ศิลปะไวโอลินของออสเตรีย ห้องและผลงานเครื่องดนตรีของนักประพันธ์เพลงของ Vienna Classical School

“บทเรียนดนตรี” หมายเลข 16 โมสาร์ท ห้อง- ความคิดสร้างสรรค์ของเครื่องมือ.

สวัสดี เราขออุทิศโปรแกรม "บทเรียนดนตรี" ฉบับต่อไปให้กับผลงานของ Wolfgang Amadeus Mozart ตัวแทนของชาวเวียนนา โรงเรียนคลาสสิกศตวรรษที่ 18 ซึ่งพบการแสดงออกสูงสุดบนใบหน้าของเขา ยุคแห่งการตรัสรู้ได้ค้นพบโอลิมปัสแล้ว การพัฒนาทางดนตรีโดยเฉพาะในด้านความคิดสร้างสรรค์ คลาสสิกเวียนนา– ไฮเดิน, โมสาร์ท, กลัค ดนตรีของคลาสสิกเวียนนามีความเกี่ยวข้อง ศิลปะโบราณลักษณะทางสุนทรียะและจริยธรรมทั่วไป: ความลึกและความมีชีวิตชีวาของความคิด ความละเอียดอ่อนและความสมดุลของภาพ ความกลมกลืนและความชัดเจนของรูปแบบ ความเป็นธรรมชาติและความเรียบง่ายในการแสดงออก นักอุดมการณ์แห่งการตรัสรู้มองว่าความกลมกลืนและความงดงามของงานศิลปะของเฮลลาสเป็นภาพสะท้อนทางศิลปะของโลกมนุษย์ที่เสรีและกลมกลืน โมสาร์ทเป็นสารานุกรมดนตรีแห่งการตรัสรู้ซึ่งโดดเด่นด้วยความเก่งกาจของมัน ในช่วงชีวิตอันแสนสั้น (น้อยกว่า 36 ปี) พระองค์ทรงสร้างผลงานมากกว่า 600 ชิ้น

แคตตาล็อกเฉพาะเรื่องของผลงานของโมสาร์ทที่รวบรวมโดยKöchel (ตีพิมพ์ในเมืองไลพ์ซิกในปี พ.ศ. 2405) มีปริมาณ 550 หน้า จากการคำนวณของโคเชล โมสาร์ทได้เขียนผลงานศักดิ์สิทธิ์ 68 ชิ้น (ดนตรี, โอราทอริโอ, เพลงสวด ฯลฯ), งานละคร 23 ชิ้น, โซนาตา 22 ชิ้นสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด, โซนาตา 45 ชิ้นและรูปแบบต่างๆ สำหรับไวโอลินและฮาร์ปซิคอร์ด, วงเครื่องสาย 32 ชิ้น, ซิมโฟนีประมาณ 50 ชิ้น, 55 ชิ้น คอนแชร์โตและอื่นๆ รวม 626 ผลงาน

พุชกินบรรยายงานของโมสาร์ทอย่างกระชับและแม่นยำในโศกนาฏกรรมเล็ก ๆ เรื่อง "โมสาร์ทและซาลิเอรี": "ช่างลึกซึ้งจริงๆ! ช่างกล้าหาญและสามัคคีจริงๆ!”

วันนี้เราจะให้ความสำคัญกับผลงานในห้องเครื่องดนตรีของนักแต่งเพลงมากขึ้นและส่วนดนตรีของรายการจะเปิดขึ้นพร้อมกับส่วนหนึ่งของเพลง "Little Night Serenade" ที่ได้รับความนิยมซึ่งแสดงโดย Arabesque Quintet

xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxx

ชีวิตของโมสาร์ทใกล้เคียงกับการตื่นขึ้นในยุโรปด้วยความสนใจอย่างมากในคำสอนทางจิตวิญญาณและอาถรรพ์ ในช่วงเวลาที่ค่อนข้างสงบของกลางศตวรรษที่ 18 พร้อมกับความปรารถนาที่จะตรัสรู้การค้นหาระเบียบทางปัญญาและสังคมศึกษา (การตรัสรู้ของฝรั่งเศสสารานุกรม) ความสนใจในคำสอนลึกลับของสมัยโบราณก็เกิดขึ้น

เมื่อวันที่ 14 ธันวาคม พ.ศ. 2327 โมซาร์ทได้เข้าร่วมคณะ Masonic Order และในปี พ.ศ. 2328 เขาได้เริ่มเข้าสู่ระดับปรมาจารย์เมสันแล้ว สิ่งเดียวกันนี้เกิดขึ้นในเวลาต่อมากับ Joseph Haydn และ Leopold Mozart (พ่อของนักแต่งเพลง) ซึ่งสำเร็จการศึกษาระดับปริญญาโทภายใน 16 วันหลังจากเข้าร่วมบ้านพัก

Mozart มีหลายเวอร์ชันที่เข้าร่วมสมาคม Masonic ตามที่หนึ่งในนั้นผู้ค้ำประกันการเข้าบ้านพักเวียนนาชื่อ "ในนามของการกุศล" คือเพื่อนของเขาและนักเขียนบทในอนาคตของ "The Magic Flute" Emmanuel Schikaneder ต่อจากนั้นตามคำแนะนำของโมสาร์ทเอง ลีโอโปลด์ โมซาร์ท พ่อของโวล์ฟกัง ก็ได้เข้ารับการรักษาในบ้านพักหลังเดียวกัน (ในปี พ.ศ. 2330)

หลังจากเป็นปรมาจารย์เมสัน โมสาร์ทได้สร้างสรรค์ดนตรีมากมายสำหรับทำงานในที่พักโดยตรงภายในระยะเวลาอันสั้น ดังที่อัลเบิร์ต ไอน์สไตน์ ชี้ให้เห็น:

“ โมสาร์ทเป็นฟรีเมสันที่หลงใหลและเชื่อมั่นไม่เหมือน Haydn เลยซึ่งแม้ว่าเขาจะได้รับการพิจารณาให้เป็นหนึ่งเดียวตั้งแต่วินาทีที่เขาได้รับการยอมรับให้เป็นภราดรภาพของ "ช่างก่ออิฐอิสระ" ไม่เคยเข้าร่วมในกิจกรรมของลอดจ์และไม่ได้เขียน งานอิฐชิ้นเดียว Mozart ไม่เพียงแต่ทิ้งผลงานสำคัญๆ ไว้ให้เราจำนวนหนึ่งซึ่งเขียนขึ้นโดยเฉพาะสำหรับพิธีกรรมและการเฉลิมฉลองของ Masonic เท่านั้น แต่ความคิดเรื่อง Freemasonry ก็แทรกซึมอยู่ในงานของเขา”

นักดนตรีสังเกตลักษณะเฉพาะของผลงานเหล่านี้: "การเรียบเรียงที่เรียบง่ายและค่อนข้างเป็นเพลงสวด โครงสร้างคอร์ดสามเสียง ลักษณะทั่วไปที่ค่อนข้างมีวาทศิลป์"

ในบรรดาผลงานเหล่านี้มีผลงานเช่น: "ดนตรีงานศพ", Adagio สำหรับวงดนตรีลม (ใช้ประกอบขบวนแห่ Masonic พิธีกรรม); Adagio สำหรับคลาริเน็ต 2 อันและแตร 3 อัน (สำหรับเข้าบ้านพักของพี่น้องในบ้านพัก); Adagio และ Rondo สำหรับฟลุต โอโบ เชลโล เซเลสต้า และอื่นๆ

โอเปร่าเรื่อง "The Magic Flute" (1791) ซึ่งเป็นบทที่เขียนโดย Freemason Emmanuel Schikaneder นั้นเต็มไปด้วยมุมมอง แนวคิด และสัญลักษณ์ของ Freemasonry มากที่สุด

สัญลักษณ์ของโอเปร่าแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงการประกาศหลักการพื้นฐานของอิฐ ทั้งในการแสดงครั้งแรกและครั้งที่สองของโอเปร่า มีเสียงสะท้อนที่ชัดเจนของสัญลักษณ์ Masonic ที่แสดงถึงชีวิตและความตาย ความคิดและการกระทำ ฉากฝูงชนที่แสดงให้เห็นถึงพิธีกรรม Masonic ได้ถูกถักทอเข้ากับโครงเรื่อง

ดังที่นักดนตรี Tamar Nikolaevna Livanova ดุษฎีบัณฑิตสาขาประวัติศาสตร์ศิลปะ ศาสตราจารย์ที่ Moscow Conservatory และสถาบัน Gnessin เขียนว่า

“โมสาร์ทยังนำตอนต่างๆ ที่เกี่ยวข้องกับภาพลักษณ์ของซาราสโตรเข้ามาใกล้ยิ่งขึ้นด้วย สไตล์ดนตรีเพลงและคณะนักร้องประสานเสียงของพวกเขา การไม่เห็นในจินตนาการทั้งหมดของ "The Magic Flute" โดยหลักแล้วเป็นการเทศนาของ Masonic หมายถึงการไม่เข้าใจความหลากหลายของงานศิลปะของ Mozart ความจริงใจในทันที ความเฉลียวฉลาดของเขา แปลกแยกจากการสอนใดๆ ก็ตาม”

คีย์หลักของการทาบทามออเคสตราคือ E flat major แฟลตทั้งสามในกุญแจเป็นสัญลักษณ์ของคุณธรรม ความสูงส่ง และความสงบสุข โมสาร์ทมักใช้โทนเสียงนี้ในการประพันธ์เพลงของ Masonic และในซิมโฟนีรุ่นหลัง และในแชมเบอร์มิวสิค ซึ่งเรากำลังพูดถึงในปัจจุบัน

แต่ตามความเป็นจริง เราสังเกตว่ายังมีมุมมองอื่นเกี่ยวกับความสัมพันธ์ระหว่างโมสาร์ทและฟรีเมสันอีกด้วย ในปี พ.ศ. 2404 หนังสือเล่มหนึ่งได้รับการตีพิมพ์โดยกวีชาวเยอรมัน G. F. Daumer ผู้เสนอทฤษฎีสมรู้ร่วมคิดของ Masonic ซึ่งเชื่อว่าการพรรณนาถึง Freemasons ใน The Magic Flute เป็นเพียงภาพล้อเลียน

xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxx

Leonard Bernstein นักเปียโนและผู้ควบคุมวงชาวอเมริกัน ไม่จำเป็นต้องแนะนำเป็นพิเศษ (อย่างไรก็ตามพ่อแม่ของเขาเป็นชาวเมือง Rivne ของยูเครน) เบิร์นสไตน์เป็นวาทยากรเพียงคนเดียวที่บันทึกวงจรซิมโฟนีของกุสตาฟมาห์เลอร์ครบสองครั้งซึ่งเป็นวงจรซิมโฟนีไชคอฟสกีที่สมบูรณ์การบันทึก Haydn และ Mozart ของเขามีคุณค่าอย่างยิ่ง เสียง คอนเสิร์ตเปียโนอันดับที่ 17 ใน G Major นักร้องเดี่ยวและผู้ควบคุมวง – Leonard Bernstein

xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxx

เปรูของ Mozart เป็นเจ้าของผลงานมากมายในดนตรีบรรเลงทุกประเภท ซิมโฟนี เซเรเนด ไดเวอร์ติเมนโต เครื่องสายดูเอต ทรีโอ ควอร์เตต ควินเท็ต เปียโนทรีโอ วงดนตรีที่มีเครื่องเป่าลม โซนาต้าไวโอลินและเปียโน แฟนตาซี เวตเตอร์ต่างๆ รอนโดส ผลงาน สำหรับเปียโน 4 มือและเปียโน 2 ตัว คอนเสิร์ตพร้อมวงดนตรีออเคสตราสำหรับเครื่องดนตรีต่างๆ (เปียโน ไวโอลิน ฟลุต คลาริเน็ต แตร ฟลุต และฮาร์ป)

xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxx

ส่วนหนึ่งของคอนเสิร์ตเหล่านี้แสดงโดยนักเป่าขลุ่ย Patrick Galloise และนักเล่นพิณ Pierre Fabris ที่จุดยืนของผู้ควบคุมวงคือ เซอร์ เนวิลล์ มาร์ริเนอร์ นักไวโอลินและผู้ควบคุมวงชาวอังกฤษ ชะตากรรมอันน่าทึ่งของนักดนตรีวัย 88 ปีคนนี้ เขาแสดงร่วมกับ London Philharmonic Orchestra ทำงานร่วมกับ Toscanini, Karajan เป็นผู้นำวงออเคสตราของ Los Angeles, Minnesota, Studgar Radio และได้รับแต่งตั้งให้เป็นอัศวินในปี 1985 และคำไม่กี่คำเกี่ยวกับวงออเคสตรา - "OcestrdellaSviceriaItaliano" ("วงออเคสตราแห่งสวิตเซอร์แลนด์อิตาลี") กลุ่มนี้ก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2476 ในเมืองลูกาโนของสวิส Pietro Mascagni, Arthur Onneger, Paul Hindemith, Richard Strauss, Igor Stravinsky และนักดนตรีที่โดดเด่นอีกหลายคนร่วมแสดงร่วมกับเขาในฐานะวาทยากร มาแล้ว Mozart คอนแชร์โต้สำหรับฟลุตและฮาร์ป

xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxx

และตอนนี้เราจะถูกส่งไปยังวาติกันไปยังห้องโถงที่ 6 Aula Paolo ซึ่งอยู่ไม่ไกลจากโบสถ์ St. Peter's เพื่อเฉลิมฉลองวันคล้ายวันประสูติ 80 ปีของสมเด็จพระสันตะปาปาเบเนดิกต์ที่ 16 แต่ก่อนอื่นฉันจะแนะนำให้คุณรู้จักกับศิลปินเดี่ยวก่อน นี่คือฮิลารีข่านซึ่งพวกเขาบอกว่าเป็นเรื่องยากที่จะได้ยินการเล่นไวโอลินที่แม่นยำและได้รับการยืนยันทางคณิตศาสตร์ เกมที่เต็มไปด้วยอารมณ์ที่ควบคุมเครื่องดนตรีได้อย่างสมบูรณ์ นี่คือทักษะที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในการ รูปแบบบริสุทธิ์- นี่เป็นความสามารถที่หายาก! ฮิลารีเกิดในปี 1979 ในรัฐเวอร์จิเนีย และเริ่มเล่นไวโอลินหนึ่งเดือนก่อนวันเกิดปีที่สี่ของเธอ เธอเรียนที่ฟิลาเดลเฟียกับ Yasha Brodsky เอง เมื่ออายุ 12 ปี เขาเปิดตัวครั้งแรกกับวงบัลติมอร์ออร์เคสตรา ผู้ชนะรางวัลแกรมมี่สองครั้ง Hilary Hahn เล่นกับ Stuttgart Radio Symphony Orchestra วาทยกรชาวเวเนซุเอลา กุสตาโว อาดอลโฟ ดูดาเมล รามิเรซ อยู่ที่จุดยืนของผู้ควบคุมวง เขาเกิดในปี 1981 และมีอาชีพที่เวียนหัว

xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxx

เสียงเป็นไวโอลินคอนแชร์โต้หมายเลข 17 ใน G Major บันทึกเสียงที่นครวาติกันเมื่อวันที่ 16 เมษายน พ.ศ. 2550

xxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxxx

“ท่วงทำนองของโมสาร์ท” ทูร์เกเนฟกล่าว “ไหลตามธรรมชาติอย่างสมบูรณ์สำหรับฉัน เช่นเดียวกับกระแสน้ำหรือแหล่งกำเนิดที่สวยงาม”

สเตนดาล นักเขียนชื่อดังระดับโลกอีกคนในร่างคำจารึกของเขาเอง ขอให้วางคำต่อไปนี้ไว้บนหลุมศพของเขา: "วิญญาณผู้นี้ชื่นชอบโมสาร์ท ซิมาโรซา และเช็คสเปียร์"

นี่เป็นการสรุป ฉบับต่อไป“บทเรียนดนตรี” เพื่อว่าในรายการหน้าเราจะได้กลับมาพบกันอีกครั้งกับบทเพลงอันทรงเสน่ห์ของโมสาร์ท แล้วพบกันอีก!

แชมเบอร์มิวสิคของบราห์มส์อาจเป็นพื้นที่ที่ร่ำรวยที่สุดและมีความหลากหลายมากที่สุดในมรดกของผู้แต่ง มีแนวคิดหลักในงานของเขาทั้งหมดตั้งแต่ระยะเริ่มต้นจนถึงปลายซึ่งสะท้อนถึงวิวัฒนาการของสไตล์ได้อย่างเต็มที่และสม่ำเสมอ แนวคิดเกี่ยวกับวัฏจักรของศาสนาพราหมณ์ทั้งหมดถูกนำเสนอที่นี่ในรูปแบบต่างๆ นานา: ละครและความงดงาม แนวเพลงและอภิบาล “ แนวความคิดที่แท้จริงของวัฏจักร” L. Kokoreva ชี้ให้เห็น“ ปัญญาทางดนตรีที่ลึกซึ้งปรากฏเป็นพาหะของที่สุด คุณสมบัติลักษณะวัฒนธรรมออสโตร-เยอรมัน"

ความสนใจในแนวเพลงแชมเบอร์-เครื่องดนตรีถูกกำหนดโดยความชอบเฉพาะตัวของบราห์มส์ในการตกแต่งอย่างประณีต รายละเอียดทางศิลปะ- ยิ่งไปกว่านั้น ตามคำบอกเล่าของ M. Druskin ประสิทธิภาพของนักแต่งเพลงเพิ่มขึ้นในช่วงปีวิกฤติ เมื่อ Brahms รู้สึกว่าจำเป็นต้องพัฒนาและปรับปรุงหลักการสร้างสรรค์ของเขาเพิ่มเติม มีความเป็นไปได้ที่จะสรุปช่วงเวลาสามช่วงในการพัฒนารูปแบบเครื่องดนตรีแชมเบอร์มส์ของบราห์มส์ ซึ่งโดยทั่วไปจะสอดคล้องกับช่วงงานหลักของเขา แม้ว่าช่วงเหล่านั้นจะไม่ตรงกับช่วงเหล่านั้นเพียงบางส่วนก็ตาม

ทศวรรษปี พ.ศ. 2397-2408 ตก จำนวนมากที่สุดทำงาน ในช่วงหลายปีที่ผ่านมามีการสร้างวงดนตรีที่แตกต่างกันเก้าวง: เปียโนทรีโอ, สตริงสองสาย, วงดนตรีเปียโนสามวง นอกจากนี้ ยังมีผลงานอื่นๆ อีกมากมายที่ผู้เขียนทำลายซึ่งเรียกร้องจากตัวเขาเอง ทั้งหมดนี้พูดถึงกิจกรรมสร้างสรรค์อันยิ่งใหญ่ของนักแต่งเพลงหนุ่ม ของการแสวงหาอย่างไม่เหน็ดเหนื่อยและไม่หยุดยั้งในการค้นหาและรวบรวมเอกลักษณ์ทางศิลปะของเขา "สาขาทดลอง" ในเรื่องนี้คือแชมเบอร์มิวสิค - สำหรับเปียโนและโดยเฉพาะสำหรับวงดนตรีบรรเลงแม้ว่าในปีเดียวกันนั้นบราห์มส์ก็ทำงานมากในสาขาประเภทเสียงร้องด้วย ช่วงเวลานี้จบลงด้วย "บังสุกุลเยอรมัน" นี่เป็นผลงานขนาดใหญ่ชิ้นแรกของผู้แต่งในด้านแนวคิดและการนำไปปฏิบัติ เขากำลังเข้าสู่ยุคแห่งการเรียนรู้ที่เป็นผู้ใหญ่

ทศวรรษปี พ.ศ. 2416-2425 มีห้องทำงานจำนวนน้อยกว่า - มีเพียงหก: วงเครื่องสายสามวง, โซนาตาไวโอลินชุดแรก, เปียโนทรีโอชุดที่สอง, กลุ่มเครื่องสายชุดแรก (และในสองวงมีการใช้ดนตรีที่เขียนในช่วงก่อนหน้า ). งานทางศิลปะอื่น ๆ ทำให้ Brahms กังวลในช่วงหลายปีที่ผ่านมา: เขาหันไปหาแนวคิดเกี่ยวกับซิมโฟนิกขนาดใหญ่ ผู้แต่งก็ประสบความสำเร็จ จุดสูงสุดการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของคุณ

ในปี พ.ศ. 2428 บราห์มส์เล่นซิมโฟนีที่สี่สำเร็จ เขารู้สึกเร่งรีบอย่างมาก พลังสร้างสรรค์แต่ในขณะเดียวกัน ช่วงเวลาแห่งวิกฤตก็เกิดขึ้นเช่นกัน นี่เป็นหนึ่งในจุดเปลี่ยนที่สำคัญในชีวประวัติของเขา ช่วงเวลาที่มีผลของ "ฤดูใบไม้ร่วงที่สร้างสรรค์" กำลังจะมาถึง ในช่วงเวลานี้เองที่จำนวนงานห้องเพิ่มขึ้นและน้ำหนักก็เพิ่มขึ้น ในฤดูร้อนปี 1886 เพียงช่วงฤดูร้อนปี 1886 บราห์มส์ได้เขียนผลงานที่น่าทึ่งสี่ชิ้น: โซนาตาไวโอลินครั้งที่สองและสาม (สร้างเสร็จในอีกสองปีต่อมา) โซนาตาไวโอลินเชลโลที่สอง เปียโนทรีโอที่สาม; ในปีต่อ ๆ มา - Second String Quintet, Clarinet Trio, Clarinet Quintet และโซนาต้าคลาริเน็ตสองตัว

สามช่วงเวลาที่แตกต่างกันกำหนดความแตกต่างทั้งในด้านเป็นรูปเป็นร่างและอารมณ์และในรูปแบบของวงดนตรีในห้องของ Brahms นักวิจัยหลายคนชี้ให้เห็นถึงข้อเท็จจริงนี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง M. Druskin ถือว่ากลุ่มของผลงานเก้าชิ้นแรกมีความหลากหลายมากที่สุด ในช่วงเวลานี้ผู้แต่งอยู่ในสภาวะหมักหมมอย่างสร้างสรรค์นักดนตรีเขียนว่า“ เขาเป็นคนใจร้อนและไม่มั่นคงพยายามค้นหาตัวเองไปในทิศทางต่างๆ บางครั้งเขาก็นำประสบการณ์ส่วนตัวที่ท่วมท้นลงมาโดยไม่ลังเล บางครั้งเขามองหาวิธีสร้างเพลงที่ "มีความสำคัญโดยทั่วไป" ที่เข้าใจง่ายและเป็นกลางมากขึ้น พื้นที่ของความรู้สึกโรแมนติกที่สดชื่นและกระปรี้กระเปร่าในวัยเยาว์พร้อมความงามอันกว้างขวางถูกเปิดเผยในผลงานเหล่านี้ ซึ่งในหมู่ Piano Quintet อันยอดเยี่ยมก็ผงาดขึ้นมา”

กลุ่มที่สองดูมีความสมบูรณ์น้อยกว่า บางครั้งบราห์มส์กลับไปสู่ธีมและภาพที่ทำให้เขากังวลใจเมื่อหลายปีก่อน แต่ถ่ายทอดเรื่องราวเหล่านั้นในรูปแบบที่ค่อนข้างมีแผนผัง ตามคำกล่าวของ M. Druskin สิ่งที่หมายถึงในที่นี้คือ "ความเหนือกว่าของหลักการที่มีเหตุผลในงานเหล่านี้มากกว่าหลักทางอารมณ์"

กลุ่มที่สามถือเป็นจุดสูงสุดของความคิดสร้างสรรค์ด้านเครื่องดนตรีและเครื่องดนตรีของ Brahms อีกครั้ง ความสมบูรณ์และความหลากหลายของเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างและอารมณ์ถูกรวมเข้ากับทักษะที่เป็นผู้ใหญ่ สิ่งที่น่าสังเกตคือการเสริมความแข็งแกร่งในด้านหนึ่งของแนววีรบุรุษ - มหากาพย์และอีกด้านหนึ่งเป็นการส่วนตัวที่มากยิ่งขึ้น ความขัดแย้งนี้เป็นเครื่องบ่งชี้ถึงวิกฤตการณ์ในช่วงสุดท้ายของชีวิตของบราห์มส์

ให้เราพิจารณาลักษณะของงานแต่ละชิ้นโดยย่อ

Brahms เป็นผู้แต่งวงดนตรีเครื่องสายเจ็ดชุด - สามควอร์เตต, สองควินเท็ต และสองเซ็กเท็ต 115 ส่วนคลาริเน็ตตามที่ผู้เขียนกำกับ สามารถแทนที่ด้วยวิโอลาได้ ดังนั้นงานนี้จึงถือได้ว่าเขียนขึ้นสำหรับวงดนตรีเครื่องสาย การเรียบเรียงเหล่านี้ซึ่งมีความสามารถที่มีสีสันแตกต่างกันดึงดูดนักแต่งเพลงในช่วงเวลาต่าง ๆ ของงานของเขา: วงดนตรีเขียนในปี พ.ศ. 2402-2408 วงสี่ในปี พ.ศ. 2416-2418 กลุ่มในปี พ.ศ. 2425- พ.ศ. 2433 เนื้อหาของผลงานในยุคแรกและช่วงปลาย - วงดนตรีหกเพลงและวงดนตรี - นั้นเรียบง่ายกว่าใกล้กับความหลากหลายในสมัยโบราณของศตวรรษที่ 18 หรือการแสดงดนตรีออเคสตราของบราห์มส์เองในขณะที่ดนตรีของวงสี่คนนั้นมีความลึกและเป็นอัตนัยมากกว่า

ด้านอื่นๆ ของความเป็นจริงสะท้อนให้เห็นในวงเครื่องสาย บราห์มส์เคยยอมรับในการสนทนาว่าก่อนต้นทศวรรษ 1870 เขาเขียนผลงานสำหรับวงเครื่องสายประมาณยี่สิบงาน แต่ไม่ได้ตีพิมพ์และทำลายต้นฉบับ ในบรรดาผู้รอดชีวิต สอง - c-moll และ a-moll - ได้รับการตีพิมพ์ในรูปแบบที่แก้ไขใหม่เป็น op 51 ในปี พ.ศ. 2416; สามปีต่อมา Third Quartet ใน B major, op. 67.

เมื่อถึงเวลาที่เขาสร้างวงเครื่องสายสามวง (พ.ศ. 2416-2418) บราห์มส์ได้สั่งสมประสบการณ์มากมายในด้านการสร้างสรรค์เครื่องดนตรีในห้องแชมเบอร์ และได้เข้าสู่ยุครุ่งเรืองที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขา วงเครื่องสายสามวงเขียนเรียงต่อกันในช่วงต้นทศวรรษที่ 1870 มีลักษณะเฉพาะคือวุฒิภาวะสมบูรณ์ มีทักษะทางศิลปะสูง และเทคนิคอันชาญฉลาดในการจัดการกับคะแนนควอร์เตต เหล่านี้เป็นผลงานชิ้นเอก แชมเบอร์มิวสิคบราห์มส์. ลึกซึ้งและซับซ้อน กระบวนการทางจิตวิทยาถูกเปิดเผยในตัวพวกเขาในรูปแบบที่ตึงเครียดและมีสมาธิและความพูดน้อย ความสำคัญของแนวคิดและความเข้มข้นของการพัฒนาทำให้เราสามารถพูดเกี่ยวกับซิมโฟนีที่แท้จริงของผลงานเหล่านี้ซึ่งสืบทอดประเพณีของ Beethoven, L. Kokoreva ชี้ให้เห็นว่า: “การเชื่อมโยงภายในอย่างลึกซึ้งกับ เพลงคลาสสิค- แนวคิดและเนื้อเพลงเชิงปรัชญาที่กล้าหาญและน่าทึ่งของ Beethoven ได้รับการหักเหเป็นเอกเทศในวงจรละครพราหมณ์ล้วนๆ ความหุนหันพลันแล่นและความหลงใหลในโรแมนติกทำให้เกิดความยับยั้งชั่งใจในการแสดงออกอย่างเข้มงวด"

วงเครื่องสายเช่นเดียวกับวงเปียโน ก่อให้เกิดผลงานอันมีค่าที่ตัดกันในเนื้อหา โดยรวบรวมแนวคิดที่สำคัญที่สุดสามประการของศาสนาพราหมณ์ ได้แก่ แนวดราม่า บทกวีที่สง่างาม และแนวอภิบาล วงควอร์เตตเขียนขึ้นโดยคาดหวังถึงซิมโฟนี ถือเป็นเหตุการณ์สำคัญระหว่างทาง: สไตล์ซิมโฟนิกของผู้แต่งพัฒนาขึ้นภายใต้กรอบของวงดนตรีเครื่องสาย จากที่นี่ความเป็นเครือญาติภายในของทั้งสองแนวมาถึง ความเชื่อมโยงกัน รวมถึงการแทรกซึมของสองหลักการ - ดนตรีแชมเบอร์และซิมโฟนิซึม ส่งผลให้เกิดคุณภาพของดนตรีของบราห์มส์ ลักษณะห้องของซิมโฟนีอยู่ที่ความซับซ้อนทางจิตวิทยา ความละเอียดอ่อนของการไล่ระดับในการถ่ายทอด เฉดสีต่างๆเนื้อหาทางอารมณ์ วงสี่มีความไพเราะในความหมายที่สมบูรณ์

รู้สึกได้ถึงความใกล้ชิดเป็นพิเศษระหว่างสี่วงใน C minor op 51 และซิมโฟนีในคีย์เดียวกัน ส่วนแรกเขียนด้วยคีย์อารมณ์เดียวกัน สิ่งที่บ่งบอกถึงวัฏจักรซิมโฟนิกในอนาคต L. Kokoreva เขียนก็คือแทนที่จะเป็น scherzo ซึ่งก่อนหน้านี้มีชัยในวงดนตรี กลับมี intermezzo ชนิดหนึ่งปรากฏที่นี่ในจังหวะ Allegretto ทำให้วงสี่มีรูปลักษณ์ที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะตัว วง C-minor ยังคงเป็นแนวการแสดงละครตอนจบ ซึ่งต่อมาจะกลายเป็นจุดเด่นของสไตล์ซิมโฟนิกที่เป็นผู้ใหญ่ แต่ถึงแม้จะเป็นหนึ่งในผลงานที่เป็นผู้ใหญ่ที่สุดของ Brahms วง C-moll ก็โดดเด่นด้วยความพูดน้อยที่หายาก ความเข้มข้นของความคิด ความสามัคคีของวงจร แต่ละส่วนเชื่อมโยงกันด้วยการพัฒนาแนวคิดเดียว และความสมบูรณ์พิเศษภายในแต่ละส่วน

วงที่สองในปฏิบัติการรอง 51 ในวงเครื่องสายสามวงทำหน้าที่เป็นศูนย์กลางของโคลงสั้น ๆ และโดดเด่นด้วยโทนเสียงที่นุ่มนวลเต็มไปด้วยอารมณ์ ไพเราะ และโปร่งใส หลังจากความแตกต่างแบบไดนามิกของวง C-minor จุดไคลแม็กซ์ที่หุนหันพลันแล่นและรุนแรง การพัฒนาอย่างรวดเร็ว ที่นี่คุณจะสัมผัสได้ถึงความนุ่มนวลของการผ่อนปรน ความนุ่มนวลของรูปทรงอันไพเราะ และความลื่นไหลของดนตรี หลักการของชูเบอร์เชียนนั้นตรงกันข้ามกับหลักการของเบโธเฟเนียนซึ่งมีอิทธิพลเหนือในควอร์เตตแรก อย่างไรก็ตาม สิ่งนี้ใช้ได้กับสามส่วนแรกเท่านั้น ซึ่งมีการเปิดเผยโลกแห่งเนื้อเพลง Brahmsian ที่อุดมสมบูรณ์และมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวอยู่เสมอ ฉากสุดท้ายเต็มไปด้วยพลังงานที่ไม่ย่อท้อ พลังที่น่าทึ่ง และเป็นผลลัพธ์ทางความหมายที่มุ่งไปสู่การพัฒนาทั้งหมด

วงที่สามใน B ปฏิบัติการหลัก 67 ซึ่งสร้างขึ้นโดยผู้แต่งในปี 1875 สองปีหลังจากสองรุ่นแรก ตอบโต้ด้วยโทนเสียงที่สนุกสนานและสดใส รูปภาพของธรรมชาติของป่า จังหวะที่ร่าเริงสดใส ท่วงทำนองเพลงแทรกซึมอยู่ในองค์ประกอบนี้ โดยที่ Agitato Allegretto non troppo (การเคลื่อนไหวครั้งที่สาม) ใน d-moll ทำหน้าที่ตรงกันข้ามกับโลกทัศน์ที่สนุกสนานที่สำคัญซึ่งรวมอยู่ในสามส่วน

Two Quintets - F major, สหกรณ์ 88 และ G major, op. 111 - เขียนขึ้นเพื่อการประพันธ์ที่เป็นเนื้อเดียวกัน - ไวโอลินสองตัว วิโอลาสองตัว และเชลโลหนึ่งตัว ตัวละครที่ไพเราะและกล้าหาญมีอยู่ใน First Quintet; ความสุขสบายในจิตวิญญาณของ J. Strauss - สู่วินาที กลุ่มที่สองเป็นหนึ่งในผลงานห้องที่ดีที่สุดของ Brahms

โซนาตามีเนื้อหาที่แตกต่างกัน - สองอันสำหรับเชลโล (พ.ศ. 2408 และ 2429) และสามอันสำหรับไวโอลินและเปียโน (พ.ศ. 2422, 2429 และ 2431)

จากความสง่างามอันเร่าร้อนของการเคลื่อนไหวครั้งแรกไปจนถึงความเศร้า บทเพลงเวียนนาของการเคลื่อนไหวครั้งที่สอง และตอนจบแห่งความทรงจำที่มีพลังแน่วแน่ - นี่คือวงกลมของภาพของ First Cello Sonata ใน e-moll, op 38. โซนาต้าตัวที่สองใน F Major, สหกรณ์ 99; เต็มไปด้วยความขัดแย้งเฉียบพลัน

โซนาตาไวโอลินสามารถใช้เป็นหลักฐานที่มีชีวิตของจินตนาการอันสร้างสรรค์อันไม่สิ้นสุดของ Brahms ซึ่งแต่ละอันมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว โซนาต้าตัวแรกใน G Major, สหกรณ์ 78 ดึงดูดด้วยบทกวี การเคลื่อนไหวที่กว้าง ลื่นไหล และราบรื่น นอกจากนี้ยังมีช่วงเวลาแนวนอน โซนาต้าตัวที่สองใน A Major, สหกรณ์ 100 ไพเราะ ร่าเริง นำเสนอได้กระชับและรวบรวม โดยไม่คาดคิดอิทธิพลของ Grieg ถูกเปิดเผยในส่วนที่สอง โดยทั่วไป การขาดการพัฒนาและบทละครที่ยอดเยี่ยมทำให้แตกต่างจากงานห้องอื่นๆ ของ Brahms ความแตกต่างจาก Third Sonata ใน d minor, op. 108. นี่เป็นหนึ่งในผลงานที่น่าทึ่งและขัดแย้งกันมากที่สุดของผู้แต่งซึ่งภาพโรแมนติกที่กบฏของ Second Cello Sonata ได้รับการพัฒนาอย่างสมบูรณ์แบบ

การแสดงออกที่สมบูรณ์แบบของยุค Sturm und Drang ใน ชีวประวัติที่สร้างสรรค์ Brahms มอบ Piano Quintet ใน F minor, สหกรณ์ 34. จากข้อมูลของ M. Druskin งานนี้ดีที่สุดไม่เพียง แต่ในช่วงเวลานี้เท่านั้น แต่บางทีในมรดกทางเครื่องดนตรีทั้งหมดของนักแต่งเพลง:“ ดนตรีของกลุ่มวงดนตรีทำให้เกิดโศกนาฏกรรมที่แท้จริง แต่ละส่วนเต็มไปด้วยภาพของการกระทำ แรงกระตุ้นอันวิตกกังวล ความไม่สงบอันเร่าร้อน ความเป็นชาย และความตั้งใจอันแน่วแน่” Brahms หันมาทำงานนี้ในปี พ.ศ. 2404 โดยวางแผนไว้ องค์ประกอบสตริง- แต่พลังและความเปรียบต่างของภาพนั้นเกินความสามารถของสายอักขระ จากนั้นมีการเขียนฉบับสำหรับเปียโนสองตัว แต่ไม่เป็นที่พอใจของผู้แต่ง เฉพาะในปี พ.ศ. 2407 เท่านั้นที่พบรูปแบบที่ต้องการโดยที่เปียโนรองรับวงเครื่องสาย

บราห์มส์กลับมาใช้ธีมเดิม โดยแก้ปัญหาต่างกันในแต่ละครั้ง ในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขาในเพลงโซนาต้าไวโอลินครั้งที่ 3 และเปียโนทรีโอครั้งที่ 3 แต่ผลงานสี่ห้องสุดท้าย (พ.ศ. 2434-2437) รวบรวมธีมและรูปภาพอื่น ๆ

ในบริบทของงานแชมเบอร์-เครื่องดนตรีของ Brahms เปียโนทั้งสามของเขาสมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ

สามคนแรกสำหรับเปียโน ไวโอลิน และเชลโลใน H major, op. 8 เขียนโดยนักเขียนอายุ 20 ปี มันน่าหลงใหลด้วยความสดชื่นของการประดิษฐ์คิดค้นและความตื่นเต้นโรแมนติก

ควรสังเกตว่าในคอนเสิร์ตฮอลล์และสถาบันการศึกษาทั้งสามคนนี้เล่นในฉบับที่สองซึ่งสร้างโดยนักแต่งเพลงในปี พ.ศ. 2433 โดยได้รับคำแนะนำจากเพื่อนของเขา ซึ่งเป็นนักดนตรีชาวออสเตรียผู้โด่งดัง อี. ฮันสลิค บราห์มส์หันไปหาบทประพันธ์ในยุคแรกของเขาและกำหนดให้มีการแก้ไขครั้งใหญ่ ในฉบับใหม่ หลักการจัดเรียงชิ้นส่วนและธีมหลักยังคงเดิมจากเวอร์ชันดั้งเดิม ส่วนที่สอง Scherzo ยังคงแทบไม่เปลี่ยนแปลง บันทึกไว้ในฉบับพิมพ์ครั้งที่สอง หมายเลขซีเรียลบทประพันธ์ผู้เขียนจึงเน้นย้ำถึงความปรารถนาของเขาเพียงเพื่อปรับปรุงงานที่เขียนในวัยเยาว์เท่านั้น อย่างไรก็ตาม เขาพัฒนาจากตำแหน่งของปรมาจารย์ที่เป็นผู้ใหญ่แล้ว มีความต้องการอย่างมากและเข้มงวดกับตัวเอง และโดยพื้นฐานแล้ว เขาแต่งเกือบสามในสี่ของ Trio ใหม่อีกครั้ง ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างสองตัวเลือกเกี่ยวข้องกับประเด็นของแนวคิด หลักการของการพัฒนาและการก่อตัวที่น่าทึ่ง และวิธีการนำเสนอเนื้อหา

Trio Es ปฏิบัติการหลัก 40 สำหรับเปียโน ไวโอลิน และแตรในภาษา Es เขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2408 และตีพิมพ์ครั้งแรกในปี พ.ศ. 2409 โดย Breitkopf & Hartel ในวรรณคดีดนตรีวิทยา บางครั้งมีการแสดงความคิดเห็นว่าทรีโอ (หรือแต่ละส่วนของมัน) ถูกสร้างขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1850 และจึงเป็นของช่วงแรกของงานของผู้แต่ง อย่างไรก็ตามสมมติฐานนี้ไม่ได้รับการโต้แย้งอย่างน่าเชื่อเพียงพอ A. Bonduryansky เชื่อว่าทั้งสามคนเขียนด้วยมือของปรมาจารย์ที่เป็นผู้ใหญ่อย่างไม่ต้องสงสัย: "ไม่มีร่องรอยของความอิ่มตัวของรูปแบบด้วยเนื้อหาทางดนตรีที่เราพบ ผลงานยุคแรกๆ ของ Brahms โดยเฉพาะใน Trio H -dur op เวอร์ชันแรก 8. ในทางตรงกันข้าม Es-major Trio ดึงดูดได้อย่างแม่นยำเนื่องจากความสอดคล้องของเนื้อหาและรูปแบบ ความปรารถนาที่จะพูดน้อย และความเรียบง่ายในการแสดงออกซึ่งมีอยู่ในบทประพันธ์ในภายหลังของนักแต่งเพลง เช่น Trio op 87 และความเห็น 101" A. Bonduryansky ให้ข้อโต้แย้งอีกประการหนึ่ง ทั้งเชิงแนวคิดและเชิงดราม่า เพื่อสนับสนุนข้อเท็จจริงที่ว่า Trio ถูกสร้างขึ้นในปี 1865 ในปีนี้ชีวิตของ Brahms มีความเกี่ยวข้องกับเหตุการณ์ที่น่าเศร้าที่สุดครั้งหนึ่ง - การเสียชีวิตของแม่ที่รักของเขา การตอบสนองโดยตรงของผู้แต่งต่อเหตุการณ์นี้คือสหกรณ์ "บังสุกุลเยอรมัน" ของเขา 45 เขียนในปีเดียวกัน แต่แม้กระทั่งใน Es-major Trio ความปรารถนาที่จะพัฒนาภาพที่โศกเศร้าก็ถูกเปิดเผย - ตั้งแต่ความสง่างามของตอนในส่วนแรกไปจนถึงโศกนาฏกรรมที่แท้จริงใน Adagio mesto.. ตามข้อมูลของ M. Druskin ไม่มีงานอื่นใดที่บริสุทธิ์ จิตวิญญาณอันกระตือรือร้นของบราห์มผู้โรแมนติกจึงถูกเปิดเผยอย่างเต็มที่

ทรีโอสำหรับเปียโน ไวโอลิน และเชลโล C Major op 87 (พ.ศ. 2423-2425) เป็นช่วงต่อไปของชีวประวัติเชิงสร้างสรรค์ของ J. Brahms นับตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษที่ 1870 นักแต่งเพลงก็อยู่ในจุดสูงสุดของชื่อเสียงของเขา ในปี พ.ศ. 2419 มหาวิทยาลัยเคมบริดจ์ได้มอบรางวัลให้เขา ตำแหน่งกิตติมศักดิ์อีกหนึ่งปีต่อมา London Philharmonic Society ได้รับรางวัลเหรียญทองจาก Doctor of Music ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2423 เขาเป็นแพทย์กิตติมศักดิ์ของมหาวิทยาลัยเบรสเลา คอนเสิร์ตของ Brahms ในฐานะนักเปียโนและผู้ควบคุมวงประสบความสำเร็จอย่างมากในออสเตรีย เยอรมนี สวิตเซอร์แลนด์ ฮอลแลนด์ ฮังการี และโปแลนด์ สัญลักษณ์แห่งการยอมรับในคุณงามความดีของเขาในฐานะนักแต่งเพลงและบุคคลสำคัญทางดนตรีคือการได้รับเชิญให้ดำรงตำแหน่งผู้อำนวยการด้านดนตรีในดุสเซลดอร์ฟ (ซึ่งเมื่อสองทศวรรษก่อนหน้านี้ถูกครอบครองโดยอาร์. ชูมันน์) และตำแหน่งต้นเสียงของโบสถ์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โทมัสในไลพ์ซิก

ก่อนปี พ.ศ. 2421 มีการแสดงรอบปฐมทัศน์ของ Second Symphony ซึ่งแสดงในกรุงเวียนนาภายใต้กระบองของ Hans Richter การแสดงซิมโฟนีเดียวกันในเดือนกันยายน พ.ศ. 2421 ในเมืองฮัมบูร์กซึ่งเป็นบ้านเกิดของ Brahms เพื่อเฉลิมฉลองวันครบรอบปีที่ห้าสิบของการก่อตั้ง Philharmonic ถือเป็นชัยชนะที่แท้จริงของผู้แต่ง ในฤดูใบไม้ร่วง Brahms และ Joachim นักไวโอลินชื่อดังซึ่งมีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกันออกเดินทางทัวร์คอนเสิร์ตครั้งใหญ่ในฮังการีและในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2423 - ไปยังโปแลนด์ เกือบจะในเวลาเดียวกัน Brahms เริ่มทำงานกับ Trio สำหรับเปียโน ไวโอลิน และเชลโลใน C Major op 87. ปิดการสื่อสารอย่างสร้างสรรค์และเป็นมิตรกับโจอาคิมในช่วงเวลานี้ ตามคำกล่าวของ A. Bonduryansky มีอิทธิพลต่อแผนของทั้งสามคน

สร้างเสร็จในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2425 Brahms' Trio in C ยังคงสานต่อประเพณีของเบโธเฟน-ชูเบิร์ตในแชมเบอร์มิวสิคประเภทนี้ นักวิจัยสังเกตหลักการทั่วไปของการสร้างวัฏจักรโดยรวม แต่ละส่วน การใช้เทคนิคของ Brahms ในการนำเสนอเนื้อหาทางดนตรีที่พัฒนาโดยผู้ยิ่งใหญ่รุ่นก่อนของเขา และแม้แต่ความคล้ายคลึงกันของน้ำเสียงของบางธีม ในขณะเดียวกันก็ยังคงมุ่งมั่น ประเพณีคลาสสิกในด้านรูปแบบ Brahms เติมแต่งเนื้อหาด้วยการรับรู้โลกที่โรแมนติกและพิเศษโดยธรรมชาติ

ทรีโอสำหรับเปียโน ไวโอลิน และเชลโลใน C minor, สหกรณ์ 101 (1886) เทียบเท่ากับผลงานห้องแสดงที่ดีที่สุดของ Brahms มันเผยให้เห็นไม่เพียงแต่ความฉลาดและความสมบูรณ์ของจินตนาการของผู้แต่งเท่านั้น แต่ยังรวมถึงทักษะการเรียบเรียงที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย ใน C minor Trio มีความสอดคล้องกันอย่างสมบูรณ์ระหว่างเนื้อหาและรูปแบบ ความคิดทางดนตรีมีความสำคัญอย่างยิ่ง การนำเสนอมีความกระชับอย่างยิ่ง เทคนิคการแสดงอันหลากหลายที่ผู้แต่งใช้ก็น่าชื่นชมเช่นกัน สมาชิกทั้งมวลแต่ละคนได้รับโอกาสในการแสดงทักษะเดี่ยวของตนเอง และในขณะเดียวกัน ดนตรีที่เรียบเรียงก็ต้องใช้ความตั้งใจของทั้งสามคนในการบรรลุเป้าหมายร่วมกัน

c-minor trio แสดงครั้งแรกในบูดาเปสต์เมื่อวันที่ 20 ตุลาคม พ.ศ. 2429 โดยผู้เขียน E. Hubay และ D. Popper และได้รับการยอมรับในทันที การตอบสนองอย่างกระตือรือร้นของผู้ร่วมสมัยของ Brahms สังเกตขนาดของแผนและความสั้นในการนำเสนอ ความสมบูรณ์ที่เป็นรูปเป็นร่าง และความเข้มข้นของรูปแบบที่น่าทึ่ง

ทรีโอสำหรับเปียโน คลาริเน็ตใน A และเชลโลใน A minor op 114 สามารถเรียกได้ว่าเป็น "เพลงหงส์" ของผู้แต่งในประเภทเปียโนทรีโออย่างถูกต้อง และไม่ใช่เพียงเพราะว่าหลังจากเขาไปแล้ว บราห์มส์ไม่หันไปหาทั้งสามคนอีกต่อไป แต่ยังเพราะในงานนี้ทุกสิ่งที่ดีที่สุดที่ทำให้ทั้งสามคนมีเสน่ห์ดึงดูดใจพบการแสดงออกที่สดใส ศิลปินชาวเยอรมัน, - ความโรแมนติกที่ผิดปกติของภาพ, องค์ประกอบที่น่าหลงใหลของนิทานพื้นบ้านของฮังการี, ความเงียบสงบอันเงียบสงบของชาวเยอรมัน Lieder หลักการที่จัดตั้งขึ้นในที่สุดในการสร้างรูปแบบของการแต่งเพลงและความปรารถนาในการประสานเสียงได้ถูกรวบรวมไว้ที่นี่ ประเภทห้อง.

ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว การเรียบเรียงนี้มีต้นกำเนิดมาจากนักคลาริเน็ต Richard Mühlfeld ศิลปินเดี่ยวของวง Meiningen Orchestra งานศิลปะของเขาทำให้ผู้แต่งหลงใหล ต้องขอบคุณเสียงอันนุ่มนวลของเครื่องดนตรีและน้ำเสียงที่สั่นเครือ Mühlfeld จึงได้รับฉายาว่า "Fraulein-Clarinett" (สาวคลาริเน็ตชาวเยอรมัน) ซึ่ง Brahms "มอบรางวัล" ให้กับเขา มันเป็นคุณธรรมทางดนตรีและศิลปะที่ไม่ธรรมดาของนักคลาริเน็ตที่ทำหน้าที่เป็นเหตุผลให้ผู้แต่งสร้างบทประพันธ์สี่บทสำหรับเครื่องดนตรีนี้ นอกเหนือจาก Trio op แล้ว 114 คือ Quintet op 115 สำหรับวงเครื่องสาย คลาริเน็ต และโซนาต้า 2 ตัว 120 สำหรับคลาริเน็ตและเปียโน

ในวงดนตรีคลาริเน็ต J. Brahms ประสบความสำเร็จในคุณภาพใหม่ทั้งด้านภาพและการละคร ในขณะเดียวกันก็สรุปผลงานทั้งหมดของเขา บรรยากาศโดยทั่วไปของงานเหล่านี้คือการแต่งเนื้อร้องลักษณะน้ำเสียงทั่วไป - การร้อง ความไพเราะ ความยาวบรรทัด: "บทบาทสุดท้ายของหลักการเพลง - โคลงสั้น ๆ ในงานของผู้แต่งได้รับการยืนยันใน ผลงานล่าสุด“” ชี้ให้เห็น E. Tsareva ความจำเพาะของคลาริเน็ตสอดคล้องกับคุณภาพนี้อย่างสมบูรณ์แบบ ทักษะของวงดนตรีที่นี่ถูกนำมาสู่ความสมบูรณ์แบบ เครื่องมือแต่ละชิ้นถูกใช้ตามลักษณะเฉพาะของมัน เพื่อเผยให้เห็นถึงความคิดริเริ่มทางอารมณ์ของผลงาน เสียงของคลาริเน็ตจึงแสดงออกได้ชัดเจนเป็นพิเศษ นี้ เครื่องเป่าลมท่วงทำนองเพลงโคลงสั้น ๆ การบรรยายบทละครที่เข้มข้น ข้อความที่เก่งกาจในบันทึกต่าง ๆ รูปแกะสลักที่มีสีสัน เสียงทริลล์ และดนตรีประกอบเครื่องสั่นได้รับความไว้วางใจ ทื่อ ทื่อในกลุ่มเสียงต่ำ และชวนให้นึกถึงเสียงของมนุษย์ที่บอกหรือบ่นในช่วงกลางอย่างน่าประหลาดใจ เสียงของคลาริเน็ตเหมาะมากสำหรับการใช้สีที่สง่างามซึ่งมีอิทธิพลเหนือเนื้อเพลงของบราห์มส์ผู้ล่วงลับ คลาริเน็ตผสานเข้ากับสาย ทำให้เสียงหลุดออกไป จากนั้นจึงห่อหุ้มด้วยแสง อาร์เพจจิโอที่เคลื่อนไหวได้ หรือโซโลในท่วงทำนองด้นสด

ด้วยผลงานเหล่านี้ Brahms กล่าวคำอำลากับแนวเพลงแชมเบอร์-เครื่องดนตรี สองปีหลังจากเสร็จสิ้นโซนาตาเหล่านี้ในปี พ.ศ. 2439 บราห์มส์ได้สร้างผลงานชิ้นสุดท้ายของเขาอีกสองชิ้น แต่ในประเภทอื่น ๆ ได้แก่ "Four Strict Tunes" สำหรับเบสและเปียโนและ "And Chorale Preludes for Organ" (ตีพิมพ์หลังมรณกรรม)

ไม่มีผู้ร่วมสมัยคนใดของบราห์มส์คนใดพูดถึงการสร้างสรรค์เครื่องดนตรีในห้องแชมเบอร์ได้อย่างเป็นธรรมชาติ ด้วยความสมบูรณ์และความสมบูรณ์แบบทางศิลปะอย่างที่บราห์มส์เคยทำ ต่อจากนั้นภายใต้อิทธิพลของแรงกระตุ้นที่แข็งแกร่งที่สุดที่เล็ดลอดออกมาจากงานของเขา แชมเบอร์มิวสิคได้พัฒนาอย่างประสบความสำเร็จในผลงานของ Smetana และ Dvorak, Frank และ Grieg ความคล้ายคลึงกันที่เป็นเอกลักษณ์ของดนตรีรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษคือผลงานของ Taneyev

อาจกล่าวได้ว่างานศิลปะของบราห์มส์ประเภทนี้ได้รับการพัฒนาอย่างระมัดระวังและสม่ำเสมอโดยเขาในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ซึ่งให้ผลมากมายในดนตรีสมัยใหม่ บราห์มส์ได้สร้างสะพานเชื่อมจากศิลปะคลาสสิกของเวียนนาไปสู่ศิลปะคลาสสิกแบบใหม่ของศตวรรษที่ 20 โดยมีความดึงดูดเป็นพิเศษต่อความใกล้ชิด เอ็ม. รีเกอร์ ผู้ติดตามโดยตรงของบราห์มส์เมื่อต้นศตวรรษของเรา ผู้ที่ตามเขามาคือปรมาจารย์ที่โดดเด่นของวงดนตรีแชมเบอร์ พี. ฮินเดมิธ ซึ่งทิ้งมรดกทางวรรณกรรมในห้องแชมเบอร์อันกว้างขวาง ซึ่งรวมถึงวงสี่เพลง โซนาตา-ดูเอตสำหรับเครื่องสายและเครื่องลมเกือบทั้งหมด เทคนิคพิเศษของ Brahms’s Chamber Ensemble ที่มีการโพลีโฟนี ความสมบูรณ์ของเนื้อผ้าและรายละเอียดพื้นผิว และที่สำคัญที่สุดคือการเชื่อมโยงกันขององค์ประกอบที่ทำให้การพัฒนาทั้งหมดเกิดขึ้นจากเมล็ดข้าวเพียงเมล็ดเดียว มีอิทธิพลอย่างมากต่อ หลักการจัดองค์ประกอบคิดถึง Schoenberg และโรงเรียนของเขาและพบความต่อเนื่องโดยตรงในช่วงแรก วงดนตรีในห้องเชินเบิร์ก, เบิร์ก และเวเบิร์น.

ดนตรีบรรเลงในห้องของ Rachmaninov โดดเด่นด้วยองค์ประกอบที่โรแมนติก ภาพ ความรู้สึก หรืออารมณ์ใดๆ ล้วนได้รับการแต่งแต้มให้เป็นบทกวี ยกระดับเหนือโลกในชีวิตประจำวัน ความน่าสมเพชที่โรแมนติก ความฝันที่โรแมนติก แรงกระตุ้นที่โรแมนติก - นี่คือสิ่งที่ทำให้งานศิลปะที่ได้รับแรงบันดาลใจของเขาแตกต่างเสมอ ยวนใจยังปรากฏอยู่ใน Rachmaninov ในลักษณะส่วนตัวของงานของเขาซึ่งดูเหมือนว่าทุกอย่างจะถูกส่งผ่านปริซึมของทัศนคติส่วนตัวของเขาต่อความเป็นจริงผ่านปริซึมของบุคลิกลักษณะที่แข็งแกร่งและทรงพลังของเขา และธรรมชาติอันน่าทึ่งของดนตรีของเขาถูกมองว่าเป็นละครที่มีบุคลิกภาพในวังวนแห่งความขัดแย้งในชีวิตเป็นหลัก ดังนั้นการพูดคนเดียวในสไตล์ของเขา ในเวลาเดียวกันผลงานของ Rachmaninov มีความโดดเด่นด้วยความเป็นรูปธรรมที่โดดเด่นของใจความ ทำนอง เนื้อสัมผัส ซึ่งได้รับการออกแบบมาเพื่อแสดงเนื้อหาของดนตรีด้วยความแม่นยำสูงสุด และความเป็นรูปธรรมนี้มีลักษณะเฉพาะของการพิมพ์ซึ่งทำให้เราสามารถพูดถึง คุณสมบัติของความสมจริง

มรดกในห้องของ Rachmaninov ประกอบด้วยวงดนตรีบรรเลงหลายวง วงที่ยังสร้างไม่เสร็จในปี 1889 มีเพียงสองการเคลื่อนไหวเท่านั้น - Romance และ Scherzo วงสี่คนมีลักษณะเหมือนนักเรียนโดยสมบูรณ์ ซึ่งบ่งบอกถึงการเลียนแบบไชคอฟสกีอย่างขยันขันแข็ง อย่างไรก็ตามความงามของท่วงทำนองโคลงสั้น ๆ ของ Romance ดึงดูดความสนใจอยู่แล้ว First Elegiac Trio นั้นมีความดั้งเดิมมากกว่ามาก ความโรแมนติกที่โหยหาของธีมหลักทำให้ใครๆ นึกถึงโอเปร่าเรื่อง "Aleko" Trio Elegiac ครั้งที่สองใน d-minor ซึ่งอุทิศให้กับ "ความทรงจำของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่" - P.I. กลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง ไชคอฟสกี้) โครงสร้างเป็นการทำซ้ำ Tchaikovsky Trio ที่มีชื่อเสียงซึ่งเขียนเกี่ยวกับการตายของ N. Rubinstein อย่างสมบูรณ์ ในทำนองเดียวกันมีโซนาตาอัลเลโกรที่น่าทึ่งนำหน้าด้วย Elegy ที่โศกเศร้าในทำนองเดียวกันส่วนกลางถูกสร้างขึ้นจากการเปลี่ยนแปลงและเช่นเดียวกับในไชคอฟสกีในตอนท้ายมีการถวายพิธีศพในธีมหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรก

มีหลายอย่างในทั้งสามคนที่บ่งบอกถึงความเป็นผู้ใหญ่ของ Rachmaninov เช่นคุณสมบัติของการพูดคนเดียว แก่นของ Elegy ซึ่งนำเสนออย่างต่อเนื่องโดยเชลโลและไวโอลินเป็นบทพูดคนเดียวที่แนวโน้มโดยทั่วไปของผู้แต่งที่จะคงอยู่ในสถานะเดียวเป็นเวลานานเผยให้เห็นตัวเอง ความสง่างามกลายเป็นส่วนตัว "ในสไตล์ของ Rachmaninov" และยิ่งกว่านั้นไม่ได้ปิดไม่ซ่อนเร้น แต่หลั่งไหลออกมาอย่างไว้วางใจ ความรู้สึกทางศิลปะภาพที่สร้างขึ้นโดยธีมเป็นละครแนวจิตวิทยาที่ไม่ได้รับทางออกหรือความละเอียด พลังงานของรัคมานินอฟยังเดือดพล่านในอัลเลโกรด้วย โดยแสดงให้เห็นตัวเองในการขึ้นอันทรงพลังและจุดไคลแม็กซ์อันน่าทึ่ง

วงดนตรีแชมเบอร์-เครื่องดนตรีของรัคมานินอฟยังคงรักษารูปแบบคลาสสิก (เชลโลโซนาต้า) หรือไม่ก็อยู่ภายใต้หลักการของการก่อตัวแบบบทกวีและโรแมนติก (ทรีโอ) ละครของพวกเขาขัดแย้งกันความขัดแย้งนี้เปิดเผยเฉพาะในกระบวนการแสดงออกทางอารมณ์เท่านั้น พลังแห่งอารมณ์ที่สะสมอย่างไดนามิกที่หลั่งไหลออกมาในท่วงทำนองอันเร่าร้อนคือแก่นแท้ของการแสดงละครของเขา ดังนั้นวงเครื่องสายสองวงที่ยังสร้างไม่เสร็จ (พ.ศ. 2432 วงที่สองในภาพร่าง พ.ศ. 2453-2454) ทริโอ Elegiac ตัวแรกใน g minor (พ.ศ. 2435), ทรีโอ Elegiac ตัวแรกใน d minor (พ.ศ. 2436), โซนาตาสำหรับเชลโลและเปียโน (1901) ตลอดทั้งเรื่อง เราสามารถสัมผัสได้ถึงแนวโน้มในการพัฒนาแบบ end-to-end การรวมเสียงของวงดนตรี บทพูดที่น่าสมเพชของพวกเขา "การร้องคู่" หรือการตีข่าว ปัจจัยหลายอย่างถูกกำหนดโดยปัจจัยที่สร้างสรรค์ เช่น การแบ่งชั้นของเนื้อผ้าออกเป็นชั้นอันไพเราะและดนตรีประกอบ อย่างหลังมักจะมีความกระตือรือร้นอย่างมากในเชิงดราม่า เพิ่มความตึงเครียดทางอารมณ์ของท่วงทำนองด้วยไดนามิกที่ตื่นเต้น คุณลักษณะของสไตล์คือการรักษาพื้นผิวประเภทเดียวตลอดทั้งส่วนของแบบฟอร์ม

องค์ประกอบที่แท้จริงของความคิดสร้างสรรค์ของ Rachmaninov คือดนตรีเปียโน ในนั้นเขาได้แสดงอุดมคติทางศิลปะของเขาอย่างเต็มที่ ไม่ใช่ในรูปแบบโซนาต้ามากนัก (แม้ว่าโซนาตาเปียโนของเขาทั้งสองจะมีอารมณ์ที่สดใสและดราม่าโดยธรรมชาติของผู้แต่ง) แต่ในประเภทของโหมโรงและบทเพลง เราสามารถพูดได้ว่า Rachmaninov ได้สร้างประเภทใหม่ของแนวเพลงเหล่านี้ - โหมโรง "Rachmaninov" และ "Rachmaninov" etude-picture

ทั้งสองประเภทมีแง่มุมที่โคลงสั้น ๆ-ดราม่าที่แสดงออกอย่างชัดเจน “รัชมานินอฟ” อยู่ในนั้น - ในการสังเคราะห์โครงสร้างทางอารมณ์ที่ยกระดับการแสดงออกและโรแมนติก พร้อมด้วยภาพที่เป็นรูปธรรมที่สมจริง ในขณะเดียวกันความกดดันทางอารมณ์ก็ยิ่งใหญ่จนดูเหมือนเป็นการก้าวข้ามขอบเขตของรูปแบบเล็กๆ ออกไป ทำให้เกิดความยิ่งใหญ่ซึ่งเสริมด้วยการเล่นเครื่องดนตรีด้วย ไพเราะเต็มเสียง ไพเราะโอบรับทุกบันทึกของคีย์บอร์ด ในไคลแม็กซ์อันทรงพลัง และเสียงระฆังในคอร์ด ในรูปแบบของโหมโรงและ etudes อธิบายได้จากลักษณะเฉพาะของการคิดประสานกันของผู้แต่ง ด้วยโครงสร้างไดโทนิกทั่วไป ความกลมกลืนของรัคมานินอฟจึงเต็มไปด้วยการเปลี่ยนแปลงและสี แต่ในขณะเดียวกันก็มีแนวโน้มที่จะล่าช้าในแต่ละขั้นตอนของโหมด การเล่นฟังก์ชันฮาร์มอนิกอันหนึ่งเป็นเวลานานช่วยเพิ่มความมีมิติให้กับดนตรีของเขา ซึ่งเป็นอาการอ่อนล้าในช่วงเวลาหนึ่ง

ธรรมชาติของโหมโรงของ Rachmaninov เปลี่ยนไปในกระบวนการวิวัฒนาการเชิงสร้างสรรค์ของเขา บทละครในยุคแรกนั้นมี "สังคม" และโคลงสั้น ๆ มากกว่า ในนั้นมีการพึ่งพาองค์ประกอบของแนวเพลงและทำนองเพลงอย่างเห็นได้ชัด อย่างไรก็ตามแม้ในนั้นเรายังมีศิลปินแห่งศตวรรษที่ 20 อยู่ตรงหน้าเรา ที่นี่ไม่เพียง แต่เนื้อเพลงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงแนวเพลงที่ได้รับการปรับแต่งได้รับคุณสมบัติของจิตวิทยาและถูกส่งผ่าน โลกภายในศิลปินและเริ่มทำหน้าที่เป็นช่องทางในการแสดงอารมณ์ทางจิตวิญญาณของเขา ลองใช้โหมโรงที่มีชื่อเสียงในแบบซิสไมเนอร์: บางครั้งจุดเริ่มต้น "สัญญาณเตือน" อาจถูกตีความว่าเป็นเสียงระฆัง แม้ว่าเราจะเห็นด้วยกับเรื่องนี้ แต่เสียงระฆังที่นี่ก็พิเศษ มันไม่เกี่ยวอะไรกับเสียงคล้ายระฆังของ Mussorgsky (หรือโดยเฉพาะ Glinka) เป็นการประกาศละครแนวจิตวิทยาซึ่งได้รับการยืนยันจากเนื้อเพลงที่ปั่นป่วนของ Agitato ซึ่งเผยให้เห็นความหมายที่แท้จริง (ส่วนตัว) เสียง "พัด" ของอ็อกเทฟลึกของจุดเริ่มต้นของเพลงโหมโรงนั้นฟังดูเหมือน "ระฆังปลุก" จริงๆ แต่ไม่เหมือนเสียงระฆังปลุกเลย แต่มีลักษณะคล้ายระฆัง บริบททั่วไปงานนี้มีลักษณะเป็นสัญลักษณ์บางอย่างของอารมณ์ทางจิตที่ "ตื่นตระหนก" ที่มีความสุข

ไม่ควรปฏิเสธการมีอยู่ของสัญลักษณ์ในดนตรีของ Rachmaninov บ่อยครั้งที่องค์ประกอบหนึ่งหรืออย่างอื่นมีบทบาทเป็น "สัญลักษณ์" ทั่วไปบางประเภทที่นำไปสู่ระดับของสัญลักษณ์ หมวดหมู่ทั่วไปประเภทหนึ่ง ได้แก่ ระฆัง ซึ่งแสดงออกมาแตกต่างกันออกไปในประเภทต่างๆ ใน “The Bells” มันเป็นสัญลักษณ์ของจิตวิญญาณ ที่เกี่ยวข้องกับแรงจูงใจทางศาสนาที่คาดการณ์ไว้ในขอบเขตทางจริยธรรม ในบทนำที่ยกมา มันเป็นสัญลักษณ์ของอารมณ์ทางจิตวิญญาณ ในส่วนที่สามของชุดแรกสำหรับเปียโนสองตัว (พร้อมข้อความบรรยายจาก บทกวีของ Tyutchev เรื่อง "Human Tears, O Human Tears") เสียงเบสที่ฟังดูทื่อในส่วนเปียโนที่สองมีความเกี่ยวข้องอย่างชัดเจนกับเสียงระฆังในงานศพ ระฆังที่เป็นระฆังปลุกที่น่ากลัวและเป็นสัญลักษณ์บังสุกุลเป็นหนึ่งในเพลงประกอบที่โดดเด่นในบทนำของทุกยุคสมัย โดยแทรกซึมเข้าไปในประเภทของภาพร่างและภาพวาด

ธีมฤดูใบไม้ผลิของ Rachmaninov มีความหมายเชิงสัญลักษณ์ ภาพในผลงานของผู้แต่งนี้ปกปิดความซับซ้อนของการเชื่อมโยงหลายแง่มุมซึ่งมีการรวมภาพที่แท้จริงของการตื่นขึ้นของธรรมชาติไว้ในใจของผู้ฟังด้วยภาพของการต่ออายุในฤดูใบไม้ผลิในความหมายเชิงเปรียบเทียบและปรัชญาที่กว้างที่สุด เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับสัญลักษณ์อื่น ๆ ในดนตรีของ Rachmaninov ได้เช่นการต่อสู้และการเอาชนะ (“ พายุฝนฟ้าคะนอง” โหมโรงใน C minor และ es minor จาก op. 23) ใบหน้าแห่งความตายที่น่าสลดใจ (ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ Prelude ใน d minor จาก op .23 ทำให้เกิดการเชื่อมโยงของ Keldysh กับ "การเต้นรำแห่งความตาย") ฯลฯ การก่อตัวของจิตสำนึกด้านสุนทรียศาสตร์ของนักแต่งเพลงเกิดขึ้นในยุคของการเริ่มต้นที่ออกดอกของสัญลักษณ์และแม้ว่าเขาจะยังคงเป็นมนุษย์ต่างดาวกับสุนทรียศาสตร์ของทิศทางนี้ หลักการในลักษณะทั่วไปทางศิลปะ สัญลักษณ์ของเขาโดดเด่นด้วยความเป็นจริงทางสายตาของการแสดงออกทางเสียง พวกเขาเป็นเหมือนสัญลักษณ์ (เพื่อใช้คำศัพท์สมัยใหม่) ที่เป็นพยานถึงบางสิ่งที่เป็นรูปธรรมจริงๆ - "โสด" แต่ทำให้เกิดความสัมพันธ์อันยาวนาน Keldysh ถูกต้องอย่างแน่นอนเมื่อเขาเขียนว่าพื้นฐานของโหมโรงของ Rachmaninov“ เกือบจะอยู่ในช่วงเวลาเดียวเสมอโดยจะมีการเปิดเผยสภาพจิตใจทีละน้อย” อย่างไรก็ตาม "หนึ่ง" นี้มักจะถูกมองว่ามีหลายแง่มุมซึ่งเป็นลักษณะทั่วไปของ "หลายรายการ" ในตัวมันเองดังที่บอกเขาถึงลักษณะของสัญลักษณ์ ยิ่งไปกว่านั้น สัญลักษณ์ของ Rachmaninov สะท้อนให้เห็นถึงแรงบันดาลใจที่ "กระตือรือร้น" ที่สุดของปัญญาชนชาวรัสเซียในยุคนั้น - งานของเขาบุกเข้ามาในชีวิตอย่างแข็งขัน

เนื้อหาของบทละครของรัคมานินอฟถูกทำให้เป็นรูปธรรมผ่านความโรแมนติก ในช่วงแรกเหล่านี้เป็นแนวเพลงรัสเซียแบบดั้งเดิมที่ไพเราะโคลงสั้น ๆ ในจิตวิญญาณของความโรแมนติกของไชคอฟสกี ละครหลายเรื่องเรียกว่าเมโลดี้ ซึ่งโดยพื้นฐานแล้วหมายถึงความโรแมนติกแบบเดียวกัน นอกจากนี้ยังมีแนวเพลงที่มากับดนตรีรัสเซียจากศิลปะโรแมนติกของยุโรปตะวันตก - น็อคเทิร์น, บาร์คาโรล, เซเรเนดและอื่น ๆ แนวเพลงทั้งหมดนี้แสดงอยู่ใน Fantasy Pieces, op. ฉบับที่ 3 (พ.ศ. 2435) และ Salon Pieces, op. 10 พ.ศ. 2437) ในชุดแรกสำหรับเปียโนสองตัว op. ฉบับที่ 5 (พ.ศ. 2436) Rachmaninov ยังใช้ epigraphs (จากบทกวีของ Lermontov, Byron, Tyutchev) ในช่วงวัยผู้ใหญ่เขาปฏิเสธคำจำกัดความทางวาจาดังกล่าว - Preludes, op. 23 ไม่มีเนื่องจากลักษณะทั่วไปของภาพ อย่างไรก็ตาม การพึ่งพาภายในต่อประเภทนี้ยังคงอยู่: โหมโรงใน fis-moll จริงๆ แล้วเป็นเพลงที่สง่างาม ส่วนโหมโรงใน g-moll คือการเดินขบวน (ซึ่งระบุไว้ในการกำหนดจังหวะ Alia Marcia); โหมโรงใน d minor มีคำพูด "tempo di menuetto" ซึ่งดึงดูดความสนใจเนื่องจากการอุทธรณ์ แนวเพลงโบราณไม่ค่อยพบในผลงานของรัชมานินอฟ ความเฉพาะเจาะจงของมินูเอตสามารถได้ยินได้ชัดเจนในจังหวะของพรีลูดถึงแม้ว่ามันจะไม่ได้สร้างการเต้นรำที่กล้าหาญ แต่เป็นขบวนแห่ที่กล้าหาญซึ่งเป็นภาพลักษณ์ที่ทันสมัยและไม่ได้มีความเก่าแก่และมีสไตล์เลย

ในแต่ละยุคสมัยใหม่ การแสดงออกของบทนำจะซับซ้อนมากขึ้น ดราม่าขึ้น และในขณะเดียวกันก็มีความกล้าหาญและเอาแต่ใจอย่างเข้มแข็ง ในโหมโรง op 32, ส่วนใหญ่พวกเขามีน้ำเสียงที่ตื่นเต้นเร้าใจหรือโศกเศร้า และด้วยวิธีนี้ พวกเขาจึงเข้าร่วมแนวใหม่ของความคิดสร้างสรรค์ - ภาพร่าง-ภาพวาด เราจะอธิบายชื่อของประเภทได้อย่างไรเนื่องจากเนื้อหาของภาพร่างมีภาพที่งดงามน้อยที่สุดในแง่ของการนำเสนอ? ดูเหมือนว่าชื่อนี้ได้รับการแนะนำจากความสว่างของภาพนั่นเอง ยิ่งกว่านั้นภาพร่างแต่ละภาพไม่ใช่ภาพวาด แต่เป็นละครแอ็คชั่นซึ่งเกือบจะกลายเป็นละครและในขณะเดียวกันก็รักษาตัวละครที่เป็นรูปเป็นร่างทั่วไป: โศกนาฏกรรมละครมหากาพย์ ฯลฯ

ในการวาดภาพ etudes สไตล์การเขียนนั้นเปลี่ยนแปลงไปบ้าง: ธีมเพลงเปิดทำให้เกิดการบีบอัดสูตรหรือการเคลื่อนไหวด้วยเสียงที่เข้มข้น ดังนั้นบทบาทของปัจจัยฮาร์มอนิกและเสียงต่ำจึงเพิ่มขึ้น เปียโนที่อยู่ในนั้นฟังดูเป็นวงดนตรีออเคสตรา และความหนาแน่นและความหนาแน่นของพื้นผิวทำให้ดนตรีมีความสำคัญเป็นพิเศษ

สืบสานประเพณีของ P.I. ไชคอฟสกีในวงจรโซนาต้า-ซิมโฟนิก, S.V. Rachmaninov ถ่ายทอดความหมายของพวกเขาไปยังแชมเบอร์มิวสิคซึ่งเกี่ยวข้องกับการพูดคุยเกี่ยวกับวงจรโซนาต้า-แชมเบอร์อย่างถูกกฎหมาย มันอยู่ในงานของไชคอฟสกีที่กระบวนการสร้างวงจรใหม่เกิดขึ้นรวมถึงหลักการของรูปแบบโซนาต้าของคลาสสิกร่วมกับวิธีการที่เรียกว่าการงอกของน้ำเสียง Rachmaninov สรุปและพัฒนาเทคนิคต่างๆ ในการบรรลุความสมบูรณ์ของวงจรโซนาต้า-ห้อง

ความสม่ำเสมอของโครงสร้างของวงจรห้องและเครื่องดนตรีของ Rachmaninov สามารถนำเสนอได้ดังนี้ ส่วนที่ 1 - รูปแบบโซนาต้า; ส่วน II, III - รูปแบบสามส่วน; ส่วนที่ 4 เป็นรูปแบบโซนาต้า รูปแบบโซนาตาของการเคลื่อนไหวแบบ IV อาจมีความซับซ้อนโดยลักษณะของรอนโด รูปแบบต่างๆ และตอนแห่งความทรงจำ ความสามัคคีของทั้งหมดได้รับการรับรองโดยชุดวิธีการดังต่อไปนี้:

น้ำเสียงและการเชื่อมโยงเฉพาะเรื่องระหว่างส่วนต่างๆ

ธีมทั่วไปของส่วนหลักและด้านข้างของส่วนที่ 1 และตอนจบ

โดยใช้โครงสร้างเดียวกัน

ความสามัคคีพื้นผิวของแต่ละส่วน

การปรากฏตัวของตอนจบที่สำคัญในคีย์หลักหรือบาร์นี้

การพัฒนาโทนเสียงตั้งแต่ต้นจนจบ โหมดฮาร์โมนิกที่คาดหวัง

หลักการทางศิลปะของการเคลื่อนไหว "จากความมืดสู่แสงสว่าง" ซึ่งเป็นลักษณะของวงจรโซนาต้า - ห้องทั้งหมดของ Rachmaninov ทำให้พวกเขาใกล้ชิดกับสุนทรียศาสตร์ของศิลปะคลาสสิกมากขึ้นโดยเฉพาะอย่างยิ่งในทรงกลมโทน - ฮาร์โมนิกซึ่งเป็นจุดจบสำคัญของงานวงจร

ความสามัคคีเฉพาะเรื่องเป็นหนึ่งในปัจจัยที่สำคัญที่สุดในความสมบูรณ์ของวงจรโซนาต้า-ห้องของ Rachmaninov “แสดงออกโดยการเชื่อมโยงแต่ละส่วนเข้าด้วยกันผ่านการวาดภาพธีม-ภาพที่เหมือนกันซ้ำๆ” (2, หน้า 158) I. Bobykina บันทึกหลักการหลายประการของความสามัคคีเฉพาะเรื่องในงานไพเราะของ Rachmaninoff:

• 1. ความซับซ้อนแบบ leitthematic ซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของน้ำเสียงของธีมชั้นนำ
• 2. การรวมใจความเข้ากับน้ำเสียงที่เกี่ยวข้องซึ่งเติบโตจากธีมเพลง
• 3. การนำองค์ประกอบเฉพาะเรื่องไปใช้ซ้ำๆ นอกเหนือจากธีม

ในโครงสร้างของวงจรโซนาต้า ลำดับของชิ้นส่วนก็มีความสำคัญเช่นกัน ซึ่งส่วนใหญ่จะกำหนดเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างและอารมณ์ของงานทั้งหมด ดังนั้นการสืบทอดของ scherzo (ส่วน II) และการเคลื่อนไหวช้า (III) เปิดโอกาสให้ในด้านหนึ่งเพื่อเน้นส่วนที่เป็นโคลงสั้น ๆ ของวงจรโดยย้ายไปยังจุดของ "ส่วนสีทอง" และต่อไป ในทางกลับกันเพื่อเพิ่มความคมชัดในตอนท้ายของงาน

ซินธิไซเซอร์ดิจิตอล Casio SA-46 แม้จะมีขนาดที่เล็กและมีเพียง 32 คีย์เท่านั้นที่ไม่ได้เป็นเพียงของเล่น แต่เป็นเครื่องดนตรีที่ครบครันสำหรับผู้เริ่มต้น ประการแรก มันมีโพลีโฟนี 8 โน้ตที่หนักแน่นและเสียงที่ยอดเยี่ยมจากโทนเสียงในเครื่องทั้งหมด 100 โทนและ 50 สไตล์ และประการที่สอง คีย์บอร์ดขนาดเล็กของรุ่นนี้เหมาะสำหรับนิ้วของเด็กๆ

4690 ถู

สมุดโน้ตเพลง 16 แผ่น RHYTHM OF JAZZ /A4 (205*280 มม.) บล็อกสีเดียว ออฟเซ็ต 65 กรัม ครบสี ปกกระดาษออฟเซต 120 แกรม ยึด-ฉากยึดด้านยาว /

27 ถู

ซินธิไซเซอร์ดิจิตอล Casio SA-47 แม้จะมีขนาดที่เล็กและมีเพียง 32 คีย์เท่านั้นที่ไม่ได้เป็นเพียงของเล่น แต่เป็นเครื่องดนตรีที่ครบครันสำหรับผู้เริ่มต้น ประการแรก มันมีโพลีโฟนี 8 โน้ตที่หนักแน่นและเสียงที่ยอดเยี่ยมจากโทนเสียงในเครื่องทั้งหมด 100 โทนและ 50 สไตล์ และประการที่สอง คีย์บอร์ดขนาดเล็กของรุ่นนี้เหมาะสำหรับนิ้วของเด็กๆ

เสียงที่คุณชื่นชอบเพียงสัมผัสเดียว: ปุ่มสลับเปียโน/ออร์แกนช่วยให้คุณเลือกเสียงได้อย่างรวดเร็ว หากต้องการเปลี่ยนเพียงกดปุ่ม

บทเพลงที่ครอบคลุมถึง 100 เสียงให้คุณภาพที่ยอดเยี่ยม

ท่วงทำนองสำหรับทุกรสนิยม: ท่วงทำนอง 100 เพลงให้เรียนรู้ เปิดโอกาสให้คุณได้ฝึกฝนสไตล์ที่แตกต่าง

ชัดเจนและสะดวก: จอแสดงผล LCD ช่วยให้เข้าถึงฟังก์ชันทั้งหมดของเครื่องมือได้อย่างรวดเร็ว

เลือกจังหวะที่เหมาะสม Drum Pads เป็นการแนะนำที่ยอดเยี่ยมสู่โลกแห่งกลองดิจิทัล ปุ่มห้าปุ่มสำหรับกลองหรือเพอร์คัชชันแต่ละตัวช่วยให้เล่นจังหวะได้ง่ายและช่วยให้คุณสามารถโซโลได้ด้วยสัมผัสเดียว

ความสามารถในการปิดทำนองเป็นวิธีที่มีประสิทธิภาพในการควบคุมมือขวา มี 10 บทเพลงที่นำเสนอเพื่อการเรียนรู้

4690 ถู

ซินธิไซเซอร์ดิจิตอล 44 คีย์ Casio SA-76 มอบประสบการณ์ทางดนตรีที่ไม่เหมือนใครสำหรับผู้เริ่มต้น 100 โทนเสียง 50 สไตล์ องค์ประกอบในตัวสำหรับการฝึก ตัวประมวลผลเสียงล่าสุดพร้อมโพลีโฟนี 8 โน้ตที่จริงจังสำหรับซินธิไซเซอร์ดังกล่าว รวมถึงจอ LCD ที่ช่วยให้คุณเข้าใจข้อความ 2 บรรทัดตั้งแต่ขั้นตอนแรกสุด โน้ตดนตรี- ทั้งหมดนี้ทำให้เครื่องดนตรีเป็นผู้ช่วยที่ยอดเยี่ยมสำหรับนักดนตรีมือใหม่

เสียงที่คุณชื่นชอบเพียงสัมผัสเดียว: ปุ่มสลับเปียโน/ออร์แกนช่วยให้คุณเลือกเสียงได้อย่างรวดเร็ว หากต้องการเปลี่ยนเพียงกดปุ่ม

บทเพลงที่ครอบคลุมถึง 100 เสียงให้คุณภาพที่ยอดเยี่ยม

ท่วงทำนองสำหรับทุกรสนิยม: ท่วงทำนอง 100 เพลงให้เรียนรู้ เปิดโอกาสให้คุณได้ฝึกฝนสไตล์ที่แตกต่าง

ชัดเจนและสะดวก: จอแสดงผล LCD ช่วยให้เข้าถึงฟังก์ชันทั้งหมดของเครื่องมือได้อย่างรวดเร็ว

เลือกจังหวะที่เหมาะสม Drum Pads เป็นการแนะนำที่ยอดเยี่ยมสู่โลกแห่งกลองดิจิทัล ปุ่มห้าปุ่มสำหรับกลองหรือเพอร์คัชชันแต่ละตัวช่วยให้เล่นจังหวะได้ง่ายและช่วยให้คุณสามารถโซโลได้ด้วยสัมผัสเดียว

ความสามารถในการปิดทำนองเป็นวิธีที่มีประสิทธิภาพในการควบคุมมือขวา มี 10 บทเพลงที่นำเสนอเพื่อการเรียนรู้

ลำโพง: 2 x 0.8 วัตต์

ไม่รวมอะแดปเตอร์ไฟ

5890 ถู

ชุด Ernie Ball Hybrid Slinky เป็นการผสมผสานที่ลงตัวระหว่างสาย Super Slinky และ Regular Slinky สายเหล่านี้ใช้กับกีตาร์ไฟฟ้า-อะคูสติกได้ด้วย สาย Ernie Ball ผลิตขึ้นด้วยมาตรฐานคุณภาพสูงสุดและกระบวนการผลิตเพื่อให้มั่นใจว่าสายมีความแข็งแรงทนทาน เชื่อถือได้ และทนทาน

Ernie Ball Hybrid Slinky เป็นแกนเหล็กหกเหลี่ยมพร้อมขดลวดเหล็กชุบนิกเกิล สายทำจากเหล็กกล้าคาร์บอนสูงชุบแข็งพิเศษ ซึ่งให้การผลิตเสียงที่สมดุลและดึงความสามารถเต็มรูปแบบของเครื่องดนตรีของคุณออกมา

แกน: เหล็ก

499 ถู

ซีรีส์ Ernie Ball Reinforced Plain (RPS) เป็นรุ่นเสริมของสายมาตรฐาน Slinky สามสายแรกมีขดลวดทองแดงพิเศษที่ยึดการบิดของลูกบอล - ซึ่งจะช่วยป้องกันไม่ให้คลี่คลายซึ่งน่าเสียดายที่เกิดขึ้นค่อนข้างบ่อย สายสามสายสุดท้ายมีคุณสมบัติคล้ายคลึงกับสายจากซีรีส์ Nickel Wound สาย Hybrid Slinky RPS Nickel Wound ผลิตจากวัสดุที่ได้รับการพัฒนาเป็นพิเศษ ทำให้มีความแข็งแรงและทนทานต่อการแตกหัก ซึ่งรับประกันความทนทาน และทั้งหมดนี้โดยไม่สูญเสียเสียงที่สดใสและหนักแน่นอันเป็นเอกลักษณ์ของสาย Ernie Ball ซึ่งช่วยให้นักดนตรีทั่วโลกสร้างพื้นที่สร้างสรรค์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตนเอง

เครื่องวัดสาย: 9-11-16-26-36-46
ขดลวด: เหล็กชุบนิกเกิล
แกน: เหล็ก

602 ถู

Native Instruments Komplete Audio 6 มีทุกสิ่งที่คุณต้องการในการบันทึก เล่น และแสดงเพลง กล่องโลหะที่ค่อนข้างเล็กและทนทานมีอินพุต/เอาต์พุตอะนาล็อกสี่ช่องและอินพุต/เอาต์พุตดิจิทัลหนึ่งช่อง อินพุตไมโครโฟนสองตัว

วงดนตรีบรรเลงในห้องครอบครองสถานที่ในงานของ Taneyev ที่ไม่เคยเป็นของความคิดสร้างสรรค์ในดนตรีรัสเซียมาก่อน: "โลกแห่งนักแต่งเพลง" เป็นตัวเป็นตนในโอเปร่าหรือซิมโฟนีของพวกเขาในระดับที่สูงกว่ามาก รอบแชมเบอร์ของ Taneyev ไม่เพียง แต่เป็นของความสำเร็จสูงสุดในงานของเขาเท่านั้น แต่ยังอยู่ในจุดสูงสุดของแชมเบอร์มิวสิคก่อนการปฏิวัติของรัสเซียโดยรวมอีกด้วย

เป็นที่ทราบกันดีว่าในศตวรรษที่ 20 มีความสนใจในดนตรีแชมเบอร์และวงดนตรีในวัฒนธรรมประจำชาติต่างๆ เพิ่มขึ้น ในรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงใกล้สิ้นสุด ปรากฏการณ์นี้มีรากฐานมาจากมัน จิตวิทยามีความสำคัญและมีลักษณะเฉพาะของศิลปะรัสเซียในยุคนั้น เจาะลึกเข้าไปในโลกมนุษย์การแสดงการเคลื่อนไหวที่ละเอียดอ่อนที่สุดของจิตวิญญาณมีอยู่ในวรรณกรรมในยุคนั้น - L. Tolstoy, Dostoevsky, Chekhov ในเวลาต่อมา - และการวาดภาพบุคคล, โอเปร่าและเนื้อเพลงที่ร้อง มันเป็นจิตวิทยารวมกับทัศนคติต่อธรรมชาติของดนตรีบรรเลงที่ไม่ใช่โปรแกรมที่ Taneyev รวบรวมไว้ในงานวงดนตรีในห้องของเขา สำคัญก็มีแนวโน้มแบบคลาสสิกเช่นกัน

ดนตรีแชมเบอร์ออลแชมเบิลเผยให้เห็นวิวัฒนาการของความคิดสร้างสรรค์ของ Taneyev อย่างเต็มที่ สม่ำเสมอมากขึ้น และสดใสกว่าแนวอื่นๆ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่รูปแบบการเรียบเรียงเฉพาะบุคคลที่ชัดเจนที่สุดของ Taneyev ซึ่งเป็นนักเรียนที่เรือนกระจกได้แสดงออกมาในวงเครื่องสายใน D minor (ยังไม่เสร็จสมบูรณ์) ในแง่ของทั้งใจความและวิธีการพัฒนา แก่นของส่วนหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกคือความโศกเศร้า วินาทีที่ตกต่ำซึ่งเกิดขึ้นบ่อยครั้งในไชคอฟสกี ฟังดูไม่ไพเราะและเปิดเผยอารมณ์ แต่มีความยับยั้งชั่งใจและเข้มงวดมากกว่า ธีมที่ประกอบด้วยสี่เสียงไม่ใช่เพลงร้อง แต่เป็นสไตล์ของ Taneev ที่กระชับและเป็นนามธรรม จุดเริ่มต้นที่สองของแรงจูงใจนั้นรุนแรงขึ้นทันทีด้วยจุดที่สี่ที่ลดลง เมื่อรวมกับเสียงอื่น ๆ ช่วงเวลาที่ไม่แน่นอนก็เกิดขึ้น การนำเสนอส่วนหลักในรูปแบบโพลีโฟนิกนั้นน่าสนใจและเปิดเผยอย่างยิ่ง: การเลียนแบบปรากฏขึ้นแล้วในแถบที่สอง

ในการนำเสนอครั้งที่สอง (บาร์ 9–58) ลักษณะการเลียนแบบของการนำเสนอจะถูกเน้นด้วยสเตรตต้า ในส่วนที่สามของการพัฒนา - fugato ที่มีข้อความทั้งหมดสี่ตอน (จากเล่ม 108) - มีเหตุการณ์สำคัญเกิดขึ้น: ธีม fugato สังเคราะห์ทั้งสองธีมของนิทรรศการ

วงดนตรีของหอการค้าเกิดขึ้นหลักในช่วงหลายปีที่ต่อเนื่องมาจากสมัยนักศึกษาและก่อนการก่อตั้ง "จอห์นแห่งดามัสกัส" (พ.ศ. 2427) เมื่อมองแวบแรกงานที่ Taneyev กำหนดไว้สำหรับตัวเองในขั้นตอนนี้ดูขัดแย้งและไม่เหมาะสม (แม้แต่ในสายตาของ Tchaikovsky: เทคนิคโพลีโฟนิก "Russian polyphony") แต่ความละเอียดของพวกเขาได้ส่งเสริมผู้แต่งอย่างแม่นยำในทิศทางที่เมื่อเวลาผ่านไปปรากฏ ที่จะไม่เพียง แต่เป็นสายงานทั่วไปของเขาเท่านั้น แต่ยังเป็นแนวโน้มสำคัญในการพัฒนาดนตรีรัสเซียในศตวรรษที่ 20 หนึ่งในภารกิจเหล่านี้คือความเชี่ยวชาญในการเขียนแชมเบอร์ และในขั้นต้นมันขึ้นอยู่กับความเชี่ยวชาญ - ในทางปฏิบัติ ผู้แต่ง และการกำหนดอย่างมีสติ - ของระบบน้ำเสียงและโครงสร้างการเรียบเรียงของแชมเบอร์มิวสิคของคลาสสิกเวียนนา “ต้นแบบและหัวข้อของการเลียนแบบคือ Mozart” นักดนตรีหนุ่มเขียนถึง Tchaikovsky เกี่ยวกับ Quartet ใน C major

สำหรับ Taneev ชั้นของเวียนนาคลาสสิกไม่ได้หมดลงด้วยต้นแบบเฉพาะเรื่องและหลักการทำงานที่ย้อนกลับไปถึงดนตรีของ Mozart ความสำคัญไม่น้อยไปกว่าการปฐมนิเทศต่อดนตรีแชมเบอร์และบางส่วนไพเราะและ รอบเปียโนเบโธเฟน. บทบาทที่สำคัญมากของการเลียนแบบพฤกษ์มีความสัมพันธ์กับประเพณีของเบโธเฟน จุดเริ่มต้นของสี่ใน E-flat major พูดถึง "การติดตั้งโพลีโฟนิก" ของ Taneev; ประโยคที่สอง (เล่มที่ 13 et seq.) เป็นหลักการสี่เสียง เทคนิคตรงกันข้ามพบได้ทั้งในส่วนเชิงอธิบายและเชิงพัฒนาการ รูปแบบความทรงจำรูปแบบแรกปรากฏขึ้น โดยเข้าสู่โครงสร้างที่ใหญ่ขึ้น - ในส่วนสุดขั้วของทั้งสามใน D Major ในตอนจบของสี่ใน C Major ที่นี่ เร็วกว่าซิมโฟนีสามรายการแรก (ในปีเดียวกัน) การกำหนดจังหวะ Adagio จะปรากฏขึ้น และถึงแม้ว่าการเคลื่อนไหวช้าๆ เหล่านี้จะไม่มีเนื้อหาที่ลึกซึ้งเหมือน Adagios รุ่นหลังของ Taneev แต่สิ่งเหล่านี้อาจเป็นส่วนที่ดีที่สุดของวงจร

Taneyev เองก็ประเมินงานห้องแรกของเขาอย่างเคร่งครัด (ดู รายการไดอารี่ลงวันที่ 23 มีนาคม พ.ศ. 2450) บทวิจารณ์บางส่วนเกี่ยวกับการแสดงเพียงรายการเดียวของควอร์เตตใน E-flat major และ C major นั้นเป็นไปในเชิงลบอย่างมาก วงดนตรีในยุค 70–80 ได้รับการตีพิมพ์สามในสี่ของศตวรรษช้ากว่าการปรากฏตัวของพวกเขาผ่านผลงานของ G. V. Kirkor, I. N. Jordan, B. V. Dobrokhotov

วงจรแชมเบอร์-เครื่องดนตรีต่อมาได้รับการตีพิมพ์ในช่วงชีวิตของนักแต่งเพลง และถือได้ว่าเป็นตัวอย่างของสไตล์ที่เป็นผู้ใหญ่ของเขา มีการกำหนดช่วงเวลาภายในที่มีรายละเอียดมากขึ้น: ควอร์เตตใน D minor (1886; แก้ไขและเผยแพร่ในปี 1896 เป็นหมายเลข 3, op. 7) และ B-flat minor (1890, No. 1, op. 4) เขียนก่อน Oresteia พร้อมทำนองที่ไพเราะยิ่งขึ้น เปิดด้วยสี่ใน C major op 5 (พ.ศ. 2438) วงดนตรีเครื่องสายที่สำคัญที่สุดจำนวนหนึ่งโดยที่วงดนตรีสองวงครอบครองสถานที่พิเศษ - สหกรณ์ 14 (พร้อมเชลโลสองตัว, 1901) และ op. 16 (พร้อมวิโอลาสองตัว, 1904); ในที่สุด ตามวงดนตรีใน B-flat major (ออพ. 19, พ.ศ. 2448) โดยมีส่วนร่วมของเปียโน: quartet ใน E major op. 20 (1906) สามคนใน D major op 22 (1908) และ Quintet ใน G minor op. 30 (พ.ศ. 2454) แต่การจัดกลุ่มนี้ส่วนใหญ่เป็นไปโดยพลการ วงดนตรีของ Taneev แต่ละวงเป็นอาคารที่สร้างขึ้นตาม "โครงการส่วนบุคคล" พวกเขาแสดงอารมณ์ที่แตกต่างกัน แต่ละคนมีงานพิเศษของตัวเองและเป้าหมายพิเศษของตัวเอง

แอล. โคราเบลนิโควา

วงดนตรีแชมเบอร์:

โซนาต้าสำหรับไวโอลินและเปียโนผู้เยาว์ (no op., 1911)

ทรีโอ
สำหรับไวโอลิน วิโอลา และเชลโล ดีเมเจอร์ ไม่มี op., 1880,
และ h-moll ไม่มี op., 1913
สำหรับไวโอลินและวิโอลา 2 ตัว D Major สหกรณ์ 21 พ.ย. 2450
เปียโน, ดีเมเจอร์, สหกรณ์ 22/1908
สำหรับไวโอลิน วิโอลา และเทเนอร์วิโอลา Es major, op. 31 พ.ย. 2454

วงเครื่องสาย
Es major, no op., 1880
ซีเมเจอร์ ไม่มีปฏิบัติการ พ.ศ. 2426
พันเอก ไม่มีปฏิบัติการ พ.ศ. 2426
d-moll ไม่มี op. พ.ศ. 2429 ในฉบับที่ 2 - 3 op 7 ก.ค. 1896
ที่ 1 b ผู้เยาว์ op 4 พ.ย. 2433
ที่ 2 C เมเจอร์ ปฏิบัติการ 5 พ.ย. 2438
ที่ 4 ผู้เยาว์ สหกรณ์ 11 ต.ค. 1899
ที่ 5 วิชาเอก op. 13 พ.ย. 2446
ที่ 6 B เมเจอร์ ปฏิบัติการ 19 พ.ย. 2448
จีเมเจอร์ ไม่มีสหกรณ์ 2448

วงเปียโนใน E Major (บทที่ 20, 1906)

กลุ่ม
สายที่ 1 - สำหรับไวโอลิน 2 ตัว, วิโอลาและเชลโล 2 ตัว, G major, op. 14.1901
สายที่ 2 - สำหรับไวโอลิน 2 ตัว วิโอลา 2 ตัว และเชลโล C Major สหกรณ์ 16 พ.ย. 2447
เปียโน, จี-โมลล์, สหกรณ์ 30 ก.ค. 1911

Andante สำหรับ 2 ฟลุต, โอโบ 2 อัน, คลาริเน็ต 2 อัน, บาสซูน 2 อัน และเขา 2 เขา (ไม่ปฏิบัติ, 1883)