นักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ โอเปร่ารัสเซียที่มีชื่อเสียงที่สุดในต่างประเทศ นักแต่งเพลงโอเปร่าชาวรัสเซีย

ผู้ชื่นชอบดนตรีคลาสสิกต่างสนใจคำถามที่ว่าโอเปร่าที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกในปัจจุบันคืออะไร ในบรรดาผลงานชิ้นเอกจำนวนมากที่สร้างขึ้นโดยนักประพันธ์เพลงในช่วงหลายศตวรรษที่ผ่านมา เป็นการยากที่จะแยกแยะผลงานที่ได้รับความนิยมมากที่สุดออกมา อย่างไรก็ตาม จากทั้งหมดเหล่านี้ คุณสามารถระบุผู้นำที่ไม่มีปัญหาซึ่งรวมอยู่ในสิบอันดับแรกด้านล่างนี้ได้ โอเปร่าเหล่านี้ได้รับการแปลเป็นหลายภาษาและแสดงเป็นประจำบนเวทีของโรงละครที่ดีที่สุดในโลก

10 ปกติ. วินเชนโซ เบลลินี

Norma (Vincenzo Bellini) เปิดรายชื่อโอเปร่าที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในโลก เป็นโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ในสององก์ซึ่งมีพื้นฐานมาจากผลงานของ A. Sumé "Norma หรือ Infanticide" โอเปร่าถูกนำเสนอครั้งแรกในมิลานและเกือบจะในทันทีที่ได้รับความนิยมในหมู่ผู้ชื่นชอบโอเปร่า บทบาทนำถือเป็นหนึ่งในบทเพลงที่ยากที่สุดในละครโซปราโน “Norma” เขียนโดยผู้แต่งเมื่อวันที่ 31 ของศตวรรษที่ 19 และยังคงได้รับความนิยมไปทั่วโลก

9 เยฟเจนี โอเนจิน พี.ไอ. ไชคอฟสกี

“ Eugene Onegin” (P. I. Tchaikovsky) เป็นโอเปร่าที่มีชื่อเสียงที่สุดโดยนักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้โด่งดังระดับโลก งานนี้สร้างขึ้นจากนวนิยายชื่อเดียวกันโดย Alexander Sergeevich Pushkin และสร้างจากบทโดย Konstantin Shilovsky โอเปร่าถูกนำเสนอต่อสาธารณชนที่โรงละครมอสโกมาลี ก่อนที่จะเขียนผลงานชิ้นเอกของเขา ไชคอฟสกีใช้เวลานานในการค้นหาพล็อตโอเปร่าที่จะนำเสนอละครที่แข็งแกร่ง โครงเรื่องโดยบังเอิญได้รับแรงบันดาลใจจากผู้แต่งโดยนักร้อง Lavrovskaya

8 การแต่งงานของฟิกาโร ดับเบิลยู.เอ. โมสาร์ท

“ The Marriage of Figaro” (W. A. ​​​​Mozart) เป็นโอเปร่ายอดนิยมโดยนักแต่งเพลงอัจฉริยะชาวออสเตรียซึ่งได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก เขียนจากบทละครที่มีชื่อเดียวกันโดย Beaumarchais โมสาร์ทเริ่มเขียนผลงานดนตรีในปีที่ 86 ของศตวรรษที่ 18 การสร้างคะแนนกินเวลานานห้าเดือน หลังจากนำเสนอสู่สาธารณะครั้งแรก ก็ไม่ได้รับความนิยมมากนัก ชื่อเสียงและเกียรติยศเกิดขึ้นหลังจากการแสดงโอเปร่าในกรุงปราก โอเปร่าได้รับการแปลเป็นภาษารัสเซียครั้งแรกโดย Pyotr Ilyich Chukovsky โอเปร่ามีทั้งหมดสี่องก์ เนื้อเรื่องของงานเกี่ยวข้องกับการเตรียมงานแต่งงานของสาวใช้ Suzanne และคนรับใช้ Figaro

7 ขลุ่ยวิเศษ ดับเบิลยู.เอ. โมสาร์ท

“ The Magic Flute” (W. A. ​​​​Mozart) เป็นหนึ่งในโอเปร่าที่ดีที่สุดในโลกซึ่งเขียนโดยผู้แต่งในสององก์ นำเสนอต่อสาธารณชนเป็นครั้งแรกในปี พ.ศ. 2334 ในกรุงเวียนนา โครงเรื่องมีศูนย์กลางอยู่ที่เจ้าชายทามิโน ผู้ซึ่งจะต้องผ่านความยากลำบากและการทดลองมากมายเพื่อที่จะคู่ควรกับการได้อยู่กับคนรักของเขา ลูกสาวของราชินีแห่งรัตติกาล เกอเธ่รู้สึกยินดีเป็นอย่างยิ่งกับงานนี้จนเขาพยายามเขียนภาคต่อของบทนี้

6 ช่างตัดผมแห่งเซบียา โจอาชิโน รอสซินี

“ The Barber of Seville” (Gioachino Rossini) เป็นหนึ่งในโอเปร่าที่ดีที่สุดที่ได้รับความนิยมทั่วโลก ประกอบด้วยองก์สององก์ซึ่งสร้างขึ้นจากละครตลกชื่อเดียวกันของปิแอร์ โบรัมเช่ ในตอนแรก บทนี้มีชื่อว่า “Almaviva หรือ Vain Precaution” งานดนตรีเกิดขึ้นในเมืองเซบียาในศตวรรษที่ 18 โอเปร่าเริ่มต้นด้วยการปรากฏตัวของเคานต์อัลมาวิวาซึ่งอยู่ใต้หน้าต่างของคนที่เขารัก สำหรับเธอ เขาแสดงโอเปร่าเพลงสั้น “Soon the East will Shine เจิดจ้าด้วยรุ่งอรุณสีทอง” ผู้ปกครองของคู่รักไม่อนุญาตให้เธอออกไปที่ระเบียงดังนั้นความพยายามของ Alvamiva จึงไร้ประโยชน์

5 โบฮีเมีย. จาโคโม ปุชชินี่

“La Bohème” (จาโคโม ปุชชินี) คือหนึ่งในผลงานทางดนตรีชิ้นเอกของโลก ที่นำเสนอต่อสาธารณชนในปี 1896 โอเปร่าประกอบด้วยสี่องก์ สร้างจากผลงานของ Henri Murger เรื่อง “Scenes from the Life of Bohemia” การกระทำในบทเกิดขึ้นในปารีสในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 19 การแสดงชุดแรกเริ่มต้นด้วยกวีผู้น่าสงสารรูดอล์ฟและเพื่อนของเขาซึ่งเป็นศิลปินมาร์เซลใช้เวลายามเย็นข้างเตาผิงเย็นๆ ที่ไม่มีอะไรจะให้ความร้อน ศิลปินต้องการเผาเก้าอี้ตัวสุดท้าย แต่รูดอล์ฟหยุดเขาด้วยการสังเวยต้นฉบับชิ้นหนึ่งของเขา การกระทำจบลงด้วยการที่กวีได้พบกับความรักของเขา

4 ลูเซีย ดิ แลมเมอร์มัวร์ ก. โดนิเซตติ

“ Lucia di Lammermoor” (G. Donizetti) รวมอยู่ในรายชื่อโอเปร่าที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในโลก ผลงานดนตรีอันน่าเศร้าของนักแต่งเพลงชาวอิตาลีดำเนินการในสามองก์ บทนี้สร้างจากนวนิยายของ W. Scott เรื่อง The Bride of Lammermoor หลังจากนั้นไม่นานผู้แต่งก็เขียนโอเปร่าเวอร์ชั่นภาษาฝรั่งเศสด้วย เธอดังสนั่นไปทั่วโลกและกลายเป็นหนึ่งในสิ่งที่ดีที่สุด นักแต่งเพลงหลายคนใช้เนื้อเรื่องของนวนิยายก่อน Donizetti แต่งานสร้างของเขาเข้ามาแทนที่งานก่อนหน้าทั้งหมดโดยสิ้นเชิง บทนี้เกิดขึ้นในสกอตแลนด์ในศตวรรษที่ 18 โดยรวมแล้วงานประกอบด้วยสองส่วน: "การออกเดินทาง" และ "สัญญาการแต่งงาน"

3 คาร์เมน. จอร์จ บิเซ็ต

“ Carmen” (Georges Bizet) เปิดตัวโอเปร่าที่ดีที่สุดในโลกสามเรื่องซึ่งเขียนโดยผู้แต่งโดยอิงจากนวนิยายชื่อเดียวกันโดย Prosper Merimee ภาพร่างคะแนนของพี่ปรากฏในปี พ.ศ. 2517 รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นเป็นครั้งแรกในฝรั่งเศส ซึ่งเป็นความล้มเหลวโดยสิ้นเชิง โอเปร่านี้ไม่ได้รับการยอมรับจากสาธารณชนและนักวิจารณ์ชาวฝรั่งเศส ออกจากเวทีเป็นเวลานานและกลับมาแสดงบนเวทีในปี 1983 เท่านั้น และมีชื่อเสียงไปทั่วโลก ไชคอฟสกีเองกล่าวว่านี่เป็นผลงานชิ้นเอกอย่างแท้จริงซึ่งหลังจากนั้นไม่นานก็จะได้รับชื่อเสียงอย่างกว้างขวาง

2 สงครามและสันติภาพ ส. โปรโคเฟียฟ

“ สงครามและสันติภาพ” (S. Prokofiev) เป็นหนึ่งในโอเปร่าที่โด่งดังที่สุดที่ดังกึกก้องไปทั่วโลก เขียนจากนวนิยายชื่อเดียวกันโดยนักเขียนชื่อดังแห่งศตวรรษที่ 19 Lev Nikolaevich Tolstoy โดยรวมแล้วงานนี้ประกอบด้วยภาพวาดสิบสามภาพ โอเปร่าเริ่มต้นด้วยการปรากฏตัวบนเวทีของ Bolkonsky ซึ่งกำลังเยี่ยมชมที่ดินของ Count Rostov เขาได้ยินเสียงของนาตาชาลูกสาวของเคานต์ซึ่งทำให้เขาประหลาดใจด้วยการร้องเพลงอันไพเราะของเธอ ภาพสุดท้ายที่สิบสามเล่าถึงกองทัพที่เหลืออยู่ของโบนาปาร์ตที่กำลังล่าถอย ผู้แต่งได้บ่มเพาะแนวคิดในการเขียนโอเปร่าจากนวนิยายชื่อดังมาเป็นเวลานาน ภาพร่างชุดแรกปรากฏในปี พ.ศ. 2484 และดังสนั่นบนเวทีโรงละครบอลชอยในปี พ.ศ. 2502 กลายเป็นหนึ่งในโอเปร่าที่ดีที่สุดในโลก

1 ทราเวียต้า. จูเซปเป้ แวร์ดี

La Traviata (Giuseppe Verdi) จัดทำรายชื่อโอเปร่าที่ดีที่สุดในโลก คำว่า traviata แปลเป็นภาษารัสเซีย แปลว่า "หลงทาง" หรือ "ล้มลง" ผู้แต่งได้รับแรงบันดาลใจให้เขียนโดยนวนิยายเรื่อง “The Lady of the Camellias” ของอเล็กซานเดร ดูมาส์ La Traviata ที่นำเสนอต่อสาธารณชนเป็นครั้งแรกถือเป็นความล้มเหลวโดยสิ้นเชิง แต่หลังจากการปรับปรุงใหม่ครั้งใหญ่ ก็ได้รับความนิยมไปทั่วโลก ลักษณะพิเศษของโอเปร่านี้คือทางเลือกที่ผิดปกติของนางเอกในเวลานั้น - ผู้หญิงที่เสียชีวิตบนเตียงมรณะ การกระทำของ La Traviata เกิดขึ้นในปารีสในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 จุดสนใจอยู่ที่โสเภณีที่ถูกสังคมปฏิเสธและไม่เป็นที่ต้องการของใคร คะแนนดั้งเดิมประกอบด้วยสามองก์

ดนตรีคลาสสิกระดับโลกเป็นสิ่งที่คิดไม่ถึงหากปราศจากผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย รัสเซียซึ่งเป็นประเทศที่ยิ่งใหญ่พร้อมด้วยผู้คนที่มีความสามารถและมีมรดกทางวัฒนธรรมของตนเอง เป็นหนึ่งในหัวรถจักรชั้นนำที่นำความก้าวหน้าและศิลปะของโลกมาโดยตลอด ซึ่งรวมถึงดนตรีด้วย โรงเรียนการประพันธ์เพลงของรัสเซีย ซึ่งสืบเนื่องมาจากประเพณีของโซเวียตและโรงเรียนรัสเซียในปัจจุบัน เริ่มต้นขึ้นในศตวรรษที่ 19 ด้วยนักแต่งเพลงที่ผสมผสานศิลปะดนตรียุโรปเข้ากับท่วงทำนองพื้นบ้านของรัสเซีย โดยเชื่อมโยงรูปแบบของยุโรปและจิตวิญญาณของรัสเซียเข้าด้วยกัน

สามารถพูดได้มากมายเกี่ยวกับบุคคลที่มีชื่อเสียงเหล่านี้ ทุกคนมีชะตากรรมที่ยากลำบากและบางครั้งก็น่าเศร้า แต่ในการทบทวนนี้เราพยายามให้คำอธิบายสั้น ๆ เกี่ยวกับชีวิตและผลงานของนักแต่งเพลงเท่านั้น

1.มิคาอิล อิวาโนวิช กลินกา (1804—1857)

มิคาอิล อิวาโนวิช กลินกาเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีคลาสสิกของรัสเซีย และเป็นนักแต่งเพลงคลาสสิกชาวรัสเซียคนแรกที่โด่งดังไปทั่วโลก ผลงานของเขาซึ่งมีพื้นฐานมาจากประเพณีดนตรีพื้นบ้านรัสเซียที่มีมายาวนานหลายศตวรรษถือเป็นคำศัพท์ใหม่ในศิลปะดนตรีในประเทศของเรา
เกิดในจังหวัด Smolensk เขาได้รับการศึกษาในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก การก่อตัวของโลกทัศน์และแนวคิดหลักของงานของ Michael Glinka ได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการสื่อสารโดยตรงกับบุคคลเช่น A.S. Pushkin, V.A. Zhukovsky, A.S. แรงผลักดันที่สร้างสรรค์สำหรับงานของเขาถูกเพิ่มเข้ามาด้วยการเดินทางไปยุโรปหลายปีในช่วงต้นทศวรรษที่ 1830 และการพบปะกับนักแต่งเพลงชั้นนำในยุคนั้น - V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn และต่อมากับ G. Berlioz, J. เมเยอร์เบียร์. ความสำเร็จมาถึง M.I. Glinka หลังจากการผลิตโอเปร่า "Ivan Susanin" (“ Life for the Tsar”) (1836) ซึ่งทุกคนได้รับการตอบรับอย่างกระตือรือร้นเป็นครั้งแรกในดนตรีโลกศิลปะการร้องประสานเสียงของรัสเซียและซิมโฟนิกและโอเปร่าของยุโรป การฝึกฝนผสมผสานกันอย่างเป็นธรรมชาติและมีฮีโร่อย่างซูซานินปรากฏตัวซึ่งภาพสรุปคุณลักษณะที่ดีที่สุดของตัวละครประจำชาติ V.F. Odoevsky บรรยายโอเปร่าว่าเป็น "องค์ประกอบใหม่ในงานศิลปะ และยุคใหม่เริ่มต้นขึ้นในประวัติศาสตร์ - ยุคของดนตรีรัสเซีย"
โอเปร่าที่สองคือมหากาพย์ "Ruslan และ Lyudmila" (1842) ซึ่งเป็นผลงานที่ดำเนินการโดยมีฉากหลังของการตายของพุชกินและในสภาพความเป็นอยู่ที่ยากลำบากของนักแต่งเพลงเนื่องจากลักษณะที่สร้างสรรค์อย่างล้ำลึกของงานจึงได้รับ ผู้ชมและเจ้าหน้าที่มีความคลุมเครือและนำประสบการณ์ที่ยากลำบากมาสู่ M.I. หลังจากนั้นเขาเดินทางบ่อยสลับกันไปอาศัยอยู่ในรัสเซียและต่างประเทศโดยไม่หยุดแต่งเพลง มรดกของเขารวมถึงงานโรแมนติก ซิมโฟนิก และแชมเบอร์ ในคริสต์ทศวรรษ 1990 เพลง "Patriotic Song" ของมิคาอิล กลินกา เป็นเพลงสรรเสริญพระบารมีอย่างเป็นทางการของสหพันธรัฐรัสเซีย

คำคมจาก M.I. Glinka: “เพื่อสร้างความงาม ตัวคุณเองต้องมีจิตวิญญาณที่บริสุทธิ์”

คำพูดเกี่ยวกับ M.I. Glinka: “ โรงเรียนซิมโฟนีของรัสเซียทั้งหมดเหมือนต้นโอ๊กทั้งหมดในลูกโอ๊กบรรจุอยู่ในซิมโฟนิกแฟนตาซี "Kamarinskaya" พี.ไอ.ไชคอฟสกี้

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ: มิคาอิล อิวาโนวิช กลินกามีสุขภาพไม่ดีแม้ว่าเขาจะเป็นคนสบายๆ และรู้เรื่องภูมิศาสตร์เป็นอย่างดี บางที ถ้าเขาไม่ได้เป็นนักแต่งเพลง เขาก็คงจะกลายเป็นนักเดินทาง เขารู้ภาษาต่างประเทศหกภาษา รวมทั้งภาษาเปอร์เซียด้วย

2. อเล็กซานเดอร์ ปอร์ฟิรีวิช โบโรดิน (1833—1887)

Alexander Porfirievich Borodin หนึ่งในนักแต่งเพลงชาวรัสเซียชั้นนำในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 นอกเหนือจากความสามารถของเขาในฐานะนักแต่งเพลงแล้ว ยังเป็นนักเคมี แพทย์ ครู นักวิจารณ์ และมีความสามารถด้านวรรณกรรม
เกิดที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กตั้งแต่วัยเด็กทุกคนรอบตัวเขาสังเกตเห็นกิจกรรมความหลงใหลและความสามารถที่ไม่ธรรมดาของเขาในสาขาต่าง ๆ โดยเฉพาะในด้านดนตรีและเคมี A.P. Borodin เป็นนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซีย เขาไม่มีครูสอนดนตรีมืออาชีพ ความสำเร็จด้านดนตรีทั้งหมดของเขาเกิดจากการทำงานอิสระในการเรียนรู้เทคนิคการแต่งเพลง การก่อตัวของ A.P. Borodin ได้รับอิทธิพลจากงานของ M.I. Glinka (ในฐานะนักแต่งเพลงชาวรัสเซียทุกคนในศตวรรษที่ 19) และแรงผลักดันในการศึกษาการแต่งเพลงอย่างเข้มข้นในช่วงต้นทศวรรษ 1860 เกิดขึ้นจากสองเหตุการณ์ - ประการแรกความใกล้ชิดและการแต่งงานกับนักเปียโนที่มีพรสวรรค์ E.S M.A. Balakirev และเข้าร่วมชุมชนสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่รู้จักกันในชื่อ "Mighty Handful" ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1870 และ 1880 A.P. Borodin เดินทางไปและทัวร์มากมายในยุโรปและอเมริกาพบกับนักแต่งเพลงชั้นนำในยุคนั้นชื่อเสียงของเขาก็เพิ่มขึ้นเขากลายเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงและโด่งดังที่สุดในยุโรปเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 ศตวรรษ.
ศูนย์กลางในงานของ A.P. Borodin ถูกครอบครองโดยโอเปร่า "เจ้าชายอิกอร์" (พ.ศ. 2412-2433) ซึ่งเป็นตัวอย่างของมหากาพย์วีรชนระดับชาติทางดนตรีและตัวเขาเองไม่มีเวลาทำให้เสร็จ (สร้างเสร็จโดย เพื่อนของเขา A.A. Glazunov และ N.A. Rimsky-Korsakov) ใน "เจ้าชายอิกอร์" สะท้อนให้เห็นฉากหลังของภาพอันงดงามของเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ แนวคิดหลักของงานทั้งหมดของนักแต่งเพลง - ความกล้าหาญ ความยิ่งใหญ่ที่สงบ ความสูงส่งทางจิตวิญญาณของคนรัสเซียที่เก่งที่สุด และความแข็งแกร่งอันยิ่งใหญ่ของทั้งหมด ชาวรัสเซียแสดงออกในการปกป้องบ้านเกิดเมืองนอนของตน แม้ว่า A.P. Borodin จะทิ้งผลงานไว้ค่อนข้างน้อย แต่งานของเขามีความหลากหลายมากและเขาได้รับการยกย่องให้เป็นหนึ่งในบิดาแห่งดนตรีซิมโฟนิกของรัสเซียซึ่งมีอิทธิพลต่อนักแต่งเพลงชาวรัสเซียและชาวต่างชาติหลายชั่วอายุคน

คำพูดเกี่ยวกับ A.P. Borodin: “พรสวรรค์ของ Borodin นั้นทรงพลังและน่าทึ่งไม่แพ้กันในด้านซิมโฟนี โอเปร่า และโรแมนติก คุณสมบัติหลักของเขาคือความแข็งแกร่งและความกว้างใหญ่โต ขอบเขตที่ใหญ่โต ความรวดเร็ว และความเร่งรีบ ผสมผสานกับความหลงใหล ความอ่อนโยน และความงามที่น่าทึ่ง” วี.วี. สตาซอฟ

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ: ปฏิกิริยาทางเคมีของเกลือเงินของกรดคาร์บอกซิลิกกับฮาโลเจนซึ่งส่งผลให้ไฮโดรคาร์บอนที่มีฮาโลเจนซึ่งเขาเป็นคนแรกที่ศึกษาในปี พ.ศ. 2404 ได้รับการตั้งชื่อตามโบโรดิน

3. เจียมเนื้อเจียมตัว Petrovich MUSORGSKY (1839—1881)

Modest Petrovich Mussorgsky เป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่เก่งที่สุดแห่งศตวรรษที่ 19 ซึ่งเป็นสมาชิกของ "Mighty Handful" งานเชิงนวัตกรรมของ Mussorgsky ล้ำหน้าไปมาก
เกิดที่จังหวัดปัสคอฟ เช่นเดียวกับคนที่มีความสามารถหลายคน เขาแสดงความสามารถด้านดนตรีตั้งแต่วัยเด็ก เรียนที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก และเป็นทหารตามประเพณีของครอบครัว เหตุการณ์ชี้ขาดที่กำหนดว่า Mussorgsky เกิดมาไม่ใช่เพื่อรับราชการทหาร แต่เพื่อดนตรี คือการพบกับ M.A. Balakirev และเข้าร่วม "Mighty Handful" Mussorgsky ยอดเยี่ยมเพราะในผลงานอันยิ่งใหญ่ของเขา - โอเปร่า "Boris Godunov" และ "Khovanshchina" - เขาบันทึกเหตุการณ์สำคัญอันน่าทึ่งของประวัติศาสตร์รัสเซียด้วยความแปลกใหม่ที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงซึ่งดนตรีรัสเซียไม่เคยรู้จักมาก่อนแสดงให้เห็นในการผสมผสานระหว่างมวลชนพื้นบ้าน ฉากและความหลากหลายประเภทอันเป็นเอกลักษณ์ของชาวรัสเซีย โอเปร่าเหล่านี้ในหลายฉบับ ทั้งโดยผู้แต่งและนักแต่งเพลงคนอื่นๆ เป็นโอเปร่ารัสเซียที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในโลก ผลงานที่โดดเด่นอีกชิ้นของ Mussorgsky คือวงจรของชิ้นเปียโน "รูปภาพในนิทรรศการ" ซึ่งเป็นภาพย่อส่วนที่มีสีสันและสร้างสรรค์ซึ่งเต็มไปด้วยธีมรัสเซีย - ละเว้นและศรัทธาออร์โธดอกซ์

ชีวิตของ Mussorgsky มีทุกสิ่ง - ทั้งความยิ่งใหญ่และโศกนาฏกรรม แต่เขามักจะโดดเด่นด้วยความบริสุทธิ์ทางจิตวิญญาณและความเสียสละอย่างแท้จริง ปีสุดท้ายของเขาเป็นเรื่องยาก - ชีวิตที่ไม่มั่นคง, ขาดการรับรู้ถึงความคิดสร้างสรรค์, ความเหงา, การติดแอลกอฮอล์ ทั้งหมดนี้กำหนดความตายของเขาเมื่ออายุ 42 ปี เขาทิ้งงานไว้ค่อนข้างน้อยซึ่งบางชิ้นก็ทำโดยนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ท่วงทำนองเฉพาะและความกลมกลืนที่สร้างสรรค์ของ Mussorgsky คาดว่าจะมีคุณลักษณะบางอย่างของการพัฒนาทางดนตรีของศตวรรษที่ 20 และมีบทบาทสำคัญในการก่อตัวของสไตล์ของนักประพันธ์เพลงระดับโลกหลายคน

คำพูดจาก M.P. Mussorgsky: “เสียงคำพูดของมนุษย์ซึ่งเป็นการแสดงออกถึงความคิดและความรู้สึกภายนอก จะต้องกลายเป็นดนตรีที่มีความจริง แม่นยำ แต่มีศิลปะและมีศิลปะสูง โดยไม่พูดเกินจริงและรุนแรง”

คำพูดเกี่ยวกับ M.P. Mussorgsky: “ เสียงต้นฉบับของรัสเซียในทุกสิ่งที่ Mussorgsky สร้างขึ้น” เอ็น.เค.โรริช

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ: ในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขา Mussorgsky ภายใต้แรงกดดันจาก "เพื่อน" Stasov และ Rimsky-Korsakov ของเขาได้สละลิขสิทธิ์ในผลงานของเขาและบริจาคให้กับ Tertius Filippov

4. ปีเตอร์ อิลิช ไชคอฟสกี (1840—1893)

Pyotr Ilyich Tchaikovsky ซึ่งอาจจะเป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 19 ได้ยกระดับศิลปะดนตรีของรัสเซียให้สูงขึ้นอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน เขาเป็นหนึ่งในผู้ประพันธ์ดนตรีคลาสสิกระดับโลกที่สำคัญที่สุดคนหนึ่ง
ไชคอฟสกีเป็นชาวจังหวัด Vyatka แม้ว่ารากเหง้าของบิดาจะอยู่ในยูเครน แต่ไชคอฟสกีก็แสดงความสามารถทางดนตรีตั้งแต่วัยเด็ก แต่การศึกษาและการทำงานครั้งแรกของเขาอยู่ในสาขานิติศาสตร์ ไชคอฟสกีเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลง "มืออาชีพ" ชาวรัสเซียคนแรก เขาศึกษาทฤษฎีและการเรียบเรียงดนตรีที่วิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแห่งใหม่ ไชคอฟสกีถือเป็นนักแต่งเพลง "ชาวตะวันตก" ซึ่งตรงกันข้ามกับบุคคลยอดนิยมของ "Mighty Handful" ซึ่งเขามีความสัมพันธ์ที่สร้างสรรค์และเป็นมิตรที่ดี แต่งานของเขาเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของรัสเซียไม่น้อยเขาสามารถผสมผสานเอกลักษณ์ของ มรดกทางซิมโฟนีตะวันตกของ Mozart, Beethoven และ Schumann พร้อมด้วยประเพณีของรัสเซียที่สืบทอดมาจาก Mikhail Glinka
นักแต่งเพลงมีชีวิตที่กระตือรือร้น - เขาเป็นครูผู้ควบคุมวงนักวิจารณ์บุคคลสาธารณะทำงานในเมืองหลวงสองแห่งไปเที่ยวในยุโรปและอเมริกา ไชคอฟสกีเป็นคนค่อนข้างไม่มั่นคงทางอารมณ์ มีความกระตือรือร้น, ความสิ้นหวัง, ไม่แยแส, อารมณ์ร้อน, ความโกรธที่รุนแรง - อารมณ์ทั้งหมดนี้เปลี่ยนไปในตัวเขาค่อนข้างบ่อย
การเลือกสิ่งที่ดีที่สุดจากผลงานของ Tchaikovsky นั้นเป็นงานที่ยาก เขามีผลงานที่เท่าเทียมกันในเกือบทุกแนวเพลง - โอเปร่า, บัลเล่ต์, ซิมโฟนี, แชมเบอร์มิวสิค เนื้อหาของดนตรีของไชคอฟสกีเป็นสากล: ด้วยความไพเราะที่เลียนแบบไม่ได้ ครอบคลุมภาพของชีวิตและความตาย ความรัก ธรรมชาติ วัยเด็ก เผยผลงานวรรณกรรมรัสเซียและโลกในรูปแบบใหม่ และสะท้อนถึงกระบวนการลึกซึ้งของชีวิตฝ่ายวิญญาณ

คำพูดของผู้แต่ง:
“ ฉันเป็นศิลปินที่สามารถและควรนำเกียรติยศมาสู่มาตุภูมิของฉัน ฉันรู้สึกถึงความแข็งแกร่งทางศิลปะที่ยิ่งใหญ่ในตัวเอง ฉันยังไม่ได้ทำแม้แต่หนึ่งในสิบของสิ่งที่ฉันสามารถทำได้ และฉันต้องการทำสิ่งนี้ด้วยจิตวิญญาณทั้งหมดของฉัน ”
“ชีวิตมีความสวยงามก็ต่อเมื่อมันประกอบด้วยการสลับกันของความสุขและความเศร้า การต่อสู้ระหว่างความดีและความชั่ว แสงสว่างและเงา หรืออีกนัยหนึ่งคือ ความหลากหลายในความสามัคคี”
"ความสามารถที่ยอดเยี่ยมต้องอาศัยการทำงานหนักอย่างมาก"

คำพูดเกี่ยวกับผู้แต่ง: “ ฉันพร้อมที่จะยืนเป็นผู้พิทักษ์เกียรติยศทั้งกลางวันและกลางคืนที่ระเบียงบ้านที่ Pyotr Ilyich อาศัยอยู่ - นั่นคือสิ่งที่ฉันเคารพเขามาก” เอ.พี.เชคอฟ

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ: มหาวิทยาลัยเคมบริดจ์มอบตำแหน่งดุษฎีบัณฑิตสาขาดนตรีให้กับไชคอฟสกีโดยไม่ปรากฏและไม่ปกป้องวิทยานิพนธ์และ Paris Academy of Fine Arts ได้เลือกให้เขาเป็นสมาชิกที่เกี่ยวข้อง

5. นิโคไล อันดรีวิช ริมสกาย-คอร์ซาคอฟ (1844—1908)

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov เป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่มีพรสวรรค์ ซึ่งเป็นหนึ่งในบุคคลที่สำคัญที่สุดในการสร้างมรดกทางดนตรีอันล้ำค่าของรัสเซีย โลกที่มีเอกลักษณ์ของเขาและการบูชาความงามอันครอบคลุมนิรันดร์ของจักรวาลความชื่นชมในปาฏิหาริย์ของการดำรงอยู่ความสามัคคีกับธรรมชาติไม่มีความคล้ายคลึงกันในประวัติศาสตร์ดนตรี
เกิดที่จังหวัด Novgorod ตามประเพณีของครอบครัว เขากลายเป็นนายทหารเรือ และเดินทางไปหลายประเทศในยุโรปและอเมริกาทั้งสองด้วยเรือรบ เขาได้รับการศึกษาด้านดนตรีจากแม่ก่อน จากนั้นจึงเรียนแบบส่วนตัวจากนักเปียโน เอฟ. คานิลล์ และอีกครั้งต้องขอบคุณ M.A. Balakirev ผู้จัดงาน "Mighty Handful" ซึ่งแนะนำ Rimsky-Korsakov เข้าสู่ชุมชนดนตรีและมีอิทธิพลต่องานของเขาโลกไม่ได้สูญเสียนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์
ศูนย์กลางในมรดกของ Rimsky-Korsakov ประกอบด้วยโอเปร่า - ผลงาน 15 ชิ้นที่แสดงให้เห็นถึงความหลากหลายของประเภท, โวหาร, ละคร, โซลูชั่นการเรียบเรียงของผู้แต่งเพลง แต่มีสไตล์พิเศษ - ด้วยความสมบูรณ์ขององค์ประกอบออเคสตราซึ่งเป็นองค์ประกอบหลัก เป็นท่อนเสียงที่ไพเราะ สองทิศทางหลักที่ทำให้งานของนักแต่งเพลงแตกต่าง: ประการแรกคือประวัติศาสตร์รัสเซีย ประการที่สองคือโลกแห่งเทพนิยายและมหากาพย์ ซึ่งเขาได้รับฉายาว่า "นักเล่าเรื่อง"
นอกเหนือจากกิจกรรมสร้างสรรค์อิสระโดยตรงของเขาแล้ว N.A. Rimsky-Korsakov ยังเป็นที่รู้จักในฐานะนักประชาสัมพันธ์ผู้เรียบเรียงคอลเลกชันเพลงพื้นบ้านซึ่งเขาแสดงความสนใจอย่างมากและยังเป็นผู้แต่งผลงานของเพื่อนของเขา - Dargomyzhsky, Mussorgsky และ Borodin . ริมสกี-คอร์ซาคอฟเป็นผู้สร้างโรงเรียนการประพันธ์เพลง ในฐานะครูและผู้อำนวยการสถาบันสอนดนตรีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เขาได้ฝึกฝนนักแต่งเพลง ผู้ควบคุมวง และนักดนตรีประมาณสองร้อยคน ในจำนวนนี้ได้แก่ Prokofiev และ Stravinsky

คำพูดเกี่ยวกับผู้แต่ง: “ Rimsky-Korsakov เป็นคนรัสเซียและเป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียมาก ฉันเชื่อว่าแก่นแท้ของรัสเซียในยุคแรกเริ่มของเขาซึ่งเป็นพื้นฐานพื้นบ้าน - รัสเซียที่ลึกซึ้งของเขาควรได้รับการชื่นชมเป็นพิเศษในปัจจุบัน” มสติสลาฟ รอสโตรโปวิช

ผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ถือเป็นการสืบสานประเพณีแบบองค์รวมของโรงเรียนรัสเซีย ในเวลาเดียวกันแนวคิดของแนวทางการเชื่อมโยง "ระดับชาติ" ของดนตรีนี้หรือเพลงนั้นนั้นแทบไม่มีการอ้างอิงถึงท่วงทำนองพื้นบ้านโดยตรง แต่ยังคงมีพื้นฐานน้ำเสียงของรัสเซียซึ่งเป็นจิตวิญญาณของรัสเซีย

6. อเล็กซานเดอร์ นิโคเลวิช SKRYABIN (1872 - 1915)

Alexander Nikolaevich Scriabin เป็นนักแต่งเพลงและนักเปียโนชาวรัสเซีย ซึ่งเป็นหนึ่งในบุคคลที่มีบุคลิกโดดเด่นที่สุดในวัฒนธรรมดนตรีรัสเซียและระดับโลก ความคิดสร้างสรรค์เชิงบทกวีดั้งเดิมและลึกซึ้งของ Scriabin โดดเด่นในฐานะนวัตกรรมแม้จะอยู่ท่ามกลางฉากหลังของการกำเนิดของเทรนด์ใหม่ ๆ ในงานศิลปะที่เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงในชีวิตสาธารณะในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 20
เกิดที่มอสโก แม่ของเขาเสียชีวิตตั้งแต่เนิ่นๆ พ่อของเขาไม่สามารถสนใจลูกชายของเขาได้ ในขณะที่เขาดำรงตำแหน่งเอกอัครราชทูตประจำเปอร์เซีย Scriabin ได้รับการเลี้ยงดูจากป้าและปู่ของเขา และแสดงความสามารถทางดนตรีตั้งแต่วัยเด็ก ในตอนแรกเขาเรียนในโรงเรียนนายร้อยเรียนเปียโนส่วนตัวและหลังจากสำเร็จการศึกษาเขาก็เข้าเรียนที่ Moscow Conservatory เพื่อนร่วมชั้นของเขาคือ S.V. หลังจากสำเร็จการศึกษาจากเรือนกระจก Scriabin อุทิศตนให้กับดนตรีโดยสิ้นเชิงในฐานะนักเปียโนและนักแต่งเพลงคอนเสิร์ตที่เขาไปเที่ยวในยุโรปและรัสเซียโดยใช้เวลาส่วนใหญ่ในต่างประเทศ
จุดสูงสุดของความคิดสร้างสรรค์ในการเรียบเรียงของ Scriabin คือปี 1903-1908 เมื่อ Third Symphony ("Divine Poem") บทกวีเปียโนไพเราะ "Poem of Ecstasy", "Tragic" และ "Satanic" โซนาตาที่ 4 และ 5 และผลงานอื่น ๆ ปล่อยแล้ว. "บทกวีแห่งความปีติยินดี" ซึ่งประกอบด้วยภาพธีมหลายภาพ เน้นความคิดสร้างสรรค์ของ Sryabin และเป็นผลงานชิ้นเอกที่ยอดเยี่ยมของเขา เป็นการผสมผสานความรักของผู้แต่งต่อพลังของวงออเคสตราขนาดใหญ่และเสียงเครื่องดนตรีเดี่ยวที่ไพเราะและไพเราะอย่างกลมกลืน พลังงานสำคัญขนาดมหึมา ความหลงใหลที่เร่าร้อน และพลังความตั้งใจอันแรงกล้าที่รวมอยู่ใน "บทกวีแห่งความปีติยินดี" สร้างความประทับใจอย่างไม่อาจต้านทานต่อผู้ฟังและยังคงรักษาพลังแห่งผลกระทบมาจนถึงทุกวันนี้
ผลงานชิ้นเอกอีกชิ้นของ Scriabin คือ "Prometheus" ("Poem of Fire") ซึ่งผู้เขียนได้อัปเดตภาษาฮาร์มอนิกของเขาอย่างสมบูรณ์โดยแยกออกจากระบบวรรณยุกต์แบบดั้งเดิมและเป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ที่งานนี้ควรจะมาพร้อมกับดนตรีสี แต่ด้วยเหตุผลทางเทคนิค การฉายรอบปฐมทัศน์จึงจัดขึ้นโดยไม่มีเอฟเฟกต์แสง
“ความลึกลับ” ที่ยังสร้างไม่เสร็จครั้งสุดท้ายคือแผนของ Scriabin นักฝัน โรแมนติก นักปรัชญา ที่จะดึงดูดมวลมนุษยชาติและเป็นแรงบันดาลใจให้สร้างระเบียบโลกใหม่ที่น่าอัศจรรย์ ซึ่งเป็นการรวมตัวกันของ Universal Spirit กับ Matter

คำพูดจาก A.N. Scriabin: “ฉันจะบอกพวกเขา (ผู้คน) - เพื่อที่พวกเขา... อย่าคาดหวังอะไรจากชีวิต ยกเว้นสิ่งที่พวกเขาสร้างขึ้นเองได้... ฉันจะบอกพวกเขาว่าไม่มีอะไรเลย” เสียใจว่าไม่มีการสูญเสีย จึงไม่กลัวความสิ้นหวัง ซึ่งผู้เดียวเท่านั้นที่สามารถสร้างชัยชนะที่แท้จริงได้”

คำพูดเกี่ยวกับ A.N. Scriabin: “งานของ Scriabin คือช่วงเวลาของเขาที่แสดงออกด้วยเสียง แต่เมื่อสิ่งชั่วคราวพบการแสดงออกในผลงานของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ มันก็ได้รับความหมายที่ถาวรและยั่งยืน” จี.วี. เพลคานอฟ

7. เซอร์เกย์ วาซิลีเยวิช ราห์มานินอฟ (1873 - 1943)

Sergei Vasilyevich Rachmaninov เป็นนักแต่งเพลงที่ใหญ่ที่สุดในโลกในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 เป็นนักเปียโนและผู้ควบคุมวงที่มีพรสวรรค์ ภาพลักษณ์ที่สร้างสรรค์ของ Rachmaninoff นักแต่งเพลงมักถูกกำหนดโดยฉายา "นักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่ยิ่งใหญ่ที่สุด" โดยเน้นย้ำในการกำหนดสั้น ๆ นี้ข้อดีของเขาในการผสมผสานประเพณีดนตรีของโรงเรียนการแต่งเพลงในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและในการสร้างสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาเอง ซึ่งโดดเด่นในวัฒนธรรมดนตรีโลก
เกิดที่จังหวัดโนฟโกรอด เมื่ออายุสี่ขวบเขาเริ่มเรียนดนตรีภายใต้การแนะนำของแม่ เขาศึกษาที่ St. Petersburg Conservatory หลังจากเรียนมา 3 ปีเขาก็ย้ายไปที่ Moscow Conservatory และสำเร็จการศึกษาด้วยเหรียญทองขนาดใหญ่ เขากลายเป็นที่รู้จักอย่างรวดเร็วในฐานะวาทยากรและนักเปียโน และแต่งดนตรี การเปิดตัวรอบปฐมทัศน์แห่งความหายนะของนวัตกรรม First Symphony (1897) ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กทำให้เกิดวิกฤติของนักประพันธ์เพลงที่สร้างสรรค์ ซึ่ง Rachmaninov ปรากฏตัวขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1900 ด้วยสไตล์ที่เป็นผู้ใหญ่ที่รวมเพลงในคริสตจักรของรัสเซียเข้าด้วยกัน แนวโรแมนติกของยุโรปออกไป อิมเพรสชั่นนิสม์สมัยใหม่ และนีโอคลาสสิก ทั้งหมดนี้เต็มรูปแบบ ของสัญลักษณ์ที่ซับซ้อน ในช่วงสร้างสรรค์นี้ ผลงานที่ดีที่สุดของเขาถือกำเนิดขึ้น รวมถึงเปียโนคอนแชร์โตครั้งที่ 2 และ 3, Second Symphony และผลงานที่เขาชื่นชอบมากที่สุด - บทกวี "Bells" สำหรับคณะนักร้องประสานเสียง นักร้องเดี่ยว และวงออเคสตรา
ในปี 1917 รัชมานินอฟและครอบครัวของเขาถูกบังคับให้ออกจากประเทศของเราและตั้งถิ่นฐานในสหรัฐอเมริกา เป็นเวลาเกือบสิบปีหลังจากจากไป เขาไม่ได้แต่งอะไรเลย แต่ออกทัวร์อย่างกว้างขวางในอเมริกาและยุโรป และได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในนักเปียโนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้นและเป็นผู้ควบคุมวงหลัก สำหรับกิจกรรมที่วุ่นวายทั้งหมดของเขา Rachmaninov ยังคงเป็นคนที่อ่อนแอและไม่ปลอดภัยพยายามดิ้นรนเพื่อความสันโดษและแม้กระทั่งความเหงาโดยหลีกเลี่ยงความสนใจที่น่ารำคาญของสาธารณชน เขารักและคิดถึงบ้านเกิดอย่างจริงใจ สงสัยว่าเขาทำผิดที่ทิ้งมันไปหรือเปล่า เขาสนใจกิจกรรมทั้งหมดที่เกิดขึ้นในรัสเซีย อ่านหนังสือ หนังสือพิมพ์และนิตยสาร และช่วยเหลือทางการเงินอยู่เสมอ ผลงานชิ้นสุดท้ายของเขา - Symphony No. 3 (1937) และ "Symphonic Dances" (1940) เป็นผลมาจากเส้นทางการสร้างสรรค์ของเขา โดยผสมผสานเอาสิ่งที่ดีที่สุดของสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาเข้ากับความรู้สึกโศกเศร้าของการสูญเสียที่ไม่อาจแก้ไขได้และความโหยหาบ้านเกิดเมืองนอนของเขา

คำพูดจาก S.V. Rachmaninov:
“ฉันรู้สึกเหมือนผีเร่ร่อนอยู่คนเดียวในโลกที่แปลกสำหรับเขา”
“คุณภาพสูงสุดของงานศิลปะทั้งหมดคือความจริงใจ”
"นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่มักจะให้ความสนใจกับทำนองซึ่งเป็นหลักการสำคัญทางดนตรีมาโดยตลอด เมโลดี้คือดนตรี ซึ่งเป็นพื้นฐานหลักของดนตรีทั้งหมด... ความสร้างสรรค์อันไพเราะในความหมายสูงสุดของคำนี้คือเป้าหมายหลักของชีวิตของ ผู้แต่ง....ด้วยเหตุนี้เองที่นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ในอดีตได้ให้ความสนใจกับทำนองเพลงพื้นบ้านของประเทศตนเป็นอย่างมาก”

คำพูดเกี่ยวกับ S.V. Rachmaninov:
“รัชมานินอฟถูกสร้างขึ้นจากเหล็กกล้าและทองคำ เหล็กอยู่ในมือของเขา ทองคำอยู่ในใจของเขา ฉันไม่สามารถคิดถึงเขาได้โดยไม่ต้องเสียน้ำตา” ไอ. ฮอฟแมน
"ดนตรีของรัคมานินอฟคือมหาสมุทร คลื่นของมัน - ดนตรี - เริ่มต้นไกลเกินขอบฟ้า และยกคุณขึ้นลงอย่างช้าๆ... จนคุณรู้สึกถึงพลังและลมหายใจ" อ. คอนชาลอฟสกี้

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ: ในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติ Rachmaninov ได้จัดคอนเสิร์ตการกุศลหลายครั้งซึ่งรายได้ที่เขาส่งไปยังกองทุนกองทัพแดงเพื่อต่อสู้กับผู้ยึดครองของนาซี

8. อิกอร์ เฟโดโรวิช สตราวินสกี (1882-1971)

Igor Fedorovich Stravinsky เป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่มีอิทธิพลมากที่สุดในโลกแห่งศตวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นผู้นำของนีโอคลาสสิก Stravinsky กลายเป็น "กระจกเงา" ของยุคดนตรี ผลงานของเขาสะท้อนให้เห็นถึงสไตล์ที่หลากหลายซึ่งตัดกันอย่างต่อเนื่องและยากที่จะจำแนก เขาผสมผสานแนวเพลง รูปแบบ สไตล์ ได้อย่างอิสระ โดยเลือกจากประวัติศาสตร์ดนตรีหลายศตวรรษและอยู่ภายใต้กฎเกณฑ์ของเขาเอง
เกิดใกล้เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเขาเรียนที่คณะนิติศาสตร์มหาวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กศึกษาสาขาวิชาดนตรีอย่างอิสระเรียนบทเรียนส่วนตัวจาก N. A. Rimsky-Korsakov นี่เป็นโรงเรียนนักแต่งเพลงเพียงแห่งเดียวของ Stravinsky ต้องขอบคุณที่เขาเชี่ยวชาญเทคนิคการเรียบเรียงเพื่อความสมบูรณ์แบบ เขาเริ่มแต่งเพลงอย่างมืออาชีพค่อนข้างช้า แต่การเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็ว - ชุดบัลเล่ต์สามชุด: "The Firebird" (1910), "Petrushka" (1911) และ "The Rite of Spring" (1913) นำเขาขึ้นสู่ตำแหน่งทันที นักแต่งเพลงขนาดแรก
ในปี 1914 เขาออกจากรัสเซียตามที่ปรากฏเกือบตลอดไป (ในปี 1962 มีทัวร์ในสหภาพโซเวียต) Stravinsky เป็นคนที่มีความเป็นสากล โดยถูกบังคับให้เปลี่ยนหลายประเทศ เช่น รัสเซีย สวิตเซอร์แลนด์ ฝรั่งเศส และในที่สุดก็อาศัยอยู่ในสหรัฐอเมริกาต่อไป งานของเขาแบ่งออกเป็นสามช่วง - "รัสเซีย", "นีโอคลาสสิก", "การผลิตจำนวนมาก" ของอเมริกา ช่วงเวลาไม่ได้แบ่งตามเวลาของชีวิตในประเทศต่างๆ แต่โดย "ลายมือ" ของผู้แต่ง
Stravinsky เป็นคนมีการศึกษาสูง เข้ากับคนง่าย และมีอารมณ์ขันที่ยอดเยี่ยม กลุ่มคนรู้จักและนักข่าวของเขาประกอบด้วยนักดนตรี กวี ศิลปิน นักวิทยาศาสตร์ นักธุรกิจ และรัฐบุรุษ
ความสำเร็จสูงสุดครั้งสุดท้ายของ Stravinsky - "Requiem" (Funeral Hymns) (1966) ซึมซับและผสมผสานประสบการณ์ทางศิลปะก่อนหน้าของผู้แต่งเข้าด้วยกันจนกลายเป็นการอุทิศตนที่แท้จริงของผลงานของอาจารย์
คุณลักษณะเฉพาะอย่างหนึ่งที่โดดเด่นในงานของ Stavinsky - "การทำซ้ำไม่ได้" ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลที่เขาถูกเรียกว่า "ผู้แต่งเพลงหนึ่งพันหนึ่งสไตล์" การเปลี่ยนแปลงแนวเพลงสไตล์ทิศทางของพล็อตอย่างต่อเนื่อง - ผลงานแต่ละชิ้นของเขามีเอกลักษณ์เฉพาะตัว แต่เขากลับไปสู่การออกแบบที่มองเห็นต้นกำเนิดของรัสเซียและรากศัพท์ของรัสเซียที่ได้ยินอยู่ตลอดเวลา

ข้อความจาก I.F. Stravinsky: “ฉันพูดภาษารัสเซียมาตลอดชีวิต ฉันมีพยางค์ภาษารัสเซียอยู่ด้วย บางทีนี่อาจไม่ปรากฏให้เห็นในเพลงของฉันทันที แต่มันมีอยู่ในตัวมันเอง มันอยู่ในธรรมชาติที่ซ่อนอยู่”

คำพูดเกี่ยวกับ I.F. Stravinsky: “Stravinsky เป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียอย่างแท้จริง... จิตวิญญาณของรัสเซียเป็นสิ่งที่ทำลายไม่ได้ในหัวใจของพรสวรรค์ที่ยอดเยี่ยมและหลากหลายแง่มุมอย่างแท้จริง เกิดจากดินแดนรัสเซียและเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับมัน…” D. Shostakovich

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ (นิทาน):
ครั้งหนึ่งในนิวยอร์ก Stravinsky ขึ้นแท็กซี่และต้องประหลาดใจเมื่ออ่านนามสกุลของเขาบนป้าย
-คุณเป็นญาติของผู้แต่งหรือเปล่า? - เขาถามคนขับ
- มีผู้แต่งที่มีนามสกุลเช่นนี้หรือไม่? - คนขับรู้สึกประหลาดใจ - ได้ยินเป็นครั้งแรก อย่างไรก็ตาม Stravinsky เป็นชื่อของเจ้าของรถแท็กซี่ ฉันไม่เกี่ยวอะไรกับดนตรีเลย ฉันนามสกุลรอสซินี...

9. เซอร์เกย์ เซอร์เกวิช โปรโคฟีฟ (1891—1953)

Sergei Sergeevich Prokofiev เป็นหนึ่งในคีตกวีชาวรัสเซียที่ใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 20 ทั้งนักเปียโน และผู้ควบคุมวง
เกิดในภูมิภาคโดเนตสค์เขาเริ่มมีส่วนร่วมในดนตรีตั้งแต่วัยเด็ก Prokofiev ถือได้ว่าเป็นหนึ่งในไม่กี่คน (ถ้าไม่ใช่คนเดียว) ละครเพลงรัสเซีย "อัจฉริยะ" ตั้งแต่อายุ 5 ขวบเขามีส่วนร่วมในการแต่งเพลงตอนอายุ 9 ขวบเขาเขียนโอเปร่าสองเรื่อง (แน่นอนว่างานเหล่านี้ยังไม่บรรลุนิติภาวะ แต่พวกเขาแสดงความปรารถนาที่จะสร้าง) เมื่ออายุ 13 ปีเขาสอบผ่านที่เรือนกระจกเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในบรรดาอาจารย์ของเขาคือ N.A. Rimsky-Korsakov จุดเริ่มต้นของอาชีพการงานของเขาทำให้เกิดพายุแห่งการวิพากษ์วิจารณ์และความเข้าใจผิดเกี่ยวกับรูปแบบการประพันธ์ที่ต่อต้านความโรแมนติกและสมัยใหม่อย่างยิ่งของบุคคลของเขา ความขัดแย้งก็คือในขณะที่ทำลายหลักการทางวิชาการ โครงสร้างการเรียบเรียงของเขายังคงซื่อสัตย์ต่อหลักการคลาสสิกและต่อมาได้กลายเป็น พลังยับยั้งของความสงสัยที่ปฏิเสธไม่ได้ทั้งหมดในยุคสมัยใหม่ ตั้งแต่เริ่มต้นอาชีพของเขา Prokofiev แสดงและออกทัวร์มากมาย ในปีพ.ศ. 2461 เขาได้เดินทางไปต่างประเทศ รวมทั้งไปเยือนสหภาพโซเวียต และในที่สุดก็เดินทางกลับบ้านเกิดในปี พ.ศ. 2479
ประเทศมีการเปลี่ยนแปลงและความคิดสร้างสรรค์ "อิสระ" ของ Prokofiev ถูกบังคับให้ยอมจำนนต่อความเป็นจริงของความต้องการใหม่ พรสวรรค์ของ Prokofiev เปล่งประกายด้วยความเข้มแข็งครั้งใหม่ - เขาเขียนโอเปร่า บัลเล่ต์ ดนตรีสำหรับภาพยนตร์ - ดนตรีที่เฉียบคม มีความมุ่งมั่นตั้งใจอย่างยิ่ง พร้อมภาพลักษณ์และแนวคิดใหม่ ๆ วางรากฐานสำหรับดนตรีคลาสสิกและโอเปร่าของโซเวียต ในปีพ.ศ. 2491 เหตุการณ์โศกนาฏกรรมสามเหตุการณ์เกิดขึ้นเกือบจะพร้อมๆ กัน คือ ภรรยาชาวสเปนคนแรกของเขาถูกจับในข้อหาจารกรรมและถูกเนรเทศไปยังค่ายกักกัน มีการออกมติของ Poliburo ของคณะกรรมการกลางของพรรคคอมมิวนิสต์ All-Union แห่งบอลเชวิคซึ่ง Prokofiev, Shostakovich และคนอื่น ๆ ถูกโจมตีและถูกกล่าวหาว่าเป็น "ลัทธินอกระบบ" และเป็นอันตรายต่อดนตรีของพวกเขา สุขภาพของผู้แต่งเสื่อมโทรมลงอย่างมากเขาเกษียณไปที่เดชาและแทบจะไม่เคยออกไปไหนเลย แต่ยังคงแต่งเพลงต่อไป
ผลงานที่โดดเด่นที่สุดในยุคโซเวียต ได้แก่ โอเปร่า "สงครามและสันติภาพ" และ "เรื่องราวของมนุษย์จริง"; บัลเลต์ “โรมิโอและจูเลียต” และ “ซินเดอเรลล่า” ซึ่งกลายเป็นมาตรฐานใหม่ของดนตรีบัลเล่ต์ระดับโลก oratorio "ผู้พิทักษ์แห่งสันติภาพ"; เพลงประกอบภาพยนตร์เรื่อง "Alexander Nevsky" และ "Ivan the Terrible"; ซิมโฟนีหมายเลข 5,6,7; งานเปียโน
ผลงานของ Prokofiev มีความโดดเด่นในความเก่งกาจและธีมที่หลากหลาย ความคิดริเริ่มทางดนตรีของเขา ความสดใหม่ และความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ของเขาประกอบขึ้นเป็นยุคทั้งหมดในวัฒนธรรมดนตรีโลกของศตวรรษที่ 20 และมีผลกระทบอย่างมากต่อนักแต่งเพลงชาวโซเวียตและชาวต่างชาติหลายคน

คำพูดจาก S.S. Prokofiev:
“ศิลปินสามารถยืนหลีกหนีจากชีวิตได้หรือไม่.. ฉันยึดมั่นในความเชื่อมั่นว่านักแต่งเพลง เช่น กวี ประติมากร จิตรกร ถูกเรียกให้รับใช้มนุษย์และประชาชน... ก่อนอื่นเขาจำเป็นต้องเป็น พลเมืองในงานศิลปะของเขา เพื่อเชิดชูชีวิตมนุษย์และนำผู้คนไปสู่อนาคตที่สดใส…”
"ฉันเป็นสิ่งสำแดงแห่งชีวิต ซึ่งทำให้ฉันมีพลังที่จะต้านทานทุกสิ่งที่ไม่เป็นจิตวิญญาณ"

คำพูดเกี่ยวกับ S.S. Prokofiev: “... ดนตรีของเขาทุกแง่มุมมีความสวยงาม แต่มีสิ่งหนึ่งที่ผิดปกติอย่างสิ้นเชิงที่นี่ เห็นได้ชัดว่าเราทุกคนมีความล้มเหลว ความสงสัย เป็นเพียงอารมณ์ไม่ดี อย่าเล่นหรือฟัง Prokofiev แต่ลองคิดถึงเขาสิ ฉันได้รับพลังอันเหลือเชื่อ ฉันรู้สึกปรารถนาอย่างยิ่งที่จะมีชีวิตอยู่และแสดง”

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ: Prokofiev รักหมากรุกเป็นอย่างมาก และเสริมเกมด้วยแนวคิดและความสำเร็จของเขา รวมถึงหมากรุก "เก้าตัว" ที่เขาประดิษฐ์ขึ้น - กระดานขนาด 24x24 ที่มีตัวหมากเก้าชุดเรียงกัน

10. มิทรี ดมิตรีวิช โชสตาโควิช (1906 - 1975)

Dmitry Dmitrievich Shostakovich เป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่สำคัญและแสดงมากที่สุดในโลก อิทธิพลของเขาที่มีต่อดนตรีคลาสสิกสมัยใหม่นั้นมีมากมายมหาศาล ผลงานสร้างสรรค์ของเขาเป็นการถ่ายทอดเรื่องราวดราม่าของมนุษย์ภายในและบันทึกเหตุการณ์ที่ยากลำบากในศตวรรษที่ 20 ซึ่งเรื่องราวส่วนตัวอันลึกซึ้งเกี่ยวพันกับโศกนาฏกรรมของมนุษย์และมนุษยชาติ กับชะตากรรมของประเทศบ้านเกิดของเขา
เกิดที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เขาได้รับบทเรียนดนตรีครั้งแรกจากแม่ของเขา สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนสอนดนตรีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เมื่อเข้าเรียนโดยอธิการบดี Alexander Glazunov เปรียบเทียบเขากับ Mozart ดังนั้นเขาจึงทำให้ทุกคนประหลาดใจด้วยความทรงจำทางดนตรีที่ยอดเยี่ยม หูที่แหลมคม และพรสวรรค์ สำหรับองค์ประกอบ ในช่วงต้นทศวรรษที่ 20 ในตอนท้ายของเรือนกระจก Shostakovich มีผลงานของเขาเองและกลายเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่เก่งที่สุดในประเทศ ชื่อเสียงระดับโลกมาสู่โชสตาโควิชหลังจากชนะการแข่งขันโชแปงระดับนานาชาติครั้งที่ 1 ในปี พ.ศ. 2470
จนถึงช่วงระยะเวลาหนึ่งคือก่อนการผลิตโอเปร่า "Lady Macbeth of Mtsensk" โชสตาโควิชทำงานเป็นศิลปินอิสระ - "เปรี้ยวจี๊ด" โดยทดลองสไตล์และแนวเพลง การรื้อถอนโอเปร่านี้อย่างรุนแรงซึ่งจัดขึ้นในปี 2479 และการปราบปรามในปี 2480 ถือเป็นจุดเริ่มต้นของการต่อสู้ภายในอย่างต่อเนื่องของโชสตาโควิชในการแสดงความคิดเห็นของเขาด้วยวิธีการของเขาเองในเงื่อนไขของการกำหนดแนวโน้มทางศิลปะของรัฐ ในชีวิตของเขาการเมืองและความคิดสร้างสรรค์มีความสัมพันธ์กันอย่างใกล้ชิดเขาได้รับการยกย่องจากเจ้าหน้าที่และถูกข่มเหงโดยพวกเขาดำรงตำแหน่งสูงและถูกปลดออกจากพวกเขาเขาและญาติของเขาได้รับรางวัลและใกล้จะถูกจับกุม
ด้วยความอ่อนโยน ฉลาด และละเอียดอ่อน เขาค้นพบรูปแบบในการแสดงออกถึงหลักการสร้างสรรค์ในรูปแบบซิมโฟนี ซึ่งเขาสามารถพูดความจริงเกี่ยวกับเวลาอย่างเปิดเผยที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ในบรรดาความคิดสร้างสรรค์ที่กว้างขวางของโชสตาโควิชในทุกประเภท ซิมโฟนี (ผลงาน 15 ชิ้น) ครองตำแหน่งศูนย์กลาง ซิมโฟนีที่เข้มข้นที่สุดที่น่าทึ่งที่สุดคือซิมโฟนี 5, 7, 8, 10, 15 ซึ่งกลายเป็นจุดสุดยอดของดนตรีซิมโฟนีของโซเวียต โชสตาโควิชที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงเปิดเผยตัวเองในแชมเบอร์มิวสิค
แม้ว่าโชสตาโควิชเองจะเป็นนักแต่งเพลง "บ้าน" และแทบไม่เคยเดินทางไปต่างประเทศ แต่ดนตรีของเขามีมนุษยธรรมในสาระสำคัญและในรูปแบบศิลปะอย่างแท้จริงแพร่กระจายไปทั่วโลกอย่างรวดเร็วและกว้างขวางและดำเนินการโดยวาทยากรที่เก่งที่สุด ขนาดของพรสวรรค์ของ Shostakovich นั้นยิ่งใหญ่มากจนความเข้าใจอย่างถ่องแท้เกี่ยวกับปรากฏการณ์ศิลปะโลกอันเป็นเอกลักษณ์นี้ยังคงอยู่ข้างหน้า

คำพูดจาก D.D. Shostakovich: “ดนตรีที่แท้จริงสามารถแสดงได้เฉพาะความรู้สึกที่มีมนุษยธรรมเท่านั้น มีเพียงแนวคิดที่มีมนุษยธรรมขั้นสูงเท่านั้น”

โอเปร่ารัสเซีย- ผลงานอันทรงคุณค่าที่สุดต่อคลังละครเพลงโลก กำเนิดในยุครุ่งเรืองคลาสสิกของอุปรากรอิตาลี ฝรั่งเศส และเยอรมัน อุปรากรรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ไม่เพียงแต่ตามโรงเรียนโอเปร่าแห่งชาติอื่นๆ เท่านั้น แต่ยังนำหน้าพวกเขาอีกด้วย ลักษณะพหุภาคีของการพัฒนาโรงละครโอเปร่ารัสเซียในศตวรรษที่ 19 มีส่วนทำให้งานศิลปะที่สมจริงของโลกมีสีสันมากขึ้น ผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียเปิดพื้นที่ใหม่ของความคิดสร้างสรรค์โอเปร่าแนะนำเนื้อหาใหม่หลักการใหม่ในการสร้างละครดนตรีนำศิลปะโอเปร่าเข้าใกล้ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีประเภทอื่น ๆ มากขึ้นโดยเฉพาะกับซิมโฟนี

รูปที่ 11

ประวัติความเป็นมาของโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียมีความเชื่อมโยงกับการพัฒนาชีวิตทางสังคมในรัสเซียอย่างแยกไม่ออกกับการพัฒนาความคิดขั้นสูงของรัสเซีย Opera มีความโดดเด่นด้วยการเชื่อมต่อเหล่านี้ในศตวรรษที่ 18 และกลายเป็นปรากฏการณ์ระดับชาติในช่วงทศวรรษที่ 70 ซึ่งเป็นยุคแห่งพัฒนาการของการตรัสรู้ของรัสเซีย การก่อตั้งโรงเรียนโอเปร่ารัสเซียได้รับอิทธิพลจากแนวคิดด้านการศึกษาซึ่งแสดงออกด้วยความปรารถนาที่จะพรรณนาชีวิตของผู้คนตามความเป็นจริง Neyasova, I.Yu. โอเปร่าประวัติศาสตร์รัสเซียแห่งศตวรรษที่ 19 น.85

ดังนั้นตั้งแต่ก้าวแรกๆ โอเปร่ารัสเซียจึงกลายเป็นศิลปะประชาธิปไตย แผนการของโอเปร่ารัสเซียชุดแรกมักหยิบยกแนวคิดต่อต้านทาสซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของละครรัสเซียและวรรณกรรมรัสเซียเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 อย่างไรก็ตาม กระแสเหล่านี้ยังไม่ได้ก่อตัวขึ้นเป็นระบบที่เชื่อมโยงกัน พวกเขาแสดงออกมาในเชิงประจักษ์ในฉากจากชีวิตของชาวนา ในการแสดงการกดขี่ของเจ้าของที่ดิน ในรูปแบบเสียดสีของขุนนาง นี่คือโครงเรื่องของโอเปร่ารัสเซียเรื่องแรก: "Misfortune from the Coach" โดย V. A. Pashkevich, "Coachmen on a Stand" โดย E. I. Fomin ในโอเปร่า "The Miller - หมอผีผู้หลอกลวงและผู้จับคู่" พร้อมข้อความโดย A. O. Ablesimov และดนตรีโดย M. M. Sokolovsky (ในฉบับที่สอง - E. I. Fomin) แนวคิดเรื่องความสูงส่งของผลงานของ ไถนาแสดงออกมาและผยองผู้สูงศักดิ์ถูกเยาะเย้ย ในโอเปร่า "St. Petersburg Guest House" โดย M. A. Matinsky - V. A. Pashkevich ผู้ใช้บริการและเจ้าหน้าที่รับสินบนถูกบรรยายในรูปแบบเสียดสี

โอเปร่ารัสเซียเรื่องแรกเป็นละครที่มีตอนดนตรีระหว่างการแสดง ฉากสนทนามีความสำคัญมากสำหรับพวกเขา ดนตรีของโอเปร่าชุดแรกมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับเพลงพื้นบ้านของรัสเซีย: ผู้แต่งใช้ท่วงทำนองของเพลงพื้นบ้านที่มีอยู่อย่างกว้างขวางและประมวลผลให้เป็นพื้นฐานของโอเปร่า ตัวอย่างเช่น ใน "Melnik" คุณลักษณะทั้งหมดของตัวละครจะได้รับความช่วยเหลือจากเพลงพื้นบ้านประเภทต่างๆ ในโอเปร่า "เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Gostiny Dvor" พิธีแต่งงานพื้นบ้านทำซ้ำได้อย่างแม่นยำ ใน "Coachmen on a Stand" Fomin ได้สร้างตัวอย่างแรกของการแสดงโอเปร่าประสานเสียงพื้นบ้าน เพื่อเป็นการวางรากฐานสำหรับหนึ่งในประเพณีทั่วไปของอุปรากรรัสเซียในยุคหลังๆ

โอเปร่ารัสเซียพัฒนาขึ้นเพื่อต่อสู้เพื่อเอกลักษณ์ประจำชาติ นโยบายของราชสำนักและสังคมชั้นสูงผู้อุปถัมภ์คณะละครต่างประเทศนั้นมุ่งต่อต้านประชาธิปไตยในศิลปะรัสเซีย บุคคลสำคัญของอุปรากรรัสเซียต้องเรียนรู้ทักษะการแสดงโอเปร่าโดยใช้ตัวอย่างของอุปรากรยุโรปตะวันตกและในขณะเดียวกันก็ปกป้องความเป็นอิสระของทิศทางระดับชาติของพวกเขา การต่อสู้ครั้งนี้กลายเป็นเงื่อนไขสำหรับการดำรงอยู่ของอุปรากรรัสเซียเป็นเวลาหลายปีโดยเข้าสู่รูปแบบใหม่ในขั้นตอนใหม่

พร้อมด้วยโอเปร่า-คอมเมดี้ในศตวรรษที่ 18 แนวโอเปร่าอื่น ๆ ก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน ในปี พ.ศ. 2333 มีการแสดงที่ศาลภายใต้ชื่อ "Oleg's Initial Management" ซึ่งเป็นข้อความที่เขียนโดยจักรพรรดินีแคทเธอรีนที่ 2 และดนตรีแต่งร่วมกันโดยนักแต่งเพลง C. Canobbio, G. Sarti และ V. A. Pashkevich ไม่ได้เป็นโอเปร่ามากนักโดยธรรมชาติและในระดับหนึ่งถือได้ว่าเป็นตัวอย่างแรกของแนวดนตรี-ประวัติศาสตร์ซึ่งแพร่หลายในศตวรรษที่ 19 ในผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียชื่อดัง D. S. Bortnyansky แนวโอเปร่านั้นนำเสนอโดยโอเปร่าโคลงสั้น ๆ "The Falcon" และ "The Rival Son" ซึ่งเป็นดนตรีที่สามารถพัฒนารูปแบบและทักษะของโอเปร่าได้ ทัดเทียมกับตัวอย่างโอเปร่ายุโรปตะวันตกสมัยใหม่

โรงละครโอเปร่าถูกใช้ในศตวรรษที่ 18 เป็นที่นิยมมาก โอเปร่าจากเมืองหลวงค่อยๆแทรกซึมเข้าไปในโรงละครอสังหาริมทรัพย์ โรงละครป้อมปราการในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18 และ 19 ให้ตัวอย่างศิลปะการแสดงโอเปร่าและบทบาทส่วนบุคคลที่มีศิลปะสูง นักร้องและนักแสดงชาวรัสเซียผู้มีความสามารถได้รับการเสนอชื่อเข้าชิง เช่น นักร้อง E. Sandunova ซึ่งแสดงบนเวทีในเมืองหลวง หรือนักแสดงเสิร์ฟของ Sheremetev Theatre P. Zhemchugova

ความสำเร็จทางศิลปะของอุปรากรรัสเซียในศตวรรษที่ 18 เป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนาอย่างรวดเร็วของละครเพลงในรัสเซียในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 19

ความเชื่อมโยงระหว่างละครเพลงรัสเซียกับแนวคิดที่กำหนดชีวิตฝ่ายวิญญาณในยุคนั้นมีความเข้มแข็งขึ้นเป็นพิเศษในช่วงสงครามรักชาติในปี 1812 และในช่วงหลายปีของขบวนการ Decembrist แก่นเรื่องของความรักชาติซึ่งสะท้อนให้เห็นในแผนการทางประวัติศาสตร์และสมัยใหม่กลายเป็นพื้นฐานของการแสดงละครและดนตรีมากมาย แนวคิดเรื่องมนุษยนิยมและการประท้วงต่อต้านความไม่เท่าเทียมกันทางสังคมเป็นแรงบันดาลใจและทำให้เกิดประโยชน์ต่อศิลปะการแสดงละคร

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ยังคงเป็นไปไม่ได้ที่จะพูดถึงโอเปร่าในความหมายที่สมบูรณ์ของคำนี้ แนวเพลงผสมมีบทบาทสำคัญในโรงละครดนตรีรัสเซีย: โศกนาฏกรรมด้วยดนตรี, การแสดง, โอเปร่าการ์ตูน, โอเปร่าบัลเล่ต์ ก่อนที่ Glinka โอเปร่ารัสเซียจะไม่รู้จักผลงานที่มีการแสดงละครที่มีพื้นฐานมาจากดนตรีเท่านั้นโดยไม่มีตอนพูด

ละครเพลงของ Mussorgsky เรื่อง "Khovanshchina" (รูปที่ 12) อุทิศให้กับการลุกฮือของ Streltsy ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 องค์ประกอบของการเคลื่อนไหวที่ได้รับความนิยมในทุกความรุนแรงนั้นแสดงออกมาอย่างน่าอัศจรรย์ด้วยดนตรีของโอเปร่าซึ่งมีพื้นฐานมาจากการคิดใหม่อย่างสร้างสรรค์ของศิลปะเพลงพื้นบ้าน เพลงของ "Khovanshchina" เช่นเดียวกับเพลงของ "Boris Godunov" มีลักษณะเป็นโศกนาฏกรรมสูง พื้นฐานของธีมอันไพเราะของโอเปร่าทั้งสองคือการสังเคราะห์เพลงและหลักการประกาศ นวัตกรรมของ Mussorgsky เกิดจากแนวคิดใหม่และวิธีแก้ปัญหาละครเพลงที่เป็นต้นฉบับอย่างล้ำลึก บังคับให้เราจัดอันดับโอเปร่าทั้งสองของเขาให้อยู่ในความสำเร็จสูงสุดของละครเพลง

รูปที่ 12

ศตวรรษที่ 19 เป็นยุคของโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซีย นักแต่งเพลงชาวรัสเซียสร้างผลงานชิ้นเอกในโอเปร่าประเภทต่างๆ: ละคร, มหากาพย์, โศกนาฏกรรมที่กล้าหาญ, ตลก พวกเขาสร้างสรรค์ละครเพลงที่เป็นนวัตกรรมใหม่ ซึ่งเกิดขึ้นโดยมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับเนื้อหาที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของโอเปร่า บทบาทที่สำคัญในการกำหนดบทบาทของฉากพื้นบ้านมวลชนการกำหนดลักษณะตัวละครที่หลากหลายการตีความรูปแบบโอเปร่าแบบดั้งเดิมใหม่และการสร้างหลักการใหม่ของความสามัคคีทางดนตรีของงานทั้งหมดเป็นคุณลักษณะเฉพาะของโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซีย Neyasova, I.Y. โอเปร่าประวัติศาสตร์รัสเซียแห่งศตวรรษที่ 19 ป.63

โอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียซึ่งพัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของความคิดก้าวหน้าเชิงปรัชญาและสุนทรียภาพภายใต้อิทธิพลของเหตุการณ์ในชีวิตสาธารณะ กลายเป็นหนึ่งในแง่มุมที่น่าทึ่งของวัฒนธรรมประจำชาติรัสเซียในศตวรรษที่ 19 เส้นทางการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์โอเปร่าของรัสเซียในศตวรรษที่ผ่านมาทั้งหมดขนานไปกับขบวนการปลดปล่อยอันยิ่งใหญ่ของชาวรัสเซีย นักแต่งเพลงได้รับแรงบันดาลใจจากแนวคิดอันสูงส่งในด้านมนุษยนิยมและการรู้แจ้งในระบอบประชาธิปไตย และผลงานของพวกเขาถือเป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของงานศิลปะที่สมจริงอย่างแท้จริงสำหรับเรา

3.1 เจียมเนื้อเจียมตัว Petrovich Mussorgsky

Modest Petrovich Mussorgsky เป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่เก่งที่สุดแห่งศตวรรษที่ 19 ซึ่งเป็นสมาชิกของ "Mighty Handful" งานเชิงนวัตกรรมของ Mussorgsky ล้ำหน้าไปมาก

เกิดที่จังหวัดปัสคอฟ เช่นเดียวกับคนที่มีความสามารถหลายคน เขาแสดงความสามารถด้านดนตรีตั้งแต่วัยเด็ก เรียนที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก และเป็นทหารตามประเพณีของครอบครัว เหตุการณ์ชี้ขาดที่กำหนดว่า Mussorgsky เกิดมาไม่ใช่เพื่อรับราชการทหาร แต่เพื่อดนตรี คือการพบกับ M.A. Balakirev และเข้าร่วม "Mighty Handful" Mussorgsky ยอดเยี่ยมเพราะในผลงานอันยิ่งใหญ่ของเขา - โอเปร่า "Boris Godunov" และ "Khovanshchina" (รูปที่ 13) เขาบันทึกเหตุการณ์สำคัญอันน่าทึ่งของประวัติศาสตร์รัสเซียในดนตรีด้วยความแปลกใหม่ที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงซึ่งดนตรีรัสเซียไม่เคยรู้จักมาก่อนเขาแสดงให้เห็นในดนตรี การผสมผสานระหว่างฉากพื้นบ้านจำนวนมากและความมั่งคั่งหลากหลายประเภท ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของชาวรัสเซีย โอเปร่าเหล่านี้ในหลายฉบับ ทั้งโดยผู้แต่งและนักแต่งเพลงคนอื่นๆ เป็นโอเปร่ารัสเซียที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในโลก Danilova, G.I. ศิลปะ. น.96.

3.2 ลักษณะของโอเปร่า "Khovanshchina" ของ Mussorgsky

"โความนชินา"(ละครเพลงพื้นบ้าน) - โอเปร่าห้าองก์โดยนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย M. P. Mussorgsky สร้างขึ้นตามบทเพลงของเขาเองในช่วงหลายปีที่ผ่านมาและไม่เคยเขียนเสร็จโดยผู้เขียน งานนี้เสร็จสมบูรณ์โดย N. A. Rimsky-Korsakov

“ Khovanshchina” เป็นมากกว่าโอเปร่า Mussorgsky สนใจในรูปแบบที่น่าเศร้าของประวัติศาสตร์รัสเซีย, ความแตกแยกชั่วนิรันดร์, แหล่งที่มาของความทุกข์ทรมานและเลือด, ลางสังหรณ์ชั่วนิรันดร์ของสงครามกลางเมือง, การลุกขึ้นจากเข่าชั่วนิรันดร์และความปรารถนาตามสัญชาตญาณที่เท่าเทียมกันที่จะกลับไปสู่ตำแหน่งที่คุ้นเคย

Mussorgsky ฟักไอเดียสำหรับ "Khovanshchina" และในไม่ช้าก็เริ่มรวบรวมวัสดุ ทั้งหมดนี้ดำเนินการโดยการมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันของ V. Stasov ซึ่งในยุค 70 สนิทสนมกับ Mussorgsky และเป็นหนึ่งในไม่กี่คนที่เข้าใจอย่างแท้จริงถึงความจริงจังของความตั้งใจสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลง V.V. Stasov กลายเป็นผู้สร้างแรงบันดาลใจและผู้ช่วยที่ใกล้ที่สุดของ Mussorgsky ในการสร้างโอเปร่านี้ซึ่งเขาทำงานมาตั้งแต่ปี 1872 เกือบจะบั้นปลายชีวิตของเขา “ ฉันอุทิศให้คุณตลอดช่วงชีวิตของฉันเมื่อ Khovanshchina จะถูกสร้างขึ้น ... คุณให้จุดเริ่มต้น” Mussorgsky เขียนถึง Stasov เมื่อวันที่ 15 กรกฎาคม พ.ศ. 2415

รูปที่ 13

นักแต่งเพลงถูกดึงดูดอีกครั้งโดยชะตากรรมของชาวรัสเซียที่จุดเปลี่ยนในประวัติศาสตร์รัสเซีย เหตุการณ์กบฏในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 การต่อสู้อันขมขื่นระหว่างโบยาร์รุสเก่าและรัสเซียรุ่นใหม่ของปีเตอร์ที่ 1 การจลาจลที่ Streltsy และการเคลื่อนไหวที่แตกแยกทำให้ Mussorgsky มีโอกาสสร้างละครดนตรีพื้นบ้านเรื่องใหม่ ผู้เขียนอุทิศ "Khovanshchina" ให้กับ V.V. Stasov Danilova, G.I. ศิลปะ. ป.100.

การทำงานกับ Khovanshchina เป็นเรื่องยาก - Mussorgsky หันไปหาเนื้อหาที่อยู่นอกเหนือขอบเขตของการแสดงโอเปร่า อย่างไรก็ตาม เขาเขียนอย่างเข้มข้น (“งานกำลังอยู่ในช่วงเร่งรีบ!”) แม้ว่าการหยุดยาวจะเกิดจากหลายสาเหตุก็ตาม ในเวลานี้ Mussorgsky ได้รับผลกระทบอย่างลึกซึ้งจากการล่มสลายของวงกลม Balakirev ความสัมพันธ์ที่เย็นลงกับ Cui และ Rimsky-Korsakov และการถอนตัวของ Balakirev จากกิจกรรมทางดนตรีและสังคม เขารู้สึกว่าพวกเขาแต่ละคนกลายเป็นศิลปินอิสระและได้เดินตามเส้นทางของตนเองแล้ว ข้าราชการเหลือเพียงช่วงเย็นและกลางคืนในการแต่งเพลง และสิ่งนี้นำไปสู่การทำงานหนักเกินไปอย่างรุนแรงและภาวะซึมเศร้าที่ยืดเยื้อยาวนานยิ่งขึ้น อย่างไรก็ตามแม้จะมีทุกอย่าง แต่พลังสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงในช่วงเวลานี้ก็ทำให้ประหลาดใจด้วยความแข็งแกร่งและความสมบูรณ์ของแนวคิดทางศิลปะ

“ Khovanshchina เป็นโอเปร่ารัสเซียที่ซับซ้อน ซับซ้อนพอๆ กับจิตวิญญาณของรัสเซีย แต่มุสซอร์กสกีเป็นนักแต่งเพลงที่น่าทึ่งมาก จนโอเปร่าของเขาสองเรื่องถูกจัดแสดงในโรงโอเปร่าต่างๆ ทั่วโลกเกือบทุกปี” อับดราซาคอฟ, อาร์ไอเอ โนโวสติ

โอเปร่าเผยให้เห็นชั้นชีวิตของผู้คนทั้งหมดและแสดงให้เห็นถึงโศกนาฏกรรมทางจิตวิญญาณของชาวรัสเซีย ณ จุดเปลี่ยนของประวัติศาสตร์และวิถีชีวิตแบบดั้งเดิมของพวกเขา

3.3 โอเปร่า "Khovanshchina" ของ Mussorsky ในโรงละคร

ระดับมหากาพย์ที่ยิ่งใหญ่ - ในรูปแบบนี้ที่ Alexander Titel เลือกที่จะแสดงออกในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาโดยจัดแสดง "สงครามและสันติภาพ" ของ Sergei Prokofiev, "Boris Godunov" ของ Mussorgsky และสุดท้ายคือผืนผ้าใบประวัติศาสตร์ขนาดใหญ่ - "Khovanshchina ". ไม่จำเป็นต้องเตือนเกี่ยวกับความเกี่ยวข้องร่วมสมัยของการสร้าง Mussorgsky ซึ่งดูดซับการปะทะกันอันน่าสลดใจของ "รัสเซีย" - ช่องว่างระหว่างอำนาจและผู้คน, การแบ่งแยกศาสนา, การวางอุบายทางการเมือง, อุดมคตินิยมที่คลั่งไคล้, การค้นหาอย่างต่อเนื่องสำหรับ " เส้นทาง” ซึ่งเป็นทางแยกของชาวยูเรเชียน ความเกี่ยวข้องอยู่เพียงผิวเผิน และไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ “Khovanshchina” ในฤดูกาลที่แล้ว “เต็มกำลัง” บนเวทียุโรป - ในเวียนนา, สตุ๊ตการ์ท, แอนต์เวิร์ป, เบอร์มิงแฮม การแสดงของ Titel แทบจะทำให้เพื่อนร่วมชาติของเขากลับมาสู่ธีมของ Mussorgsky เหล่านี้อย่างแทบอกหัก

ความจริงที่ว่าโรงละครเข้าใกล้แถลงการณ์ "ประวัติศาสตร์" ด้วยความเข้มข้นเป็นพิเศษนั้นเห็นได้จากหนังสือเล่มเล็กที่เตรียมไว้สำหรับรอบปฐมทัศน์พร้อมเอกสารที่ได้รับการคัดสรรและชีวประวัติจริงของต้นแบบของ "Khovanshchina" และนิทรรศการที่อุทิศให้กับการเปิดตัวละครใน ห้องโถงใหญ่ของโรงละครพร้อมการค้นพบทางโบราณคดีตั้งแต่สมัย "Khovanshchina" ที่จัดแสดง " - ชิ้นส่วนของอาวุธที่ค้นพบใต้อาคารโรงละคร แน่นอนว่าบรรยากาศของการแสดงที่มีสภาพแวดล้อมเช่นนี้ควรจะมีความ "สมจริง" มากยิ่งขึ้น แต่ผู้ชมไม่ได้รับการต้อนรับจากหอคอยและหอคอยเครมลินบนเวที แต่ด้วยกล่องไม้คล้ายโรงนาที่เรียบง่ายซึ่งมหากาพย์อันมืดมนของชีวิตชาวรัสเซียถูกเปิดเผยมานานกว่าสามชั่วโมง Alexander Lazarev กำหนดโทนเสียงดนตรีโดยเลือกการเรียบเรียงที่รุนแรงโดย Dmitry Shostakovich เต็มไปด้วยเสียงหวือหวาของโลหะแตกออกราวกับอยู่ในห้วงแห่งความดังเสียงระฆังปลุกที่หนักหน่วงซึ่งในการตีความของเขาฟังดูเหมือนป้อมปราการที่ไม่หยุดหย่อนโดยมีตะกั่วหนัก marcato บดขยี้เพลงโคลงสั้น ๆ ที่ดึงออกมา ในช่วงเวลาหนึ่ง วงออเคสตราก็เงียบลง แล้วคณะนักร้องประสานเสียงก็ออกมา: "พ่อ พ่อ ออกมาหาเราสิ!" ซึ่งฟังดูเหมือนเป็นผลงานชิ้นเอก คำอธิษฐานที่แตกแยกอย่างเงียบๆ Masol, L.M., Aristova L.S. ศิลปะดนตรี หน้า 135

รูปที่ 14

พื้นหลังของวงดนตรีออเคสตราที่ดุเดือดเข้ากับฉากอันมืดมนและบ้าคลั่งบนเวที ความพิเศษมากมาย - ผู้คนหลายร้อยคนแต่งกายในชุดสีแดง - Streltsovsky (รูปที่ 14) หรือสีขาว - "พื้นบ้าน" เจ้าชายมีชุดคาฟทันแบบเรียบง่ายที่มีกระดุมเล็กๆ โดยไม่มีขนตามปกติและการปักอันล้ำค่า คนพิเศษเหล่านี้จะมีส่วนร่วมในการรับประทานอาหารที่โต๊ะไม้กระดานยาว ออกมาท่ามกลางฝูงชนพร้อมไอคอนต่างๆ และผูกมิตรโดยโอบไหล่รอบๆ คุณพ่อโคแวนสกี แต่ฝูงชนบนเวทีไม่ได้ "แสดงสด" แต่แสดงโครงเรื่องมากกว่า

รูปที่ 15

โครงเรื่องหลักถูกเปิดเผย "ที่ด้านบน" - ในหมู่เจ้าชายและโบยาร์ที่กำลังวางแผนบงการบอกเลิกและต่อสู้เพื่ออำนาจ ประการแรก Shaklovity (Anton Zaraev) สั่งสอน Podyachiy (Valery Mikitsky) อย่างดุเดือดทำให้เขาหวาดกลัวด้วยการทรมานและการทรมานรายงานต่อซาร์ปีเตอร์และอีวานต่อพ่อและลูกชายของ Khovansky จากนั้นเจ้าชาย Golitsyn (Nazhmiddin Mavlyanov) ก็สานต่อการวางอุบายต่อต้านเจ้าหน้าที่ กับ Khovansky (Dmitry Ulyanov) และ Dosifey (Denis Makarov) - อย่างเมามันใกล้จะถึงการต่อสู้ ที่นี่ Khovansky อายุน้อยกว่า (Nikolai Erokhin) ที่มีความคลั่งไคล้เหมือนกันทุกประการไล่ตาม Emma หญิงชาวเยอรมัน (Elena Guseva) อย่างเร้าอารมณ์และ Marfa (Ksenia Dudnikova) ที่แตกแยกอย่างพยาบาทลาก Andrei ที่สิ้นหวังไปฆ่าตัวตายในอาราม ตัวละครของ Mussorgsky มีอยู่ในบทละครราวกับว่าทุกคำพูดของพวกเขาจะทำให้โลกพลิกคว่ำ พวกเขากรีดร้องเป็นอาเรียจนแหบแห้งและชกหมัดลงบนโต๊ะ มาร์ฟาบอกโชคลาภอันน่าสยดสยอง โดยชูกำปั้นลงไปในน้ำและราวกับกำลังบีบสิ่งมีชีวิตจากถังสังกะสี นักธนูวางศีรษะบนชุดคลุมสีแดงเพื่อประหารชีวิต และโคแวนสกี้ ซีเนียร์ก็ยกกระโปรงของผู้หญิงเปอร์เซียขึ้น ดูดุกชาวอาร์เมเนียซึ่งมีตัวเลขแทรกอยู่ในการแสดง ฟังดูเศร้าโศกบนเวที จริงอยู่ที่เหตุใดจึงมีความเกี่ยวข้องมากกว่าการเต้นรำแบบเปอร์เซียทั่วไปจึงไม่ชัดเจนนัก อนิจจายังไม่ชัดเจนว่าการแสดงในท้ายที่สุดเป็นอย่างไรซึ่งจบลงด้วยภาพของฝูงชนที่แตกแยกยืนดิ่งลงไปในความมืดซึ่งตัวละครโต้เถียงกันอย่างเมามันจนสูญเสียเสียงของพวกเขาระเบิดด้วยความตีโพยตีพายเป็นเวลาสามคน ชั่วโมงติดต่อกัน สิ่งที่พวกเขาต้องการถ่ายทอดจากประสบการณ์ของพวกเขา ยกเว้นภาพของ Rus ที่มืดมน รวมทั้งเพราะคำในบทละครแทบจะหาความหมายไม่ออก คำบรรยายดำเนินการเป็นภาษาอังกฤษ และมีคนไม่กี่คนที่รู้จักบทนี้ด้วยใจ ในขณะเดียวกัน Mussorgsky เขียนทุกคำด้วยตัวเองไม่ใช่เรื่องบังเอิญ เขาสร้าง Khovanshchina ขึ้นมาเป็นละครการเมืองในปัจจุบัน และอาจหวังว่าประสบการณ์ของเรื่องนี้จะช่วยเปลี่ยนแปลงบางสิ่งในปัจจุบัน

อย่างไรก็ตาม ประวัติศาสตร์ของโอเปร่าในประเทศของเราในฐานะประเภทดนตรีและละครที่มาจากตะวันตกเริ่มต้นมานานก่อนการผลิต "A Life for the Tsar" ("Ivan Susanin") โดย M. I. Glinka ซึ่งเป็นโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียเรื่องแรกซึ่ง เปิดตัวครั้งแรกเมื่อวันที่ 27 พฤศจิกายน พ.ศ. 2379

หากคุณลอง จุดเริ่มต้นของโอเปร่ารัสเซียสามารถพบได้ในสมัยโบราณ เนื่องจากองค์ประกอบทางดนตรีและการละครมีอยู่ในพิธีกรรมพื้นบ้านของรัสเซีย เช่น พิธีแต่งงาน การเต้นรำรอบ รวมถึงกิจกรรมในโบสถ์ของ Rus ในยุคกลาง ซึ่งอาจ ถือเป็นข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการเกิดขึ้นของโอเปร่ารัสเซีย ด้วยเหตุผลที่ยิ่งใหญ่กว่านั้น เราจึงสามารถเห็นต้นกำเนิดของอุปรากรรัสเซียในการแสดงจิตวิญญาณพื้นบ้านของศตวรรษที่ 16 และ 17 ในละครโรงเรียนของสถาบันการศึกษาในเคียฟและมอสโกที่มีเนื้อหาเกี่ยวกับพระคัมภีร์ องค์ประกอบทางดนตรีและประวัติศาสตร์ทั้งหมดเหล่านี้จะสะท้อนให้เห็นในผลงานของนักแต่งเพลงโอเปร่าชาวรัสเซียในอนาคต

เมื่อวันที่ 17 ตุลาคม ค.ศ. 1672 การแสดงครั้งแรกของ "Esther" ("Artaxerxes' Action") โดย Johann Gottfried Gregory เกิดขึ้นนานสิบชั่วโมงจนถึงเช้า ดนตรีมีส่วนร่วมในการแสดง - วงออเคสตราของชาวเยอรมันและผู้คนในลานเล่น "ออร์แกนการละเมิดและเครื่องดนตรีอื่น ๆ " บางทีอาจมีคณะนักร้องประสานเสียงของ "เสมียนร้องเพลงอธิปไตย" เข้ามามีส่วนร่วมในการแสดงด้วย ซาร์มีเสน่ห์ผู้เข้าร่วมการแสดงทุกคนได้รับการปฏิบัติอย่างกรุณาได้รับรางวัลอย่างไม่เห็นแก่ตัวและยังได้รับอนุญาตให้จูบพระหัตถ์ของซาร์ -“ พวกเขาอยู่ในมือของอธิปไตยผู้ยิ่งใหญ่” บางคนได้รับตำแหน่งและเงินเดือน Gregory เองก็ได้รับสี่สิบ sables สำหรับหนึ่ง ร้อยรูเบิล (หน่วยวัดคลังขน)

ละครครั้งต่อไปของ Gregory แสดงในมอสโกในห้องเครมลินผู้ชมเป็นผู้ที่ใกล้ชิดกับซาร์: โบยาร์, โอโคลนิชี่, ขุนนาง, เสมียน; มีสถานที่พิเศษสำหรับพระราชินีและเจ้าหญิง มีรั้วกั้นอย่างดีเพื่อไม่ให้สาธารณชนมองเห็นได้ การแสดงเริ่มเวลา 22.00 น. และดำเนินไปจนถึงเช้า หากใน "พระราชบัญญัติ Artaxerxes" การมีส่วนร่วมของดนตรีค่อนข้างไม่ได้ตั้งใจดังนั้นในปี 1673 ละครที่ค่อนข้างคล้ายกับโอเปร่าก็ปรากฏบนเวที เป็นไปได้มากว่านี่เป็นการนำบทละคร Eurydice ของ Rinuccini มาใช้ใหม่ ซึ่งเป็นหนึ่งในโอเปร่าเรื่องแรกๆ และได้รับการเผยแพร่อย่างกว้างขวางทั่วยุโรปด้วยการดัดแปลงมากมาย

Johann Gregory ก่อตั้งโรงเรียนการละครขึ้นในปี 1673 โดยมีเด็กชนชั้นกลาง 26 คนศึกษาเรื่อง "ตลก" อย่างไรก็ตามในปี 1675 Gregory ล้มป่วยและไปยังดินแดนของเยอรมนีเพื่อรับการรักษา แต่ในไม่ช้าก็เสียชีวิตในเมือง Merserburg ซึ่งเขาถูกฝังไว้และโรงเรียนการละครก็ปิดตัวลง หลังจากการสิ้นพระชนม์ของซาร์อเล็กซี่ มิคาอิโลวิชในปี 1676 ซาร์ฟีโอดอร์ อเล็กเซวิชองค์ใหม่ไม่ได้แสดงความสนใจในโรงละคร ผู้อุปถัมภ์หลัก Artamon Matveev ถูกส่งตัวไปลี้ภัยใน Pustozersk และโรงละครถูกรื้อถอน แว่นตาหยุดลง แต่ความคิดยังคงอยู่ว่าสิ่งนี้ได้รับอนุญาต เนื่องจากอธิปไตยเองก็รู้สึกขบขันกับมัน

Gregory ใช้ชีวิตส่วนใหญ่ในรัสเซียและล้าหลังกระแสละครสมัยใหม่และละครตลกที่เขาแสดงก็ล้าสมัยอย่างไรก็ตามจุดเริ่มต้นของศิลปะการละครและโอเปร่าในรัสเซียก็ถูกวางไว้ การอุทธรณ์ครั้งต่อไปต่อโรงละครและการฟื้นฟูเกิดขึ้นในอีกยี่สิบห้าปีต่อมาในสมัยของ Peter I.

สี่ศตวรรษผ่านไปตั้งแต่นั้นมา แต่โอเปร่ายังคงถือว่าเป็นหนึ่งในแนวดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุด ทุกคนสามารถเข้าถึงความเข้าใจเกี่ยวกับดนตรีโอเปร่าได้ ซึ่งได้รับความช่วยเหลือจากคำพูดและการแสดงบนเวที และดนตรีก็ช่วยเพิ่มความประทับใจให้กับละคร โดยแสดงออกถึงความพูดน้อยโดยธรรมชาติของสิ่งที่บางครั้งยากต่อการถ่ายทอดเป็นคำพูด

ปัจจุบันโอเปร่าของ S. M. Slonimsky, R. K. Shchedrin, L. A. Desyatnikov, V. A. Kobekin, A. V. Tchaikovsky เป็นที่สนใจของสาธารณชนชาวรัสเซีย - แม้ว่าจะเป็นเรื่องยาก แต่ก็สามารถรับชมได้โดยการซื้อตั๋วเข้าชมโรงละครบอลชอย แน่นอนว่าโรงละครที่มีชื่อเสียงและโด่งดังที่สุดในประเทศของเราคือโรงละครบอลชอยซึ่งเป็นหนึ่งในสัญลักษณ์หลักของรัฐและวัฒนธรรมของเรา เมื่อคุณได้ไปที่บอลชอยแล้ว คุณจะสามารถสัมผัสประสบการณ์ดนตรีและละครได้อย่างเต็มที่

อุปรากรรัสเซียมีต้นกำเนิดมาจากการเลียนแบบแบบจำลองของตะวันตก โดยมีส่วนสนับสนุนที่มีคุณค่ามากที่สุดต่อคลังของวัฒนธรรมทั่วโลก

โอเปร่ารัสเซียในศตวรรษที่ 19 ปรากฏตัวในยุครุ่งเรืองคลาสสิกของโอเปร่าฝรั่งเศส เยอรมัน และอิตาลี ไม่เพียงแต่ตามโรงเรียนโอเปร่าคลาสสิกแห่งชาติเท่านั้น แต่ยังนำหน้าพวกเขาอีกด้วย เป็นที่น่าสนใจที่นักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียมักเลือกหัวข้อที่มีลักษณะพื้นบ้านล้วนๆสำหรับงานของพวกเขา

"ชีวิตเพื่อซาร์" โดย Glinka

โอเปร่า "A Life for the Tsar" หรือ "Ivan Susanin" เล่าถึงเหตุการณ์ในปี 1612 - การรณรงค์ของชนชั้นสูงในโปแลนด์เพื่อต่อต้านมอสโก ผู้เขียนบทคือบารอนเยกอร์โรเซนอย่างไรก็ตามในสมัยโซเวียตด้วยเหตุผลทางอุดมการณ์ Sergei Gorodetsky บรรณาธิการของบทบรรณาธิการได้รับความไว้วางใจ โอเปร่าเปิดตัวครั้งแรกที่โรงละครบอลชอยในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2379 เป็นเวลานานที่ Fyodor Chaliapin แสดงบทบาทของ Susanin หลังการปฏิวัติ “ชีวิตเพื่อซาร์” ออกจากเวทีโซเวียต มีความพยายามที่จะปรับโครงเรื่องให้เข้ากับข้อกำหนดของยุคใหม่: นี่คือวิธีที่ Susanin ได้รับการยอมรับใน Komsomol และบรรทัดสุดท้ายฟังดูเหมือน "สง่าราศี, สง่าราศี, ระบบโซเวียต" ต้องขอบคุณ Gorodetsky เมื่อมีการจัดแสดงโอเปร่าที่โรงละครบอลชอยในปี 1939 "ระบบโซเวียต" จึงถูกแทนที่ด้วย "คนรัสเซีย" ตั้งแต่ปี 1945 โรงละครบอลชอยได้เปิดฤดูกาลตามประเพณีด้วยผลงานต่างๆ ของ Ivan Susanin ของ Glinka การผลิตโอเปร่าที่ใหญ่ที่สุดในต่างประเทศอาจเกิดขึ้นที่ลาสกาลาในมิลาน

"บอริส โกดูนอฟ" โดย Mussorsky

โอเปร่าซึ่งซาร์และประชาชนได้รับเลือกให้เป็นตัวละครทั้งสอง เริ่มต้นโดย Mussorgsky ในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2411 ในการเขียนบทผู้แต่งใช้ข้อความโศกนาฏกรรมของพุชกินในชื่อเดียวกันและเนื้อหาจาก "ประวัติศาสตร์แห่งรัฐรัสเซีย" ของ Karamzin ธีมของโอเปร่าคือรัชสมัยของ Boris Godunov ก่อน "เวลาแห่งปัญหา" Mussorgsky เสร็จสิ้นการแสดงโอเปร่า Boris Godunov ฉบับพิมพ์ครั้งแรกในปี พ.ศ. 2412 ซึ่งนำเสนอต่อคณะกรรมการโรงละครของ Directorate of Imperial Theatres อย่างไรก็ตาม ผู้วิจารณ์ปฏิเสธการแสดงโอเปร่า โดยปฏิเสธที่จะแสดงเนื่องจากขาดบทบาทผู้หญิงที่เข้มแข็ง Mussorgsky เปิดตัวโอเปร่าเรื่อง "โปแลนด์" เรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ระหว่าง Marina Mniszech และ False Dmitry นอกจากนี้เขายังเพิ่มฉากอันยิ่งใหญ่ของการลุกฮือของประชาชนซึ่งทำให้ตอนจบน่าตื่นเต้นยิ่งขึ้น แม้จะมีการปรับเปลี่ยนทั้งหมด แต่โอเปร่าก็ถูกปฏิเสธอีกครั้ง จัดแสดงเพียง 2 ปีต่อมาในปี พ.ศ. 2417 บนเวทีโรงละคร Mariinsky โอเปร่านี้เปิดตัวในต่างประเทศที่โรงละครบอลชอยใน Paris Grand Opera เมื่อวันที่ 19 พฤษภาคม พ.ศ. 2451

"ราชินีแห่งโพดำ" โดยไชคอฟสกี

โอเปร่านี้สร้างเสร็จโดยไชคอฟสกีในต้นฤดูใบไม้ผลิปี พ.ศ. 2433 ในเมืองฟลอเรนซ์ และการผลิตครั้งแรกเกิดขึ้นในเดือนธันวาคมของปีเดียวกันที่โรงละคร Mariinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โอเปร่านี้เขียนโดยนักแต่งเพลงตามคำร้องขอของโรงละครอิมพีเรียลและเป็นครั้งแรกที่ไชคอฟสกีปฏิเสธที่จะรับคำสั่งโดยอ้างว่าการปฏิเสธของเขาเกิดจากการขาด "การแสดงบนเวทีที่เหมาะสม" ในโครงเรื่อง ที่น่าสนใจในเรื่องราวของพุชกิน ตัวละครหลักมีนามสกุล เฮอร์มันน์ (โดยมี "n" สองตัวต่อท้าย) และในโอเปร่า ตัวละครหลัก กลายเป็นชายชื่อเฮอร์มันน์ - นี่ไม่ใช่ข้อผิดพลาด แต่เป็นการเปลี่ยนแปลงของผู้เขียนโดยเจตนา ในปีพ.ศ. 2435 โอเปร่านี้ถูกจัดแสดงเป็นครั้งแรกนอกประเทศรัสเซียในกรุงปราก ถัดไป - การผลิตครั้งแรกในนิวยอร์กในปี 1910 และรอบปฐมทัศน์ในลอนดอนในปี 1915

"เจ้าชายอิกอร์" โบโรดิน

พื้นฐานของบทคืออนุสาวรีย์วรรณกรรมรัสเซียโบราณ "The Tale of Igor's Campaign" Borodin นักวิจารณ์ Vladimir Stasov เสนอแนวคิดสำหรับโครงเรื่องในการแสดงดนตรีช่วงเย็นครั้งหนึ่งของ Shostakovich โอเปร่านี้สร้างขึ้นในช่วง 18 ปีที่ผ่านมา แต่ผู้แต่งไม่เคยสร้างเสร็จเลย หลังจากการเสียชีวิตของ Borodin Glazunov และ Rimsky-Korsakov ทำงานในงานนี้เสร็จสมบูรณ์ มีความเห็นว่า Glazunov สามารถสร้างการทาบทามของโอเปร่าที่เขาเคยได้ยินจากการแสดงของผู้แต่งขึ้นมาใหม่จากความทรงจำอย่างไรก็ตาม Glazunov เองก็ปฏิเสธความคิดเห็นนี้ แม้ว่า Glazunov และ Rimsky-Korsakov จะทำหน้าที่ส่วนใหญ่ แต่พวกเขายืนยันว่าเจ้าชายอิกอร์เป็นโอเปร่าโดย Alexander Porfiryevich Borodin ทั้งหมด” โอเปร่านี้เปิดตัวครั้งแรกที่โรงละคร Mariinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2433 และ 9 ปีต่อมาผู้ชมชาวต่างชาติก็เห็นในกรุงปราก

"กระทงทองคำ" โดย Rimsky-Korsakov

โอเปร่า "The Golden Cockerel" เขียนขึ้นในปี 1908 จากเทพนิยายพุชกินในชื่อเดียวกัน โอเปร่านี้เป็นผลงานชิ้นสุดท้ายของ Rimsky-Korsakov โรงละครของจักรวรรดิปฏิเสธที่จะแสดงโอเปร่า แต่ทันทีที่ผู้ชมเห็นมันครั้งแรกในปี 1909 ที่โรงอุปรากรมอสโกของ Sergei Zimin โอเปร่าก็ถูกจัดแสดงที่โรงละครบอลชอยในอีกหนึ่งเดือนต่อมาและจากนั้นก็เริ่มเดินขบวนอย่างมีชัยไปทั่วโลก: ลอนดอน, ปารีส, นิวยอร์ก, เบอร์ลิน, วรอตซวาฟ.

"เลดี้แมคเบธแห่งมตเซนสค์" โดยโชสตาโควิช

แนวคิดสำหรับโอเปร่าเกิดขึ้นจาก Alexander Dargomyzhsky ในปี 1863 อย่างไรก็ตามผู้แต่งสงสัยในความสำเร็จและถือว่างานนี้เป็น "ความฉลาด" ที่สร้างสรรค์ "สนุกกับ Don Juan ของพุชกิน" เขาเขียนเพลงให้กับข้อความของพุชกินเรื่อง "The Stone Guest" โดยไม่ต้องเปลี่ยนคำแม้แต่คำเดียว อย่างไรก็ตามปัญหาเกี่ยวกับหัวใจไม่อนุญาตให้ผู้แต่งทำงานให้เสร็จ เขาเสียชีวิตโดยขอให้เพื่อน ๆ ของเขา Cui และ Rimsky-Korsakov ทำงานให้เสร็จ โอเปร่าถูกนำเสนอต่อผู้ชมเป็นครั้งแรกในปี พ.ศ. 2415 บนเวทีโรงละคร Mariinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก รอบปฐมทัศน์ในต่างประเทศเกิดขึ้นเฉพาะในปี 1928 ที่เมืองซาลซ์บูร์ก โอเปร่านี้ได้กลายเป็นหนึ่งใน "รากฐาน" หากไม่มีความรู้ก็เป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจไม่เพียง แต่ดนตรีคลาสสิกของรัสเซียเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวัฒนธรรมทั่วไปของประเทศของเราด้วย