Велики композитори на света. Велики руски композитори Известни чуждестранни композитори от 19 век

20-ти век се смята за време на велики изобретения, които направиха живота на хората много по-добър и в някои отношения по-лесен. Въпреки това, има мнение, че нищо ново не е създадено в света на музиката по това време, а са използвани само произведенията на предишни поколения. Този списък има за цел да опровергае такова несправедливо заключение и да почете многото музикални произведения, създадени след 1900 г., както и техните автори.

Едгар Варез - Йонизация (1933)

Varèse е френски композитор на електронна музика, който използва в работата си нови звуци, създадени на базата на популяризирането на електричеството. Той изследва тембри, ритми и динамика, често използвайки доста груби перкусионни звуци. Нито една от композициите няма да може да формира представа за творчеството на Varèse толкова пълно, колкото "Ionization", създадена за 13 перкусии. Сред инструментите са обичайните оркестрови бас барабани, малки барабани, а в това произведение можете да чуете и рев на лъв и вой на сирена.

Карлхайнц Щокхаузен - Zyklus (1959)

Щокхаузен, подобно на Варез, понякога създава екстремни творби. Например Zyklus е произведение, написано за перкусии. Това означава "кръг". Тази композиция не случайно получи такова име. Може да се чете от всяко място във всяка посока и дори с главата надолу.

Джордж Гершуин - Блус рапсодия (1924)

Джордж Гершуин е истински американски композитор. Той често използва блус и джаз гами в своите композиции, вместо диатоничните гами, обикновено използвани от повечето музиканти от западната класическа традиция. "Рапсодия" на Гершуин в блус стил, най-великото му произведение, благодарение на което определено ще го запомните завинаги. Често служи като напомняне за 20-те години на миналия век, ерата на джаза, време на богатство и лукс. Това е копнеж по отминало хубаво време.

Филип Глас - Айнщайн на плажа (1976)

Филип Глас е съвременен композитор, който продължава да твори в изобилие днес. Стилът на композитора е минимализъм, като в музиката му постепенно се развива остинатото.
Най-известната опера на Глас, Айнщайн на плажа, продължи 5 часа без антракт. Беше толкова дълго, че публиката идваше и си отиваше, когато си поиска. Интересен е с това, че няма абсолютно никакъв сюжет, а само показва различни сцени, описващи теориите на Айнщайн и като цяло живота му.

Кшищоф Пендерецки - Полски реквием (1984)

Пендерецки е композитор, който е запален по разширяването на техниките и уникалните стилове на свирене на конвенционални инструменти. Той може би е по-известен с другото си произведение Lament for the Victims of Hiroshima, но този списък включва най-големия - Полският реквием, който съчетава една от най-старите форми на музикално произведение (авторът на първия Реквием е Окегем, който живял през Ренесанса ) и нетрадиционен стил на изпълнение. Тук Пендерецки използва крясъци, кратки, остри викове от хора и глас, а добавянето на полски текст в края допълва образа на едно наистина уникално музикално изкуство.

Албан Берг - Воцек (1922)

Берг е композиторът, който въвежда сериализма в популярната култура. Неговата опера "Воцек", основана на изненадващо негероичен сюжет, се превръща в първата опера в характерния смел стил на 20 век и с това поставя началото на развитието на авангарда на оперната сцена.

Арън Копланд - Fanfare for the Common Man (1942)

Копланд композира музика в стил, различен от този на американския му колега Джордж Гершуин. Докато много от творбите на Гершуин са подходящи за градове и клубове, използването на селски мотиви от Копланд включва истински американски теми като каубои.
Най-известната творба на Копланд е Fanfare for the Common Man. На въпрос на кого точно е посветена, Арън отговори, че това е обикновен човек, тъй като именно обикновените хора са повлияли значително за победата на САЩ във Втората световна война.

Джон Кейдж - 4'33" (1952)

Кейдж беше революционер - той пръв започна да използва нетрадиционни инструменти в музиката, като клавиши и хартия. Неговата най-забележителна иновация е модификацията на пианото, където той напъха шайби и пирони в инструмента, което доведе до сухи ударни звуци.
4'33" е общо взето 4 минути 33 секунди музика. Музиката, която чувате обаче, не се възпроизвежда от изпълнителя. Чувате произволни шумове в концертната зала, шума от климатика или бръмченето на коли отвън. Това, което се смяташе за мълчание, не е тишина - това учи дзен школата, която стана източник на вдъхновение за Кейдж.

Витолд Лутославски - Концерт за оркестър (1954)

Лутославски е един от най-великите полски композитори, специализирал в алеаторична музика. Той стана първият музикант, удостоен с най-високото държавно отличие на Полша - Ордена на белия орел.
„Концерт за оркестър“ е резултат от вдъхновението на композитора от произведението „Концерт за оркестър“ на Бела Барток. Включва имитация на бароковия жанр Concerto Grosso, преплетен с полски мелодии. Най-впечатляващото е, че това произведение е атонално, не отговаря на мажор или минор.

Игор Стравински - The Rite of Spring (1913)

Стравински е един от най-великите композитори, живели някога. Изглежда, че е взел малко от голям брой композитори. Композира в стиловете сериализъм, неокласицизъм и необарок.
Най-известната композиция на Стравински е „Повестта на пролетта“, която има скандален успех. На премиерата Камий Сен-Санс избяга от залата в самото начало, като се скара за прекалено високия регистър на фагота, според него инструментът е използван неправилно. Публиката освирква представлението, възмутена от примитивните ритми и просташките костюми. Тълпата буквално нападна изпълнителите. Вярно, балетът скоро придоби популярност и спечели любовта на публиката, превръщайки се в едно от най-влиятелните произведения на великия композитор.

Мелодиите и песните на руския народ вдъхновяват творчеството на известни композитори от втората половина на 19 век. Сред тях бяха П.И. Чайковски, М.П. Мусоргски, М.И. Глинка и А.П. Бородин. Техните традиции бяха продължени от цяла плеяда изключителни музикални фигури. Руските композитори от 20-ти век са все още популярни.

Александър Николаевич Скрябин

Творчество A.N. Скрябин (1872 - 1915), руски композитор и талантлив пианист, педагог, новатор, не може да остави никого безразличен. В неговата оригинална и импулсивна музика понякога се долавят мистични моменти. Композиторът е привлечен и привлечен от образа на огъня. Дори в заглавията на творбите си Скрябин често повтаря думи като огън и светлина. Той се опитва да намери начин да съчетае звук и светлина в творбите си.

Бащата на композитора, Николай Александрович Скрябин, беше известен руски дипломат, истински държавен съветник. Майка - Любов Петровна Скрябина (родена Щетинина), беше известна като много талантлива пианистка. Завършила е с отличие Консерваторията в Санкт Петербург. Професионалната й кариера започва успешно, но малко след раждането на сина й тя умира от консумация. През 1878 г. Николай Александрович завършва обучението си и е назначен в руското посолство в Цариград. Възпитанието на бъдещия композитор е продължено от неговите близки роднини - баба Елизавета Ивановна, нейната сестра Мария Ивановна и сестрата на бащата Любов Александровна.

Въпреки факта, че на петгодишна възраст Скрябин усвоява свиренето на пиано и малко по-късно започва да учи музикални композиции, според семейната традиция той получава военно образование. Завършва 2-ри Московски кадетски корпус. В същото време взема частни уроци по пиано и музикална теория. По-късно постъпва в Московската консерватория и завършва с малък златен медал.

В началото на творческата си дейност Скрябин съзнателно следва Шопен, избирайки същите жанрове. Въпреки това, дори по това време собственият му талант вече беше очевиден. В началото на 20 век той написва три симфонии, след това „Поемата на екстаза“ (1907) и „Прометей“ (1910). Интересното е, че композиторът допълва партитурата на „Прометей“ с лека клавирна част. Той е първият, който използва лека музика, чиято цел се характеризира с разкриване на музика чрез метода на визуалното възприятие.

Нещастната смърт на композитора прекъсва творчеството му. Така и не реализира плана си да създаде „Мистерията” – симфония от звуци, цветове, движения, миризми. В това произведение Скрябин искаше да разкаже на цялото човечество най-съкровените си мисли и да го вдъхнови да създаде нов свят, белязан от съюза на Универсалния Дух и Материята. Най-значимите му произведения са само предговор към този грандиозен проект.

Известният руски композитор, пианист, диригент С.В. Рахманинов (1873 - 1943) е роден в богато дворянско семейство. Дядото на Рахманинов е бил професионален музикант. Първите уроци по пиано му дава майка му, а по-късно канят учителя по музика А.Д. Орнацкая. През 1885 г. родителите му го дават в частно училище-интернат при професора на Московската консерватория Н.С. Зверев. Редът и дисциплината в учебното заведение оказват значително влияние върху формирането на бъдещия характер на композитора. По-късно завършва Московската консерватория със златен медал. Докато е още студент, Рахманинов е много популярен сред московската общественост. Той вече е създал своя "Първи концерт за пиано", както и някои други романси и пиеси. А неговата „Прелюдия в до-диез минор“ стана много популярна композиция. Страхотен P.I. Чайковски обърна внимание на дипломната работа на Сергей Рахманинов - операта "Олеко", която той написа под впечатлението на А.С. Пушкин "Цигани". Пьотър Илич го поставя в Болшой театър, опитва се да помогне за включването на това произведение в репертоара на театъра, но неочаквано умира.

От двадесетгодишна възраст Рахманинов преподава в няколко института, дава частни уроци. По покана на известния филантроп, театрален и музикален деец Сава Мамонтов, на 24-годишна възраст композиторът става втори диригент на Московската руска частна опера. Там се сприятелява с Ф.И. Шаляпин.

Кариерата на Рахманинов е прекъсната на 15 март 1897 г. поради отхвърлянето на неговата новаторска Първа симфония от публиката в Санкт Петербург. Отзивите за тази работа бяха наистина опустошителни. Но композиторът беше най-разстроен от отрицателната рецензия, оставена от N.A. Римски-Корсаков, чието мнение Рахманинов много цени. След това изпада в продължителна депресия, от която успява да излезе с помощта на хипнотизатор Н.В. Дал.

През 1901 г. Рахманинов завършва втория си концерт за пиано. И от този момент започва активната му творческа дейност като композитор и пианист. Уникалният стил на Рахманинов съчетава руски църковни песнопения, романтизъм и импресионизъм. Той смята мелодията за основно водещо начало в музиката. Това намира най-голям израз в любимата творба на автора – поемата „Камбаните“, която той пише за оркестър, хор и солисти.

В края на 1917 г. Рахманинов напуска Русия със семейството си, работи в Европа и след това заминава за Америка. Композиторът беше много разстроен от раздялата с родината. По време на Великата отечествена война той изнася благотворителни концерти, приходите от които са изпратени във фонда на Червената армия.

Музиката на Стравински се отличава със стиловото си разнообразие. В самото начало на творческата си дейност тя се основава на руските музикални традиции. И тогава в творбите се чува влиянието на неокласицизма, характерен за музиката на Франция от този период и додекафонията.

Игор Стравински е роден в Ораниенбаум (сега град Ломоносов) през 1882 г. Бащата на бъдещия композитор Фьодор Игнатиевич е известен оперен певец, един от солистите на Мариинския театър. Майка му беше пианистка и певица Анна Кириловна Холодовская. От деветгодишна възраст учителите му дават уроци по пиано. След завършване на гимназията, по желание на родителите си, той постъпва в юридическия факултет на университета. В продължение на две години, от 1904 до 1906 г., той взема уроци от N.A. Римски-Корсаков, под чието ръководство написва първите произведения - скерцо, соната за пиано, сюита "Фавн" и "Пастирка". Сергей Дягилев високо оцени таланта на композитора и му предложи сътрудничество. Съвместната работа доведе до три балета (постановка на С. Дягилев) - Жар птица, Петрушка, Повестта на пролетта.

Малко преди Първата световна война композиторът заминава за Швейцария, след това за Франция. Започва нов период в творчеството му. Изучава музикалните стилове на 18 век, пише операта „Цар Едип“, музиката към балета „Аполон Мусагет“. Неговият почерк се променя няколко пъти във времето. Дълги години композиторът живее в САЩ. Последната му известна творба е Реквием. Характеристика на композитора Стравински е способността постоянно да променя стилове, жанрове и музикални посоки.

Композиторът Прокофиев е роден през 1891 г. в малко селце в Екатеринославска губерния. Светът на музиката беше открит за него от майка му, добра пианистка, която често изпълняваше произведения на Шопен и Бетовен. Тя също се превърна в истински музикален наставник за сина си и освен това го научи на немски и френски.

В началото на 1900 г. младият Прокофиев успява да посети балета „Спящата красавица“ и да слуша оперите „Фауст“ и „Княз Игор“. Впечатлението, получено от представленията на московските театри, беше изразено в собствената му работа. Пише операта "Великанът", а след това и увертюрата към "Пустинни брегове". Родителите скоро разбират, че вече не могат да учат сина си на музика. Скоро, на единадесетгодишна възраст, начинаещият композитор е представен на известния руски композитор и учител С.И. Танеев, който лично поиска от Р.М. Глиера да участва в музикална композиция със Сергей. С. Прокофиев на 13-годишна възраст издържа приемните изпити в консерваторията в Санкт Петербург. В началото на кариерата си композиторът обикаля и концертира много. Работата му обаче предизвика неразбиране сред обществеността. Това се дължи на характеристиките на произведенията, които се изразяват в следното:

• модернистичен стил;
• разрушаване на установените музикални канони;
• екстравагантност и изобретателност на техниките за композиране

През 1918 г. С. Прокофиев напуска и се завръща едва през 1936 г. Вече в СССР той пише музика за филми, опери, балети. Но след като е обвинен, заедно с редица други композитори, във "формализъм", той на практика се мести да живее в страната, но продължава да пише музикални произведения. Неговата опера "Война и мир", балетите "Ромео и Жулиета", "Пепеляшка" станаха достояние на световната култура.

Руските композитори от 20-ти век, живели в началото на века, не само запазиха традициите на предишното поколение творческа интелигенция, но и създадоха свое собствено, уникално изкуство, за което произведенията на П.И. Чайковски, М.И. Глинка, Н.А. Римски-Корсаков.

Сред тези мелодии има мотив за всяко настроение: романтично, положително или мрачно, да се отпуснете и да не мислите за нищо или, обратно, да съберете мислите си.

Италианският композитор и пианист работи в посока минимализъм, често се обръща към ембиънта и умело съчетава класическа музика с други музикални стилове. Той е известен на широк кръг с атмосферни композиции, превърнали се в саундтраци към филми. Например, със сигурност ще разпознаете музиката от френската лента "1 + 1", написана от Einaudi.

Глас е една от най-противоречивите личности в света на съвременната класика, която или е възхвалявана до небето, или до деветките. Той е със собствения си ансамбъл Philip Glass Ensemble от половин век и е написал музика за повече от 50 филма, включително The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life и The Fantastic Four. Мелодиите на американския минималистичен композитор размиват границата между класическата и популярната музика.

Автор на много саундтраци, най-добрият филмов композитор за 2008 г. според Европейската филмова академия и пост-минималист. Завладява критиците от първия албум Memoryhouse, в който музиката на Рихтер е насложена върху поетично четене, а следващите албуми също използват художествена проза. В допълнение към писането на свои собствени ембиънт композиции, Макс аранжира класически произведения: The Four Seasons на Вивалди оглави класациите на iTunes в неговия аранжимент.

Този творец на инструментална музика от Италия не е свързан със сензационното кино, но вече е известен като композитор, виртуоз и опитен учител по пиано. Ако опишете работата на Марради с две думи, тогава това ще бъдат думите "чувствен" и "магически". Неговите композиции и кавъри ще се харесат на тези, които обичат ретро класиката: нотките от миналия век прозират в мотивите.

Известният филмов композитор е създал музикален съпровод за много касови филми и анимационни филми, включително Гладиатор, Пърл Харбър, Начало, Шерлок Холмс, Интерстелар, Мадагаскар, Цар Лъв. Неговата звезда се издига на Холивудската алея на славата, а на рафта му са Оскар, Грами и Златен глобус. Музиката на Zimmer е толкова различна, колкото изброените филми, но независимо от тона, тя удря акорд.

Хисаиши е един от най-известните японски композитори, спечелил четири филмови награди на Японската академия за най-добра филмова музика. Джо стана известен с това, че написа саундтрака към анимето "Наусикая от долината на вятъра". Ако сте фен на Studio Ghibli или касетите на Takeshi Kitano, със сигурност ще се възхитите на музиката на Hisaishi. Предимно е лек и лек.

Този исландски мултиинструменталист е просто момче в сравнение с изброените майстори, но до 30-те си години успява да се превърне в признат неокласик. Записва акомпанимент към балет, печели награда БАФТА за саундтрака към британския сериал "Убийство на плажа" и издава 10 студийни албума. Музиката на Арналдс напомня за суров вятър на безлюден морски бряг.

Най-известните произведения на Лий Рум са „Целуни дъжда“ и „В теб тече река“. Корейският ню ейдж композитор и пианист пише популярни класики, които са разбираеми за слушателите на всеки континент, с всякакъв музикален вкус и образование. Неговите леки и чувствени мелодии за мнозина станаха началото на любовта към пиано музиката.

Американският композитор е интересен с това, но в същото време пише най-приятната и доста популярна музика. Мелодиите на О'Халоран са използвани в Top Gear и няколко филма. Може би най-успешният албум със саундтрак беше за мелодрамата Like Crazy.

Този композитор и пианист знае много за изкуството на дирижирането и как да създава електронна музика. Но основната му област е съвременната класика. Cacchapalla е записал много албуми, три от които с Кралския филхармоничен оркестър. Музиката му тече като вода, страхотно е да се отпуснеш под нея.

В края на 17-18в. започват да се появяват нови музикални канони, които композитори и музиканти ще следват дълго време. Този век даде на света музика, която направи безценен принос към световното културно наследство. Композиторите от 18-ти век са известни с такива личности като:

Това е един от най-големите немски композитори, чийто интерес към личността и творчеството не избледнява с времето, а напротив, нараства. Но, за съжаление, приживе той не получи признание. Йохан нямаше друг избор, освен да продължи музикална кариера, защото предците му бяха известни със своята музикалност.

Бъдещият гений е роден през 1685 г. в град Айзенах. Първите си стъпки в музиката дължи на баща си, който го учи да свири на цигулка. Бах имаше прекрасен глас и пееше в хор на градското училище. Хората наоколо не се съмняваха, че момчето ще стане отличен музикант.

Рано оставайки сирак, на 15-годишна възраст Йохан започва самостоятелен живот. Въпреки факта, че младият композитор живее в тесни условия и чести премествания, интересът на Бах към музиката никога не изчезва, той непрекъснато разширява познанията си за музика чрез самообразование.

За разлика от колегите си композитори, които се опитват да имитират чужди музиканти във всичко, Бах активно използва немски народни песни и танци в произведенията си. Но Йохан беше не само талантлив композитор, но и отличен изпълнител на орган и клавесин. Ако не беше известен като композитор, тогава всички признаха майсторството му да свири на тези инструменти.

Но придворното общество не хареса музиката на композитора: тя се смяташе за твърде ярка, емоционална, хуманна. Но въпреки отхвърлянето на творбите му от страна на обществеността, той никога не се приспособява към техните вкусове. Бах пише най-добрите си музикални произведения в Лайпциг, където се премества със семейството си и остава до края на живота си. Там създава повечето от кантатите „Страсти по Йоан“, „Страсти по Матей“, Месата в си минор.

Най-голямата радост, подкрепа и опора на композитора беше семейството му. Синовете също стават талантливи музиканти и печелят слава по време на живота на Бах. Втората му жена и най-голямата му дъщеря имаха много красив глас. Затова Йохан продължава да пише музикални произведения за семейството си.

В последните години от живота си Бах започва да има сериозни проблеми със зрението, а след неуспешна операция ослепява. Но въпреки това той не напусна работата си и продължи да създава композиции, диктувайки ги за запис. Смъртта му остана до голяма степен незабелязана в музикалната общност и скоро беше забравен. Интересът към музиката му се проявява едва 100 години по-късно, когато под диригентството на Менделсон е изпълнено едно от най-красивите му творения „Пасионът по Матей“ и в същото време е издадена колекция от негови музикални композиции.

Този гений на музиката не е оценен от съвременниците му, които не могат да осъзнаят пълната сила и дълбочина на таланта му, не го харесват заради силния му и независим характер, но векове по-късно творчеството му се интересува и се възхищава от таланта му. Волфганг е роден на 27 януари 1756 г. Баща му е придворен музикант и след като забелязва ранните музикални способности в сестрата на Моцарт, започва да я учи на музика.

Това бележи началото на работата на Волфганг. В ранна възраст момчето показва изключителни способности за музика: на 5-6 години той вече създава първите си музикални произведения, като същевременно притежава уникален музикален слух и невероятна памет. Бащата, виждайки, че синът му има редки музикални таланти, решава да започне концертно турне, така че Волфганг да спечели слава и да не стане придворен музикант.

Но въпреки факта, че всички се възхищаваха на момчето и на 12-годишна възраст произведенията му станаха известни, обществото не можа да оцени напълно пълния потенциал на младия музикант. Затова, връщайки се от турнето, Волфганг става придворен музикант и страда много от позицията, в която се намира. Но не желаейки да се примири с факта, че не е уважаван и третиран неадекватно, той напуска Залцбург и отива във Виена.

Именно по време на престоя му във Виена талантът му достига своя връх. Скоро той се жени за красиво момиче на име Констанца Вебер и дори неодобрението на родителите му не може да попречи на тяхното щастие. Годините, прекарани във Виена, не могат да се нарекат леки, по-скоро напротив. В нужда Моцарт трябваше да работи много усилено, което се отрази на здравето му. Въпреки факта, че неговите опери "Сватбата на Фигаро", "Дон Жуан" са успешни, обществото все още не може да разбере целия гений на Волфганг.

Малко преди смъртта си Моцарт написва най-великото си произведение - операта "Вълшебната флейта". Едновременно с това той създава "Реквием", но няма време да го завърши. В нощта на 4 срещу 5 декември 1791 г. гениалният композитор умира. Все още не са известни обстоятелствата около смъртта му, което поражда много спорове сред специалистите. Едва след смъртта му музикалното общество и целият свят признават гения на Моцарт и произведенията му все още се считат за шедьоври в музиката.

Неговите "Сезони" в продължение на няколко века са наравно с други блестящи творби. Виртуозен цигулар, получил признание през живота си, пътувал много, отличен учител - всичко това е за известния италиански композитор Антонио Вивалди.

Антонио е роден на 4 март 1678 г. и става единственото дете в семейството, избрало музикалното поприще. Музикалният му талант се проявява много рано, а първият му учител е Джовани Батиста, който по това време си спечели славата на виртуоз. Проучването на начина му на изпълнение предполага, че момчето е вземало уроци от други известни музиканти.

Младият Антонио решава да избере кариерата на свещеник и на 18 декември 1693 г. получава по-ниска църковна титла. По-късно получава още три „нисши” и две „висши” църковни звания, необходими за получаване на свещенически сан. Но въпреки духовната кариера, Вивалди продължава да прави музика много успешно.

И интензивното му обучение дава резултати: Антонио е назначен за учител в една от най-добрите "консерватории" във Венеция. Неговата широка и разностранна музикална дейност прави "консерваторията" една от най-известните в града. В началото на творчеството си композиторът обръща голямо внимание на инструменталното направление, което може да се обясни с факта, че северната част на Италия и Венеция се считат за център на най-добрите инструменталисти.

Антонио Вивалди печели слава извън Италия, творбите му имат успех и се смята за висока чест да се учи при него. В Мантуа композиторът среща Анна Жиро и нейната сестра Паолина. Скоро и двете момичета станаха постоянни жители на къщата на Вивалди, което предизвика недоволство от църковното ръководство, което не харесваше факта, че Антонио често пътуваше.

На 16 ноември 1737 г. от името на кардинала на композитора е забранено да влиза във Ферара, което в онези дни се смяташе за позор. Това означаваше, че сега цялата духовна кариера на Вивалди беше унищожена и причини доста значителни материални щети. Отношенията му с ръководството на „консерваторията“ се влошават все повече и повече. И не само честите му пътувания - музиката на Вивалди вече е започнала да се смята за старомодна.

В края на 1740 г. Антонио се разделя с "консерваторията", която му дължи дълги години слава. Отивайки на дълго пътуване и изпитвайки финансови затруднения, Вивалди организира продажба на своите концерти на ниска цена. На 62-годишна възраст композиторът решава да напусне Италия и да намери щастието в други страни. Но въпреки факта, че някога е бил приет от всички, произведенията му са били възхитени, в края на живота си Антонио Вивалди е забравен и изоставен от всички. Известният италиански виртуоз умира на 28 юли 1741 г. във Виена. Той е един от най-ярките представители на композиторите от онова време, а неговите инструментални композиции заемат достойно място в световното музикално наследство.

Композиторите от 18-ти век са имали огромно влияние върху бъдещото развитие на музиката, въпреки че не винаги са получавали признание през живота си и са ставали известни. Просто обществото от онази епоха не можеше да оцени цялата сила на техния талант, тяхната красота и дълбочина. Наложената им рамка беше твърде тясна за таланта им, за тях музиката беше смисълът на живота. Но потомците успяха да оценят работата им и досега продължават да изпълняват своите блестящи произведения на всички концерти.