo takoví skladatelé jako N. A. Charpentier, A. Kampra, M. R. Delaland, A. K. Detouche. S Lullyho nástupci se umocňuje konvenčnost dvorského divadelního stylu. V jejich lyrických tragédiích vystupují do popředí dekorativně-baletní, pastýřsko-idylické stránky a dramatický začátek je stále více slábnut. Lyrická tragédie ustupuje opeře-baletu.

V 17. stol ve Francii se vyvinuly různé instrumentální školy - loutna (D. Gauthier, který ovlivnil styl cembala J. A. Angleberta, J. Ch. de Chambonnière), cembalo (Chambonniere, L. Couperin), viola (M. Ve Francii uvedl kontrabas do operního orchestru místo kontrabasové violy). Největšího významu nabyla francouzská škola cembalistů. Raný styl cembala se vyvíjel pod přímým vlivem loutnového umění. V dílech Chambonnière se promítl způsob zdobení melodie, charakteristický pro francouzské cembalisty. Množství dekorací dodávalo dílům pro cembalo jistou propracovanost i větší ucelenost, „melodičnost“, „délku“ a trhavý zvuk tohoto nástroje. V instrumentální hudbě byla široce používána hudba používaná od 16. století. spojení párových tanců (pavane, galliard aj.), které vedlo v 17. století ke vzniku instrumentální suity.

18. století

V 18. století se se sílícím vlivem buržoazie formovaly nové formy hudebního a společenského života. Postupně koncerty přesahují palácové sály a šlechtické salony. V roce 1725 A. Philidor (Danikan) pořádal v Paříži pravidelné veřejné „Duchovní koncerty“ a v roce 1770 Francois Gossec založil společnost „Amatérské koncerty“. Večery akademické společnosti Friends of Apollo (založené roku 1741) měly uzavřenější charakter a Royal Academy of Music pořádala každoroční koncertní cykly.

Ve 20-30 letech 18. stol. cembalová suita dosahuje svého vrcholu. Mezi francouzskými cembalisty má hlavní roli F. Couperin, autor volných cyklů založených na principech podobnosti a kontrastu skladeb. Spolu s Couperinem přispěli k rozvoji programově charakteristické cembalové suity také J. F. Dandre a především J. F. Rameau.

V roce 1733 zajistila úspěšná premiéra Rameauovy opery Hippolyte et Arisia tomuto skladateli vedoucí postavení ve dvorní opeře Royal Academy of Music. V díle Rameaua dosáhl žánr lyrické tragédie svého vrcholu. Jeho vokálně-deklamační styl byl obohacen o melodicko-harmonický projev. Jeho dvoudílné předehry se vyznačují velkou pestrostí, ale zároveň jsou v jeho tvorbě zastoupeny i předehry třídílné, blízké italské opeře „sinfonia“. V řadě oper Rameau předjímal mnohé pozdější úspěchy na poli hudebně dramatické tvorby, čímž připravil cestu pro operní reformu K. V. Glucka. Rameau vlastní vědecký systém, jehož řada ustanovení sloužila jako základ moderní doktríny harmonie („Pojednání o harmonii“, 1722; „O původu Harmony“, 1750 atd.).

V polovině 18. století již heroicko-mytologické opery Lullyho, Rameaua a dalších autorů nevyhovovaly estetickým nárokům měšťanského publika. Svou oblibou jsou horší než ostře satirická pouťová představení známá od konce 17. století. Tato představení mají za cíl zesměšnit morálku „vyšších“ vrstev společnosti a také parodovat dvorní operu. Prvními autory takových komických oper byli dramaturgové A. R. Lesage a C. S. Favara. V hlubinách pouťového divadla dozrál nový francouzský operní žánr - operní komik. Jeho pozici posílil v roce 1752 příjezd italského operního souboru do Paříže, který zde uvedl řadu nadšených oper, včetně Pergolesiho Sluhy-paní, a spor o operní umění, který se rozhořel mezi příznivci (buržoazně-demokratické kruhy) a odpůrci (představitelé aristokracie) italské operní fanynky, - t. zv. „Válka Buffoonů“.

V napjaté atmosféře Paříže nabyla tato kontroverze zvláštní naléhavosti a vyvolala obrovský pobouření veřejnosti. Aktivně se na něm podílely postavy francouzského osvícenství, které podporovaly demokratické umění „buffonistů“ a Rousseauův pastorační „Vesnický čaroděj“ (1752) vytvořil základ první francouzské komické opery. Jimi proklamované heslo „imitace přírody“ mělo velký vliv na formování francouzského operního stylu 18. století. Díla encyklopedistů obsahují i ​​cenná estetická a hudebně-teoretická zobecnění.

Porevoluční doba

Jedna z prvních publikací „La Marseillaise“, státní hymny Francie, 1792

Velká francouzská revoluce přinesla obrovské změny do všech oblastí hudebního umění. Hudba se stává nedílnou součástí všech událostí revoluční doby, nabývá společenských funkcí, což přispělo k ustavení masových žánrů – písní, hymnů, pochodů a dalších. Divadlo prošlo i vlivem Francouzské revoluce – vznikly takové žánry jako apoteóza, propagandistické představení využívající velké sborové mše. Během let revoluce prošla „opera spásy“ zvláštním vývojem, nastolila témata boje proti tyranii, odhalovala duchovenstvo, oslavovala loajalitu a oddanost. Velký význam nabyla dechová hudba a byla založena kapela Národní gardy.

Radikálními proměnami prošel i systém hudebního vzdělávání. Metriky byly zrušeny; ale v roce 1792 byla otevřena hudební škola Národní gardy pro výcvik vojenských hudebníků a v roce 1793 Národní hudební institut (od roku 1795 pařížská konzervatoř).

Období napoleonské diktatury (1799-1814) a restaurování (1814-15, 1815-30) nepřineslo francouzské hudbě jasné úspěchy. Na konci období restaurování dochází k oživení v oblasti kultury. V boji proti akademickému umění napoleonského císařství se formovala francouzská romantická opera, která ve 20. a 30. letech zaujímala dominantní postavení (F. Aubert). Ve stejných letech vznikl žánr velké opery na historická, vlastenecká a hrdinská témata. Francouzský hudební romantismus našel své nejživější vyjádření v díle G. Berlioze, tvůrce programového romantického symfonismu. Berlioz je spolu s Wagnerem také považován za zakladatele nové dirigentské školy.

Během let Druhého císařství (1852-70) se hudební kultura Francie vyznačovala vášní pro kavárenské koncerty, divadelní revue a umění šansoniérky. Během těchto let vznikla četná divadla lehkých žánrů, kde se hrály vaudeville a frašky. Francouzská opereta se rozvíjí, mezi její tvůrce patří J. Offenbach, F. Herve. Od 70. let 19. století v podmínkách třetí republiky ztratila opereta satiru, parodii, aktuálnost, převládaly historické, všední i lyricko-romantické zápletky, v hudbě se do popředí dostala lyrika.

Opera a balet v druhé polovině 19. století. dochází k nárůstu realistických tendencí. V opeře se tato tendence projevila v touze po každodenních zápletkách, po zobrazení obyčejných lidí s jejich intimními zážitky. Nejznámějším tvůrcem lyrické opery je Ch. Gounod, autor oper Faust (1859, 2. vydání 1869), Mireil a Romeo a Julie. K žánru lyrické opery se obrátili i J. Massenet a J. Bizet, v jeho opeře Carmen se výrazněji projevuje realistický princip.

Maurice Ravel, 1912

Koncem 80. - 90. let 19. století vznikl ve Francii nový trend, který se rozšířil na počátku 20. století - impresionismus. Hudební impresionismus oživil určité národní tradice - touhu po konkrétnosti, programovosti, sofistikovanosti stylu, průhlednosti textury. Impresionismus našel své nejplnější vyjádření v hudbě C. Debussyho, ovlivnil tvorbu M. Ravela, P. Duka a dalších. Impresionismus zavedl inovace i na poli hudebních žánrů. V Debussyho díle ustupují symfonické cykly symfonickým skicám; klavírní hudbě dominují programové miniatury. Maurice Ravel byl také ovlivněn estetikou impresionismu. V jeho tvorbě se prolínaly různé estetické a stylové tendence - romantické, impresionistické, v pozdějších dílech neoklasické tendence.

Spolu s impresionistickými tendencemi ve francouzské hudbě přelomu 19. a 20. století. tradice Saint-Saens se dále rozvíjely, stejně jako Franck, jehož dílo se vyznačuje kombinací klasické jasnosti stylu s živými romantickými obrazy.

Skladatelé „francouzské šestky“.

Po první světové válce francouzské umění spíše odmítá německý vliv, usiluje o novost a zároveň o jednoduchost. V této době se pod vlivem skladatele Erica Satieho a kritika Jeana Cocteaua vytvořilo tvůrčí sdružení nazvané „Francouzská šestka“, jehož členové se stavěli nejen proti wagneriánství, ale i impresionistické „vágnosti“. Podle jejího autora Francise Poulenca však skupina „nemala jiné cíle než čistě přátelské a už vůbec ne ideologické sdružení“ a od dvacátých let se její členové (mezi nejznámějšími také Arthur Honegger a Darius Milhaud) každý vyvíjel individuálním způsobem.

V roce 1935 vzniklo ve Francii nové tvůrčí sdružení skladatelů – „Mladá Francie“, do kterého patřili mimo jiné takoví skladatelé jako O. Messiaen, A. Jolivet, kteří podobně jako „Šestka“ kladli oživení národních tradic a humanistické myšlenky v popředí. Odmítli akademismus a neoklasicismus, zaměřili své úsilí na aktualizaci prostředků hudebního vyjádření. Nejvlivnější byly Messiaenovy rešerše v oblasti modálních a rytmických struktur, které byly vtěleny jak do jeho hudebních děl, tak do muzikologických pojednání.

Po druhé světové válce se ve francouzské hudbě rozšířily avantgardní hudební proudy. Vynikajícím představitelem francouzské hudební avantgardy byl skladatel a dirigent Pierre Boulez, který rozvíjející principy A. Weberna široce využívá kompozičních metod jako pointilismus a serialita. Zvláštní "stochastický" systém skladby používá skladatel řeckého původu J. Xenakis.

Francie sehrála významnou roli ve vývoji elektronické hudby - právě zde se koncem 40. let objevila specifická hudba, počítač s grafickým vstupem informací - UPI byl vyvinut pod vedením Xenakise a v 70. letech směr spektrální hudby se narodil ve Francii. Od roku 1977 se IRCAM, výzkumný ústav založený Pierrem Boulezem, stal centrem experimentální hudby.