ดนตรีแจ๊ส: คุณสมบัติและลักษณะเฉพาะ ทิศทางและสไตล์ของดนตรีแจ๊ส ประเภทของดนตรีแจ๊ส

หลังจากที่คริสโตเฟอร์ โคลัมบัสค้นพบทวีปใหม่และชาวยุโรปตั้งรกรากอยู่ที่นั่น เรือของพ่อค้ามนุษย์ก็แล่นตามชายฝั่งอเมริกามากขึ้นเรื่อยๆ

เหน็ดเหนื่อยจากการทำงานหนัก คิดถึงบ้าน และความทุกข์ทรมานจากการปฏิบัติอย่างโหดร้ายของทหารยาม เหล่าทาสพบการปลอบใจด้วยเสียงเพลง ชาวอเมริกันและชาวยุโรปเริ่มสนใจท่วงทำนองและจังหวะที่ผิดปกติ นี่คือสิ่งที่แจ๊สถือกำเนิดขึ้น แจ๊สคืออะไรและมีคุณสมบัติอะไรบ้างเราจะพิจารณาในบทความนี้

คุณสมบัติของทิศทางดนตรี

แจ๊สหมายถึงดนตรีที่มีต้นกำเนิดจากแอฟริกันอเมริกัน ซึ่งมีพื้นฐานมาจากการด้นสด (สวิง) และการสร้างจังหวะแบบพิเศษ (ซินโคป) ไม่เหมือนกับพื้นที่อื่นๆ ที่คนหนึ่งเขียนเพลงและอีกคนหนึ่งแสดง นักดนตรีแจ๊สก็เป็นนักแต่งเพลงเช่นกัน

ท่วงทำนองถูกสร้างขึ้นโดยธรรมชาติ ระยะเวลาของการเขียน การแสดงจะถูกคั่นด้วยระยะเวลาขั้นต่ำ นี่คือที่มาของดนตรีแจ๊ส วงออเคสตรา? นี่คือความสามารถของนักดนตรีที่จะปรับตัวเข้าหากัน ในขณะเดียวกันทุกคนก็โพล่งออกมาเอง

ผลลัพธ์ของการแต่งเพลงที่เกิดขึ้นเองจะถูกเก็บไว้ในโน้ตดนตรี (T. Cowler, G. Arlen "มีความสุขตลอดวัน", D. Ellington "คุณไม่รู้หรือว่าฉันรักอะไร" เป็นต้น)

เมื่อเวลาผ่านไป ดนตรีแอฟริกันถูกสังเคราะห์เข้ากับดนตรียุโรป ท่วงทำนองที่ผสมผสานความเป็นพลาสติก จังหวะ ความไพเราะ และความกลมกลืนของเสียง (CHEATHAM Doc, Blues In My Heart, CARTER James, Centerpiece ฯลฯ)

ทิศทาง

มีแจ๊สมากกว่าสามสิบทิศทาง ลองพิจารณาบางส่วนของพวกเขา

1. บลูส์ แปลจากภาษาอังกฤษคำว่า "ความเศร้า", "ความเศร้าโศก" เดิมที Blues เป็นเพลงร้องเดี่ยวของชาวแอฟริกันอเมริกัน แจ๊สบลูส์เป็นช่วงเวลาสิบสองแท่งที่สอดคล้องกับรูปแบบกลอนสามบรรทัด การแต่งเพลงบลูส์ดำเนินไปอย่างช้าๆ อาจมีการพูดเกินจริงอยู่บ้างในข้อความ เพลงบลูส์ - Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith และคนอื่นๆ

2. แร็กไทม์ การแปลตามตัวอักษรของชื่อสไตล์คือเวลาเสีย ในภาษาของดนตรี "reg" หมายถึงเสียงที่เพิ่มเติมระหว่างจังหวะของการวัด ทิศทางดังกล่าวปรากฏในสหรัฐอเมริกาหลังจากที่พวกเขาหลงใหลในผลงานของ F. Schubert, F. Chopin และ F. Liszt ในต่างประเทศ ดนตรีของนักแต่งเพลงชาวยุโรปแสดงในรูปแบบของดนตรีแจ๊ส การแต่งเพลงดั้งเดิมในภายหลังปรากฏขึ้น Ragtime เป็นลักษณะของงานของ S. Joplin, D. Scott, D. Lamb และอื่น ๆ

3. บูกี้วูกี้ สไตล์นี้ปรากฏขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ผ่านมา เจ้าของร้านกาแฟราคาไม่แพงต้องการนักดนตรีที่เล่นดนตรีแจ๊ส ดนตรีประกอบคืออะไร จำเป็นต้องมีวงออเคสตรา แต่การเชิญนักดนตรีจำนวนมากมานั้นมีราคาแพง เสียงของเครื่องดนตรีต่าง ๆ ได้รับการชดเชยโดยนักเปียโน สร้างจังหวะมากมาย คุณสมบัติบูกี้:

• ด้นสด;
• เทคนิคอัจฉริยะ
• ดนตรีประกอบพิเศษ: มือซ้ายทำการกำหนดค่ามอเตอร์ ostinant ช่วงเวลาระหว่างเสียงเบสและเมโลดี้คือสองหรือสามอ็อกเทฟ
• จังหวะต่อเนื่อง
• การยกเว้นคันเหยียบ

Boogie-woogie รับบทโดย Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery และคนอื่นๆ

ตำนานสไตล์

แจ๊สเป็นที่นิยมในหลายประเทศทั่วโลก ทุกที่ที่มีดวงดาวซึ่งล้อมรอบด้วยกองทัพของแฟน ๆ แต่บางชื่อได้กลายเป็นตำนานที่แท้จริง พวกเขาเป็นที่รู้จักและรักไปทั่ว โดยเฉพาะ หลุยส์ อาร์มสตรอง นักดนตรีเหล่านี้

ไม่มีใครรู้ว่าชะตากรรมของเด็กชายจากย่านนิโกรที่ยากจนจะพัฒนาไปอย่างไรหากหลุยส์ไม่ได้อยู่ในค่ายกักกัน ที่นี่ดาวแห่งอนาคตถูกบันทึกในวงดนตรีทองเหลือง แต่ทีมไม่ได้เล่นดนตรีแจ๊ส และวิธีการดำเนินการ ชายหนุ่มค้นพบในภายหลัง อาร์มสตรองได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลกด้วยความขยันหมั่นเพียรและความอุตสาหะ

Billie Holiday (ชื่อจริง Eleanor Fagan) ถือเป็นผู้ก่อตั้งการร้องเพลงแจ๊ส นักร้องมาถึงจุดสูงสุดของความนิยมในยุค 50 ของศตวรรษที่ผ่านมาเมื่อเธอเปลี่ยนฉากของไนท์คลับเป็นเวที

ชีวิตไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับเจ้าของช่วงสามอ็อกเทฟ Ella Fitzgerald หลังจากการตายของแม่ของเธอ ผู้หญิงคนนั้นก็หนีออกจากบ้านและดำเนินชีวิตที่ไม่ค่อยดีนัก จุดเริ่มต้นของอาชีพนักร้องคือการแสดงในการแข่งขันดนตรีสมัครเล่นคืน

George Gershwin มีชื่อเสียงระดับโลก นักแต่งเพลงได้สร้างสรรค์ผลงานดนตรีแจ๊สจากดนตรีคลาสสิก ลักษณะการแสดงที่ไม่คาดคิดทำให้ผู้ฟังและเพื่อนร่วมงานหลงใหล คอนเสิร์ตมักจะมาพร้อมกับเสียงปรบมือ ผลงานที่โด่งดังที่สุดของ D. Gershwin ได้แก่ "Rhapsody in Blues" (ประพันธ์ร่วมกับ Fred Grof), โอเปร่า "Porgy and Bess", "An American in Paris"

นักแสดงดนตรีแจ๊สยอดนิยมยังเป็นและยังคงเป็น Janis Joplin, Ray Charles, Sarah Vaughn, Miles Davis และคนอื่น ๆ

แจ๊สในสหภาพโซเวียต

การเกิดขึ้นของกระแสดนตรีนี้ในสหภาพโซเวียตมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของกวี นักแปล และผู้ชมละคร Valentin Parnakh คอนเสิร์ตครั้งแรกของวงดนตรีแจ๊สที่นำโดยอัจฉริยะเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2465 ต่อมา A. Tsfasman, L. Utyosov, Y. Skomorovsky ได้กำหนดทิศทางของละครเพลงแจ๊สโดยผสมผสานการแสดงดนตรีและโอเปเรตตา E. Rozner และ O. Lundstrem ทำหลายอย่างเพื่อทำให้ดนตรีแจ๊สเป็นที่นิยม

ในช่วงทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ผ่านมา ดนตรีแจ๊สถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างกว้างขวางว่าเป็นปรากฏการณ์ของวัฒนธรรมชนชั้นกลาง ในปี 1950 และ 1960 การโจมตีนักแสดงหยุดลง วงดนตรีแจ๊สถูกสร้างขึ้นทั้งใน RSFSR และในสาธารณรัฐสหภาพอื่น ๆ

วันนี้แจ๊สแสดงโดยไม่มีอุปสรรคในสถานที่จัดคอนเสิร์ตและในคลับ

การทำความเข้าใจว่าใครเป็นใครในดนตรีแจ๊สนั้นไม่ใช่เรื่องง่าย ทิศทางนี้ประสบความสำเร็จในเชิงพาณิชย์และบ่อยครั้งที่พวกเขาตะโกนเกี่ยวกับ "คอนเสิร์ตเดียวของ Vasya Pupkin ในตำนาน" และบุคคลสำคัญจริงๆก็เข้าไปในเงามืด ภายใต้แรงกดดันจากผู้ชนะรางวัลแกรมมี่และโฆษณาจากวิทยุแจ๊ส มันเป็นเรื่องง่ายที่จะหลุดโฟกัสและไม่สนใจสไตล์ หากคุณต้องการเรียนรู้วิธีที่จะเข้าใจดนตรีประเภทนี้และอาจจะรักมัน ให้เรียนรู้กฎที่สำคัญที่สุด: อย่าไว้ใจใคร

จำเป็นต้องทำการตัดสินเกี่ยวกับปรากฏการณ์ใหม่ด้วยความระมัดระวัง หรืออย่าง Hugues Panasier นักดนตรีชื่อดังที่ขีดเส้นและตีตราดนตรีแจ๊สทั้งหมดหลังยุค 50 โดยเรียกมันว่า "ของปลอม" ในท้ายที่สุด เขากลายเป็นคนผิด แต่สิ่งนี้ไม่ได้ส่งผลกระทบต่อความนิยมของหนังสือ The History of Genuine Jazz ของเขา

เป็นการดีกว่าที่จะปฏิบัติต่อปรากฏการณ์ใหม่ด้วยความสงสัยอย่างเงียบ ๆ ดังนั้นคุณจะผ่านไปได้อย่างแน่นอน: ความหัวสูงและการยึดมั่นในสิ่งเก่าเป็นหนึ่งในลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของวัฒนธรรมย่อย

ในการสนทนาเกี่ยวกับดนตรีแจ๊สมักจะกล่าวถึง Louis Armstrong และ Ella Fitzgerald - ดูเหมือนว่าคุณจะไม่ผิดพลาดที่นี่ แต่คำพูดดังกล่าวเป็นการทรยศต่อสามเณร บุคคลเหล่านี้เป็นสัญลักษณ์ และถ้าคุณยังสามารถพูดถึงฟิตซ์เจอรัลด์ในบริบทที่เหมาะสมได้ อาร์มสตรองก็คือชาร์ลี แชปลินแห่งดนตรีแจ๊ส คุณจะไม่คุยกับแฟนหนังเรื่องชาร์ลี แชปลิน ใช่ไหม และถ้าคุณทำ อย่างน้อยก็ไม่ใช่ตั้งแต่แรก การพูดถึงชื่อที่มีชื่อเสียงทั้งสองนั้นเป็นไปได้ในบางกรณี แต่ถ้าคุณไม่มีอะไรในกระเป๋าเลยนอกจากเอซสองตัวนี้ ให้ถือไว้และรอสถานการณ์ที่เหมาะสม

ในหลายทิศทางมีปรากฏการณ์ที่ทันสมัยและไม่ทันสมัยมากนัก แต่ในระดับที่ยิ่งใหญ่ที่สุดนี่คือลักษณะของดนตรีแจ๊ส ฮิปสเตอร์ผู้ใหญ่ที่เคยมองหาของหายากและแปลกจะไม่เข้าใจว่าทำไมดนตรีแจ๊สของเช็กในยุค 40 จึงไม่น่าสนใจ เป็นไปไม่ได้ที่จะพบสิ่งที่ "ผิดปกติ" อย่างมีเงื่อนไขและกล้าหาญด้วย "ความรู้ลึก" ของคุณที่นี่ ในการจินตนาการถึงรูปแบบโดยทั่วไป ควรระบุทิศทางหลักตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 19

แร็กไทม์และบลูส์บางครั้งถูกเรียกว่าโปรโตแจ๊ส และถ้าในมุมมองของสมัยใหม่นั้นยังไม่สมบูรณ์นัก เป็นเรื่องที่น่าสนใจในแง่ของประวัติศาสตร์ดนตรี บลูส์ก็ยังคงมีความเกี่ยวข้อง

แร็กไทม์ โดย สก็อตต์ จอปลิน

และแม้ว่านักวิจัยจะเรียกสภาพจิตใจของชาวรัสเซียและความรู้สึกสิ้นหวังทั้งหมดว่าเป็นสาเหตุของความรักที่มีต่อเพลงบลูส์ในยุค 90 แต่ในความเป็นจริงแล้วทุกอย่างจะง่ายกว่านี้มาก

คัดสรรเพลงบลูส์ยอดนิยม 100 เพลง

บูกี้วูกี้สุดคลาสสิค

เช่นเดียวกับในวัฒนธรรมยุโรป ชาวแอฟริกันอเมริกันแบ่งดนตรีออกเป็นฆราวาสและจิตวิญญาณ และถ้าเพลงบลูส์อยู่ในกลุ่มแรก กลุ่มที่สองก็จะแบ่งจิตวิญญาณและพระกิตติคุณ

จิตวิญญาณมีความเคร่งครัดมากกว่าข่าวประเสริฐและบรรเลงโดยคณะนักร้องประสานเสียงของผู้ศรัทธา ซึ่งมักจะตบมือเป็นเลขคู่พร้อมกัน ซึ่งเป็นลักษณะสำคัญของดนตรีแจ๊สทุกสไตล์ และเป็นปัญหาสำหรับผู้ฟังชาวยุโรปจำนวนมากที่ปรบมือไม่เป็นที่ เพลงของโลกเก่ามักทำให้เราพยักหน้ารับจังหวะแปลก ๆ ในดนตรีแจ๊สมันตรงกันข้าม ดังนั้น หากคุณไม่แน่ใจว่าคุณรู้สึกถึงจังหวะที่สองและสี่เหล่านี้ ซึ่งผิดปกติสำหรับชาวยุโรป จะเป็นการดีกว่าถ้าคุณไม่ปรบมือ หรือดูนักแสดงทำเองแล้วลองอีกครั้ง

ฉากจากภาพยนตร์เรื่อง "12 Years a Slave" กับการแสดงของจิตวิญญาณคลาสสิก

จิตวิญญาณร่วมสมัยโดย Take 6

เพลงพระกิตติคุณมักแสดงโดยนักร้องคนเดียว พวกเขามีอิสระมากกว่าจิตวิญญาณ ดังนั้นพวกเขาจึงกลายเป็นที่นิยมในฐานะประเภทคอนเสิร์ต

เพลงพระกิตติคุณคลาสสิกบรรเลงโดย Mahalia Jackson

เพลงพระกิตติคุณสมัยใหม่จากภาพยนตร์เรื่อง Joyful Noise

ในปี 1910 แจ๊สแบบดั้งเดิมหรือนิวออร์ลีนส์เริ่มเป็นรูปเป็นร่าง ดนตรีที่เกิดขึ้นแสดงโดยวงออเคสตร้าข้างถนนซึ่งได้รับความนิยมอย่างมาก ความสำคัญของเครื่องดนตรีเพิ่มขึ้นอย่างมาก เหตุการณ์สำคัญของยุคคือการเกิดขึ้นของวงดนตรีแจ๊ส วงออร์เคสตร้าขนาดเล็ก 9-15 คน ความสำเร็จของวงดนตรีนิโกรเป็นแรงบันดาลใจให้ชาวอเมริกันผิวขาวที่สร้างสิ่งที่เรียกว่า Dixielands

ดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมเกี่ยวข้องกับภาพยนตร์เกี่ยวกับพวกอันธพาลชาวอเมริกัน นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าความมั่งคั่งของมันตกอยู่กับวันที่ห้ามและภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่ หนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของสไตล์คือ Louis Armstrong ที่กล่าวถึงแล้ว

คุณสมบัติที่โดดเด่นของวงดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมคือตำแหน่งที่มั่นคงของแบนโจ ตำแหน่งนำของทรัมเป็ต และการมีส่วนร่วมอย่างเต็มที่ของคลาริเน็ต เครื่องดนตรีสองชิ้นสุดท้ายจะเข้ามาแทนที่แซกโซโฟนเมื่อเวลาผ่านไปซึ่งจะกลายเป็นผู้นำถาวรของวงออเคสตราดังกล่าว โดยธรรมชาติของดนตรีแล้ว ดนตรีแจ๊สดั้งเดิมจะมีความคงที่มากกว่า

วงดนตรีแจ๊สเยลลี่โรลมอร์ตัน

วงดนตรีแจ๊ส Dixieland ของ Dixieland Marshall สมัยใหม่

ดนตรีแจ๊สผิดอย่างไร และทำไมจึงเป็นเรื่องปกติที่จะบอกว่าไม่มีใครสามารถเล่นดนตรีนี้ได้?

มันคือทั้งหมดที่เกี่ยวกับต้นกำเนิดในแอฟริกาของเธอ แม้ว่าข้อเท็จจริงที่ว่าในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 คนผิวขาวได้ปกป้องสิทธิ์ของพวกเขาในรูปแบบนี้ แต่ก็ยังเชื่อกันอย่างกว้างขวางว่าชาวแอฟริกันอเมริกันมีจังหวะพิเศษที่ช่วยให้พวกเขาสร้างความรู้สึกของการแกว่งซึ่งเรียกว่า "สวิง" (จากภาษาอังกฤษถึงการแกว่ง -“ การแกว่ง ") การโต้เถียงกับเรื่องนี้มีความเสี่ยง: นักเปียโนผิวขาวผู้ยิ่งใหญ่ส่วนใหญ่ตั้งแต่ทศวรรษ 1950 จนถึงสมัยของเรามีชื่อเสียงจากการชี้นำหรือการแสดงด้นสดทางปัญญาที่ทรยศต่อความรู้ทางดนตรีที่ลึกซึ้ง

ดังนั้น หากคุณพูดถึงนักเล่นดนตรีแจ๊สผิวขาวในบทสนทนา คุณไม่ควรพูดว่า "เขาสวิงได้ยอดเยี่ยมแค่ไหน" เพราะท้ายที่สุดแล้ว เขาสวิงได้ตามปกติหรือไม่เลย นั่นคือการเหยียดเชื้อชาติแบบย้อนกลับ

และคำว่า "สวิง" นั้นล้าสมัยเกินไปควรออกเสียงในตำแหน่งสุดท้ายเมื่ออาจเหมาะสม

ผู้เล่นแจ๊สแต่ละคนจะต้องสามารถแสดง "มาตรฐานแจ๊ส" (ท่วงทำนองหลักหรืออีกนัยหนึ่งคือเอเวอร์กรีน) ซึ่งแบ่งออกเป็นวงออเคสตราและวงดนตรี ตัวอย่างเช่น In the Mood เป็นหนึ่งในกลุ่มแรกๆ

ในอารมณ์. ขับร้องโดย Glenn Miller Orchestra

ในขณะเดียวกันผลงานที่มีชื่อเสียงของ George Gershwin ก็ปรากฏขึ้น ซึ่งถือว่าเป็นทั้งดนตรีแจ๊สและวิชาการในเวลาเดียวกัน ได้แก่ Blues Rhapsody (หรือ Blue Rhapsody) ที่เขียนในปี 1924 และโอเปร่า Porgy and Bess (1935) ซึ่งโด่งดังจากเพลง Summertime ก่อนเกิร์ชวินนักแต่งเพลงแจ๊สเช่น Charles Ives และ Antonin Dvorak ใช้ฮาร์โมนีแจ๊ส (ซิมโฟนี "จากโลกใหม่")

จอร์จ เกิร์ชวิน. พอร์กี้กับเบส. อาเรีย ซัมเมอร์ไทม์. แสดงทางวิชาการโดย Maria Callas

จอร์จ เกิร์ชวิน. พอร์กี้กับเบส. อาเรีย ซัมเมอร์ไทม์. แจ๊สโดย Frank Sinatra

จอร์จ เกิร์ชวิน. พอร์กี้กับเบส. อาเรีย ซัมเมอร์ไทม์. เวอร์ชั่นร็อค. แสดงโดย เจนิส จอปลิน

จอร์จ เกิร์ชวิน. บลูส์แรปโซดี. แสดงโดย Leonard Bernstein และวงออร์เคสตราของเขา

Nikolai Kapustin นักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งเช่น Gershwin เขียนในสไตล์แจ๊ส .

ทั้งสองค่ายมองการทดลองดังกล่าวด้วยความสงสัย: นักดนตรีแจ๊สเชื่อว่างานเขียนที่ปราศจากการด้นสดจะไม่ใช่ดนตรีแจ๊ส "ตามคำนิยาม" อีกต่อไป และนักแต่งเพลงที่เป็นนักวิชาการมองว่าการแสดงดนตรีแจ๊สที่แสดงออกนั้นเป็นเรื่องเล็กน้อยเกินกว่าจะทำงานร่วมกับพวกเขาอย่างจริงจัง

อย่างไรก็ตาม นักแสดงคลาสสิกเล่น Kapustin ด้วยความเพลิดเพลินและแม้แต่พยายามด้นสด ในขณะที่คู่หูของพวกเขาแสดงอย่างฉลาดกว่า ไม่รุกล้ำอาณาเขตของผู้อื่น นักเปียโนนักวิชาการที่แสดงการแสดงสดในที่สาธารณะถือเป็นมีมในแวดวงดนตรีแจ๊สมาช้านาน

นับตั้งแต่ทศวรรษที่ 1920 เป็นต้นมา จำนวนบุคคลสำคัญทางศาสนาและบุคคลสำคัญในประวัติศาสตร์ของทิศทางดังกล่าวมีมากขึ้นเรื่อย ๆ และเป็นการยากที่จะใส่ชื่อจำนวนมากเหล่านี้ไว้ในหัวของคุณ อย่างไรก็ตาม บางส่วนสามารถรับรู้ได้จากลักษณะเสียงต่ำหรือลักษณะการแสดงของพวกเขา หนึ่งในนักร้องที่น่าจดจำเหล่านี้คือ Billie Holiday

ทั้งหมดของฉัน. แสดงโดยบิลลี ฮอลิเดย์

ในยุค 50 ยุคใหม่ที่เรียกว่า "แจ๊สสมัยใหม่" เริ่มต้นขึ้น นักดนตรี Yug Panasier ดังกล่าวข้างต้นปฏิเสธจากเธอ ทิศทางนี้เปิดขึ้นด้วยสไตล์บี๊บ็อบ: ลักษณะเฉพาะของมันคือความเร็วสูงและการเปลี่ยนแปลงที่สอดคล้องกันบ่อยครั้ง ดังนั้นจึงต้องใช้ทักษะการแสดงที่พิเศษ ซึ่งมีบุคลิกที่โดดเด่นเช่น Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk และ John Coltrane

Bebop ถูกสร้างขึ้นเป็นประเภทยอดเยี่ยม นักดนตรีข้างถนนสามารถมาร่วมแจมเซสชั่นได้เสมอ - ค่ำคืนแห่งการแสดงด้นสด ดังนั้นผู้บุกเบิกบี๊บจึงแนะนำเพลงจังหวะเร็วเพื่อกำจัดมือสมัครเล่นและมืออาชีพที่อ่อนแอ ความหัวสูงนี้ส่วนหนึ่งมีอยู่ในแฟนเพลงประเภทนี้ ซึ่งถือว่าทิศทางที่พวกเขาชื่นชอบคือจุดสูงสุดของการพัฒนาดนตรีแจ๊ส เป็นเรื่องปกติที่จะต้องปฏิบัติต่อบี๊บด้วยความเคารพ แม้ว่าคุณจะไม่เข้าใจอะไรเลยก็ตาม

บันไดยักษ์. ขับร้องโดย จอห์น โคลเทรน

ความเก๋ไก๋เป็นพิเศษคือการชื่นชมการแสดงของ Thelonious Monk ที่อุกอาจและหยาบคายโดยเจตนาซึ่งตามข่าวซุบซิบเล่นงานวิชาการที่ซับซ้อนอย่างสมบูรณ์แบบ แต่ปกปิดมันอย่างระมัดระวัง

รอบมิดไนท์. แสดงโดย พระเถรานุเถระ

อย่างไรก็ตาม การถกเถียงเรื่องซุบซิบเกี่ยวกับนักแสดงดนตรีแจ๊สไม่ถือเป็นเรื่องน่าละอาย ในทางกลับกัน มันบ่งบอกถึงการมีส่วนร่วมอย่างลึกซึ้งและบอกเป็นนัยถึงประสบการณ์การฟังที่ยอดเยี่ยม ดังนั้นคุณควรรู้ว่าการติดยาของ Miles Davis ส่งผลต่อพฤติกรรมบนเวทีของเขา Frank Sinatra มีความเกี่ยวข้องกับมาเฟีย และมีโบสถ์ที่ตั้งชื่อตาม John Coltrane ในซานฟรานซิสโก

ภาพจิตรกรรมฝาผนัง "Dancing Saints" จากโบสถ์ในซานฟรานซิสโก

นอกจาก bebop แล้ว ยังมีอีกสไตล์หนึ่งเกิดขึ้นภายใต้กรอบของทิศทางเดียวกัน - แจ๊สเย็น(แจ๊สเย็น) ซึ่งโดดเด่นด้วยเสียง "เย็น" ลักษณะปานกลางและจังหวะที่ไม่เร่งรีบ หนึ่งในผู้ก่อตั้งคือ เลสเตอร์ ยังแต่ก็มีนักดนตรีผิวขาวหลายคนในช่องนี้เช่นกัน: เดฟ บรูเบค , บิล อีแวนส์(อย่าสับสนกับ กิล อีแวนส์), สแตน เก็ตซ์และอื่น ๆ.

ใช้เวลาห้า แสดงโดยวง Dave Brubeck

หากในยุค 50 แม้จะมีการตำหนิจากกลุ่มอนุรักษ์นิยม แต่ก็เปิดทางสำหรับการทดลอง จากนั้นในยุค 60 พวกเขาก็กลายเป็นบรรทัดฐาน ในเวลานี้ Bill Evans กำลังบันทึกสองอัลบั้มของการจัดเตรียมงานคลาสสิกร่วมกับวงดุริยางค์ซิมโฟนี สแตน เคนตัน ตัวแทน แจ๊สโปรเกรสซีฟ, สร้างการออเคสตร้าที่หลากหลาย, ความกลมกลืนที่เปรียบเทียบกับของ Rachmaninov และในบราซิลมีดนตรีแจ๊สในแบบของตัวเองซึ่งแตกต่างจากสไตล์อื่นอย่างสิ้นเชิง - บอสซาโนว่า .

กรานาโดส. ดนตรีแจ๊สของงาน "Maja and the Nightingale" โดย Granados นักแต่งเพลงชาวสเปน แสดงโดย Bill Evans ร่วมกับวงซิมโฟนีออร์เคสตร้า

มาลากูเอนา. แสดงโดยวง Stan Kenton Orchestra

หญิงสาวจากอิปาเนมา แสดงโดย Astrud Gilberto และ Stan Getz

การรักบอสซาโนวานั้นง่ายพอๆ กับความรัก ความเรียบง่าย ในวิชาการดนตรีสมัยใหม่.

ด้วยเสียงที่ไม่สร้างความรำคาญและ "เป็นกลาง" ดนตรีแจ๊สของบราซิลได้เข้ามาอยู่ในลิฟต์และล็อบบี้ของโรงแรมเป็นเพลงประกอบ แม้ว่าสิ่งนี้จะไม่ลดทอนความสำคัญของสไตล์ดังกล่าวก็ตาม การอ้างว่าคุณรักบอสซาโนวานั้นคุ้มค่าก็ต่อเมื่อคุณรู้จักตัวแทนของมันเป็นอย่างดีเท่านั้น

จุดเปลี่ยนสำคัญถูกนำเสนอในรูปแบบออเคสตร้ายอดนิยม - ซิมโฟแจ๊ส ในช่วงทศวรรษที่ 1940 ดนตรีแจ๊สที่ผสมผสานกับเสียงซิมโฟนิกเชิงวิชาการ กลายเป็นปรากฏการณ์ที่ได้รับความนิยมและเป็นมาตรฐานของความหมายทองระหว่างสองรูปแบบที่มีพื้นหลังแตกต่างกันอย่างสิ้นเชิง

โชคดีเป็นผู้หญิง แสดงโดย Frank Sinatra ร่วมกับวง Jazz Symphony Orchestra

ในปี 1960 เสียงของวงซิมโฟ-แจ๊สออร์เคสตร้าสูญเสียความแปลกใหม่ไป ซึ่งนำไปสู่การทดลองเกี่ยวกับความสามัคคีของสแตน เคนตัน การเรียบเรียงของบิล อีแวนส์ และอัลบั้มที่มีธีมของกิล อีแวนส์ เช่น Sketches of Spain และ Miles Ahead

ภาพสเก็ตช์ของสเปน แสดงโดย Miles Davis ร่วมกับ Gil Evans Orchestra

การทดลองในสาขาดนตรีแจ๊สไพเราะยังคงมีความเกี่ยวข้อง โครงการที่น่าสนใจที่สุดในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาในช่องนี้คือ Metropole Orkest, The Scinematic Orchestra และ Snarky Puppy

หายใจ. บรรเลงโดยวงซีเนมาติกออร์เคสตร้า

เกรเทล. แสดงโดย Snarky Puppy และ Metropole Orkest (รางวัลแกรมมี่ ปี 2014)

บีบ็อบและประเพณีดนตรีแจ๊สสุดเจ๋งได้หลอมรวมกันเป็นฮาร์ดป็อบ ซึ่งเป็นบีป็อบเวอร์ชันปรับปรุงใหม่ แม้ว่าการฟังบี๊บบ็อบจากอีกฝ่ายหนึ่งอาจเป็นเรื่องยาก นักแสดงที่โดดเด่นในสไตล์นี้คือ The Jazz Messengers, Sonny Rollins, Art Blakey และนักดนตรีคนอื่นๆ ที่เดิมเล่นบีป็อบ

ป็อบยาก ขับร้องโดยวง Jazz Messengers Orchestra

คราง. แสดงโดย Art Blakey และ The Jazz Messengers

การแสดงด้นสดอย่างรวดเร็วต้องใช้ความเฉลียวฉลาด ซึ่งนำไปสู่การค้นหาในภาคสนาม ทำให้ไม่สบายใจ. จึงเกิด แจ๊สโมดอล. มักถูกแยกออกเป็นสไตล์อิสระ แม้ว่าจะมีการแสดงอิมโพรไวส์ที่คล้ายกันในประเภทอื่นๆ ด้วย โมดอลที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือ "So What?" ไมล์ส เดวิส.

อะไรนะ? แสดงโดย ไมล์ส เดวิส

ในขณะที่นักเล่นดนตรีแจ๊สที่เก่งกาจกำลังหาวิธีที่จะทำให้ดนตรีที่ซับซ้อนอยู่แล้วซับซ้อนขึ้นไปอีก ผู้เขียนและนักแสดงที่ตาบอด เรย์ ชาร์ลส์และเดินตามเส้นทางของหัวใจ โดยผสมผสานดนตรีแจ๊ส จิตวิญญาณ กอสเปล ริธึ่ม และบลูส์ไว้ในผลงานของพวกเขา

ปลายนิ้ว แสดงโดยสตีวี่ วันเดอร์

สิ่งที่ฉันพูด แสดงโดย เรย์ ชาร์ลส์

ในขณะเดียวกัน นักเล่นออร์แกนแจ๊สก็ประกาศตัวเองอย่างกึกก้อง โดยเล่นดนตรีด้วยออร์แกนไฟฟ้าแฮมมอนด์

จิมมี่ สมิธ

ในช่วงกลางทศวรรษที่ 60 โซลแจ๊สได้ปรากฏตัวขึ้นซึ่งรวมเอาลัทธิประชาธิปไตยของจิตวิญญาณเข้ากับปัญญานิยมของบี๊บ แต่ในอดีตมักจะเกี่ยวข้องกับสิ่งหลังโดยเงียบเกี่ยวกับความสำคัญของอดีต วิญญาณแจ๊สที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือ Ramsey Lewis

ฝูงชน 'ใน' แสดงโดย Ramsey Lewis Trio

หากตั้งแต่ต้นทศวรรษที่ 50 มีเพียงความรู้สึกว่าการแบ่งดนตรีแจ๊สออกเป็นสองสาขาแล้วในยุค 70 ก็เป็นไปได้ที่จะพูดถึงเรื่องนี้ว่าเป็นข้อเท็จจริงที่หักล้างไม่ได้ จุดสูงสุดของทิศทางที่ยอดเยี่ยมคือ

แจ๊สเป็นการเคลื่อนไหวทางดนตรีที่เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ในสหรัฐอเมริกา ตั้งแต่เพลงยอดนิยมของมวลชนไปจนถึงศิลปะทางปัญญาขั้นสูง ดนตรีแจ๊สมีผลกระทบอย่างมากต่อประเพณีดนตรีและวัฒนธรรมของโลกทั้งโลก

ในช่วงทศวรรษที่ 1920 ดนตรีแจ๊สเป็นตัวอย่างที่ดีของดนตรียอดนิยมในสหรัฐอเมริกา แต่ก็เป็นอีกด้านของคุณค่าทางดนตรี ตรงข้ามกับดนตรีเชิงพาณิชย์ หลังจากผ่านขั้นตอนกระแสหลักในการพัฒนาโดยผสมผสานกับดนตรีประเภทอื่นจากวัฒนธรรมที่แตกต่างกันแจ๊สในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 จึงมีรูปแบบที่ทันสมัยกลายเป็นดนตรีสำหรับปัญญาชน

ปัจจุบัน ดนตรีแจ๊สเป็นส่วนหนึ่งของศิลปะชั้นสูง ถือเป็นแนวดนตรีที่มีชื่อเสียง มีอิทธิพลต่อดนตรีสมัยใหม่อย่างต่อเนื่อง ในขณะที่หยิบยืมองค์ประกอบบางอย่างจากดนตรีแจ๊สเพื่อการพัฒนาตนเอง (เช่น องค์ประกอบของฮิปฮอป เป็นต้น)

ประวัติดนตรีแจ๊ส

ประวัติของดนตรีแจ๊สมีจุดเริ่มต้นมาจากปลายศตวรรษที่ 19 หัวใจของดนตรีแจ๊สคือการผสมผสานระหว่างวัฒนธรรมทางดนตรีและประเพณีประจำชาติของชนเผ่าแอฟริกันที่นำเข้าประเทศสหรัฐอเมริกาในฐานะทาส แจ๊สโดดเด่นด้วยจังหวะที่ซับซ้อนของดนตรีแอฟริกันและความกลมกลืนของยุโรป

แจ๊สมีต้นกำเนิดในนิวออร์ลีนส์ เมืองทางตอนใต้ของสหรัฐอเมริกา ดนตรีแจ๊สสไตล์แรกที่รู้จักกันดีคือ "นิวออร์ลีนส์" ซึ่งถือว่าเป็นแบบดั้งเดิมเมื่อเทียบกับทิศทางอื่น ในช่วงสองทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 ดนตรีแจ๊สเป็นดนตรีประจำภูมิภาค มันค่อย ๆ แพร่กระจายไปยังภูมิภาคอื่น ๆ ของสหรัฐอเมริกา สิ่งนี้อำนวยความสะดวกโดยเรือสำราญที่ขึ้นสู่แม่น้ำมิสซิสซิปปี เพื่อสร้างความสนุกสนานให้กับสาธารณชน วงออเคสตร้าแจ๊สเล่นบนเรือ ซึ่งเป็นเพลงที่ดึงดูดใจประชาชนทั่วไป ดังนั้นแจ๊สจึงค่อยๆ โดยเฉพาะเซนต์หลุยส์ แคนซัสซิตี้ และเมมฟิส

นักดนตรีแจ๊สจากนิวออร์ลีนส์ไปทัวร์ในสหรัฐอเมริกา ไปถึงชิคาโกด้วย เจอร์รี โรล มอร์ตัน นักดนตรีแจ๊สที่มีชื่อเสียงคนหนึ่งในสมัยนั้นเคยแสดงเป็นประจำในชิคาโกตั้งแต่ปี 1914 หลังจากนั้นไม่นานวงดนตรีแจ๊สสีขาวทั้งหมด (Dixieland) ภายใต้การดูแลของ Tom Brown ได้ย้ายไปที่ชิคาโก ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1920 ศูนย์กลางการพัฒนาดนตรีแจ๊สในสหรัฐอเมริกาได้ย้ายไปที่ชิคาโกและมีรูปแบบใหม่ปรากฏขึ้น - "ชิคาโก"

การสิ้นสุดของยุคของดนตรีแจ๊สล้วนถือเป็นปี 1928 ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่ในสหรัฐอเมริกา ในช่วงเวลานี้หลายคนไม่มีงานทำรวมถึงนักดนตรีแจ๊ส ดนตรีแจ๊สในฐานะแนวทางดนตรีไม่ได้มีอยู่ในรูปแบบที่บริสุทธิ์ เหลือเพียงในบางเมืองทางตอนใต้ของประเทศ

ในช่วงที่ชิคาโกมีการพัฒนาดนตรีแจ๊ส หนึ่งในนักดนตรีแจ๊สหลัก หลุยส์ อาร์มสตรอง ได้รับความนิยม

ดนตรีแจ๊สบริสุทธิ์ถูกแทนที่ด้วยวงสวิง - ดนตรีแจ๊สประเภทหนึ่งซึ่งแสดงโดยวงดนตรีขนาดใหญ่ที่มีวงดนตรีขนาดใหญ่ตั้งแต่ 10 คนขึ้นไป Swing เป็นดนตรีสไตล์ออเคสตร้า เขาได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางทั่วประเทศ ในช่วงเวลานี้ดนตรีแจ๊สเริ่มฟังและเล่นในเกือบทุกเมืองในสหรัฐอเมริกา สวิงเป็นสไตล์การเต้นมากกว่าแจ๊สบริสุทธิ์ นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมความนิยมจึงกว้างขึ้น ยุควงสวิงเริ่มตั้งแต่ช่วงต้นทศวรรษที่ 30 ถึงกลางทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 20 นักแสดงวงสวิงที่ได้รับความนิยมสูงสุดในสหรัฐอเมริกาคือวงออเคสตราที่บรรเลงโดย Benny Goodman นอกจากนี้วงออเคสตราที่มีส่วนร่วมของ Louis Armstrong, Duke Ellington, Glenn Miller และนักดนตรีแจ๊สคนอื่น ๆ ก็ได้รับความนิยมเช่นกัน

Swing สูญเสียความนิยมในช่วงสงครามที่ยากลำบาก นี่เป็นเพราะการขาดบุคลากรในการซื้อวงดนตรีขนาดใหญ่และความไม่สะดวกทางเศรษฐกิจ ทีมดังกล่าว

วงสวิงมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาดนตรีแจ๊ส โดยเฉพาะอย่างยิ่งดนตรีบีบ็อบ บลูส์ และป๊อป

15 ปีต่อมา วงสวิงได้รับการฟื้นฟูโดยความพยายามของ Duke Ellington และ Count Basie ผู้ซึ่งสร้างวงดนตรีขนาดใหญ่ของพวกเขาขึ้นมาใหม่จากยุครุ่งเรืองของสไตล์ นอกจากนี้ การฟื้นฟูวงสวิงยังได้รับอิทธิพลจากแฟรงก์ ซินาตราและแน็ต คิงโคล

ตะบัน

ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1940 ทิศทางใหม่ปรากฏขึ้นในสภาพแวดล้อมดนตรีแจ๊สในสหรัฐอเมริกา - บี๊บ็อบ นี่คือดนตรีที่รวดเร็วและซับซ้อนซึ่งโดดเด่นด้วยการแสดงด้นสดตามทักษะระดับสูงของนักแสดง ในบรรดาผู้ก่อตั้งสไตล์นี้ได้แก่ Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk และคนอื่นๆ Bebop เป็นปฏิกิริยาแบบหนึ่งของนักดนตรีแจ๊สต่อความนิยมของวงสวิง และความพยายามที่จะปกป้ององค์ประกอบของพวกเขาจากการถูกเล่นมากเกินไปโดยมือสมัครเล่นโดยการทำให้ดนตรีซับซ้อน

Bebop ถือเป็นดนตรีแจ๊สสไตล์เปรี้ยวจี๊ดซึ่งยากสำหรับผู้ชมที่คุ้นเคยกับความเรียบง่ายของวงสวิง ความแตกต่างอีกประการหนึ่งคือการมุ่งเน้นไปที่ศิลปินเดี่ยว ความเชี่ยวชาญด้านเครื่องดนตรีของเขา Bebop นั้นต่อต้านการค้าโดยสิ้นเชิงโดยธรรมชาติ ในเวลานี้มีการเปลี่ยนแปลงในการพัฒนาดนตรีแจ๊สจากดนตรียอดนิยมไปสู่ดนตรีสำหรับชนชั้นสูง

Bebop ให้วงออเคสตร้าแจ๊สขนาดเล็กสมัยใหม่ที่เรียกว่าคอมโบประกอบด้วยสามคน นอกจากนี้เขายังค้นพบชื่อต่างๆ เช่น Chick Corea, Michael Legrand, Miles Davis, Dexter Gordon, John Coltrane และคนอื่นๆ

การพัฒนาต่อไปของดนตรีแจ๊ส

Bebop ไม่ได้แทนที่วงสวิง แต่มีอยู่คู่ขนานกับดนตรีวงใหญ่ ซึ่งกลายเป็นกระแสหลัก วงออเคสตร้าที่มีชื่อเสียงมีอยู่ในยุคหลังสงคราม ดนตรีของพวกเขาได้รับการพัฒนาใหม่โดยได้ซึมซับประเพณีที่ดีที่สุดของสไตล์และเทรนด์แจ๊สอื่น ๆ รวมถึงดนตรียอดนิยมของหลากหลาย . ในปัจจุบัน การแสดงของวงออเคสตราของ Lincoln Center, Carnegie Hall ตลอดจน Chicago Jazz Ensemble และ Smithsonian Orchestra เป็นที่รู้จักไปทั่วโลก

แจ๊สสไตล์อื่นๆ

ดนตรีแจ๊สได้รับการเปลี่ยนแปลงอย่างต่อเนื่องภายใต้อิทธิพลของกระแสดนตรีอื่น ๆ ทำให้เกิดกระแสใหม่:

• ดนตรีแจ๊สสุดเท่ - สิ่งที่ตรงกันข้ามกับบีบ็อบอย่างสิ้นเชิงคือดนตรีแจ๊สสุดเท่ เสียงที่แยกออกมาและ "เย็น" ซึ่งเป็นครั้งแรกที่รวมอยู่ในดนตรีของ Miles Davis;
• โปรเกรสซีฟแจ๊ส - พัฒนาควบคู่ไปกับบีป็อบ มันเป็นความพยายามที่จะแยกตัวออกจากดนตรีวงใหญ่ด้วยการปรับปรุงองค์ประกอบ
• ฮาร์ดป็อบ - บีป็อบประเภทหนึ่งที่มีการพึ่งพาบลูส์มากขึ้น ซึ่งพัฒนาขึ้นในภาคตะวันออกเฉียงเหนือของสหรัฐอเมริกา (ดีทรอยต์ นิวยอร์ก ฟิลาเดลเฟีย) การแต่งเพลงมีความแข็งและหนักมากขึ้น แต่ไม่ก้าวร้าวและต้องการทักษะของบีป็อบน้อยลง นักแสดง;
• โมดอลแจ๊ส - การทดลองโดย Miles Davis และ John Coltrane ด้วยแนวทางดนตรีแจ๊ส
• โซลแจ๊ส;
• แจ๊สฉุน;
• แจ๊สฟรี - การเคลื่อนไหวที่สร้างสรรค์ซึ่งเป็นหนึ่งในแนวโน้มที่ถกเถียงกันมากที่สุดในดนตรีแจ๊สซึ่งถือเป็นผู้ก่อตั้ง Ornette Coleman และ Cecil Taylor มีลักษณะเฉพาะคือการเปลี่ยนแปลงโครงสร้างและความรู้สึกขององค์ประกอบดนตรีการปฏิเสธลำดับคอร์ดเช่น เช่นเดียวกับความเป็นเอกเทศ
• ฟิวชั่น - การผสมผสานของดนตรีแจ๊สกับดนตรีประเภทต่าง ๆ - ป๊อป, ร็อค, โซล, ฟังค์, ริทึมและบลูส์และอื่น ๆ มีอิทธิพลต่อการเกิดขึ้นของสไตล์ฟิวชั่นหรือแจ๊ส - ร็อค
• postbop - การพัฒนาเพิ่มเติมของ bebop โดยผ่านดนตรีแจ๊สฟรีและการทดลองดนตรีแจ๊สอื่น ๆ
• แอซิดแจ๊สเป็นแนวคิดใหม่ในดนตรีแจ๊ส แจ๊สที่มีกลิ่นอายของฟังก์ ฮิปฮอป และกรู๊ฟ

เทศกาลดนตรีแจ๊สในสหรัฐอเมริกา

ในสหรัฐอเมริกาซึ่งเป็นแหล่งกำเนิดของดนตรีแจ๊สมีการจัดเทศกาลต่างๆที่จัดขึ้นเพื่อดนตรีสไตล์นี้ ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือเทศกาลดนตรีแจ๊สนิวออร์ลีนส์ซึ่งจะจัดขึ้นในช่วงปลายฤดูใบไม้ผลิในนิวออร์ลีนส์ที่คองโกสแควร์

แจ๊สถือเป็นรูปแบบดนตรีที่ยากที่สุดในการรับรู้อย่างถูกต้อง การฟังดนตรีแจ๊สต้องใช้สมองในการทำงานเพื่อกำหนดความก้าวหน้าทางดนตรีและโครงสร้างเสียงประสานทั้งหมด ดังนั้นดนตรีแจ๊สจึงถือเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่มีอิทธิพลต่อความสามารถทางสติปัญญา

เนื้อหาของบทความ

แจ๊ส(แจ๊สภาษาอังกฤษ) แนวคิดทั่วไปที่กำหนดศิลปะดนตรีหลายประเภทซึ่งแตกต่างกันในรูปแบบงานทางศิลปะและบทบาทในชีวิตสาธารณะ คำว่าแจ๊ส (แต่เดิมคือแจส) ไม่ได้เกิดขึ้นจนกระทั่งช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 มันอาจมาจากภาษาฝรั่งเศส jaser (โดยมีความหมายว่า "สนทนา" ซึ่งรักษาไว้ในคำสแลงอเมริกัน: แจ๊ส - "แมลงวัน" "ไร้สาระ") และจากคำใด - หรือคำในภาษาแอฟริกันคำหนึ่งที่มีความหมายเกี่ยวกับกามโดยเฉพาะอย่างยิ่งเนื่องจากในวลีธรรมชาติ แจ๊สแดนซ์ ("แจ๊สแดนซ์") คำว่า การเต้นรำ มีความหมายเดียวกันจาก Shakespeare's เวลา. ในแวดวงสูงสุดของโลกใหม่และโลกเก่า คำนี้ซึ่งต่อมากลายเป็นคำศัพท์ทางดนตรีล้วน ๆ มีความเกี่ยวข้องกับสิ่งที่ส่งเสียงดัง หยาบคาย สกปรก Richard Aldington นักเขียนชาวอังกฤษในคำนำของนวนิยายเรื่องนี้ ความตายของฮีโร่ซึ่งเขาอธิบายถึง "ความจริงของร่องลึก" และการสูญเสียทางศีลธรรมของแต่ละบุคคลหลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง เรียกนวนิยายของเขาว่า "แจ๊ส"

ต้นกำเนิด

แจ๊สเกิดขึ้นจากปฏิสัมพันธ์อันยาวนานของวัฒนธรรมดนตรีหลายชั้นทั่วทั้งอเมริกาเหนือ ไม่ว่าทาสนิโกรจากแอฟริกา (ส่วนใหญ่เป็นชาวตะวันตก) จะต้องควบคุมวัฒนธรรมของเจ้านายผิวขาวของพวกเขา เหล่านี้เป็นเพลงสวดทางศาสนา - จิตวิญญาณและรูปแบบทั่วไปของดนตรีในชีวิตประจำวัน (แตรวง) และนิทานพื้นบ้านในชนบท

การแสดงนักร้อง.

เพลงนี้จัดจำหน่ายโดย "โรงละครนักร้อง" ที่พเนจร (เพื่อไม่ให้สับสนกับคำศัพท์ของยุโรปยุคกลาง) - การแสดงนักร้อง ซึ่งมาร์ก ทเวนบรรยายอย่างมีสีสันใน การผจญภัยของฮักเคิลเบอร์รี่ ฟินน์และละครเพลงโดย Jerome Kern เรือโชว์. คณะนักร้องประสานเสียงซึ่งแสดงชีวิตนิโกรในรูปแบบการ์ตูนล้อเลียนประกอบด้วยคนผิวขาว (ภาพยนตร์เสียงเรื่องแรกเป็นของประเภทนี้ด้วย) นักร้องแจ๊สซึ่งบทบาทของนิโกรเล่นโดยชาวยิวลิทัวเนีย อัล จอลสัน และภาพยนตร์เรื่องนี้ไม่มีส่วนเกี่ยวข้องกับดนตรีแจ๊สในฐานะศิลปะ) และจากนักดนตรีนิโกรในกรณีนี้ถูกบังคับให้ล้อเลียนตัวเอง

แร็กไทม์

ต้องขอบคุณการแสดงนักร้อง ผู้ชมที่มาจากยุโรปได้เรียนรู้เกี่ยวกับสิ่งที่จะกลายเป็นดนตรีแจ๊ส และเธอก็รับเอาเปียโนแร็กไทม์มาใช้เป็นงานศิลปะของเธอเอง ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักเขียน E.Doctorow และผู้กำกับภาพยนตร์ M.Foreman เปลี่ยนแนวคิดทางดนตรีที่แท้จริงของ "จังหวะที่ฉีกขาด" เป็น "เวลาที่ฉีกขาด" - สัญลักษณ์ของการเปลี่ยนแปลงที่ในโลกเก่าเรียกว่า "จุดจบ แห่งศตวรรษ”. อย่างไรก็ตาม ลักษณะเสียงกลองของแร็กไทม์ (มาจากนักเปียโนแนวโรแมนติกตอนปลายของยุโรปทั่วไป) เกินจริงไปมากเนื่องจากเปียโนกลไกกลายเป็นเครื่องมือหลักในการจัดจำหน่าย ซึ่งไม่ได้ถ่ายทอดรายละเอียดปลีกย่อยของเทคนิคเปียโน ในบรรดานักแต่งเพลงแร็กไทม์ชาวนิโกรเป็นนักแต่งเพลงที่จริงจังเช่น Scott Joplin แต่พวกเขาสนใจเพียงเจ็ดสิบปีต่อมาหลังจากความสำเร็จของภาพยนตร์แอคชั่น ต่อย(พ.ศ. 2516) เพลงประกอบภาพยนตร์อิงจากบทประพันธ์ของจอปลิน

เพลงบลูส์

ในที่สุด จะไม่มีดนตรีแจ๊สหากไม่มีเพลงบลูส์ (เดิมทีเพลงบลูส์เป็นพหูพจน์โดยรวมซึ่งแสดงถึงสภาวะของความเศร้า ความหดหู่ ความสิ้นหวัง แนวคิดของ "ความทุกข์" มีความหมายสองนัยเหมือนกันสำหรับเรา อย่างไรก็ตาม แสดงถึงแนวดนตรีที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิง) . เพลงบลูส์เป็นเพลงเดี่ยว (ไม่ค่อยร้องคู่) ซึ่งลักษณะเฉพาะของเพลงนั้นไม่ได้อยู่เฉพาะในรูปแบบดนตรีเฉพาะเท่านั้น แต่ยังเป็นเพลงที่ใช้เสียงร้องด้วย หลักการสร้างรูปแบบที่สืบทอดมาจากแอฟริกา - คำถามสั้น ๆ ของศิลปินเดี่ยวและคำตอบสั้น ๆ แบบเดียวกันของคณะนักร้องประสานเสียง (เสียงเรียกและการตอบสนอง ในรูปแบบการร้องประสานเสียง ปรากฏในเพลงสวดทางวิญญาณ: "คำถาม" ของนักเทศน์ - "คำตอบ" ของ นักบวช) - ในเพลงบลูส์กลายเป็นหลักการร้องเสียง: ผู้เขียน - นักแสดงถามคำถาม (และทำซ้ำในบรรทัดที่สอง) และตอบตัวเองส่วนใหญ่มักจะเล่นกีตาร์ (น้อยกว่าแบนโจหรือเปียโน) . บลูส์เป็นรากฐานที่สำคัญของดนตรีป๊อปสมัยใหม่ ตั้งแต่จังหวะแบล็กและบลูส์ไปจนถึงดนตรีร็อก

แจ๊สโบราณ

ในดนตรีแจ๊ส ต้นกำเนิดของมันรวมกันเป็นช่องทางเดียวซึ่งเกิดขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 บ่อยครั้งที่ลำธารแยกจากกันโดยพลการ: ตัวอย่างเช่นตามประเพณีของชาวแอฟริกันวงแตรวงบรรเลงในงานศพระหว่างทางไปสุสานและการเต้นรำที่ร่าเริงระหว่างทางกลับ ในผับเล็กๆ นักแต่งเพลงบลูส์พเนจรร้องเพลงคลอเปียโน (ลักษณะการเล่นบลูส์บนเปียโนในช่วงปลายทศวรรษ 1920 จะกลายเป็นแนวดนตรีอิสระของบูกี-วูกี) โดยทั่วไปแล้ววงออเคสตร้าร้านเสริมสวยในยุโรปจะรวมเพลงและการเต้นรำจาก นักร้องของพวกเขาแสดงในละครเพลง Cakewalks (หรือ Cakewalks, Cake-Walk - เต้นรำกับเพลงแร็กไทม์) ยุโรปรู้จักแร็กไทม์อย่างแม่นยำว่าเป็นดนตรีประกอบในยุคหลัง (ที่มีชื่อเสียง ทางเดินหุ่นเชิดโคล้ด เดบุสซี่) และพลาสติกที่มีลักษณะเฉพาะของชาวแอฟริกัน-อเมริกันที่ผลิตในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ไม่น้อยไปกว่านี้ก็น่าประทับใจกว่าเพลงซาลอนที่ประสานกัน) อย่างไรก็ตามบันทึกของแตรวงของหนึ่งในกองทหารของจักรวรรดิรัสเซียที่มีคีย์โควเคได้รับการเก็บรักษาไว้ ความฝันของชาวนิโกร. ชุดค่าผสมทั้งหมดเหล่านี้เรียกว่าแจ๊สแบบโบราณแบบมีเงื่อนไข

หากจำเป็น นักเปียโนแร็กไทม์พร้อมกับวงแตรวง นักร้องเพลงบลูส์และนักร้องหญิงที่ร่วมแสดงด้วย ซึ่งในทางกลับกันก็รวมความบันเทิงและละครซาลอนไว้ในรายการด้วย เพลงดังกล่าวถือได้ว่าเป็นดนตรีแจ๊สแม้ว่ากลุ่มแรกจะเรียกตัวเองว่าเป็นเพลงที่มีชื่อเสียงและในภาพยนตร์เพลงโดยเออร์วิงเบอร์ลิน "วงออเคสตราแร็กไทม์"

New Orleans.

เป็นที่เชื่อกันว่าสถานการณ์ที่ดีที่สุดมาพร้อมกับการก่อตัวของดนตรีแจ๊สในเมืองท่าของนิวออร์ลีนส์ แต่เราต้องระลึกไว้เสมอว่าดนตรีแจ๊สถือกำเนิดขึ้นในทุกที่ที่มีการแทรกซึมของวัฒนธรรมแอฟริกัน-อเมริกันและยุโรป

ในนิวออร์ลีนส์ วัฒนธรรมแอฟริกัน-อเมริกัน 2 วัฒนธรรมอยู่ร่วมกัน: ครีโอลที่ค่อนข้างเป็นอิสระ (คนผิวดำที่พูดภาษาฝรั่งเศส โดยปกติจะเป็นชาวคาทอลิก) และทาสแองโกล-แซกซอนโปรเตสแตนต์ที่ได้รับอิสรภาพหลังสงครามกลางเมืองอเมริกา แม้ว่าเสรีภาพของชาวครีโอลที่พูดภาษาฝรั่งเศสจะสัมพันธ์กัน แต่พวกเขาก็ยังสามารถเข้าถึงวัฒนธรรมคลาสสิกที่มาจากยุโรป ซึ่งกล่าวได้ว่า แม้แต่ผู้อพยพจากยุโรปก็ยังถูกกีดกันจากนิวอิงแลนด์ที่เคร่งครัด ตัวอย่างเช่น โรงละครโอเปร่าเปิดในนิวออร์ลีนส์เร็วกว่าในเมืองที่เคร่งครัดทางตอนเหนือของสหรัฐอเมริกามาก ในนิวออร์ลีนส์อนุญาตให้มีความบันเทิงสาธารณะในวันหยุด - การเต้นรำงานรื่นเริง ไม่ใช่บทบาทสุดท้ายที่เล่นโดยการปรากฏตัวในนิวออร์ลีนส์ของย่าน "ไฟแดง" ที่ได้รับคำสั่งสำหรับเมืองท่า - Storyville

แตรวงในนิวออร์ลีนส์ เช่นเดียวกับในยุโรป เป็นส่วนสำคัญของชีวิตคนเมือง แต่ในสภาพแวดล้อมของชาวแอฟริกันอเมริกัน วงแตรวงได้เปลี่ยนไปอย่างสิ้นเชิง จากมุมมองของจังหวะ ดนตรีของพวกเขามีความดั้งเดิมเหมือนกับการเต้นรำและการเดินขบวนของยุโรป และไม่มีส่วนเกี่ยวข้องกับดนตรีแจ๊สในอนาคต เนื้อหาทำนองหลักถูกกระจายอย่างมีเหตุผลและกะทัดรัดระหว่างเครื่องดนตรีสามชิ้น: ทั้งสามชิ้นเล่นในธีมเดียวกัน - คอร์เนต์ (ทรัมเป็ต) ทำให้มันใกล้เคียงกับต้นฉบับไม่มากก็น้อย คลาริเน็ตแบบเคลื่อนที่ดูเหมือนจะคดเคี้ยวไปรอบๆ แนวเมโลดิกหลัก และ ทรอมโบนแทรกแบบจำลองที่หายาก แต่ทรงพลังเป็นครั้งคราว ผู้นำของวงดนตรีที่มีชื่อเสียงที่สุดไม่เพียง แต่ในนิวออร์ลีนส์เท่านั้น แต่ทั่วทั้งรัฐหลุยเซียน่า ได้แก่ Bank Johnson, Freddie Keppard และ Charles "Buddy" Bolden อย่างไรก็ตาม บันทึกดั้งเดิมของเวลานั้นไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้ และไม่สามารถยืนยันความถูกต้องของความทรงจำในอดีตของทหารผ่านศึกในนิวออร์ลีนส์ (รวมถึงหลุยส์ อาร์มสตรอง) ได้อีกต่อไป

ก่อนการปะทุของสงครามโลกครั้งที่หนึ่งวงดนตรีของนักดนตรี "สีขาว" ซึ่งเรียกดนตรีของพวกเขาว่า "jass" ("ss" ถูกแทนที่ด้วย "zz" ในไม่ช้าเนื่องจากคำว่า "jass" กลายเป็นคำที่ไม่เหมาะสมอย่างง่ายดาย ก็เพียงพอที่จะลบอักษรตัวแรก "j" ได้) ความจริงที่ว่านิวออร์ลีนส์มีชื่อเสียงในฐานะศูนย์กลางของความบันเทิงแบบ "รีสอร์ท" อย่างน้อยที่สุดก็ได้รับการพิสูจน์จากข้อเท็จจริงที่ว่าวงดนตรี Rhythm Kings ของนิวออร์ลีนส์ร่วมกับ Elmer Shebel นักเปียโนและนักแต่งเพลงยอดนิยมได้รับความนิยมในชิคาโก แต่ไม่มีนิวออร์ลีนส์แม้แต่แห่งเดียว ในนั้น. เมื่อเวลาผ่านไป "ออเคสตร้าสีขาว" เริ่มเรียกตัวเองว่า - ตรงกันข้ามกับนิโกร - Dixieland เช่น แค่ "ภาคใต้" วงดนตรีประเภทหนึ่งอย่าง Original Dixieland Jass Band จบลงที่นิวยอร์กเมื่อต้นปี พ.ศ. 2460 และได้ทำการบันทึกเสียงครั้งแรกของสิ่งที่ถือได้ว่าเป็นดนตรีแจ๊สอย่างแน่นอน ไม่ใช่แค่ในนามเท่านั้น บันทึกเปิดตัวด้วยสองสิ่ง: Livery บลูส์ที่มีเสถียรภาพและ Dixieland Jass Band ขั้นตอนเดียว.

ชิคาโก

ในขณะเดียวกัน สภาพแวดล้อมของดนตรีแจ๊สกำลังเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในชิคาโก เมืองนิวออร์ลีนส์หลายแห่งตั้งถิ่นฐานหลังจากสหรัฐอเมริกาเข้าสู่สงครามโลกครั้งที่หนึ่งในปี พ.ศ. 2460 และมีการประกาศใช้กฎอัยการศึกในนิวออร์ลีนส์ นักเป่าแตร Joe "King" Oliver "Creole Jazz Band" มีชื่อเสียงเป็นพิเศษ (แม้ว่าจะมี Creole ที่แท้จริงเพียงคนเดียวในบรรดาสมาชิก) ชื่อเสียง "วงดนตรีแจ๊สครีโอล" นำการแสดงที่ประสานกันของสองคอร์เน็ตในคราวเดียว - โอลิเวอร์เองและหลุยส์อาร์มสตรองลูกศิษย์หนุ่มของเขา บันทึกแรกของ Oliver-Armstrong ซึ่งบันทึกในปี 1923 ด้วยการ "แบ่ง" ของคอร์เน็ตสองอันที่มีชื่อเสียงกลายเป็นเพลงแจ๊สคลาสสิก

"ยุคแห่งดนตรีแจ๊ส".

ทศวรรษที่ 1920 เป็นจุดเริ่มต้นของยุคดนตรีแจ๊ส หลุยส์ อาร์มสตรองให้ความสำคัญกับศิลปินเดี่ยวอิมโพรไวส์ด้วยวงดนตรี Hot Five และ Hot Seven; นักเปียโน-นักแต่งเพลง Jelly Roll Morton ได้รับชื่อเสียงในนิวออร์ลีนส์; ชาวนิวออร์ลีนอีกคนหนึ่ง คือ Sidney Bechet นักคลาริเน็ต-นักเป่าแซ็กโซโฟนชาวครีโอล เผยแพร่ความรุ่งโรจน์ของดนตรีแจ๊สในโลกเก่า (เขาออกทัวร์รวมถึงในโซเวียตรัสเซียในปี 2469) Ernest Ansermet Bechet วาทยกรชื่อดังชาวสวิสรู้สึกประทับใจกับการสั่นสะเทือนแบบ "ฝรั่งเศส" ที่มีลักษณะเฉพาะ ซึ่งคนทั้งโลกรู้จักในเสียงของ Edith Piaf ในเวลาต่อมา อาจไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักดนตรีแจ๊สคนแรกจากโลกเก่าที่มีอิทธิพลต่อชาวอเมริกันคือ Django Reinhardt ชาวยิปซีชาวเบลเยียมซึ่งเป็นนักกีตาร์ที่อาศัยอยู่ในฝรั่งเศส

นิวยอร์กเริ่มภาคภูมิใจในกองกำลังดนตรีแจ๊สของตนเอง - วงออร์เคสตราฮาร์เล็มของเฟลตเชอร์ เฮนเดอร์สัน หลุยส์ รัสเซล (อาร์มสตรองเคยร่วมงานกับทั้งสอง) และดยุค เอลลิงตัน ซึ่งย้ายมาจากวอชิงตันในปี 2469 และได้รับตำแหน่งผู้นำอย่างรวดเร็วใน Cotton ที่มีชื่อเสียง สโมสร

ด้นสด.

ในปี ค.ศ. 1920 หลักการสำคัญของดนตรีแจ๊สค่อยๆ ก่อตัวขึ้น ไม่ใช่ความเชื่อ ไม่ใช่รูปแบบ แต่เป็นการด้นสด เป็นที่เชื่อกันว่าใน New Orleans Jazz / Dixieland มีลักษณะโดยรวมแม้ว่าจะไม่ถูกต้องทั้งหมดเนื่องจากในความเป็นจริงแล้วเนื้อหาต้นฉบับ (ธีม) ยังไม่ได้แยกออกจากการพัฒนา โดยพื้นฐานแล้ว นักดนตรีของนิวออร์ลีนส์กำลังเล่นเพลงยุโรป การเต้นรำ และแบล็กบลูส์ในรูปแบบที่ง่ายที่สุดด้วยหู

ในวงดนตรีอาร์มสตรองโดยมีส่วนร่วมก่อนอื่นจากนักเปียโนที่โดดเด่น Earl Hines การก่อตัวของรูปแบบดนตรีแจ๊สของธีมที่มีรูปแบบต่างๆ (ธีม - โซโลอิมโพรไวส์ - ธีม) เริ่มขึ้นโดยที่ "หน่วยของอิมโพรไวส์" คือ คอรัส (ในคำศัพท์ภาษารัสเซีย "สี่เหลี่ยม") ราวกับว่าแตกต่างจากธีมดั้งเดิมของโครงสร้างฮาร์มอนิกที่เหมือนกัน (หรือในอนาคต - ที่เกี่ยวข้อง) นักดนตรีขาวดำทั้งโรงเรียนใช้ประโยชน์จากการค้นพบของอาร์มสตรองในยุคชิคาโก ไวท์ Bix Beiderbeck แต่งเพลงด้วยจิตวิญญาณของ Armstrong แต่กลับกลายเป็นว่าใกล้เคียงกับแนวอิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีอย่างน่าประหลาดใจ (และมีชื่อที่มีลักษณะเฉพาะเช่น ในหมอก – ในหมอกควัน). อาร์ต เททัม นักเปียโนฝีมือเยี่ยมพึ่งพาโครงร่างฮาร์มอนิกของจัตุรัสมากกว่าเมโลดี้ของธีมดั้งเดิม นักเป่าแซ็กโซโฟนคอลัมน์ Hawkins, Lester Young, Benny Carter ได้ส่งต่อความสำเร็จของพวกเขาไปยังเครื่องเป่าแบบโมโนโฟนิก

ในวงออร์เคสตราของ Fletcher Henderson เป็นครั้งแรกที่ระบบ "สนับสนุน" สำหรับอิมโพรไวเซอร์เดี่ยวได้รับการพัฒนา: วงออเคสตราแบ่งออกเป็นสามส่วน - จังหวะ (เปียโน, กีตาร์, ดับเบิ้ลเบสและกลอง), แซกโซโฟนและทองเหลือง (ทรัมเป็ต, ทรอมโบน ). แซกโซโฟนและทรัมเป็ตกับทรอมโบนแลกเปลี่ยน "สูตร" สั้น ๆ ซ้ำ ๆ สั้น ๆ กับพื้นหลังของพื้นหลัง - riffs ที่พัฒนาขึ้นในการฝึกฝนเพลงบลูส์พื้นบ้าน ริฟฟ์เป็นทั้งเสียงประสานและจังหวะ

ทศวรรษที่ 1930

สูตรนี้ถูกนำมาใช้โดยวงดนตรีขนาดใหญ่แทบทุกวงที่ก่อตั้งขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1930 หลังจากวิกฤตเศรษฐกิจในปี 1929 อันที่จริง อาชีพของ "ราชาแห่งวงสวิง" - เบนนี่ กู๊ดแมน - เริ่มต้นด้วยการจัดเตรียมหลายครั้งโดยเฟลตเชอร์ เฮนเดอร์สัน แต่แม้แต่นักประวัติศาสตร์แจ๊สนิโกรก็ยอมรับว่าวงออเคสตราของกู๊ดแมนซึ่งแต่เดิมประกอบด้วยนักดนตรีผิวขาว เล่นได้ดีกว่าวงออร์เคสตราของเฮนเดอร์สัน ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง แต่การทำงานร่วมกันระหว่างวงสวิงออเคสตร้านิโกรของ Andy Kirk, Jimmy Lunsford, Count Basie, Duke Ellington และวงออเคสตราสีขาวเริ่มดีขึ้น: Goodman เล่นเพลงของ Count Basie, Charlie Barnet คัดลอก Ellington และกลุ่มนักคลาริเน็ต Woody เฮอร์แมนถูกเรียกว่า "วงออเคสตราบลูส์" นอกจากนี้ยังมีวงออเคสตรายอดนิยมของพี่น้อง Dorsey (Cy Oliver สีดำทำงานที่นั่น), Artie Shaw (เขาเปิดตัวกลุ่มที่สี่ - เครื่องสายเป็นครั้งแรก), Glenn Miller (พร้อม "คอร์ดคริสตัล" ที่มีชื่อเสียง - คอรัสคริสตัลเมื่อคลาริเน็ตเล่น พร้อมกับแซกโซโฟน ตัวอย่างเช่น ในที่มีชื่อเสียง เซเรเนดแสงจันทร์- คำปราศรัยของภาพยนตร์เรื่องที่สองกับมิลเลอร์ แบนด์วิดธ์). ภาพยนตร์เรื่องแรก - ซันวัลเล่ย์เซเรเนด- ถ่ายทำก่อนที่สหรัฐฯ จะเข้าสู่สงครามโลกครั้งที่ 2 และเป็นส่วนหนึ่งของสงครามที่กองทัพแดงได้รับในเยอรมนี ดังนั้นจึงเป็นละครเพลงเรื่องนี้ที่ถูกกำหนดให้เป็นศิลปะดนตรีแจ๊สเกือบทั้งหมดสำหรับเยาวชนโซเวียตหลังสงครามสองหรือสามชั่วอายุคน ข้อเท็จจริงที่ว่าการจับคู่คลาริเน็ตและแซกโซโฟนที่ฟังดูเป็นธรรมชาติอย่างสมบูรณ์นั้นถือเป็นการปฏิวัติครั้งสำคัญ แสดงให้เห็นว่าผลลัพธ์ของออร์เดอร์เซอร์ในยุควงสวิงมีมาตรฐานเพียงใด ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เมื่อสิ้นสุดทศวรรษก่อนสงครามแม้แต่กู๊ดแมนที่เป็น "ราชาแห่งวงสวิง" เองก็เห็นได้ชัดว่าความคิดสร้างสรรค์ในวงออเคสตร้าขนาดใหญ่ - บิ๊กแบนด์ - กำลังหลีกทางให้กับกิจวัตรที่เป็นมาตรฐาน กู๊ดแมนลดจำนวนนักดนตรีของเขาลงเหลือหกคนและเริ่มเชิญนักดนตรีนิโกรมาร่วมงานของเขาเป็นประจำ - นักเป่าแตรคูตี้วิลเลียมส์จากวง Ellington Orchestra และนักกีตาร์ไฟฟ้าหนุ่ม Charlie Christian ซึ่งในสมัยนั้นถือเป็นขั้นตอนที่กล้าหาญมาก พอจะกล่าวได้ว่า Raymond Scott เพื่อนร่วมงาน นักเปียโน และนักแต่งเพลงของ Goodman ถึงกับแต่งเพลงที่ชื่อว่า เมื่อกูตีออกจากดยุค.

อย่างเป็นทางการ แม้แต่ Duke Ellington ก็เห็นด้วยกับการแบ่งวงออเคสตราที่เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปออกเป็นสามกลุ่ม อย่างไรก็ตาม ในเครื่องดนตรีของเขา เขาไม่ได้ทำอะไรมากจากแผนนี้เท่ากับความสามารถของนักดนตรีเอง (มีการพูดถึงเขา: ในดนตรีแจ๊ส โน้ตเพลง แทนที่จะเป็นชื่อเครื่องดนตรีกลับมีชื่อนักดนตรี แม้แต่เพลง Ellington อัจฉริยะสามนาทีของเขาที่ชื่อว่า คอนแชร์โต้สำหรับคูตี้กล่าวถึงโดยคูตี วิลเลียมส์) ในงานของ Ellington เป็นที่ชัดเจนว่าการแสดงสดเป็นหลักการทางศิลปะ

ทศวรรษที่ 1930 ยังเป็นยุครุ่งเรืองของละครเพลงบรอดเวย์ซึ่งนำเสนอดนตรีแจ๊สที่เรียกว่า เอเวอร์กรีน (ตัวอักษร "เอเวอร์กรีน") - แยกตัวเลขที่กลายเป็นเพลงแจ๊สมาตรฐาน อย่างไรก็ตาม แนวคิดของ "มาตรฐาน" ในดนตรีแจ๊สไม่มีสิ่งที่น่ารังเกียจ แต่เป็นชื่อของทำนองเพลงยอดนิยมหรือธีมที่เขียนขึ้นเป็นพิเศษสำหรับการแสดงด้นสด มาตรฐานคืออะนาล็อกของแนวคิดฟิลฮาร์โมนิกของ "เพลงคลาสสิก"

นอกจากนี้ ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ยังเป็นช่วงเวลาเดียวที่ดนตรียอดนิยมส่วนใหญ่ ถ้าไม่ใช่ดนตรีแจ๊ส (หรือวงสวิงอย่างที่พวกเขากล่าวไว้) อย่างน้อยก็ถูกสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของมัน

โดยธรรมชาติแล้ว ศักยภาพในการสร้างสรรค์ที่ก่อตัวขึ้นภายในวงสวิงออเคสตร้าของนักดนตรีด้นสดตามคำนิยาม ไม่สามารถรับรู้ได้ในวงสวิงออร์เคสตราเพื่อการพักผ่อนหย่อนใจ เช่น วงออเคสตราของ Cab Calloway ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่การแจมจะมีบทบาทอย่างมากในดนตรีแจ๊ส - การประชุมของนักดนตรีในวงแคบ ๆ ตามกฎแล้วตอนดึกหลังเลิกงานโดยเฉพาะอย่างยิ่งในโอกาสที่เพื่อนร่วมงานจากสถานที่อื่น ๆ

ป็อบ - ป็อบ

ในการประชุมดังกล่าว ศิลปินเดี่ยวรุ่นเยาว์จากวงดนตรีต่างๆ รวมถึง Charlie Christian มือกีตาร์จาก Benny Goodman Sextet มือกลอง Kenny Clarke นักเปียโน Thelonious Monk นักเป่าแตร Dizzy Gillespie ได้มารวมตัวกันที่คลับ Harlem ในช่วงต้นทศวรรษ 1940 เมื่อสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่ 2 ก็เห็นได้ชัดว่าดนตรีแจ๊สรูปแบบใหม่ถือกำเนิดขึ้น จากมุมมองของดนตรีล้วน ๆ ก็ไม่ต่างอะไรจากวงสวิงวงใหญ่ รูปแบบภายนอกนั้นใหม่ทั้งหมด - เป็น "ดนตรีสำหรับนักดนตรี" ไม่มี "คำแนะนำ" สำหรับการเต้นในรูปแบบของจังหวะที่ชัดเจน คอร์ดที่ดังที่จุดเริ่มต้นและจุดสิ้นสุด ไม่มีท่วงทำนองที่เรียบง่ายและเป็นที่จดจำในดนตรีใหม่ . นักดนตรีเล่นเพลงบรอดเวย์และบลูส์ยอดนิยม แต่แทนที่จะใช้ท่วงทำนองที่คุ้นเคยของเพลงเหล่านี้ พวกเขาจงใจใช้อิมโพรไวส์ นักเป่าแตร Gillespie เป็นคนแรกที่เรียกสิ่งที่เขาทำกับเพื่อนร่วมงานว่า "ribop" หรือ "bebop" หรือเรียกสั้นๆ ว่า "bop" ในเวลาเดียวกันนักดนตรีแจ๊สก็เริ่มเปลี่ยนจากผู้ให้ความบันเทิงเป็นบุคคลที่มีความสำคัญทางสังคมซึ่งใกล้เคียงกับการกำเนิดของขบวนการบีทนิก กิลเลสปีแนะนำแว่นตาในกรอบขนาดใหญ่ (ในตอนแรกแม้จะสวมแว่นตาที่ไม่มีไดออปเตอร์) แทนที่จะใส่หมวก เขาใช้ศัพท์แสงพิเศษ โดยเฉพาะคำว่า เท่ แทนที่จะร้อน ซึ่งยังคงเป็นแฟชั่น แต่แรงกระตุ้นหลักสำหรับชาวนิวยอร์กรุ่นใหม่เกิดขึ้นเมื่อนักเป่าอัลโตแซ็กโซโฟน Charlie Parker จากแคนซัสซิตี้ (เขาเล่นในวงใหญ่ของ Jay McShann) เข้าร่วมกับวง boper Parker มีพรสวรรค์ที่เฉลียวฉลาด เขาไปไกลกว่าเพื่อนร่วมงานและผู้ร่วมสมัยของเขามาก ในตอนท้ายของทศวรรษ 1950 แม้แต่นักประดิษฐ์เช่น Monk และ Gillespie ก็กลับสู่รากเหง้าของพวกเขา - สู่ดนตรีนิโกร ในขณะที่การค้นพบของ Parker และผู้ร่วมงานของเขาบางคน (มือกลอง Max Roach นักเปียโน Bud Powell นักเป่าแตร Fats Navarro) ยังคงดึงดูดความสนใจ ของนักดนตรี.

เย็น.

ในปี 1940 ในสหรัฐอเมริกา เนื่องจากการฟ้องร้องทางลิขสิทธิ์ ในความเป็นจริงมีเพียงการบันทึกเสียงของนักร้องที่มาพร้อมกับเปียโนหนึ่งเครื่องหรือวงดนตรีที่เปล่งออกมาเท่านั้น เมื่อมีการยกเลิกการห้าม (พ.ศ. 2487) เห็นได้ชัดว่านักร้อง "ไมโครโฟน" (เช่น แฟรงก์ ซินาตรา) กลายเป็นบุคคลสำคัญของเพลงป๊อป Bebop ดึงดูดความสนใจในฐานะเพลง "คลับ" แต่ไม่นานก็สูญเสียผู้ฟังไป แต่ในรูปแบบที่นุ่มนวลและภายใต้ชื่อเพลงใหม่ "เจ๋ง" ได้หยั่งรากในคลับชั้นนำ นักเป่าปี่เมื่อวานนี้ เช่น ไมลส์ เดวิส นักเป่าแตรชาวนิโกรอายุน้อย ได้รับความช่วยเหลือจากนักดนตรีฝีมือดี โดยเฉพาะอย่างยิ่ง กิล อีแวนส์ นักเปียโนและผู้เรียบเรียงวงสวิงออเคสตร้าของ Claude Thornhill ใน Capitol-Nonet ของ Miles Davis (ตั้งชื่อตามบริษัท Capitol ที่บันทึก nonet นี้ และออกใหม่ในภายหลังภายใต้ชื่อ กำเนิดของเย็น) ทั้งนักดนตรีผิวขาวและผิวดำ "ฝึกฝน" ด้วยกัน - นักเป่าแซ็กโซโฟน Lee Konitz และ Gerry Mulligan เช่นเดียวกับนักเปียโนและนักแต่งเพลงผิวดำ John Lewis ซึ่งเล่นกับ Charlie Parker และต่อมาได้ก่อตั้งวง Modern Jazz Quartet

นักเปียโนอีกคนที่มีชื่อเกี่ยวข้องกับคนตาบอดอย่างเลนนี ทริสตาโน เป็นคนแรกๆ ที่ใช้ความเป็นไปได้ของสตูดิโอบันทึกเสียง ทริสตาโนเป็นคนแรกที่บันทึกการแสดงด้นสดที่ไม่เป็นรูปสี่เหลี่ยมจัตุรัส งานคอนเสิร์ตสำหรับวงดนตรีขนาดใหญ่ (หลากหลายสไตล์ - จากนีโอคลาสสิกไปจนถึงอนุกรมนิยม) ภายใต้ชื่อทั่วไป "โปรเกรสซีฟ" ไม่สามารถยืดเวลาความเจ็บปวดของการแกว่งและไม่มีเสียงสะท้อนจากสาธารณะ (แม้ว่าในหมู่ผู้แต่งจะเป็นนักแต่งเพลงชาวอเมริกันอายุน้อย Milton Babbitt, Pete Rugolo , บ็อบ เกรททิงเจอร์). อย่างน้อยหนึ่งในวงออเคสตร้าโปรเกรสซีฟซึ่งนำโดยนักเปียโนสแตน เคนตันก็มีอายุยืนยาวและได้รับความนิยมอย่างมาก

ชายฝั่งตะวันตก.

สมาชิกวงออเคสตร้าของเคนตันหลายคนรับใช้ฮอลลีวูดเพื่อให้สไตล์ "เท่" แบบยุโรปมากขึ้น (ด้วยเครื่องดนตรี - ฮอร์น, โอโบ, บาสซูนและลักษณะการผลิตเสียงที่สอดคล้องกันและในระดับหนึ่งการใช้รูปแบบการเลียนแบบโพลีโฟนิก) ถูกเรียกว่า " ฝั่งตะวันตก" (ชายฝั่งตะวันตก). The Shorty Rogers Octet (ซึ่ง Igor Stravinsky พูดถึงอย่างมาก), Shelley Mann และ Bud Shank Ensembles, Dave Brubeck Quartets (ร่วมกับนักเป่าแซ็กโซโฟน Paul Desmond) และ Gerry Mulligan (ร่วมกับ Chet Baker นักเป่าแตรขาว และ Negro Art Farmer)

ย้อนกลับไปในทศวรรษที่ 1920 ความสัมพันธ์ทางประวัติศาสตร์ระหว่างประชากรแอฟริกัน-อเมริกันของสหรัฐอเมริกาและประชากรผิวดำในละตินอเมริกาได้รับผลกระทบ แต่หลังจากสงครามโลกครั้งที่ 2 นักดนตรีแจ๊ส (โดยหลักคือ Dizzy Gillespie) เริ่มใช้จังหวะละตินอเมริกาอย่างมีสติ พวกเขาถึงกับ พูดคุยเกี่ยวกับทิศทางที่เป็นอิสระ - แจ๊สแอฟโฟรคิวบา

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1930 มีความพยายามที่จะฟื้นฟูแจ๊สนิวออร์ลีนส์แบบเก่าภายใต้ชื่อ New Orleans Renaissance และ Dixieland Revival แจ๊สแบบดั้งเดิมซึ่งต่อมาเรียกว่าสไตล์นิวออร์ลีนส์และดิกซีแลนด์ (และแม้กระทั่งสวิง) แพร่หลายในยุโรปและเกือบจะรวมเข้ากับดนตรีในครัวเรือนในเมืองของโลกเก่า - "B" สามเพลงที่มีชื่อเสียงในสหราชอาณาจักร - Acker Bilk, Chris Barber และ Kenny Ball (ตอนหลังโด่งดังจากเวอร์ชั่น Dixieland ตอนเย็นของมอสโกเมื่อต้นทศวรรษที่ 1960) หลังจากการฟื้นฟู Dixieland ในสหราชอาณาจักร ก็ยังมีแฟชั่นสำหรับเครื่องดนตรีทำเองที่บ้านแบบโบราณ นั่นคือ Skiffle ซึ่งสมาชิกของวง Beatles เริ่มอาชีพของพวกเขา

ในสหรัฐอเมริกาผู้ประกอบการ George Wayne (ผู้จัดงานเทศกาลดนตรีแจ๊สที่มีชื่อเสียงในปี 1950 ใน Newport, Rhode Island) และ Norman Grantz สนับสนุน (และกำหนดรูปแบบจริง ๆ ) แนวคิดของกระแสหลัก - แจ๊สคลาสสิกที่สร้างขึ้นตามรูปแบบที่พิสูจน์แล้ว ( ธีมที่เล่นร่วมกัน - การแสดงเดี่ยว - การเล่นซ้ำของธีม) และขึ้นอยู่กับวิธีการแสดงออกของทศวรรษที่ 1930 ด้วยเทคนิคที่แยกจากกันซึ่งคัดสรรมาอย่างดีของสไตล์ต่อมา กระแสหลักในแง่นี้รวมถึงนักดนตรีขององค์กร "Jazz at the Philharmonic" ของ Granz ในความหมายที่กว้างกว่านั้น กระแสหลักแทบจะเป็นแจ๊สทั้งหมดจนถึงต้นทศวรรษ 1960 ซึ่งรวมถึงบีป็อบและดนตรีประเภทต่อมาด้วย

ปลายปี 1950 - ต้น 1960

- หนึ่งในช่วงเวลาที่ประสบความสำเร็จที่สุดในประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊ส ด้วยการถือกำเนิดขึ้นของร็อกแอนด์โรล การด้นสดด้วยเครื่องดนตรีจึงถูกผลักดันให้เลิกเล่นดนตรีป๊อปในที่สุด และดนตรีแจ๊สโดยรวมก็เริ่มตระหนักถึงสถานที่ในวัฒนธรรม: มีคลับซึ่งเป็นเรื่องปกติที่จะฟังมากกว่าการเต้นรำ (หนึ่งในนั้น ถูกเรียกว่า "Birdland" ชื่อเล่น Charlie Parker) เทศกาล (มักจะอยู่กลางแจ้ง) บริษัท แผ่นเสียงสร้างสาขาพิเศษสำหรับดนตรีแจ๊ส - "ฉลาก" และอุตสาหกรรมการบันทึกเสียงอิสระก็เกิดขึ้น (เช่น Riverside ซึ่งเริ่มต้นด้วยกวีนิพนธ์ที่รวบรวมอย่างยอดเยี่ยมใน ประวัติของดนตรีแจ๊ส) ก่อนหน้านี้ในทศวรรษที่ 1930 นิตยสารเฉพาะทางเริ่มปรากฏ ("Down Beat" ในสหรัฐอเมริกา นิตยสารภาพประกอบรายเดือนต่างๆ ในสวีเดน ฝรั่งเศส และในทศวรรษ 1950 ในโปแลนด์) แจ๊สเหมือนเดิม แบ่งเป็นเบาๆ คลับ และจริงจัง คอนเสิร์ต ความต่อเนื่องของ "โปรเกรสซีฟ" คือ "เทรนด์ที่สาม" ซึ่งเป็นความพยายามที่จะรวมอิมโพรไวส์แจ๊สเข้ากับรูปแบบและทรัพยากรการแสดงของซิมโฟนีและแชมเบอร์มิวสิค กระแสทั้งหมดมาบรรจบกันที่ "Modern Jazz Quartet" ซึ่งเป็นห้องทดลองหลักสำหรับการสังเคราะห์ดนตรีแจ๊สและ "คลาสสิก" อย่างไรก็ตามผู้ที่ชื่นชอบ "กระแสที่สาม" รีบร้อน; พวกเขาปรารถนาให้เป็นจริง โดยเชื่อว่ามีผู้เล่นวงซิมโฟนีออร์เคสตร้ารุ่นแล้วรุ่นเล่าที่คุ้นเคยกับการฝึกดนตรีแจ๊สพอสมควร "กระแสที่สาม" เช่นเดียวกับแนวโน้มอื่น ๆ ในดนตรีแจ๊สยังคงมีผู้ติดตามและในโรงเรียนดนตรีบางแห่งในสหรัฐอเมริกาและยุโรปกลุ่มการแสดงจะถูกสร้างขึ้นเป็นครั้งคราว ("Orchestra USA", "American Philharmonic "Jack Elliot) และแม้แต่หลักสูตรที่เกี่ยวข้องก็มีให้ (โดยเฉพาะอย่างยิ่ง โดยนักเปียโน Ran Blake) "กระแสที่สาม" พบผู้ขอโทษในยุโรปโดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังจากการแสดงของ "Modern Jazz Quartet" ในศูนย์กลางของ Donaueschingen (FRG) ดนตรีแนวหน้าของโลกในปี 2497

ในทางกลับกันวงดนตรีวงสวิงที่ดีที่สุดแข่งขันกับเพลงป๊อปในสาขาดนตรีเต้นรำ นอกจากนี้ยังมีทิศทางใหม่ในดนตรีแจ๊สเบา ๆ ดังนั้น Lorindo Almeida นักกีตาร์ชาวบราซิลซึ่งย้ายไปอยู่ที่สหรัฐอเมริกาในช่วงต้นทศวรรษ 1950 จึงพยายามโน้มน้าวเพื่อนร่วมงานของเขาว่าเป็นไปได้ที่จะด้นสดตามจังหวะแซมบ้าของบราซิล อย่างไรก็ตาม หลังจากการทัวร์วง Sten Getz ในบราซิลเท่านั้น "แจ๊สแซมบ้า" จะปรากฏขึ้น ซึ่งในบราซิลได้รับชื่อ "บอสซาโนวา" Bossa nova กลายเป็นสัญญาณแรกของดนตรีโลกใหม่ในอนาคต

กระแสหลักในดนตรีแจ๊ซในช่วงปี 1950 และ 1960 ยังคงเป็นบีป็อบ - เรียกว่าฮาร์ดบ็อบไปแล้ว (ป็อบหนักและมีพลัง ครั้งหนึ่งพวกเขาพยายามนำเสนอแนวคิดของ "นีโอ-บ็อบ") ปรับปรุงด้วยการค้นพบอิมโพรไวส์และนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยม ในช่วงเวลาเดียวกัน มีเหตุการณ์ที่ส่งผลทางสุนทรียศาสตร์ร้ายแรงมาก รวมถึงดนตรีแจ๊สด้วย เรย์ ชาร์ลส์ นักร้อง-นักเล่นออร์แกน-นักเป่าแซ็กโซโฟนเป็นคนแรกที่รวมสิ่งที่เข้ากันไม่ได้ นั่นคือโครงสร้าง (ในเพลงที่มีเสียงร้องซึ่งมีเนื้อหาที่เป็นโคลงสั้น ๆ ด้วย) ของเพลงบลูส์และโครงสร้างจุลภาคของคำถาม-คำตอบที่เกี่ยวข้องกับสิ่งที่น่าสมเพชของบทสวดทางวิญญาณเท่านั้น ทิศทางนี้ได้รับชื่อ "วิญญาณ" ในวัฒนธรรมนิโกร (แนวคิดในปี 1960 ที่รุนแรงซึ่งกลายเป็นคำพ้องความหมายของคำว่า "นิโกร", "คนผิวดำ", "แอฟริกันอเมริกัน" ฯลฯ ); เนื้อหาที่เข้มข้นของคุณลักษณะแอฟริกัน-อเมริกันทั้งหมดในดนตรีแจ๊สและเพลงป็อปของคนผิวดำเรียกว่า "ขี้ขลาด"

ในเวลานั้นวิญญาณฮาร์ดป็อบและแจ๊สเป็นศัตรูกัน (บางครั้งก็อยู่ในกลุ่มเดียวกันเช่นพี่น้อง Adderley คนหนึ่ง - นักเป่าแซ็กโซโฟน Julian "Cannonball" คิดว่าตัวเองเป็นสาวกของฮาร์ดป็อบอีกคน - นักเป่าคอร์เน็ท Nat - สาวกของจิตวิญญาณแจ๊ส). แกนกลางของฮาร์ดป็อบซึ่งเป็นสถาบันกระแสหลักที่ทันสมัยแห่งนี้คือ (จนกระทั่ง Art Blakey มือกลองของวงเสียชีวิตในปี 1990) กลุ่ม Jazz Messengers

ชุดบันทึกของ Gil Evans Orchestra - ประเภทของคอนแชร์โตสำหรับทรัมเป็ตโดย Miles Davis ร่วมกับวงออเคสตรา ซึ่งเปิดตัวในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และต้นทศวรรษ 1960 ซึ่งสอดคล้องกับสุนทรียศาสตร์ของยุค 40 และบันทึกของ Miles Davis กลางทศวรรษที่ 1960 (โดยเฉพาะอัลบั้ม ไมล์ส ยิ้ม), เช่น. การละทิ้งความเชื่อของ bebop ที่อัปเดต - ฮาร์ดบอปปรากฏขึ้นเมื่อแจ๊สอาวองการ์ดอยู่ในแฟชั่นแล้ว - สิ่งที่เรียกว่า แจ๊สฟรี

แจ๊สฟรี

อยู่ในผลงานหนึ่งในอัลบั้มออเคสตราของนักเป่าแตรเดวิส ( พอร์กี้&เบส, 1960) อีแวนส์ผู้เรียบเรียงแนะนำว่าผู้เป่าแตรด้นสดโดยไม่ได้ขึ้นอยู่กับลำดับฮาร์มอนิกในช่วงเวลาหนึ่ง - สี่เหลี่ยมจัตุรัส แต่ในระดับที่แน่นอน - โหมด (โหมด) ไม่ใช่แบบสุ่มเช่นกัน แต่ดึงมาจากธีมเดียวกัน แต่ ไม่ใช่เสียงประสาน แต่เป็นเมโลดี้เอง หลักการของกิริยาดนตรีซึ่งหายไปจากดนตรียุโรปตั้งแต่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา แต่ยังคงอยู่ภายใต้ดนตรีอาชีพทั้งหมดของเอเชีย (mugham, raga, dastan ฯลฯ ) เปิดโอกาสที่ไร้ขีดจำกัดอย่างแท้จริงในการเสริมคุณค่าดนตรีแจ๊สด้วยประสบการณ์ของวัฒนธรรมดนตรีโลก . เดวิสและอีแวนส์ก็ใช้ฟลาเมงโกของสเปน (กล่าวคือ ยูโร-เอเชียเป็นหลัก) ซึ่งเหมาะอย่างยิ่งสำหรับจุดประสงค์นี้

John Coltrane นักเป่าแซ็กโซโฟนเพื่อนร่วมงานของ Davies หันไปหาอินเดีย Eric Dolphy เพื่อนร่วมงานของ Coltrane ซึ่งเสียชีวิตก่อนวัยอันควร นักเป่าแซ็กโซโฟนและนักเป่าขลุ่ยที่มีพรสวรรค์เก่งกาจหันไปหาแนวหน้าทางดนตรีของยุโรป (ชื่อบทละครของเขาเป็นที่น่าจดจำ กาซเซโลนี่- เพื่อเป็นเกียรติแก่นักเป่าขลุ่ยชาวอิตาลี นักดนตรี Luigi Nono และ Pierre Boulez)

ในเวลาเดียวกัน ในปี 1960 ควอเต็ตสองวงคือ Eric Dolphy และนักเป่าอัลโตแซกโซโฟน Ornette Coleman (โดยนักเป่าแตร Don Cherry และ Freddie Hubbard นักดับเบิลเบส Charlie Hayden และ Scott La Faro) กำลังบันทึกอัลบั้ม แจ๊สฟรี (แจ๊สฟรี) ตกแต่งอย่างท้าทายด้วยการจำลองภาพวาด แสงสีขาว Jackson Pollock ศิลปินนามธรรมชื่อดัง กระแสแห่งจิตสำนึกส่วนรวมซึ่งกินเวลานานประมาณ 40 นาที เป็นการแสดงด้นสดที่เกิดขึ้นเองโดยไม่ได้ตั้งใจ (แม้ว่าจะมีการบันทึกแล้ว 2 เวอร์ชั่น) โดยนักดนตรีแปดคน และเฉพาะตรงกลางเท่านั้นที่ทุกคนมาบรรจบกันในช่วงเวลาสั้น ๆ โดยโคลแมนเขียนไว้ล่วงหน้าโดยพร้อมเพรียงกัน หลังจาก "สรุป" โมดอลโซลแจ๊สและฮาร์ดป็อบในอัลบั้มที่ประสบความสำเร็จอย่างมากในทุกด้าน ความรักสูงสุด(รวมถึงเชิงพาณิชย์ - ขายแผ่นเสียงได้ 250,000 แผ่น) อย่างไรก็ตาม John Coltrane เดินตามรอยเท้าของ Coleman บันทึกรายการ การเสด็จขึ้นสู่สวรรค์ (การเสด็จขึ้นสู่สวรรค์) กับทีมแบล็กอาวองต์การ์ด (รวมถึงนักแซ็กโซโฟนชาวนิโกรจากโคเปนเฮเกน จอห์น ชิไค) ในสหราชอาณาจักร ดนตรีแจ๊สฟรียังได้รับการส่งเสริมโดยโจ แฮริออต นักแซ็กโซโฟนอัลโตชาวอินเดียตะวันตกผิวดำ นอกจากบริเตนใหญ่แล้ว โรงเรียนสอนดนตรีแจ๊สอิสระได้พัฒนาขึ้นในเนเธอร์แลนด์ เยอรมนี และอิตาลี ในประเทศอื่นๆ การแสดงด้นสดแบบรวมที่เกิดขึ้นเองกลายเป็นกระแสนิยมชั่วคราว ซึ่งเป็นแฟชั่นสำหรับแนวหน้า (ทศวรรษที่ 1960 เป็นช่วงเวลาสุดท้ายของการทดลองแนวแนวหน้าในดนตรีวิชาการเช่นกัน); ในขณะเดียวกันก็มีการเปลี่ยนแปลงจากสุนทรียภาพแห่งนวัตกรรมโดยไม่เสียค่าใช้จ่ายใด ๆ ไปสู่การสนทนาหลังสมัยใหม่กับอดีต อาจกล่าวได้ว่าดนตรีแจ๊สฟรี (รวมถึงกระแสอื่น ๆ ของแจ๊สเปรี้ยวจี๊ด) เป็นปรากฏการณ์ครั้งแรกในโลกดนตรีแจ๊สที่โลกเก่าไม่ด้อยกว่าโลกใหม่ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ศิลปินแนวหน้าชาวอเมริกันหลายคน โดยเฉพาะซานรากับวงดนตรีวงใหญ่ของเขา "ซ่อนตัว" ในยุโรปเป็นเวลานาน ทีมงานรวมศิลปินแนวหน้าของยุโรปในปี พ.ศ. 2511 ได้บันทึกโครงการก่อนเวลาอันยาวนาน ปืนกลในสหราชอาณาจักร "Spontaneous Music Ensemble" เกิดขึ้นและหลักการของการด้นสดที่เกิดขึ้นเองนั้นถูกกำหนดขึ้นในทางทฤษฎีเป็นครั้งแรก (โดยนักกีตาร์และผู้นำของโครงการที่กำลังดำเนินอยู่ บริษัทเดเร็ก เบลีย์) ในเนเธอร์แลนด์มีสมาคม "Instant Composers Pool" ในเยอรมนี - วงออเคสตราของ Alexander von Schlippenbach "Globe Unity" ซึ่งเป็นโอเปร่าแจ๊สเรื่องแรกที่ได้รับการบันทึกโดยความพยายามระดับนานาชาติ บันไดเลื่อนเหนือเนินเขาคาร์ล่า เบลย์.

แต่มีเพียงไม่กี่คนเท่านั้น เช่น นักเปียโน Cecil Taylor นักเป่าแซ็กโซโฟนและนักแต่งเพลง Anthony Braxton ที่ยังคงยึดมั่นในหลักการของ "พายุและความเครียด" ในช่วงเปลี่ยนผ่านของทศวรรษ 1950 และ 1960

ในเวลาเดียวกัน พวกนิโกรหัวรุนแรง - กลุ่มหัวรุนแรงทางการเมืองและผู้ติดตามของจอห์น โคลเทรน (อันที่จริงคือโคลเทรนเองที่เสียชีวิตในปี 2510) - อาร์ชี เชปป์ พี่น้องไอเลอร์ส ฟาโรห์ แซนเดอร์ส - กลับสู่รูปแบบการแสดงกิริยาท่าทางในระดับปานกลาง ซึ่งมักจะเป็น ต้นกำเนิดของชาวตะวันออก (เช่น Jozef Lateef , Don Cherry) ตามมาด้วยกลุ่มหัวรุนแรงของเมื่อวานนี้อย่าง Carla Blay, Don Ellis, Chick Corea ซึ่งเปลี่ยนมาใช้ดนตรีแจ๊สร็อคได้อย่างง่ายดาย

แจ๊สร็อค.

การอยู่ร่วมกันของ "ลูกพี่ลูกน้อง" ของดนตรีแจ๊สและร็อคต้องรอเป็นเวลานาน ความพยายามครั้งแรกในการสร้างสายสัมพันธ์ไม่ได้ทำโดยนักดนตรีแจ๊ส แต่โดยนักดนตรีร็อค - นักดนตรีที่เรียกว่า ร็อคทองเหลือง "และ - กลุ่ม American Chicago, bluesmen ของอังกฤษนำโดยนักกีตาร์ John McLaughlin แจ๊สร็อคได้รับการติดต่ออย่างอิสระนอกประเทศที่ใช้ภาษาอังกฤษเช่น Zbigniew Namyslovsky ในโปแลนด์

ทุกสายตาจับจ้องไปที่นักเป่าแตร Miles Davis ซึ่งเป็นอีกครั้งที่ทำให้ดนตรีแจ๊สเข้าสู่เส้นทางที่เต็มไปด้วยอันตราย ในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษ 1960 เดวิสค่อยๆ เข้าหากีตาร์ไฟฟ้า ซินธิไซเซอร์คีย์บอร์ด และจังหวะร็อก ในปี 1970 เขาออกอัลบั้ม เบียร์ตัวเมียกับมือคีย์บอร์ดหลายคนและกิ้นกีตาร์ไฟฟ้า ตลอดทศวรรษ 1970 การพัฒนาดนตรีแจ๊ส-ร็อก (หรือที่เรียกว่าฟิวชัน) ถูกกำหนดโดยนักดนตรีที่มีส่วนร่วมในการบันทึกอัลบั้มนี้ - มือคีย์บอร์ด Joe Zawinul และ Wayne Shorter สร้างกลุ่ม Weather Report, John McLaughlin - กลุ่ม Mahavishnu Orchestra นักเปียโน Chick Corea - Return to Forever Ensemble, Tony Williams มือกลองและมือกลอง Larry Young - Lifetime Quartet, นักเปียโนและมือคีย์บอร์ด Herbie Hancock มีส่วนร่วมในหลายโปรเจ็กต์พร้อมกัน แจ๊สอีกครั้ง แต่ในระดับใหม่กำลังเข้าใกล้จิตวิญญาณและความกลัวมากขึ้น (เช่น Hancock และ Corea มีส่วนร่วมในการบันทึกเสียงของนักร้อง Stevie Wonder) แม้แต่ Sonny Rollins นักเป่าแซ็กโซโฟนเทเนอร์ยุค 50 ที่โดดเด่นก็ยังเปลี่ยนมาฟังเพลงป๊อปฟังกี้อยู่พักหนึ่ง

อย่างไรก็ตาม ในช่วงปลายทศวรรษ 1970 ก็มีการเคลื่อนไหว "สวนทาง" ต่อการฟื้นฟูดนตรีแจ๊ส "อะคูสติก" ทั้งแนวอาว็อง-การ์ด (เทศกาล "Attic" ที่มีชื่อเสียงของ Sam Rivers ในปี 1977) และฮาร์ดบ็อบ - ในเวลาเดียวกัน ในปี 1960 นักดนตรีของ Miles Davis Ensemble ได้กลับมารวมตัวกันอีกครั้ง แต่หากไม่มีตัวเดวิส นักเป่าแตร Freddie Hubbard ก็เข้ามาแทนที่

ด้วยการถือกำเนิดขึ้นของบุคคลที่ทรงอิทธิพลเช่น Wynton Marsalis ในช่วงต้นทศวรรษ 1980 นีโอ-เมนสตรีมหรือที่เรียกอีกอย่างว่านีโอคลาสสิกนั้นเข้ามามีบทบาทสำคัญในวงการดนตรีแจ๊ส

นี่ไม่ได้หมายความว่าทุกอย่างย้อนกลับไปในช่วงครึ่งแรกของปี 1960 ในทางตรงกันข้าม ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1980 ความพยายามที่จะสังเคราะห์แนวโน้มที่ดูเหมือนจะไม่ผูกขาดร่วมกันเริ่มชัดเจนขึ้นเรื่อย ๆ ตัวอย่างเช่น ฮาร์ดบ็อบและอิเล็กทริกฟังก์ในสมาคม "M-base" ของนิวยอร์ก ซึ่งรวมถึงนักร้อง Cassandra Wilson นักเป่าแซ็กโซโฟน Steve Coleman นักเปียโน Jerry Ellen หรือฟิวชั่นอิเล็กทริกไฟฟ้าแสงต่อหน้า Pat Metheny มือกีตาร์ที่ร่วมงานกับทั้ง Ornette Coleman และ Derek Bailey เพื่อนร่วมงานชาวอังกฤษของเขา โคลแมนได้รวมวงดนตรี "ไฟฟ้า" เข้ากับมือกีตาร์สองคนโดยไม่คาดคิด อย่างไรก็ตาม ในเวลาเดียวกัน เขาไม่ละทิ้งหลักการของการด้นสดโดยรวมตามวิธีการของ "ฮาร์โมโลยี" ที่เขากำหนดขึ้น

หลักการของ polystylistics เป็นหัวใจสำคัญของ New York School "Downtown" นำโดย John Zorn นักเป่าแซ็กโซโฟน

ปลายศตวรรษที่ 20

Americanocentrism กำลังเปิดทางสู่พื้นที่ข้อมูลใหม่ เหนือสิ่งอื่นใด ด้วยวิธีการสื่อสารมวลชนแบบใหม่ (รวมถึงอินเทอร์เน็ต) ในดนตรีแจ๊สเช่นเดียวกับเพลงป๊อปใหม่ ความรู้เกี่ยวกับภาษาดนตรีของ "โลกที่สาม" และการค้นหา "ตัวส่วนร่วม" กลายเป็นสิ่งจำเป็น นี่คือนิทานพื้นบ้านอินโด-ยูโรเปียนกับ Ned Rothenberg ในวง Sync quartet หรือส่วนผสมของ Russian-Carpathian ใน Moscow Art Trio

ความสนใจในวัฒนธรรมดนตรีดั้งเดิมทำให้ศิลปินแนวหน้าของนิวยอร์กเชี่ยวชาญดนตรีประจำวันของชาวยิวพลัดถิ่น และ Louis Sklavis นักเป่าแซ็กโซโฟนชาวฝรั่งเศส - ดนตรีพื้นบ้านบัลแกเรีย

หากก่อนหน้านี้เป็นไปได้ที่จะมีชื่อเสียงในดนตรีแจ๊สโดย "ผ่านอเมริกา" เท่านั้น (เช่นที่ทราบกันดีว่า Joe Zawinul ชาวออสเตรีย, Miroslav Vitoush และ Jan Gammer ชาวเช็ก, Michal Urbanyak ชาวโปแลนด์, Sven Asmussen ชาวสวีเดน, ชาว Dane Nils Hennig Oersted-Pedersen ซึ่งอพยพจากสหภาพโซเวียตถึงปี 1973 Valery Ponomarev) ปัจจุบันแนวโน้มชั้นนำของดนตรีแจ๊สกำลังก่อตัวขึ้นในโลกเก่าและแม้กระทั่งการปราบปรามผู้นำของดนตรีแจ๊สอเมริกันเช่นหลักการทางศิลปะของ บริษัท ECM (คติชน นักแต่งเพลงที่ได้รับการขัดเกลา และโดยทั่วไปแล้วชาวยุโรปในแง่ของกระแส "เสียง" ของจิตสำนึก) คิดค้นโดยโปรดิวเซอร์ชาวเยอรมัน Manfred Eicher จากตัวอย่างเพลงของ Jan Garbarek ชาวนอร์เวย์, Chick Corea นักเปียโน Keith Jarrett และนักเป่าแซ็กโซโฟน Charles Lloyd ตอนนี้สารภาพแม้ว่าจะไม่ได้เกี่ยวข้องกับบริษัทนี้ด้วยสัญญาพิเศษก็ตาม โรงเรียนอิสระของดนตรีแจ๊สพื้นบ้าน (แจ๊สโลก) และแจ๊สแนวหน้ากำลังก่อตัวขึ้นในสหภาพโซเวียต (โรงเรียนวิลนีอุสที่มีชื่อเสียงในหมู่ผู้ก่อตั้งซึ่งไม่มีลิทัวเนียคนเดียว: Vyacheslav Ganelin - จากภูมิภาคมอสโก Vladimir Chekasin - จาก Sverdlovsk, Vladimir Tarasov - จาก Arkhangelsk แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่งในหมู่นักเรียนของพวกเขาคือ Petras Vishnyauskas) ธรรมชาติสากลของดนตรีแจ๊สกระแสหลักและเสรี การเปิดกว้างของโลกศิวิไลซ์นำไปสู่ความจริงที่ว่า "อยู่เหนืออุปสรรค" ของความเป็นรัฐและสัญชาติ ตัวอย่างเช่น กลุ่ม Tomasz Stanko ผู้มีอิทธิพลชาวโปแลนด์-ฟินแลนด์ - Edvard Vesal หรือชาวเอสโตเนียผู้แข็งแกร่ง- คู่หูชาวรัสเซียของ Lembit Saarsalu - Leonid Vintskevich เกิดขึ้น ขอบเขตของดนตรีแจ๊สขยายมากยิ่งขึ้นด้วยการมีส่วนร่วมของดนตรีในชีวิตประจำวันของผู้คนที่แตกต่างกัน ตั้งแต่เพลงคันทรี่ไปจนถึงเพลงชานซองที่เรียกว่า วงแยม

วรรณกรรม:

ซาร์เจนท์ ดับเบิลยู. แจ๊ส. ม., 2530
แจ๊สโซเวียต. ม., 2530
« ฟังสิ่งที่ฉันจะบอกคุณ» . นักแจ๊สเกี่ยวกับประวัติของดนตรีแจ๊ส. ม., 2543



แจ๊ส - รูปแบบของศิลปะดนตรีที่เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ในสหรัฐอเมริกาในนิวออร์ลีนอันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์วัฒนธรรมแอฟริกันและยุโรปและต่อมาก็แพร่หลาย ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊สคือดนตรีบลูส์และดนตรีพื้นเมืองของชาวแอฟริกันอเมริกัน ลักษณะเฉพาะของภาษาดนตรีแจ๊สในขั้นต้นกลายเป็นการปรับตัว, จังหวะหลายจังหวะตามจังหวะที่ประสานกันและชุดเทคนิคเฉพาะสำหรับการแสดงพื้นผิวจังหวะ - วงสวิง การพัฒนาเพิ่มเติมของดนตรีแจ๊สเกิดขึ้นเนื่องจากการพัฒนารูปแบบจังหวะและฮาร์มอนิกใหม่โดยนักดนตรีและนักแต่งเพลงแจ๊ส แจ๊สย่อยได้แก่: แจ๊สแนวหน้า, บีป็อบ, แจ๊สคลาสสิก, คูล, แจ๊สโมดอล, สวิง, สมูทแจ๊ส, โซลแจ๊ส, ฟรีแจ๊ส, ฟิวชั่น, ฮาร์ดบ็อบ และอื่น ๆ อีกมากมาย

ประวัติความเป็นมาของดนตรีแจ๊ส

วงดนตรีแจ๊ส Wilex College รัฐเท็กซัส

แจ๊สเกิดขึ้นจากการผสมผสานของวัฒนธรรมดนตรีและประเพณีของชาติต่างๆ เดิมทีมาจากแอฟริกา ดนตรีแอฟริกันใด ๆ มีลักษณะจังหวะที่ซับซ้อนมาก ดนตรีมักจะมาพร้อมกับการเต้นรำซึ่งมีการกระทืบและตบมืออย่างรวดเร็ว บนพื้นฐานนี้ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 มีแนวดนตรีอีกประเภทหนึ่งเกิดขึ้น - แร็กไทม์ ต่อจากนั้นจังหวะของแร็กไทม์รวมกับองค์ประกอบของบลูส์ทำให้เกิดแนวดนตรีใหม่ - แจ๊ส

เพลงบลูส์เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 โดยเป็นการผสมผสานระหว่างจังหวะของแอฟริกาและความกลมกลืนของยุโรป แต่ควรค้นหาต้นกำเนิดของมันตั้งแต่ช่วงเวลาที่ทาสถูกนำจากแอฟริกาไปยังโลกใหม่ ทาสที่นำมาไม่ได้มาจากกลุ่มเดียวกันและมักไม่เข้าใจซึ่งกันและกัน ความจำเป็นในการรวมเข้าด้วยกันนำไปสู่การรวมเป็นหนึ่งเดียวของหลายวัฒนธรรม และเป็นผลให้สร้างวัฒนธรรมเดียว (รวมถึงดนตรี) ของชาวแอฟริกันอเมริกัน กระบวนการผสมผสานวัฒนธรรมดนตรีของแอฟริกาและยุโรป (ซึ่งได้รับการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงในโลกใหม่ด้วย) เกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 และในศตวรรษที่ 19 นำไปสู่การเกิดขึ้นของ "โปรโตแจ๊ส" และจากนั้นแจ๊สโดยทั่วไป ความรู้สึกที่ได้รับการยอมรับ แหล่งกำเนิดของดนตรีแจ๊สคือทางตอนใต้ของอเมริกา และโดยเฉพาะนิวออร์ลีนส์
คำมั่นสัญญาของเยาวชนนิรันดร์ของดนตรีแจ๊ส - ด้นสด
ลักษณะเฉพาะของสไตล์คือการแสดงเฉพาะตัวของนักดนตรีแจ๊สอัจฉริยะ กุญแจสู่ความเยาว์วัยตลอดกาลของดนตรีแจ๊สคือการด้นสด หลังจากการปรากฏตัวของนักแสดงฝีมือฉกาจที่ใช้ชีวิตในจังหวะดนตรีแจ๊สมาทั้งชีวิตและยังคงเป็นตำนาน - หลุยส์ อาร์มสตรอง ศิลปะการแสดงดนตรีแจ๊สได้เปิดโลกทัศน์ที่แปลกใหม่สำหรับตัวมันเอง: การแสดงเดี่ยวโดยใช้เสียงร้องหรือบรรเลงกลายเป็นศูนย์กลางของการแสดงทั้งหมด เปลี่ยนความคิดของดนตรีแจ๊สโดยสิ้นเชิง แจ๊สไม่ได้เป็นเพียงการแสดงดนตรีบางประเภทเท่านั้น แต่ยังเป็นยุคแห่งความร่าเริงที่ไม่เหมือนใครอีกด้วย

นิวออร์ลีนแจ๊ส

คำว่า New Orleans มักใช้เพื่ออธิบายสไตล์ของนักดนตรีที่เล่นดนตรีแจ๊สใน New Orleans ระหว่างปี 1900 ถึง 1917 เช่นเดียวกับนักดนตรีของ New Orleans ที่เล่นในชิคาโกและสร้างสถิติตั้งแต่ปี 1917 ถึง 1920 ช่วงเวลาแห่งประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สนี้เรียกอีกอย่างว่ายุคดนตรีแจ๊ส และคำนี้ยังใช้เพื่ออธิบายถึงดนตรีที่เล่นในช่วงเวลาต่างๆ ทางประวัติศาสตร์โดยนักฟื้นฟูชาวนิวออร์ลีนส์ที่ต้องการเล่นดนตรีแจ๊สในรูปแบบเดียวกับนักดนตรีของโรงเรียนในนิวออร์ลีนส์

นิทานพื้นบ้านและดนตรีแจ๊สของชาวแอฟริกัน-อเมริกันได้แยกทางกันตั้งแต่การเปิด Storyville ย่านโคมแดงของนิวออร์ลีนส์ที่ขึ้นชื่อเรื่องสถานบันเทิง ผู้ที่ต้องการสนุกสนานและสนุกสนานที่นี่กำลังรอโอกาสที่เย้ายวนใจมากมายซึ่งมีทั้งฟลอร์เต้นรำ คาบาเรต์ การแสดงวาไรตี้ ละครสัตว์ บาร์และร้านอาหาร และทุกหนทุกแห่งในสถาบันเหล่านี้ก็มีเสียงเพลงและนักดนตรีที่เชี่ยวชาญเพลงที่ซิงค์ใหม่สามารถหางานทำได้ ด้วยการเติบโตของจำนวนนักดนตรีมืออาชีพที่ทำงานในสถานบันเทิงของ Storyville ทีละน้อยจำนวนวงดนตรีเดินขบวนและแตรวงถนนก็ลดลงและแทนที่จะเป็นพวกเขาวงดนตรีที่เรียกว่า Storyville ก็เกิดขึ้นการแสดงดนตรีที่กลายเป็นปัจเจกบุคคลมากขึ้น เมื่อเทียบกับการเล่นแตรวง การประพันธ์เพลงเหล่านี้มักเรียกว่า "คอมโบออเคสตร้า" และกลายเป็นผู้ก่อตั้งสไตล์คลาสสิกของนิวออร์ลีนส์แจ๊ส ระหว่างปี 1910 ถึง 1917 ไนต์คลับใน Storyville ได้กลายเป็นสถานที่ที่เหมาะสำหรับดนตรีแจ๊ส
ระหว่างปี 1910 ถึง 1917 ไนต์คลับใน Storyville ได้กลายเป็นสถานที่ที่เหมาะสำหรับดนตรีแจ๊ส
พัฒนาการของดนตรีแจ๊สในสหรัฐอเมริกาในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20

หลังจากการปิดของ Storyville ดนตรีแจ๊สก็เริ่มเปลี่ยนจากแนวเพลงพื้นบ้านในระดับภูมิภาคไปสู่แนวทางดนตรีทั่วประเทศ โดยแพร่กระจายไปยังจังหวัดทางตอนเหนือและตะวันออกเฉียงเหนือของสหรัฐอเมริกา แต่แน่นอนว่าการปิดสถานบันเทิงเพียงแห่งเดียวไม่สามารถนำไปสู่การกระจายในวงกว้างได้ ร่วมกับนิวออร์ลีนส์ เซนต์หลุยส์ แคนซัสซิตี้ และเมมฟิสมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาดนตรีแจ๊สตั้งแต่เริ่มต้น Ragtime เกิดที่เมืองเมมฟิสในศตวรรษที่ 19 จากนั้นแพร่ระบาดไปทั่วทวีปอเมริกาเหนือในช่วงปี 1890-1903

ในทางกลับกัน การแสดงของนักร้องที่มีโมเสกผสมของนิทานพื้นบ้านของชาวแอฟริกัน-อเมริกันทุกประเภท ตั้งแต่จิ๊กซอว์ไปจนถึงแร็กไทม์ แพร่กระจายอย่างรวดเร็วไปทุกหนทุกแห่งและเป็นเวทีสำหรับการถือกำเนิดของดนตรีแจ๊ส ดาราแจ๊สในอนาคตหลายคนเริ่มต้นเส้นทางการแสดงดนตรี นานก่อนที่ Storyville จะปิดลง นักดนตรีของนิวออร์ลีนส์กำลังออกทัวร์กับคณะละครที่เรียกว่า "การแสดงดนตรี" Jelly Roll Morton จากปี 1904 ไปเที่ยวเป็นประจำใน Alabama, Florida, Texas จาก 1,914 เขามีสัญญาที่จะแสดงในชิคาโก. ในปี 1915 เขาย้ายไปชิคาโกและวง White Dixieland Orchestra ของ Tom Brown ทัวร์การแสดงชุดใหญ่ในชิคาโกจัดทำโดย Creole Band ที่มีชื่อเสียงซึ่งนำโดย Freddie Keppard ผู้เล่นคอร์เน็ตแห่งนิวออร์ลีนส์ หลังจากแยกตัวออกจาก Olympia Band ในคราวเดียว ศิลปินของ Freddie Keppard ประสบความสำเร็จในการแสดงในโรงละครที่ดีที่สุดในชิคาโกในปี 1914 และได้รับข้อเสนอให้บันทึกเสียงการแสดงของพวกเขาก่อนวงดนตรีแจ๊ส Dixieland ดั้งเดิม ซึ่ง Freddie Keppard สายตาสั้นปฏิเสธ ขยายอาณาเขตอย่างมีนัยสำคัญซึ่งครอบคลุมโดยอิทธิพลของดนตรีแจ๊ส วงออเคสตร้าที่เล่นบนเรือกลไฟเพื่อความบันเทิงที่ล่องไปตามแม่น้ำมิสซิสซิปปี้

ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 19 การเดินทางทางน้ำจากนิวออร์ลีนส์ไปยังเซนต์พอลได้กลายเป็นที่นิยม ครั้งแรกสำหรับวันหยุดสุดสัปดาห์ และหลังจากนั้นตลอดทั้งสัปดาห์ ตั้งแต่ปี 1900 เป็นต้นมา วงออเคสตร้าของนิวออร์ลีนส์ได้เปิดการแสดงบนเรือล่องแม่น้ำเหล่านี้ ซึ่งเพลงเหล่านี้ได้กลายเป็นความบันเทิงที่ดึงดูดใจที่สุดสำหรับผู้โดยสารระหว่างการทัวร์แม่น้ำ หนึ่งในวงออเคสตร้าเหล่านี้ ชูเกอร์ จอห์นนี่ ภรรยาในอนาคตของหลุยส์ อาร์มสตรอง ลิล ฮาร์ดิน นักเปียโนแจ๊สคนแรก วงดนตรีริเวอร์โบ๊ทของนักเปียโนอีกคนหนึ่ง Faiths Marable ได้นำเสนอดาราแจ๊สแห่งนิวออร์ลีนส์ในอนาคตหลายคน

เรือกลไฟที่แล่นไปตามแม่น้ำมักจะหยุดที่สถานีที่ผ่าน ซึ่งวงออร์เคสตร้าจัดคอนเสิร์ตให้กับประชาชนในท้องถิ่น คอนเสิร์ตเหล่านี้กลายเป็นการเปิดตัวที่สร้างสรรค์สำหรับ Bix Beiderbeck, Jess Stacy และคนอื่นๆ อีกมากมาย เส้นทางที่มีชื่อเสียงอีกเส้นทางหนึ่งวิ่งไปตามมิสซูรีไปยังแคนซัสซิตี้ ในเมืองนี้ ที่ซึ่งมีรากเหง้าอันแข็งแกร่งของนิทานพื้นบ้านของชาวแอฟริกัน-อเมริกัน ดนตรีบลูส์จึงพัฒนาและเป็นรูปเป็นร่างในที่สุด การบรรเลงดนตรีแจ๊สของนักดนตรีแจ๊สชาวนิวออร์ลีนส์อย่างมีไหวพริบได้ค้นพบสภาพแวดล้อมที่อุดมสมบูรณ์เป็นพิเศษ ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1920 ชิคาโกได้กลายเป็นศูนย์กลางหลักในการพัฒนาดนตรีแจ๊ส ซึ่งด้วยความพยายามของนักดนตรีหลายคนที่รวมตัวกันจากส่วนต่างๆ ของสหรัฐอเมริกา จึงมีการสร้างสไตล์ที่มีชื่อเล่นว่าชิคาโกแจ๊ส

วงดนตรีขนาดใหญ่

วงบิ๊กแบนด์รูปแบบคลาสสิกที่เป็นที่ยอมรับเป็นที่รู้จักในแวดวงดนตรีแจ๊สตั้งแต่ต้นทศวรรษ 1920 แบบฟอร์มนี้ยังคงมีความเกี่ยวข้องจนถึงปลายทศวรรษที่ 1940 ตามกฎแล้วนักดนตรีที่เข้าร่วมวงดนตรีขนาดใหญ่ส่วนใหญ่เกือบจะเป็นวัยรุ่นเล่นส่วนที่แน่นอนไม่ว่าจะเรียนรู้จากการซ้อมหรือจากโน้ต การบรรเลงอย่างระมัดระวัง พร้อมด้วยเครื่องลมทองเหลืองและเครื่องลมไม้ขนาดใหญ่ ทำให้เกิดเสียงดนตรีแจ๊สที่เข้มข้น และสร้างเสียงที่ดังเร้าใจจนกลายเป็นที่รู้จักในชื่อ "เสียงวงดนตรีขนาดใหญ่"

บิ๊กแบนด์กลายเป็นเพลงยอดนิยมในยุคนั้น โดยถึงจุดสูงสุดในช่วงกลางทศวรรษที่ 1930 เพลงนี้กลายเป็นที่มาของความคลั่งไคล้ในการเต้นสวิง ผู้นำของวงดนตรีแจ๊สชื่อดัง Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet แต่งหรือเรียบเรียงและบันทึกขบวนพาเหรดเพลงฮิตของแท้ที่ไม่เพียง ทางวิทยุและทุกที่ในห้องเต้นรำ วงดนตรีขนาดใหญ่หลายวงแสดงการแสดงเดี่ยวของพวกเขาซึ่งนำผู้ชมไปสู่สภาวะที่ใกล้เคียงกับโรคฮิสทีเรียในระหว่าง "การต่อสู้ของวงออเคสตรา"
วงดนตรีขนาดใหญ่หลายวงแสดงการแสดงเดี่ยวของพวกเขาซึ่งนำผู้ชมไปสู่สภาวะที่ใกล้เคียงกับโรคฮิสทีเรีย
แม้ว่าความนิยมของวงดนตรีขนาดใหญ่จะลดลงอย่างมากหลังสงครามโลกครั้งที่ 2 แต่วงออร์เคสตราที่นำโดย Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James และวงอื่นๆ อีกมากมายได้ออกทัวร์และบันทึกเสียงบ่อยครั้งในช่วงสองสามทศวรรษข้างหน้า เพลงของพวกเขาค่อย ๆ เปลี่ยนไปภายใต้อิทธิพลของกระแสใหม่ กลุ่มต่างๆ เช่น วงดนตรีที่นำโดย Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, แธด โจนส์-มัล ลูอิส ได้สำรวจแนวคิดใหม่ๆ ในความกลมกลืน การบรรเลง และเสรีภาพในการด้นสด ปัจจุบันวงดนตรีขนาดใหญ่เป็นมาตรฐานในการศึกษาดนตรีแจ๊ส วงออเคสตร้าที่ใช้แสดงละคร เช่น Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra และ Chicago Jazz Ensemble มักจะเล่นการเรียบเรียงต้นฉบับของวงบิ๊กแบนด์

แจ๊สอีสาน

แม้ว่าประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สจะเริ่มต้นขึ้นในนิวออร์ลีนส์พร้อมกับการถือกำเนิดของศตวรรษที่ 20 แต่ดนตรีแนวนี้ก็ได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงต้นทศวรรษที่ 1920 เมื่อหลุยส์ อาร์มสตรอง นักเป่าแตรออกจากนิวออร์ลีนส์เพื่อสร้างสรรค์ดนตรีแนวปฏิวัติใหม่ในชิคาโก การอพยพของปรมาจารย์ดนตรีแจ๊สจากนิวออร์ลีนส์ไปยังนิวยอร์กที่เริ่มขึ้นหลังจากนั้นไม่นาน ทำให้เกิดกระแสการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องของนักดนตรีแจ๊สจากทางใต้สู่ทางเหนือ

หลุยส์ อาร์มสตรอง

ชิคาโกยอมรับดนตรีนิวออร์ลีนส์และทำให้มันร้อนแรง ไม่เพียง แต่กับวง Hot Five และ Hot Seven ที่โด่งดังของ Armstrong เท่านั้น แต่ยังรวมถึงวงอื่น ๆ เช่น Eddie Condon และ Jimmy McPartland ซึ่งทีมงานของ Austin High School ได้ช่วยฟื้นฟูนิวออร์ลีนส์ โรงเรียน ชาวชิคาโกที่มีชื่อเสียงคนอื่น ๆ ที่ก้าวข้ามขอบเขตของดนตรีแจ๊สคลาสสิกในนิวออร์ลีนส์ ได้แก่ นักเปียโน Art Hodes, มือกลอง Barrett Deems และนักคลาริเน็ต Benny Goodman อาร์มสตรองและกู๊ดแมนซึ่งย้ายไปนิวยอร์กในที่สุดได้สร้างกระแสวิพากษ์วิจารณ์ที่นั่นที่ช่วยให้เมืองนี้กลายเป็นเมืองหลวงแห่งดนตรีแจ๊สที่แท้จริงของโลก และในขณะที่ชิคาโกยังคงเป็นศูนย์กลางของการบันทึกเสียงเป็นหลักในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 นิวยอร์กก็กลายเป็นสถานที่แสดงดนตรีแจ๊สชั้นนำ โดยมีคลับระดับตำนาน เช่น Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy and the Village Vanguard เป็นต้น เช่นเดียวกับสนามกีฬาเช่น Carnegie Hall

สไตล์แคนซัสซิตี้

ในช่วงยุคเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่และการห้าม วงการดนตรีแจ๊สในแคนซัสซิตี้กลายเป็นเมกกะสำหรับดนตรีแนวใหม่ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1920 และ 1930 สไตล์ที่เฟื่องฟูในแคนซัสซิตี้นั้นโดดเด่นด้วยการแสดงดนตรีที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณด้วยโทนบลูส์ ซึ่งแสดงโดยวงดนตรีขนาดใหญ่และวงดนตรีวงสวิงขนาดเล็ก แสดงให้เห็นถึงการบรรเลงเดี่ยวที่เปี่ยมไปด้วยพลัง แสดงให้กับผู้มีอุปการะคุณในร้านเหล้าที่ขายสุราอย่างผิดกฎหมาย ในผับเหล่านี้เองที่สไตล์ของเคานต์เบซีผู้ยิ่งใหญ่ตกผลึก เริ่มต้นที่แคนซัสซิตี้กับวงออร์เคสตราของ Walter Page และต่อมากับ Benny Moten วงออร์เคสตราทั้งสองนี้เป็นตัวแทนทั่วไปของสไตล์แคนซัสซิตี้ ซึ่งมีพื้นฐานมาจากเพลงบลูส์รูปแบบพิเศษที่เรียกว่า "เออร์บันบลูส์" และก่อตัวขึ้นในการเล่นของวงออร์เคสตราข้างต้น ฉากดนตรีแจ๊สของแคนซัสซิตี้ยังโดดเด่นด้วยดาราจักรของปรมาจารย์ที่โดดเด่นของเสียงร้องบลูส์ซึ่งเป็น "ราชา" ที่เป็นที่รู้จักซึ่งเป็นศิลปินเดี่ยวของ Count Basie Orchestra ซึ่งเป็นนักร้องบลูส์ชื่อดังอย่าง Jimmy Rushing Charlie Parker นักเป่าอัลโตแซ็กโซโฟนที่มีชื่อเสียง เกิดใน Kansas City เมื่อเขามาถึงนิวยอร์ก ได้ใช้ "ชิป" บลูส์ลักษณะเฉพาะที่เขาได้เรียนรู้ในวง Kansas City orchestra และต่อมาได้กลายเป็นหนึ่งในจุดเริ่มต้นในการทดลองของ boppers ในปี 1940

เวสต์โคสต์แจ๊ส

ศิลปินที่หลงใหลในดนตรีแจ๊สสุดเจ๋งในช่วงปี 1950 ทำงานอย่างกว้างขวางในสตูดิโอบันทึกเสียงในลอสแองเจลิส ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากไมลส์ เดวิส ศิลปินจากลอสแองเจลิสเหล่านี้ได้พัฒนาเพลงที่ปัจจุบันรู้จักกันในชื่อ West Coast Jazz ดนตรีแจ๊สฝั่งตะวันตกนั้นนุ่มนวลกว่าเสียงบี๊บที่เกรี้ยวกราดก่อนหน้านี้มาก ดนตรีแจ๊สฝั่งตะวันตกส่วนใหญ่ได้รับการเขียนขึ้นอย่างละเอียด เส้นแบ่งที่มักใช้ในการประพันธ์เพลงเหล่านี้ดูเหมือนจะเป็นส่วนหนึ่งของอิทธิพลของยุโรปที่แทรกซึมเข้าสู่ดนตรีแจ๊ส อย่างไรก็ตาม เพลงนี้ทิ้งพื้นที่ไว้มากสำหรับการอิมโพรไวส์เดี่ยวแบบเส้นยาว แม้ว่า West Coast Jazz จะแสดงในสตูดิโอบันทึกเสียงเป็นหลัก แต่คลับต่างๆ เช่น Lighthouse บนหาด Hermosa และ Haig ในลอสแองเจลิสมักแสดงโดยปรมาจารย์ ซึ่งรวมถึง Shorty Rogers นักเป่าแตร นักเป่าแซ็กโซโฟน Art Pepper และ Bud Shenk มือกลอง Shelley Mann และนักคลาริเน็ต Jimmy Giuffrey .

การแพร่กระจายของดนตรีแจ๊ส

ดนตรีแจ๊สกระตุ้นความสนใจในหมู่นักดนตรีและผู้ฟังทั่วโลกเสมอมา โดยไม่คำนึงถึงสัญชาติ พอจะย้อนรอยผลงานในยุคแรกๆ ของนักเป่าแตร Dizzy Gillespie และการหลอมรวมประเพณีแจ๊สเข้ากับดนตรีของชาวคิวบาผิวดำในช่วงทศวรรษที่ 1940 หรือหลังจากนั้น การผสมผสานระหว่างดนตรีแจ๊สกับดนตรีญี่ปุ่น ยูเรเชียน และตะวันออกกลาง ซึ่งเป็นที่รู้จักในผลงานของนักเปียโน Dave Brubeck เช่นเดียวกับนักแต่งเพลงและผู้นำดนตรีแจ๊สที่ยอดเยี่ยม - Duke Ellington Orchestra ซึ่งผสมผสานมรดกทางดนตรีของแอฟริกา ละตินอเมริกา และตะวันออกไกล

เดฟ บรูเบค

ดนตรีแจ๊สซึมซับมาอย่างต่อเนื่อง ไม่เพียงแต่ประเพณีดนตรีตะวันตกเท่านั้น ตัวอย่างเช่นเมื่อศิลปินต่าง ๆ เริ่มพยายามทำงานกับองค์ประกอบทางดนตรีของอินเดีย ตัวอย่างของความพยายามนี้สามารถได้ยินได้จากการบันทึกของ Paul Horn นักเป่าขลุ่ยที่ทัชมาฮาล หรือในกระแสของ "ดนตรีโลก" ที่นำเสนอโดยวง Oregon หรือโครงการ Shakti ของ John McLaughlin ดนตรีของ McLaughlin เดิมมีพื้นฐานมาจากดนตรีแจ๊สเป็นส่วนใหญ่ เริ่มใช้เครื่องดนตรีชนิดใหม่ที่มีต้นกำเนิดจากอินเดีย เช่น khatam หรือ tabla ระหว่างที่เขาทำงานร่วมกับ Shakti จังหวะที่สลับซับซ้อนฟังขึ้นและรูปแบบของ Indian raga ถูกนำมาใช้อย่างแพร่หลาย
ในขณะที่โลกยุคโลกาภิวัตน์ยังคงดำเนินต่อไป ดนตรีแจ๊สได้รับอิทธิพลจากประเพณีทางดนตรีอื่น ๆ อย่างต่อเนื่อง
Art Ensemble of Chicago เป็นผู้บุกเบิกยุคแรกในการหลอมรวมรูปแบบแอฟริกันและแจ๊ส ต่อมาโลกได้รู้จักนักเป่าแซ็กโซโฟน/นักแต่งเพลง จอห์น ซอร์น และการสำรวจวัฒนธรรมดนตรีของชาวยิว ทั้งในและนอกวงมาซาดาออร์เคสตรา ผลงานเหล่านี้เป็นแรงบันดาลใจให้กับนักดนตรีแจ๊สกลุ่มอื่นๆ เช่น มือคีย์บอร์ด John Medeski ผู้บันทึกเสียงร่วมกับ Salif Keita นักดนตรีชาวแอฟริกัน Marc Ribot มือกีตาร์ และ Anthony Coleman มือเบส เดฟ ดักลาส นักเป่าทรัมเป็ตนำแรงบันดาลใจจากคาบสมุทรบอลข่านมาสู่ดนตรีของเขา ในขณะที่วงแจ๊สออร์เคสตราแห่งเอเชีย-อเมริกันได้กลายเป็นผู้สนับสนุนหลักในการบรรจบกันของดนตรีแจ๊สและรูปแบบดนตรีของเอเชีย ในขณะที่กระแสโลกาภิวัตน์ยังคงดำเนินต่อไป ดนตรีแจ๊สได้รับอิทธิพลจากประเพณีทางดนตรีอื่น ๆ อย่างต่อเนื่อง เป็นอาหารสำหรับผู้ใหญ่สำหรับการวิจัยในอนาคตและพิสูจน์ว่าดนตรีแจ๊สเป็นดนตรีโลกอย่างแท้จริง

แจ๊สในสหภาพโซเวียตและรัสเซีย

ครั้งแรกในวงดนตรีแจ๊ส RSFSR ของ Valentin Parnakh

ดนตรีแจ๊สมีต้นกำเนิดในสหภาพโซเวียตในช่วงปี ค.ศ. 1920 พร้อมกับความรุ่งเรืองในสหรัฐอเมริกา วงแจ๊สออร์เคสตร้าวงแรกในโซเวียตรัสเซียสร้างขึ้นในกรุงมอสโกในปี พ.ศ. 2465 โดยกวี นักแปล นักเต้น บุคคลในโรงละคร Valentin Parnakh และถูกเรียกว่า "Valentin Parnakh's First Eccentric Jazz Band Orchestra in the RSFSR" วันเกิดของดนตรีแจ๊สรัสเซียถือเป็นประเพณีในวันที่ 1 ตุลาคม พ.ศ. 2465 เมื่อคอนเสิร์ตครั้งแรกของกลุ่มนี้เกิดขึ้น วงออเคสตราของนักเปียโนและนักแต่งเพลง Alexander Tsfasman (มอสโก) ถือเป็นวงดนตรีแจ๊สมืออาชีพวงแรกที่แสดงออกอากาศและบันทึกแผ่นดิสก์

วงดนตรีแจ๊สในยุคแรกๆ ของโซเวียตเชี่ยวชาญในการเต้นตามแฟชั่น (ฟ็อกซ์ทร็อต, ชาร์ลสตัน) ในจิตสำนึกของมวลชนดนตรีแจ๊สเริ่มได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในช่วงทศวรรษที่ 30 ส่วนใหญ่เกิดจากวงดนตรีเลนินกราดที่นำโดยนักแสดงและนักร้อง Leonid Utesov และนักเป่าแตร Ya. B. Skomorovsky ภาพยนตร์ตลกยอดนิยมที่มีส่วนร่วมของเขา "Merry Fellows" (1934) อุทิศให้กับประวัติของนักดนตรีแจ๊สและมีเพลงประกอบที่สอดคล้องกัน (เขียนโดย Isaac Dunayevsky) Utyosov และ Skomorovsky ได้สร้างสไตล์ดั้งเดิมของ "tea-jazz" (แจ๊สละคร) โดยมีพื้นฐานมาจากการผสมผสานระหว่างดนตรีกับโรงละคร บทละคร เสียงร้อง และองค์ประกอบการแสดงที่มีบทบาทอย่างมาก การมีส่วนร่วมที่โดดเด่นในการพัฒนาดนตรีแจ๊สของโซเวียตเกิดจาก Eddie Rosner นักแต่งเพลง นักดนตรี และหัวหน้าวงออเคสตร้า หลังจากเริ่มต้นอาชีพของเขาในเยอรมนี โปแลนด์ และประเทศอื่นๆ ในยุโรป Rozner ย้ายไปที่สหภาพโซเวียตและกลายเป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกวงสวิงในสหภาพโซเวียตและเป็นผู้ริเริ่มดนตรีแจ๊สเบลารุส
ในจิตสำนึกของมวลชน ดนตรีแจ๊สเริ่มได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในสหภาพโซเวียตในช่วงทศวรรษที่ 1930
ทัศนคติของทางการโซเวียตต่อดนตรีแจ๊สนั้นคลุมเครือ: ตามกฎแล้วนักดนตรีแจ๊สในประเทศไม่ได้ถูกห้าม แต่การวิพากษ์วิจารณ์ดนตรีแจ๊สอย่างรุนแรงเช่นนี้แพร่หลายในบริบทของการวิจารณ์วัฒนธรรมตะวันตกโดยทั่วไป ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 ระหว่างการต่อสู้กับลัทธิสากลนิยม ดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตประสบกับช่วงเวลาที่ยากลำบากเป็นพิเศษ เมื่อกลุ่มที่แสดงดนตรี "ตะวันตก" ถูกข่มเหง เมื่อเริ่ม "ละลาย" การปราบปรามนักดนตรีก็หยุดลง แต่การวิจารณ์ยังคงดำเนินต่อไป จากการวิจัยของศาสตราจารย์ด้านประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมอเมริกัน Penny Van Eschen กระทรวงการต่างประเทศสหรัฐฯ พยายามใช้ดนตรีแจ๊สเป็นอาวุธทางอุดมการณ์เพื่อต่อต้านสหภาพโซเวียตและต่อต้านการขยายอิทธิพลของโซเวียตในประเทศโลกที่สาม ในยุค 50 และ 60 ในกรุงมอสโก วงออเคสตราของ Eddie Rozner และ Oleg Lundstrem กลับมาทำกิจกรรมอีกครั้ง มีการแต่งเพลงใหม่ ซึ่งวงออเคสตราของ Iosif Weinstein (Leningrad) และ Vadim Ludvikovsky (มอสโก) รวมถึง Riga Variety Orchestra (REO) มีความโดดเด่น

วงบิ๊กแบนด์นำนักเรียบเรียงเสียงประสานและนักด้นสดเดี่ยวที่มีพรสวรรค์มารวมกัน ซึ่งงานของเขาได้นำดนตรีแจ๊สของโซเวียตไปสู่ระดับใหม่ในเชิงคุณภาพและทำให้เข้าใกล้มาตรฐานโลกมากขึ้น ในหมู่พวกเขา ได้แก่ Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin การพัฒนาแชมเบอร์และคลับแจ๊สในรูปแบบที่หลากหลายเริ่มต้นขึ้น (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, เยอรมัน Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan , Igor Bril, Leonid Chizhik ฯลฯ )

แจ๊สคลับ "บลูเบิร์ด"

ปรมาจารย์ด้านดนตรีแจ๊สโซเวียตข้างต้นหลายคนเริ่มอาชีพสร้างสรรค์บนเวทีของคลับแจ๊สในตำนานของมอสโก "Blue Bird" ซึ่งมีอยู่ตั้งแต่ปี 2507 ถึง 2552 ค้นพบชื่อใหม่ของตัวแทนของดาราแจ๊สรัสเซียยุคใหม่ (พี่น้องอเล็กซานเดอร์และ Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko และคนอื่นๆ) ในช่วงทศวรรษที่ 70 วงแจ๊สทรีโอ "Ganelin-Tarasov-Chekasin" (GTC) ประกอบด้วยนักเปียโน Vyacheslav Ganelin มือกลอง Vladimir Tarasov และนักเป่าแซ็กโซโฟน Vladimir Chekasin ซึ่งมีอยู่จนถึงปี 1986 ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง ในช่วงทศวรรษที่ 70-80 วงดนตรีแจ๊สจากอาเซอร์ไบจาน "Gaya" วงนักร้องและเครื่องดนตรีจอร์เจีย "Orera" และ "Jazz-Khoral" ก็เป็นที่รู้จักเช่นกัน

หลังจากความสนใจในดนตรีแจ๊สลดลงในช่วงทศวรรษที่ 90 ก็เริ่มได้รับความนิยมอีกครั้งในวัฒนธรรมของเยาวชน เทศกาลดนตรีแจ๊สจัดขึ้นทุกปีในมอสโก เช่น Usadba Jazz และ Jazz in the Hermitage Garden สถานที่จัดคลับแจ๊สที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในมอสโกคือคลับแจ๊ส Union of Composers ซึ่งเชิญนักดนตรีแจ๊สและบลูส์ที่มีชื่อเสียงระดับโลก

แจ๊สในโลกสมัยใหม่

โลกแห่งดนตรีสมัยใหม่มีความหลากหลายเช่นเดียวกับสภาพอากาศและภูมิศาสตร์ที่เราเรียนรู้ผ่านการเดินทาง และถึงกระนั้น ทุกวันนี้ เรากำลังเห็นการผสมผสานของวัฒนธรรมโลกจำนวนมากขึ้น ซึ่งนำเราเข้าใกล้สิ่งที่กำลังกลายเป็น "ดนตรีโลก" (ดนตรีโลก) อยู่ตลอดเวลา ดนตรีแจ๊สในปัจจุบันไม่สามารถได้รับอิทธิพลจากเสียงที่แทรกซึมเข้ามาจากเกือบทุกมุมโลก แนวทดลองแบบยุโรปที่มีโทนเสียงคลาสสิกยังคงมีอิทธิพลต่อดนตรีของผู้บุกเบิกรุ่นเยาว์ เช่น Ken Vandermark นักเป่าแซ็กโซโฟนแนวหน้าผู้เยือกเย็น ซึ่งเป็นที่รู้จักจากผลงานร่วมกับนักเป่าแซ็กโซโฟนร่วมสมัยอย่าง Mats Gustafsson, Evan Parker และ Peter Brotzmann นักดนตรีรุ่นเยาว์แบบดั้งเดิมคนอื่นๆ ที่ยังคงค้นหาตัวตนของตัวเองต่อไป ได้แก่ นักเปียโน Jackie Terrasson, Benny Green และ Braid Meldoa นักเป่าแซ็กโซโฟน Joshua Redman และ David Sanchez และมือกลอง Jeff Watts และ Billy Stewart

ประเพณีการเป่าแบบเก่าได้รับการสืบสานอย่างรวดเร็วโดยศิลปิน เช่น นักเป่าแตร Wynton Marsalis ซึ่งทำงานร่วมกับทีมผู้ช่วยทั้งในวงดนตรีเล็กๆ ของเขาเองและในวงดนตรีแจ๊สลินคอล์นเซ็นเตอร์ที่เขาเป็นผู้นำ ภายใต้การอุปถัมภ์ของเขา นักเปียโน Marcus Roberts และ Eric Reed นักเป่าแซ็กโซโฟน Wes "Warmdaddy" Anderson นักเป่าแตร Markus Printup และนักไวบราโฟน Stefan Harris เติบโตเป็นนักดนตรีที่ยอดเยี่ยม มือเบส Dave Holland ยังเป็นผู้ค้นพบพรสวรรค์รุ่นเยาว์ที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย ท่ามกลางการค้นพบมากมายของเขา ได้แก่ ศิลปิน เช่น นักเป่าแซ็กโซโฟน/เอ็มเบส สตีฟ โคลแมน นักเป่าแซ็กโซโฟน สตีฟ วิลสัน นักไวบราโฟนี สตีฟ เนลสัน และมือกลอง บิลลี คิลสัน ที่ปรึกษาที่ยอดเยี่ยมคนอื่นๆ ของเยาวชนที่มีพรสวรรค์ ได้แก่ นักเปียโน Chick Corea และมือกลอง Elvin Jones และนักร้อง Betty Carter ผู้ล่วงลับ ศักยภาพในการพัฒนาต่อไปของดนตรีแจ๊สในปัจจุบันมีค่อนข้างมาก เนื่องจากวิธีการพัฒนาความสามารถและวิธีการแสดงออกนั้นไม่สามารถคาดเดาได้ ทวีคูณด้วยความพยายามร่วมกันของแนวดนตรีแจ๊สต่างๆ ที่สนับสนุนในปัจจุบัน