Género del retrato en la pintura rusa. Retrato ceremonial e intimista

Mis modelos no tienen más de 16 años. Tuve suerte: los atrapé en el escenario cuando aún no tenían idea de cómo se desarrollaba el rodaje, los movimientos y el aspecto "establecidos" no los mimaron. Los atrapé completamente limpios. Tanto dentro como fuera. Hablé con algunas chicas, me interesé en su vida, pasatiempos y esperanzas. Filmado al mismo tiempo. Había aquellos con los que no podía pronunciar una palabra. Simplemente nos sentamos y nos miramos. Y volví a filmar. Sin trucos, excepto uno: siempre estábamos juntos.

Casi siempre estoy insatisfecho con el rodaje durante el rodaje. Internamente, por supuesto. La modelo no debe sospechar nada. De lo contrario, nada funcionará en absoluto. Mirando hacia atrás, quiero señalar que esta es una señal segura de un trabajo exitoso. Estoy constantemente en un estado de lucha interna. Con qué exactamente, no lo sé. Pero me siento genial. Estoy enojado conmigo mismo, con la modelo, con la luz, la cámara, lo que sea. Maldigo cada pequeña cosa. En cualquier momento puedo estallar y entonces todo es una catarsis.

Por extraño que parezca, la pregunta "cómo trabajar con el modelo" sigue siendo relevante. Te diré. Escuchar. Es muy simple: déjala hacer lo que quiera. Sin excepción. Ella quiere poner su pierna detrás de su cabeza - ¡vamos! Siéntate en la cuerda entre las ramas del árbol. ¡Empieza, estoy disparando! ¿Se retuerce como pereciendo y de alguna manera no tomará la pose deseada? Así que es necesario, créanme. ¿Por qué pelear con la modelo y obligarla a hacer algo? A nadie le gusta que lo obliguen. Simplemente ve con energía, la desborda y pide salir. Así que déjala salir. Tan pronto como esto suceda, e inmediatamente lo comprenderás, es tuyo. Completamente. Sin resto. Haz lo que quieras con ella. Ahora absorberá solo lo que irradias. ¡Entrégate a ella! No seas codicioso. Al final del trabajo, estarás vacío. No tengas miedo. Por lo que es necesaria. ¿Disparaste lo que querías? Estoy seguro de que sí.

Cuando empecé a hacer fotografías, me atormentaba mucho la cuestión de la técnica. No sabía qué lente elegir para lograr la nitidez necesaria, pensé en la cantidad de megapíxeles en la cámara e intenté disparar solo en el estudio para controlar la luz. Creía en el botón mágico de la cámara más cara. la estaba buscando. Eh...

Ahora soy completamente diferente. Tengo una lente estándar que vino con mi DSLR amateur y me olvidé del alboroto con los megapíxeles. Porque todo es una tontería. Completo. Si eres artista, ¿qué te importa un pincel? Tu imagen está escrita en tu cabeza, y el pincel es solo una herramienta que te permite transferir tus fantasías al lienzo. Si todavía no me crees, aquí hay una cita de Francesco Bonami: "El arte existe para aquellos (y sobre todo para aquellos) que no tienen dinero, pero que pueden soñar, y que no necesitan nada más para esto".

Lo más difícil para mí después del rodaje es la selección. Las impresiones residuales demasiado fuertes pueden interferir y detrás de una hermosa fotografía no se puede notar la cara. En este caso, veo una buena película, preparo la cena o salgo a caminar. Es necesario matar las viejas impresiones con una parte de las nuevas. Es muy importante.

No me gusta dejar 10 fotos. El significado es una, máximo dos fotografías. Es en ellos que debe haber una apertura. Si no está, sigo buscando por duplicado, o pospongo el rodaje hasta tiempos mejores. Quizás estas fotos necesitan crecer.

Me gusta estar solo. Cuando las personas se juntan, se vuelven escandalosamente aburridas. Comienza un intercambio de bagatelas y problemas. No estoy interesado en discutir problemas. Me importan los significados, las ideas, los descubrimientos. Tienes que estar solo, en silencio. Desarrollar rasgos de personalidad. Son los que crean la personalidad. y silencio Silencio.

Existe la opinión de que es necesario mantener un diálogo con una persona durante el rodaje, de lo contrario, no podrá liberarse. Será capaz. Yo mismo no lo quiero. Lo sé muy bien. Apunta tu lente hacia él. Si mas. Y ver. Silenciosamente. Al principio se pondrá nervioso, tal vez incluso empiece a posar. Pero tú, el fotógrafo, estás quieto y esto te confunde aún más. ¿Cómo es eso? ¿Dónde está el equipo? ¿Dónde girar? Aquí, la persona no sabe qué hacer. Lo principal aquí es no soltar su mirada. Él debe estar observándote. Cree que te controla. Constantemente. Sus ojos están fijos en ti. En la lente. Lo estás esperando. ¡Adelante! ¿Qué? ¡Hacer clic! Gracias, estuviste genial.

¡Claro que uso photoshop! No hay ningún secreto en esto, así como en el hecho de que todos lo usan. Incluso los aborrecedores empedernidos de los programas gráficos y los idealistas de la fotografía "pura" recurren a su ayuda. Pero en esta palabra se oculta toda la pista: "ayuda". No manipulación de fotos. No redibujar con luz. Sin cambio de plástico. El toque final, un trazo del autor, un autógrafo. Llámalo como quieras. Me parece que si Leonardo tuviera Photoshop, le hubiera tomado mucho menos tiempo completar la sonrisa de Gioconda, y no 13 años. Tiempo serio.

Photoshop me ayuda a revelar esas ventajas del rostro que nuestros ojos, y más aún, la cámara, no notan. Para mí, un rostro no son dos ojos y una boca, es toda una arquitectura, un paisaje. Me parece que el rostro no es sólo un retrato del alma, sino el alma misma, al revés. Y estoy infinitamente contento de que ella no pueda posar.

Me parece que un retrato en fotografía es algo mágico. Esto no es solo una cara capturada fielmente en un archivo de diez megabytes, esto no es un montón de arrugas u ojos cerrados, y ni siquiera sus impresiones de una persona. Esto es algo tercero. Estás tú, tu retratado y él, el tercero. Cierta sustancia que absorbió una parte de ti, modelos, tu estado de ánimo, la atmósfera externa, y luego la digirió durante algún tiempo y la imprimió. ¡El procedimiento es peor que cualquier fotosíntesis! Una especie de soja que vas rellenando de aditivos a medida que trabajas. ¿Pelea durante el rodaje? ¡Un poco de pimienta, por favor! ¿Problemas de luz? ¡Hoja de laurel y un poco de sal! ¿No hay contacto entre modelo y fotógrafo? ¡Agregue más mariscos!

Me di cuenta demasiado tarde de lo que quiero ser.

Como cualquier joven diligente, después de la escuela fui a la universidad. Un evento emocionante, ¿no? Así fue para mí. Como un año. Dos docenas de excelentes exámenes, mayor erudición y paz. Y luego todo. No, no, no abandoné los estudios como lo hicieron todos los chicos geniales de Silicon Valley. Terminé mis estudios. con pena

¿Porqué es eso? Foto. Ella me consumió. Infundido en mí. Fuertemente. Marta.

Ya no podía asistir a conferencias aburridas. Vagué por las calles. Filmado. Todos están jodidos. Y luego miró. Comparado. Repetido. Intenté mejor. Casi sin pensar. Casi.

Así es mi escuela. Escuela fotográfica. En el escritorio es poco probable que te enseñen. Necesito encontrar. Él mismo. Repensar y probar. Y entonces estarás bien. Solo insistamos.

El artista no tiene que explicar su obra. Estoy convencido de esto.

No me parece del todo correcto imponer al espectador el significado que tú, como artista, has aportado. Después de todo, esto es lo mejor: ver cómo el espectador descifra tu trabajo. Está buscando conexiones, metáforas, comparaciones, dando vueltas, entrecerrando los ojos, admirando o no entendiendo. Pero más a menudo el espectador decide si puede repetir lo mismo o no. Si entiende que puede, pasará al siguiente trabajo, y si no, apagará la luz, empezará a preguntarse en qué sartén se cocinó, cuánta pimienta se le puso y por qué no se le puso sal. él.

Hago retratos íntimos.

Este no es siempre un retrato complementario, porque no busco embellecer a una persona; esto es exactamente lo contrario de un retrato psicológico, ya que no muestro a una persona "sola"; y finalmente, esta no es una representación individualizada de una persona, ya que no me importa el momento de la similitud. Este es un estado absolutamente personal, desconocido de una persona, en el que penetro con el pretexto de fotografiarlo, y durante algún tiempo miro el mundo con otros ojos. Eso es un retrato íntimo. Aquí es cuando puedes entrar descaradamente en otra persona y mirarte a través de sus ojos.

La cuestión de la luz sigue siendo invariablemente importante. ¿Cuántas fuentes utiliza en su trabajo? ¿Con qué frecuencia cambias la luz mientras disparas? ¿Qué esquemas de iluminación utilizas?

En febrero, RIA Novosti realizó una conferencia abierta de Yuri Norshtein ("Hedgehog in the Fog"). El tema del discurso fue "El arte de la libertad, la libertad en el arte". Habló sobre su trabajo, cómo va el rodaje, aciertos y desaciertos. Pero su idea principal, con la que luego encontré intersecciones, era que cuando el arte te impone ciertas restricciones, el trabajo se vuelve más productivo. Esto es si en pocas palabras.

Volvamos al tema de la luz. Sucede que vienes al tiroteo y parece que todo es súper genial. Estás de muy buen humor, la cámara está configurada para una obra maestra, el modelo es hermoso, pero... No hay luz. Esas fuentes de luz que estaban destinadas a ti se las llevó otro cliente más importante (puede pasar cualquier cosa), o se quemó la luz pulsada, y de la constante solo quedó el piloto. Triste, ¿no? Pero, afortunadamente, en este momento comprendes que esas son las limitaciones mismas a través de las cuales el arte quiere poner a prueba tu resistencia. ¡Y en este momento, el entusiasmo se vuelve aún mayor! En tales casos, tomé una luz de modelado, o una lámpara de mesa, o cualquier cosa más o menos luminosa y disparé. ¡Atención! - filmado. Y funcionó. Y a menudo mucho mejor que en condiciones ideales. Qué deseas.

No hagas un culto del estudio. Es solo una herramienta. Aunque sea bueno.

La fotografía es cara. Como bailes de salón. Aunque todavía no se sabe cuál es mejor.

Cuando comencé a trabajar, siempre me esforcé por obtener excelentes resultados. Y para lograrlo, se necesita un equipo de grandes personas. ¡El maquillador y el estilista se consideran tales personas, cuya participación ni siquiera se discute! Todos saben que son necesarios. Si es de mala educación, el maquillador se maquillará y el estilista se vestirá. Todo lo que tienes que hacer es disparar. ¡Milagro!

Día de tiro. El modelo está conduciendo, y parte del comando anterior ha caído al abismo de la zona inaccesible. No hay ninguno de ellos. Y no se espera. Avral, no de otra manera. Pero no solo las cualidades personales interfieren con la cancelación del tiroteo. Así que tomo el modelo y manejamos con él desde Metropolis. Ya sabes, el de Voykovskaya. Centro comercial grande. ¡Hermoso lugar! Después de deambular un poco, puedes hacer fácilmente el modelo allí, pero lo más importante es por qué fuimos allí: para disparar. Hay mucha ropa allí. montones. Ve a cualquier tienda, recoge la ropa y quítatela. ¿Dónde? En los probadores. Créeme, hay suficiente espacio. ¿Es posible? Sí, el diablo lo sabe. No pregunté porque solo soy un fotógrafo.

Invariablemente y todos los días me adhiero a un principio: haz lo que amas. No me importan en absoluto todas las objeciones y protestas, solo existen en la mente. Si aún no has encontrado lo que amas, sigue buscando. Incansablemente. Cada día. En cada rincón y grieta. Entenderás lo que es solo cuando lo encuentres. No te calmes. Lo más importante, y esto es incluso más de la mitad de la batalla, es dar algunos pasos. Todo es infinitamente banal y todo el mundo lo sabe, pero... Todavía hay "peros", ¿no?

Sé lo suficientemente valiente como para encontrar tu pasión. Puede ser, ¡y más a menudo sucede! - En absoluto lo que aprendiste. Nadie puede decirte lo que es, solo tú.

Hago retratos íntimos.

Nunca he disparado por tiempo. No tengo un temporizador que suene después de tres horas y diga: "¡Alto! Nos quitamos el nuestro. Es hora de irnos a casa". Disparo solo lo que mi instinto me dice. Si me parece que 300 fotogramas no son suficientes, borro la parte inicial del rodaje y sigo trabajando. Si veo que me estoy volviendo loco por una chica que ya está en el cuadro 30, estoy acabado. Nunca intente llenar toda la tarjeta de memoria. Funcionó, estoy feliz. Si no entonces...

Cuando le disparé a una chica, nos reímos locamente durante todo el tiroteo. Yo no sé por qué. No la hice reír. Charlamos, reímos y parecíamos estar tan cerca que estaba listo para algo más que disparar. Pero las cosas resultaron mucho mejor. Dejó de reírse, me miró y dijo: "Ya está. Ahora tú. ¡Dame una cámara!". Y tuve que tomar su lugar. Ahora ella me estaba filmando. No sabía a dónde ir. Abrazó, sonrió, incluso trató de bailar. Y ella estaba filmando.

En ese momento realicé uno de los mejores trabajos de retrato.

Nunca me preparo para un rodaje. En el sentido de que no construyo escenarios, no selecciono un fondo, no traigo un montón de basura conmigo. No. Solo uso lo que tengo a mano. Hay un rincón de la habitación, ¡maravilloso! Allí dispararemos. Hay una silla en mal estado, ¡es solo un cuento de hadas! Fondo negro, pared mate, linóleo: absolutamente todo lo mismo. El interior es absolutamente irrelevante. Absolutamente. La gente se adapta a cualquier cosa. Entonces cucarachas. Entonces, las chicas, nos acostumbramos a cualquier ambiente. Y nos gusta ella. Y ya no nos importa. Olvidamos. Y solo miramos. El uno al otro, a la ventana, a la pared. En el vacío. Deja que la fantasía funcione. Soñamos. estamos descansando No hay otro lugar. Bullicio alrededor. Y somos dos. Nos callamos y observamos. Estamos en silencio y soñamos. Y de nuevo nos quedamos en silencio.

Nunca se sabe lo que estas mujeres tienen en mente.

Siempre me ha fascinado la cosmovisión de la mujer. Este increíble mundo interior que desafía cualquier solución. Un misterio envuelto en un cuento de hadas. Un montón de pensamientos escondidos detrás de una apariencia mágica. Una colisión de belleza interior y exterior. Coquetas nacidas, siguiendo sus deseos. Autoconfianza inquebrantable. Sentimientos absolutamente abiertos, pasión absolutamente fascinante. Impresionante y sencillez. Ojos despejados y un gran corazón. Maravilloso.

¿Cómo puedes no darte cuenta de esto? ¡Está todo a la vista! Constantemente. ¡Justo en frente de tu nariz! ¡Abre los ojos ya! Y mira. Ver.

Una vez que vi todo esto, no pude parar. Y comencé a mirar una y otra vez. Sólo a través de la cámara. Entonces más confiable.

Soy muy feliz cuando las chicas vienen de buen o mal humor. En el primer caso, al final del tiroteo, cambiará drásticamente para ellos, en el segundo, dirán quién se lo arruinó. Esto no significa que deliberadamente quiera estropear sus impresiones. De nada. Es importante para mí trabajar a través de todo el espectro de la condición femenina y sacar la que es más característica en un caso particular.

Lo más interesante de esto es que no hay esquema. ¡No hay un solo esquema perfecto para cualquier chica! Cada chica necesita su propio enfoque. El truco que te dio una gran foto la última vez no funcionará esta vez. Necesitamos reinventar tácticas. Olvida todo lo que usaste antes y busca uno nuevo. Solo ahí puedes abrir algo y no repetirlo. Y esta es la tarea principal del artista.

Me parece que lo más hermoso que le puede pasar a una persona es la transformación en artista. ¡Es la transformación! Incluso si no te lo esperas en absoluto. Aquí vives algún tipo de vida, haces negocios y todo parece estar bien. Pero hay una sensación de subestimación. Como si quisieras algo, pero como siempre, no sabes lo que es. Y entonces - ¡bam! y cambiar de rumbo. Y nadas en una dirección completamente diferente. Y aquí es donde te das cuenta: sí, esta es la dirección correcta. A dónde conducirá y por qué, no está del todo claro. Sí, y no antes. Simplemente te das cuenta de que este es el camino que quieres seguir. Incluso si eres ignorante. Pero con una sonrisa.

Sin duda, el artista en su obra debe reflejarse a sí mismo.

Para un retratista, esto es especialmente importante y significativo, ya que no es tan fácil encontrar su reflejo en los rostros de otras personas, y más aún, transmitirlo. Por lo tanto, los buenos retratos deben ser algo ambivalentes: por un lado, este es el retrato de una persona que vino a ti, pero por otro lado, este también es tu retrato. Además, no se sabe cuál de estos retratos es el más importante.

Por supuesto, el espectador puede ser engañado. engañar. Mirará tu trabajo y tratará de encontrarte en él. Incluso si no hay nada del autor. ¡Y encontrar! Así es como se construye la percepción. Pero, no es justo. Es solo un fanfic. ¿Dónde está el relleno?

Un artista no puede engañarse a sí mismo. Buen artista. De lo contrario, este sentimiento de mentiras lo seguirá. Vívelo de antemano. Ponte delante de él. Y luego eclipsar por completo. Y no dirás nada más. Te convertirás en un pez. Pescado silencioso.

¡Las niñas son criaturas infinitamente hermosas en la tierra!

Y todas son actrices. Nacido. ¡Y es un pecado no usarlo en fotografía!

¿Cómo funciona? Tan fácil como un pastel. Comience con grandes volúmenes, pasando gradualmente a los detalles. Estoy seguro de que antes de disparar, todos tienen una imagen en la cabeza que les gustaría capturar. Pero no todos pueden transmitirlo correctamente al modelo. Primero, crea un boceto aproximado de tu idea directamente en el modelo, pídele que se mueva, observe y arregle lo que necesitas. Muévase gradualmente a una posición estática, con movimientos más suaves de los brazos y la cabeza. Al final, comenzará a ver más claramente lo que debe cambiarse y cómo hacerlo mejor.

Como regla general, todo lo mejor llega al final. Pero antes de esto hay que alcanzar. Paso a paso.

Trato de cambiar siempre algo durante el rodaje. Luz, ángulo, fondo, punto de disparo. Complicando constantemente la situación, quiero llegar a algo infinitamente simple, muy comprensible y al mismo tiempo profundo. Es muy difícil. Debe pasar por miles de opciones para encontrar una, después de lo cual quedará claro que no puede ser más claro. Pero para esto necesitas tener mucho coraje: no es tan fácil renunciar en algún momento a todo lo que hiciste, cambiar completamente el rumbo y comenzar de nuevo. Es muy duro. Internamente. Es como tirar basura vieja fuera de la casa: parece que ha estado con ella durante mucho tiempo, no interfiere en absoluto y en un momento fue tan necesario que la cambia constantemente de un lugar a otro. En una caja más alejada, para no interferir. Pero en algún momento tienes que parar y aún así deshacerte de él. No es fácil. Pero así es como debería ser. Te lo aseguro.

Van Gogh tuvo un período en el que pintó campesinos. Vivía en el pueblo, observaba su trabajo y creaba tranquilamente sus hermosas pinturas. Periódicamente, escribía cartas a su hermano Theo, con quien compartía sus pensamientos. Entonces, en una de sus cartas, Van Gogh dijo que debes escribir campesinos como si fueras uno de ellos, como si pensaras exactamente de la misma manera y sintieras lo mismo que ellos. Es muy importante.

Me adhiero al mismo principio, aunque Van Gogh estaba antes que yo. Trato de estar a la par con las chicas a las que fotografío. Iguales en cuanto a pensamientos y sentimientos. Aunque es infinitamente difícil con las chicas, pero si quieres transmitir a una chica, su carácter, su mundo y puntos de vista en tus fotografías, debes intentar meterte en su cabeza. O al menos pensar en la misma dirección. Pero muy rápido. Y sobre todo. Inmediatamente.

¿Cómo distinguir una buena foto de una mala?

Esta pregunta me surgió a mí también. Y es correcto. Debería ser. El objetivo de la fotografía, y de la fotografía en general, es encontrar respuestas. ¡Y esto es extremadamente importante! Esta es una de las características de la fotografía que amo apasionadamente. Nada en el mundo dará una respuesta más precisa que el propio proceso de búsqueda. La simplicidad es la parte más difícil. ¿Recordar? Cuando has trabajado con mil opciones, tienes algo a lo que renunciar. Cuando solo tienes una opción, te quedas con ella. Pero es poco probable que sea exactamente lo que estabas buscando.

Volvamos a la pregunta. Alexei Brodovich me interrumpe... Bueno, démosle la palabra. “Mira miles de fotografías y guárdalas en la memoria. Más tarde, si ves algo en el visor que te recuerda a las fotografías que viste, no lo tomes”.

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Ryzhov Mikhail, fotógrafo.

www.ryzhovmichael.com

La pintura y el dibujo de retratos hablan de una persona, su belleza, carácter y aspiraciones. El retratista se ocupa del carácter de una persona, de su compleja personalidad. Para entender a una persona, para entender su esencia en apariencia, se necesita mucha experiencia de vida y profesional, el artista requiere un conocimiento profundo de la persona que está retratando.

Retrato(fr. retrato - imagen) - un género de bellas artes que representa a una persona o un grupo de personas. Además de las similitudes individuales externas, los artistas se esfuerzan por transmitir el carácter de una persona, su mundo espiritual en un retrato.

Hay muchos tipos de retratos. El género del retrato incluye: un retrato de medio cuerpo, un busto (en escultura), un retrato de cuerpo entero, un retrato de grupo, un retrato en un interior, un retrato contra un paisaje. Por la naturaleza de la imagen, se distinguen dos grupos principales: retratos ceremoniales y de cámara. Por regla general, un retrato ceremonial implica una imagen de cuerpo entero de una persona (a caballo, de pie o sentada). En un retrato de cámara, se utiliza una imagen de medio cuerpo, pecho y hombros. En un retrato ceremonial, la figura suele presentarse sobre un fondo arquitectónico o paisajístico, y en un retrato de cámara, más a menudo sobre un fondo neutro.

Según el número de imágenes en un lienzo, además de los habituales, individuales, hay retratos dobles y grupales. Se denominan pareados los retratos pintados sobre diferentes lienzos, si son coherentes entre sí en composición, formato y color. En la mayoría de los casos, estos son retratos de cónyuges. Muy a menudo, los retratos forman conjuntos completos: galerías de retratos.

Se denomina retrato de vestuario al retrato en el que se presenta a una persona en forma de cualquier personaje alegórico, mitológico, histórico, teatral o literario. Los nombres de tales retratos suelen incluir las palabras "en forma" o "en imagen" (por ejemplo, Catalina II en forma de Minerva).

Los retratos también se distinguen por el tamaño, por ejemplo, en miniatura. También puede resaltar un autorretrato, una imagen del artista de sí mismo. El retrato transmite no solo las características individuales de la persona retratada o, como dicen los artistas, los modelos, sino que también refleja la época en la que vivió la persona retratada.

El arte del retrato se remonta a varios milenios. Ya en el antiguo Egipto, los escultores crearon una imagen bastante precisa de la apariencia externa de una persona. A la estatua se le dio una semejanza de retrato para que después de la muerte de una persona, su alma pudiera mudarse a ella y encontrar fácilmente a su dueño. Los retratos pintorescos de Faiyum realizados en la técnica de la encáustica (pintura de cera) en los siglos I-IV tenían el mismo propósito. Los retratos idealizados de poetas, filósofos, figuras públicas eran comunes en la escultura de la antigua Grecia. La veracidad y las características psicológicas precisas se distinguieron por los bustos de retratos escultóricos romanos antiguos. Reflejaban el carácter y la personalidad de una persona en particular.

La imagen del rostro de una persona en la escultura o la pintura ha atraído a los artistas de todas las épocas. El género del retrato floreció especialmente en el Renacimiento, cuando se reconoció como valor principal la personalidad humana humanística y eficaz (Leonardo da Vinci, Rafael, Giorgione, Tiziano, Tintoretto). Los maestros del Renacimiento profundizan el contenido de las imágenes de retratos, las dotan de intelecto, armonía espiritual y, a veces, drama interior.

En el siglo 17 en la pintura europea se destaca un retrato de cámara, íntimo, frente a un retrato ceremonial, oficial, exaltador. Los maestros destacados de esta época, Rembrandt, Van Rijn, F. Hals, Van Dyck, D. Velázquez, crearon una galería de imágenes maravillosas de personas sencillas y sin fama, descubrieron en ellas la mayor riqueza de bondad y humanidad.

En Rusia, el género del retrato comenzó a desarrollarse activamente desde principios del siglo XVIII. F. Rokotov, D. Levitsky, V. Borovikovsky crearon una serie de magníficos retratos de personas nobles. Especialmente hermosas y encantadoras, imbuidas de lirismo y espiritualidad, fueron las imágenes femeninas pintadas por estos artistas. En la primera mitad del siglo XIX. el protagonista del arte del retrato se convierte en una personalidad romántica soñadora y al mismo tiempo propensa al impulso heroico (en las pinturas de O. Kiprensky, K. Bryullov).

La formación del realismo en el arte de los Wanderers se reflejó en el arte del retrato. Los artistas V. Perov, I. Kramskoy, I. Repin crearon toda una galería de retratos de contemporáneos destacados. Los artistas transmiten rasgos individuales y típicos del retratado, sus rasgos espirituales con la ayuda de expresiones faciales, posturas y gestos característicos. Se representaba a la persona en toda su complejidad psicológica y también se evaluaba su papel en la sociedad. En el siglo XX. el retrato combina las tendencias más controvertidas: características individuales vívidas y realistas y deformaciones expresivas abstractas de los modelos (P. Picasso, A. Modigliani, A. Bourdelle en Francia, V. Serov, M. Vrubel, S. Konenkov, M. Nesterov, P Korin en Rusia).

Los retratos nos transmiten no solo imágenes de personas de diferentes épocas, reflejan una parte de la historia, sino que también hablan de cómo el artista veía el mundo, cómo trataba a la persona retratada.

¿Cuáles son las diferencias entre un retrato formal y uno complementario? ¿O psicológico y artístico? ¿Y puede un retrato formal tener una carga psicológica?

Por supuesto, todas las áreas del retrato actualmente disponibles se simplifican para clasificarlas ordenadamente en una u otra categoría del género del retrato. En principio, esto es correcto: para no sumergirse de cabeza en el océano de las bellas artes, es necesario prever pequeñas "piscinas para niños", pero para el autor, tales definiciones están cargadas de un ajuste subconsciente de su trabajo a la límites, restricciones. Pero la gente se acostumbra cuando el fotógrafo crea en su propio estilo, y cuando el vector de sus sujetos cambia, esto puede causar malentendidos en el espectador, el público le pedirá al autor que vuelva a ser él mismo.

Fotografío mucho a chicas, pero me resulta difícil catalogar sus retratos en ciertas categorías. Me gusta mi trabajo porque no tengo grandes pabellones, lujosas escenografías ni utilería más o menos seria. Uso tanto la luz pulsada como la solar, por lo que un mínimo de preparación para el trabajo me infunde paz.

Nos reunimos a una hora determinada, trabajamos, la chica posa, o mejor dicho, cree que posa, cree que lo hace.

¿Por qué un retrato íntimo? ¿Dónde está la intimidad? A menudo mis camaradas masculinos me preguntan. De hecho, las chicas no están semidesnudas, las poses no son relajadas y parecen reservadas. ¿Estoy engañando al espectador?

Diré esto: "Un retrato íntimo es un retrato creado contra un fondo de cámara, monótono, que demuestra la relación de confianza entre el artista y el modelo".

Las personas, en mi caso las chicas, son una fuente inagotable de inspiración. Cada chica es única para mí. Me gusta proyectar su manera, mirada, estilo de comunicación, sonrisas. No verás esto dos veces. Lo principal es verlo a tiempo y arreglarlo con una cámara, pero para considerarlo, debe intentarlo, incluso agitar a la niña, es decir, se aplica el principio de "niña individual - enfoque individual". Todo es simple.

En una época, era el siglo XIX, a Van Gogh le gustaba mucho el tema de los campesinos. Vivió entre ellos, al mismo tiempo alimentando temas para las pinturas de su vida cotidiana, pero una cosa es observar a cierta categoría de personas desde un lado y luego transferir tus notas al lienzo, o convertirte en una de estas personas, piensa como ellos, siento lo mismo. Tengo un enfoque similar. Intento estar en pie de igualdad con las chicas, reducir al mínimo todas sus diferencias, entrar sincrónicamente en su comunidad, conocer sus sentimientos, preocupaciones. La tarea no es fácil, dada la cosmovisión femenina, a veces es imposible comprenderla.

19.07.2013

¿Cuál es la diferencia entre un retrato formal y uno complementario? ¿Y lo psicológico desde lo artístico? ¿Y un retrato formal, por ejemplo, puede ser psicológico?

Sin duda, todas las direcciones están dadas para simplificar y catalogar la creatividad. Por un lado, esto es cierto: para no ahogarse en el océano pictórico, debe construir "piscinas para niños". Para el autor, sin embargo, tal definición conduce inconscientemente a ciertos límites y restricciones. Después de todo, la gente se acostumbra a que el artista trabaja de la misma manera, y cuando el vector de su desarrollo cambia un poco, esto provoca cierta resonancia de incomprensión y el público exige un regreso a las raíces. Entonces es más fácil para ella, ya hay una cierta comprensión. Siempre se acepta lo nuevo con aprensión y hostilidad. Pero solo al principio. Con el tiempo se acostumbran.

Disparo a chicas y no puedo determinar inequívocamente la dirección en la que lo hago. Una cierta tranquilidad viene dada por el hecho de que no tengo un escenario loco, pabellones enormes e incluso accesorios. tengo gente Y luz - solar o pulsada. En este sentido, estoy absolutamente tranquilo, sin preparativos. Nos reunimos en un momento determinado en un lugar determinado y el trabajo. Estoy filmando, y la chica... No, no está posando en absoluto, cree que está posando.

Y, sin embargo, ¿por qué un "retrato íntimo"? "¿Dónde está la intimidad?" un día mi amigo me preguntó. Efectivamente, ¿dónde? Las chicas no están semidesnudas, sus poses no son para nada juguetonas y se comportan de manera bastante reservada. La intimidad sincera aquí solo puede ser vista por los ciegos.

¿Engañado?

Te daré una definición "seca". "Retrato íntimo: un retrato sobre un fondo homogéneo de cámara, que muestra una relación de confianza entre la persona retratada y el artista". ¡Bingo!

Una persona (en mi caso, las chicas) es una fuente inagotable de investigación. Cada uno es increíblemente único. Carácter individual, comportamiento, apariencia, estilo de comunicación: nada se repite. Lo más importante es verlo y arreglarlo a tiempo. Y para verlo, necesitas acercarte a él. Chica individual - enfoque individual. Todo es simple. Incluso demasiado.

A finales del siglo XIX, Van Gogh quedó fascinado con el tema de los campesinos. Vivió entre ellos durante algún tiempo y pintó cuadros. Pero una cosa es solo mirar el trabajo de los campesinos y luego trasladar tus impresiones al lienzo, y otra cosa es convertirte en uno de ellos, pensar como uno de ellos y sentir exactamente lo mismo. Es decir, implementación completa en el entorno.

Tengo un enfoque muy similar. Intento estar a la altura de las chicas, reducir al mínimo todas las diferencias entre nosotras, entender su forma de pensar, conocer sus experiencias y preocupaciones. Por supuesto, la tarea es muy difícil, porque la cosmovisión de las mujeres es completamente diferente. Y a veces es imposible entenderlo. ¡Qué podemos decir sobre meterse en su cabeza! Esta es una súper tarea. Pero este es exactamente el objetivo que me propuse durante el rodaje. Si quiero tener una chica en la foto, y no la "imagen de una chica" que se ha desarrollado durante el trabajo, necesito estar de su lado, mirar el mundo a través de sus ojos y tratar de sentir cómo se siente. Es muy importante mirarte a ti mismo a través de los ojos de la persona que estás fotografiando. Conviértete en uno de los "campesinos".

Dio la casualidad de que es mucho más fácil para mí negociar con las niñas que con la población masculina. Los primeros son demasiado ilógicos y los segundos demasiado obstinados. Eligiendo el menor de dos males, me decidí por el primero y no perdí.

Cada rodaje es una aventura en la que intentas descubrir qué es lo que excita al retratado, sentir el curso de sus pensamientos y captar el estado que surge entre vosotros. ¡Y todo esto de alguna manera debe guardarse en la foto! Y no olvides dejar una parte de ti como autor. En otras palabras, trabajar con un modelo es como modelar plastilina. Al principio, el material es bastante duro e inflexible, pero tan pronto como se calienta un poco, se acostumbra a la textura y se arruga en las manos, comienzan a aparecer formas. Y queda por decidir en qué dirección avanzar más: comenzar con algo familiar, modificando gradualmente, o desde el principio moverse intuitivamente, al tacto, sin pensar en el resultado. El último camino es muy intrigante: se abrirá algo nuevo o se encontrará con un patrón. ¡Pero vale la pena!

Lo más peligroso que puede acechar en el plató son tus pensamientos. Pensamientos monstruosos, conflictivos, inquietos. Alguna pregunta girará constantemente en mi cabeza: ¿vale la pena el modelo? ¿Son correctos los ajustes de la cámara? ¿Qué debo decirle? ¿Por qué me mira así? Este ruido es increíblemente peligroso. Debido a él, es posible que no obtengas el cuadro final, porque te gritará: “¡Bueno, eso es todo, termínalo! Obtuvimos lo que queríamos. ¡Vamos a procesar más rápido!" Este ruido le proporcionará constantemente una nueva porción de pensamientos, lo que le impedirá concentrarse en lo principal: trabajar con el modelo, el estado de ánimo psicológico y el retorno emocional. A veces es muy difícil dejar todos los problemas cotidianos en casa. Si no cierras a tiempo la puerta correspondiente en tu cabeza, escribe perdido. La fotografía se construye en tu mente, y la cámara hace de intermediaria entre la cabeza, el corazón y el modelo. Despeje su mente antes de hacer una declaración. Deja que tu corazón te guie. Discutirás y rechazarás más tarde. seria eso

Trabajar con un modelo es algo similar al trabajo de un domador. ¡De otro modo no! Los modelos son de dos tipos: activos y pasivos. Los primeros son de extrema iniciativa, y si no los dominas a tiempo, puedes perder el timón del capitán del proceso de filmación. Cuando digo "establecido", por supuesto, exagero un poco: la modelo debe sentir su confianza y conocimiento de lo que quiere obtener de ella, incluso si está en silencio. De lo contrario, pensará que no sabes lo que quieres lograr con ella, dándole así la oportunidad de controlar el proceso de filmación por sí misma. Este camino conduce a un resultado completamente diferente al que pretendías. Sea lo suficientemente audaz en su trabajo y no permita que otros controlen sus pensamientos.

Los modelos pasivos son algo diferentes. Recuerdan un poco a la soja: es imposible comerla sin su relleno. Estas chicas cumplen con firmeza todos sus requisitos: saben quién está a cargo. Congele estáticamente, salte cien veces, cinco pasos hacia adelante y párese de cabeza, si tan solo dijera qué hacer. Es poco probable que la niña discuta contigo, ella sabe que este es su trabajo.

La cuestión de la luz no puede ser ignorada. Y aquí siempre recuerdo a Yuri Norshtein, un animador y director maravilloso. ¡Una persona que está constantemente en la limitación del arte crea arte ilimitado!

Una vez contó cómo, algún tiempo después del estreno de El erizo en la niebla, fue invitado a Pixar. La gente de California realmente quería saber cómo Norshtein hace sus caricaturas, qué equipo usa y cuánto dinero invierte en él. Contó, mostró e incluso reprodujo un fragmento de la caricatura ante sus ojos. Imagínese los ojos de estas personas, los gigantes de la animación por computadora que crearon Toy Story, cuando Yuri Norshtein sacó tenazas, papel de calco y un erizo recortado de cartón de su maleta y comenzó a moverlo todo sobre la mesa. El erizo no solo se movía, también estaba en la niebla: el papel de calco creaba ese efecto. La sorpresa no conocía límites, porque se esperaba algo más de él, definitivamente no la costura. Norshtein fue el grabado rupestre prehistórico de Pixar en la era de las computadoras. Artista artesanal.

Norshtein no tenía computadoras costosas, grandes estudios de cine y súper equipos. Solo tenía tenazas, papel de calco y cartón. Esta es la limitación. Pero tenía un sueño: crear una caricatura de la que pudiera enamorarse. Y cuando te enamoras de ti mismo, te enamoras de él y de los demás. Esto es el arte.

Para concluir, me gustaría citar a un crítico de arte, Francesco Bonami: “El arte también existe para aquellos (y, sobre todo, para aquellos) que no tienen dinero, pero que saben soñar, y que no necesitan nada más para esto. ”