ภาพวาดโดยศิลปินร่วมสมัยของโลก ศิลปินจิตรกรรมสมัยใหม่

ภาพถ่ายนี้เป็นภาพวาดของศิลปินร่วมสมัยชาวอิตาลีชื่อดัง ออเรลิโอ บรูนี เขาอาศัยและทำงานในแคว้นอุมเบรีย ศิลปินวาดภาพในสไตล์ไฮเปอร์เรียลลิสม์และสัญลักษณ์ จัดนิทรรศการส่วนตัว 25 นิทรรศการ เข้าร่วมนิทรรศการรวม 53 นิทรรศการ และมีรางวัลและรางวัลต่างๆ 10 รายการ

“The Road to York via Sledmere” เป็นภาพวาดโดย David Hockney ศิลปินร่วมสมัยชื่อดังชาวอังกฤษ เมื่อวันที่ 21 มิถุนายน พ.ศ. 2549 Hockney's Splash ถูกขายไปในราคา 2.6 ล้านปอนด์ ภาพวาดแกรนด์แคนยอนของเขาซึ่งประกอบด้วยภาพวาดขนาดเล็ก 60 ชิ้นรวมกันเป็นภาพวาดขนาดใหญ่หนึ่งชิ้น ถูกซื้อโดยหอศิลป์แห่งชาติออสเตรเลียในราคา 4.6 ล้านดอลลาร์ ภาพวาด "The Housewife of Beverly Hills" ขายได้ในราคา 7.9 ล้านเหรียญสหรัฐที่ Christie's ในนิวยอร์ก ในปี 2559 ภาพทิวทัศน์ของเขา "Waldgate Woods" ถูกขายที่ Sotheby's ในราคา 9.4 ล้านปอนด์ ราคานี้กลายเป็นสถิติใหม่ของ David Hockney

ภาพถ่ายนี้เป็นภาพวาดของ Warren Chang ศิลปินร่วมสมัยชาวอเมริกันผู้มีชื่อเสียง ต้องขอบคุณการแสดงแสงและโทนสีที่ไม่ชัดเจนอย่างเชี่ยวชาญ ภาพวาดของเขาจึงดูสมจริงมากและถ่ายทอดอารมณ์และอารมณ์ได้อย่างสมบูรณ์แบบ ภาพวาดส่วนใหญ่ของเขาแสดงถึงผู้คนที่มีส่วนร่วมในกิจกรรมทางวิชาชีพหรือกิจกรรมประจำวัน เขายังวาดภาพตกแต่งภายในด้วย Warren Chang มีชื่อและรางวัลมากมาย อาศัยและทำงานในมอนเทอเรย์ แคลิฟอร์เนีย

ภาพวาดนี้เป็นนามธรรมของศิลปินชื่อดังชาวเยอรมันสมัยใหม่ Gerhard Richter ซึ่งเป็นหนึ่งในศิลปินที่ร่ำรวยที่สุดในโลก ภาพวาดที่แสดงในภาพนี้ขายในลอนดอนที่ Sotheby's ในราคา 44.52 ล้านดอลลาร์ (30.4 ล้าน)

ภาพนี้เป็นภาพวาดของ Martial Rice ศิลปินร่วมสมัยชาวฝรั่งเศสชื่อดัง ในปี 1993 ผลงานชิ้นหนึ่งของเขาถูกซื้อโดยมหาเศรษฐี Francois Pinault ในปี 2011 ภาพวาดของไรซ์ "ปีสุดท้ายในคาปรี" ถูกขายไปในราคา 6.58 ล้านดอลลาร์ในการประมูลของคริสตี (ซึ่งเป็นราคาสูงสุดในบรรดาผลงานที่ขายได้ก่อนหน้านี้ของศิลปินชาวฝรั่งเศสคนอื่นๆ ที่ยังมีชีวิตอยู่) ในปี 2013 เขาติดอันดับ 50 อันดับแรกของศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ซึ่งมีราคาแพงที่สุด

จิตรกรรมโดยศิลปินร่วมสมัยชาวแคนาดาชื่อดัง Albini Leblanc ซึ่งเป็นปรมาจารย์ด้านภาพเมืองขนาดจิ๋วด้วยมีดจานสี ศิลปินอาศัยและทำงานในควิเบก ผลงานของเขามีให้เห็นในหอศิลป์ในมอนทรีออล โทรอนโต แวนคูเวอร์ และควิเบกซิตี้ Albini Leblanc ได้จัดนิทรรศการส่วนตัว 15 ครั้ง เข้าร่วมในนิทรรศการรวม 7 ครั้ง และมีรางวัลและรางวัลที่แตกต่างกัน 8 รางวัล

ภาพถ่ายนี้เป็นภาพวาดของโทโมโกะ คาชิกิ ศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นชื่อดัง ศิลปินจัดนิทรรศการเดี่ยวในสิงคโปร์ ฝรั่งเศส และญี่ปุ่น และเข้าร่วมในนิทรรศการรวมในจีน สหรัฐอเมริกา ออสเตรเลีย ญี่ปุ่น อินโดนีเซีย บริเตนใหญ่ สหรัฐอาหรับเอมิเรตส์ และสิงคโปร์ ผลงานของเธอสามารถพบเห็นได้ในคอลเลกชันสาธารณะที่ Queensland Art Gallery, บริสเบน, ออสเตรเลีย; ในหนึ่งในบริษัทประกันภัยที่ใหญ่ที่สุดของญี่ปุ่น - Dai-ichi Life Insurance Limited; ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะเก่าและใหม่ แทสเมเนีย ออสเตรเลีย; ในโตโยต้า อาร์ต คอลเลกชั่น

จิตรกรรม "ระบายสี" โดย Oleg Tistol ศิลปินชาวยูเครนสมัยใหม่ผู้โด่งดัง ภาพวาดนี้ขายที่ Phillips ในราคา 53,900 ดอลลาร์ จากข้อมูลของ Forbes Oleg Tistol เป็นหนึ่งในสามศิลปินที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในยูเครน เขาเกิดที่เมือง Vradievka ภูมิภาค Nikolaev อาศัยและทำงานในเคียฟ เป็นสมาชิกของสหภาพศิลปินแห่งยูเครน เข้าร่วมในนิทรรศการมากมายในยูเครน รัสเซีย เอสโตเนีย โปแลนด์ สหรัฐอเมริกา ไอซ์แลนด์ สโลวีเนีย เนเธอร์แลนด์ สวิตเซอร์แลนด์ , สหราชอาณาจักร , เดนมาร์ก , บราซิล , เยอรมนี , นอร์เวย์ , ฝรั่งเศส และอิตาลี Oleg Tistol เข้าร่วมใน Biennale: ในปี 1994 - "17 กันยายน", Biennale ครั้งที่ 22 ในเซาเปาโล; ในปี 2544 - "โครงการแรกของยูเครน", Venice Biennale ครั้งที่ 49 ภาพวาดของเขาอยู่ในคอลเลกชัน: ใน PinchukArtCentre ใน Kyiv ในยูเครน; ใน Norton Dodge Collection ในสหรัฐอเมริกา; ที่พิพิธภัณฑ์ Stedelijk เมืองอัมสเตอร์ดัม ประเทศเนเธอร์แลนด์ ที่ Christoph Merian Stiftung เมืองบาเซิล ประเทศสวิตเซอร์แลนด์; ที่กระทรวงวัฒนธรรมของตุรกีในอังการา ณ พิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์กรุงมอสโก ประเทศรัสเซีย

ภาพนี้เป็นภาพวาดของ Wojciech Babski ศิลปินร่วมสมัยชาวโปแลนด์ที่มีชื่อเสียง ศิลปินอาศัยและทำงานในคาโตวีตเซ เป็นที่นิยมไม่เพียงแต่ในโปแลนด์เท่านั้น แต่ยังเป็นที่นิยมในต่างประเทศอีกด้วย Wojciech Babski ได้รับรางวัลดังต่อไปนี้: อันดับที่ 1 ในการเสนอชื่อ "The American Art Awards ประจำปี 2016" ในประเภทภาพวาดป๊อปอาร์ต; อันดับที่ 1 ในการเสนอชื่อ "The American Art Awards ประจำปี 2559" ในประเภทภาพวาดที่แสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับการเมือง อันดับที่ 3 ในประเภท "The American Art Awards ประจำปี 2559" ในประเภทภาพวาดอะคริลิก อันดับที่ 4 และ 5 ในการเสนอชื่อ "The American Art Awards ประจำปี 2559" ในประเภทการแสดงออก

ภาพถ่ายนี้เป็นภาพวาดของ Anna Silivonchik ศิลปินร่วมสมัยชาวเบลารุสที่มีชื่อเสียง ศิลปินเกิดที่ Gomel ปัจจุบันเธออาศัยและทำงานในมินสค์ Anna Silivonchik เป็นสมาชิกของสหภาพศิลปินเบลารุสได้รับรางวัลเหรียญ "ความสามารถและอาชีพ" จากพันธมิตรระหว่างประเทศ "ผู้สร้างสันติ" ผลงานของเธออยู่ในพิพิธภัณฑ์แห่งชาติของสาธารณรัฐเบลารุส, พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในมินสค์ พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยรัสเซียในเจอร์ซีย์ซิตี (สหรัฐอเมริกา) ให้ทุนสนับสนุน Gomel Palace และ Park Ensemble, พิพิธภัณฑ์ Yelabuga State-Reserve ในรัสเซีย, คอลเลกชันส่วนตัวในเบลารุส, รัสเซีย, ฝรั่งเศส, สหรัฐอเมริกา, ญี่ปุ่น, อิสราเอล, อิตาลี, เยอรมนี และโปแลนด์ ในช่วงปี 2544 ถึง 2559 ศิลปินได้จัดนิทรรศการส่วนตัวมากมายในเบลารุส รัสเซีย เยอรมนี และยูเครน และยังได้เข้าร่วมในนิทรรศการรวมในเบลารุส สหรัฐอเมริกา รัสเซีย เอสโตเนีย ยูเครน ลัตเวีย สาธารณรัฐเช็ก โปแลนด์ เยอรมนี ฮังการี เนเธอร์แลนด์และคาซัคสถาน

ภาพวาดโดยศิลปินสมัยใหม่ชื่อดังชาวตุรกี Gürbüz Dogan Ekcioglu นักเขียนการ์ตูนและศิลปินกราฟิกชาวตุรกีชื่อดังระดับโลกซึ่งมีพื้นเพมาจาก Ordu ได้รับรางวัลมากกว่า 70 รางวัล ประมาณหนึ่งในสามเป็นรางวัลระดับนานาชาติ Grbz Doan Ekiolu เข้าร่วมในนิทรรศการรวมมากมาย ทั้งในตุรกีและต่างประเทศ และจัดนิทรรศการส่วนตัวมากกว่า 20 รายการ หนึ่งในนั้นจัดขึ้นที่นิวยอร์ก ผลงานของเขาได้รับการตีพิมพ์ในหนังสือพิมพ์ New York Times ในมหาสมุทรแอตแลนติก และได้ขึ้นปกนิตยสาร New Yorker และ Forbes

ภาพวาดโดย Hossam Dirar ศิลปินชาวอียิปต์ร่วมสมัยชื่อดัง ศิลปินเกิด อาศัย และทำงานในกรุงไคโร Hossam Dirar ได้จัดนิทรรศการเดี่ยวมากมายในประเทศต่างๆ เช่น บาห์เรน บริเตนใหญ่ สโลวาเกีย อิตาลี ฝรั่งเศส ออสเตรีย สาธารณรัฐเช็ก ฮังการี สโลวีเนีย และอียิปต์ นอกจากนี้เขายังเข้าร่วมในนิทรรศการรวมในเยอรมนี อียิปต์ และแอฟริกาใต้

ภาพถ่ายนี้แสดงให้เห็นภาพวาดโดยศิลปินร่วมสมัยชื่อดังของจีน Zeng Fanzhi “The Last Supper” ภาพวาดนี้ขายในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2556 ที่ Sotheby's ในราคา 23.3 ล้านเหรียญสหรัฐ ซึ่งสร้างสถิติใหม่สำหรับงานศิลปะเอเชียร่วมสมัย ก่อนหน้านี้ในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2551 เมื่อคริสตีส์จัดงานขายงานศิลปะร่วมสมัยเอเชียครั้งแรกในฮ่องกง ภาพชุดหน้ากากของเขา หมายเลข . 6 ขายในราคา 75,367,500 เหรียญฮ่องกง. นี่เป็นสถิติโลกในปีนั้นด้วยราคาขายในหมู่ศิลปินทั้งหมด

ภาพถ่ายนี้เป็นภาพวาดของ Nikos Giftakis ศิลปินชาวกรีกร่วมสมัยผู้โด่งดัง ศิลปินเกิด อาศัย และทำงานในกรุงเอเธนส์ เขาได้รับความนิยมอย่างมากไม่เพียงแต่ในกรีซเท่านั้น เขายังจัดนิทรรศการส่วนตัวและเข้าร่วมในนิทรรศการรวมมากมายในประเทศต่างๆ เช่น สวิตเซอร์แลนด์ ไซปรัส เยอรมนี อิตาลี เบลเยียม สวีเดน บราซิล รัสเซีย และกรีซ

จิตรกรรมโดยศิลปินร่วมสมัยชาวจอร์เจียชื่อดัง David Popiashvili ศิลปินมาจากทบิลิซี เป็นสมาชิกของสหภาพศิลปินแห่งจอร์เจีย และได้เข้าร่วมในนิทรรศการในฝรั่งเศส เยอรมนี บัลแกเรีย รัสเซีย และจอร์เจีย ผลงานของเขาหลายชิ้นอยู่ในพิพิธภัณฑ์และคอลเลกชันส่วนตัวในจอร์เจียและต่างประเทศ

ภาพวาดนี้วาดโดย Abdul Qader Al-Rais ศิลปินร่วมสมัยชื่อดังของ UAE ศิลปินเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้ง Emirates Fine Arts Society และถือว่าเป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกศิลปะร่วมสมัยในเอมิเรตส์ ผลงานของเขาสามารถพบได้ใน Emirates Palace (โรงแรมประธานาธิบดีในอาบูดาบี) สถานที่ราชการ และในคอลเลกชันงานศิลปะส่วนตัวของสมาชิกราชวงศ์ในดูไบ ศิลปินเข้าร่วมในนิทรรศการรวมต่างๆ และยังจัดนิทรรศการส่วนตัวในประเทศต่างๆ (สาธารณรัฐเช็ก เลบานอน สหรัฐอเมริกา เยอรมนี คูเวต กาตาร์ โอมาน ซาอุดีอาระเบีย ซีเรีย และสหรัฐอาหรับเอมิเรตส์) และได้รับรางวัลมากมาย

ภาพถ่ายนี้เป็นภาพวาดของศิลปินร่วมสมัยชาวดัตช์ชื่อดัง Tjalf Sparnaay ศิลปินมีพื้นเพมาจากเนเธอร์แลนด์ อาศัยและทำงานในเมืองฮิลเวอร์ซัม จัดนิทรรศการเดี่ยว 14 ครั้ง และเข้าร่วมในนิทรรศการรวมมากมายในประเทศต่างๆ (สหรัฐอเมริกา สหราชอาณาจักร เบลเยียม เอสโตเนีย เยอรมนี แคนาดา ออสเตรีย และเนเธอร์แลนด์) ผลงานของเขาอยู่ในคอลเลกชันส่วนตัวและสาธารณะในหลายประเทศ

ภาพวาดโดยมิเกล บาร์เซโล ศิลปินร่วมสมัยชาวสเปนชื่อดัง ในปี พ.ศ. 2546 เขาได้รับรางวัล Prince of Asturias Prize for Art ซึ่งเป็นหนึ่งในรางวัลที่สำคัญที่สุดในสเปน ในปี 2004 เขาได้จัดแสดงสีน้ำที่เขาสร้างขึ้นเพื่อวาดภาพ The Divine Comedy ที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ และกลายเป็นศิลปินร่วมสมัยคนแรกที่ยังมีชีวิตอยู่ที่จัดแสดงในพิพิธภัณฑ์แห่งนี้ ศิลปินเป็นหนึ่งใน 30 ศิลปินที่ร่ำรวยที่สุดในโลก ภาพวาดของเขามีราคาแพง ตัวอย่างเช่นอันนี้รูปถ่ายที่แสดงด้านบนราคา 244,398 USD

ภาพวาดนี้วาดโดย Urs Fischer ศิลปินร่วมสมัยชาวสวิสผู้โด่งดัง ศิลปินที่มีพื้นเพมาจากเมืองซูริกเป็นหนึ่งใน 50 ศิลปินที่ร่ำรวยที่สุดในโลก เขามีชื่อเสียงในด้านแนวทางศิลปะที่เร้าใจ แต่อยู่ภายใต้กฎหมายของมัน เขาต่อต้านการนำเสนองานศิลปะในฐานะสินค้าเชิงพาณิชย์ แม้ว่าตัวเขาเองจะขายผลงานของเขาในราคาที่สูง แต่ก็มีปฏิสัมพันธ์กับตลาดศิลปะและนักสะสมอย่างเชี่ยวชาญ

ภาพถ่ายนี้เป็นภาพวาดของ Orna Ben-Shoshan ศิลปินร่วมสมัยชาวอิสราเอลชื่อดัง เธออาศัยและทำงานในเมืองราอานานา เคยจัดนิทรรศการเดี่ยวหลายครั้งและเข้าร่วมในนิทรรศการรวมในประเทศต่างๆ เช่น สหรัฐอเมริกา อิตาลี บริเตนใหญ่ ไซปรัส ฝรั่งเศส และอิสราเอล เมื่อดูผลงานของศิลปินแล้ว คุณจะตื่นตาตื่นใจกับโลกมหัศจรรย์ที่ทุกสิ่งเป็นไปได้ ใช้ประโยชน์จากสิ่งนี้เพื่อเพิ่มจินตนาการของคุณ ขยายขอบเขตอันไกลโพ้น และพบกับศิลปินที่มีพรสวรรค์ที่เติบโตอย่างรวดเร็ว

ภาพถ่ายแสดงภาพวาดโดยศิลปินไทยร่วมสมัยชื่อดัง ดิเรก คิงน็อก นักสีน้ำจากเมืองนครราชสีมา ปัจจุบันเขาอาศัยและทำงานอยู่ที่เมืองขอนแก่น เมื่ออายุได้ 9 ขวบ Direk ได้รับรางวัลเหรียญทองจากการแข่งขันศิลปะเด็กนานาชาติแห่งประเทศญี่ปุ่น เขาได้เข้าร่วมนิทรรศการในประเทศเวียดนาม จีน ตุรกี อิตาลี รัสเซีย เกาหลีใต้ มาเลเซีย กรีซ แอลเบเนีย และไทย

จิตรกรรมโดยศิลปินร่วมสมัยชาวนอร์เวย์ชื่อดัง คริสเตอร์ คาร์ลสตัด เขาอาศัยและทำงานในดรัมเมน เคยจัดนิทรรศการเดี่ยวและเข้าร่วมนิทรรศการกลุ่มในสหรัฐอเมริกา สวีเดน และนอร์เวย์

ภาพถ่ายนี้เป็นภาพวาดของ Jan Esmann ศิลปินร่วมสมัยชาวเดนมาร์กที่มีชื่อเสียง ศิลปินเกิด อาศัยและทำงานในเดนมาร์ก เข้าร่วมนิทรรศการในประเทศต่างๆ เช่น เยอรมนี สหรัฐอเมริกา เดนมาร์ก

ภาพวาดนี้วาดโดย Nisse Nidej Ottenhag ศิลปินร่วมสมัยชาวสวีเดนผู้โด่งดัง ศิลปินที่มีพื้นเพมาจากเมืองเล็กๆ อย่าง Lilla Edet ได้เข้าร่วมในนิทรรศการต่างๆ มากมายในประเทศต่างๆ (ในสหรัฐอเมริกา ฝรั่งเศส โมนาโก นามิเบีย และสวีเดน)

ภาพถ่ายนี้เป็นภาพวาดของ Elizabeth Barsham ศิลปินร่วมสมัยชาวออสเตรเลียชื่อดัง เธอเกิด อาศัยและทำงานในรัฐแทสเมเนีย และได้รับรางวัลมากมาย ผลงานของเธอมักพบเห็นได้บนปกนิตยสารหรือภาพประกอบในบทความ เธอมักถูกเขียนถึงในสื่อด้วย ศิลปินมีส่วนร่วมในการจัดนิทรรศการจำนวนมากและจัดนิทรรศการส่วนตัวในประเทศต่างๆ (บริเตนใหญ่, สิงคโปร์, อิตาลี, ออสเตรเลีย)

การจัดอันดับผลงานที่แพงที่สุดของศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่คือการก่อสร้างที่พูดถึงบทบาทและสถานที่ของศิลปินในประวัติศาสตร์ศิลปะน้อยกว่าเรื่องอายุและสุขภาพ

กฎในการรวบรวมคะแนนของเรานั้นง่าย: ประการแรก เฉพาะการทำธุรกรรมกับผลงานของผู้เขียนที่ยังมีชีวิตอยู่เท่านั้นที่จะถูกนำมาพิจารณา ประการที่สอง พิจารณาเฉพาะการขายทอดตลาดสาธารณะเท่านั้น และประการที่สามกฎ "ศิลปินหนึ่งคน - งานเดียว" ถูกปฏิบัติตาม (หากในการจัดอันดับผลงานสองบันทึกเป็นของโจนส์ก็จะเหลือเพียงอันที่แพงที่สุดเท่านั้นและส่วนที่เหลือจะไม่ถูกนำมาพิจารณา) การจัดอันดับจะดำเนินการในรูปของดอลลาร์ (ตามอัตราแลกเปลี่ยน ณ วันที่ขาย)

1. เจฟฟ์ คูนส์ แรบบิท 1986. 91.075 ล้านดอลลาร์

ยิ่งคุณดูอาชีพการประมูลของ Jeff Koons (1955) นานเท่าไร คุณก็ยิ่งมั่นใจว่าไม่มีอะไรที่เป็นไปไม่ได้สำหรับศิลปะป๊อปอาร์ต คุณสามารถชื่นชมรูปปั้นของ Koons ในรูปแบบของของเล่นบอลลูนหรือจะถือว่ามันเป็นของไร้ค่าและรสนิยมที่ไม่ดีก็ได้ - ถูกต้อง สิ่งหนึ่งที่ปฏิเสธไม่ได้: การติดตั้งของ Jeff Koons ต้องใช้เงินมหาศาล

Jeff Koons เริ่มต้นเส้นทางสู่ชื่อเสียงในฐานะศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในโลกเมื่อปี 2550 เมื่อผลงานศิลปะจัดวางขนาดยักษ์ "Hanging Heart" ถูกซื้อในราคา 23.6 ล้านเหรียญสหรัฐที่ Sotheby's ผลงานนี้ถูกซื้อโดยแกลเลอรีของ Larry Gagosian ซึ่งเป็นตัวแทนของ Koons เขียนว่าเพื่อประโยชน์ของมหาเศรษฐีชาวยูเครน Victor Pinchuk) แกลเลอรีไม่เพียงได้มาซึ่งการติดตั้ง แต่ในความเป็นจริงแล้วงานศิลปะเครื่องประดับแม้ว่างานจะไม่ได้ทำจากทองคำ (วัสดุเป็นสแตนเลส) และมันก็เป็น มีขนาดใหญ่กว่าจี้ธรรมดาอย่างเห็นได้ชัด (รูปปั้นสูง) 2.7 ม. หนัก 1,600 กก.) แต่มีจุดประสงค์คล้ายกันใช้เวลามากกว่าหกพันชั่วโมงในการผลิตองค์ประกอบด้วยหัวใจที่ปกคลุมไปด้วยสิบ การทาสีหลายชั้นส่งผลให้มีการจ่ายเงินจำนวนมากสำหรับ "การตกแต่ง" ที่งดงาม

ถัดมาคือการขาย "Balloon Flower" สีม่วงในราคา 12.92 ล้านปอนด์ (25.8 ล้านเหรียญสหรัฐ) ในการประมูลของ Christie's London เมื่อวันที่ 30 มิถุนายน 2551 สิ่งที่น่าสนใจคือเมื่อเจ็ดปีก่อน เจ้าของ "ฟลาวเวอร์" คนก่อนซื้องานนี้ด้วยราคา 1.1 ล้านดอลลาร์ เป็นเรื่องง่ายที่จะคำนวณว่าในช่วงเวลานี้ราคาในตลาดเพิ่มขึ้นเกือบ 25 เท่า

การลดลงของตลาดศิลปะในช่วงปี 2551-2552 ทำให้ผู้คลางแคลงใจบ่นว่าแฟชั่นของ Koons ผ่านไปแล้ว แต่พวกเขาคิดผิด: ความสนใจในผลงานของ Koons ก็ฟื้นขึ้นมาพร้อมกับตลาดศิลปะ ผู้สืบทอดตำแหน่งของ Andy Warhol ในฐานะราชาแห่งป๊อปอาร์ตได้ปรับปรุงบันทึกส่วนตัวของเขาในเดือนพฤศจิกายน 2555 ด้วยการขายประติมากรรมหลากสี “Tulips” จากซีรีส์ “Celebration” ในราคา 33.7 ล้านเหรียญสหรัฐที่ Christie's รวมค่าคอมมิชชันแล้ว

แต่ "ทิวลิป" นั้นเป็น "ดอกไม้" ในความหมายที่แท้จริงและเป็นรูปเป็นร่าง เพียงหนึ่งปีต่อมาในเดือนพฤศจิกายน 2013 ก็มีการขายประติมากรรมสแตนเลส “Balloon Dog (สีส้ม)” ตามมา ราคาค้อนสูงถึง 58.4 ล้านเหรียญสหรัฐ! จำนวนเงินที่ยอดเยี่ยมสำหรับศิลปินที่มีชีวิต ผลงานของนักเขียนร่วมสมัยถูกขายในราคาเดียวกับภาพวาดของ Van Gogh หรือ Picasso พวกนี้เป็นเบอร์รี่อยู่แล้ว...

ด้วยเหตุนี้ Koons จึงครองตำแหน่งสูงสุดในการจัดอันดับศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่เป็นเวลาหลายปี ในเดือนพฤศจิกายน 2018 เขาแซงหน้า David Hockney ในช่วงสั้นๆ (ดูอันดับสองในอันดับของเรา) แต่เพียงหกเดือนต่อมาทุกอย่างก็กลับมาเป็นปกติ: เมื่อวันที่ 15 พฤษภาคม 2019 ในนิวยอร์กในการประมูลงานศิลปะหลังสงครามและศิลปะร่วมสมัยที่ Christie's ประติมากรรมตำราเรียนสำหรับ Koons จากปี 1986 ก็ถูกนำไปขาย - เงิน “ Rabbit” ทำจากสแตนเลส เลียนแบบลูกโป่งที่มีรูปร่างคล้ายกัน

โดยรวมแล้ว Koons ได้สร้างเรื่องตลก 3 เรื่องพร้อมสำเนาต้นฉบับหนึ่งฉบับ การประมูลรวมสำเนา "Rabbit" หมายเลข 2 - จากคอลเลกชันของผู้จัดพิมพ์ลัทธิ Cy Newhouse เจ้าของร่วมของสำนักพิมพ์ Conde Nast (นิตยสาร Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ ฯลฯ ) Cy Newhouse ซึ่งเป็น "บิดาแห่งความเย้ายวนใจ" ซื้อ "Rabbit" เงินในปี 1992 ด้วยมูลค่ารวมที่น่าประทับใจตามมาตรฐานของหลายปีที่ผ่านมา - 1 ล้านเหรียญสหรัฐ หลังจาก 27 ปีในการต่อสู้ของผู้ประมูล 10 ราย ราคาค้อนของประติมากรรมนั้นสูงถึง 80 เท่าของราคาขายครั้งก่อน และเมื่อคำนึงถึงค่าคอมมิชชันพรีเมียมของผู้ซื้อ ผลลัพธ์สุดท้ายคือ 91.075 ล้านดอลลาร์ ซึ่งเป็นสถิติสำหรับศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ทุกคน

2. ภาพเหมือนของ DAVID HOCKNEY ของศิลปิน สระน้ำที่มีสองร่าง 1972. 90,312,500 ดอลลาร์

David Hockney (1937) เป็นหนึ่งในศิลปินชาวอังกฤษที่สำคัญที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ในปี 2011 จากการสำรวจศิลปินและประติมากรชาวอังกฤษมืออาชีพหลายพันคน David Hockney ได้รับการโหวตให้เป็นศิลปินชาวอังกฤษที่ทรงอิทธิพลที่สุดตลอดกาล ในเวลาเดียวกัน Hockney เอาชนะปรมาจารย์เช่น William Turner และ Francis Bacon โดยปกติงานของเขาจะจัดอยู่ในประเภทป๊อปอาร์ต แม้ว่าผลงานในช่วงแรกๆ ของเขาจะเน้นไปที่การแสดงออกในจิตวิญญาณของฟรานซิส เบคอนมากกว่า

David Hockney เกิดและเติบโตในอังกฤษ ในเขตยอร์กเชียร์ แม่ของศิลปินในอนาคตทำให้ครอบครัวเคร่งครัดและพ่อของเขาซึ่งเป็นนักบัญชีธรรมดาที่วาดรูปมือสมัครเล่นนิดหน่อยก็สนับสนุนให้ลูกชายของเขาวาดภาพ ในวัยยี่สิบ เดวิดย้ายไปแคลิฟอร์เนีย ซึ่งเขาอาศัยอยู่รวมประมาณสามทศวรรษ เขายังคงมีเวิร์คช็อปสองแห่งที่นั่น ฮ็อคนีย์ทำให้วีรบุรุษในผลงานของเขากลายเป็นเศรษฐีในท้องถิ่น มีวิลล่า สระว่ายน้ำ และสนามหญ้าที่เปียกโชกภายใต้แสงแดดของแคลิฟอร์เนีย ผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาในยุคอเมริกา - ภาพวาด "Splash" - เป็นภาพละอองน้ำที่พุ่งขึ้นมาจากสระน้ำหลังจากที่ชายคนหนึ่งกระโดดลงไปในน้ำ เพื่อพรรณนาถึงฟ่อนข้าวนี้ ซึ่ง "มีชีวิต" ไม่เกินสองวินาที Hockney ทำงานเป็นเวลาสองสัปดาห์ อย่างไรก็ตาม ภาพวาดนี้ขายที่ Sotheby's ในปี 2549 ในราคา 5.4 ล้านเหรียญสหรัฐ และในบางครั้งถือเป็นงานที่แพงที่สุดของเขา

Hockney (1937) มีอายุเกินแปดสิบแล้ว แต่เขายังคงทำงานและคิดค้นเทคนิคทางศิลปะใหม่ ๆ โดยใช้นวัตกรรมทางเทคนิค กาลครั้งหนึ่งเขามีความคิดที่จะสร้างภาพปะติดขนาดใหญ่จากโพลารอยด์ พิมพ์ผลงานของเขาบนเครื่องแฟกซ์ และทุกวันนี้ศิลปินได้ฝึกฝนการวาดภาพบน iPad อย่างกระตือรือร้น ภาพวาดที่วาดบนแท็บเล็ตครอบครองสถานที่ที่สมควรในนิทรรศการของเขา

ในปี 2548 ในที่สุด Hockney ก็กลับมาจากอเมริกาไปอังกฤษ ตอนนี้เขาวาดภาพในที่โล่งและในสตูดิโอขนาดใหญ่ (มักประกอบด้วยหลายส่วน) ทิวทัศน์ของป่าไม้และป่าในท้องถิ่น จากข้อมูลของ Hockney ในช่วง 30 ปีที่เขาอยู่ในแคลิฟอร์เนีย เขาไม่คุ้นเคยกับการเปลี่ยนแปลงของฤดูกาลที่เรียบง่ายจนทำให้เขาหลงใหลและหลงใหลอย่างแท้จริง ผลงานล่าสุดของเขาทั้งรอบนั้นเน้นไปที่ภูมิทัศน์เดียวกันในช่วงเวลาต่างๆ ของปี

ในปี 2018 ราคาภาพวาดของ Hockney ทะลุ 10 ล้านดอลลาร์หลายครั้ง และเมื่อวันที่ 15 พฤศจิกายน 2018 Christie’s ได้สร้างสถิติใหม่ให้กับผลงานของศิลปินที่มีชีวิต โดยมีมูลค่า 90,312,500 ดอลลาร์สหรัฐฯ สำหรับภาพวาด “Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)”

3. เกอร์ฮาร์ด ริชเตอร์ จิตรกรรมนามธรรม พ.ศ. 2529 46.3 ล้านดอลลาร์

การใช้ชีวิตแบบคลาสสิก แกร์ฮาร์ด ริกเตอร์ (1932)เกิดขึ้นที่สองในการจัดอันดับของเรา ศิลปินชาวเยอรมันคนนี้เป็นผู้นำในหมู่เพื่อนร่วมงานที่ยังมีชีวิตอยู่จนกระทั่งสถิติ 58 ล้านของ Jeff Koons พังทลายลง แต่เหตุการณ์นี้ไม่น่าจะสั่นคลอนอำนาจเหล็กที่มีอยู่แล้วของ Richter ในตลาดศิลปะได้ ในช่วงสิ้นปี 2555 มูลค่าการประมูลประจำปีของศิลปินชาวเยอรมันรายนี้เป็นอันดับสองรองจาก Andy Warhol และ Pablo Picasso

หลายปีที่ผ่านมา ไม่มีอะไรสามารถคาดเดาถึงความสำเร็จที่เกิดขึ้นกับริกเตอร์ได้ในขณะนี้ เป็นเวลาหลายทศวรรษแล้วที่ศิลปินครอบครองสถานที่ที่เรียบง่ายในตลาดศิลปะร่วมสมัยและไม่ได้ต่อสู้เพื่อชื่อเสียงเลย เราสามารถพูดได้ว่าชื่อเสียงมาทันเขาด้วยตัวมันเอง หลายคนคิดว่าจุดเริ่มต้นคือการซื้อผลงานชุดหนึ่งของ Richter "18 ตุลาคม 1977" โดย New York Museum of MoMA ในปี 1995 พิพิธภัณฑ์อเมริกันแห่งนี้จ่ายเงิน 3 ล้านเหรียญสหรัฐเพื่อซื้อภาพวาดโทนสีเทา 15 ชิ้น และในไม่ช้าก็เริ่มคิดถึงการจัดแสดงผลงานย้อนหลังของศิลปินชาวเยอรมันรายนี้ นิทรรศการอันยิ่งใหญ่นี้เปิดขึ้นในหกปีต่อมาในปี 2544 และตั้งแต่นั้นมาความสนใจในงานของ Richter ก็เพิ่มขึ้นอย่างก้าวกระโดด ตั้งแต่ปี 2547 ถึง 2551 ราคาภาพวาดของเขาเพิ่มขึ้นสามเท่า ในปี 2010 ผลงานของ Richter สร้างรายได้ 76.9 ล้านเหรียญสหรัฐ ในปี 2011 ตามข้อมูลของเว็บไซต์ Artnet ผลงานของ Richter ในการประมูลมีรายได้รวม 200 ล้านเหรียญสหรัฐ และในปี 2012 (อ้างอิงจาก Artprice) - 262.7 ล้านเหรียญสหรัฐ - มากกว่าผลงานของคนอื่นๆ ศิลปินที่มีชีวิต

ตัวอย่างเช่น ความสำเร็จอย่างท่วมท้นของ Jasper Johns ในการประมูลมาพร้อมกับผลงานในยุคแรกๆ ของเขาเท่านั้น การแบ่งส่วนที่ชัดเจนเช่นนี้ไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับงานของ Richter ความต้องการสิ่งของต่างๆ จากยุคสร้างสรรค์ที่แตกต่างกันมีความเสถียรพอๆ กัน ซึ่งมีจำนวนมากใน อาชีพของริกเตอร์ ในช่วงหกสิบปีที่ผ่านมา ศิลปินคนนี้ได้ลองใช้ตัวเองในการวาดภาพแบบดั้งเดิมเกือบทุกประเภท ไม่ว่าจะเป็นภาพบุคคล ภูมิทัศน์ ทางทะเล ภาพเปลือย ภาพหุ่นนิ่ง และแน่นอนว่าเป็นภาพนามธรรม

ประวัติความเป็นมาของบันทึกการประมูลของริกเตอร์เริ่มต้นจากชุดหุ่นนิ่ง "เทียน" ภาพเทียนเสมือนจริง 27 ภาพในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ในช่วงเวลาของการวาดภาพ มีราคาเพียง 15,000 มาร์กเยอรมัน ($5,800) ต่องาน แต่ก็ยังไม่มีใครซื้อ "เทียน" ในนิทรรศการครั้งแรกที่ Max Hetzler Gallery ในเมืองสตุ๊ตการ์ท จากนั้นรูปแบบของภาพเขียนก็ถูกเรียกว่าล้าสมัย ปัจจุบัน “เทียน” ถือเป็นงานตลอดกาล และมีค่าใช้จ่ายหลายล้านดอลลาร์

ในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2551 "เทียน"เขียนในปี 1983 ถูกซื้อมาโดยไม่คาดคิดในราคาปอนด์ 7.97 ล้าน (16 ล้านดอลลาร์)- บันทึกส่วนตัวนี้กินเวลาสามปีครึ่ง แล้ว ในเดือนตุลาคม 2554อีกอันหนึ่ง "เทียน" (2525)ไปอยู่ใต้ค้อนที่ Christie's ด้วยเงินปอนด์ 10.46 ล้าน (16.48 ล้านดอลลาร์)- ด้วยสถิตินี้ Gerhard Richter เข้าสู่สามศิลปินที่ประสบความสำเร็จสูงสุดที่ยังมีชีวิตอยู่เป็นครั้งแรก โดยตามหลัง Jasper Johns และ Jeff Koons

จากนั้นการเดินขบวนแห่งชัยชนะของ "ภาพวาดนามธรรม" ของริกเตอร์ก็เริ่มขึ้น ศิลปินวาดภาพผลงานดังกล่าวโดยใช้เทคนิคเฉพาะของเขา: เขาใช้ส่วนผสมของสีเรียบง่ายบนพื้นหลังสีอ่อน จากนั้นใช้มีดโกนยาวขนาดเท่ากันชนรถยนต์ทาให้ทั่วผืนผ้าใบ สิ่งนี้ทำให้เกิดการเปลี่ยนสี จุด และแถบที่ซับซ้อน การตรวจสอบพื้นผิวของ "ภาพวาดนามธรรม" ของเขานั้นเหมือนกับการขุดค้น: ร่องรอยของ "ร่าง" ต่างๆ ปรากฏให้เห็นผ่านช่องว่างของชั้นหลากสีมากมาย

9 พฤศจิกายน 2554ในการประมูลงานศิลปะร่วมสมัยและหลังสงครามของ Sotheby ขนาดใหญ่ "จิตรกรรมนามธรรม (849-3)"ปี 1997 ตกอยู่ใต้ค้อนเพื่อ 20.8 ล้านดอลลาร์ (13.2 ล้านปอนด์)- และหกเดือนต่อมา 8 พฤษภาคม 2555ในการประมูลงานศิลปะหลังสงครามและศิลปะร่วมสมัยที่ Christie's ในนิวยอร์ก "จิตรกรรมนามธรรม (798-3)"พ.ศ. 2536 ได้รับการบันทึก 21.8 ล้านดอลลาร์(รวมค่าคอมมิชชั่น) ห้าเดือนต่อมา - อีกบันทึกหนึ่ง: "จิตรกรรมนามธรรม (809-4)"จากคอลเลกชั่นนักดนตรีร็อค Eric Clapton เมื่อวันที่ 12 ตุลาคม 2555 ที่ Sotheby's ในลอนดอนตกอยู่ใต้ค้อนด้วยเงินปอนด์ 21.3 ล้าน (34.2 ล้านดอลลาร์)- ริกเตอร์ยึดกำแพง 30 ล้านอย่างง่ายดายราวกับว่าเราไม่ได้พูดถึงภาพวาดสมัยใหม่ แต่เกี่ยวกับผลงานชิ้นเอกที่มีอายุหนึ่งร้อยปีแล้ว - ไม่น้อยไปกว่านี้ แม้ว่าในกรณีของริกเตอร์ ดูเหมือนว่าการรวมไว้ในวิหารแห่ง "ผู้ยิ่งใหญ่" นั้นเกิดขึ้นในช่วงชีวิตของศิลปิน ราคางานของชาวเยอรมันยังคงเพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่อง

บันทึกต่อไปของ Richter เป็นของงานภาพเหมือนจริง - ภูมิทัศน์ "จัตุรัสอาสนวิหาร มิลาน (ดอมพลัทซ์ เมแลนด์)" 1968. งานขายเพื่อ 37.1 ล้านในการประมูลของ Sotheby 14 พฤษภาคม 2556- ทิวทัศน์ของจัตุรัสที่สวยที่สุดนี้วาดโดยศิลปินชาวเยอรมันในปี 1968 โดยได้รับมอบหมายจาก Siemens Electro โดยเฉพาะสำหรับสำนักงานในมิลานของบริษัท ในขณะที่เขียน งานชิ้นนี้ถือเป็นงานเปรียบเทียบที่ใหญ่ที่สุดของริกเตอร์ (ขนาดเกือบ 3 x 3 เมตร)

บันทึกของ Cathedral Square กินเวลาเกือบสองปีจนกระทั่ง 10 กุมภาพันธ์ 2558ไม่ได้ขัดจังหวะเขา "จิตรกรรมนามธรรม" ( 1986): ราคาค้อนถึง £ 30.389 ล้าน (46.3 ล้านดอลลาร์)- “ภาพวาดนามธรรม” ขนาด 300.5 × 250.5 ซม. นำมาประมูลที่ Sotheby’s เป็นหนึ่งในผลงานขนาดใหญ่ชิ้นแรกๆ ของ Richter ในเทคนิคพิเศษของผู้เขียนในการขูดชั้นสีออก ครั้งสุดท้ายในปี 1999 “ภาพวาดนามธรรม” นี้ถูกซื้อในการประมูลในราคา 607,000 ดอลลาร์ (ตั้งแต่ปีนี้จนถึงการขายในปัจจุบัน ผลงานนี้จัดแสดงที่พิพิธภัณฑ์ลุดวิกในโคโลญ) ในการประมูลเมื่อวันที่ 10 กุมภาพันธ์ 2558 ลูกค้าชาวอเมริกันในขั้นตอนการประมูล 2 ล้านปอนด์มีราคาค้อนถึง 46.3 ล้านดอลลาร์ นั่นคือตั้งแต่ปี 1999 งานดังกล่าวมีราคาเพิ่มขึ้นมากกว่า 76 เท่า!

4. CUI ZHUZHO “ภูเขาหิมะอันยิ่งใหญ่” 2013. 39.577 ล้านดอลลาร์

เป็นเวลานานแล้วที่เราไม่ได้ติดตามพัฒนาการของสถานการณ์ในตลาดศิลปะจีนอย่างใกล้ชิด โดยไม่ต้องการให้ข้อมูลมากเกินไปเกี่ยวกับงานศิลปะที่ "ไม่ใช่ของเรา" แก่ผู้อ่าน ยกเว้น Ai Weiwei ผู้ไม่เห็นด้วยซึ่งมีราคาไม่แพงเท่าที่เขาเป็นศิลปินที่มีเสียงสะท้อน นักเขียนชาวจีนดูเหมือนจะมีจำนวนมากเกินไปและห่างไกลจากเราที่จะเจาะลึกถึงสิ่งที่เกิดขึ้นในตลาดของพวกเขา แต่สถิติอย่างที่พวกเขาพูดนั้นจริงจังและหากเรากำลังพูดถึงนักเขียนที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในโลกเราก็ยังคงทำไม่ได้หากไม่มีเรื่องราวเกี่ยวกับตัวแทนที่โดดเด่นของศิลปะร่วมสมัยในจักรวรรดิซีเลสเชียล

เริ่มจากศิลปินจีนกันก่อน ฉุย หรู่จั่ว- ศิลปินเกิดในปี 1944 ในกรุงปักกิ่ง และอาศัยอยู่ในสหรัฐอเมริกาตั้งแต่ปี 1981 ถึง 1996 หลังจากกลับมาที่ประเทศจีน เขาเริ่มสอนที่ National Academy of Arts Cui Ruzhuo ตีความภาพวาดหมึกสไตล์จีนดั้งเดิมอีกครั้ง และสร้างภาพวาดม้วนกระดาษขนาดใหญ่ที่นักธุรกิจและเจ้าหน้าที่ชาวจีนชอบมอบให้กันเป็นของขวัญ ในโลกตะวันตก ไม่ค่อยมีใครรู้จักเขามากนัก แม้ว่าหลายคนจะต้องจดจำเรื่องราวของม้วนหนังสือมูลค่า 3.7 ล้านดอลลาร์ ซึ่งพนักงานทำความสะอาดแห่งหนึ่งในฮ่องกงโยนทิ้งไปอย่างเข้าใจผิด โดยเข้าใจผิดว่าเป็นขยะ ดังนั้น มันเป็นคัมภีร์ของ Cui Ruzhuo อย่างแน่นอน

Cui Ruzhuo มีอายุมากกว่า 70 ปีแล้ว และตลาดผลงานของเขากำลังเฟื่องฟู ผลงานของศิลปินคนนี้มากกว่า 60 ชิ้นมีมูลค่าเกิน 1 ล้านเหรียญสหรัฐ อย่างไรก็ตาม จนถึงขณะนี้ผลงานของเขาประสบความสำเร็จเฉพาะในการประมูลในจีนเท่านั้น บันทึกของ Cui Ruzhuo นั้นน่าประทับใจอย่างแท้จริง ก่อนอื่นเขา "ทิวทัศน์ในหิมะ"ที่งาน Poly Auction ที่ฮ่องกง 7 เมษายน 2014บรรลุราคาค้อนถึง 184 ล้านเหรียญฮ่องกง ( 23.7 ล้านเหรียญสหรัฐ).

อีกหนึ่งปีต่อมา 6 เมษายน 2558ในการประมูลโพลีพิเศษในฮ่องกงที่อุทิศให้กับผลงานของ Cui Ruzhuo ซีรีส์โดยเฉพาะ “ทิวทัศน์หิมะอันยิ่งใหญ่แห่งภูเขาเจียงหนาน”(เจียงหนานเป็นภูมิภาคประวัติศาสตร์ในประเทศจีน ครอบครองฝั่งขวาของแม่น้ำแยงซีตอนล่าง) หมึกแปดชนิดบนกระดาษทิวทัศน์มีราคาสูงถึง 236 ล้านดอลลาร์ฮ่องกง ( 30.444 ล้านดอลลาร์สหรัฐ).

หนึ่งปีต่อมา ประวัติศาสตร์ซ้ำรอยอีกครั้งในการประมูลเดี่ยวของ Cui Ruzhuo ซึ่งจัดขึ้นโดย Poly Auctions ในฮ่องกง 4 เมษายน 2559 polyptych หกส่วน “ภูเขาหิมะอันยิ่งใหญ่”ปี 2013 มีราคาค้อนทุบ (รวมค่าคอมมิชชันของการประมูล) อยู่ที่ 306 ล้านฮ่องกงดอลลาร์ (39.577 ล้านเหรียญสหรัฐ)- จนถึงตอนนี้ นี่ถือเป็นสถิติที่สมบูรณ์แบบในหมู่ศิลปินที่ยังมีชีวิตชาวเอเชีย

ตามที่ผู้ค้างานศิลปะ Johnson Chan ซึ่งทำงานกับงานศิลปะร่วมสมัยของจีนมาเป็นเวลา 30 ปีมีความปรารถนาอย่างไม่มีเงื่อนไขที่จะขึ้นราคาสำหรับงานของผู้เขียนคนนี้ แต่ทั้งหมดนี้เกิดขึ้นในระดับราคาที่นักสะสมที่มีประสบการณ์ไม่น่าจะต้องการ จะซื้ออะไรก็ได้ “ชาวจีนต้องการเพิ่มเรตติ้งศิลปินด้วยการเพิ่มราคาผลงานของพวกเขาในการประมูลระดับนานาชาติขนาดใหญ่ เช่นเดียวกับการประมูลที่ Poly ในฮ่องกง แต่ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเรตติ้งเหล่านี้ถูกสร้างขึ้นมาโดยสิ้นเชิง” Johnson Chan แสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับ Cui ผลงานล่าสุดของ Ruzhuo

แน่นอนว่านี่เป็นเพียงความเห็นของตัวแทนจำหน่ายรายเดียว แต่เรามีบันทึกจริงบันทึกไว้ในฐานข้อมูลทั้งหมด ดังนั้นเราจะคำนึงถึงเขาด้วย Cui Ruzhuo เองเมื่อพิจารณาจากคำพูดของเขาแล้ว ยังห่างไกลจากความสุภาพเรียบร้อยของ Gerhard Richter เมื่อพูดถึงความสำเร็จในการประมูลของเขา ดูเหมือนว่าการแข่งขันเพื่อบันทึกครั้งนี้ทำให้เขาหลงใหลอย่างมาก “ฉันหวังว่าในอีก 5-10 ปีข้างหน้า ราคาผลงานของฉันจะสูงกว่าราคาผลงานของปรมาจารย์ชาวตะวันตกอย่างปิกัสโซและแวนโก๊ะ” นี่คือความฝันของจีน” Cui Ruzhuo กล่าว

5. แจสเปอร์ โจนส์ ธง. พ.ศ. 2526 36 ล้านดอลลาร์

อันดับที่สามในการจัดอันดับศิลปินที่มีชีวิตเป็นของชาวอเมริกัน แจสเปอร์ จอห์นส์ (1930)- ราคาบันทึกปัจจุบันสำหรับงานของ Jones คือ $ 36 ล้าน- พวกเขาจ่ายเงินมากมายเพื่อชื่อเสียงของเขา "ธง"ในการประมูลของคริสตี้ 12 พฤศจิกายน 2557.

ชุดภาพวาด "ธง" ซึ่งเริ่มโดยโจนส์ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 ทันทีหลังจากที่ศิลปินกลับจากกองทัพ กลายเป็นหนึ่งในผลงานหลักของเขา แม้แต่ในวัยหนุ่ม ศิลปินก็เริ่มสนใจแนวคิดเรื่องสำเร็จรูปซึ่งเป็นการเปลี่ยนวัตถุในชีวิตประจำวันให้กลายเป็นงานศิลปะ อย่างไรก็ตาม ธงของโจนส์ไม่มีอยู่จริง แต่ถูกเขียนด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบ ดังนั้นงานศิลปะจึงได้รับคุณสมบัติของสิ่งของจากชีวิตธรรมดาในขณะเดียวกันก็เป็นทั้งรูปธงและตัวธงเอง ผลงานหลายชุดที่มีธงทำให้ Jasper Johns มีชื่อเสียงไปทั่วโลก แต่ผลงานนามธรรมของเขากลับได้รับความนิยมไม่น้อย เป็นเวลาหลายปีที่รายการผลงานที่แพงที่สุดซึ่งรวบรวมตามกฎข้างต้นนำโดยบทคัดย่อของเขา "การเริ่มต้นที่ผิดพลาด"- จนถึงปี 2550 ผืนผ้าใบที่สดใสและตกแต่งอย่างดีซึ่งวาดโดยโจนส์ในปี 2502 ถือว่ามีราคาที่แทบจะเข้าถึงไม่ได้สำหรับศิลปินที่มีชีวิต (แม้จะคลาสสิกตลอดชีวิต) - $ 17 ล้าน- นั่นคือจำนวนเงินที่พวกเขาจ่ายเป็นทองคำเพื่อตลาดศิลปะ 1988.

สิ่งที่น่าสนใจคือ การดำรงตำแหน่งของ Jasper Johns ในฐานะเจ้าของสถิติไม่ได้ต่อเนื่องกัน ในปี 1989 งานของเพื่อนร่วมงานของเขา Willem de Kooning ถูกขัดจังหวะ: Blending ความยาว 2 เมตรถูกขายที่ Sotheby's ในราคา 20.7 ล้านเหรียญสหรัฐ แต่ 8 ปีต่อมาในปี 1997 de Kooning เสียชีวิต และ “ False Start by Jones ขึ้นอันดับหนึ่งในการจัดอันดับการประมูลศิลปินที่ยังมีชีวิตอีกครั้งในรอบเกือบ 10 ปี

แต่ในปี 2550 ทุกอย่างเปลี่ยนไป อัลบั้ม False Start ถูกบดบังครั้งแรกโดยผลงานของ Damien Hirst และ Jeff Koons ที่อายุน้อยและทะเยอทะยาน จากนั้นมีการขายภาพวาด "The Sleeping Benefits Inspector" ของ Lucien Freud มูลค่า 33.6 ล้านเหรียญสหรัฐ (ตอนนี้เสียชีวิตแล้วดังนั้นจึงไม่ได้มีส่วนร่วมในการจัดอันดับนี้) จากนั้นบันทึกของเกฮาร์ด ริชเตอร์ก็เริ่มต้นขึ้น โดยทั่วไปจนถึงขณะนี้ Jasper Johns หนึ่งในปรมาจารย์ด้านศิลปะหลังสงครามของอเมริกาซึ่งทำงานที่จุดตัดของนีโอดาดานิสม์ การแสดงออกเชิงนามธรรม และป๊อปอาร์ต ด้วยสถิติปัจจุบันอยู่ที่ 36 ล้านคน อยู่ในอันดับที่สามที่มีเกียรติ

6. เอ็ด รัชชีย์ ทุบ พ.ศ. 2506 30.4 ล้านดอลลาร์

ความสำเร็จอย่างกะทันหันของภาพวาด "Smash" โดยศิลปินชาวอเมริกัน เอ็ดเวิร์ด รัชเชย์ (เกิด พ.ศ. 2480)ในการประมูล คริสตี้ส์ 12 พฤศจิกายน 2557ทำให้ผู้เขียนคนนี้เป็นหนึ่งในศิลปินที่มีชีวิตค่าตัวแพงที่สุด ราคาบันทึกก่อนหน้านี้สำหรับงานของ Ed Rusha (นามสกุล Ruscha มักออกเสียงในภาษารัสเซียว่า "Rusha" แต่การออกเสียงที่ถูกต้องคือ Rusha) คือ "เพียง" 6.98 ล้านเหรียญสหรัฐ: เงินจำนวนนั้นจ่ายให้กับผ้าใบของเขา "The Burning Gas" สถานี” เมื่อปี ๒๕๕๐ เจ็ดปีต่อมา "ทุบ"โดยมีมูลค่าประมาณ 15–20 ล้านดอลลาร์ถึงราคาค้อน 30.4 ล้านเหรียญสหรัฐ- เห็นได้ชัดว่าตลาดผลงานของผู้เขียนคนนี้ก้าวไปสู่ระดับใหม่ - ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ Barack Obama ตกแต่งทำเนียบขาวด้วยผลงานของเขาและ Larry Gagosian เองก็จัดแสดงเขาในแกลเลอรี่ของเขา

Ed Ruscha ไม่เคยสนใจนิวยอร์กหลังสงครามด้วยความคลั่งไคล้ในการแสดงออกทางนามธรรม แต่เขากลับมองหาแรงบันดาลใจที่แคลิฟอร์เนียเป็นเวลามากกว่า 40 ปี ซึ่งเขาย้ายจากเนบราสกาเมื่ออายุ 18 ปี ศิลปินยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของการเคลื่อนไหวทางศิลปะแนวใหม่ที่เรียกว่าป๊อปอาร์ต Edward Ruscha ร่วมกับ Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud และนักร้องวัฒนธรรมสมัยนิยมคนอื่น ๆ เข้าร่วมในนิทรรศการ "New Images of Ordinary Things" ที่พิพิธภัณฑ์ Pasadena ในปี 1962 ซึ่งกลายเป็นนิทรรศการพิพิธภัณฑ์แห่งแรกของศิลปะป๊อปอาร์ตอเมริกัน อย่างไรก็ตาม Ed Rusha เองก็ไม่ชอบเมื่องานของเขาถูกจัดว่าเป็นป๊อปอาร์ต แนวความคิด หรือการเคลื่อนไหวอื่น ๆ ในงานศิลปะ

สไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาเรียกว่า "การวาดภาพข้อความ" เริ่มต้นในช่วงปลายทศวรรษ 1950 Ed Ruscha เริ่มวาดภาพคำศัพท์ เช่นเดียวกับ Warhol ซุปกระป๋องกลายเป็นงานศิลปะ สำหรับ Ed Rushay นี่เป็นคำและวลีธรรมดาๆ ที่นำมาจากป้ายโฆษณาหรือบรรจุภัณฑ์ในซูเปอร์มาร์เก็ต หรือจากเครดิตของภาพยนตร์ (ฮอลลีวูดมักจะ "อยู่ใกล้" สำหรับ Rushay แตกต่างจากศิลปินคนอื่นๆ Rusche เคารพ "โรงงานในฝัน") ข้อความบนผืนผ้าใบของเขาได้รับคุณสมบัติของวัตถุสามมิติสิ่งเหล่านี้คือสิ่งมีชีวิตที่แท้จริงของคำ เมื่อมองผืนผ้าใบของเขา สิ่งแรกที่นึกถึงคือการรับรู้ด้วยภาพและเสียงของคำที่ทาสี และตามด้วยความหมายเชิงความหมายเท่านั้น ตามกฎแล้วสิ่งหลังไม่สามารถถอดรหัสได้อย่างชัดเจน การเลือกคำและวลีของ Rushay สามารถตีความได้หลายวิธี คำสีเหลืองสดใสเดียวกัน "ชน" บนพื้นหลังสีน้ำเงินเข้มสามารถถูกมองว่าเป็นการเรียกร้องให้ทุบบางสิ่งบางอย่างหรือใครบางคนเป็นชิ้น ๆ เป็นคำคุณศัพท์ที่โดดเดี่ยวซึ่งไม่อยู่ในบริบท (เช่น ส่วนหนึ่งของพาดหัวข่าวหนังสือพิมพ์บางฉบับ) หรือเพียงเป็นคำที่แยกจากกันซึ่งอยู่ในกระแสของภาพที่มองเห็นในเมือง Ed Ruscha พอใจกับความไม่แน่นอนนี้ “ผมมีความเคารพอย่างสุดซึ้งต่อสิ่งแปลก ๆ และอธิบายไม่ได้... คำอธิบายในแง่หนึ่งทำลายสิ่งนั้น” เขากล่าวในการให้สัมภาษณ์

7. คริสโตเฟอร์วูล ไม่มีชื่อ (RIOT) 1990 29.93 ล้านดอลลาร์

ศิลปินชาวอเมริกัน คริสโตเฟอร์ วูล(1955) ติดอันดับศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่เป็นครั้งแรกในปี 2013 หลังจากขายผลงาน "Apocalypse Now" ในราคา 26.5 ล้านเหรียญสหรัฐ อัลบั้มนี้ทำให้เขาเทียบได้กับ Jasper Johns และ Gerhard Richter ทันที มูลค่าของการทำธุรกรรมครั้งประวัติศาสตร์นี้มากกว่า 20 ล้านดอลลาร์ ทำให้หลายคนประหลาดใจ เนื่องจากก่อนหน้านี้ราคาผลงานของศิลปินนั้นไม่เกิน 8 ล้านดอลลาร์ อย่างไรก็ตาม การเติบโตอย่างรวดเร็วของตลาดผลงานของ Christopher Wool ก็เห็นได้ชัดเจนในเวลานั้น: ของศิลปิน ประวัติประกอบด้วยธุรกรรมการประมูล 48 รายการมูลค่ามากกว่า 1 ล้านดอลลาร์ และ 22 รายการ (เกือบครึ่งหนึ่ง) เกิดขึ้นในปี 2556 สองปีต่อมาจำนวนผลงานของ Chris Wool ที่ขายได้มากกว่า 1 ล้านเหรียญสหรัฐถึง 70 ชิ้นและบันทึกส่วนตัวใหม่ก็มาไม่นาน ในงานประมูล งานของ Sotheby เมื่อวันที่ 12 พฤษภาคม 2558“ Untitled (RIOT)”ถูกขายในราคา $ 29.93 ล้านรวมถึงพรีเมี่ยมของผู้ซื้อ

คริสโตเฟอร์ วูลเป็นที่รู้จักจากผลงานขนาดใหญ่ที่ใช้ตัวอักษรสีดำบนแผ่นอลูมิเนียมสีขาว พวกเขาคือผู้ที่สร้างสถิติในการประมูลตามกฎ สิ่งเหล่านี้คือเรื่องราวทั้งหมดตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1980 - ต้นทศวรรษ 1990 ตามตำนานเล่าว่า วันหนึ่ง Wool กำลังเดินไปรอบๆ นิวยอร์กในตอนเย็น และทันใดนั้นก็เห็นกราฟฟิตี้เป็นตัวอักษรสีดำบนรถบรรทุกสีขาวคันใหม่ ซึ่งก็คือคำว่า sex และ luv ภาพนี้ทำให้เขาประทับใจมากจนเขากลับมาที่เวิร์กช็อปทันทีและเขียนเวอร์ชันของเขาเองด้วยคำเดียวกัน มันคือปี 1987 และการค้นหาคำและวลีของศิลปินเพิ่มเติมสำหรับงาน "จดหมาย" ของเขาสะท้อนให้เห็นถึงจิตวิญญาณที่ขัดแย้งกันในเวลานี้ นี่คือสโลแกน “ขายบ้าน ขายรถ ขายลูก” โดย วูล มาจากภาพยนตร์เรื่อง “Apocalypse Now” และคำว่า “FOOL” (“คนโง่”) เป็นตัวพิมพ์ใหญ่ และคำว่า “RIOT” (“การกบฏ”) ซึ่งมักพบในพาดหัวหนังสือพิมพ์ในสมัยนั้น

วูลใช้คำและวลีกับแผ่นอลูมิเนียมโดยใช้ลายฉลุที่มีสีอัลคิดหรือเคลือบฟัน โดยจงใจทิ้งหยดน้ำ รอยลายฉลุ และหลักฐานอื่น ๆ ของกระบวนการสร้างสรรค์ ศิลปินแบ่งคำในลักษณะที่ผู้ชมไม่เข้าใจความหมายในทันที ในตอนแรกคุณเห็นเพียงกลุ่มตัวอักษรนั่นคือคุณรับรู้ว่าคำนั้นเป็นเพียงวัตถุที่มองเห็นได้จากนั้นจึงอ่านและถอดรหัสความหมายของวลีหรือคำนั้น Wool ใช้แบบอักษรที่กองทัพอเมริกันใช้หลังสงครามโลกครั้งที่สอง ซึ่งช่วยเพิ่มความรู้สึกเกี่ยวกับคำสั่ง คำสั่ง หรือสโลแกน งาน "ตัวอักษร" เหล่านี้ถูกมองว่าเป็นส่วนหนึ่งของภูมิทัศน์เมือง เช่นเดียวกับกราฟฟิตี้ที่ผิดกฎหมายซึ่งละเมิดความสะอาดของพื้นผิวของวัตถุบนถนนบางชิ้น ผลงานชุดนี้ของคริสโตเฟอร์ วูลได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในจุดสุดยอดของนามธรรมทางภาษา และด้วยเหตุนี้จึงได้รับการยกย่องอย่างสูงจากผู้ชื่นชอบศิลปะร่วมสมัย

8. ปีเตอร์ ด็อก โรสเดล. พ.ศ. 2534 28.81 ล้านดอลลาร์

อังกฤษ ปีเตอร์ ด็อก(1959) แม้ว่าเขาจะอยู่ในรุ่นของ Koons และ Hirst ในยุคหลังสมัยใหม่ แต่ก็เลือกแนวภูมิทัศน์แบบดั้งเดิมสำหรับตัวเขาเองซึ่งไม่ได้รับความนิยมจากศิลปินขั้นสูงมาเป็นเวลานาน ด้วยผลงานของเขา Peter Doig ฟื้นความสนใจที่ลดลงของสาธารณชนในการวาดภาพเป็นรูปเป็นร่าง ผลงานของเขาได้รับการชื่นชมอย่างสูงจากทั้งนักวิจารณ์และผู้ที่ไม่ใช่ผู้เชี่ยวชาญ และหลักฐานที่แสดงว่านี่คือราคาที่เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วสำหรับงานของเขา หากในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ภูมิประเทศของเขามีราคาหลายพันดอลลาร์ ตอนนี้ราคาก็สูงถึงหลายล้านดอลลาร์แล้ว

งานของ Doig มักถูกเรียกว่าความสมจริงที่มีมนต์ขลัง เขาสร้างภาพแฟนตาซี ลึกลับ และมืดมนโดยอิงจากทิวทัศน์จริง ศิลปินชอบวาดภาพวัตถุที่ผู้คนละทิ้ง เช่น อาคารทรุดโทรมที่สร้างโดยเลอ กอร์บูซีเยร์กลางป่า หรือเรือแคนูสีขาวว่างเปล่าบนพื้นผิวทะเลสาบในป่า นอกจากธรรมชาติและจินตนาการแล้ว Doig ยังได้รับแรงบันดาลใจจากภาพยนตร์สยองขวัญ โปสการ์ดเก่า ภาพถ่าย วิดีโอมือสมัครเล่น ฯลฯ ภาพวาดของโดอิกมีสีสัน ซับซ้อน ตกแต่ง และไม่ยั่วยุ รู้สึกยินดีเป็นอย่างยิ่งที่ได้เป็นเจ้าของภาพวาดดังกล่าว ความสนใจของนักสะสมยังได้รับแรงหนุนจากผลงานที่ต่ำของผู้เขียน: ศิลปินที่อาศัยอยู่ในตรินิแดดสร้างภาพเขียนได้ไม่เกินโหลต่อปี

ในช่วงต้นทศวรรษ 2000 ภูมิทัศน์แต่ละภาพโดยศิลปินขายได้ในราคาหลายแสนดอลลาร์ ในเวลาเดียวกัน ผลงานของ Doig ได้รวมอยู่ใน Saatchi Gallery, Whitney Museum Biennial และในคอลเลกชัน MoMA ในปี 2549 สามารถเอาชนะการประมูลระดับ 1 ล้านดอลลาร์ได้ และในปีต่อมาก็เกิดความก้าวหน้าอย่างไม่คาดคิด งาน "White Canoe" ที่เสนอที่ Sotheby's เมื่อวันที่ 7 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2550 ด้วยราคาประมาณ 0.8–1.2 ล้านดอลลาร์ ซึ่งสูงกว่านั้นถึงห้าเท่า กว่าประมาณการเบื้องต้นและขายได้ในราคา 5.7 ล้านปอนด์ (11.3 ล้านดอลลาร์) ในเวลานั้นนี่เป็นราคาสูงสุดเป็นประวัติการณ์สำหรับผลงานของศิลปินชาวยุโรปที่ยังมีชีวิตอยู่

ในปี 2008 Doig ได้จัดนิทรรศการเดี่ยวที่ Tate Gallery และพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในปารีส ป้ายราคาหลายล้านดอลลาร์สำหรับงานของ Doig กลายเป็นเรื่องปกติ บันทึกส่วนตัวของ Peter Doig เพิ่งเริ่มได้รับการอัปเดตปีละหลายครั้ง สิ่งที่เราทำได้คือเปลี่ยนภาพและสถานที่ของศิลปินรายนี้ในการจัดอันดับนักเขียนที่มีชีวิตของเรา

จนถึงปัจจุบัน งานที่แพงที่สุดของ Peter Doig คือภูมิทัศน์ที่เต็มไปด้วยหิมะ “Rosedale” จากปี 1991 สิ่งที่น่าสนใจคือบันทึกไม่ได้ถูกกำหนดไว้ที่ Sotheby's หรือ Christie's แต่เป็นการประมูลงานศิลปะร่วมสมัยที่บ้านประมูล Phillips เรื่องนี้เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 18 พฤษภาคม 2017 ทิวทัศน์ของย่าน Rosedale ในโตรอนโตที่เต็มไปด้วยหิมะถูกขายให้กับผู้ซื้อโทรศัพท์ในราคา 28.81 ล้านดอลลาร์ ซึ่งสูงกว่าสถิติก่อนหน้าประมาณ 3 ล้านดอลลาร์ (25.9 ล้านดอลลาร์สำหรับ "Swallowed by the Mire") "Rosedale" เข้าร่วมในนิทรรศการสำคัญของ Doig ที่ Whitechapel Gallery ในลอนดอนในปี 1998 และโดยทั่วไปแล้วผลงานชิ้นนี้เป็นผลงานใหม่ออกสู่ตลาด ดังนั้นจึงสมควรได้รับราคาเป็นประวัติการณ์

9. แฟรงก์ สเตลลา แหลมแห่งต้นสน พ.ศ. 2502 28 ล้านดอลลาร์

Frank Stella เป็นตัวแทนที่โดดเด่นของนามธรรมหลังจิตรกรและความเรียบง่ายในงานศิลปะ ในขั้นตอนหนึ่งเขาจัดว่าเป็นตัวแทนของรูปแบบการวาดภาพแบบขอบแข็ง ในตอนแรก สเตลลาเปรียบเทียบรูปทรงเรขาคณิตที่เข้มงวด ขาวดำนักพรต และโครงสร้างของภาพวาดของเขากับความเป็นธรรมชาติและความโกลาหลของภาพวาดของนักแสดงออกเชิงนามธรรมเช่นแจ็กสัน โพลลอค

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 ศิลปินได้รับความสนใจจากเจ้าของแกลเลอรีชื่อดัง Leo Castelli และได้รับรางวัลนิทรรศการเป็นครั้งแรก บนนั้นเขานำเสนอสิ่งที่เรียกว่า "ภาพวาดสีดำ" - ผืนผ้าใบที่วาดทับด้วยเส้นสีดำขนานกับช่องว่างบาง ๆ ของผืนผ้าใบที่ไม่ได้ทาสีระหว่างพวกเขา เส้นดังกล่าวก่อให้เกิดรูปทรงเรขาคณิต ซึ่งค่อนข้างชวนให้นึกถึงภาพลวงตา ภาพเดียวกันเหล่านั้นที่สั่นไหว เคลื่อนไหว บิดเบี้ยว สร้างความรู้สึกของห้วงอวกาศหากคุณมองมันเป็นเวลานาน สเตลลายังคงใช้รูปแบบของเส้นขนานที่มีแถบแบ่งบางๆ ในงานของเขาเกี่ยวกับอลูมิเนียมและทองแดง สี พื้นฐานภาพ และแม้แต่รูปร่างของภาพวาดเปลี่ยนไป (งานอื่น ๆ ที่มีรูปร่างเป็นตัวอักษร U, T, L โดดเด่น) แต่หลักการสำคัญของการวาดภาพของเขายังคงความชัดเจนของโครงร่าง ความยิ่งใหญ่ รูปแบบเรียบง่าย และเอกรงค์ ในทศวรรษต่อมา สเตลลาเปลี่ยนจากการวาดภาพเรขาคณิตไปสู่รูปแบบและเส้นที่เรียบเนียนเป็นธรรมชาติ และจากการวาดภาพสีเดียวไปสู่การเปลี่ยนสีที่สดใสและหลากหลาย ในช่วงทศวรรษ 1970 สเตลล่ารู้สึกประทับใจกับลวดลายขนาดใหญ่ที่ใช้ในการทาสีเรือ ศิลปินใช้สิ่งเหล่านี้ในการวาดภาพขนาดใหญ่ที่มีองค์ประกอบการประกอบ - เขารวมชิ้นส่วนของท่อเหล็กหรือตาข่ายลวดไว้ในผลงาน

ในการสัมภาษณ์ช่วงแรกๆ ของเขา แฟรงก์ สเตลลาพูดคุยอย่างเปิดเผยถึงความหมายที่ใส่เข้าไปในงานของเขา หรือพูดถึงการขาดความหมาย: “สิ่งที่คุณเห็นคือสิ่งที่คุณเห็น” ภาพวาดเป็นวัตถุในตัวเอง และไม่ใช่การทำซ้ำบางสิ่งบางอย่าง “มันเป็นพื้นผิวเรียบที่มีสีอยู่บนนั้น ไม่มีอะไรอย่างอื่นเลย” สเตลลากล่าว

แฟรงก์ สเตลล่า ลงนาม "พื้นผิวที่มีสี" นี้ อาจมีมูลค่าหลายล้านดอลลาร์ในปัจจุบัน นับเป็นครั้งแรกที่ Frank Stella เข้าสู่การจัดอันดับศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ในปี 2015 ด้วยการขายผลงาน "Crossing the Delaware" (1961) ในราคา 13.69 ล้านเหรียญสหรัฐ รวมค่าคอมมิชชันแล้ว

สี่ปีต่อมา ในวันที่ 15 พฤษภาคม 2019 สถิติใหม่ถูกกำหนดโดยผลงานช่วงแรก (1959) “Cape of Pines”: ราคาค้อนสูงกว่า 28 ล้านดอลลาร์ รวมค่าคอมมิชชันแล้ว นี่เป็นหนึ่งใน 29 "ภาพวาดสีดำ" ซึ่งเป็นภาพเดียวกับที่สเตลล่าเปิดตัวในนิทรรศการครั้งแรกในนิวยอร์ก แฟรงก์ สเตลลา ผู้สำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยพรินซ์ตัน ขณะนั้นอายุ 23 ปี เขามักไม่มีเงินเพียงพอสำหรับค่าสีน้ำมันสำหรับศิลปิน ศิลปินหนุ่มได้รับเงินจากงานซ่อมแซมเขาชอบสีที่บริสุทธิ์มากและจากนั้นก็มีความคิดที่จะทำงานกับสีนี้บนผืนผ้าใบ การใช้สีเคลือบสีดำ สเตลล่าวาดแถบขนาน โดยทิ้งเส้นบางๆ ของผืนผ้าใบที่ไม่ได้ลงสีรองพื้นไว้ระหว่างแถบเหล่านั้น ยิ่งกว่านั้นเขาเขียนโดยไม่มีไม้บรรทัดด้วยตาและไม่มีการร่างเบื้องต้น สเตลล่าไม่เคยรู้แน่ชัดว่าภาพวาดหนึ่งๆ จะมีเส้นสีดำกี่เส้น ตัวอย่างเช่นในภาพวาด "Cape of Pines" มี 35 ภาพ ชื่อของงานหมายถึงชื่อของแหลมในอ่าวแมสซาชูเซตส์ - จุดต้นสน ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ที่นี่เป็นสวนสนุกขนาดใหญ่ และปัจจุบันเป็นหนึ่งในพื้นที่ของเมืองเรเวียร์

10. YOSHITOMO NARA มีดอยู่ด้านหลัง ค.ศ. 2000. 24.95 ล้านดอลลาร์

Yoshitomo Nara (1959) เป็นหนึ่งในบุคคลสำคัญของศิลปะนีโอป๊อปของญี่ปุ่น ภาษาญี่ปุ่น - เพราะแม้จะมีชื่อเสียงไปทั่วโลกและทำงานในต่างประเทศมาหลายปี แต่งานของเขายังคงโดดเด่นด้วยเอกลักษณ์ประจำชาติที่เด่นชัด ตัวละครโปรดของนาราคือเด็กผู้หญิงและสุนัขในรูปแบบของมังงะและการ์ตูนอนิเมะญี่ปุ่น ภาพที่เขาประดิษฐ์ขึ้น "ไปสู่ผู้คน" มาหลายปีแล้ว โดยพิมพ์ลงบนเสื้อยืด ของที่ระลึก และ "สินค้า" ต่างๆ ที่จัดทำขึ้นด้วยภาพเหล่านี้ เกิดมาในครอบครัวที่ยากจน ห่างไกลจากเมืองหลวง เขาไม่เพียงแต่รักในความสามารถของเขาเท่านั้น แต่ยังมีคุณค่าในฐานะคนที่สร้างตัวเองขึ้นมาด้วย ศิลปินทำงานได้อย่างรวดเร็วและชัดเจน เป็นที่ทราบกันดีว่าผลงานชิ้นเอกของเขาบางชิ้นเสร็จสมบูรณ์ในชั่วข้ามคืน โดยปกติแล้ว ภาพวาดและประติมากรรมของโยชิโทโมะ นารา นั้นจะพูดน้อยมากๆ หากไม่ตระหนี่ในการแสดงออก แต่ก็มักจะสื่อถึงอารมณ์ที่รุนแรงอยู่เสมอ เด็กสาววัยรุ่นของนารามักจะมองผู้ชมด้วยสายตาที่ไร้ความปราณี ในสายตาของพวกเขามีความกล้า ความท้าทาย และความก้าวร้าว ในมือของเขา - มีดหรือบุหรี่ มีความเห็นว่าพฤติกรรมที่วิปริตที่ปรากฎนั้นเป็นปฏิกิริยาต่อศีลธรรมทางสังคมที่กดขี่ ข้อห้ามต่างๆ และหลักการศึกษาที่ชาวญี่ปุ่นนำมาใช้ ความรุนแรงและความอับอายที่เกือบจะยุคกลางผลักดันปัญหาภายในและสร้างรากฐานสำหรับการระเบิดทางอารมณ์ที่ล่าช้า “The Knife Behind Your Back” สะท้อนแนวคิดหลักของศิลปินได้อย่างกระชับ ในงานนี้มีการจ้องมองที่แสดงความเกลียดชังของหญิงสาวคนหนึ่งและมีมือที่ข่มขู่ไว้ด้านหลังเธอ จนถึงปี 2019 ภาพวาดและประติมากรรมของ Yoshitomo Nara มียอดทะลุล้านหรือแม้กระทั่งหลายล้านมากกว่าหนึ่งครั้ง แต่ยี่สิบล้านเป็นครั้งแรก นาราเป็นหนึ่งในศิลปินที่เกิดในญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงมากที่สุดในโลก และตอนนี้อันที่แพงที่สุดยังมีชีวิตอยู่ เมื่อวันที่ 6 ตุลาคม พ.ศ. 2109 ที่ Sotheby's ในฮ่องกง เขาได้รับชื่อนี้จาก Takashi Murakami และเอาชนะศิลปินแนวหน้าวัย 90 ปีอย่าง Yayoi Kusama ได้อย่างเห็นได้ชัด (ราคาประมูลสูงสุดสำหรับภาพวาดของเธอใกล้จะถึง 9 ล้านเหรียญแล้ว)

11. เซง ฟานจือ พระกระยาหารมื้อสุดท้าย. พ.ศ. 2544 23.3 ล้านดอลลาร์

ในการประมูลของ Sotheby ในฮ่องกง 5 ตุลาคม 2556ปีผ้าใบขนาดใหญ่ "พระกระยาหารมื้อสุดท้าย"ศิลปินปักกิ่ง เจิง ฟานจือ (1964)ถูกขายไปในราคาสูงสุดเป็นประวัติการณ์ที่ 160 ล้านเหรียญฮ่องกง - 23.3 ล้านเหรียญสหรัฐสหรัฐอเมริกา. แน่นอนว่าต้นทุนสุดท้ายของงานของ Fanzhi ซึ่งเขียนขึ้นภายใต้อิทธิพลของผลงานของ Leonardo da Vinci นั้นสูงเป็นสองเท่าของประมาณการเบื้องต้นประมาณ 10 ล้านเหรียญสหรัฐ 9.6 ล้านจ่ายในการประมูลของคริสตี้ที่ฮ่องกงในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2551 สำหรับงานนี้ “ซีรี่ส์หน้ากาก. พ.ศ. 2539. ลำดับที่. 6".

“กระยาหารมื้อสุดท้าย” เป็นภาพวาดที่ใหญ่ที่สุด (2.2 × 4 เมตร) โดย Fanzhi ในชุด “Masks” ครอบคลุมช่วงปี 1994 ถึง 2001 วัฏจักรนี้อุทิศให้กับวิวัฒนาการของสังคมจีนภายใต้อิทธิพลของการปฏิรูปเศรษฐกิจ การแนะนำองค์ประกอบของเศรษฐกิจแบบตลาดโดยรัฐบาลสาธารณรัฐประชาชนจีนนำไปสู่การขยายตัวของเมืองและความแตกแยกของชาวจีน Fanzhi พรรณนาถึงผู้อยู่อาศัยในเมืองจีนสมัยใหม่ที่ต้องต่อสู้เพื่อสถานที่ภายใต้แสงแดด องค์ประกอบที่รู้จักกันดีของจิตรกรรมฝาผนังของ Leonardo ในการอ่านของ Fanzhi มีความหมายที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง: ฉากแอ็คชั่นถูกย้ายจากกรุงเยรูซาเล็มไปยังห้องเรียนในโรงเรียนจีนที่มีกระดานอักษรอียิปต์โบราณทั่วไปอยู่บนผนัง “ พระคริสต์” และ “อัครสาวก” กลายเป็นผู้บุกเบิกที่มีความสัมพันธ์สีแดงเข้มและมีเพียง “ยูดาส” เท่านั้นที่สวมเน็คไทสีทอง - นี่เป็นคำอุปมาของระบบทุนนิยมตะวันตกที่เจาะและทำลายวิถีชีวิตตามปกติในประเทศสังคมนิยม

ผลงานของ Zeng Fanzhi มีโวหารใกล้เคียงกับการแสดงออกของชาวยุโรปและมีความดราม่าไม่แพ้กัน แต่ในขณะเดียวกันก็เต็มไปด้วยสัญลักษณ์และความเฉพาะเจาะจงของจีน ความเก่งกาจนี้ดึงดูดนักสะสมทั้งชาวจีนและชาวตะวันตกให้เข้ามาชมผลงานของศิลปิน การยืนยันโดยตรงถึงสิ่งนี้คือที่มาของ "The Last Supper": ผลงานนี้ถูกนำไปประมูลโดยนักสะสมชื่อดังของจีนแนวหน้าในช่วงทศวรรษ 1980 และต้นทศวรรษ 1990 Guy Ullens บารอนชาวเบลเยียม

12. โรเบิร์ต ไรแมน สะพาน. 1980 20.6 ล้านดอลลาร์

ในงานประมูล คริสตี้ส์ 13 พฤษภาคม 2558งานที่เป็นนามธรรม "สะพาน"ศิลปินชาวอเมริกันวัย 85 ปี โรเบิร์ต ไรแมน(โรเบิร์ต ไรแมน) ถูกขายเพื่อ 20.6 ล้านดอลลาร์โดยคำนึงถึงค่าคอมมิชชั่น - แพงกว่าสองเท่าของค่าประมาณที่ต่ำกว่า

โรเบิร์ต ไรแมน(พ.ศ. 2473) ไม่ได้ตระหนักทันทีว่าเขาต้องการเป็นศิลปิน เมื่ออายุ 23 ปี เขาย้ายไปนิวยอร์กจากแนชวิลล์ รัฐเทนเนสซี โดยต้องการเป็นนักแซ็กโซโฟนแจ๊ส จนกระทั่งเขากลายเป็นนักดนตรีชื่อดัง เขาต้องทำงานเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยที่ MoMA ซึ่งเขาได้พบกับ Sol LeWitt และ Dan Flavin คนแรกทำงานที่พิพิธภัณฑ์ในตำแหน่งเลขานุการกะกลางคืน และคนที่สองเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยและพนักงานควบคุมลิฟต์ ประทับใจกับผลงานของนักวาดภาพนามธรรมที่เขาเห็นที่ MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock และ Newman - Robert Ryman เริ่มวาดภาพด้วยตัวเองในปี 1955

Ryman มักถูกมองว่าเป็นคนเรียบง่าย แต่เขาชอบที่จะถูกเรียกว่า "นักสัจนิยม" เพราะเขาไม่สนใจที่จะสร้างภาพลวงตา เขาเพียงแต่แสดงให้เห็นคุณสมบัติของวัสดุที่เขาใช้เท่านั้น ผลงานส่วนใหญ่ของเขาทาสีด้วยเฉดสีขาวที่เป็นไปได้ทั้งหมด (จากสีเทาหรือสีเหลืองไปจนถึงสีขาวพราว) ตามรูปทรงสี่เหลี่ยมจัตุรัสที่พูดน้อย ในอาชีพของเขา Robert Ryman ได้ลองใช้วัสดุและเทคนิคหลายอย่าง: เขาวาดภาพด้วยน้ำมัน อะคริลิค เคซีน สารเคลือบ พาสเทล gouache ฯลฯ บนผืนผ้าใบ เหล็ก ลูกแก้ว อลูมิเนียม กระดาษ กระดาษลูกฟูก ไวนิล วอลเปเปอร์ ฯลฯ ของเขา เพื่อน ซึ่งเป็นนักซ่อมแซมมืออาชีพ ออร์ริน ไรลีย์ แนะนำเขาเกี่ยวกับการกัดกร่อนของวัสดุที่เขาคิดว่าจะใช้ ดังที่ศิลปินเคยกล่าวไว้ว่า “ฉันไม่เคยมีคำถาม อะไรเขียนสิ่งสำคัญคือ ยังไงเขียน". ทุกอย่างเกี่ยวกับพื้นผิว ลักษณะของลายเส้น ขอบเขตระหว่างพื้นผิวสีและขอบของฐาน รวมถึงความสัมพันธ์ระหว่างงานกับผนัง ตั้งแต่ปี 1975 องค์ประกอบพิเศษในงานของเขาคือส่วนยึด ซึ่ง Ryman ออกแบบเองและจงใจปล่อยให้มองเห็น โดยเน้นว่างานของเขา “สมจริงราวกับผนังที่พวกเขาแขวนไว้” Ryman ชอบที่จะตั้งชื่อผลงานของเขามากกว่า "ชื่อ" "ชื่อ" คือสิ่งที่ช่วยแยกแยะงานหนึ่งจากอีกงานหนึ่ง และ Ryman มักตั้งชื่อผลงานของเขาตามแบรนด์สี บริษัท ฯลฯ และ "ชื่อ" อ้างว่ามีการพาดพิงถึงความหมายบางอย่างและความหมายที่ซ่อนอยู่อย่างลึกซึ้งซึ่งมีอยู่ในผลงานของเขา ศิลปินปฏิเสธเป็นประจำ ไม่มีอะไรสำคัญนอกจากวัสดุและเทคนิค

13. เดเมียน เฮิร์สต์ ฤดูใบไม้ผลิง่วงนอน พ.ศ. 2545 19.2 ล้านดอลลาร์

ถึงศิลปินชาวอังกฤษ เดเมียน เฮิร์สต์ (1965)ถูกกำหนดให้เป็นคนแรกที่ได้อันดับหนึ่งในการจัดอันดับนี้โดยโต้แย้งกับ Jasper Johns คลาสสิกที่ยังมีชีวิตอยู่ งานที่กล่าวไปแล้ว "การเริ่มต้นที่ผิดพลาด" อาจยังคงเป็นผู้นำที่ไม่มีวันจมได้เป็นเวลานานหาก 21 มิถุนายน 2550การติดตั้งโดย Hirst วัย 42 ปีในขณะนั้น "ฤดูใบไม้ผลิง่วงนอน"(2002) ไม่ได้ขายที่ Sotheby's ในราคา 3 ปอนด์ 9.76 ล้าน นั่นคือ 19.2 ล้านดอลลาร์- อย่างไรก็ตามงานมีรูปแบบที่ค่อนข้างแปลกตา ด้านหนึ่งมีตู้โชว์ที่มียาจำลอง (6,136 เม็ด) ซึ่งถือเป็นการจัดวางแบบคลาสสิก ในทางกลับกัน ตู้โชว์นี้ถูกทำให้เรียบ (ลึก 10 ซม.) วางในกรอบและแขวนไว้บนผนังเหมือนแผงพลาสมา จึงมั่นใจได้ถึงความสะดวกสบายในการเป็นเจ้าของตามแบบฉบับของภาพวาด ในปี 2002 Sleepy Winter น้องสาวของสถานที่จัดวางแห่งนี้ ขายได้ในราคา 7.4 ล้านเหรียญสหรัฐ ซึ่งมากกว่าราคาครึ่งหนึ่ง มีคน "อธิบาย" ความแตกต่างของราคาโดยบอกว่าแท็บเล็ตจะซีดจางมากขึ้นในฤดูหนาว แต่เป็นที่ชัดเจนว่าคำอธิบายนี้ไม่มีมูลเลยเนื่องจากกลไกการกำหนดราคาสำหรับสิ่งเหล่านี้ไม่เกี่ยวข้องกับลักษณะการตกแต่งอีกต่อไป

ในปี 2550 หลายคนยอมรับว่า Hirst เป็นนักเขียนผลงานที่แพงที่สุดในบรรดาศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ อย่างไรก็ตาม คำถามนั้นมาจากหมวดหมู่ “ขึ้นอยู่กับว่าคุณนับอย่างไร” ความจริงก็คือ Hirst ขายได้ในราคาปอนด์แพง ส่วน Jones ขายในราคาดอลลาร์ที่ถูกกว่าและแม้กระทั่งเมื่อยี่สิบปีที่แล้ว แต่แม้ว่าเราจะนับตามมูลค่าโดยไม่คำนึงถึงอัตราเงินเฟ้อในช่วง 20 ปี งานของ Hirst ก็มีราคาแพงกว่าในสกุลเงินดอลลาร์ และของ Jones เป็นปอนด์ สถานการณ์อยู่ในขอบเขต และทุกคนมีอิสระที่จะตัดสินใจว่าใครถือเป็นที่รักที่สุด แต่เฮิร์สต์อยู่ได้ไม่นานนักตั้งแต่แรก ในปี 2550 เดียวกัน Koons ถูกแทนที่จากที่หนึ่งด้วย "Hanging Heart"

ในวันที่ราคาศิลปะร่วมสมัยทั่วโลกลดลง Hirst ได้ดำเนินการอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนสำหรับศิลปินรุ่นเยาว์ - การประมูลผลงานเดี่ยวของเขาซึ่งจัดขึ้นเมื่อวันที่ 15 กันยายน 2551 ในลอนดอน ข่าวการล้มละลายของธนาคารเลห์แมนบราเธอร์สที่ประกาศเมื่อวันก่อนไม่ได้ทำให้ความอยากอาหารของคนรักศิลปะร่วมสมัยลดลงเลย จากผลงาน 223 ชิ้นที่นำเสนอโดย Sotheby's มีเพียงห้ารายเท่านั้นที่ไม่พบเจ้าของใหม่ (หนึ่งในผู้ซื้อคือ วิคเตอร์ ปิ่นชุก). งาน "ราศีพฤษภทอง"- วัวยัดฟอร์มาลดีไฮด์ตัวใหญ่สวมมงกุฎด้วยแผ่นทองคำ - นำมามากเช่นกัน 10.3 ล้านปอนด์ (18.6 ล้านดอลลาร์)- นี่คือผลลัพธ์ที่ดีที่สุดของ Hirst หากคำนวณเป็นปอนด์ (สกุลเงินที่ใช้ทำธุรกรรม) อย่างไรก็ตาม เราจัดอันดับในรูปของดอลลาร์ ดังนั้น (ขอให้ Golden Calf ยกโทษให้เรา) เราจะยังคงถือว่า "Sleepy Spring" เป็นสินค้าขายดีที่สุดของ Hirst

ตั้งแต่ปี 2008 Hirst ไม่มียอดขายในระดับ "Sleepy Spring" และ "The Golden Calf" บันทึกใหม่ของปี 2010 - สำหรับผลงานของ Richter, Jones, Fanzhi, Wool และ Koons - ทำให้ Damien อยู่อันดับที่หกในการจัดอันดับของเรา แต่อย่าตัดสินอย่างเด็ดขาดเกี่ยวกับการสิ้นสุดยุคเฮิร์สต์ ตามที่นักวิเคราะห์ระบุว่า Hirst ในฐานะ "ซูเปอร์สตาร์" ได้ลงไปในประวัติศาสตร์แล้วซึ่งหมายความว่าเขาจะถูกซื้อไปอีกนานมาก อย่างไรก็ตาม มีการทำนายคุณค่าที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในอนาคตสำหรับงานที่สร้างขึ้นในช่วงที่มีนวัตกรรมมากที่สุดในอาชีพของเขา นั่นคือในปี 1990

14. เมาริซิโอ แคทเทลัน เขา. พ.ศ. 2544 17.19 ล้านดอลลาร์

Maurizio Cattelan ชาวอิตาลี (1960) เข้าสู่งานศิลปะหลังจากทำงานเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัย พ่อครัว คนทำสวน และนักออกแบบเฟอร์นิเจอร์ ศิลปินที่เรียนรู้ด้วยตนเองคนนี้มีชื่อเสียงไปทั่วโลกจากผลงานประติมากรรมและงานศิลปะจัดวางที่น่าขัน เขาทิ้งอุกกาบาตใส่พระสันตะปาปา เปลี่ยนภรรยาของลูกค้าให้เป็นถ้วยรางวัลล่าสัตว์ เจาะพื้นพิพิธภัณฑ์ Old Masters ชูนิ้วกลางยักษ์ไปที่ตลาดหลักทรัพย์มิลาน และนำลาที่มีชีวิตมาร่วมงาน Frieze ในอนาคตอันใกล้นี้ Cattelan สัญญาว่าจะติดตั้งห้องน้ำทองคำที่พิพิธภัณฑ์ Guggenheim Museum ท้ายที่สุด การแสดงตลกของ Maurizio Cattelan ได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางในโลกศิลปะ: เขาได้รับเชิญให้เข้าร่วมงาน Venice Biennale (สถานที่จัดวาง "Others" ในปี 2011 - ฝูงนกพิราบสองพันตัวที่มองดูน่ากลัวจากท่อและคานทั้งหมดต่อหน้าฝูงชนของ ผู้เยี่ยมชมที่เดินผ่านด้านล่าง) จัดให้เขาได้รับการตรวจย้อนหลังที่พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ในนิวยอร์ก (พฤศจิกายน 2554) และในที่สุดก็ได้รับเงินจำนวนมากสำหรับประติมากรรมของเขา

ตั้งแต่ปี 2010 งานที่แพงที่สุดของ Maurizio Cattelan ก็คือประติมากรรมหุ่นขี้ผึ้งของชายคนหนึ่งที่มองออกมาจากรูบนพื้น ซึ่งมีลักษณะคล้ายกับตัวศิลปินเอง (Untitled, 2001) ประติมากรรมที่ติดตั้งนี้ ซึ่งมีอยู่ในสามชุดบวกกับสำเนาของผู้แต่ง ได้รับการจัดแสดงครั้งแรกที่พิพิธภัณฑ์ Boijmans van Beuningen ในเมืองร็อตเตอร์ดัม จากนั้นตัวละครจอมซนคนนี้ก็มองออกมาจากรูที่พื้นห้องโถงพร้อมภาพวาดของจิตรกรชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 18 - 19 ในงานนี้ Maurizio Cattellan เชื่อมโยงตัวเองกับอาชญากรผู้กล้าหาญที่บุกรุกพื้นที่ศักดิ์สิทธิ์ของห้องโถงพิพิธภัณฑ์ซึ่งมีภาพวาดโดยปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ดังนั้นเขาจึงต้องการกีดกันงานศิลปะแห่งความศักดิ์สิทธิ์ที่กำแพงพิพิธภัณฑ์มอบให้ ผลงานชิ้นนี้ซึ่งต้องเจาะรูบนพื้นทุกครั้ง ถูกขายในราคา 7.922 ล้านดอลลาร์ที่ Sotheby's

บันทึกนี้กินเวลาจนถึงวันที่ 8 พฤษภาคม 2016 เมื่อผลงานที่เร้าใจยิ่งกว่านั้นของ Cattelan ที่แสดงภาพฮิตเลอร์คุกเข่าถูกประมูลในราคา 17.189 ล้านดอลลาร์ มันเป็นเรื่องแปลก ชื่อก็แปลกๆ การเลือกตัวละครมีความเสี่ยง ชอบทุกอย่างจาก Cattelan พระองค์หมายถึงอะไร? “ของพระองค์” หรือ “พระบารมีของพระองค์”? เห็นได้ชัดว่าเราไม่ได้พูดถึงการเชิดชูภาพลักษณ์ของ Fuhrer อย่างแน่นอน ในงานนี้ ฮิตเลอร์ปรากฏตัวค่อนข้างในรูปแบบที่ทำอะไรไม่ถูกและน่าสงสาร และไร้สาระ - การจุติของซาตานนั้นสูงพอๆ กับเด็ก แต่งกายด้วยชุดนักเรียนชาย และคุกเข่าด้วยสีหน้าถ่อมตน สำหรับ Cattelan ภาพนี้เป็นการเชื้อเชิญให้คิดถึงธรรมชาติของความชั่วร้ายโดยสิ้นเชิงและวิธีกำจัดความกลัว อย่างไรก็ตาม ประติมากรรม “ฮิม” เป็นที่รู้จักกันดีในหมู่ผู้ชมชาวตะวันตก พี่น้องของเธอในซีรีส์นี้ได้รับการจัดแสดงมากกว่า 10 ครั้งในพิพิธภัณฑ์ชั้นนำทั่วโลก รวมถึง Pompidou Center และพิพิธภัณฑ์ Solomon Guggenheim Museum

15. MARK GROTJAN Untitled (S III เปิดตัวสู่ฝรั่งเศส Face 43.14) 2554 16.8 ล้านดอลลาร์

เมื่อวันที่ 17 พฤษภาคม 2017 หนึ่งในภาพวาดที่ทรงพลังที่สุดของ Mark Grotjahn เคยนำออกประมูลปรากฏในการประมูลตอนเย็นของ Christie ในนิวยอร์ก ภาพวาด “Untitled (S III Released to France Face 43.14)” จัดแสดงโดย Patrick Seguin นักสะสมชาวปารีส มูลค่าประมาณ 13–16 ล้านดอลลาร์ และเนื่องจากการขายล็อตนี้รับประกันโดยบุคคลที่สาม จึงไม่มีใครแปลกใจเป็นพิเศษ โดยการสร้างสถิติการประมูลส่วนตัวใหม่โดยศิลปินวัย 49 ปี ราคาค้อนที่ 14.75 ล้านดอลลาร์ (และรวมถึงเบี้ยประกันภัยของผู้ซื้อ 16.8 ล้านดอลลาร์) สูงกว่าสถิติการประมูลครั้งก่อนของ Grotjahn มากกว่า 10 ล้านดอลลาร์ ทำให้เขาอยู่ในกลุ่มศิลปินที่ยังมีชีวิตซึ่งผลงานขายได้ในราคาแปดหลัก มีผลลัพธ์ประมาณสามสิบเจ็ดหลัก (ยอดขายมากกว่า 1 ล้านดอลลาร์ แต่ไม่เกิน 10 ล้านดอลลาร์) ในคลังการประมูลของ Mark Grotjahn

Mark Grotjahn (1968) ซึ่งผู้เชี่ยวชาญด้านงานมองเห็นอิทธิพลของสมัยใหม่ ความเรียบง่ายแบบนามธรรม ศิลปะป๊อปและออพอาร์ต หันมาใช้สไตล์อันเป็นเอกลักษณ์ของเขาในช่วงกลางทศวรรษ 1990 หลังจากย้ายไปกับเพื่อนของเขา Brent Peterson ที่ลอสแองเจลิสและเปิดแกลเลอรีที่นั่น "ห้อง 702" ตามที่ศิลปินเองก็จำได้ ในเวลานั้นเขาเริ่มคิดถึงสิ่งที่มาก่อนในงานศิลปะ เขากำลังมองหาแนวคิดที่จะทดลอง และฉันก็รู้ว่าเขาสนใจเรื่องเส้นและสีมาโดยตลอด การทดลองด้วยจิตวิญญาณของลัทธิเรยอนและความเรียบง่ายด้วยมุมมองเชิงเส้น จุดที่หายไปมากมาย และรูปทรงสามเหลี่ยมนามธรรมหลากสีในท้ายที่สุดทำให้ Grotjahn มีชื่อเสียงไปทั่วโลก

จากทิวทัศน์นามธรรมหลากสีสันที่มีเส้นขอบฟ้าหลายเส้นและมุมมองที่หายไป ในที่สุดเขาก็มาถึงรูปทรงสามเหลี่ยมที่ชวนให้นึกถึงปีกผีเสื้อ ภาพวาดของ Grotjahn (2544-2550) นั่นคือสิ่งที่เรียกว่า “ผีเสื้อ” ปัจจุบันการย้ายจุดหายไปหรือใช้หลายจุดพร้อมกันโดยเว้นระยะห่างในอวกาศ ถือเป็นเทคนิคหนึ่งที่ทรงพลังที่สุดของศิลปิน

ผลงานชุดใหญ่ถัดไปเรียกว่า "ใบหน้า"; ในเส้นนามธรรมของซีรีส์นี้ เราสามารถมองเห็นลักษณะของใบหน้ามนุษย์ได้ ซึ่งปรับให้เข้ากับสถานะของหน้ากากได้ง่ายขึ้นในจิตวิญญาณของ Matisse, Jawlensky หรือ Brancusi เมื่อพูดถึงความเรียบง่ายและการจัดรูปแบบอย่างสุดขีดเกี่ยวกับวิธีการจัดองค์ประกอบของภาพวาดเมื่อรูปทรงของดวงตาและปากที่กระจัดกระจายดูเหมือนจะมองมาที่เราจากป่าทึบนักวิจัยตั้งข้อสังเกตถึงความเชื่อมโยงระหว่าง "ใบหน้า" ของ Grotjan และศิลปะของ ชนเผ่าดึกดำบรรพ์ของแอฟริกาและโอเชียเนีย ในขณะที่ตัวศิลปินเองก็ “ชอบภาพที่ดวงตามองออกมาจากป่า บางครั้งฉันก็จินตนาการถึงใบหน้าของลิงบาบูนหรือลิง ฉันไม่สามารถพูดได้ว่าฉันได้รับอิทธิพลจากศิลปะแอฟริกันดึกดำบรรพ์ทั้งโดยรู้ตัวหรือโดยไม่รู้ตัว แต่ฉันได้รับอิทธิพลจากศิลปินที่ได้รับอิทธิพลจากงานศิลปะนั้น ปิกัสโซคือตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุด"

ผลงานในซีรีส์ “Faces” เรียกได้ว่าโหดและสง่าน่าดูและสบายตา เมื่อเวลาผ่านไปพื้นผิวของผลงานเหล่านี้ก็เปลี่ยนไปเช่นกัน: เพื่อสร้างเอฟเฟกต์ของพื้นที่ภายในศิลปินใช้การทาสีหนาในวงกว้างแม้กระทั่งการสาดในรูปแบบของพอลล็อค แต่พื้นผิวของภาพวาดนั้นถูกปรับระดับเพื่อให้เมื่อตรวจสอบอย่างใกล้ชิด ดูแบนราบไปเลย ภาพวาด “Untitled (S III Released to France Face 43.14)” ซึ่งสร้างสถิติการประมูล เป็นของซีรีส์ชื่อดังนี้โดย Mark Grotjahn

16. ทาคาชิ มูรากามิ คาวบอยผู้โดดเดี่ยวของฉัน 15.16 ล้านดอลลาร์

ญี่ปุ่น ทาคาชิ มุราคามิ (1962)เข้าสู่การจัดอันดับของเราด้วยประติมากรรม "คาวบอยผู้โดดเดี่ยวของฉัน"ขายที่ Sotheby's ในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2551 ในราคา $ 15.16 ล้าน- ด้วยการขายครั้งนี้ ทาคาชิ มูราคามิถือเป็นศิลปินชาวเอเชียที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดมายาวนาน จนกระทั่งเขาถูกบดบังด้วยการขาย The Last Supper ของ Zeng Fanzhi

Takashi Murakami ทำงานเป็นจิตรกร ประติมากร นักออกแบบแฟชั่น และนักสร้างแอนิเมชัน มุราคามิต้องการนำสิ่งที่เป็นภาษาญี่ปุ่นอย่างแท้จริงมาเป็นพื้นฐานในการทำงานของเขา โดยไม่ต้องอาศัยตะวันตกหรือการกู้ยืมอื่นใด ในช่วงที่เป็นนักศึกษา เขารู้สึกทึ่งกับภาพวาดนิฮงกะของญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม ซึ่งต่อมาถูกแทนที่ด้วยศิลปะยอดนิยมของอะนิเมะและมังงะ นี่คือวิธีที่ Mr DOB ซึ่งทำให้เคลิบเคลิ้ม รูปแบบของดอกไม้ยิ้มและประติมากรรมไฟเบอร์กลาสที่สดใสและแวววาว ราวกับว่ามาจากหน้าการ์ตูนญี่ปุ่นโดยตรง บางคนคิดว่าศิลปะของมูราคามิเป็นอาหารจานด่วนและเป็นศูนย์รวมของความหยาบคาย คนอื่น ๆ เรียกศิลปินว่า Andy Warhol ชาวญี่ปุ่น - และอย่างที่เราเห็นในกลุ่มหลังมีคนรวยมากมาย

มูราคามิยืมชื่อประติมากรรมของเขาจากภาพยนตร์ของ Andy Warhol เรื่อง “Lonely Cowboys” (1968) ซึ่งชาวญี่ปุ่นเองก็ยอมรับว่าไม่เคยดู แต่เขาชอบคำที่ผสมผสานกันมาก มูราคามิต่างสร้างความพึงพอใจให้กับแฟนการ์ตูนอีโรติกของญี่ปุ่นและหัวเราะเยาะพวกเขาด้วยรูปปั้นชิ้นเดียว ขนาดที่เพิ่มขึ้นและสามมิติทำให้ฮีโร่อนิเมะกลายเป็นเครื่องรางของวัฒนธรรมมวลชน คำกล่าวทางศิลปะนี้ค่อนข้างอยู่ในจิตวิญญาณของศิลปะป๊อปอาร์ตตะวันตกคลาสสิก (จำชุดเฟอร์นิเจอร์ของ Allen Jones หรือ Koons ของ "The Pink Panther") แต่กลับมาพร้อมกับความเป็นเอกลักษณ์ของชาติ

17. คอว์ส. อัลบั้มของ KAWS 2548 14,784,505 ดอลลาร์

KAWS เป็นนามแฝงของศิลปินชาวอเมริกัน Brian Donnelly จากนิวเจอร์ซีย์ เขาเป็นผู้เข้าร่วมที่อายุน้อยที่สุดในการจัดอันดับของเรา เกิดในปี 1974 Donelly เริ่มต้นจากการเป็นแอนิเมเตอร์ที่ Disney (เขาวาดภาพพื้นหลังสำหรับการ์ตูนเรื่อง “101 Dalmatians” และอื่นๆ) เขาสนใจกราฟฟิตี้ตั้งแต่วัยเยาว์ การออกแบบอันเป็นเอกลักษณ์ของเขาในตอนแรกคือหัวกะโหลกที่มีตัว "X" แทนที่เบ้าตา ผลงานของนักเขียนหนุ่มรายนี้เป็นที่ชื่นชอบของนักธุรกิจการแสดงและผู้คนจากอุตสาหกรรมแฟชั่น เขาสร้างปกอัลบั้มของ Kanye West และออกผลงานร่วมกับ Nike, Comme des Garçons และ Uniqlo เมื่อเวลาผ่านไป KAWS กลายเป็นบุคคลที่มีชื่อเสียงในโลกแห่งศิลปะร่วมสมัย รูปปั้นอันเป็นเอกลักษณ์ของเขา ซึ่งชวนให้นึกถึงมิกกี้ เมาส์ มีรากฐานมาจากพิพิธภัณฑ์ พื้นที่สาธารณะ และของสะสมส่วนตัว กาลครั้งหนึ่ง KAWS ได้เปิดตัวของเล่นไวนิลรุ่นลิมิเต็ดเอดิชั่นร่วมกับแบรนด์ My Plastic Heart และของเล่นเหล่านี้กลายเป็นประเด็นที่ได้รับความสนใจในการสะสมสูงอย่างไม่คาดคิด หนึ่งในนักสะสมที่หลงใหลใน "ของเล่น" เหล่านี้คือผู้ก่อตั้ง Black Star แร็ปเปอร์ Timati เขารวบรวมซีรีส์ "Cavs Companions" เกือบทั้งหมดแล้ว

ผลงานของ KAWS สร้างสถิติผลงานของศิลปินรายนี้ที่มูลค่า 14.7 ล้านเหรียญสหรัฐ ในการประมูลของ Sotheby ในฮ่องกงเมื่อวันที่ 1 เมษายน 2019 ก่อนหน้านี้เธอเคยอยู่ในคอลเลกชั่นของนักออกแบบแฟชั่นชาวญี่ปุ่น Nigo อัลบั้ม KAWS เป็นการแสดงความเคารพต่อปกอัลบั้มอันโด่งดังของ The Beatles ในปี 1967 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band มีเพียงคิมป์สันแทนที่จะเป็นคนเท่านั้น - ตัวละครเก๋ ๆ จากซีรีย์อนิเมชั่นเรื่องเดอะซิมป์สันส์ที่มี "X's" แทนที่จะเป็นดวงตา

18. จิน ชานี เจ้าสาวทาจิก. พ.ศ. 2526 13.89 ล้านดอลลาร์

ในบรรดาศิลปินจีนอายุน้อยและร่วมสมัย ซึ่งล้วนอยู่ในกลุ่มที่เรียกว่า "คลื่นลูกใหม่" ในช่วงปลายทศวรรษ 1980 ในงานศิลปะจีน การให้คะแนนของเราค่อนข้างรวมไปถึงตัวแทนของคนรุ่นที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงและโรงเรียนที่แตกต่างกันโดยไม่คาดคิด Jin Shangyi ซึ่งปัจจุบันมีอายุเกิน 80 ปี เป็นหนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นของศิลปินรุ่นแรกในจีนคอมมิวนิสต์ มุมมองของศิลปินกลุ่มนี้ก่อตัวขึ้นในระดับสูงภายใต้อิทธิพลของพันธมิตรคอมมิวนิสต์ที่ใกล้เคียงที่สุดนั่นคือสหภาพโซเวียต

ศิลปะอย่างเป็นทางการของโซเวียต สัจนิยมสังคมนิยม และภาพวาดสีน้ำมัน ซึ่งในขณะนั้นถือเป็นเรื่องปกติสำหรับจีน (ตรงข้ามกับการวาดภาพด้วยหมึกจีนแบบดั้งเดิม) ได้รับความนิยมสูงสุดในทศวรรษปี 1950 และศิลปินโซเวียต คอนสแตนติน มาสอนที่มหาวิทยาลัยศิลปะปักกิ่ง เป็นเวลาสามปี (ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2497 ถึง พ.ศ. 2500) Methodievich Maksimov Jin Shani ซึ่งตอนนั้นอายุน้อยที่สุดในกลุ่มได้เข้าเรียนในชั้นเรียนของเขา ศิลปินจดจำครูของเขาด้วยความอบอุ่นเสมอโดยบอกว่าเป็นมักซิมอฟที่สอนให้เขาเข้าใจและพรรณนาแบบจำลองอย่างถูกต้อง K. M. Maksimov ฝึกฝนนักสัจนิยมชาวจีนทั้งกาแล็กซีซึ่งปัจจุบันเป็นคลาสสิก

ในผลงานของ Jin Shan เราสัมผัสได้ถึงอิทธิพลของทั้ง "สไตล์ที่รุนแรง" ของโซเวียตและโรงเรียนการวาดภาพของยุโรป ศิลปินทุ่มเทเวลาอย่างมากในการศึกษามรดกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและลัทธิคลาสสิกในขณะที่เขาเห็นว่าจำเป็นต้องรักษาจิตวิญญาณของจีนไว้ในผลงานของเขา ภาพวาด “เจ้าสาวทาจิก” ซึ่งวาดในปี 1983 ถือเป็นผลงานชิ้นเอกที่ได้รับการยอมรับในระดับสากล ซึ่งเป็นก้าวใหม่ในผลงานของ Jin Shan ไชน่า การ์เดียน ถูกนำเข้าสู่การประมูลเมื่อเดือนพฤศจิกายน 2556 และขายได้มากกว่าที่คาดการณ์ไว้หลายเท่า ในราคา 13.89 ล้านดอลลาร์รวมค่าคอมมิชชั่น

19. BANKSY สลายรัฐสภา 2551 12.14 ล้านดอลลาร์

ภาพจิตรกรรมฝาผนังที่ติดแท็ก Banksy เริ่มปรากฏบนกำแพงเมือง (ครั้งแรกในอังกฤษและทั่วโลก) ในช่วงปลายทศวรรษ 1990 กราฟิตีเชิงปรัชญาและในเวลาเดียวกันก็ฉุนเฉียวของเขาอุทิศให้กับปัญหาของรัฐที่โจมตีเสรีภาพของพลเมือง การก่ออาชญากรรมต่อสิ่งแวดล้อม การบริโภคที่ขาดความรับผิดชอบ และไร้มนุษยธรรมของระบบการย้ายถิ่นฐานที่ผิดกฎหมาย เมื่อเวลาผ่านไป กำแพงของ Banksy ถูก "ตำหนิ" ได้รับความนิยมจากสื่ออย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ในความเป็นจริง เขากลายเป็นหนึ่งในตัวแทนหลักของความคิดเห็นของสาธารณชนที่ประณามความหน้าซื่อใจคดของรัฐและบริษัทต่างๆ ซึ่งก่อให้เกิดความอยุติธรรมที่เพิ่มมากขึ้นในระบบทุนนิยม

ความสำคัญของ Banksy ความรู้สึกของ "เส้นประสาทของเวลา" และความถูกต้องของคำอุปมาอุปไมยของเขาได้รับการชื่นชมไม่เพียง แต่จากผู้ชมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักสะสมด้วย ในช่วงปี 2010 มีการมอบเงินหลายแสนหรือมากกว่าหนึ่งล้านดอลลาร์สำหรับผลงานของเขา มันถึงจุดที่ภาพกราฟฟิตีของ Banksy ถูกขโมยและถูกขโมยไปพร้อมกับชิ้นส่วนของกำแพง

ในยุคของการเฝ้าระวังทางดิจิทัลขั้นสูง Banksy ยังคงรักษาความเป็นนิรนามได้ มีเวอร์ชันที่นี่ไม่ใช่บุคคลเดียวอีกต่อไป แต่เป็นกลุ่มศิลปินหลายคนที่นำโดยผู้หญิงที่มีความสามารถ นั่นจะอธิบายได้มาก และความแตกต่างภายนอกของนักเขียนที่ติดอยู่ในเลนส์ของกล้องพยานและวิธีการใช้งานลายฉลุที่ไม่มีตัวตน (ให้ความเร็วสูงและไม่ต้องการการมีส่วนร่วมโดยตรงของผู้เขียน) และความโรแมนติกที่สัมผัสได้ของวัตถุในภาพวาด ( ลูกบอล เกล็ดหิมะ ฯลฯ) อย่างไรก็ตาม ผู้คนจากโครงการ Banksy รวมถึงผู้ช่วยของเขา รู้วิธีที่จะหุบปาก

ในปี 2019 งานที่แพงที่สุดของ Banksy กลายมาเป็นผืนผ้าใบความยาว 4 เมตรอย่างไม่คาดคิดว่า Devolved Parliament (“เสื่อมโทรม” “เสื่อมโทรม” หรือ “เสื่อมโทรม” รัฐสภา) ชิมแปนซีโต้เถียงในสภาดูเหมือนจะล้อเลียนผู้ชมในปีที่ Brexit อื้อฉาว น่าแปลกใจที่ภาพวาดนี้ถูกวาดขึ้นเมื่อ 10 ปีก่อนถึงจุดเปลี่ยนทางประวัติศาสตร์นี้ และดังนั้นจึงมีคนมองว่าเป็นคำทำนาย ในการประมูลของ Sotheby เมื่อวันที่ 3 ตุลาคม 2019 ระหว่างการประมูลอันดุเดือด ผู้ซื้อไม่ทราบรายได้ซื้อน้ำมันนี้ในราคา 12,143,000 ดอลลาร์ ซึ่งแพงกว่าที่คาดการณ์ไว้เบื้องต้นถึงหกเท่า

20. JOHN CURREN “อ่อนหวานและเรียบง่าย” พ.ศ. 2542 12.007 ล้านดอลลาร์

ศิลปินชาวอเมริกัน จอห์น เคอร์แรน (1962)เป็นที่รู้จักจากภาพวาดเชิงเสียดสีเชิงเสียดสีในประเด็นทางเพศและสังคมที่เร้าใจ ผลงานของ Curren ผสมผสานเทคนิคการวาดภาพของปรมาจารย์รุ่นเก่า (โดยเฉพาะ Lucas Cranach the Elder และ Mannerists) และภาพถ่ายแฟชั่นจากนิตยสารเคลือบเงา เพื่อให้บรรลุถึงความแปลกประหลาดมากขึ้น Curren มักจะบิดเบือนสัดส่วนของร่างกายมนุษย์ ขยายหรือลดส่วนต่างๆ ของมัน และวาดภาพวีรบุรุษในท่าทางที่แตกหักและมีมารยาท

Curren เริ่มต้นในปี 1989 ด้วยภาพวาดของเด็กผู้หญิงที่วาดใหม่จากอัลบั้มของโรงเรียน ดำเนินการต่อในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ด้วยภาพวาดความงามของนมโตซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากภาพถ่ายจาก Cosmopolitan และ Playboy; ในปี 1992 มีรูปของสตรีสูงอายุผู้มั่งคั่งปรากฏขึ้น และในปี 1994 Curren แต่งงานกับประติมากร Rachel Feinstein ซึ่งกลายเป็นรำพึงและนางแบบหลักของเขามาหลายปี ในช่วงปลายทศวรรษ 1990 ความเชี่ยวชาญด้านเทคนิคของ Curren ผสมผสานกับศิลปที่ไร้ค่าและความแปลกประหลาดของภาพวาดของเขา ทำให้เขาได้รับความนิยม ในปี 2003 Larry Gagosian รับหน้าที่โปรโมตศิลปิน และหากตัวแทนจำหน่ายอย่าง Gagosian รับหน้าที่ศิลปินแทน ก็รับประกันความสำเร็จ ในปี 2004 มีการจัดแสดงย้อนหลังของ John Curran ที่พิพิธภัณฑ์ Whitney

ในช่วงเวลานี้ผลงานของเขาเริ่มขายได้ในราคาหกหลัก ผลงานปัจจุบันของภาพวาดโดย John Curren เป็นของผลงาน "Sweet and Simple" ซึ่งขายไปเมื่อวันที่ 15 พฤศจิกายน 2016 ที่ Christie's ในราคา 12 ล้านเหรียญสหรัฐ สำหรับจอห์น เคอร์แรน ซึ่งตอนนี้อายุเกิน 50 ปีแล้ว นี่คือความก้าวหน้าในอาชีพการงานของผมอย่างแน่นอน บันทึกก่อนหน้าของเขาในปี 2551 อยู่ที่ 5.5 ล้านดอลลาร์ (จ่ายให้กับงานเดียวกัน "Sweet and Simple")

21. ไบรซ์ มาร์เดน ผู้เข้าร่วมประชุม. พ.ศ. 2539–2542 10.917 ล้านดอลลาร์

ศิลปินแนวนามธรรมชาวอเมริกันที่ยังมีชีวิตอีกคนในการจัดอันดับของเราคือ Brice Marden (1938) ผลงานของ Marden ในรูปแบบของความเรียบง่าย และนับตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1980 เป็นต้นมา - การวาดภาพด้วยท่าทาง โดดเด่นด้วยชุดสีที่มีเอกลักษณ์และปิดเสียงเล็กน้อย การผสมสีในผลงานของ Marden ได้รับแรงบันดาลใจจากการเดินทางรอบโลกของเขา - กรีซ อินเดีย ไทย และศรีลังกา ในบรรดานักเขียนที่มีอิทธิพลต่อการพัฒนาของ Marden ได้แก่ Jackson Pollock (ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 Marden ทำงานเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยที่ Jewish Museum ซึ่งเขาได้เห็น "หยด" ของ Pollock ด้วยตาของเขาเอง), Alberto Giacometti (คุ้นเคยกับผลงานของเขาในปารีส) และ Robert Rauschenberg (Marden บางคนทำงานเป็นผู้ช่วยของเขาอยู่ระยะหนึ่ง) ขั้นตอนแรกของงานของ Marden มุ่งเน้นไปที่ผืนผ้าใบคลาสสิกที่เรียบง่ายซึ่งประกอบด้วยบล็อกสี่เหลี่ยมสี (แนวนอนหรือแนวตั้ง) ต่างจากนักมินิมอลลิสต์คนอื่นๆ ที่แสวงหาคุณภาพในอุดมคติของผลงานที่ดูราวกับว่าพิมพ์ด้วยเครื่องจักรแทนที่จะวาดโดยคน Marden ยังคงรักษาร่องรอยของผลงานของศิลปินและผสมผสานวัสดุต่างๆ (สีขี้ผึ้งและสีน้ำมัน) ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1980 ภายใต้อิทธิพลของการประดิษฐ์ตัวอักษรแบบตะวันออก นามธรรมทางเรขาคณิตถูกแทนที่ด้วยเส้นคดเคี้ยวที่มีลักษณะคล้ายคดเคี้ยว พื้นหลังซึ่งมีฟิลด์สีเอกรงค์เดียวกัน หนึ่งในผลงาน "คดเคี้ยว" เหล่านี้ "The Attended" ถูกขายที่ Sotheby's ในเดือนพฤศจิกายน 2556 ในราคา 10.917 ล้านดอลลาร์รวมค่าคอมมิชชั่น

22. ปิแอร์ โซลาจส์ Peinture 186 x 143 ซม. 23 ธันวาคม พ.ศ. 2502 10.6 ล้านเหรียญสหรัฐ

23. จางเซียวกัน รักนิรนดร์. 10.2 ล้านเหรียญสหรัฐ

ตัวแทนอีกคนหนึ่งของศิลปะสมัยใหม่ของจีน - นักสัญลักษณ์และสถิตยศาสตร์ จาง เสี่ยวกัง (1958)- ในการประมูลของ Sotheby ในฮ่องกง 3 เมษายน 2554ซึ่งมีการขายงานศิลปะแนวหน้าของจีนจากคอลเลกชันของบารอน Guy Ullens ชาวเบลเยียม ซึ่งเป็นภาพอันมีค่าของ Zhang Xiaogang "รักนิรนดร์"ถูกขายในราคา $ 10.2 ล้าน- ในเวลานั้น บันทึกนี้ไม่เพียงแต่สำหรับศิลปินเท่านั้น แต่สำหรับงานศิลปะร่วมสมัยของจีนทั้งหมดด้วย ว่ากันว่างานของเสี่ยวกังถูกซื้อโดยภรรยามหาเศรษฐี Wang Wei ซึ่งกำลังวางแผนที่จะเปิดพิพิธภัณฑ์ของเธอเอง

จาง เสี่ยวกัง ผู้สนใจเรื่องเวทย์มนต์และปรัชญาตะวันออก ได้เขียนเรื่องราวของ "ความรักนิรันดร์" ออกเป็นสามส่วน ได้แก่ ชีวิต ความตาย และการเกิดใหม่ ภาพอันมีค่านี้รวมอยู่ในนิทรรศการ China/Avant-Garde อันโดดเด่นในปี 1989 ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งชาติ นอกจากนี้ในปี 1989 การประท้วงของนักศึกษายังถูกปราบปรามอย่างโหดร้ายโดยทหารในจัตุรัสเทียนอันเหมิน หลังจากเหตุการณ์โศกนาฏกรรมนี้ สกรูเริ่มขันแน่น - นิทรรศการที่พิพิธภัณฑสถานแห่งชาติกระจัดกระจาย ศิลปินหลายคนอพยพ เพื่อตอบสนองต่อสัจนิยมสังคมนิยมที่กำหนดจากเบื้องบน ทิศทางของสัจนิยมเหยียดหยามได้เกิดขึ้น ซึ่งหนึ่งในตัวแทนหลักคือจาง เสี่ยวกัง

24. บรูซ นาวมาน เฮนรี มัวร์ ผู้สิ้นหวัง 1967 9.9 ล้านดอลลาร์

อเมริกัน บรูซ นอมาน (1941)ซึ่งเป็นผู้ชนะรางวัลหลักในงาน Venice Biennale ครั้งที่ 48 (1999) ใช้เวลานานกว่าจะบรรลุสถิติของเขา Nauman เริ่มอาชีพของเขาในอายุหกสิบเศษ ผู้ที่ชื่นชอบเรียกเขาว่าพร้อมด้วย Andy Warhol และ Joseph Beuys หนึ่งในบุคคลที่มีอิทธิพลมากที่สุดในงานศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ยี่สิบ อย่างไรก็ตาม สติปัญญาที่เข้มข้นและการขาดการตกแต่งอย่างสมบูรณ์ของผลงานบางชิ้นของเขา เห็นได้ชัดว่าขัดขวางการรับรู้และความสำเร็จอย่างรวดเร็วในหมู่ประชาชนทั่วไป Nauman มักจะทดลองใช้ภาษาเพื่อค้นหาความหมายที่ไม่คาดคิดในวลีที่คุ้นเคย คำพูดกลายเป็นตัวละครหลักในผลงานหลายชิ้นของเขา รวมถึงป้ายไฟนีออนเทียมและแผง Nauman เรียกตัวเองว่าประติมากรแม้ว่าในช่วงสี่สิบปีที่ผ่านมาเขาได้ลองตัวเองในรูปแบบที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง - ประติมากรรม, การถ่ายภาพ, วิดีโออาร์ต, การแสดง, กราฟิก ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1990 Larry Gagosian กล่าวคำพยากรณ์ว่า “เรายังไม่เห็นคุณค่าที่แท้จริงของงานของ Nauman” นี่คือสิ่งที่เกิดขึ้น: 17 พฤษภาคม 2544ที่ Christie's งานของ Nauman ในปี 1967 "ทำอะไรไม่ถูกเฮนรี่มัวร์ (ด้านหลัง)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) สร้างสถิติใหม่ในกลุ่มศิลปะหลังสงคราม มือของ Nauman ที่ผูกไว้ด้านหลังทำจากปูนปลาสเตอร์และขี้ผึ้งถูกทุบลงไปใต้ค้อนด้วยราคา 1 ดอลลาร์ 9.9 ล้านถึงคอลเลกชันของผู้ประกอบการชาวฝรั่งเศส Francois Pinault (อ้างอิงจากแหล่งข้อมูลอื่น American Phyllis Wattis) ประมาณการงานนี้เพียง 2–3 ล้านดอลลาร์ ผลลัพธ์ที่ได้จึงสร้างความประหลาดใจให้กับทุกคนอย่างแท้จริง

ก่อนการขายในตำนานนี้ มีผลงานของ Nauman เพียงสองชิ้นเท่านั้นที่ทะลุหลักล้านดอลลาร์ และในอาชีพการประมูลทั้งหมดของเขา จนถึงขณะนี้มีเพียงหกงานเท่านั้น นอกเหนือจาก "เฮนรี มัวร์ ... " ที่มีมูลค่ารวมเจ็ดหลัก แต่ผลลัพธ์ของพวกเขายังคงไม่สามารถเทียบได้กับเก้าล้าน

"Helpless Henry Moore" เป็นหนึ่งในผลงานชุดการโต้เถียงของ Nauman เกี่ยวกับร่างของ Henry Moore (พ.ศ. 2441-2529) ศิลปินชาวอังกฤษที่ถือว่าเป็นหนึ่งในช่างแกะสลักที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ในอายุหกสิบเศษ นักเขียนรุ่นเยาว์ซึ่งพบว่าตัวเองอยู่ภายใต้เงาของปรมาจารย์ผู้ได้รับการยอมรับจึงโจมตีเขาด้วยการวิพากษ์วิจารณ์อย่างกระตือรือร้น งานของ Nauman เป็นการตอบสนองต่อคำวิจารณ์นี้และในขณะเดียวกันก็สะท้อนถึงหัวข้อความคิดสร้างสรรค์ ชื่อของงานกลายเป็นปุนเนื่องจากเป็นการรวมสองความหมายของคำภาษาอังกฤษที่ถูกผูกไว้ (ในความหมายตามตัวอักษร) และถึงวาระถึงชะตากรรมที่แน่นอน

ความสนใจ! เนื้อหาทั้งหมดบนเว็บไซต์และฐานข้อมูลผลการประมูลบนเว็บไซต์ รวมถึงข้อมูลอ้างอิงที่มีภาพประกอบเกี่ยวกับงานที่ขายในการประมูล มีวัตถุประสงค์เพื่อใช้ตามมาตรา 43 เท่านั้น มาตรา 1274 แห่งประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย ไม่อนุญาตให้ใช้เพื่อวัตถุประสงค์ทางการค้าหรือละเมิดกฎที่กำหนดโดยประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย เว็บไซต์จะไม่รับผิดชอบต่อเนื้อหาของเนื้อหาที่จัดทำโดยบุคคลที่สาม ในกรณีที่มีการละเมิดสิทธิของบุคคลที่สาม ผู้ดูแลเว็บไซต์ขอสงวนสิทธิ์ในการลบพวกเขาออกจากเว็บไซต์และจากฐานข้อมูลตามคำขอจากหน่วยงานที่ได้รับอนุญาต

นี่คือภาพวาดที่คัดสรรโดยศิลปินที่ยังไม่ค่อยมีใครรู้จักแต่มีความสามารถมาก ผู้ชายทุกคนมาจากรัสเซียและคนรุ่นเดียวกันของเรา ดูอ่านและเพลิดเพลิน

เพื่อนๆ ฉันเขียนที่นี่ตลอดเวลาเกี่ยวกับบุคลิกที่มีชื่อเสียงและประสบความสำเร็จ แน่นอนว่ามันจะน่าสนใจกว่ามากสำหรับฉันที่จะเขียนเกี่ยวกับศิลปินเหล่านั้นที่ยังไม่มีใครรู้จัก แต่คุณจะทำอย่างไร - ในสาธารณะ VKontakte คุณสามารถเขียนเกี่ยวกับอะไรก็ได้ แต่ในบล็อกคุณสามารถเขียนได้เฉพาะสิ่งที่ผู้คนเป็น ค้นหาในยานเดกซ์และ Google ไม่เช่นนั้นจะไม่มีใครไปที่นั่นยกเว้นคุณ แต่เพื่อความหลากหลายและความสุข ฉันจึงตัดสินใจเลือก "ศิลปินร่วมสมัยรัสเซียที่ไม่ค่อยมีใครรู้จักและภาพวาดของพวกเขา"

• มีอะไรน่าสนใจอีกบ้าง? (ลิงก์ไปยังบทความอื่น ๆ )
• ภาพวาดของ Marchuk - หนึ่งในศิลปินชาวยูเครนร่วมสมัยที่มีชื่อเสียงที่สุด
• คณบดีในตำนานของคณะกราฟิกชื่อดัง "Repinka"

คนเหล่านี้บางคนยังอยู่ในช่วงเริ่มต้นของการเดินทาง ในขณะที่คนอื่นๆ ค่อนข้างเป็นที่ยอมรับและประสบความสำเร็จในการขายผลงานบน VKontakte หรือในตลาด เช่น งานแสดงงานฝีมือ และเป็นที่รู้จักในแวดวงแคบๆ แต่พวกเขาทั้งหมดมีสิ่งหนึ่งที่เหมือนกัน - พวกเขายังไม่เป็นที่รู้จักของสาธารณชนทั่วไป แต่การไม่รู้จักไม่ได้หมายความว่าขาดความสามารถ ดังนั้น ฉันคิดว่าคุณคงจะสนใจที่จะลองดู ฉันตัดสินใจที่จะรวมที่นี่ไม่เพียง แต่ช่างเขียนแบบเท่านั้น แต่ยังรวมถึงช่างแกะสลักหลายคนด้วย

ศิลปินร่วมสมัยของรัสเซียที่ไม่ค่อยมีใครรู้จักและภาพวาดของพวกเขา นักวาดภาพประกอบและจิตรกร

ศิลปินที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก สีสันสมัยใหม่เหนือจริงในภาพวาดของ Maria Susarenko

ฉันได้เรียนรู้เกี่ยวกับศิลปินคนนี้เมื่อไม่นานมานี้และตกหลุมรักภาพวาดของเธอเกือบจะในทันที ส่วนหนึ่งเป็นเพราะจิตวิญญาณของฉันใกล้ชิดในฐานะศิลปินมาก ส่วนหนึ่งเป็นเพราะความชื่นชมในเทคนิคและจินตนาการอันล้นหลาม Maria Susarenko เป็นเด็กสาวแสนหวานจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและสำเร็จการศึกษาจากสถาบันวิชาการแห่งรัฐเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่มีชื่อเสียงซึ่งตั้งชื่อตาม อัล. สตีกลิตซ์. ภาพวาดของ Maria Susarenko เป็นการผสมผสานระหว่างความสมัยใหม่และสถิตยศาสตร์อย่างวุ่นวาย พวกเขาดูสดใสและตกแต่งมาก

ภาพวาดโดยศิลปินที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก ผลงานของมาเรีย ซูซาเรนโก

รายละเอียดที่น่าทึ่ง!

ศิลปินที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก ซับโบติน่า ดาชา.

แนวคิดนิรันดร์ของ Yuralga คือแมว
ตลกแปลกๆ. นี่คือเข็มกลัดแบบที่ฉันจะใส่

โมอาร์ - https://vk.com/shamancats

ศิลปินร่วมสมัยของรัสเซียที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก ประติมากร

แม้ว่าที่นี่จะไม่ใช่ภาพวาด แต่มีการตกแต่ง แต่ก็มีเสน่ห์และน่ารักจนฉันอดใจไม่ไหว ท้ายที่สุดแล้ว ประติมากรก็คือศิลปินเช่นกัน ใช่ ศิลปินสามารถเป็นจิตรกร ศิลปินกราฟิก นักวาดภาพประกอบ หรือประติมากรได้ (กัปตันของคุณชัดเจน) นี่คือเด็กผู้หญิงสองคนที่เครื่องประดับจะไม่ทำให้ Rene Lalique ต้องอับอาย

ศิลปินที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก คัมภีร์ไก่ดำ.

เวิร์กช็อป “Grimoire La poule noire” ซึ่งแปลว่า “The Grimoire of the Black Hen” (ความชัดเจนของกัปตันของคุณ) ดำเนินการโดย Lera Prokopets Lera เป็นประติมากรจิ๋วและเป็นผู้หญิงที่งดงาม เธอทำงานหลักกับดินโพลิเมอร์และหิน Lera สร้างสรรค์เครื่องประดับที่น่าทึ่งในสไตล์ที่ฉันเรียกว่า "อาร์ตนูโว" แบบโกธิก ช่างเป็นความงามที่มืดมนเล็กน้อยแต่สง่างาม แน่นอนว่านี่คือ "คัมภีร์ไก่ดำ"

ศิลปินที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก เครื่องประดับอาร์ตนูโวดั้งเดิม ภาพถ่ายจากการประชุมเชิงปฏิบัติการ “Grimoire of the Black Hen”

เฮคาเต้ เทพีแห่งราตรีของกรีก
มอร์ฟีน. บาง:) ปีศาจหรือแวมไพร์ที่กำลังห้อยลิ้นอยู่เป็นหนึ่งในลวดลายโปรดของ Lera Levitan, Shishkin, Aivazovsky และชื่ออื่น ๆ อีกมากมายคุ้นเคยกับผู้มีการศึกษาทุกคนในประเทศของเราและต่างประเทศ นี่คือความภาคภูมิใจของเรา ปัจจุบันมีศิลปินที่มีความสามารถมากมาย เพียงแต่ชื่อของพวกเขายังไม่เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางสำหรับทุกคน
ด้านสว่างรวบรวมศิลปินรัสเซียร่วมสมัย 10 คน (เรามั่นใจว่ายังมีอีกมากมาย) ที่จะเขียนชื่อของพวกเขาในภาพวาดคลาสสิกแห่งศตวรรษที่ 21 อย่างไม่ต้องสงสัย ค้นหาข้อมูลเกี่ยวกับพวกเขาวันนี้

อเล็กเซย์ เชอร์นิกิน

ภาพวาดสีน้ำมันบนผ้าใบของ Alexey Chernigin ส่วนใหญ่ถ่ายทอดความงาม ความโรแมนติก และช่วงเวลาแห่งความรู้สึกที่แท้จริง Alexey Chernigin สืบทอดพรสวรรค์และความหลงใหลในงานศิลปะจากพ่อของเขา Alexander Chernigin ศิลปินชื่อดังชาวรัสเซีย ทุกปีพวกเขาจะจัดนิทรรศการร่วมกันใน Nizhny Novgorod ซึ่งเป็นบ้านเกิดของพวกเขา

คอนสแตนติน ลูปานอฟ

ศิลปินอายุน้อยและมีความสามารถอย่างไม่น่าเชื่อจากครัสโนดาร์เรียกภาพวาดของเขาว่า "แต้มที่สนุกสนานและขาดความรับผิดชอบ" Konstantin Lupanov เขียนสิ่งที่เขารัก ตัวละครหลักของภาพวาดของเขาคือเพื่อน คนรู้จัก ญาติ และฟิลิป แมวแสนรักของเขา ศิลปินบอกว่ายิ่งโครงเรื่องเรียบง่ายเท่าไร ภาพก็จะยิ่งดูสมจริงมากขึ้นเท่านั้น

สตานิสลาฟ พลูเตนโก

คำขวัญที่สร้างสรรค์ของ Stanislav Plutenko: “มองเห็นสิ่งที่ไม่ธรรมดาและทำสิ่งที่ไม่ธรรมดา” ศิลปินชาวมอสโกทำงานโดยใช้เทคนิคเฉพาะในการผสมเทมเพอรา อะคริลิก สีน้ำ และสีเคลือบ AirBrash ที่ดีที่สุด Stanislav Plutenko รวมอยู่ในแคตตาล็อกของนักสถิตยศาสตร์ 1,000 คนตลอดกาลและทุกชนชาติ

นิโคไล โบลคิน

ค้นพบศิลปินชาวรัสเซียสมัยใหม่ซึ่งไม่ต้องสงสัยเลยว่าหลายศตวรรษต่อมาจะยืนหยัดทัดเทียมกับภาพวาดคลาสสิกระดับโลกอย่างไม่ต้องสงสัย Nikolai Blokhin เป็นที่รู้จักในฐานะจิตรกรภาพเหมือนเป็นหลัก แม้ว่าเขาจะวาดภาพทิวทัศน์ หุ่นนิ่ง และภาพวาดประเภทต่างๆ ก็ตาม แต่ในภาพบุคคลนั้นแสดงให้เห็นแง่มุมที่สำคัญที่สุดประการหนึ่งของความสามารถของเขาอย่างชัดเจนที่สุด

มิทรี อันเนนคอฟ

เมื่อมองดูหุ่นนิ่งที่สมจริงเกินจริงของศิลปินชาวรัสเซียคนนี้ คุณแค่อยากจะเอื้อมมือไปหยิบจากผืนผ้าใบหรือสัมผัสสิ่งที่วาดไว้ตรงนั้น พวกเขามีชีวิตชีวาและมีจิตวิญญาณมาก ศิลปิน Dmitry Annenkov อาศัยอยู่ในมอสโกและทำงานในประเภทต่างๆ และเขามีความสามารถอย่างมากในทุกสิ่ง

วาซิลี ชูลเชนโก

ผลงานของศิลปิน Vasily Shulzhenko ทำให้ไม่มีใครสนใจ เขาได้รับความรักหรือเกลียดชังได้รับการยกย่องในความเข้าใจในจิตวิญญาณของรัสเซียและถูกกล่าวหาว่าเกลียดชังมัน ภาพวาดของเขาพรรณนาถึงรัสเซียที่โหดร้าย ปราศจากบาดแผลและการเปรียบเทียบที่แปลกประหลาด แอลกอฮอล์ ความมึนเมา และความเมื่อยล้า

อารัช วอทสมัช

ภายใต้นามแฝง Arush Votsmush ซ่อนศิลปินที่มีความสามารถมากที่สุดจากเซวาสโทพอล Alexander Shumtsov “มีคำหนึ่งที่เรียกว่า “ความขัดแย้ง” เมื่อคุณเห็นสิ่งมหัศจรรย์ที่ทำให้ล้อภายในของคุณหมุนไปในทิศทางที่ถูกต้อง ความขัดแย้งที่ดี “ขนลุก” เป็นเรื่องที่น่าสนใจ และอาการขนลุกอาจมาจากอะไรก็ได้: จากน้ำเย็น จากวันหยุด จากที่คุณรู้สึกเหมือนอยู่ในวัยเด็ก - เมื่อคุณรู้สึกประหลาดใจเป็นครั้งแรกและเริ่มเล่นในตัวคุณ... ฉันไม่ได้พยายาม พิสูจน์สิ่งใดให้ใครเห็นด้วยผลงานของฉัน ก่อนอื่นเลย ฉันสนุกกับมัน นี่คือยาแห่งความคิดสร้างสรรค์ล้วนๆ หรือชีวิตที่สะอาดปราศจากสารต้องห้าม แค่ปาฏิหาริย์เท่านั้น”

อเล็กซานเดอร์ วิโนกราดอฟ และ วลาดิมีร์ ดูบอสซาร์สกี

Vinogradov และ Dubossarsky เป็นนักเลงหัวไม้และดุด่าหลักของภาพวาดรัสเซียสมัยใหม่ คู่หูที่สร้างสรรค์ก่อตั้งขึ้นในช่วงกลางทศวรรษที่ 90 ของศตวรรษที่ยี่สิบ และวันนี้เขาได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลกแล้ว ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักเขียน Viktor Pelevin ออกแบบนวนิยายเรื่องหนึ่งของเขาพร้อมภาพประกอบจากผลงานสำเร็จรูปของ Dubossarsky และ Vinogradov

มิคาอิล โกลูเบฟ

มิคาอิล โกลูเบฟ ศิลปินหนุ่มชาวรัสเซียอาศัยและทำงานในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ผลงานของเขามีทั้งภาพวาดแนวความคิด ภาพวาดแฟนตาซี และการสะท้อนปรัชญา ศิลปินที่น่าสนใจมากด้วยมุมมองของเขาเอง แต่คุ้นเคยกับหลาย ๆ คนเกี่ยวกับโลกนี้

เซอร์เกย์ มาร์เชนนิคอฟ

ศิลปะสมัยใหม่มักเรียกว่าการเคลื่อนไหวทางศิลปะทุกประเภทที่เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 20 ในช่วงหลังสงคราม มันเป็นช่องทางที่สอนผู้คนให้ฝันและสร้างสรรค์ความเป็นจริงใหม่ของชีวิตอีกครั้ง

เบื่อหน่ายกับพันธนาการของกฎเกณฑ์อันโหดร้ายในอดีต ศิลปินรุ่นเยาว์จึงตัดสินใจทำลายบรรทัดฐานทางศิลปะแบบเก่า พวกเขาพยายามสร้างแนวทางปฏิบัติใหม่ๆ ที่ไม่มีใครรู้จักมาก่อน ตรงกันข้ามกับความทันสมัย ​​พวกเขาหันไปใช้วิธีใหม่ในการเปิดเผยเรื่องราวของตน ศิลปินและแนวคิดเบื้องหลังการสร้างสรรค์ของเขามีความสำคัญมากกว่าผลลัพธ์ของกิจกรรมสร้างสรรค์นั่นเอง ความปรารถนาที่จะย้ายออกจากกรอบการทำงานที่กำหนดไว้นำไปสู่การเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่

ความขัดแย้งเริ่มเกิดขึ้นในหมู่ศิลปินเกี่ยวกับความหมายของศิลปะและวิธีการแสดงออก ศิลปะคืออะไร? เราสามารถบรรลุงานศิลปะที่แท้จริงได้โดยวิธีใด? นักแนวคิดและนักมินิมอลลิสต์พบคำตอบสำหรับตัวเองในวลีที่ว่า “ถ้าศิลปะเป็นได้ทุกอย่าง มันก็จะเป็นอะไรก็ได้ไม่ได้” สำหรับพวกเขา การละทิ้งวิถีทางการมองเห็นตามปกติส่งผลให้เกิดเหตุการณ์ เหตุการณ์ และการแสดงต่างๆ ลักษณะเฉพาะของศิลปะร่วมสมัยในศตวรรษที่ 21 คืออะไร? นี่คือสิ่งที่เราจะพูดถึงในบทความ

กราฟิกสามมิติในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21

ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21 มีชื่อเสียงในด้านกราฟิก 3 มิติ ด้วยการพัฒนาเทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ ศิลปินสามารถเข้าถึงวิธีการใหม่ในการสร้างงานศิลปะของตนเอง สาระสำคัญของกราฟิกสามมิติคือการสร้างภาพโดยการสร้างแบบจำลองวัตถุในพื้นที่สามมิติ หากคุณพิจารณารูปแบบศิลปะร่วมสมัยส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 21 การสร้างภาพ 3 มิติดูเหมือนจะเป็นแบบดั้งเดิมที่สุด กราฟิก 3 มิติมีหลายด้านตามความหมายที่แท้จริงของคำนี้ ใช้เพื่อสร้างโปรแกรม เกม รูปภาพ และวิดีโอบนคอมพิวเตอร์ แต่ยังสามารถมองเห็นได้ใต้ฝ่าเท้าของคุณ - บนยางมะตอย

กราฟิก 3 มิติย้ายมาอยู่บนท้องถนนเมื่อหลายสิบปีก่อน และยังคงเป็นหนึ่งในรูปแบบสตรีทอาร์ตที่สำคัญที่สุดนับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ศิลปินหลายคนวาดภาพสามมิติใน “ภาพวาด” ของตนที่สามารถทำให้ตื่นตาตื่นใจกับความสมจริงได้ ปัจจุบัน Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner และศิลปินร่วมสมัยคนอื่นๆ มากมายสร้างสรรค์งานศิลปะที่สามารถทำให้ทุกคนประหลาดใจได้

ศิลปะบนท้องถนนในศตวรรษที่ 21

สมัยก่อนอาชีพคนรวยเยอะมาก เป็นเวลาหลายศตวรรษที่มันถูกปกคลุมไปด้วยกำแพงของสถาบันพิเศษซึ่งการเข้าถึงของผู้ที่ไม่ได้ฝึกหัดถูกปฏิเสธ เห็นได้ชัดว่าพลังอันมหาศาลของเขาไม่สามารถอ่อนระทวยไปตลอดกาลภายในอาคารที่อับชื้นได้ ตอนนั้นเองที่มันออกไปสู่ถนนสีเทาที่มืดมน เลือกที่จะเปลี่ยนแปลงประวัติศาสตร์ของเราไปตลอดกาล แม้ว่าในตอนแรกทุกอย่างจะไม่ง่ายนัก

ไม่ใช่ทุกคนที่พอใจกับการเกิดของเขา หลายคนคิดว่ามันเป็นผลมาจากประสบการณ์ที่เลวร้าย บางคนถึงกับปฏิเสธที่จะใส่ใจกับการมีอยู่ของมัน ในขณะเดียวกันผลิตผลยังคงเติบโตและพัฒนาต่อไป

ศิลปินข้างถนนต้องเผชิญกับความยากลำบากตลอดเส้นทาง เนื่องจากมีรูปแบบที่หลากหลาย บางครั้งสตรีทอาร์ตจึงแยกแยะได้ยากจากการก่อกวน

ทุกอย่างเริ่มต้นในช่วงทศวรรษที่ 70 ของศตวรรษที่ผ่านมาในนิวยอร์ก ในเวลานี้ ศิลปะบนท้องถนนยังอยู่ในช่วงเริ่มต้น และ Julio 204 และ Taki 183 ก็สนับสนุนชีวิตของเขา พวกเขาทิ้งจารึกไว้ในที่ต่าง ๆ ในพื้นที่ของตน จากนั้นจึงขยายพื้นที่จำหน่าย คนอื่นๆ ตัดสินใจแข่งขันกับพวกเขา นี่คือจุดเริ่มต้นของความสนุก ความกระตือรือร้นและความปรารถนาที่จะแสดงออกส่งผลให้เกิดการต่อสู้แห่งความคิดสร้างสรรค์ ทุกคนกระตือรือร้นที่จะค้นพบวิธีการดั้งเดิมเพื่อสร้างชื่อเสียงให้กับตนเองและผู้อื่น

ในปี 1981 ศิลปะบนท้องถนนสามารถข้ามมหาสมุทรได้ ศิลปินข้างถนนจากฝรั่งเศส BlekleRat ช่วยเขาในเรื่องนี้ เขาได้รับการยกย่องให้เป็นหนึ่งในศิลปินกราฟฟิตี้กลุ่มแรกๆ ในปารีส เขาได้รับการขนานนามว่าเป็นบิดาแห่งกราฟฟิตีลายฉลุ สัมผัสอันเป็นเอกลักษณ์ของเขาคือภาพวาดของหนูซึ่งหมายถึงชื่อของผู้สร้าง ผู้เขียนสังเกตว่าหลังจากจัดเรียงตัวอักษรคำว่า หนู (rat) ใหม่แล้ว ผลลัพธ์ที่ได้คือศิลปะ (art) Blek เคยกล่าวไว้ว่า "หนูเป็นสัตว์อิสระชนิดเดียวในปารีสที่แพร่กระจายไปทุกที่ เช่นเดียวกับสตรีทอาร์ต"

ศิลปินข้างถนนที่โด่งดังที่สุดคือ Banksy ซึ่งเรียก BlekleRat ว่าเป็นอาจารย์หลักของเขา ผลงานเฉพาะของชาวอังกฤษที่มีพรสวรรค์นี้สามารถเงียบทุกคนได้ ในภาพวาดของเขาที่สร้างขึ้นโดยใช้ลายฉลุ เขาเผยให้เห็นสังคมยุคใหม่ด้วยความชั่วร้าย แบงก์ซี่มีสไตล์ดั้งเดิมที่ช่วยให้เขาสร้างความประทับใจให้กับผู้ชมมากยิ่งขึ้น ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจก็คือตัวตนของ Banksy ยังคงปกคลุมไปด้วยความลึกลับ ยังไม่มีใครสามารถไขปริศนาเกี่ยวกับตัวตนของศิลปินได้

ในขณะเดียวกัน Street Art ก็ได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว เมื่อถูกผลักไสให้เคลื่อนไหวตามขอบถนน ศิลปะบนท้องถนนได้ขึ้นสู่เวทีการประมูลแล้ว ผลงานของศิลปินถูกขายไปในราคามหาศาลโดยผู้ที่ครั้งหนึ่งเคยปฏิเสธที่จะพูดถึงเขา นี่คืออะไร พลังแห่งชีวิตแห่งศิลปะหรือกระแสหลัก?

แบบฟอร์ม

ปัจจุบันมีการจัดแสดงศิลปะร่วมสมัยที่น่าสนใจหลายประการ ทบทวนรูปแบบศิลปะร่วมสมัยที่แปลกตาที่สุด จะถูกนำเสนอต่อความสนใจของคุณด้านล่าง

สำเร็จรูป

คำว่า readymade มาจากภาษาอังกฤษ แปลว่า "พร้อม" จริงๆ แล้ว เป้าหมายของทิศทางนี้ไม่ใช่การสร้างเนื้อหาใดๆ แนวคิดหลักในที่นี้ก็คือ การรับรู้ของบุคคลต่อวัตถุนั้นเปลี่ยนแปลงไป ขึ้นอยู่กับสภาพแวดล้อมของวัตถุ ผู้ก่อตั้งขบวนการคือ Marcel Duchamp ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ “น้ำพุ” ซึ่งเป็นโถปัสสาวะพร้อมลายเซ็นและวันที่

อะนามอร์โฟส

Anamorphosis เป็นเทคนิคในการสร้างภาพในลักษณะที่สามารถมองเห็นได้อย่างเต็มที่จากมุมหนึ่งเท่านั้น หนึ่งในตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของเทรนด์นี้คือ Bernard Pras ชาวฝรั่งเศส เขาสร้างสถานที่ปฏิบัติงานนอกชายฝั่งโดยใช้อะไรก็ตามที่อยู่ในมือ ด้วยทักษะของเขา เขาจึงสามารถสร้างสรรค์ผลงานที่น่าทึ่งได้ ซึ่งสามารถมองเห็นได้จากมุมหนึ่งเท่านั้น

ของไหลชีวภาพในงานศิลปะ

การเคลื่อนไหวที่มีการถกเถียงกันมากที่สุดอย่างหนึ่งในศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 คือการวาดภาพที่วาดด้วยของเหลวของมนุษย์ ผู้ติดตามรูปแบบศิลปะสมัยใหม่นี้มักจะใช้เลือดและปัสสาวะ สีของภาพวาดในกรณีนี้มักจะดูมืดมนและน่ากลัว ตัวอย่างเช่น แฮร์มันน์ นิตช์ ใช้เลือดและปัสสาวะจากสัตว์ ผู้เขียนอธิบายการใช้วัสดุที่ไม่คาดคิดในวัยเด็กที่ยากลำบากในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง

ภาพวาดแห่งศตวรรษที่ XX-XXI

ประวัติโดยย่อของการวาดภาพประกอบด้วยข้อมูลที่ปลายศตวรรษที่ 20 กลายเป็นจุดเริ่มต้นของศิลปินที่มีชื่อเสียงหลายคนในยุคของเรา ในช่วงหลังสงครามอันยากลำบาก ทรงกลมแห่งนี้ได้ประสบกับการเกิดใหม่อีกครั้ง ศิลปินพยายามที่จะค้นพบแง่มุมใหม่ๆ ของความสามารถของตน

ลัทธิสุพรีมาติสต์

Kazimir Malevich ถือเป็นผู้สร้าง Suprematism ในฐานะนักทฤษฎีหลัก เขาประกาศว่าลัทธิซูพรีมาติสม์เป็นวิธีชำระล้างงานศิลปะจากสิ่งที่ไม่จำเป็นทั้งหมด ด้วยการละทิ้งวิธีการถ่ายทอดภาพแบบเดิมๆ ศิลปินจึงแสวงหาที่จะปลดปล่อยงานศิลปะจากศิลปะที่พิเศษกว่านั้น งานที่สำคัญที่สุดในประเภทนี้คือ "Black Square" อันโด่งดังของ Malevich

ศิลปะป๊อป

ศิลปะป๊อปมีต้นกำเนิดในสหรัฐอเมริกา ในช่วงหลังสงคราม สังคมเผชิญกับการเปลี่ยนแปลงระดับโลก ตอนนี้ผู้คนสามารถซื้อได้มากขึ้น การบริโภคกลายเป็นส่วนที่สำคัญที่สุดของชีวิต ผู้คนเริ่มถูกยกระดับให้เป็นลัทธิ และสินค้าอุปโภคบริโภคเป็นสัญลักษณ์ Jasper Johns, Andy Warhol และผู้ติดตามขบวนการคนอื่นๆ พยายามใช้สัญลักษณ์เหล่านี้ในภาพวาดของพวกเขา

ลัทธิแห่งอนาคต

ลัทธิแห่งอนาคตถูกค้นพบในปี 1910 แนวคิดหลักของการเคลื่อนไหวนี้คือความปรารถนาที่จะมีสิ่งใหม่การทำลายกรอบของอดีต ศิลปินบรรยายถึงความปรารถนานี้โดยใช้เทคนิคพิเศษ จังหวะที่คมชัด กระแส การเชื่อมต่อ และทางแยกเป็นสัญญาณของลัทธิแห่งอนาคต ตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของลัทธิแห่งอนาคต ได้แก่ Marinetti, Severini, Carra

ศิลปะร่วมสมัยในรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 21

ศิลปะร่วมสมัยในรัสเซีย (ศตวรรษที่ 21) ไหลลื่นจากศิลปะใต้ดินที่ "ไม่เป็นทางการ" ของสหภาพโซเวียต ศิลปินรุ่นเยาว์ในยุค 90 กำลังมองหาวิธีใหม่ๆ ในการบรรลุความทะเยอทะยานทางศิลปะในประเทศใหม่ ในเวลานี้ ลัทธิแอ็คชั่นนิยมของมอสโกได้ถือกำเนิดขึ้น ผู้ติดตามของเขาท้าทายอดีตและอุดมการณ์ของมัน การทำลายเขตแดน (ตามตัวอักษรและเชิงเปรียบเทียบ) ทำให้สามารถพรรณนาทัศนคติของคนรุ่นใหม่ต่อสถานการณ์ในประเทศได้ ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 กลายเป็นศิลปะที่แสดงออก น่ากลัว และน่าตกใจ แบบที่สังคมปิดตัวเองมานานแล้ว การกระทำของ Anatoly Osmolovsky (“ Mayakovsky - Osmolovsky”, “ ต่อต้านทุกคน”, “ สิ่งกีดขวางบน Bolshaya Nikitskaya”), การเคลื่อนไหว“ ETI” (“ ข้อความ ETI”), Oleg Kulik (“ Piglet มอบของขวัญ”, “ Mad Dog หรือข้อห้ามสุดท้าย” ซึ่งได้รับการปกป้องโดย Cerberus ผู้โดดเดี่ยว”) Avdey Ter-Oganyan (“ศิลปะป๊อป”) ได้เปลี่ยนแปลงประวัติศาสตร์ของศิลปะสมัยใหม่ไปตลอดกาล

รุ่นใหม่

Slava PTRK เป็นศิลปินร่วมสมัยจาก Yekaterinburg บางคนอาจนึกถึงงานของเขาโดย Banksy อย่างไรก็ตาม ผลงานของ Slava มีแนวคิดและความรู้สึกที่คุ้นเคยเฉพาะกับพลเมืองรัสเซียเท่านั้น ผลงานที่โดดเด่นที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาคือแคมเปญ "ดินแดนแห่งโอกาส" ศิลปินสร้างคำจารึกจากไม้ค้ำยันบนอาคารโรงพยาบาลร้างในเยคาเตรินเบิร์ก สลาวาซื้อไม้ค้ำยันจากชาวเมืองที่เคยใช้มัน ศิลปินได้ประกาศการกระทำดังกล่าวบนหน้าโซเชียลเน็ตเวิร์กของเขา ซึ่งเพิ่มความน่าดึงดูดใจให้กับเพื่อนร่วมชาติของเขา

พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย

บางที ครั้งหนึ่ง ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 อาจดูเหมือนเป็นสื่อกลาง แต่ในปัจจุบัน ผู้คนจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ มุ่งมั่นที่จะเข้าร่วมในสาขาศิลปะใหม่ พิพิธภัณฑ์จำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ กำลังเปิดประตูสู่วิธีการแสดงออกแบบใหม่ นิวยอร์กเป็นเจ้าของสถิติในสาขาศิลปะร่วมสมัย นอกจากนี้ยังมีพิพิธภัณฑ์สองแห่งที่นี่ซึ่งเป็นหนึ่งในพิพิธภัณฑ์ที่ดีที่สุดในโลก

ห้องแรกคือ MoMA ซึ่งเป็นที่เก็บภาพวาดของ Matisse, Dali และ Warhol ประการที่สองคือพิพิธภัณฑ์ สถาปัตยกรรมที่แปลกตาของอาคารอยู่ติดกับผลงานของ Picasso, Marc Chagall, Kandinsky และอื่น ๆ อีกมากมาย

ยุโรปยังมีชื่อเสียงในด้านพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยอันงดงามแห่งศตวรรษที่ 21 พิพิธภัณฑ์ KIASMA ในเฮลซิงกิช่วยให้คุณสัมผัสวัตถุที่จัดแสดงได้ ศูนย์กลางในเมืองหลวงของฝรั่งเศสสร้างความประหลาดใจด้วยสถาปัตยกรรมที่แปลกตาและผลงานของศิลปินร่วมสมัย พิพิธภัณฑ์ Stedelijkmuseum ในอัมสเตอร์ดัมเป็นที่จัดแสดงคอลเลกชั่นภาพวาดที่ใหญ่ที่สุดของ Malevich เมืองหลวงของบริเตนใหญ่มีวัตถุศิลปะร่วมสมัยจำนวนมาก พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่เวียนนาจัดแสดงผลงานของ Andy Warhol และศิลปินร่วมสมัยผู้มากความสามารถคนอื่นๆ

ศิลปะร่วมสมัยแห่งศตวรรษที่ 21 (จิตรกรรม) - ลึกลับเข้าใจยากน่าหลงใหลได้เปลี่ยนเวกเตอร์ของการพัฒนาไปตลอดกาลไม่เพียง แต่ในขอบเขตที่แยกจากกันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชีวิตทั้งชีวิตของมนุษยชาติด้วย สะท้อนและสร้างความทันสมัยไปพร้อมๆ กัน ศิลปะแห่งความทันสมัยเปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลาทำให้บุคคลที่รีบร้อนอยู่ตลอดเวลาหยุดชั่วขณะหนึ่ง หยุดจดจำความรู้สึกที่อยู่ลึกข้างใน หยุดเร่งฝีเท้าอีกครั้งและเร่งรีบเข้าสู่วังวนของเหตุการณ์และเหตุการณ์ต่างๆ