ข่าวประชาสัมพันธ์

เทศกาลฤดูหนาว V Far Eastern อุทิศให้กับ

วันครบรอบ 55 ปีของสถาบันศิลปะแห่งรัฐฟาร์อีสเทิร์น

ในปี 2560 สถาบัน Far Eastern State ฉลองครบรอบ 55 ปี

มหาวิทยาลัยแห่งแรกในรัสเซียที่รวมศิลปะสามประเภทเข้าด้วยกัน ได้แก่ ดนตรี การละคร การวาดภาพ ก่อตั้งขึ้นในชื่อ Far Eastern Pedagogical Institute of Arts ในปีที่ครบรอบ 30 ปี (พ.ศ. 2535) ได้เปลี่ยนชื่อเป็นสถาบันศิลปะแห่งรัฐฟาร์อีสเทิร์น ในปี พ.ศ. 2543 สถาบันได้กลายเป็นสถานศึกษา และในปี พ.ศ. 2558 ได้เปลี่ยนชื่อเป็นสถาบันศิลปะแห่งรัฐฟาร์อีสเทิร์นอีกครั้ง

ในการฝึกอบรมร่วมกันของนักดนตรี ศิลปิน ศิลปินละคร และผู้กำกับ ควรหาจุดติดต่อหลายจุด: สาขาวิชาทั่วไปหรือสาขาที่เกี่ยวข้อง โอกาสที่เปิดกว้างในสาขาศิลปะสังเคราะห์ ตัวอย่างเช่น โอเปร่า ซึ่งดนตรี จิตรกรรม และโรงละครรวมกันเป็นการสื่อสารที่สร้างสรรค์และสมบูรณ์ยิ่งขึ้น

กระทรวงวัฒนธรรมเอาจริงกับการสร้างมหาวิทยาลัยแห่งใหม่ มีการออกคำสั่งที่สอดคล้องกัน: ในการมอบหมายให้อุปถัมภ์คณะดนตรี - เรือนกระจกแห่งรัฐมอสโก ไชคอฟสกี; เหนือคณะละคร - ถึงสถาบันศิลปะการละครแห่งรัฐ ลูนาชาร์สกี้ ; มากกว่าคณะศิลปะ - สถาบันจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรม เรพิน นอกจากนี้ สถาบันการศึกษาเหล่านี้ได้รับคำสั่งให้บริจาคจากเงินกองทุนของพวกเขา ขาตั้ง หนังสือเกี่ยวกับศิลปะ งานวิชาการ หัวหล่อโบราณสำหรับวาดรูป เครื่องดนตรี กระดาษโน๊ต หนังสือสำหรับห้องสมุด สถาบันการศึกษาระดับมัธยมศึกษา - เพื่อให้มีจำนวนผู้สมัครเพียงพอสำหรับสถาบันศิลปะการสอน Far Eastern

การสร้างสถาบันศิลปะกลายเป็นเหตุการณ์ในชีวิตทางวัฒนธรรมของ Primorsky Krai และตะวันออกไกลทั้งหมด มีโอกาสฝึกอบรมบุคลากรที่มีคุณภาพสูงสำหรับโรงละคร วงออเคสตรา ครูในโรงเรียนและวิทยาลัย และศิลปิน

รากฐานสำหรับการศึกษาระดับอุดมศึกษาในสาขาศิลปะในตะวันออกไกลถูกวางโดยอาจารย์ที่ยอดเยี่ยม ผู้สำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยส่วนกลาง: Moscow Conservatory: V.A. กูเทอร์แมน ม.ร.ว. Dreyer, V.M. Kasatkin, E.A. Kalganov, A.V. Mitin; ผู้สำเร็จการศึกษาจาก Leningrad Conservatory: A.S. Vvedensky, E.G. อูรินสัน ; เรือนกระจก Ural - A.I. Zhilin, Odessa Conservatory - S.L. Yaroshevich, GITIS - O.I. Starostin และ B.G. Kulnev จบการศึกษาจากสถาบันศิลปะเลนินกราด Repin V.A. Goncharenko และคนอื่นๆ แผนกดนตรีเริ่มเรียนตามแผนปกติของโรงเรียนสอนดนตรี, แผนกศิลปะ - ตามแผนของสถาบัน Surikov การแสดงละคร - ตามแผนของโรงเรียน ชเชปกิน.

จากจุดเริ่มต้นจนถึงปัจจุบัน Far East State Institute of Arts เป็นศูนย์กลางของการศึกษาดนตรี การละคร และศิลปะระดับมืออาชีพในตะวันออกไกล สถาบันได้สร้างระบบการศึกษาศิลปะสามระดับ (โรงเรียนศิลปะสำหรับเด็ก - วิทยาลัย - มหาวิทยาลัยสร้างสรรค์):

ศูนย์ความงามสำหรับเด็ก "World of Art" โรงเรียนสอนศิลปะสำหรับเด็ก

วิทยาลัยดุริยางคศิลป์;

มหาวิทยาลัย: ผู้เชี่ยวชาญ, ปริญญาตรี, ปริญญาโท, สูงกว่าปริญญาตรีและผู้ช่วยฝึกงาน; โปรแกรมเพิ่มเติมสำหรับการฝึกอบรมขั้นสูงและการฝึกขึ้นใหม่อย่างมืออาชีพ

สถาบันประกอบด้วยสามคณะ: ดนตรี (เรือนกระจก), การละครและศิลปะ, แผนกต่างประเทศได้ถูกสร้างขึ้น (ตั้งแต่ปี 1998)

Far Eastern State Institute of Arts เป็นสมาชิกของ Joint Dissertation Council D 999.025.04 ที่ Far Eastern Federal University (พิเศษ 17.00.02 - Musical Art (Art History) และ 24.00.01 - Theory and History of Culture (ประวัติศาสตร์ศิลปะ และวัฒนธรรมศึกษา).

กิจกรรมทางวิทยาศาสตร์และความคิดสร้างสรรค์ของสถาบันมีมากมายและหลากหลาย นี่เป็นเพียงไม่กี่โครงการที่สำคัญที่สุด:

"วัฒนธรรมตะวันออกไกลของรัสเซียและประเทศในภูมิภาคเอเชียแปซิฟิก: ตะวันออก - ตะวันตก" - การประชุมทางวิทยาศาสตร์ประจำปี

I และ II All-Russian Music Competition (เวทีระดับภูมิภาค)

การแข่งขันระดับนานาชาติของนักดนตรี - นักแสดงรุ่นเยาว์ "Musical Vladivostok"

"ศิลปะวลาดิวอสต็อก"—การประกวดนิทรรศการระดับนานาชาติของผลงานสร้างสรรค์ของนักเรียนและศิลปินรุ่นเยาว์ของตะวันออกไกล รัสเซีย และกลุ่มประเทศเอเปก

All-Russian Olympiad ในวิชาทฤษฎีดนตรี "ผลงานชิ้นเอกของวัฒนธรรมดนตรีโลก"สำหรับนักเรียนของสถาบันการศึกษามืออาชีพและโรงเรียนสอนศิลปะสำหรับเด็ก

โรงเรียนสร้างสรรค์ระดับภูมิภาค "โรงละครโต้คลื่น"

"การเปิดตัวของนักดนตรี - นักแสดงรุ่นเยาว์ผู้ได้รับรางวัลการแข่งขันระดับนานาชาติ - ผู้อยู่อาศัยในเมืองและเมืองต่างๆในตะวันออกไกล"

การพัฒนาวิชาชีพครูสถาบันการศึกษาของสาขาวัฒนธรรมและศิลปะวัฒนธรรมและโรงเรียนศึกษาทั่วไปของ "Academy of Arts"

I Far Eastern เทศกาลการแข่งขันดนตรีป๊อป

เทศกาลแห่งความคิดสร้างสรรค์ของเด็กระดับภูมิภาค

เทศกาลศิลปะฤดูหนาวฟาร์อีสเทิร์น

การแข่งขันศิลปะการแสดง Far Eastern "Golden Key" สำหรับครูโรงเรียนสอนดนตรีสำหรับเด็กและโรงเรียนสอนศิลปะสำหรับเด็กที่ตั้งชื่อตาม G.Ya.Nizovsky.

I เทศกาลศิลปะเด็กนานาชาติรัสเซีย-จีน "Eastern Kaleidoscope"

การแข่งขันผู้อ่าน Far East "ความรักของฉันคือรัสเซียของฉัน"

การแข่งขันระดับภูมิภาคของนักแสดงดนตรีร่วมสมัย.

การแข่งขันเพื่อผลงานที่ดีที่สุดของนักแต่งเพลงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20

"การอ่าน Tkachev" -การแข่งขันของผู้อ่าน ศิลปินประชาชนแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย L.A. Tkachev "ละครความหวัง"

"เพลินแอร์"

คลาสมาสเตอร์ระยะไกลโดยใช้ Disklavierวลาดิวอสต็อก - มอสโก

« จากประวัติโรงเรียนสร้างสรรค์แห่งสถาบันศิลปะ: ต้นกำเนิด ประเพณี ครูดีเด่น…”

ทีมสร้างสรรค์ปัจจุบัน:

วงดุริยางค์ซิมโฟนี -ผู้ได้รับรางวัล Grand Prix of the VII Far Eastern การแข่งขันดนตรีบรรเลง "เครื่องเมตรอนอม"

วงดุริยางค์ของเครื่องดนตรีพื้นบ้าน- ผู้ชนะรางวัลแรกของการแข่งขัน IV และ V International สำหรับนักดนตรี - นักแสดงรุ่นเยาว์ "Musical Vladivostok" 2548-2550 ผู้ชนะการแข่งขัน Grand Prix of the V All-Russian ตั้งชื่อตาม เอ็น.เอ็น. คาลินินา (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2552)

คณะนักร้องประสานเสียง -ผู้ได้รับรางวัลการแข่งขันระดับภูมิภาค "Singing Ocean" ผู้ชนะเลิศการแข่งขันระดับนานาชาติ VI "Musical Vladivostok"

วงดนตรีแชมเบอร์มิวสิค "Concertone" -ผู้ได้รับรางวัลจากการแข่งขันระดับนานาชาติ Shenderev (1997, รางวัล III), II International Competition in Beijing (1999, II Prize)

เครื่องดนตรีสามชิ้นของรัสเซีย "วลาดิวอสต็อก"ในองค์ประกอบเดียวกันตั้งแต่ก่อตั้งในปี 1990: ศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย Nikolai Lyakhov (บาลาไลก้า), Alexander Kapitan (ปุ่มหีบเพลง), Sergey Arbuz (บาลาไลก้าเบสคู่)

ผู้ได้รับรางวัล: การแข่งขันระดับนานาชาติที่ตั้งชื่อตาม G.Shendereva (รัสเซีย 2540 - ประกาศนียบัตรเงิน); การแข่งขันระดับนานาชาติครั้งที่ 17 "Grand Prix" (ฝรั่งเศส, Bischwiller, 1997 - Grand Prix และ Gold Medal); II การแข่งขันระหว่างประเทศของผู้เล่นหีบเพลงหีบเพลง (จีน, ปักกิ่ง, 1999 - รางวัลที่ 1); International Bayan Accordion Competition ครั้งที่ 38 (เยอรมนี, Klingenthal, 2001 - รางวัลที่ 3)

สตูดิโอโอเปร่า- ผู้ได้รับรางวัลที่ 1 ของการแข่งขันระดับนานาชาติ "Musical Vladivostok" (2014, 2016)

Trio "คาดหวัง" -ผู้ได้รับรางวัลการแข่งขันระดับนานาชาติสำหรับนักเล่นหีบเพลงปากในฮาร์บิน (PRC, 2014, 1 รางวัล), ใน Castelfidardo (อิตาลี), 2015, 1 รางวัล, "เหรียญทอง"

ควอเตต "คอลลาจ"ผู้ได้รับรางวัลการแข่งขันระดับนานาชาติสำหรับผู้เล่นบายัน-แอคคอร์เดียนในฮาร์บิน (PRC, 2016, 1 รางวัล)

สาม "โอเรียนท์"ผู้ได้รับรางวัลการแข่งขันระดับนานาชาติใน Lanciano (อิตาลี, 2014, 1 รางวัล)

ผู้สำเร็จการศึกษาที่มีส่วนสำคัญในการพัฒนาวัฒนธรรม

การศึกษาศิลปะและศิลปะ

Musicologists, Doctors of Art History: ศาสตราจารย์แห่ง Russian State Pedagogical University เฮอร์เซน่า อี.วี. Gertsman ศาสตราจารย์แห่ง St. Petersburg Conservatory ผู้มีเกียรติในงานศิลปะของ Karelia U Gen-Ir ศาสตราจารย์แห่ง Moscow State Conservatory พี.ไอ. ไชคอฟสกี อาร์.แอล. Pospelova ศาสตราจารย์แห่ง Russian Academy of Sciences Gnesinykh E.M. Alkon ศาสตราจารย์ภาควิชาวิจิตรศิลป์แห่ง School of Art of Culture and Sports แห่ง Far Eastern Federal University G.V. Alekseeva ศาสตราจารย์แห่งสถาบันวัฒนธรรมแห่งรัฐมอสโก N.I. Efimova ศาสตราจารย์การแสดง หัวหน้าภาควิชาปรัชญา ประวัติศาสตร์ ทฤษฎีวัฒนธรรมและศิลปะ สถาบันดนตรีแห่งรัฐมอสโก ก. Schnittke A.G. Alyabiev ศาสตราจารย์แห่ง Far East State Institute of Arts O.M. ชูชโควา, ยู.แอล. ฟิเดนโก.

นักดนตรีการแสดง: ศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสหพันธรัฐรัสเซียหัวหน้าวงดนตรี "Jang" N.I. Erdenko, ศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย, หัวหน้าภาควิชาการแสดงดนตรีออเคสตร้า, ศาสตราจารย์แห่ง Russian Academy of Music Gnesinykh B.S. Raven, ศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย, ศาสตราจารย์ F.G. Kalman ศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย ศาสตราจารย์ A.K. กัปตัน, ผู้ได้รับรางวัลจากการแข่งขันระดับนานาชาติ, ศิลปินผู้มีเกียรติของ RS (Y), ศาสตราจารย์ภาควิชาเครื่องสายออเคสตร้าของโรงเรียนดนตรีระดับสูงของ RS (Y) (สถาบัน) ได้รับการตั้งชื่อตาม เวอร์จิเนีย Bosikova O.G. โคเชลเลฟ

นักแสดง: ศิลปินประชาชนแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย A.Mikhailov, S. Stepanchenko, Yu. Kuznetsov, S. Strugachev, ผู้ได้รับรางวัลแห่งรัฐ V. Priemykhov, ศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย V. Tsyganova; ศิลปินประชาชนแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย นักแสดงของ Primorsky Regional Drama Theatre Gorky ศาสตราจารย์ภาควิชาทักษะของนักแสดง A.P. Slavsky, V.N. Sergiyakov, ศิลปินประชาชนแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย, ผู้ได้รับรางวัลรัฐบาลรัสเซียในสาขาวัฒนธรรม, ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของ Primorsky Regional Academic Theatre ได้รับการตั้งชื่อตาม M. Gorky E.S. Zvenyatsky ศิลปินผู้มีเกียรติ A.I. Zaporozhets, S. Salakhutdinova

ศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย S.A. Litvinov, S.M. Cherkasov, I.I. ดันเคย์

ขอเชิญทุกท่านชมคอนเสิร์ต

เทศกาลศิลปะฤดูหนาว V Far Eastern,

ข้อมูลเกี่ยวกับคอนเสิร์ต - บนเว็บไซต์ www.dv-art.ru

หน้าแรก > เอกสาร

มิทรี โบรอฟสกี พฤษภาคม 2541

ศิลปะ: ภาพรวมตะวันออกไกล

ภูมิภาคอันกว้างใหญ่ซึ่งเรียกตามธรรมเนียมว่าตะวันออกไกล ได้แก่ จีน ญี่ปุ่น เกาหลี มองโกเลีย และทิเบต ซึ่งเป็นประเทศที่มีความคล้ายคลึงกันหลายประการ แต่ในขณะเดียวกันก็มีความแตกต่างในด้านวัฒนธรรมอย่างมาก

ทุกประเทศในตะวันออกไกลได้รับอิทธิพลจากอารยธรรมโบราณของจีนและอินเดีย ซึ่งในช่วงต้นสหัสวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช คำสอนทางปรัชญาและศาสนาได้เกิดขึ้นที่วางรากฐานสำหรับแนวคิดเรื่องธรรมชาติในฐานะจักรวาลที่ครอบคลุม - ชีวิตและจิตวิญญาณ สิ่งมีชีวิตที่ดำเนินชีวิตตามกฎของมันเอง

ธรรมชาติเป็นศูนย์กลางของการค้นหาทางปรัชญาและศิลปะตลอดยุคกลาง และกฎของธรรมชาติถือเป็นสากล กำหนดชีวิตและความสัมพันธ์ของผู้คน โลกภายในของมนุษย์ถูกเปรียบเทียบกับการแสดงออกที่หลากหลายของธรรมชาติ สิ่งนี้มีอิทธิพลต่อการพัฒนาวิธีการทางสัญลักษณ์ในทัศนศิลป์ โดยกำหนดภาษากวีเชิงเปรียบเทียบ ในประเทศจีน ญี่ปุ่น และเกาหลี ภายใต้อิทธิพลของทัศนคติต่อธรรมชาติ ประเภทและประเภทของศิลปะได้ก่อตัวขึ้น กลุ่มสถาปัตยกรรมที่เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับภูมิทัศน์โดยรอบได้ถูกสร้างขึ้น ศิลปะการจัดสวนภูมิทัศน์ได้ถือกำเนิดขึ้น และในที่สุด การวาดภาพทิวทัศน์ก็เริ่มต้นขึ้น

ภายใต้อิทธิพลของอารยธรรมอินเดียโบราณ ศาสนาพุทธเริ่มเผยแผ่ และศาสนาฮินดูก็เริ่มเผยแผ่ในมองโกเลียและทิเบตด้วย ระบบศาสนาเหล่านี้ไม่เพียงนำแนวคิดใหม่มาสู่ประเทศในตะวันออกไกลเท่านั้น แต่ยังส่งผลกระทบโดยตรงต่อการพัฒนาศิลปะอีกด้วย ต้องขอบคุณพุทธศาสนาภาษาศิลปะใหม่ของประติมากรรมและภาพวาดที่ไม่รู้จักก่อนหน้านี้ปรากฏในทุกประเทศของภูมิภาค วงดนตรีถูกสร้างขึ้นซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของการทำงานร่วมกันของสถาปัตยกรรมและวิจิตรศิลป์

ลักษณะของภาพเทพในประติมากรรมและจิตรกรรมมีวิวัฒนาการมาเป็นเวลาหลายศตวรรษในฐานะภาษาสัญลักษณ์พิเศษที่แสดงแนวคิดเกี่ยวกับจักรวาล กฎศีลธรรม และชะตากรรมของมนุษย์ ดังนั้น ประสบการณ์ทางวัฒนธรรมและประเพณีทางจิตวิญญาณของหลายชนชาติจึงได้รับการรวบรวมและอนุรักษ์ไว้ ภาพพุทธศิลป์สะท้อนแนวคิดของการเผชิญหน้าระหว่างความดีและความชั่ว ความเมตตา ความรักและความหวัง คุณสมบัติทั้งหมดเหล่านี้กำหนดความคิดริเริ่มและความสำคัญสากลของการสร้างสรรค์ที่โดดเด่นของวัฒนธรรมศิลปะตะวันออกไกล

ศิลปะ: ญี่ปุ่น

ญี่ปุ่นตั้งอยู่บนหมู่เกาะในมหาสมุทรแปซิฟิก ทอดยาวไปตามชายฝั่งตะวันออกของแผ่นดินใหญ่ในเอเชียจากเหนือจรดใต้ เกาะญี่ปุ่นตั้งอยู่ในพื้นที่เสี่ยงต่อแผ่นดินไหวและพายุไต้ฝุ่นบ่อยครั้ง ชาวเกาะคุ้นเคยกับการระวังตัวตลอดเวลา พอใจกับชีวิตที่เรียบง่าย ฟื้นฟูบ้านและครัวเรือนอย่างรวดเร็วหลังจากเกิดภัยพิบัติทางธรรมชาติ แม้จะมีองค์ประกอบทางธรรมชาติที่คุกคามความเป็นอยู่ของผู้คนอยู่ตลอดเวลา แต่วัฒนธรรมญี่ปุ่นก็สะท้อนให้เห็นถึงความปรารถนาที่จะกลมกลืนกับโลกภายนอก ความสามารถในการมองเห็นความงามของธรรมชาติทั้งขนาดใหญ่และเล็ก ในตำนานญี่ปุ่น อิซานางิและอิซานามิ คู่ครองแห่งสวรรค์ถือเป็นบรรพบุรุษของทุกสิ่งในโลก เทพเจ้าผู้ยิ่งใหญ่ทั้งสามมาจากพวกเขา: Amaterasu - เทพีแห่งดวงอาทิตย์, Tsukiyomi - เทพีแห่งดวงจันทร์และ Susanoo - เทพเจ้าแห่งพายุและลม ตามแนวคิดของชาวญี่ปุ่นโบราณ เทพเจ้าไม่ได้มีรูปร่างหน้าตาที่มองเห็นได้ แต่แฝงตัวอยู่ในธรรมชาติ - ไม่เพียง แต่ในดวงอาทิตย์และดวงจันทร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงภูเขาและโขดหิน แม่น้ำและน้ำตก ต้นไม้และหญ้าด้วย ถูกนับถือเป็นวิญญาณ-คามิ (คำว่า คามิแปลว่า ในภาษาญี่ปุ่น ลมศักดิ์สิทธิ์). ความศักดิ์สิทธิ์ของธรรมชาตินี้คงอยู่ตลอดช่วงยุคกลางและถูกเรียก ชินโต - เส้นทางแห่งเทพเจ้ากลายเป็นศาสนาประจำชาติญี่ปุ่น ชาวยุโรปเรียกว่าชินโต

ต้นกำเนิดของวัฒนธรรมญี่ปุ่นมีรากฐานมาจากสมัยโบราณ งานศิลปะที่เก่าแก่ที่สุดมีอายุย้อนไปถึง 4 ถึง 2 พันปีก่อนคริสต์ศักราช ศิลปะญี่ปุ่นที่ยาวนานและมีผลมากที่สุดคือช่วงยุคกลาง (ศตวรรษที่ 6..19)

ศิลปะ: ญี่ปุ่น: สถาปัตยกรรม: บ้านญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม

การออกแบบบ้านญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมที่พัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 17-18 เป็นโครงไม้ที่มีผนังสามด้านที่สามารถเคลื่อนย้ายได้และหนึ่งชิ้นยึดอยู่กับที่ ผนังไม่ได้ทำหน้าที่เป็นตัวรองรับ ดังนั้นจึงสามารถเคลื่อนย้ายออกจากกันหรือแม้แต่ถอดออกได้ โดยทำหน้าที่เป็นหน้าต่างในเวลาเดียวกัน ในฤดูร้อน ผนังเป็นโครงตาข่ายแปะทับด้วยกระดาษโปร่งแสงที่แสงผ่านได้ และในฤดูหนาวและฤดูฝน ผนังจะถูกปิดหรือแทนที่ด้วยแผ่นไม้ ด้วยความชื้นสูงในสภาพอากาศของญี่ปุ่น โรงเรือนจึงต้องระบายอากาศจากด้านล่าง ดังนั้นจึงยกขึ้นเหนือระดับพื้นดิน 60 ซม. เพื่อป้องกันเสารองรับจากการผุพังจึงติดตั้งบนฐานหิน

โครงไม้สีอ่อนมีความยืดหยุ่นที่จำเป็น ซึ่งช่วยลดแรงทำลายล้างจากการกดระหว่างเกิดแผ่นดินไหวบ่อยครั้งในประเทศ หลังคาที่ปูด้วยกระเบื้องหรือไม้อ้อมีหลังคาขนาดใหญ่ที่ป้องกันผนังกระดาษของบ้านจากฝนและแสงแดดในฤดูร้อนที่แผดเผา แต่ไม่สามารถกันแสงแดดที่ส่องลงมาในฤดูหนาว ต้นฤดูใบไม้ผลิ และปลายฤดูใบไม้ร่วงได้ ใต้หลังคามีเฉลียง

พื้นห้องนั่งเล่นปูด้วยเสื่อ - เสื่อทาทามิซึ่งส่วนใหญ่จะนั่งมากกว่ายืน ดังนั้นสัดส่วนทั้งหมดของบ้านจึงมุ่งเน้นไปที่คนนั่ง เนื่องจากไม่มีเฟอร์นิเจอร์ถาวรในบ้าน พวกเขาจึงนอนบนพื้นบนฟูกหนาพิเศษซึ่งถูกเก็บไว้ในตู้เสื้อผ้าในระหว่างวัน พวกเขากินนั่งบนเสื่อที่โต๊ะเตี้ย ๆ พวกเขายังทำหน้าที่ในกิจกรรมต่างๆ พาร์ติชันภายในแบบเลื่อนที่ปูด้วยกระดาษหรือผ้าไหมสามารถแบ่งพื้นที่ภายในได้ตามความต้องการ ซึ่งทำให้สามารถใช้งานได้หลากหลายมากขึ้น อย่างไรก็ตาม ผู้อยู่อาศัยแต่ละคนไม่สามารถเกษียณภายในบ้านได้อย่างสมบูรณ์ ซึ่งส่งผลกระทบต่อภายใน - ความสัมพันธ์ในครอบครัวในครอบครัวญี่ปุ่นและในความหมายทั่วไป - เกี่ยวกับคุณลักษณะประจำชาติของญี่ปุ่น

รายละเอียดที่สำคัญของบ้าน - ช่องที่อยู่ใกล้กับผนังคงที่ - โทโคนามะที่ซึ่งรูปภาพสามารถแขวนหรือองค์ประกอบของดอกไม้ได้ - อิเคบานะสามารถยืนได้ เป็นศูนย์รวมจิตใจของบ้าน ในการตกแต่งโพรงได้แสดงคุณสมบัติส่วนบุคคลของผู้อยู่อาศัยรสนิยมและความโน้มเอียงทางศิลปะของพวกเขา

ความต่อเนื่องของบ้านญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมคือ สวน. เขาเล่นบทบาทของรั้วและในขณะเดียวกันก็เชื่อมโยงบ้านกับสิ่งแวดล้อม เมื่อผนังด้านนอกของบ้านถูกแยกออกจากกัน ขอบเขตระหว่างพื้นที่ด้านในของบ้านและสวนจะหายไปและความรู้สึกใกล้ชิดกับธรรมชาติ การสื่อสารโดยตรงกับมันถูกสร้างขึ้น นี่เป็นคุณลักษณะที่สำคัญของทัศนคติระดับชาติ อย่างไรก็ตาม เมืองในญี่ปุ่นเติบโตขึ้น ขนาดของสวนลดลง บ่อยครั้งที่มันถูกแทนที่ด้วยองค์ประกอบสัญลักษณ์เล็กๆ ของดอกไม้และพืช ซึ่งทำหน้าที่เดียวกันในการติดต่อระหว่างที่อยู่อาศัยและโลกธรรมชาติ

ศิลปะ: ญี่ปุ่น: อิเคบานะ

ศิลปะการจัดดอกไม้ในแจกัน - อิเคบานะ (ชีวิตดอกไม้) - ย้อนไปถึงประเพณีโบราณในการวางดอกไม้บนแท่นบูชาเทพเจ้า ซึ่งแพร่หลายไปยังญี่ปุ่นพร้อมกับศาสนาพุทธในศตวรรษที่ 6 บ่อยครั้งที่องค์ประกอบอยู่ในรูปแบบของเวลานั้น - ริกกะ (ส่งดอกไม้) - ประกอบด้วยกิ่งสนหรือไซเปรสและดอกบัว กุหลาบ ดอกแดฟโฟดิล ติดตั้งในภาชนะสำริดโบราณ

ด้วยการพัฒนาของวัฒนธรรมฆราวาสในศตวรรษที่ 10-12 องค์ประกอบของดอกไม้ได้รับการติดตั้งในพระราชวังและที่อยู่อาศัยของตัวแทนของชนชั้นสูง ในราชสำนัก การแข่งขันพิเศษในการจัดช่อดอกไม้กลายเป็นที่นิยม ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 ทิศทางใหม่ในศิลปะของอิเคบานะปรากฏขึ้นซึ่งผู้ก่อตั้งคือปรมาจารย์ อิเคโนโบะ เสนีย์. ผลงานของโรงเรียน Ikenobo มีความโดดเด่นด้วยความสวยงามและความซับซ้อนเป็นพิเศษ พวกเขาถูกติดตั้งที่แท่นบูชาในบ้านและมอบเป็นของขวัญ

ในคริสต์ศตวรรษที่ 16 โดยมีการแพร่กระจาย พิธีชงชาอิเคบานะชนิดพิเศษถูกสร้างขึ้นเพื่อตกแต่งช่อง - โทโคโนมะในศาลาน้ำชา ความต้องการของความเรียบง่าย ความกลมกลืน สีสันที่จำกัด นำเสนอต่อวัตถุทั้งหมดของลัทธิชา ขยายไปถึงการออกแบบดอกไม้ - ไทบาน่า (อิเคบานะสำหรับพิธีชงชา). อาจารย์ชาที่มีชื่อเสียง เซนโนะ ริคิวสร้างรูปแบบใหม่ที่อิสระมากขึ้น - นาแยร์ (จัดดอกไม้อย่างไม่ใส่ใจ) แม้ว่ามันจะดูไม่เป็นระเบียบที่ความซับซ้อนและความสวยงามเป็นพิเศษของภาพสไตล์นี้วางอยู่ นาเกะอิเระประเภทหนึ่งเรียกว่า สึริบานะ เมื่อพืชถูกวางไว้ในภาชนะที่แขวนเป็นรูปเรือ องค์ประกอบดังกล่าวถูกนำเสนอต่อบุคคลที่เข้าทำงานหรือจบการศึกษาจากโรงเรียนเนื่องจากเป็นสัญลักษณ์ของ "ทางออกสู่ทะเลเปิดแห่งชีวิต"

ในศตวรรษที่ 17-19 ศิลปะของอิเคบานะเริ่มแพร่หลาย และประเพณีการฝึกภาคบังคับของเด็กผู้หญิงในศิลปะการทำช่อดอกไม้ก็เกิดขึ้น อย่างไรก็ตาม เนื่องจากความนิยมของอิเคบานะ การแต่งเพลงจึงง่ายขึ้น และต้องยกเลิกกฎสไตล์ที่เข้มงวด ริกกะในความโปรดปราน นาแยร์ซึ่งเป็นรูปแบบใหม่ที่เกิดขึ้น เซก้าหรือ โชกะ (ดอกไม้ธรรมชาติ). ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 ปรมาจารย์ โอฮารา ใช้สร้างสไตล์ โมริบานะนวัตกรรมหลักคือดอกไม้ถูกวางไว้ในภาชนะกว้าง

ตามกฎแล้วองค์ประกอบของอิเคบานะมีองค์ประกอบบังคับสามประการซึ่งแสดงถึงหลักการสามประการ: สวรรค์โลกและมนุษย์ สามารถประกอบเป็นดอกไม้ กิ่งไม้ และหญ้าได้ ความสัมพันธ์ระหว่างกันและองค์ประกอบเพิ่มเติมทำให้เกิดผลงานที่มีรูปแบบและเนื้อหาที่แตกต่างกัน งานของศิลปินไม่เพียง แต่สร้างองค์ประกอบที่สวยงามเท่านั้น แต่ยังถ่ายทอดความคิดของเขาเกี่ยวกับชีวิตของบุคคลและสถานที่ของเขาในโลกนี้อย่างเต็มที่ ผลงานของปรมาจารย์อิเคบานะที่โดดเด่นสามารถแสดงออกถึงความหวังและความเศร้า ความกลมกลืนทางจิตวิญญาณและความเศร้า

ตามประเพณีในอิเคบานะ ช่วงเวลาของปีจำเป็นต้องเกิดขึ้นซ้ำ และการรวมกันของพืชก่อให้เกิดความปรารถนาดีเชิงสัญลักษณ์ซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีในญี่ปุ่น: ต้นสนและกุหลาบ - อายุยืนยาว; ดอกโบตั๋นและไม้ไผ่ - ความเจริญรุ่งเรืองและความสงบสุข ดอกเบญจมาศและกล้วยไม้ - ความสุข แมกโนเลีย - ความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณ เป็นต้น.

ศิลปะ: ญี่ปุ่น: ประติมากรรม: Netsuke

ประติมากรรมขนาดเล็ก - netsuke แพร่หลายในศตวรรษที่ 18..19 โดยเป็นหนึ่งในประเภทของศิลปะและงานฝีมือ ลักษณะที่ปรากฏเป็นเพราะชุดประจำชาติของญี่ปุ่น - กิโมโน - ไม่มีกระเป๋าและของชิ้นเล็ก ๆ ที่จำเป็นทั้งหมด (ท่อ, กระเป๋า, กล่องยา เป็นต้น) ติดอยู่กับเข็มขัดโดยใช้พวงกุญแจถ่วงน้ำหนัก ดังนั้น Netsuke จึงจำเป็นต้องมีรูสำหรับลูกไม้โดยใช้วัตถุที่ต้องการติดไว้ ก่อนหน้านี้มีการใช้เครื่องประดับเล็ก ๆ น้อย ๆ ในรูปแบบของไม้และปุ่ม แต่ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 ผู้เชี่ยวชาญที่มีชื่อเสียงได้ทำงานเกี่ยวกับการสร้าง netsuke แล้วโดยใส่ลายเซ็นลงในผลงาน

Netsuke เป็นศิลปะของชนชั้นในเมือง มวลชน และประชาธิปไตย ตามแผนการของ netsuke เราสามารถตัดสินความต้องการทางจิตวิญญาณ ความสนใจในชีวิตประจำวัน ประเพณีและประเพณีของชาวเมือง พวกเขาเชื่อในวิญญาณและปีศาจ ซึ่งมักจะปรากฏอยู่ในประติมากรรมขนาดเล็ก พวกเขาชอบรูปแกะสลักของ "เทพเจ้าแห่งความสุขทั้งเจ็ด" ซึ่งเทพเจ้าแห่งความมั่งคั่ง Daikoku และเทพเจ้าแห่งความสุข Fukuroku เป็นที่นิยมมากที่สุด แผนการอย่างต่อเนื่องของ netsuke มีดังต่อไปนี้: มะเขือเปราะที่มีเมล็ดจำนวนมากอยู่ข้างใน - ความปรารถนาที่จะมีลูกหลานตัวผู้ตัวใหญ่, เป็ดสองตัว - สัญลักษณ์แห่งความสุขในครอบครัว netsuke จำนวนมากทุ่มเทให้กับหัวข้อในชีวิตประจำวันและชีวิตประจำวันของเมือง เหล่านี้คือนักแสดงและนักมายากลพเนจร พ่อค้าเร่ ผู้หญิงที่มีส่วนร่วมในกิจกรรมต่างๆ พระพเนจร นักมวยปล้ำ แม้แต่ชาวดัตช์ในมุมมองที่แปลกใหม่ จากมุมมองของชาวญี่ปุ่น เสื้อผ้า - หมวกปีกกว้าง เสื้อชั้นใน และกางเกงขายาว

โดดเด่นด้วยความหลากหลายตามหัวข้อ netsuke ยังคงไว้ซึ่งหน้าที่ดั้งเดิมของพวงกุญแจ และจุดประสงค์นี้กำหนดให้กับช่างฝีมือด้วยรูปทรงที่กะทัดรัดโดยไม่มีรายละเอียดที่ยื่นออกมาเปราะบาง โค้งมน น่าสัมผัส การเลือกใช้วัสดุนั้นเชื่อมโยงกับสิ่งนี้: ไม่หนักมาก, ทนทาน, ประกอบด้วยชิ้นเดียว วัสดุที่พบมากที่สุดคือไม้ประเภทต่างๆ งาช้าง เซรามิก แลคเกอร์และโลหะ

ศิลปะ: ญี่ปุ่น: จิตรกรรมและกราฟิก

ภาพวาดญี่ปุ่นมีความหลากหลายมากไม่เพียงแต่ในเนื้อหาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงรูปแบบด้วย ได้แก่ ภาพวาดฝาผนัง ภาพวาดบนจอ ภาพเลื่อนแนวตั้งและแนวนอน ดำเนินการบนผ้าไหมและกระดาษ แผ่นอัลบั้ม และพัด

เกี่ยวกับจิตรกรรมโบราณสามารถตัดสินได้จากการอ้างอิงในเอกสารที่เป็นลายลักษณ์อักษรเท่านั้น ผลงานที่โดดเด่นที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่มีอายุตั้งแต่ช่วงเฮอัน (794-1185) นี่คือภาพประกอบของ "The Tale of Prince Genji" ที่มีชื่อเสียงโดยนักเขียน Murasaki Shikibu ภาพประกอบถูกสร้างขึ้นในแนวนอนหลายม้วนและเสริมด้วยข้อความ มีสาเหตุมาจากพู่กันของศิลปิน Fujiwara Takayoshi (ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 12)

คุณลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมในยุคนั้นซึ่งสร้างขึ้นโดยกลุ่มชนชั้นสูงที่ค่อนข้างแคบคือลัทธิแห่งความงามความปรารถนาที่จะค้นพบในการแสดงออกทางวัตถุและชีวิตทางจิตวิญญาณเสน่ห์โดยธรรมชาติของพวกเขาบางครั้งก็เข้าใจยากและเข้าใจยาก ภาพวาดในสมัยนั้น ภายหลังเรียกว่า ยามาโตะเอะ (ตามตัวอักษร ภาพวาดญี่ปุ่น) ไม่ได้สื่อถึงการกระทำ แต่เป็นสภาวะของจิตใจ

เมื่อตัวแทนชนชั้นทหารที่แข็งกร้าวและกล้าหาญเข้ามามีอำนาจ วัฒนธรรมของยุคเฮอันก็เริ่มเสื่อมถอยลง ในภาพวาดบนม้วนกระดาษ หลักการเล่าเรื่องถูกสร้างขึ้น: เหล่านี้เป็นตำนานเกี่ยวกับปาฏิหาริย์ที่เต็มไปด้วยตอนที่น่าทึ่ง ชีวประวัติของนักเทศน์ในศาสนาพุทธ ฉากการต่อสู้ของนักรบ

ในศตวรรษที่ 14-15 ภายใต้อิทธิพลของคำสอนของนิกายเซน ด้วยความใส่ใจเป็นพิเศษต่อธรรมชาติ การวาดภาพทิวทัศน์จึงเริ่มพัฒนาขึ้น (เริ่มแรกอยู่ภายใต้อิทธิพลของแบบจำลองจีน)

เป็นเวลากว่าศตวรรษครึ่งที่ศิลปินชาวญี่ปุ่นเชี่ยวชาญระบบศิลปะจีน ทำให้การวาดภาพทิวทัศน์แบบเอกรงค์กลายเป็นสมบัติของศิลปะประจำชาติ การออกดอกสูงสุดนั้นสัมพันธ์กับชื่อของปรมาจารย์ที่โดดเด่น Toyo Oda (1420..1506) ซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีภายใต้นามแฝง Sesshu ในทิวทัศน์ของเขา เขาใช้หมึกสีดำเฉดสีที่ดีที่สุดเท่านั้น เขาสามารถสะท้อนสีสันทั้งหมดของโลกธรรมชาติและสถานะนับไม่ถ้วนของมันได้: บรรยากาศที่ชุ่มฉ่ำของต้นฤดูใบไม้ผลิ ลมที่มองไม่เห็นแต่สัมผัสได้และฝนที่หนาวเย็นในฤดูใบไม้ร่วง ความเงียบสงบของฤดูหนาว

ศตวรรษที่ 16 เปิดศักราชของยุคกลางตอนปลายซึ่งกินเวลาสามศตวรรษครึ่ง ในเวลานี้ภาพวาดฝาผนังเริ่มแพร่หลายโดยตกแต่งพระราชวังของผู้ปกครองประเทศและขุนนางศักดินาขนาดใหญ่ หนึ่งในผู้ก่อตั้งทิศทางใหม่ในการวาดภาพคือปรมาจารย์ Kano Eitoku ผู้มีชื่อเสียงซึ่งมีชีวิตอยู่ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 การแกะสลักไม้ (xylography) ซึ่งรุ่งเรืองในศตวรรษที่ 18-19 กลายเป็นงานวิจิตรศิลป์อีกประเภทหนึ่งของยุคกลาง การแกะสลักเช่นเดียวกับการวาดภาพประเภทต่างๆ ถูกเรียกว่า ukiyo-e (ภาพของโลกประจำวัน) นอกจากศิลปินที่สร้างภาพวาดและเขียนชื่อของเขาลงบนแผ่นสำเร็จแล้ว การแกะสลักยังสร้างโดยช่างแกะสลักและเครื่องพิมพ์อีกด้วย ในตอนแรกการแกะสลักเป็นแบบโมโนโฟนิกมันถูกวาดด้วยมือโดยศิลปินเองหรือโดยผู้ซื้อ จากนั้นจึงคิดค้นการพิมพ์สองสีขึ้น และในปี ค.ศ. 1765 ศิลปิน Suzuki Harunobu (1725..1770) ได้ใช้การพิมพ์หลายสีเป็นครั้งแรก ในการทำเช่นนี้ ช่างแกะสลักได้วางกระดาษลอกลายที่มีลวดลายบนกระดานเลื่อยตามยาวที่เตรียมไว้เป็นพิเศษ (จากลูกแพร์ เชอร์รี่ หรือไม้เนื้อแข็งญี่ปุ่น) และตัดแผ่นพิมพ์ตามจำนวนที่ต้องการ ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับโทนสีของการแกะสลัก บางครั้งมีมากกว่า 30 และ หลังจากนั้นเครื่องพิมพ์เลือกเฉดสีที่เหมาะสมพิมพ์บนกระดาษพิเศษ ทักษะของเขาคือการจับคู่รูปทรงของแต่ละสีซึ่งได้มาจากกระดานไม้ที่แตกต่างกัน

การแกะสลักทั้งหมดแบ่งออกเป็นสองกลุ่ม: การแสดงละครซึ่งแสดงภาพนักแสดงของละครคาบุกิคลาสสิกของญี่ปุ่นในบทบาทต่างๆ และงานเขียนในชีวิตประจำวันที่อุทิศให้กับการพรรณนาถึงความงามและฉากจากชีวิตของพวกเขา ปรมาจารย์ด้านการแกะสลักละครที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Toshyushay Syaraku ซึ่งแสดงภาพใบหน้าของนักแสดงในระยะใกล้ โดยเน้นย้ำถึงคุณลักษณะของบทบาทที่พวกเขาเล่น ลักษณะเฉพาะของบุคคลที่กลับชาติมาเกิดเป็นตัวละครในละคร ได้แก่ ความโกรธ ความกลัว ความโหดร้ายหลอกลวง

ศิลปินที่โดดเด่นเช่น Suzuki Harunobu และ Kitagawa Utamaro มีชื่อเสียงในด้านงานแกะสลักในชีวิตประจำวัน อุทามาโระเป็นผู้สร้างภาพลักษณ์ของผู้หญิงที่แสดงถึงความงามในอุดมคติของชาติ นางเอกของเขาดูเหมือนจะแข็งไปชั่วขณะและตอนนี้จะเคลื่อนไหวอย่างสง่างามต่อไป แต่การหยุดชั่วคราวนี้เป็นช่วงเวลาที่แสดงออกมากที่สุดเมื่อการเอียงศีรษะ ท่าทางของมือ ภาพเงาของร่างสื่อถึงความรู้สึกที่พวกเขาอาศัยอยู่

ช่างแกะสลักที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Katsushika Hokusai ศิลปินผู้ปราดเปรื่อง (1776-1849) ผลงานของ Hokusai มีพื้นฐานมาจากวัฒนธรรมการวาดภาพของญี่ปุ่นที่มีอายุหลายศตวรรษ โฮคุไซสร้างภาพวาดมากกว่า 30,000 ภาพและวาดภาพประกอบหนังสือประมาณ 500 เล่ม เมื่ออายุได้ 70 ปี Hokusai ได้สร้างผลงานที่สำคัญที่สุดชิ้นหนึ่ง นั่นคือชุด 36 Views of Fuji ซึ่งทำให้เขาทัดเทียมกับศิลปินระดับโลกที่โดดเด่นที่สุด การแสดงภูเขาไฟฟูจิ - สัญลักษณ์ประจำชาติของญี่ปุ่น - จากสถานที่ต่างๆ โฮคุไซเป็นครั้งแรกเผยให้เห็นภาพลักษณ์ของมาตุภูมิและภาพของผู้คนในความสามัคคี ศิลปินมองว่าชีวิตเป็นกระบวนการเดียวในการแสดงออกที่หลากหลาย ตั้งแต่ความรู้สึกเรียบง่ายของบุคคล กิจกรรมประจำวันของเขา และจบลงด้วยธรรมชาติโดยรอบที่มีองค์ประกอบและความงามของมัน ผลงานของ Hokusai ซึ่งซึมซับประสบการณ์ด้านศิลปะของผู้คนที่มีอายุหลายศตวรรษ ถือเป็นจุดสูงสุดสุดท้ายในวัฒนธรรมศิลปะของญี่ปุ่นยุคกลาง ซึ่งเป็นผลงานที่น่าทึ่ง

ศิลปะ: ญี่ปุ่น: แหล่งข้อมูล

สารานุกรม Microsoft Encarta 97 ฉบับภาษาอังกฤษทั่วโลก. Microsoft Corp., Redmond, 1996;

ทรัพยากรอินเทอร์เน็ต (เวิลด์ไวด์เว็บ);

"สารานุกรมสำหรับเด็ก" เล่ม 6 ("ศาสนาของโลก") ภาคสอง สำนักพิมพ์ "Avanta +", มอสโก, 2539;

"สารานุกรมสำหรับเด็ก" เล่ม 7 ("ศิลปะ") ตอนที่หนึ่ง สำนักพิมพ์ "Avanta +", มอสโก, 2540;

สารานุกรม "ตำนานของผู้คนในโลก". สำนักพิมพ์ "สารานุกรมโซเวียต", มอสโก, 2534

ศิลปะ: ญี่ปุ่น: อภิธานศัพท์

แกะสลัก- ดู ชาร์ตซึ่งภาพเป็นภาพพิมพ์ของภาพวาดที่ใช้กับกระดานไม้ เสื่อน้ำมัน โลหะ หิน; ภาพตัวเองบนไม้ เสื่อน้ำมัน กระดาษแข็ง เป็นต้น.

อิเคบานะ("ดอกไม้ที่มีชีวิต") - ศิลปะการจัดช่อดอกไม้ของญี่ปุ่น ช่อดอกไม้นั้นแต่งขึ้นตามหลักการของอิเคบานะ

คอนโดะ(Golden Hall) - วัดหลักของอารามสงฆ์ญี่ปุ่น ต่อมากลายเป็นที่รู้จักในชื่อ Hondo

ไคซูมะ- ในสถาปัตยกรรมญี่ปุ่น หลังคาจั่วขนาดใหญ่ของศาลเจ้าชินโต มันทำมาจากฟางหรือเปลือกต้นไซเปรส ต่อมาจากกระเบื้อง

แม่พิมพ์ไม้ - แกะสลักบนต้นไม้

ชม´ เอสึเกะ- ตุ๊กตาจิ๋วทำด้วยงาช้าง ไม้ หรือวัสดุอื่นๆ ทำหน้าที่เป็นพวงกุญแจซึ่งติดวัตถุขนาดเล็ก (เช่นกระเป๋าเงิน) ไว้กับเข็มขัด ที่เป็นของชุดประจำชาติญี่ปุ่น

เจดีย์- ในสถาปัตยกรรมทางพุทธศาสนาของประเทศในตะวันออกไกลและเอเชียตะวันออกเฉียงใต้, หออนุสรณ์หลายชั้น - ศาสนสถานด้วยชั้นเลขคี่ (โชคดี)

ร´ ป้า- โรงเรียนจิตรกรรมญี่ปุ่น 17..18 ศตวรรษ; มุ่งสู่วรรณกรรมในศตวรรษที่ผ่านมา ถ่ายทอดประสบการณ์อันไพเราะของตัวละคร

ศาสนสถาน- กรุสำหรับเก็บพระบรมสารีริกธาตุ

ไทยานิวา("สวนชา") - ในสถาปัตยกรรมของญี่ปุ่น สวนที่เกี่ยวข้องกับพิธีชงชา - การดึง; ประกอบเป็นชุดเดียวกับศาลาน้ำชา - ชาชิสึ

ไทอาโน´ ยู("พิธีชงชา") - ในชีวิตทางจิตวิญญาณของญี่ปุ่น พิธีกรรมทางปรัชญาและสุนทรียะของการรวมผู้คนเข้าด้วยกัน ช่วยให้พวกเขาหลีกหนีจากความเร่งรีบและวุ่นวายของชีวิต

ภาพอุกิโยะ("ภาพของโลกประจำวัน") - โรงเรียนสอนวาดภาพญี่ปุ่นและ ไม้แกะสลัก 17..19 ศตวรรษที่สะท้อนชีวิตและความสนใจของประชากรในเมือง สืบทอดประเพณีการวาดภาพประเภทในศตวรรษที่ 15-16

ฮานิวะ("วงกลมดินเหนียว") - เครื่องปั้นดินเผางานศพของญี่ปุ่นโบราณ ตั้งชื่อตามวิธีการผลิต: แหวนดินปั้นที่ปั้นด้วยมือวางซ้อนกัน รุ่งอรุณ - 5..6 ศตวรรษ

ยามาโตะ-´ เอ่อ("จิตรกรรมญี่ปุ่น") - ในศิลปกรรมของญี่ปุ่นตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 - 11 ทิศทางที่เป็นอิสระซึ่งตรงข้ามกับการวาดภาพจีน พล็อตเรื่องญี่ปุ่นยุคกลาง นวนิยาย และสมุดบันทึกถูกผลิตซ้ำ ภาพเงา จุดสีสว่าง สลับกับเลื่อมสีทองและสีเงินถูกรวมเข้าด้วยกันอย่างชัดเจน

ศิลปะของญี่ปุ่น หน้า 7 จาก 7 หน้า

ศิลปะอินเดีย

อารยธรรมแรกบนแผ่นดินอินเดียคือวัฒนธรรม Harappan ในลุ่มแม่น้ำสินธุ ซึ่งรุ่งเรืองเมื่อ 2,500 ปีก่อนคริสตกาล ก่อนที่จะหายตัวไปภายใต้การโจมตีของชนเผ่าอารยัน เธอได้ทำให้ตัวเองเป็นอมตะด้วยประติมากรรมและการวางผังเมืองชิ้นเอกที่ยอดเยี่ยมหลายชิ้น เมื่อเวลาผ่านไป ชาวอารยันเข้ายึดครองอินเดียตอนเหนือทั้งหมด แต่ตลอดพันปีแห่งการปกครอง พวกเขาไม่ได้ทิ้งอนุสรณ์สถานทางศิลปะใด ๆ ไว้เบื้องหลัง รากฐานของประเพณีทางศิลปะของอินเดียถูกวางในศตวรรษที่ 3 ก่อนคริสต์ศักราชเท่านั้น

เดิมทีศิลปะอินเดียมีลักษณะทางศาสนา สะท้อนโลกทัศน์ของศาสนาฮินดู ศาสนาเชน และศาสนาพุทธ ตั้งแต่สมัยโบราณชาวฮินดูมีความโดดเด่นด้วยการรับรู้ที่เพิ่มขึ้นของโลกโดยรอบและสถาปัตยกรรมได้ครอบครองสถานที่สำคัญในงานศิลปะของพวกเขาโดยชอบธรรม

ในประติมากรรมโบราณที่ออกมาจากใต้สิ่วของตัวแทนของศาสนาพุทธแบบนักพรตยังไม่มีร่องรอยของความรักที่ล้นเหลือในชีวิต ครั้งหนึ่งห้ามสร้างภาพเหมือนของพระพุทธเจ้าด้วยซ้ำ อย่างไรก็ตาม หลังจากการยกเลิกคำสั่งห้ามในจังหวัดคันธาระทางตะวันออกเฉียงเหนือ รูปปั้นของพระพุทธเจ้าในรูปของมนุษย์ก็เริ่มปรากฏขึ้น โดยสร้างขึ้นในสไตล์กรีก-พุทธแบบกรีก ซึ่งมีผลกระทบอย่างเห็นได้ชัดต่อศิลปะของ ทั้งภูมิภาค

ในจังหวัดคันธาระในพุทธศตวรรษแรก โรงเรียนสอนศิลปะแห่งใหม่ปรากฏขึ้นโดยผสมผสานหลักคำสอนทางพุทธศาสนาแบบดั้งเดิมเข้ากับคุณลักษณะบางอย่างของศิลปะกรีก ซึ่งนำเข้ามายังอินเดียโดยกองทหารของอเล็กซานเดอร์มหาราช (ปลายศตวรรษที่ 4 ก่อนคริสต์ศักราช) ดังนั้น พระพุทธรูปจำนวนนับไม่ถ้วนที่สร้างจากหินและการเคาะ (ส่วนผสมของปูนปลาสเตอร์ เศษหินอ่อนและกาว) จึงมีพระพักตร์ที่ยาวเป็นพิเศษ พระเนตรที่เบิกกว้าง และจมูกที่บาง

รูปแบบที่ค่อนข้างจำกัดยังมีอยู่ในยุคคลาสสิกของคุปตะ (ค.ศ. 320-600) แม้ว่าในเวลานี้พุทธศาสนาได้ซึมซับองค์ประกอบหลายอย่างของตำนานฮินดู ตัวอย่างเช่น ยักษินี - เทพแห่งป่าหญิง - ถูกวาดโดยประติมากรชาวพุทธในรูปแบบของนักเต้นตัวอ้วนในลักษณะที่ห่างไกลจากการบำเพ็ญตบะ

ในงานศิลปะอินเดียใด ๆ - พุทธหรือฮินดู - ข้อมูลทางศาสนาและปรัชญานั้นถูกเข้ารหัสในรูปแบบรหัส ดังนั้น ท่าทางที่แสดงพระพุทธเจ้าจึงมีความสำคัญอย่างยิ่ง: การทำสมาธิหรือคำสอน ลักษณะที่ปรากฏของพระพุทธเจ้ามีลักษณะที่ยอมรับได้: ติ่งหูยาวผิดรูปจากเครื่องราชอิสริยาภรณ์ที่ทรงสวมเมื่อทรงพระเยาว์เมื่อยังเป็นเจ้าชาย ผมรวบเป็นมวยเกลียวบนศีรษะ ฯลฯ รายละเอียดดังกล่าวให้เงื่อนงำแก่ผู้ดูเพื่อช่วยกำหนดความคิดและพิธีกรรมที่จำเป็นในการสื่อสารกับเทพ ศิลปะฮินดูก็มีรหัสหนักเช่นกัน แม้แต่รายละเอียดเล็ก ๆ น้อย ๆ ก็มีความสำคัญที่นี่ - การหมุนของศีรษะของเทพ, ตำแหน่งและจำนวนมือ, ระบบการตกแต่ง รูปแกะสลักที่มีชื่อเสียงของพระอิศวรเทพแห่งการเต้นรำเป็นสารานุกรมทั้งหมดของศาสนาฮินดู ด้วยการกระโดดโลดเต้นแต่ละครั้ง เขาสร้างหรือทำลายโลก สี่แขนหมายถึงพลังที่ไม่มีที่สิ้นสุด ส่วนโค้งที่มีเปลวไฟเป็นสัญลักษณ์ของพลังงานจักรวาล ตุ๊กตาผู้หญิงผมสั้น - เทพีแห่งแม่น้ำคงคา ฯลฯ การเข้ารหัสความหมายเป็นลักษณะของศิลปะของหลายประเทศในเอเชียตะวันออกเฉียงใต้ที่เป็นส่วนหนึ่งของพื้นที่ของวัฒนธรรมฮินดู

ภาพที่มีชีวิตชีวาของอินเดียโบราณถูกสร้างขึ้นใหม่โดยอารมณ์ของภาพจิตรกรรมฝาผนังของวัดในถ้ำของ Ajanta ซึ่งสร้างความประหลาดใจให้กับความสดใสและความกลมกลืนขององค์ประกอบที่หลากหลาย

อชันตาเป็นวัดประเภทหนึ่ง - มหาวิทยาลัยที่พระสงฆ์อาศัยและศึกษา วิหารของ Ajanta แกะสลักเป็นหิน 29 ก้อน ซึ่งตั้งอยู่ติดกับริมฝั่งแม่น้ำ Wagharo อันมีสีสัน ส่วนหน้าของวัดหินเหล่านี้เป็นของสมัยคุปตูที่มีการตกแต่งอย่างหรูหรา

อนุสาวรีย์ประติมากรรมของ Ajanta ยังคงรักษาประเพณีเดิมไว้ แต่รูปแบบจะเป็นอิสระและปรับปรุงให้ดีขึ้นมาก เกือบทุกอย่างภายในวัดถูกจารึกไว้ หัวข้อของภาพวาดนำมาจากพุทธประวัติและเชื่อมโยงกับฉากในตำนานของอินเดียโบราณ ผู้คน นก สัตว์ พืช และดอกไม้ได้รับการพรรณนาอย่างเชี่ยวชาญที่นี่

สถาปัตยกรรมอินเดียสามารถเรียกได้ว่าเป็นประติมากรรมชนิดหนึ่งเนื่องจากสถานที่ศักดิ์สิทธิ์หลายแห่งไม่ได้สร้างขึ้นจากเครื่องประดับแต่ละชิ้น แต่ถูกแกะสลักจากหินก้อนใหญ่ก้อนเดียวและในระหว่างการทำงานถูกปูด้วยพรมประดับประติมากรมากมาย

ลักษณะนี้เด่นชัดเป็นพิเศษในวัดนับพันแห่งที่เกิดขึ้นในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของชาวฮินดูระหว่างปี ค.ศ. 600 ถึง 1200 หอคอยหลายชั้นที่มีลักษณะคล้ายภูเขาถูกปกคลุมด้วยรูปปั้นนูนต่ำนูนต่ำและรูปปั้น ทำให้วิหารแห่ง Mamallapuram และ Ellora ดูแปลกตา

อิทธิพลของศิลปะพุทธและฮินดูรู้สึกได้ไกลกว่าอินเดีย นครวัดเป็นวัดฮินดูที่ใหญ่ที่สุดที่สร้างขึ้นใน Kalebodja ในศตวรรษที่ 10-12 นี่คือกลุ่มอาคารทรงกรวยแกะสลักห้าหลังขนาดใหญ่ที่มีคูน้ำล้อมรอบ ซึ่งตรงกลางนั้นสูง 60 เมตรขึ้นไปบนท้องฟ้า ในบรรดาวัดในศาสนาพุทธนั้น ปูชนียสถานบนเนินเขาที่มีเอกลักษณ์ไม่เหมือนใคร บุโรพุทโธ บนเกาะชวา ซึ่งความวิจิตรงดงามของงานประติมากรรมนั้นขึ้นอยู่กับการออกแบบทางสถาปัตยกรรมที่เคร่งครัด ในสถานที่อื่นๆ เช่น ทิเบต จีน และญี่ปุ่น ศาสนาพุทธยังก่อให้เกิดประเพณีทางศิลปะที่ได้รับการพัฒนาอย่างสูงและเป็นต้นฉบับ

การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในประเพณีการสร้างสรรค์ทางศิลปะเกิดขึ้นกับการเผยแพร่ศาสนาใหม่ - อิสลามซึ่งนำเข้ามาในอินเดียโดยผู้พิชิตชาวอาหรับในศตวรรษที่ 8 อิทธิพลของวัฒนธรรมอิสลามถึงจุดสูงสุดภายใต้การปกครองของพวกมุกัล ผู้ปกครองส่วนใหญ่ของอินเดียตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 สุลต่านอัคบาร์ (ค.ศ. 1556 - 1605) และผู้สืบทอดตำแหน่งคือ Dzhan-Igry และ Shah Jahan การสร้างสุเหร่าและหลุมฝังศพอันงดงามกลายเป็นที่รู้จัก

ทัชมาฮาลเป็นอัญมณีแห่งสถาปัตยกรรมอินเดีย จักรพรรดิชาห์จาฮานทรงโศกเศร้าเพราะพระมเหสีสิ้นพระชนม์ขณะทรงประสูติ ทรงสร้างสุสานหินอ่อนสีขาวแห่งนี้ขึ้นในเมืองอักรา ประดับประดาด้วยโมเสกจากหินมีค่าอย่างชำนาญ สุสานหลวงตั้งอยู่ริมฝั่งแม่น้ำชัมนาล้อมรอบด้วยสวน อาคารหินอ่อนสีขาวยกสูงบนแท่นสูงเจ็ดเมตร ในแผน มันหมายถึงรูปแปดเหลี่ยมหรือค่อนข้างเป็นสี่เหลี่ยมจัตุรัสที่มีมุมตัด อาคารทั้งหมดถูกตัดด้วยช่องสูงและลึก หลุมฝังศพนั้นสวมมงกุฎด้วยโดม "หัวหอม" ทรงกลม ซึ่งนักกวีเปรียบกับ "เมฆที่วางอยู่บนบัลลังก์อากาศ" ในเรื่องความสว่างและความกลมกลืน ปริมาตรที่น่าประทับใจถูกขับเน้นด้วยโดมขนาดเล็กสี่ยอดของหออะซานที่ตั้งตระหง่านอยู่ตามขอบของชานชาลา พื้นที่ด้านในมีขนาดเล็กและถูกครอบครองโดยอนุสาวรีย์สองแห่ง (สุสานปลอม) ของมุมตัซและชาห์จาฮานเอง การฝังศพอยู่ในห้องใต้ดินใต้อาคาร

ภายใต้สมัยโมกุล ศิลปะขนาดจิ๋วที่มาจากเปอร์เซียเจริญรุ่งเรือง คำว่า "ย่อส่วน" ใช้เพื่ออ้างถึงภาพประกอบหนังสือที่งดงามในทุกรูปแบบ สุลต่านอัคบาร์ดึงดูดศิลปินจากทั่วอินเดียรวมถึงชาวฮินดูให้สร้างพวกเขา รูปแบบฆราวาสที่กระฉับกระเฉงพัฒนาขึ้นในการประชุมเชิงปฏิบัติการของศาลซึ่งแตกต่างจากประเพณีของชาวเปอร์เซียในการตกแต่งหลายประการ วัตถุย่อส่วนในยุคโมกุลที่ระยิบระยับราวกับอัญมณี เปี่ยมด้วยชีวิตชีวา ทำให้เราเห็นภาพชีวิตอินเดียก่อนรัชสมัยของออรังเซ็บผู้คลั่งไคล้ (1658-1707) ที่สดใสอย่างน่าอัศจรรย์

ศิลปะของจีน

อารยธรรมจีนเป็นอารยธรรมเดียวที่รักษาความต่อเนื่องของประเพณีวัฒนธรรมที่มีอายุหลายศตวรรษ นิสัยบางอย่างของชาวจีนทั่วไป เช่น ความชื่นชอบในการเล่นฮาล์ฟโทนและเนื้อสัมผัสที่เนียนละเอียดของหยก ย้อนไปถึงยุคก่อนประวัติศาสตร์ ศิลปะจีนที่ยิ่งใหญ่เกิดขึ้นประมาณ 1,500 ปีก่อนคริสตกาลในยุคของราชวงศ์ Shang-Yin ด้วยการเกิดขึ้นของการเขียนอักษรอียิปต์โบราณและการได้มาซึ่งผู้ปกครองสูงสุดของสถานะอันศักดิ์สิทธิ์ของ "บุตรแห่งสวรรค์"

ระยะเวลา 500 ปีนี้ประกอบด้วยภาชนะสำริดขนาดใหญ่และมืดมนหลากหลายแบบสำหรับเซ่นไหว้บรรพบุรุษ ตกแต่งด้วยสัญลักษณ์นามธรรม อันที่จริงแล้ว ภาพเหล่านี้เป็นภาพสัตว์ในตำนานที่มีสไตล์เฉพาะตัวอย่างมาก รวมถึงมังกรด้วย ลัทธิของบรรพบุรุษที่มีอยู่ในอารยธรรมหลายแห่งได้กลายเป็นศูนย์กลางในความเชื่อของชาวจีน อย่างไรก็ตาม ในศิลปะของศตวรรษต่อมา วิญญาณแห่งความลึกลับที่มีมนต์ขลังค่อยๆ

ในยุคของ Shang-Yin แผนการล้อมรอบเมืองแบบเก่า (อันหยาง) เริ่มก่อตัวขึ้นโดยมีการสร้างวังและวัดของผู้ปกครอง บ้านที่อยู่อาศัยและพระราชวังถูกสร้างขึ้นจากส่วนผสมที่เป็นของแข็งของดิน (ดินเหลือง) และสารเติมแต่งที่ทำจากไม้โดยไม่มีหิน ปรากฎภาพและอักษรอียิปต์โบราณซึ่งเป็นพื้นฐานของปฏิทินจันทรคติ ในเวลานี้รูปแบบของเครื่องประดับถูกสร้างขึ้นซึ่งได้รับการเก็บรักษาไว้มานานหลายศตวรรษ จานสีบรอนซ์เรียบง่ายได้รับการตกแต่งด้านนอกด้วยภาพสัญลักษณ์และด้านใน - ด้วยจารึกอักษรอียิปต์โบราณพร้อมชื่อของผู้สูงศักดิ์หรือจารึกอุทิศ ในช่วงเวลานี้ ภาพสัญลักษณ์อยู่ไกลจากความเป็นจริงและแตกต่างจากรูปแบบนามธรรม

ระบบศาสนาและปรัชญาลัทธิเต๋าและลัทธิขงจื๊อมีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อวัฒนธรรมและศิลปะ ในช่วงกลางของสหัสวรรษแรกก่อนคริสต์ศักราช ก่อให้เกิดหลักการพื้นฐานของสถาปัตยกรรมและการวางผังเมือง มีการสร้างป้อมปราการจำนวนมาก กำแพงป้องกันที่แยกจากกันจากทางเหนือของจักรวรรดิเริ่มรวมกันเป็นกำแพงเมืองจีนที่ต่อเนื่องกัน (ศตวรรษที่ 3 ก่อนคริสต์ศักราช - ศตวรรษที่ 15 ความสูงตั้งแต่ 5 ถึง 10 เมตร ความกว้างตั้งแต่ 5 ถึง 8 เมตร และความยาว 5,000 เมตร กม.) มีป้อมยามรูปสี่เหลี่ยม. โครงสร้างโครงก่อด้วยไม้ (ก่อด้วยอิฐ) ลักษณะเป็นผังอาคารรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้า หลังคาจั่วของอาคารมุงด้วยฟาง (ภายหลังกระเบื้อง) สุสานสองชั้นใต้ดินกำลังแพร่กระจาย ผนังและเพดานตกแต่งด้วยภาพวาดฝาผนัง ฝังหิน รูปปั้นสัตว์มหัศจรรย์วางอยู่ใกล้ๆ ลักษณะของจิตรกรรมจีนปรากฏขึ้น

หลังจากความขัดแย้งกลางเมืองหลายศตวรรษ จีนก็ถูกรวมเป็นหนึ่งโดยจักรพรรดิแห่งราชวงศ์ฉิน (ประมาณ 221 - 209 ปีก่อนคริสตกาล) การค้นพบทางโบราณคดีที่ไม่เหมือนใครพูดถึงความคลั่งไคล้ความคลั่งไคล้ในการยกตนข่มท่านลอร์ดผู้นี้ ถ่ายในปี 1974 กองทัพนักรบดินเผา (เซรามิกไม่เคลือบ) ขนาดเท่ามนุษย์ซึ่งถูกกำหนดให้รับใช้พระองค์ในชีวิตหลังความตายถูกพบในสุสานของจักรพรรดิ

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาของราชวงศ์ฮั่น (209 ปีก่อนคริสต์ศักราช - 270 ปี) จีนได้พัฒนาเป็นอาณาจักรขนาดใหญ่ที่มีโครงสร้างทางสังคมที่ซับซ้อน ลัทธิขงจื๊อ หลักคำสอนทางจริยธรรมที่สั่งสอนความพอประมาณและความซื่อสัตย์ต่อครอบครัวและหน้าที่พลเมือง มีผลกระทบอย่างลึกซึ้งต่อโลกทัศน์ของชาวจีน โดยเฉพาะอย่างยิ่งต่อวรรณะของข้าราชการที่มีความรู้ ซึ่งเกิดจากระบบการสอบเพื่อเข้ารับราชการ เจ้าหน้าที่ ซึ่งมักจะเป็นศิลปินและกวี มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาศิลปะจีน องค์ประกอบใหม่ได้รับการแนะนำโดยลัทธิเต๋า คำสอนที่ใช้งานง่ายและมีมนต์ขลังที่ใกล้ชิดกับธรรมชาติที่เกิดขึ้นในยุคฮั่น

ศิลปะฮั่นเข้ามาหาเราเป็นหลักในรูปแบบของของขวัญงานศพ - เสื้อผ้า เครื่องประดับและเครื่องสำอาง เช่นเดียวกับตุ๊กตาทองสัมฤทธิ์และเซรามิก ภาพนูนต่ำนูนต่ำนูนสูง และกระเบื้องแกะสลัก พุทธศาสนาซึ่งมาจากอินเดียเป็นแรงบันดาลใจให้ปรมาจารย์ชาวจีนค้นหารูปแบบและเทคนิคทางศิลปะใหม่ๆ ซึ่งปรากฏให้เห็นในวัดถ้ำที่แกะสลักในลักษณะอินเดียและรูปปั้นของ Yunygan

เมื่อพิจารณาจากอนุสรณ์สถานไม่กี่แห่งที่ตกทอดมาถึงเรา ในยุคฮั่น ประเพณีการวาดภาพที่เข้มแข็งได้พัฒนาขึ้น โดดเด่นด้วยความสว่างที่น่าทึ่งและอิสระในการใช้พู่กัน ต่อจากนั้น การวาดภาพกลายเป็นศิลปะมวลชนอย่างแท้จริง และเป็นเวลาหลายศตวรรษที่จีนได้มอบศิลปิน โรงเรียน และการเคลื่อนไหวที่โดดเด่นมากมายให้กับโลก การรับรู้อย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับความงามของธรรมชาติโดยรอบนำมาซึ่งแนวภูมิทัศน์โดยเฉพาะแนวภูเขาซึ่งมีความสำคัญมากในศิลปะจีน - แนวนี้ไม่มีความคล้ายคลึงกันในวัฒนธรรม รูปภาพมักถูกสร้างขึ้นเพื่อเป็นภาพประกอบสำหรับบทกวีหรืองานอื่น ๆ และการประดิษฐ์ตัวอักษรที่ไร้ที่ติของจารึกได้รับการเคารพในฐานะศิลปะในตัวมันเอง

แม้ว่าเครื่องปั้นดินเผาจะถูกผลิตในประเทศจีนเป็นเวลาหลายพันปี แต่ในสมัยถัง (618-906) งานฝีมือชิ้นนี้ได้รับคุณลักษณะของงานศิลปะของแท้ ในเวลานี้รูปแบบใหม่และการเคลือบสีปรากฏขึ้นทำให้ผลิตภัณฑ์ดูมีสีสัน ในบรรดาอนุสรณ์สถานที่มีชื่อเสียงที่สุดของราชวงศ์นี้คือรูปปั้นเซรามิกงานศพของคนและสัตว์ซึ่งไม่ด้อยไปกว่ารูปแบบโครงสร้างขนาดใหญ่ รูปปั้นนักขี่ม้าที่สวยงามในยุคถังนั้นโดดเด่นด้วยความงามและการแสดงออกที่พิเศษ

ในตอนเช้าของยุคถัง ชาวจีนเชี่ยวชาญความลับในการทำเครื่องลายคราม วัสดุสีขาวบริสุทธิ์ที่บาง แข็ง โปร่งแสงนี้ไม่มีผู้ใดเทียบได้ในด้านกลเม็ดเด็ดพราย ซึ่งสมบูรณ์แบบด้วยฝีมืออันประณีตในสมัยราชวงศ์ซ่ง (960-1260) และราชวงศ์ต่อๆ มา เครื่องลายครามสีน้ำเงินและสีขาวที่มีชื่อเสียงทำขึ้นในสมัยราชวงศ์หยวนของมองโกล (ค.ศ. 1260-1368)

มีบทบาทสำคัญในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมจีนโดยหนังสือภูมิปัญญาและการทำนายดวงชะตาของจีนโบราณที่เรียกว่า "หนังสือแห่งการเปลี่ยนแปลง" ที่นี่โลกเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นตัวอ่อนชนิดหนึ่งซึ่งภายในนั้นรวมพลังแสงของเพศชาย - หยางและพลังแห่งความมืดของผู้หญิง - หยินเข้าด้วยกัน หลักการทั้งสองนี้ไม่มีอยู่จริงหากปราศจากอีกหลักการหนึ่ง Book of Changes มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาความคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์และศิลปะจีนต่อไป

ในตอนต้นของยุคซ่ง ชาวจีนเริ่มสะสมงานศิลปะจากราชวงศ์ในอดีต และศิลปินมักจะฟื้นฟูรูปแบบสมัยโบราณ อย่างไรก็ตาม ศิลปะในยุคหมิง (ค.ศ. 1368-1644) และสมัยชิงตอนต้น (ค.ศ. 1644-1912) มีคุณค่าในตัวเอง แม้ว่าพลังสร้างสรรค์จะค่อยๆ จางหายไปก็ตาม

ในสมัยราชวงศ์หมิงและชิง เมืองที่มีผังเมืองปกติและสมมาตรประกอบด้วยส่วนในและส่วนนอกได้ก่อตัวขึ้น เมืองหลวงปักกิ่งเกือบจะถูกสร้างขึ้นใหม่ ศิลปะประยุกต์ได้มาถึงระดับที่สร้างภาพลักษณ์ของจีนในยุโรป

ศิลปะของญี่ปุ่น

จากศตวรรษสู่ศตวรรษ ญี่ปุ่นได้พัฒนาแตกต่างจากอารยธรรมอื่นๆ ยกเว้นจีน การเติบโตของอิทธิพลของจีนเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 5-6 เมื่อพร้อมกับระบบการปกครองของรัฐใหม่ การเขียน พุทธศาสนา และศิลปะต่างๆ จากทวีปนี้มายังญี่ปุ่น ชาวญี่ปุ่นสามารถดูดซับนวัตกรรมจากต่างประเทศได้เสมอ ทำให้พวกเขามีคุณลักษณะประจำชาติ ตัวอย่างเช่น ประติมากรรมของญี่ปุ่นให้ความสำคัญกับความคล้ายคลึงกันของภาพบุคคลมากกว่าของจีน

การพัฒนาการวาดภาพของญี่ปุ่นได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการติดต่อกับทวีป ซึ่งในตอนต้นของศตวรรษที่ 7 ศิลปะการทำสี กระดาษ และหมึกถูกยืมมา

ความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับชะตากรรมของการวาดภาพญี่ปุ่นรวมถึงประติมากรรมคือการเผยแพร่ศาสนาพุทธในประเทศเนื่องจากความต้องการในการปฏิบัติทางศาสนาพุทธทำให้เกิดความต้องการงานศิลปะประเภทนี้ ดังนั้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 เพื่อเผยแพร่ความรู้ในหมู่ผู้ศรัทธาเกี่ยวกับเหตุการณ์ในประวัติศาสตร์อันศักดิ์สิทธิ์ของพุทธศาสนา สิ่งที่เรียกว่า emakimono (ม้วนแนวนอนยาว) จึงถูกสร้างขึ้นจำนวนมาก ซึ่งแสดงฉากจากประวัติศาสตร์อันศักดิ์สิทธิ์ของพุทธศาสนาหรือจากคำอุปมาที่เกี่ยวข้อง .

ภาพวาดของญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 7 ยังคงเรียบง่ายและไร้ศิลปะ แนวคิดเกี่ยวกับเรื่องนี้มาจากภาพวาดบนเรือทามามูชิจากวัดโฮริวจิ ซึ่งแสดงฉากเดียวกันกับที่จำลองขึ้นบนเอมากิโมโนะ ภาพวาดทำด้วยสีแดง เขียว และเหลืองบนพื้นหลังสีดำ ภาพวาดบางภาพบนผนังวัดที่มีอายุย้อนไปถึงศตวรรษที่ 7 มีความคล้ายคลึงกันมากกับภาพวาดที่คล้ายกันในอินเดีย

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 7 การพัฒนาประเภทและการวาดภาพทิวทัศน์เริ่มขึ้นในญี่ปุ่น หน้าจอภายใต้ชื่อเงื่อนไข "ผู้หญิงที่มีขนนก" มีชีวิตรอดมาจนถึงทุกวันนี้ หน้าจอแสดงให้เห็นผู้หญิงคนหนึ่งยืนอยู่ใต้ต้นไม้ ผมและชุดกิโมโนของเธอประดับด้วยขนนก ภาพวาดดำเนินการด้วยเส้นที่เบาและลื่นไหล

ในขั้นต้น ศิลปินชาวญี่ปุ่น ส่วนหนึ่งเนื่องมาจากธรรมชาติของหัวข้อที่พวกเขากำลังทำงาน (ภาพวาดพุทธ) ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากจีน พวกเขาวาดภาพในสไตล์จีนหรือสไตล์คาราเอะ แต่เมื่อเวลาผ่านไป ตรงกันข้ามกับภาพวาดในสไตล์จีนของ kara-e ภาพวาดฆราวาสในสไตล์ญี่ปุ่น หรือสไตล์ yamato-e (ภาพวาดยามาโตะ) เริ่มปรากฏขึ้น ในศตวรรษที่ 10-12 สไตล์ yamato-e มีความโดดเด่นในการวาดภาพ แม้ว่างานที่มีลักษณะทางศาสนาล้วน ๆ ยังคงถูกวาดในรูปแบบจีน ในช่วงเวลานี้เทคนิคการใช้รูปทรงของภาพด้วยกระดาษฟอยล์สีทองที่เล็กที่สุดเริ่มแพร่หลาย

ตัวอย่างหนึ่งของภาพวาดประวัติศาสตร์ในยุคคามาคุระคือภาพวาดเฮจิโมโนกาตาริที่มีชื่อเสียงในศตวรรษที่ 13 ซึ่งแสดงให้เห็นการจลาจลที่เกิดขึ้นในปี ค.ศ. 1159 โดยหัวหน้ากลุ่มซามูไรใหญ่ โยชิโมโตะ มินาโมโตะ เช่นเดียวกับของจิ๋วในพงศาวดารรัสเซียโบราณ ม้วนหนังสือเช่น Heiji Monogatari ไม่เพียงแต่เป็นผลงานศิลปะที่โดดเด่นเท่านั้น แต่ยังเป็นหลักฐานทางประวัติศาสตร์อีกด้วย เมื่อรวมข้อความและรูปภาพเข้าด้วยกัน พวกเขาผลิตซ้ำเพื่อไล่ตามเหตุการณ์อันปั่นป่วนของการปะทะกันของเจ้าชายในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 12 อย่างร้อนแรง ร้องเพลงเกี่ยวกับการหาประโยชน์ทางทหารและคุณสมบัติทางศีลธรรมอันสูงส่งของทหารชั้นสูงใหม่ ซามูไร ที่เข้าสู่เวทีประวัติศาสตร์

ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคมุโรมาจิคือ Sesshu (1420-1506) ซึ่งเป็นผู้สร้างสรรค์สไตล์ของเขาเอง เขาเป็นเจ้าของผลงานจิตรกรรมญี่ปุ่นที่โดดเด่นเรื่อง "Long landscape scroll" ลงวันที่ 1486 มีความยาว 17 ม. และกว้าง 4 ม. สกรอลล์แสดงถึงฤดูกาลทั้งสี่ Sesshu เป็นจิตรกรภาพเหมือนที่ยอดเยี่ยม เห็นได้จากภาพเหมือนของ Masuda Kanetaka

ในช่วงทศวรรษสุดท้ายของยุคมุโรมาจิ กระบวนการของการวาดภาพแบบมืออาชีพอย่างเข้มข้นได้เกิดขึ้น ในตอนต้นของศตวรรษที่ 16 โรงเรียน Kano ที่มีชื่อเสียงก่อตั้งขึ้นโดย Kano Masanobu (1434-1530) ผู้วางรากฐานสำหรับทิศทางการตกแต่งในการวาดภาพ หนึ่งในผลงานการวาดภาพประเภทแรกๆ ของโรงเรียน Kano คือภาพวาดโดยศิลปิน Hijori ของหน้าจอในหัวข้อ "ชื่นชมเมเปิ้ลในทาคาโอะ"

ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 16 จิตรกรรมฝาผนังและภาพวาดบนฉากพับกลายเป็นรูปแบบหลักของการวาดภาพ ภาพวาดประดับพระราชวังของขุนนาง บ้านเรือนราษฎร วัดวาอาราม รูปแบบของแผงตกแต่งกำลังพัฒนา - ใช่-mi-eh แผงดังกล่าวถูกทาสีด้วยสีที่หลากหลายบนกระดาษฟอยล์สีทอง

สัญญาณของการพัฒนาการวาดภาพในระดับสูงคือการมีอยู่ในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 ของโรงเรียนวาดภาพหลายแห่ง รวมถึง Kano, Tosa, Unkoku, Soga, Hasegawa, Kaiho

ในช่วงศตวรรษที่ 17-19 โรงเรียนที่เคยรุ่งเรืองหลายแห่งหายไป แต่โรงเรียนใหม่ๆ ก็เข้ามาแทนที่ เช่น โรงเรียนภาพพิมพ์แกะไม้อุกิโยะ โรงเรียนมารุยามะชิโจ โรงเรียนนังงะ และภาพวาดยุโรป ร่วมกับเมืองโบราณอย่างนาราและเกียวโต เมืองหลวงใหม่ของเอโดะ (โตเกียวยุคใหม่) โอซาก้า นางาซากิ ฯลฯ กลายเป็นศูนย์กลางของวัฒนธรรมและศิลปะของยุคกลางตอนปลาย (ซึ่งลากยาวในญี่ปุ่นจนถึงเกือบศตวรรษที่ 19) .

ศิลปะสมัยเอโดะ (ค.ศ. 1615-1868) มีลักษณะเฉพาะโดยลัทธิประชาธิปไตยแบบพิเศษและการผสมผสานระหว่างศิลปะและประโยชน์ใช้สอย ตัวอย่างของการผสมผสานดังกล่าวคือการวาดภาพบนหน้าจอ บนหน้าจอที่จับคู่มีการเขียน "ดอกพลัมสีแดงและสีขาว" ซึ่งเป็นผลงานชิ้นเอกที่สำคัญและมีชื่อเสียงที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่ของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ Ogata Korin (1658-1716) ซึ่งเป็นผลงานชิ้นเอกที่ได้รับการจัดอันดับอย่างถูกต้องในการสร้างสรรค์ที่ดีที่สุดไม่เพียง ญี่ปุ่น แต่ยังภาพวาดโลก

หนึ่งในประเภทศิลปะพลาสติกขนาดเล็กของญี่ปุ่นที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือเน็ตสึเกะ ใน netsuke หลักการทางศิลปะของยุคกลางถูกหักเห รวมกับศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในยุคเอโดะ งานประติมากรรมขนาดจิ๋วเหล่านี้ดูเหมือนจะมุ่งเน้นไปที่ประสบการณ์พลาสติกของญี่ปุ่นนับพันปี ตั้งแต่โดกุป่าแห่งโจมง ฮานิวะแห่งคูกันตอนปลาย ไปจนถึงวัฒนธรรมที่เป็นที่ยอมรับในยุคกลาง พระพุทธรูปหิน และต้นเอนกุที่มีชีวิต ปรมาจารย์ Netsuke หยิบยืมการแสดงความรู้สึกมากมาย ความรู้สึกของสัดส่วน ความสมบูรณ์และความถูกต้องขององค์ประกอบ ความสมบูรณ์แบบของรายละเอียดจากมรดกคลาสสิก

วัสดุสำหรับ netsuke นั้นแตกต่างกันมาก: ไม้, งาช้าง, โลหะ, อำพัน, แลคเกอร์, เครื่องลายคราม ในแต่ละสิ่งที่อาจารย์ทำงานบางครั้งตลอดทั้งปี หัวข้อของพวกเขาแตกต่างกันไปไม่รู้จบ: ภาพคน, สัตว์, พระเจ้า, บุคคลสำคัญทางประวัติศาสตร์, ตัวละครในความเชื่อพื้นบ้าน ความรุ่งเรืองของศิลปะประยุกต์ในเมืองนั้นอยู่ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18

ครั้งหนึ่งในศตวรรษที่ผ่านมา ยุโรป และรัสเซีย พวกเขาเริ่มคุ้นเคยกับปรากฏการณ์ของศิลปะญี่ปุ่นเป็นครั้งแรกผ่านการแกะสลัก ปรมาจารย์แห่งภาพอุกิโยะได้รับความเรียบง่ายและความชัดเจนสูงสุดทั้งในการเลือกพล็อตและในการนำไปใช้ โครงเรื่องของการแกะสลักส่วนใหญ่เป็นฉากประเภทจากชีวิตประจำวันของเมืองและผู้อยู่อาศัย: พ่อค้า ศิลปิน เกอิชา

Ukiyo-e ซึ่งเป็นโรงเรียนสอนศิลปะพิเศษได้นำเสนอผลงานระดับปรมาจารย์จำนวนมาก ระยะเริ่มต้นในการพัฒนาการแกะสลักพล็อตเกี่ยวข้องกับชื่อของ Hisikawa Moronobu (1618-1694) นักแกะสลักหลากสีคนแรกคือ Suzuki Haranobu ซึ่งทำงานในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 แรงจูงใจหลักของงานของเขาคือฉากโคลงสั้น ๆ ที่มีอิทธิพลเหนือกว่าการกระทำ แต่เป็นการถ่ายทอดความรู้สึกและอารมณ์: ความอ่อนโยน, ความเศร้า, ความรัก

เช่นเดียวกับศิลปะโบราณอันประณีตของยุคเฮอัน ปรมาจารย์ภาพอุกิโยะได้ฟื้นคืนชีพขึ้นมาในสภาพแวดล้อมใหม่ของเมือง ซึ่งเป็นลัทธิความงามอันประณีตของผู้หญิง โดยมีข้อแตกต่างเพียงอย่างเดียวที่แทนที่จะเป็นขุนนางเฮอันบนภูเขา เกอิชาผู้สง่างามจากย่านบันเทิงของเอโดะกลายเป็น วีรสตรีของการแกะสลัก

ศิลปิน Utamaro (1753-1806) อาจเป็นตัวอย่างที่ไม่เหมือนใครของปรมาจารย์ในประวัติศาสตร์การวาดภาพโลก ผู้อุทิศงานของเขาอย่างไม่แบ่งแยกเพื่อพรรณนาผู้หญิงในสถานการณ์ชีวิตที่แตกต่างกัน ในอิริยาบถและห้องน้ำต่างๆ หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของเขาคือ Geisha Osama

ประเภทของการแกะสลักของญี่ปุ่นถึงระดับสูงสุดในผลงานของ Katsushika Hokusai (1760-1849) เขาโดดเด่นด้วยความสมบูรณ์ของการครอบคลุมชีวิตที่ไม่เคยมีมาก่อนในศิลปะญี่ปุ่น ความสนใจในทุกแง่มุม ตั้งแต่ฉากบนท้องถนนแบบสุ่มไปจนถึงปรากฏการณ์ทางธรรมชาติที่ยิ่งใหญ่

เมื่ออายุได้ 70 ปี โฮคุไซได้สร้างภาพพิมพ์ชุดที่โด่งดังที่สุดของเขา "36 Views of Fuji" ตามมาด้วยชุด "Bridges", "Big Flowers", "Journey through the Waterfalls of the Country", อัลบั้ม "100 Views ของฟูจิ”. การแกะสลักแต่ละชิ้นเป็นอนุสาวรีย์ศิลปะภาพอันทรงคุณค่า และซีรีส์โดยรวมให้แนวคิดดั้งเดิมที่ลึกซึ้งเกี่ยวกับการเป็นอยู่ จักรวาล สถานที่ของบุคคลในนั้น ตามแบบดั้งเดิมในความหมายที่ดีที่สุดของคำ เช่น มีรากฐานมาจากประวัติศาสตร์นับพันปีของความคิดทางศิลปะของญี่ปุ่น และมีความสร้างสรรค์ที่แปลกใหม่ บางครั้งอาจหาญในแง่ของวิธีการดำเนินการ

งานของ Hokusai เชื่อมโยงประเพณีทางศิลปะอายุหลายศตวรรษของญี่ปุ่นเข้ากับการตั้งค่าสมัยใหม่ของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะและการรับรู้ได้อย่างเพียงพอ การฟื้นฟูแนวภูมิทัศน์อย่างยอดเยี่ยมซึ่งในยุคกลางได้มอบผลงานชิ้นเอกเช่นภูมิทัศน์ฤดูหนาวของ Sesshu โฮคุไซนำมันออกมาจากหลักการของยุคกลางโดยตรงสู่การปฏิบัติทางศิลปะของศตวรรษที่ 19-20 มีอิทธิพลและอิทธิพลไม่เพียง แต่อิมเพรสชันนิสต์ฝรั่งเศสเท่านั้น และนักโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ (Van Gogh, Gauguin , Matisse) แต่ยังรวมถึงศิลปินชาวรัสเซียแห่ง World of Art และโรงเรียนสมัยใหม่อื่น ๆ

โดยรวมแล้วศิลปะการแกะสลักสีอุกิโยะเป็นผลงานที่ยอดเยี่ยม และบางทีอาจเป็นการเติมเต็มเส้นทางอันเป็นเอกลักษณ์ของศิลปะญี่ปุ่น



ประวัติศาสตร์ศิลปะขนาดเล็ก ศิลปะของประเทศตะวันออกไกล Vinogradova N.A. , Nikolaeva N.S.

ม.: 2522 - 374 น.

"Small History of Art" เล่มนี้อุทิศให้กับศิลปะของประเทศในตะวันออกไกล มันเป็นปากกาของนักวิจัยโซเวียต N. Vinogradova และ N. Nikolaeva บนดินแดนอันกว้างใหญ่ซึ่งถูกกำหนดให้เป็นตะวันออกไกลตามประเพณี วัฒนธรรมที่มีชีวิตชีวาและดั้งเดิมได้รับการพัฒนาขึ้น ทิ้งผลงานอันโดดเด่นของมนุษย์ในด้านวรรณกรรม ปรัชญา และวิจิตรศิลป์ เกี่ยวกับวัสดุของสถาปัตยกรรม ประติมากรรม จิตรกรรม และงานฝีมือการตกแต่งของจีน เกาหลี ญี่ปุ่น และมองโกเลีย ซึ่งครอบคลุมกรอบลำดับเหตุการณ์ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปลายศตวรรษที่ 19 ผู้เขียนแสดงให้เห็นอย่างน่าเชื่อว่าศิลปะของประเทศในตะวันออกไกล ไม่ถูกแยกออกจากกระบวนการทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรม ปฏิบัติตามกฎทั่วไปส่วนใหญ่ ในขณะเดียวกันก็เป็นปรากฏการณ์อิสระในศิลปะโลก หนังสือเล่มนี้มีเครื่องมือทางวิทยาศาสตร์ - ตารางซิงโครไนซ์, พจนานุกรม, บรรณานุกรม พร้อมภาพประกอบสีและโทนสี

รูปแบบ:ไฟล์ PDF

ขนาด: 24 ลบ

ดาวน์โหลด: ยานเดกซ์.ดิสก์

เนื้อหา
6 คำนำของ Ya. S. Nikolaev
9 จีน เอ็น. เอ. วิโนกราโดวา
10 บทนำ
16 ศิลปะในยุคโบราณและเก่าแก่ที่สุด (IV พันปีก่อนคริสต์ศักราช - คริสต์ศตวรรษที่ 3)
31 ศิลปะสมัยพุทธศตวรรษที่ 4-6
47 ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 7-13
117 ศิลปะปลายศตวรรษที่ 13-14
125 ศิลปะปลายพุทธศตวรรษที่ 14-19
153 เกาหลี N. A. Vinogradova
154 บทนำ
158 ศิลปะในยุคโบราณและเก่าแก่ที่สุด (3 พันปีก่อนคริสต์ศักราช - ศตวรรษแรกก่อนคริสต์ศักราช)
163 ศิลปะแห่งยุคสามก๊ก - โกคูรยอ แพ็กเจ และซิลลา (ศตวรรษแรกก่อนคริสต์ศักราช - ศตวรรษที่ 7)
177 ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 8-IX ยุคซิลลารวม
189 ศิลปะแห่งศตวรรษที่ X-XIV สมัยโครยอ
196 ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 14 - ต้นศตวรรษที่ 19
207 JAPAN N. S. Nikolaeva
208 บทนำ
211 ศิลปะในยุคโบราณและเก่าแก่ที่สุด (IV พันปีก่อนคริสต์ศักราช - ศตวรรษที่ VI)
220 ศิลปะคริสต์ศตวรรษที่ 6-8
242 ศิลปะคริสต์ศตวรรษที่ 9-12
263 ศิลปะแห่งศตวรรษที่ XIII-XV
289 ศิลปะคริสต์ศตวรรษที่ 16 - ต้นคริสต์ศตวรรษที่ 17
306 ศิลปะช่วงครึ่งหลังของคริสต์ศตวรรษที่ 17-19
329 มองโกเลีย N.A. Vinogradova
330 บทนำ
333 ศิลปะสมัยโบราณและสมัยโบราณ
337 ศิลปะแห่งยุคศักดินา (สิบสาม - ต้นศตวรรษที่ XX)
353 แอป
354 อภิธานศัพท์
357 ตารางการซิงโครไนซ์
367 บรรณานุกรมย่อ
371 ดรรชนีรายชื่อ
ศิลปินและสถาปนิก

หนังสือเล่มนี้อุทิศให้กับประวัติศาสตร์ศิลปะของชาวจีน เกาหลี ญี่ปุ่น และมองโกเลียตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงศตวรรษที่ 19 ในช่วงเวลาหลายพันปี วัฒนธรรมที่มีชีวิตชีวาและดั้งเดิมได้พัฒนาขึ้นในดินแดนอันกว้างใหญ่ ซึ่งถูกกำหนดให้เป็นตะวันออกไกลตามอัตภาพ ทิ้งผลงานอันโดดเด่นของมนุษย์ในด้านวรรณกรรม ปรัชญา วิจิตรศิลป์ และสถาปัตยกรรม
ช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์อันยาวนานที่พิจารณาในหนังสือเล่มนี้ประกอบด้วยวัฒนธรรมสองประเภทที่ต่อเนื่องกัน - โบราณและยุคกลาง ในสมัยโบราณผู้คนในตะวันออกไกลได้สร้างอนุสรณ์สถานที่สำคัญของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณและวัตถุ แต่ผลงานหลักของพวกเขาต่อวัฒนธรรมของมนุษยชาติคือผลงานที่โดดเด่นของจิตรกรรม ประติมากรรม สถาปัตยกรรม และมัณฑนศิลป์ที่สร้างขึ้นในยุคกลาง

ประวัติอย่างเป็นทางการขององค์กรเริ่มขึ้นในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2481 ตามความคิดริเริ่มของ V. V. Bezrodny ศิลปิน ครู และบุคคลสาธารณะ Vasily Vasilyevich Bezrodny จบการศึกษาจากสถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก I. E. Repin ภาควิชาออกแบบการแสดงละคร ตามยุคสมัยเขาเป็นคนหัวสมัยใหม่มีความรู้และมีศิลปะวัฒนธรรมสูง

ในวลาดิวอสต็อกในช่วงหลายปีที่ผ่านมา การศึกษาศิลปะระดับสูงเป็นเรื่องที่หาได้ยาก ทักษะวิชาชีพและวิสัยทัศน์ด้านศิลปะของ V. V. Bezrodny ก่อตั้งขึ้นในสถาบันศิลปะแห่งจักรวรรดิเดิมที่ซึ่ง A. P. Ostroumova-Lebedeva, I. I. Brodsky, M. P. Bobyshev, B. V. Ioganson, D. N. Kardovsky

บรรยากาศในสถาบันการศึกษาในช่วงหลายปีที่ผ่านมาสามารถตัดสินได้จากห้องโถงพิเศษที่เปิดในปี 2013 ที่พิพิธภัณฑ์วิจัยแห่ง Russian Academy of Arts (NIM RAH) ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก นี่คือห้องโถงที่อุทิศให้กับ Academy of Arts ในช่วงที่ยากลำบากช่วงหนึ่ง - ในช่วงทศวรรษที่ 1920 ถึงต้นทศวรรษที่ 1930 เมื่อมีภาพที่มีสีสันแปลกตาของแนวโน้มต่างๆ สิ่งนี้มีอิทธิพลต่อการก่อตัวของศิลปิน

คุณสมบัติอย่างหนึ่งของ V. V. Bezrodny ที่เกิดขึ้นในเวลานั้นสามารถเรียกได้ว่าเป็นความเก่งกาจของธรรมชาติที่สร้างสรรค์ของเขา สิ่งนี้ส่งผลกระทบต่อบรรยากาศในองค์กรที่สร้างขึ้นใหม่ใน Primorye และลักษณะของกิจกรรมของ V. V. Bezrodny เองซึ่งไม่เพียงมีส่วนร่วมในกิจการของสหภาพศิลปินในท้องถิ่นเท่านั้น แต่ยังมุ่งมั่นที่จะสร้างการศึกษาศิลปะด้วย

เกี่ยวกับขั้นตอนแรกของ Primorye Organization of Artists, V. I. Kandyba เขียนดังนี้: "ในวันที่ 10 ตุลาคม พ.ศ. 2481 เป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของภูมิภาคนี้ ศิลปินจากส่วนต่างๆ ของ Primorye มารวมตัวกัน

การประชุมครั้งนี้กลายเป็นการก่อตั้ง ผลที่ตามมาคือการจัดตั้งคณะกรรมการจัดงานของ Union of Primorye Artists ซึ่งเมื่อวันที่ 1 สิงหาคม พ.ศ. 2482 ได้รับการจดทะเบียนโดยคณะกรรมการจัดงานของสหภาพศิลปินโซเวียตในมอสโกว

V. V. Bezrodny ได้รับเลือกเป็นประธาน V. F. Inozemtsev เป็นรองประธานและประธานคณะกรรมการจัดนิทรรศการ และ T. G. Aleshunin เป็นเลขานุการด้านเทคนิค "วันพฤหัสบดี" ที่มีชื่อเสียงที่ N. I. Kramskoy ด้วยการวาดภาพ การพูดคุยเกี่ยวกับศิลปะถูกเปลี่ยนใน Vladivostok ให้เป็นสตูดิโอฝึกอบรมขั้นสูงสำหรับศิลปิน มีการประชุมเป็นประจำทำงานกับตัวเอง สตูดิโอที่ครองราชย์ที่นี่ จิตวิญญาณที่ไม่เหมือนใครของความเป็นเพื่อน ความเป็นน้ำหนึ่งใจเดียวกัน ความกระตือรือร้น และแรงบันดาลใจที่สร้างสรรค์ โดยไม่มีเหตุผล ในปีพ. ศ. 2482 ตามแผนของคณะกรรมการจัดงานได้มีการเปิดนิทรรศการผลงานร่วมกันของศิลปิน Primorye มีผู้เข้าร่วม 18 คน 120 ผลงาน

องค์กรสร้างสรรค์ประกอบด้วย I. A. Zyryanov, P. V. Muldin, O. I. Bogashevskaya-Sushkova, S. S. Serezhin, M. A. Tsyganov, V. M. Fomin, N. A. Mazurenko, V. M. Sviridov, F. I. Rodionov, S. P. Kolabukhov, D. S. Budrin, D. P. Pravednikov, A. V. Zevin, T. I. Obkov , I. F. Palshkov (Suchan, p. 1972 - Partizansk), P. P. Medvedev (Artem), V. M. Zotov (Ussuriysk), S. P. Chaika (Ussuriysk), I. S. Dereka (Ussuriysk), S. F. Arefin (Ussuriysk) , Y. L. Ars (Ussuriysk), G. K. อัสลานอฟ (Ussuriysk)

สมาชิกของกลุ่มแรกมีระดับการศึกษาและประสบการณ์วิชาชีพที่แตกต่างกัน ดังนั้น M. A. Tsyganov จบการศึกษาจากแผนกผู้สอนสโมสรของโรงเรียนเทคนิคใน Rostov จากนั้นจึงทำงานในสโมสรทหารในฐานะศิลปินในระหว่างที่เขารับราชการในกองทัพแดง (พ.ศ. 2475-34) P. V. Muldin เริ่มอาชีพของเขาในฐานะนักเรียน ของศิลปินแห่งโรงภาพยนตร์ Ussuri . S. F. Arefin ได้รับการฝึกอบรมที่ Studio of War Artists I. F. Palshkov (พ.ศ. 2430-2497) สำเร็จการศึกษาจาก Central School of Technical Drawing of Baron Stieglitz ในปี 2455 และมีประสบการณ์การทำงานที่โรงพิมพ์ผ้าลายของ Serpukhov, Ivano-Voznesensk รวมถึงประสบการณ์ในการเข้าร่วมนิทรรศการของ Society of ศิลปินที่ไม่ใช่บุคคลในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (พ.ศ. 2457-2458) และได้รับการยอมรับจากภูมิทัศน์ การศึกษา และการวาดภาพ ในปี 1916 I. F. Palshkov มีส่วนร่วมในการสร้างโบสถ์ที่โรงเรียนศิลปะพื้นบ้านของ Empress Alexandra Feodorovna ซึ่งเขาได้รับรางวัลเข็มกลัดอันมีค่าพร้อมภาพสัญลักษณ์ของรัฐ แต่ถึงแม้จะมีความแตกต่างเหล่านี้ แต่ศิลปินก็ยังเป็นหนึ่งเดียว: ผลงานของพวกเขาสะท้อนถึงธรรมชาติและชีวิตที่หลากหลายของ Primorsky Krai

ในปี 1939 คณะกรรมการจัดงานของสมาคมศิลปิน Primorye ทำงานที่บ้านของ V. V. Bezrodny ที่ Pushkinskaya อายุ 12 ปี บ้านหลังนี้ไม่ได้รับการอนุรักษ์ V. V. Bezrodny ย้ายไป Vladivostok จาก Ussuriysk ในปี 1936

เขาเริ่มทำงานในโรงละครของ Pacific Fleet สร้างภาพร่างทิวทัศน์และเครื่องแต่งกาย ในขณะเดียวกันศิลปินก็มีความคิดริเริ่มด้านการศึกษา: เขาสร้าง "สตูดิโอของศิลปินทหารเรือ" ที่สโมสรกะลาสีซึ่งตั้งอยู่ในเวลานั้นในอาคารของโบสถ์ลูเธอรันซึ่งทหารเรือแดงและกองทัพแดงอยู่ มีส่วนร่วม.

ในปีพ. ศ. 2482 ใน Club of Sailors (ปัจจุบันคือโรงละคร Pushkin, Pushkinskaya St. , 27) ตามความคิดริเริ่มของ Bezrodny โรงเรียนสตูดิโอได้ถูกสร้างขึ้นซึ่งพวกเขาศึกษาตามโปรแกรมของโรงเรียนศิลปะมัธยมศึกษา การตระหนักถึงความจำเป็นในการศึกษาแบบมืออาชีพ (แทนที่จะเป็นสตูดิโอ) ทำให้ V. V. Bezrodny มุ่งมั่นที่จะสร้างโรงเรียนศิลปะ Vladivostok Art School ในปีพ. ศ. 2486 ผู้แทนการศึกษาของสหภาพโซเวียตได้อนุมัติการตัดสินใจเปิดโรงเรียนศิลปะในวลาดิวอสต็อกซึ่งมีผู้อำนวยการ T. G. Aleshunin (ต่อมาย้ายไปที่ Far Eastern Pedagogical Institute of Arts ซึ่งจัดในปี 2505 ในตำแหน่งรอง -อธิการบดีฝ่ายเศรษฐกิจ). ในปี พ.ศ. 2487 ได้มีการลงทะเบียนนักเรียนครั้งแรก ในปีการศึกษาหน้า พ.ศ. 2488-2489 โรงเรียนมีสองหลักสูตรในแผนกจิตรกรรมและการละครและอีกหนึ่งหลักสูตรในสาขาประติมากรรม

ในปี 2014 วิทยาลัยศิลปะวลาดิวอสต็อกฉลองครบรอบ 70 ปี และกำลังรวบรวมเนื้อหาเพื่อสร้างอัลบั้มที่อุทิศให้กับประวัติของโรงเรียนและบทบาทในการก่อตั้งและพัฒนาการศึกษาศิลปะในดินแดน Primorsky และตะวันออกไกล ในบทความนี้ฉันต้องการเน้นความเชื่อมโยงระหว่างองค์กรสร้างสรรค์และโรงเรียน: ครูของ VCU ในยุคนั้น V. V. Bezrodny, B. F. Lobas, V. S. Zdanovich, G. M. Tsaplin, F. N. Babanin, K. I. Shebeko, V. I. Prokurov, A. M. Rodionov , M. A. Kostin, N. P. Zhogolev, D. P. Kosnitsky, Yu. I. Gerasimov, N. M. Timofeev, E. E. Makeev, L. A. Kozmina, A. A. Obmanets, M. V. Kholmogorova, A. P. Zhogoleva, V. V. Medvedev และคนอื่น ๆ เป็นและเป็นสมาชิกขององค์กร Primorsky ของ Union of ศิลปินของรัสเซีย

เมื่อเวลาผ่านไป องค์กรและงานสร้างสรรค์ขององค์กรศิลปิน Primorsky ถึงระดับใหม่เชิงคุณภาพ: นิทรรศการศิลปะระดับภูมิภาคกลายเป็นเรื่องปกติ ผู้สำเร็จการศึกษาจาก Vladivostok Art College มาสู่ชีวิตศิลปะ ในปี 1959 องค์กร Primorsky ได้ย้ายเข้าไปอยู่ในอาคารใหม่บนถนน อาลูตสกายา 14 ก.

เวทีใหม่ที่สดใสเริ่มต้นขึ้นในชีวิตของ Primorsky Union of Artists ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1950 เหล่านี้เป็นปีแห่งการสร้างอาชีพของ I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko, K. P. Koval, N. A. Mazurenko, S. F. Arefina, V. N. Gerasimenko, T. M. Kushnareva, V. M. Medvedsky, V. M. Sviridov, B. F. Lobasa, A. V. Teleshov เป็นต้น ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาบทวิจารณ์แรก ผลงานของศิลปิน Primorye ปรากฏในวารสาร "Khudozhnik" คำอธิบายทั่วไปของทศวรรษนี้ถูกกำหนดโดย V. I. Kandyba: "... มันเป็นช่วงเวลาของการก่อตัวและการสะสมความแข็งแกร่งโดยหยั่งรากบนดินริมทะเลของการเติบโตของศิลปินรุ่นบุกเบิก" บทบาทของศิลปินผู้บุกเบิกในการพัฒนาศิลปะของความเป็นจริงในตะวันออกไกลนั้นยอดเยี่ยมมาก

ในตอนท้ายของทศวรรษที่ 1950 มีการวางองค์ประกอบเหล่านั้นซึ่งทำให้สามารถเรียกศิลปะริมทะเลในนิทรรศการโซนที่ตามมาได้ นี่คือบทบาทที่โดดเด่นของภูมิทัศน์, ความปรารถนาที่จะเชี่ยวชาญประเภทของภาพพล็อตเรื่องที่เกี่ยวข้องกับประวัติศาสตร์ของภูมิภาค, ลักษณะของแรงงานในนั้น (Primorsky Krai เป็นดินแดนของกะลาสี, ชาวประมง, คนงานเหมือง), ดอกเบี้ย ในรูปแบบของภาคเหนือ Chukotka, Kamchatka, Kuriles

I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko ถือเป็นผู้ค้นพบธีมทางเหนือไม่เพียง แต่ในตะวันออกไกลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปะโซเวียตด้วย นิทรรศการ "Three Masters" ในห้องโถงสาขา Primorsky ของ VTOO "Union of Artists of Russia" ในปี 2014 โดยมีส่วนร่วมของ I. V. Rybachuk และ K. I. Shebeko ทำให้สามารถดูเนื้อหานี้จากมุมมองของความทันสมัย วิสัยทัศน์ของธีมในงานศิลปะและประเมินขนาดของสิ่งที่ได้ทำไปแล้วอีกครั้ง ทางเหนือดึงดูด V.M. Medvedsky, I.A. Ionchenkova, N. D. Volkova (Ussuriysk) และศิลปินคนอื่น ๆ กระตุ้นให้พวกเขาค้นหาวิธีการทางศิลปะพิเศษเพื่อสะท้อนธรรมชาติและมนุษย์ของภาคเหนืออย่างเพียงพอ

อีกประเด็นสำคัญไม่น้อยในงานศิลปะของศิลปิน Primorye คือธีม Shikotan หลังจากกลายเป็นหัวข้อของการวิจัยล่าสุดที่เกี่ยวข้องกับความสนใจในศิลปะในประเทศของทศวรรษที่ 1960 โดยทั่วไปแล้วหัวข้อนี้มีความเกี่ยวข้องกับผลงานของศิลปินมากกว่าสองโหลใน Primorsky Territory และกินเวลานานหลายทศวรรษทำให้เกิดแรงผลักดัน ต่อการมีอยู่ของกลุ่มชิโกตัน ช่วงแรกของการดำรงอยู่ของกลุ่มเกี่ยวข้องกับชื่อของ Y. I. Volkov, I. A. Kuznetsov, V. S. Rachev, E. N. Korzha ประวัติความเป็นมาของการสร้างกลุ่มนั้นเชื่อมโยงกับบุคลิกของ O. N. Loshakov หลังจากสำเร็จการศึกษาจากสถาบันศิลปะมอสโก V. I. Surikov ซึ่งมาที่ Vladivostok เพื่อสอนที่โรงเรียนศิลปะ ภูมิทัศน์, ภาพบุคคล, ภาพโครงเรื่อง - ประเภทเหล่านี้รวมอยู่ในผืนผ้าใบหลายสิบภาพซึ่งมีเนื้อหาหลักคือ "ธรรมชาติของตะวันออกไกลจากนั้น - บุคคลที่มีความสัมพันธ์ที่เรียบง่ายและแข็งแกร่งกับเธอ" ในผลงานของ Shikotans มีการตระหนักถึงรูปแบบที่รุนแรง - แนวโน้มในงานศิลปะของทศวรรษที่ 1960 ในช่วงเวลาสั้น ๆ แต่ถึงกระนั้นก็มีอิทธิพลต่อทัศนคติที่ตามมาของศิลปินโซเวียตจนถึงสิ้นทศวรรษ 1980 นิทรรศการกลุ่มจัดขึ้นที่เมืองวลาดิวอสต็อก กรุงมอสโก

O. N. Loshakov เข้าร่วมในนิทรรศการฤดูใบไม้ร่วงปี 2014 ในฐานะแขกผู้มีเกียรติ

ช่วงเวลาของทศวรรษที่ 1960, V. I. Kandyba และนักวิจารณ์ศิลปะจากเมืองหลวงมีความเกี่ยวข้องกับการพัฒนาภาพวาดตามเนื้อเรื่อง: "ช่วงครึ่งหลังของปี 1960 ถูกทำเครื่องหมายด้วยเหตุการณ์ที่มีความสำคัญอย่างยิ่งสำหรับการวาดภาพริมทะเล - การก่อตัวของ การวาดภาพตามเนื้อเรื่อง จากแขกที่หายากแต่ได้รับการต้อนรับเสมอ เธอได้กลายเป็นแขกประจำในนิทรรศการส่วนใหญ่ของเรา

การขาดดุลอย่างเฉียบพลันได้ลดลงอย่างชัดเจน” V. I. Bochantsev, Y. I. Volkov, V. N. Doronin, N. P. Zhogolev, K. I. Shebeko, S. A. Litvinov และคนอื่น ๆ อยู่ในกลุ่ม "ศิลปิน" ฮีโร่แห่งเวลา” และได้รับการประเมินในเชิงบวกโดยนักวิจารณ์เป็นภาพบุคคล ธีมที่สำคัญที่สุดของนิทรรศการ "โซเวียตฟาร์อีสท์" ซึ่งเปิดในปี 2508 ในเมืองวลาดิวอสต็อกเป็นเรื่องราวเกี่ยวกับคนร่วมสมัย: "กะลาสีเรือ เวลเลอร์ ชาวประมง ผู้สร้าง คนเลี้ยงกวางเรนเดียร์ I. V. Rybachuk, K. I. Shebeko, V. A. Goncharenko, V. N. Doronin, A. V. Teleshov, M. I. Tabolkin ทำงานในประเภทนี้ ช่วงเวลานี้โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะครอบคลุมหัวข้อต่างๆ ที่สะท้อนถึงทุกแง่มุมของชีวิตของ Primorye และตะวันออกไกล ความสำเร็จในด้านนี้เกี่ยวข้องกับเหตุการณ์สำคัญในชีวิตศิลปะ

ในปีพ. ศ. 2505 สถาบันสอนศิลปะฟาร์อีสเทิร์นได้จัดตั้งคณะดนตรีการละครและศิลปะ (เรียกว่าจนถึงปีพ. ). ขั้นตอนนี้เกิดจากสถานการณ์ของบุคลากรในองค์กรสร้างสรรค์ซึ่งอธิการบดีคนแรกของสถาบัน G. V. Vasiliev ในบันทึกถึงรัฐมนตรีว่าการกระทรวงวัฒนธรรมของ RSFSR A. I. Popov เรียกว่า "เลวร้ายอย่างย่อยยับ" V. A. Goncharenko คณบดีของสถาบันและอธิการบดีตั้งแต่ปี 2516 ถึง 2536 เขียนว่าการเปิดมหาวิทยาลัยในวลาดิวอสต็อกนั้นถูกมองว่าเป็น "ของขวัญแห่งโชคชะตา และต้องบอกว่าทุกคนใช้มันอย่างเต็มความสามารถ จากพวกเขา (นักเรียนที่สำเร็จการศึกษาครั้งแรก - บันทึกของผู้แต่ง) ศิลปินที่สดใสและครูที่ยอดเยี่ยมออกมา: Yu.I. Volkov, O. P. Grigoriev, I. A. Ionchenkov, D. P. Kosnitsky, P. J. Rogal, V. A. Snytko, Y. V. Sobchenko, V. N. Starovoitov, G. M. Tsaplin โดยเฉพาะอย่างยิ่งฉันเลือก S. A. Litvinov ซึ่งเติบโตในสถาบันการศึกษาของเรา ซึ่งเป็นศาสตราจารย์ด้านการวาดภาพคนแรกในตะวันออกไกล ซึ่งได้รับอิทธิพลจากชีวิตทางศิลปะของ Primorye ทั้งหมดและสมบูรณ์”

ผู้สำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยศิลปะแห่งเลนินกราดและมอสโกว, V. A. Goncharenko, K. I. Shebeko, V. I. Kandyba (นักวิจารณ์ศิลปะ) มาที่สถาบันแห่งใหม่เพื่อสอน - สถาบันจิตรกรรมประติมากรรมและสถาปัตยกรรม I. E. Repina, V. N. Doronin, V. I. Bochantsev - สถาบันศิลปะมอสโก V. I. Surikov ในปี พ.ศ. 2510 S. A. Litvinov และ Y. V. Sobchenko จากผู้สำเร็จการศึกษาจากสถาบันการสำเร็จการศึกษาครั้งแรกได้ก้าวเข้าสู่เส้นทางการสอน

ในปี 1977 N. P. Zhogolev (สถาบันจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรม ตั้งชื่อตาม I. E. Repin) ได้กลายเป็นหนึ่งในอาจารย์ งานสอนและความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขา การมีส่วนร่วมในนิทรรศการ ความคิดสร้างสรรค์ของนักเรียนทำให้ชีวิตศิลปะของภูมิภาคนี้ ไม่เพียง แต่ผู้สำเร็จการศึกษาจาก Vladivostok Art College เท่านั้น แต่ยังรวมถึงโรงเรียนของไซบีเรียและรัสเซียตอนกลาง (Irkutsk, Kemerovo, Blagoveshchensk, Novoaltaisk, Ivanovo, Ryazan ฯลฯ ) เริ่มเข้าสู่คณะจิตรกรรมที่ Far Eastern State Institute

ปัจจัยที่สองที่มีอิทธิพลต่อการพัฒนาชีวิตทางศิลปะคือองค์กรของโซนตะวันออกไกล

ในปี 1960 มีการสร้างสหภาพศิลปินแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย ในปีพ. ศ. 2503 นิทรรศการสาธารณรัฐครั้งที่ 1 "โซเวียตรัสเซีย" จัดขึ้นที่กรุงมอสโกและก่อนหน้านั้น องค์กรท้องถิ่นได้จัดนิทรรศการแบบโซนซึ่งสมาชิกในทีมสร้างสรรค์ทั้งหมดเข้าร่วม การทำงานอย่างจริงจังของคณะกรรมการจัดนิทรรศการมีส่วนช่วยให้กลับมาเป็นมืออาชีพอย่างยิ่งใหญ่ และศิลปินยังได้รับโอกาสในการเชื่อมโยงงานของพวกเขากับผลงานของศิลปินจากดินแดนอื่นๆ จากผลงานการจัดนิทรรศการระดับภูมิภาค งานได้รับการคัดเลือกในระดับ All-Russian ระบบนี้ได้รับการเก็บรักษาไว้เป็นเวลาหลายปี ช่วยให้คุณเข้าสู่ชีวิตศิลปะทั่วไปของประเทศและยังคงอยู่จนถึงทุกวันนี้ อย่างไรก็ตาม วลาดิวอสต็อกเป็นสถานที่จัดงานนิทรรศการระดับพื้นที่ถึงสามเท่า - ในปี 2510, 2517 และ 2528

ประเพณีที่จัดตั้งขึ้นในทศวรรษที่ 1960 ดำเนินต่อไปจนถึงปลายทศวรรษที่ 1980 นิทรรศการเดี่ยวของศิลปิน Primorye จัดขึ้นที่กรุงมอสโก อัลบั้มผลิตซ้ำโดย K. I. Shebeko และ K. P. Koval ได้รับการตีพิมพ์ในซีรีส์ "Artists of the Russian Federation" ความสำเร็จของศิลปิน Primorsky ไม่เพียง แต่ในการวาดภาพเท่านั้น แต่ยังรวมถึงขาตั้งและกราฟิกหนังสือโปสเตอร์ (ศิลปินที่โดดเด่นที่สุดในทิศทางนี้คือ E. I. Datsko ซึ่งเข้าร่วมในนิทรรศการนี้ในฐานะแขกผู้มีเกียรติ) ประติมากรรม ศิลปะและงานฝีมือ และศิลปะที่ยิ่งใหญ่

ดังนั้นสำหรับ Far Eastern Book Publishing House, สำนักพิมพ์ของ Far Eastern State University, Dalnauka Publishing House ซึ่งเป็นกลุ่มศิลปินที่มีส่วนร่วมอย่างโดดเด่นในการพัฒนากราฟิกหนังสือใน Primorsky Territory, V. S. Chebotarev, S. M. Cherkasov, F. G. Zinatulin, E. I. Petrovsky, V. I. Vorontsov, V. G. Ubiraev, S. V. Gorbach และคนอื่น ๆ “ คณะศิลปะได้กลายเป็นคณะจิตรกรรมโดยเฉพาะ” การฝึกอบรมด้านกราฟิกได้รับจากโรงเรียนศิลปะวลาดิวอสต็อก ที่นี่ตั้งแต่ปี 1960 V. S. Chebotarev ผู้สำเร็จการศึกษาจากสถาบันจิตรกรรมประติมากรรมและสถาปัตยกรรมตั้งชื่อตาม V.S. I. E. Repin (เวิร์กชอปของ A. F. Pakhomov เอกศิลปินกราฟิก) V. S. Chebotarev เข้าร่วมในนิทรรศการพร้อมงานกราฟิก ทำงานให้กับผู้จัดพิมพ์หนังสือของตะวันออกไกล การเพิ่มขึ้นของกราฟิกริมทะเลซึ่งเกี่ยวข้องกับชื่อของศิลปินหมายความว่าผู้สำเร็จการศึกษาจำนวนมากของเขาเริ่มทำงานในงานศิลปะแขนงนี้

ในปี 1978 แผนกศิลปะและงานฝีมือปรากฏในองค์กร Primorsky โดยรวบรวมศิลปินจาก Vladivostok, Artem, Nakhodka และหมู่บ้าน คาวาเลโรโว. ในการเชื่อมต่อกับการเปิดโรงงานพรมและโรงงานเครื่องลายครามใน Artyom โรงงานของที่ระลึกและโรงงานเครื่องเคลือบดินเผาในวลาดิวอสต็อกโรงงานเซรามิกศิลปะใน Spassk-Dalniy ศิลปินรุ่นเยาว์ที่มีความคิดสร้างสรรค์มาถึง Primorsky Krai ซึ่งจบการศึกษาจากมอสโก โรงเรียนศิลปะอุตสาหกรรมชั้นสูง, โรงเรียนศิลปะโอเดสซา M. Grekova, Leningrad Higher School of Industrial Art, Moscow Institute of Technology, Leningrad Higher School of Industrial Art V. Mukhina โรงเรียนศิลปะอีร์คุตสค์

ในนิทรรศการศิลปะและงานฝีมือ ศิลปินในส่วนจัดแสดงสิ่งทอเชิงศิลปะ (พรม ผ้าบาติก มาคราเม่) เครื่องลายคราม เซรามิก ของตกแต่งที่ทำจากโลหะ ไม้ หินที่มีลวดลายแบบตะวันออกไกล ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาส่วนนี้รวมถึง A. V. Katsuk, P. F. Fedotov, A. S. Pesegov, O. P. Grigoriev, O. G. และ A. G. Kalyuzhny, A. P. Onufrienko, V. F. . Kosenko, V. K. Zakharenko (Nakhodka), T. G. Matyukhina (Artem), T. G. Limonenko, G. M. Maksimyuk, G. G. Dobrynina, T. M. Suslova และอื่น ๆ E. V. Barsegov, N. M. Shaymordanova, V. G. Nenazhivin

ในสิ่งพิมพ์ที่อุทิศให้กับองค์กร Primorsky ของสหภาพศิลปินแห่งรัสเซียพวกเขาสังเกตเห็นความสมดุลของการวาดภาพประเภทต่าง ๆ ในงานกราฟิกประติมากรรมศิลปะและงานฝีมือและศิลปะอนุสาวรีย์จำนวนมาก ศิลปินของ Primorye เป็นผู้เขียนงานขาตั้งระดับดีมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในนิทรรศการระดับภูมิภาคสาธารณรัฐและรัสเซียทั้งหมดมีส่วนร่วมในการก่อตัวของภาพลักษณ์ของเมือง (แผงโมเสครูปแบบศิลปะในส่วนต่าง ๆ ของเมือง การตกแต่งภายใน การออกแบบและส่วนหน้าของอาคารสาธารณะ) โดยรวมแล้ว ทศวรรษที่ 1960-80 ถือเป็นช่วงเวลาแห่งการก่อตัวของศิลปะริมทะเลที่มีหลายแง่มุมด้วยหน้าตาของมันเอง

ในปี 1990 การเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นในชีวิตทางสังคมและการเมืองของประเทศนั้นสะท้อนให้เห็นในชีวิตศิลปะ วิทยานิพนธ์หลักในครั้งนี้คือศิลปินที่เข้ามาทำงานศิลปะในช่วงปลายทศวรรษที่ 1980 ซึ่งจัดทำขึ้นในหนังสือเล่มเล็กของนิทรรศการ "Generation of the 80s": "คนในยุค 80 มีช่วงเวลาที่พวกเขาเป็นผู้บุกเบิก อนุญาตให้สร้างนอกอุดมการณ์ใดๆ ได้ด้วยตัวเอง... เสรีภาพในการแสดงออกโดยสมบูรณ์ ซึ่งยังคงต้องทำความคุ้นเคย รุ่นที่เติบโตในครั้งเดียวและจำเป็นต้องอาศัยอยู่ในอีกที่หนึ่งนั้นยากที่สุด ผู้ที่แข็งแกร่งที่สุดอยู่รอดที่นี่หรือมากกว่านั้นคือผู้หมกมุ่นซึ่งการวาดภาพคือชีวิต ปัญหาหลักคือในแง่หนึ่งการค้นหาโอกาสผ่านงานศิลปะเพื่อแสดงวิสัยทัศน์ที่เป็นปัญหาของชีวิตสมัยใหม่ในทางกลับกันความปรารถนาในความเป็นปัจเจกบุคคลซึ่งกำหนดตำแหน่งของศิลปินในซีรีส์ทั่วไป ในช่วงเวลานี้ศิลปินรุ่นเยาว์มีบทบาทพิเศษ นิทรรศการของพวกเขาชี้ให้เห็นถึง "การมีอยู่ของแนวโน้มและทิศทางที่ขัดแย้งกันทางไดเมตริกในงานศิลปะ ความไม่ลงรอยกันของทัศนคติและรสนิยม แนวทางพิเศษร่วมกันในการวาดภาพบุคคล จานสีของการแสวงหาทางสุนทรียะของจิตรกรหนุ่ม… มีความซับซ้อนมากขึ้น… หลายวิธีในการตีความความเป็นจริงอ้างว่าเป็นหลักการสำคัญในทันที – ตั้งแต่การเปิดเผยอย่างไม่มีเงื่อนไขของธรรมชาติและข้อความโดยตรงเกี่ยวกับโลกไปจนถึงภาพเชิงเปรียบเทียบและการสร้างสัญลักษณ์เช่นกัน ในฐานะที่เป็นกลุ่มเทคนิคทั้งหมดที่ยืมมาจากคลังแสงทางเทคนิคของสมัยใหม่สมัยใหม่” วิทยานิพนธ์นี้เปิดเผยโดยการจัดนิทรรศการของกลุ่มสร้างสรรค์ Vladivostok, Shtil, Lik ซึ่งมีกิจกรรมในช่วงปลายทศวรรษ 1980 และต้นทศวรรษ 1990

หนึ่งในนิทรรศการที่สำคัญของเวลานี้ถือได้ว่าเป็นนิทรรศการครั้งที่ 2 ของศิลปินรุ่นเยาว์แห่ง "ดินแดนแห่งความหวัง" ในตะวันออกไกล (1995, Vladivostok) จากการวิเคราะห์เนื้อหาที่นำเสนอ V. I. Kandyba เขียนว่า:“ ตอนนี้เรากำลังพูดถึงความยากลำบากในชีวิตของศิลปินในรัสเซียอย่างเจ็บปวด แต่ฉันหวังว่าแม้พวกเขาจะมีทุกอย่าง ตะวันออกไกลของเราจะกลายเป็นดินแดนแห่งความสุขแห่งความหวังสำหรับการสร้างสรรค์ เช่นเดียวกับที่นิทรรศการนี้มีไว้สำหรับเรา ฉายแสงแห่งความเยาว์วัยและความหวัง” อะไรเป็นแรงกระตุ้นให้นักวิจารณ์ศิลปะชั้นนำคนหนึ่งของตะวันออกไกลมองอนาคตในแง่ดี? นอกเหนือจากการคาดการณ์ทั่วไปแล้วเขายังบันทึกผลงานของ L. A. Kozmina, I. G. และ O. G. Nenazhivina, E. A. Tkachenko, A. G. Filatova, I. I. Butusova และคนอื่น ๆ แม้ว่าจะพิจารณาว่าทุกคนไม่สามารถเข้าถึงได้ แต่สังเกตการทำงานด้วยรูปแบบและสีความหมายและการเชื่อมโยง จากมุมมองของศิลปินในปัจจุบันซึ่งมีชื่ออยู่ในบทความของเขาโดย V. I. Kandyba ตอบสนองต่อความท้าทายของเวลา งานของพวกเขาเป็นการยืนยันสิ่งนี้อย่างไม่มีเงื่อนไข

แต่ในช่วงปี 1990 ความท้าทายเหล่านี้กลับรุนแรงขึ้น ปัญหาของรูปแบบใหม่ที่หยิบยกมาจากความก้าวหน้าทางเทคโนโลยีเป็นเรื่องเฉพาะ: ในชีวิตศิลปะ ศิลปะที่เกิดขึ้นจริงก่อตัวขึ้น ไม่เกี่ยวข้องกับทักษะดั้งเดิมของศิลปิน วิกฤตการณ์ดังกล่าวยังเกิดขึ้นในแวดวงการวิจารณ์ศิลปะซึ่งก่อนหน้านี้ได้วิเคราะห์และสรุปปรากฏการณ์ของชีวิตทางศิลปะ และในเงื่อนไขใหม่นี้เริ่มมีลักษณะคล้ายคลึงกับวารสารศาสตร์ศิลปะ แม้ว่าจะมีส่วนช่วยสร้างภาพพจน์ของวัน แต่ไม่สามารถสะท้อนได้ สถานการณ์โดยรวม

หากเราพูดถึงสหภาพที่สร้างสรรค์ในฐานะสิ่งมีชีวิตทางเศรษฐกิจ การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญก็ส่งผลกระทบต่อขอบเขตของชีวิตนี้เช่นกัน กองทุนศิลปะซึ่งเป็นรูปแบบหนึ่งของการจัดระเบียบการจ้างงานของศิลปิน สิ้นสุดลงในดินแดน Primorsky แน่นอน ทศวรรษที่ 1990 สามารถเรียกได้ว่าเป็นช่วงวิกฤตของศิลปะในภูมิภาค

ในขณะเดียวกัน ชีวิตก็กระตุ้นให้เรามองหารูปแบบใหม่ของความสัมพันธ์กับสังคม ในปี 1992 วลาดิวอสต็อกสูญเสียสถานะเป็นเมืองท่าปิด การติดต่อกับศิลปินจากประเทศอื่นเป็นไปได้และพัฒนา ชาวเมือง Primorye กำลังเริ่มมีส่วนร่วมในงานศิลปะที่สำคัญในภูมิภาคเอเชียแปซิฟิกและเข้าสู่ตลาดศิลปะ แกลเลอรี่ที่ไม่ใช่ของรัฐ "Artetage" (ผู้ก่อตั้งและผู้อำนวยการ A. I. Gorodniy), "Arka" (ผู้ก่อตั้งและผู้อำนวยการ V. E. Glazkova) ปรากฏตัว ต้องขอบคุณพวกเขาทำให้เกิดความเข้าใจเบื้องต้นเกี่ยวกับร่างของภัณฑารักษ์ซึ่งนำเสนอแนวคิดของนิทรรศการตามวิสัยทัศน์ของเขาเองเกี่ยวกับกระบวนการทางศิลปะ ธีม และรับประกันการนำไปใช้ ควรสังเกตความพยายามของ A. I. Gorodny ในการก่อตัวของนิทรรศการส่วนรวมที่มีผู้เข้าร่วมจำนวนมากซึ่งเป็นสมาชิกของ Union of Artists โดยให้ภาพตัดขวางของปรากฏการณ์ทางศิลปะอย่างใดอย่างหนึ่ง: "110 ภาพตัวเอง", "เด็ก ภาพเหมือน", "วลาดิวอสต็อก: ทิวทัศน์และใบหน้า", "ศิลปินใน Andreevka" และอื่น ๆ ประสบการณ์การทำงานที่ไซต์เหล่านี้ทำให้ได้ทำความคุ้นเคยกับศิลปะของศิลปินจากภูมิภาคอื่น ๆ ของรัสเซียและต่างประเทศซึ่งเป็นตัวแทนของศิลปะร่วมสมัย , การถ่ายภาพ , แน่นอนต้องการการวิจัยเชิงลึกและภาพรวม ในบทความนี้เราทราบสิ่งต่อไปนี้: ทั้งพิพิธภัณฑ์ Artetage และ Arka Gallery ได้ทำงานและทำงานร่วมกับศิลปินที่เป็นสมาชิกของ Union of Artists of Russia ต่อไป "Artetage" เป็นหุ้นส่วนอย่างต่อเนื่องของสาขา Primorsky ในการจัดนิทรรศการขนาดใหญ่ (องค์กร Primorsky ของ VTOO "Union of Artists of Russia": 70 ปี, "Far Eastern State Academy of Arts: 50 ปี", "Artists to เรือเดินสมุทร" เป็นต้น)

ในช่วงทศวรรษที่ 2000 ภาพศิลปะสมัยใหม่เริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้น สมาชิกของสหภาพสร้างสรรค์มีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในนิทรรศการระดับต่างๆ ในรัสเซียและต่างประเทศ ในงานแสดงศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในภูมิภาคเอเชียแปซิฟิก (KIAF, Guangzhou Art Fair เป็นต้น) นิทรรศการศิลปะที่สำคัญที่มีส่วนร่วมของศิลปินวลาดิวอสต็อกจัดขึ้นโดยเป็นส่วนหนึ่งของการประชุมสุดยอด APEC 2012, Vladivostok Biennale of Visual Arts ฯลฯ ศิลปินริเริ่มการกระทำต่างๆ สิ่งที่สำคัญที่สุดคือชุดการล่องเรือศิลปะที่จัดโดย S. D. Gorbachev บนเรือยอทช์ Allegro ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1990

แนวคิดในการสร้างขบวนการ "House of Prishvin" ในปี 2544 (นำโดยศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย V. I. Oleinikov) ซึ่งรวมนักเขียนศิลปินนักประวัติศาสตร์ท้องถิ่นเข้ากับการคิดใหม่อย่างสร้างสรรค์ของ M. Prishvin ที่อยู่ใน Primorye ไม่เพียงนำไปสู่การจัดนิทรรศการจำนวนมาก แต่ยังรวมถึงการประชุมเชิงสร้างสรรค์ในห้องสมุดของ Primorsky Krai

ในปี 2549 V. F. Kosenko, A. P. Onufrienko และศิลปิน นักออกแบบ และสถาปนิกอีกหลายคนเกิดแนวคิดเกี่ยวกับโครงการ Harmony of the Environment ซึ่งรวมถึงนิทรรศการจำนวนมาก สิ่งที่โดดเด่นที่สุดคือนิทรรศการ "City, Sea, Wind, Sail" (ตรงกับวันเกิดของ Vladivostok) มีการนำเสนอผลงานศิลปะ จิตรกรรม กราฟิก ศิลปะและงานฝีมือ สถาปัตยกรรมและการออกแบบ แนวคิดของนิทรรศการคือการกำหนดสถานที่ของศิลปินในสภาพแวดล้อมของเมือง เมื่อถึงเวลาที่นิทรรศการถูกสร้างขึ้น สมาชิกขององค์กร Primorsky ของสหภาพศิลปินแห่งรัสเซียได้รับประสบการณ์ที่ดีในการบูรณะสถานีรถไฟและ Tsesarevich Arch ในวลาดิวอสต็อก โครงการนี้มาพร้อมกับชุดสิ่งพิมพ์ในวารสารซึ่งพูดถึงความพยายามไม่เพียง แต่สร้างผลิตภัณฑ์ทางศิลปะจริง แต่ยังสร้างความคิดเห็นสาธารณะ (แนวคิดนี้ยังคงดำเนินต่อไปในขั้นตอนปัจจุบัน: ในเดือนกันยายน 2014 Alliance Francaise Vladivostok นำเสนอ โครงการการศึกษา “Contemporary Art in Architecture city” ซึ่งก่อให้เกิดความกระตือรือร้นอย่างมากในหมู่นักศึกษาที่เรียนสถาปัตยกรรมและการออกแบบ) ในปี 2549 ศิลปิน Primorye ก้าวไปข้างหน้า และในปี 2556 ความต่อเนื่องของโครงการคือการออกแบบโรงภาพยนตร์วลาดิวอสต็อกด้วยชุดแผงเซรามิกโดย G.G. Dobrynina และ V.F. โคเซนโกะ.

ความคิดริเริ่มที่น่าสนใจอีกอย่างคือการสร้าง Foundation for Visual Arts "MOST" ที่ไม่แสวงหาผลกำไรในปี 2552 ผู้เขียนคือ A. L. Arsenenko และ V. N. Starovoitov กิจกรรมหลักของผู้จัดเรียกว่ากิจกรรมด้านศิลปะ หนึ่งในการดำเนินการของกองทุน "Gifts of the Magi" คือนิทรรศการการกุศลของผลงานของศิลปิน Primorye ในพิพิธภัณฑ์และศูนย์นิทรรศการของ P.I. V.K. Arseniev บนถนน Peter the Great, 6 - ตามแผนของผู้จัดงานได้ดำเนินการโอนเงินจากการขายภาพวาดในภายหลังเพื่อสร้างพื้นที่ที่เหมาะสมในพิพิธภัณฑ์สำหรับผู้ที่มีความคล่องตัว จำกัด

ตัวอย่างเหล่านี้บ่งชี้ว่าในปัจจุบันได้ขยายขอบเขตการค้นหาความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินแล้ว

Far Eastern State Academy of Arts กำลังขยายขอบเขตกิจกรรมตามปกติ ภายในปี พ.ศ. 2552 มีการจัดตั้งบุคลากรอาจารย์ใหม่ที่ภาควิชาจิตรกรรม แผนกที่ได้รับการปรับปรุงใหม่ประกาศตัวเองด้วยนิทรรศการในห้องโถงของ Primorsky State Art Gallery "ทาสี" ซึ่งเป็นขั้นตอนที่ไม่ธรรมดา ในบทความเบื้องต้นเกี่ยวกับแคตตาล็อกนิทรรศการ V.I.Kandyba เขียนว่าเกือบครึ่งศตวรรษของการมีอยู่ของสถาบันไม่มีความคิดสำหรับการจัดนิทรรศการของอาจารย์ในคณะ นิทรรศการนี้เป็นเหตุการณ์สำคัญที่บ่งบอกถึงการเปลี่ยนแปลงของคนรุ่นต่างๆ ไม่เพียง แต่ในเวิร์กช็อปเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในห้องเรียนของ Academy ด้วย ซึ่งในปี 2009 I. I. Butusov, A. V. Glinshchikov, A. A. Enin, E. E. Makeev, V. V. Medvedev, I. B. Obukhov, N. A. Popovich ผู้ซึ่ง "กลายเป็นสมาชิกของทีมเดี่ยว ศิลปิน และอาจารย์ในคนๆ เดียว รวมกันเป็นทั้งศักยภาพเชิงสร้างสรรค์ของคณาจารย์และเส้นทางหลักในการพัฒนาในอนาคต"

ในปี 2009 เป็นครั้งแรกในการริเริ่มของ Far Eastern State Academy of Arts มีการจัดการแข่งขันระดับนานาชาติสำหรับศิลปินรุ่นเยาว์ "ArtVladivostok" ซึ่งจบลงด้วยการจัดนิทรรศการตามผลงาน การจัดนิทรรศการในห้องโถงของสาขา Primorsky ของ VTOO "Union of Artists of Russia" และหอศิลป์แห่งรัฐ Primorsky ตามผลของการออกอากาศสดและการแข่งขัน "ArtVladivostok" ครั้งที่ 2 และ 3 กลายเป็นงานประจำปี ในรายการนิทรรศการและกิจกรรมทางศิลปะ ศิลปินรุ่นเยาว์ที่เพิ่งสำเร็จการศึกษาจากสถาบันการศึกษาระบุการแสดงสดในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ฟลอเรนซ์ การมีส่วนร่วมในงานศิลปะทั้งหมดของรัสเซีย (นิทรรศการ "มันยอดเยี่ยม!" ที่พิพิธภัณฑ์ Artetazh ในการเตรียมการ สำหรับโอลิมปิก 2014)

ในช่วงที่ทำงานเป็นประธานของ A. A. Pyrkov ด้วยความพยายามของคณบดีคณะจิตรกรรม N. A. Popovich ได้มีการจัดตั้งแผนกเยาวชนของสาขา Primorsky ของ VTOO "Union of Artists of Russia"

ปัจจุบันสาขา Primorsky ของสหภาพศิลปินแห่งรัสเซีย VTOO มี 124 คนรวมถึงนักวิจารณ์ศิลปะ: Doctor of Art History V. M. Markov ผู้สมัครประวัติศาสตร์ศิลปะ O. I. Zotova ผู้ปฏิบัติงานวัฒนธรรมผู้มีเกียรติแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย L. I. Varlamova ผู้ปฏิบัติงานวัฒนธรรมผู้มีเกียรติ แห่งสหพันธรัฐรัสเซีย N. A. Levdanskaya นอกจากนี้สมาชิกของ Union of Artists ยังเป็นผู้อำนวยการพิพิธภัณฑ์ Artetazh A. I. Gorodniy

จนถึงปี 2546 สาขา Nakhodka (ปัจจุบันคือ N สาขาอคธกาซิตี้ VTOO "สหภาพศิลปินแห่งรัสเซีย") Nakhodka Group of Artists ก่อตั้งขึ้นในปี 1980 ตามความคิดริเริ่มของผู้นำของเมือง Nakhodka ผู้สำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยศิลปะของประเทศได้รับเชิญและจัดหาที่อยู่อาศัย: V. V. Zakharenko, V. K. Zakharenko - ผู้สำเร็จการศึกษาจาก Moscow Higher School of Industrial Art, V. E. Ezhkov - ผู้สำเร็จการศึกษาจากสถาบันจิตรกรรมประติมากรรมและสถาปัตยกรรม เช่น. Repina, Y. A. Reznichenko, N. P. Saunin เป็นผู้สำเร็จการศึกษาจาก Far Eastern Institute of Arts ในปี 1982 สมาชิกของ Union of Artists of the USSR ผู้ได้รับรางวัล Primorsky Komsomol Prize V. P. Lakhansky ได้รับเชิญ ตั้งแต่ปี 1982 เขาได้รับเลือกให้เป็นสมาชิกของคณะกรรมการขององค์กร Primorsky และเป็นหัวหน้ากลุ่มสร้างสรรค์ของ Nakhodka ในเวลาเดียวกันศิลปิน N. M. Kublov, V. P. Vodnev, V. A. Gorban, V. P. Popov, Y. I. Tukhov, G. A. Omelchenko และคนอื่น ๆ ทำงานในเมือง ย้อนกลับไปในปี 1980 Olga P. Kozich (ผู้สำเร็จการศึกษาจาก Far Eastern Institute of Arts) ประกาศตัวเอง กราฟิกของ Kozich โดดเด่นด้วยความแม่นยำของโซลูชันการจัดองค์ประกอบ รูปแบบที่มั่นใจ และโทนสีที่ซับซ้อน V. P. Bykov มีส่วนร่วมอย่างมากในศิลปะกราฟิก (ในสมัยโซเวียต ศิลปินเดินทางไปทั่ว Chukotka เป็นจำนวนมาก จับภาพภาคเหนือในชุดแผ่นกราฟิก) และ F. F. Konyukhov งานของ G. A. Omelchenko เชื่อมโยงกับ Nakhodka ในนิทรรศการโซนที่ 1 "โซเวียตฟาร์อีสท์" ศิลปินได้เข้าร่วมในซีรีส์กราฟิก "Fishing Weekdays" และ "Far Eastern Frontiers" แต่แล้วเขาก็อุทิศตัวเองให้กับการวาดภาพ การค้นพบนี้กลายเป็นหนึ่งในหัวข้อหลักของศิลปินโปสเตอร์ V. A. Gorban ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นคือผลงานของจิตรกรภูมิทัศน์ N. P. Saunin ตั้งแต่ปี 1964 N. M. Kublov อาศัยและทำงานใน Nakhodka ธีมหลักของผลงานของเขาคือธีมของความรักที่มีต่อบ้านเกิดเมืองนอนเล็ก ๆ ซึ่งรวมอยู่ในผืนผ้าใบที่มีสีสันสดใส ตั้งแต่ปี 1983 ประติมากร E. K. Sambursky ได้อาศัยและทำงานใน Nakhodka (เขาจบการศึกษาจาก Frunze Art College, การประชุมเชิงปฏิบัติการของ N. I. Ladyagin) ในปี 1987 ผู้สำเร็จการศึกษาจาก Far Eastern Institute of Arts V. K. และ N. S. Usov ได้รับเชิญให้เข้าร่วม Nakhodka

ทศวรรษที่ 1980 เป็นช่วงเวลาที่สร้างสรรค์ แกนหลักของกลุ่มคือศิลปินรุ่นเยาว์และสมาชิกของ Union of Artists V. P. Lakhansky และ G. A. Omelchenko ซึ่งทำงานอย่างแข็งขันในการวาดภาพ กราฟิก ศิลปะและงานฝีมือ นิทรรศการประจำปีของเมือง (ตั้งแต่ปี 1980 ถึงปัจจุบัน) - ในห้องโถงของพิพิธภัณฑ์และศูนย์นิทรรศการซึ่งมีศิลปินรุ่นต่าง ๆ เข้าร่วมดึงดูดความสนใจของชาวเมือง นอกจากนี้ ศิลปินยังมีส่วนร่วมในนิทรรศการระดับภูมิภาค โซน สาธารณรัฐ และสหภาพทั้งหมด สร้างความสัมพันธ์ระหว่างประเทศ ดังนั้น V. P. Lakhansky, V. V. Zakharenko, V. P. Bykov กลายเป็นผู้เข้าร่วมโครงการระหว่างประเทศในเมือง Otaru (ญี่ปุ่น), G. A. Omelchenko, V. P. Lakhansky, V. P. Bykov เป็นผู้เข้าร่วมนิทรรศการในเมือง Maizuru (ญี่ปุ่น) นิทรรศการแลกเปลี่ยนคือ จัดขึ้นระหว่างศิลปินของเมือง Nakhodka และศิลปินของเมือง Maizuru และ Otaru (ประเทศญี่ปุ่น) มีการจัดทริปสร้างสรรค์ไปยังเดชาเชิงวิชาการของ Union of Artists จัดขึ้นอย่างโล่งอกมีการจัดประชุมระหว่างศิลปินและผู้ชมการพบปะกับนักเรียนของโรงเรียนศิลปะในเมืองมีการแข่งขัน ศิลปิน V. V. Zakharenko, V. K. Zakharenko, V. P. Bykov, F. F. Konyukhov, N. P. Saunin, Y. A. Reznichenko, V. E. Ezhkov, O. P. Kozich, V. K. Usov, N. S. Usova ด้วยความเป็นผู้นำของเมืองสมาชิกสหภาพศิลปินเกือบทั้งหมดได้รับการฝึกอบรมเชิงสร้างสรรค์

ทศวรรษที่ 1990 กลายเป็นวิกฤตเดียวกันกับศิลปินของ Nakhodka เช่นเดียวกับคนอื่น ๆ เนื่องจากดินแดนห่างไกลของเมือง Nakhodka จาก Vladivostok (180 กม.) และองค์ประกอบของสมาชิกสหภาพศิลปินในเมือง Nakhodka มากกว่า 10 คนตามความคิดริเริ่มของ Konstantin R. Avarsky การตัดสินใจคือ ทำเพื่อสร้างสาขา Nakhodka ของสหภาพศิลปิน การลงทะเบียนโดยสำนักงานยุติธรรมสำหรับดินแดน Primorsky เกิดขึ้นในเดือนมิถุนายน 2546

จนถึงปี 1990 องค์กร Primorsky ได้รวมสาขา Ussuri ของ Union of Artists of Russia (ปัจจุบันคือ U. องค์การศรีสุริโยทัย VTOO "สหภาพศิลปินแห่งรัสเซีย") Ussuriysk เป็นศูนย์กลางศิลปะแห่งที่สองของ Primorsky Krai ประเพณีทางศิลปะก่อตั้งขึ้นที่นี่ในทศวรรษที่ 1940 องค์กร Ussuri ของ VTOO "สหภาพศิลปินแห่งรัสเซีย" ก่อตั้งขึ้นเมื่อวันที่ 20 มิถุนายน พ.ศ. 2486 โดยเป็นสาขาขององค์กร Primorsky ของสหภาพศิลปินแห่งรัสเซีย เมื่อวันที่ 12 มีนาคม พ.ศ. 2487 องค์กรได้เปิดนิทรรศการครั้งแรกของศิลปิน Ussuri

มีบทบาทสำคัญในการสร้างกลุ่มศิลปิน Ussuri ที่สร้างสรรค์โดย Studio of Military Artists ซึ่งก่อตั้งขึ้นในเดือนมกราคม พ.ศ. 2483 โดยผู้สำเร็จการศึกษาจาก Academy of Arts of St. Petersburg พี่น้อง Fridman - Ovsey Isakovich ผู้กำกับศิลป์ ของสตูดิโอของศิลปินทหาร อาจารย์ของแผนกจิตรกรรมการต่อสู้ที่ Academy of Arts และ Rafail Isakovich ผู้อำนวยการสตูดิโอและเวิร์คช็อปศิลปะ สำหรับสตูดิโอและผลงานของศิลปินใน Ussuriysk อาคารพิเศษถูกสร้างขึ้นบนถนน Volodarsky อายุ 42 ปี ในช่วงสงครามสตูดิโอที่บ้านของเจ้าหน้าที่กำกับโดย A. N. Romashkin

ในปี 1950 เวิร์คช็อปศิลปะและการผลิตเริ่มทำงาน องค์กร Ussuri มีไม่มาก: 10-15 คนประกอบขึ้นเป็นแกนหลักที่สร้างสรรค์ ชีวิตขององค์กรขนาดเล็กมีทั้งด้านบวกและด้านลบเสมอ ในสถานการณ์เช่นนี้ เป็นเรื่องดีที่ทีมที่มีขนาดกะทัดรัดอาจถูกดึงดูดโดยความคิดของคนๆ เดียว ซึ่งก็คือผู้นำ ในช่วงทศวรรษที่ 1950 S. F. Arefin ซึ่งเริ่มเข้าร่วมในนิทรรศการระดับภูมิภาคตั้งแต่ทศวรรษที่ 1940 ถือเป็นผู้นำ S. F. Arefin เติบโตใน Ussuriysk ในช่วง Great Patriotic War เขารับใช้ที่สำนักงานใหญ่ของ Far Eastern District ซึ่งเขาสำเร็จการศึกษาหลักสูตรสำหรับศิลปินทางทหาร กลับไปที่ Ussuriysk เขาเข้าร่วม Union of Artists มีส่วนร่วมอย่างแข็งขันไม่เพียง แต่ในงานสร้างสรรค์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานสังคมสงเคราะห์ในองค์กรด้วย ในปีพ. ศ. 2509 ศิลปินได้ย้ายไปที่วลาดิวอสต็อกและละทิ้งภาพวาดขาตั้งเป็นเวลาหลายปีและกลายเป็นศิลปินโรงละคร

K. P. Koval มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์อย่างไม่ต้องสงสัย ผลงานของเขาปรากฏในนิทรรศการของสหภาพและสาธารณรัฐในช่วงปลายทศวรรษ 1950 จบการศึกษาจากสตูดิโอของศิลปินทหารใน Ussuriysk เขาคิดว่าโรงเรียนหลักสำหรับตัวเองคือ Academic Dacha ซึ่งตั้งชื่อตาม อี. อี. เรปิน่า. ขอบคุณการเยี่ยมชมเชิงสร้างสรรค์ของนักวิชาการ K. P. Koval เป็นที่รู้จักกันดีในมอสโกวและถูกเรียกว่า "Koval จาก Ussuriysk" เขาเป็นครูที่ยอดเยี่ยมสืบสานประเพณีการศึกษาในสตูดิโอใน Ussuriysk และไม่ทางใดก็ทางหนึ่งยังคงแนวการสอนของ V. V. Bezrodny ในดินแดน Ussuri ลูกศิษย์ของสตูดิโอของเขาถูกเรียกว่า "ฟาริเออร์" K. P. Koval อุทิศความสามารถที่เอื้อเฟื้อและแข็งแกร่งทั้งหมดของเขาให้กับภูมิทัศน์ริมทะเลซึ่งจิตรกรภูมิทัศน์ระดับปรมาจารย์ A.A. กฤษชัย. พรสวรรค์ตามธรรมชาติความสามารถในการทำงานที่ยอดเยี่ยมทำให้ K. P. Koval กลายเป็นศิลปินที่มีความเป็นมืออาชีพสูงซึ่งเป็นบุคคลที่มี "การเริ่มต้นที่สร้างสรรค์" ขอบคุณเขาคำจำกัดความของ "โรงเรียนจิตรกรรม Ussuri" ปรากฏในนิทรรศการในภูมิภาคตะวันออกไกลและรัสเซียทั้งหมด พลังอันน่าหลงใหลจากพรสวรรค์ของเขาได้รวบรวมและสร้างแรงบันดาลใจให้กับศิลปิน Ussuri บรรณาธิการของหนังสือพิมพ์เมือง Ussuriysk M. Dubranov เขียนเกี่ยวกับเรื่องนี้: "มีคนที่ถูกกำหนดโดยโชคชะตาให้ขีดเส้นตายในประวัติศาสตร์ของมนุษย์ จาก ... ประวัติของ Ussuriysk ศิลปิน Kim Petrovich Koval สามารถนำมาประกอบกับคนเหล่านี้ได้โดยไม่ต้องพูดเกินจริง

ในปี 1940 S.F. Arefin, G.K. Aslanov, Yu. ในปี 1950-1970 พวกเขาเข้าร่วมและกลายเป็นสมาชิกของ Union of Artists of Russia โดย N. P. Borisov, B. A. Vyalkov, K. P. Koval, V. M. Medvedsky, N. Ya. Gritsuk, P. Ya. German, A. V. Tkachenko, B. N. Loshkarev, V. A. Lutchenko, N. D. Volkov, V. A. Serov, G. G. Lagerev, A. A. Usenko, ในปี 1980 - Yu P. Galyutin, O. K. Nikitchik, I. T. Nikitchik, A. V. Pikhtovnikov ในปี 1990 สมาชิกใหม่เข้าร่วมองค์กร: Y. P. Larionov, M. R. Pikhtovnikova, E. A. Pikhtovnikov, N. N. Kazantsev, S. V. Gorbach, M. P. Sobolevsky

เมื่อวันที่ 18 มีนาคม พ.ศ. 2528 อาคาร House of Artists ที่สร้างขึ้นด้วยความพยายามของศิลปิน Ussuriysk ได้เปิดขึ้น เอ.วี. Pikhtovnikov ซึ่งเป็นหัวหน้าคณะกรรมาธิการด้านวัฒนธรรมในสภาเมือง สำหรับการสนับสนุนการพัฒนาศิลปะของรัสเซียและตะวันออกไกล ศิลปินขององค์กรได้รับรางวัลศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสหพันธรัฐรัสเซียและศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย (K. P. Koval) ศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย (A. V. Tkachenko, V. A. Serov, N. D. Volkov , O. K. Nikitchik, I. I. Dunkai)

ธีมของ Creative Dacha ใน Andreevka นั้นเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับองค์กร Ussuri Andreevka ซึ่งเรียกในสภาพแวดล้อมทางศิลปะว่า "เดชาของศิลปิน" กลายเป็นสถานที่ที่น่าดึงดูดใจอย่างน่าประหลาดใจ ไม่เพียงสำหรับการพักผ่อนหย่อนใจและการตกปลาเท่านั้น ที่นี่บนดินแดนของเขต Khasansky ของ Primorye ประเพณีของบ้านแห่งความคิดสร้างสรรค์ของแถบกลางของรัสเซียยังคงดำเนินต่อไป หนึ่งในนั้นคือนักวิชาการเดชา I. E. Repin ใน Vyshny Volochek ทำหน้าที่เป็นทั้งสถานที่สื่อสารและสถานที่เรียนรู้สำหรับชาว Primorye ซึ่งทั้งศิลปินผู้เคารพนับถือของมอสโกวเลนินกราดและเมืองอื่น ๆ ของสหภาพโซเวียตและผู้ที่ยังต้องเป็นปรมาจารย์ การแข่งขันที่สร้างสรรค์

Primortsy ปูทางถาวรสู่ Vyshny Volochek ในดินแดนดั้งเดิมของรัสเซียการติดต่ออย่างใกล้ชิดกับศิลปินที่มีชื่อเสียงของอายุหกสิบเศษ A. A. Gritsai, V. N. Gavrilov, A. D. Romanychev, A. P. และ S. P. Tkachev มีความเข้าใจลึกซึ้งในอาชีพของศิลปิน ทุกคนในกระเป๋าที่สร้างสรรค์ของพวกเขามีภาพร่างจากนักวิชาการซึ่งพวกเขายังคงอยู่ในทุกวันนี้แม้ว่าสถานการณ์ชีวิตทางศิลปะจะเปลี่ยนไปอย่างสิ้นเชิง

ในปี 1970 หลังจากการเดินทางที่ยาวนานหลายครั้ง ได้มีการตัดสินใจสร้างเดชาที่สร้างสรรค์ของตนเอง: "จิตรกร Primorye หลายคน K. Koval, A. Tkachenko, A. Teleshov, V. Prokurov, V. Medvedsky มาที่ Andreevka เป็นครั้งแรก Andreevka เป็นหมู่บ้านเล็ก ๆ ทางตอนใต้ของ Primorye ในเขต Khasansky ซึ่งตั้งอยู่บนชายฝั่งของอ่าว Troitsa ในทะเลญี่ปุ่น สถานที่สวยงามน่าอัศจรรย์ นี่คือเดชาที่สร้างสรรค์ "Andreevka" มันมีองค์กร Ussuri ของสหภาพศิลปินแห่งรัสเซีย ศิลปินจากตะวันออกไกล - Primorye, Khabarovsk, Blagoveshchensk - มาที่นี่เพื่อทำงานและพักผ่อนและในช่วงเวลาที่ดีศิลปินจากมอสโก, เลนินกราด, รัฐบอลติกและรัสเซียตอนกลางมา” R. P. Kosheleva ผู้อ้างอิงของ Union of Artists เขียน ของรัสเซีย VTOO. บรรณาธิการของหนังสือพิมพ์พบสถานที่สำหรับการตีพิมพ์เกี่ยวกับ Andreevka ในหน้าที่มีหัวข้อ "ในบ้านแห่งความคิดสร้างสรรค์" ถัดจากเนื้อหาเกี่ยวกับ Dacha ทางวิชาการใน Vyshny Volochek ซึ่งไม่ได้ตั้งใจ Andreevka เป็นสถานที่แห่งแรงบันดาลใจและทำงานให้กับศิลปินหลายสิบคนในรุ่นต่าง ๆ และในขณะเดียวกันก็มีความเชื่อมโยงกับศูนย์กลางของรัสเซีย

ในปี 1990 มีพนักงาน 10 คนสาขา Ussuri แยกออกจากสาขา Primorsky และได้รับสถานะขององค์กรอิสระ

วันนี้สาขา Primorsky เมือง Nakhodka และองค์กรเมือง Ussuriysk ของ VTOO "Union of Artists of Russia" ร่วมมือกันอย่างใกล้ชิดในการจัดนิทรรศการศิลปะและการแสดงสดในรัสเซียและต่างประเทศ

โอลก้า โซโตวา

สมาชิกของ VTOO "สหภาพศิลปินแห่งรัสเซีย"

เลขานุการบริหารของสาขา Primorsky

VTOO "สหภาพศิลปินแห่งรัสเซีย"

ปริญญาเอก ประวัติศาสตร์ศิลปะ

รองศาสตราจารย์ FEFU School of Humanities

© เมื่อคัดลอกและอ้างอิงเนื้อหาจากไซต์

ปัจจุบันมีองค์กรสร้างสรรค์ของศิลปินสิบสองแห่งในตะวันออกไกล: สาขา Primorsky ของ VTOO "Union of Artists of Russia" ใหญ่เป็นอันดับสอง

กิจกรรมขององค์กรนั้นเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับประวัติศาสตร์ของวิจิตรศิลป์ไม่เพียง แต่ของ Primorye และ Far East เท่านั้น แต่ยังรวมถึงรัสเซียทั้งหมดด้วย