Стили и направления живописи. Как выработать собственный стиль в иллюстрации

Когда вы рисуете лицо, первое, что вы должны сделать – подготовить основу. Вы так делаете? Если да, то как она выглядит?

Я использую круг и линию. Теперь важный вопрос: почему?

Ну и ну. Все же просто. Линия и круг представляют собой череп, поделенный пополам! «Не-е-т» - скажете вы – «анатомия отстой!». Да, вы правы. Но прислушайтесь ко мне.

Важными особенностями черепа, которые вы обязательно должны знать, являются относительные пропорции черепной коробки и челюсти, а также положение глазниц, носа и зубов. Запомните, круг представляет собой сферу.

Я рисую горизонтальные линии, в основном, чтобы показать, где будут располагаться брови, глаза, нос и рот. Раз череп – это сфера, то и линии будут изогнутыми, под каким углом вы бы на них не смотрели. Обратите внимание, в каком направлении изогнуты линии в этом и других примерах.

Очень важно понимать, где будут располагаться глаза, нос и зубы, потому что они определяют положение основных черт лица.

Нажмите на картинку, чтобы посмотреть изображение в полном размере и 100% качестве.

Я часто пользуюсь правилом, которое гласит: глаза и нос образуют равнобедренный треугольник.

ОТЛИЧНО. Итак, на этом этапе неплохо бы пройтись по самым важным частям лица. Запомните их геометрию!

ГЛАЗА

Они сферичны. Сфера проникает в ваше лицо (романтично, знаю).

Извините, зрачки получились мелкими.

Что делает глаза старыми, молодыми, настороженными, удивленными? Каким образом брови могут помочь в передаче различных эмоций?

Чтобы проверить, туда ли смотрят ваши глаза, просто уберите радужку глаз. Если зрачки смотрят туда, куда нужно, значит все хорошо! Ура.

НОС

Носы обычно представляют собой пирамиды с ноздрями, расположенными на нижней поверхности! Линия, проходящая по центру пирамиды, соответствует меридиану на эскизе.

Существует огромное количество вариаций на тему носа! Учитывайте длину, округлость, заостренность, размер ноздрей, и т.д. Можно поискать и другие уроки, посвященные конкретно носам!

От формы рта зависит и форма губ. Чем короче длинна рта (закрытого, с вытянутыми губами), тем полнее будут губы. Чем рот длиннее (в улыбке, при крике), тем губы тоньше.

Со ртом довольно сложно работать, но вполне возможно. Нужно помнить о положении зубов в черепе! И то, что рот соединен с глоткой.

Форма губ тоже очень зависит от множества факторов. Нужно разграничивать толстые и тонкие губы. Прямые и изогнутые. Полную верхнюю или полную нижнюю. Ох.

К счастью, вы все это и так знали. Теперь перейдем к самому интересному: перенесем все на лицо! Ах да, даже форму лица вы можете делать, какой захотите! Если вы не хотите себя утруждать, можете пойти путем аниме и штамповать одинаковые лица, как будто их шлепнул лопатой. Но если вы себя уважаете, то наверняка знаете, что у всех людей разные формы лица.

Нажмите на картинку, чтобы посмотреть изображение в полном размере и 100% качестве.

Разница между худым и толстым лицом лишь в том, где этот жир отложился! Когда работаете с жиром на лице, обратите внимание на щеки, челюсть и шею.

Другие места, на которые следует обращать внимание: скулы, брови, подбородок, и расстояние между всеми этими деталями…

Вы сделали это! :D Теперь нужно собрать все свои знания и применить их так, чтобы создать живое, дышащее лицо. Это значит, что нужно добавить угол и эмоции, мы же не смотрим в одну точку как роботы. Ну, большинство из нас.

Когда вы наклоняете голову, не забудьте изогнуть все линии в направлении черепа!

То же правило круга и линии применяется и при виде сзади! Просто представьте, что видите их насквозь.

Когда голова разворачивается вверх, то и линии следуют тому же пути. И наоборот, когда голова наклоняется, линии направляются вниз. Самые удаленные части (лоб и, соответственно, подбородок) попадают под ракурсное сокращение.

Последние комментарии

1. В лице все дело в геометрии. Не важно, каким крутым вы себя считаете, но если вы возьметесь все делать наугад, уверен, получится погано. Так что не нужно гадать! Чтобы нарисовать круг и пару линий нужно всего пару секунд. И даже не думайте о деталях, пока не построите хорошую конструкцию. Убедитесь, что важные элементы выстроены ровно по линиям на черепе и лице.
2. Избегайте похожих лиц.
3. Если вы не уверены на счет пропорций в лицах, переведите рисунок в Photoshop, и если лицо смотрится нормально при повороте рисунка по горизонтали/вертикали, значит вы чертовски круты.
4. Лица бывают разные. Изучите своих родственников, к примеру (своих или чужих). Присмотритесь, что у них общего, а что отличается!

Рисование человека может стать самым ярким и глубоким опытом в жизни художника. Cегодня мы подготовили для вас советы от известного итальянского художника Джованни Чиварди из книги «Рисование фигуры человека» . Пусть эти знания станут источником вдохновения и творческим стимулом, помогающим передавать настроение и воспоминания в форме рисунка.

Рисовать фигуру человека и портрет можно любыми материалами - от карандашей до акварели. Карандаш - наиболее распространенный инструмент в силу своей низкой стоимости и универсальности. Уголь прекрасно подходит для выполнения быстрых рисунков с сильным тональным контрастом и менее пригоден для проработки мелких деталей. Для туши рекомендуется плотная и гладкая бумага хорошего качества. Смешанная техника - это одновременное сочетание разных материалов на одном рисунке.

Экспериментируйте в поисках собственных приемов, которые позволят добиться наибольшей выразительности, и старатесь извлекать пользу из случайных эффектов.

Основы пластической анатомии

Художники изучают анатомию с целью осмысленного изображения фигуры человека. Чтобы воспроизвести ее достоверно, нужно не просто видеть, но и понимать, что рисуешь.

Благодаря знанию анатомии, изображение становится более убедительным и живым, чем сама натура.

В целом форма тела определяется скелетом как основной несущей структурой, мышцами, обтягивающими его, и верхним слоем, состоящим из жирового покрова. Полезно узнать и запомнить относительные размеры сочленяющихся костей и их пропорции относительно друг друга и всего скелета, потому что без этой информации невозможно «переложить» фигуру на бумагу и приобрести навык логично и последовательно изображать ее.

Ниже изображены основные кости черепа и шеи вместе с кожей, хрящами, жиром, мышцами, волосами и прочим в виде слоев.

Скелет мужского торса, заключенный в контуры тела, во фронтальной, латеральной и дорсальной плоскостях. Эти рисунки помогут расширить понимание формы тела.

Верхние и нижние конечности в разных плоскостях. Как и на предыдущем рисунке, скелетная структура показана внутри контуров тела.

Художнику важно учитывать три основных аспекта мышц: их внешний вид (форма, размер, объем), расположение (где она находится относительно скелетной структуры и соседних мышц, насколько глубоко или поверхностно) и ее механизм (функцию, направление мышечной тяги, соответствующие изменения формы и пр.).

Пропорции

Чтобы рисунок вышел правдоподобным, необходимо учитывать пропорции тела и головы. Высота головы от лба до подбородка часто принимается за единицу измерения для определения пропорций тела. Рост стандартной фигуры - примерно 7,5-8 голов. Запомните еще несколько пропорциональных отношений: голова трижды укладывается в общую высоту туловища с шеей, длина верхних конечностей также равняется трем головам, а нижних - трем с половиной.

Несмотря на различия между отдельными индивидуумами, их можно разделить на три основные группы типов со схожими характеристиками внутри каждой - эктоморфы, мезоморфы и эндоморфы.

Кисти и стопы

Легко понять, почему руки и стопы с их устройством и разнообразием возможных жестов считаются самыми сложными для убедительного воспроизведения частями тела, как в рисунке, так и в живописи и скульптуре.

Рисовать свои кисти и стопы - лучший способ изучить их максимально подробно. Вы сможете убедиться, что получаются вполне достойные штудии, сравнимые с рисунками лица, а может быть, даже более выразительные.

Сначала выполняется быстрый (но прилежный) набросок в нужном ракурсе и позе, затем с помощью его «геометризации» передают необходимую анатомическую информацию и объем, после чего производится уточнение деталей и индивидуальных очертаний.

Так же как для головы и тела, полезны будут знания о строении костей стоп и кистей.

Порисуйте свои собственные кисти рук и стопы в разных положениях. Можно использовать зеркало. Берите разные предметы в руки и передавайте динамику и настроение жеста в рисунке.

Голова, лицо, портрет

Основной интерес для художника всегда представляли лицо и фигура. Портрет - это не просто воспроизведение физических черт с целью узнаваемости конкретного персонажа. Это рассказ посредством мимики о его личности, мыслях и эмоциях.

Как нарисовать голову и черты лица, мы подробно рассказывали в статье.

Наброски человека в скетчбуке

Наброском называют быстрый, спонтанный рисунок с натуры, выполненный в сжатые сроки несколькими информативными линиями. Рисовать людей в естественной обстановке, которые не позируют специально и наверняка не догадываются, что их рассматривают и изображают, поначалу покажется сложным. Но реальной причины бояться или теряться нет - вряд ли кто-то будет обращать внимание на то, чем вы заняты.

Умение изображать незнакомых людей в любой позе и при любых обстоятельствах важно для развития технических навыков и оценочного суждения. И, конечно же, регулярная практика набросков отточит дар наблюдательности и интерпретации, научит смотреть глубже и принимать быстрые, уверенные, понятные и точные решения.

Несколько коротких советов о том, как делать наброски с натуры:

• Заведите привычку всегда носить с собой карандаш и маленький скетчбук - такой, который легко поместится в сумку или карман, - на случай если что-то привлечет ваше внимание или покажется интересным.
• Стоит стремиться повысить наблюдательность и умение вычленять главное и одновременно координировать зрительное восприятие, оценочное суждение и движения руки во время выполнения рисунка.
• Не старайтесь отразить на бумаге все, что видите на натуре. Учитывая ограниченное количество времени и риск изменения позы модели в любую секунду, сосредоточьтесь на главном.
• Чтобы научиться использовать свою память для воспроизведения последовательности базовых фаз движения, понадобится максимальная концентрация в наблюдении за людьми.

Если вас все еще смущает мысль о рисовании людей с натуры (учтите, что, если кто-то заметит, что вы делаете, одни могут быть польщены, а другие с недовольством уйдут), подготовиться к этому психологически и обрести некоторую уверенность может помочь рисование статуй и скульптур в музеях или памятников в общественных местах.

Уточните, можно ли в музее делать наброски, и если да, то смело отправляйтесь туда и зарисовывайте скульптуры с разных ракурсов.

Так учат рисованию в Париже - во дворике Лувра со скульптурами.

Этапы рисования

Если вы рисуете фигуру целиком (в одежде или обнаженную), можно сначала провести несколько быстрых, светлых линий, чтобы наметить пространство, которое она займет на листе бумаги (максимальная высота, максимальная ширина и др.). Затем наметьте основные части тела (голову, торс и конечности) с учетом относительных пропорций.

Закончите рисунок существенными контурами, тенями и деталями, которые невозможно опустить. Сотрите вспомогательные линии, если нужно.

В книге «Рисование фигуры человека» каждый раздел разобран максимально подробно, есть подробные изображения скелета человека в разных плоскостях. Подробно рассказано, как нарисовать фигуру мужчины, женщины, ребенка, пожилого человека, как изображать обнаженную натуру и человека в одежде.

1. Изучайте известных художников

Изучайте известных художников прошлого и настоящего. Рассматривайте их работы и старайтесь определить, как именно им удалось заложить основы современной иллюстрации. Изучая знаменитых художников:

• Обратите внимание на то, как они используют композицию, цвет и линии, чтобы вдохнуть жизнь в свои творения.
• Определите тональность и линии ваших любимых художников и попробуйте их повторить, используя те же цвета или те же линии.
• Изучите материалы, которые они использовали, и попробуйте сами пройти тот же путь создания произведения искусства, используя те же материалы.
• К известным художникам прошлого относятся, например, Jean Andre Castaigne, Edwin Austin Abbey, и Rose O"Neill. К известным художникам современности относятся такие, как Pat Perry, Dagna Majewska и Mouni Feddag.

2. Посещайте музеи искусства и выставки

Посещайте музеи искусства и выставки, это даст вам возможность рассмотреть произведения другого художника лично, это в корне отличается от просмотра картинки произведения в книге или в сети. Поищите в интернете информацию о том, какие галереи открыты поблизости. Может вам захочется поискать более подробную информацию и найти художников, которые используют те же выразительные средства или рисуют на ту же тематику, что и вы.

• Обратите внимание на стиль и технику и выделите то, что вам нравится в произведениях других художников.
• Когда вы рассматриваете работы лично, вы можете увидеть те моменты, которые не так заметны на фото, как, например, текстура рисования.

3. Приобретайте книги по искусству и графические романы

В графических романах сюжет раскрывается с использованием последовательности изображений и текста. В отличие от комиксов, графические романы более объемно и комплексно раскрывают сюжет. Выберите графический роман и обратите внимание на использование в нем различных стилей. Книги по искусству, с другой стороны, в качестве пособия позволяют рассмотреть различные произведения искусства уважаемых вами художников. Их особенно полезно приобретать в том случае, если вы не знакомы с творчеством данного художника, и нет возможности сходить в музей.

• Самыми простыми видами графического романа являются манги, истории про супергероев, рассказы о себе и научная литература.
• К самым популярным графическим романам относятся такие, как Дядюшка Скрудж, Пересполь и Маус.
• Популярны такие современные книги об искусстве, как "Every Person in New York," "Beastly Verse," и "Beloved Dog."

Метод 2. Развивайте свой стиль

1. Используйте различные выразительные средства

Использование различных выразительных средств поможет обратить внимание на новые стили в искусстве, и это может оказать влияние на ваш теперешний стиль. Если вы всегда рисуете с использованием лишь одного средства, подумайте о том, чтобы перейти на другое, которое используете гораздо реже. Например, если вы всегда рисуете карандашом или ручкой, попробуйте, например, пастель или уголь. Пока вы будете осваивать новую технику рисования, это может благотворно повлиять на ваш стиль в целом.

• Если у вас есть склонность к рисованию, вы также можете попробовать себя и в других формах искусства, таких как скульптура или живопись.

2. Применяйте различные техники рисования

Иногда художник увлекается рисованием в определенной технике, и все свои последующие работы выполняет только в ней. Например, если вы всегда рисовали в стиле аниме, это может помешать рисовать другие интересные вам вещи. Раздвигайте свои границы и перенимайте опыт окружающих вас художников-новаторов.

• Есть такие стили, как фотореализм, сюрреализм, абстракция и манга.
• Если вы всегда рисовали комиксы, попробуйте нарисовать что-то реалистичное.
• Рисование в различных стилях поможет отработать ваши навыки.

3. Определите, что именно вам нравится рисовать больше всего

Разным художникам нравится рисовать разные вещи. Некоторые художники предпочитают изображать образы людей, в то время как другим нравится писать неживые предметы или пейзажи. Кроме того, часть художников рисуют архитектуру, а некоторые любят рисовать эскизы одежды. Подумайте о том, что вы хотели бы отобразить в своих работах и решите, какой сюжет вам интересен больше всего.

• Некоторые художники добились признания рисованием на определенную тематику, например, Georgia O"Keeffe широко известна благодаря натуралистичному изображению цветов.

4. Выражайте себя в своих рисунках

Сосредоточьтесь на своих эмоциях и вспомните свои любимые темы и постарайтесь отобразить их в своих произведениях. Например, если вы хотите передать темные эмоции, вы можете отобразить их в своем произведении, нарисовав серьезный сюжет, жестокую или угнетающую сцену. Покажите, что вы расстроены, используя резкие, неровные линии. Если вы хотите изобразить безмятежные сцены, используйте размытые яркие цвета и выберите сюжет, которым все будут любоваться.

• Постарайтесь быстро рисовать основные моменты вместо того, чтобы стремиться к совершенству, теряя при этом много времени на прорисовывание деталей.
• Постарайтесь нарисовать сюжет за полминуты или даже меньше. Передавайте форму и идею изображения, а не тратьте время на мельчайшие детали.
• Многие художники придерживаются в своих работах схожих тем, цветов, линий и техник рисования, по которым их и узнают в массе остальных художников.
• В порыве вдохновения меньше концентрируйтесь на том, чтобы проявить свой стиль, больше фокусируйтесь на выражении своих эмоций на бумаге.

5. Определитесь со стилем линий

Как только вы определились со средством выражения и с тематикой, самое время представить, как будет выглядеть результат. Продумайте толщину линий и то, как вы их будете использовать в работе. Спросите себя, нравится вам использовать жирные четкие или более сложные линии, будут они короткими и резкими или скорее плавными и длинными. Определитесь, главный акцент будет на линиях или же цвета и детали для вас важнее?

• Используйте различную толщину линий, но в целом старайтесь сохранить единый стиль.
• То, как вы делаете набросок рисунка, окажет влияние на ваш стиль.

6. Определитесь с цветами, которые вы будете использовать

Зачастую именно от цвета зависит то, какие эмоции и чувства будет вызывать произведение. Часто более темные тона, такие как темно-синий (dark blue) и черный (black) производят жутковатое впечатление от произведения в целом, а светлые тона, такие как желтый (yellow), красный (red) и оранжевый (orange) вызывают позитивные эмоции. Интенсивность и метод нанесения также меняют общее впечатление от картины.

• Определитесь, будет ли цвет играть роль в ваших произведениях, например, некоторые художники предпочитают рисовать в черно-белом цвете.
• Вы можете раскрашивать свои работы красками, пастелью, цветными ручками, а можете сканировать их и раскрашивать с помощью специальных программ.

Метод 3. Совершенствуйте свои умения

1. Запишитесь на курсы обучения основам рисования

Школьное образование далеко от творчества, а на курсах можно изучить основные художественные техники, такие как затенение, добавление текстуры и композиция. Изучите все предлагаемые поблизости курсы и выберите те, что больше всего вас заинтересуют.

• Даже если вы рисуете уже не первый год, обучение на курсах откроет вам много нового и сблизит вас с другими художниками.
• При поиске курсов необходимо обратить особое внимание на график работы и их стоимость.
• В дополнение к тем базовым техникам, которыми должны владеть все художники, на курсах обучают более продвинутым техникам, таким как гравюра, рисунок пунктиром и штрихование.

2. Практикуйтесь часто и помногу

Быстрые зарисовки или рисование эскизов на курсах может помочь отточить ваши способности, в то время как целенаправленная и сконцентрированная практика позволяет значительно улучшить вашу технику. Выделите время на то, чтобы сесть и усердно поработать в вашем новом стиле. Выделите моменты, которые даются вам с трудом и отрабатывайте именно их.

• Например, если у вас получается рисовать лица, но плохо получается изображать тело, выделите дополнительное время на рисование человеческого тела и рисуйте до тех пор, пока у вас не станет получаться.
• Убедитесь, что вы себя чувствуете в комфортно, и тогда ваше занятие будет особо плодотворным.

3. Общайтесь с преподавателями и художниками

Ваш стиль для вас является уникальным, но не давайте вашему эго препятствовать улучшению вашего стиля. Искусство очень субъективно, но есть вещи, которые вы можете сделать для того, чтобы улучшить вашу технику независимо от вашего опыта. Открыто и честно обсуждайте свои работы и следуйте совету, если считаете, что он того заслуживает.

• На многих курсах есть возможность услышать критику, когда другие художники комментируют вашу работу и дают советы, как ее можно улучшить.
• Не расстраивайтесь, если вам дали неприятную оценку. Вместо того, чтобы обижаться, обдумайте, что было сказано и продумайте, как можно улучшить результат.
• Вы можете сказать, "Вы меня не заденете. Я просто хочу знать, как сделать мои рисунки более привлекательными для людей. Можете мне что-нибудь посоветовать?"

4. Будьте особенным

Теперь, когда вы постигли базу, вам нужно попытаться развить стиль, который будет уникальным. Черпайте вдохновение в работах различных художников, разных стилях, и разных техниках, и выберите понравившиеся приемы. Не нужно становиться подражателем другого художника. Старайтесь идти своим путем.

• Например, вы можете использовать динамичные цвета от Matt Lyon и скомбинировать их с черно-белым стилем с жирными линиями как у Matthieu Bessudo, чтобы получить свой особенный стиль.
• Экспериментируйте и это принесет результаты, которые отразятся на вашем стиле.

ВИДЕО: Как найти свой АВТОРСКИЙ стиль в рисовании

Приложите к фотографии листок бумаги и переведите ее. Упростите волосы до «лоскутов», увеличьте глаза и сделайте в зрачках большие блики. Аниме-портрет готов. Но достаточно этого, если вы хотите знать, как нарисовать себя в

Вы прочитали описание процесса создания многих героев мультиков. А ведь у стиля аниме есть достаточно нюансов и особенных деталей. Персонажи из манги сразу бросаются в глаза, и невозможно их перепутать с любыми другими героями обычных мультфильмов. Изучите это, и тогда вам будет просто рисовать портреты в стиле аниме.

Выражение лица

Хотите передать эмоции, но не знаете как? Нарисовать лицо в стиле аниме одно дело, другое - передать Эмоции рисуются достаточно упрощенно, можно даже сказать, символами.

Например, розовые черточки на щеках показывают, что герой смущен, широко раскрытый рот с оскалом при разговоре - он рассержен, две дуги вместо глаз - глаза закрыты, и, вероятнее всего, персонаж испытывает удовольствие.

Однако, не изучая эту «азбуку», можно легко угадать душевное состояние героя. Если на портрете человек улыбается, посмотрите, как это изображается в аниме-стиле, и сделайте так же.

Динамика

Рисовать голову легко в анфасе. Но это скучно и быстро надоедает. Как нарисовать себя в стиле аниме, чтобы голова была динамичной? Представьте, что голова - это шар. Начертите ровно посередине линию, на которой будут расположены глаза. Теперь поверните этот шар вместе с линией, чтобы поменять угол движения.

Проведите линии для носа и губ и затем прорисуйте лицо в деталях. Работу всегда нужно делать, намечая фигуры. Детально прорисуете - и окажется, что получилось совсем не то движение, какое хотелось бы.

Главные ошибки

Аниме в портретах подчиняется общим правилам. Нос, глаза, рот, уши занимают свое положение на голове. Если вы не можете нарисовать обычную голову, о том, как нарисовать портрет в стиле аниме, вам рано думать. Мастерство зависит от опыта.

Рисуйте больше набросков, практикуйтесь. Это помогает выявлять ошибки и в конечном итоге их исправлять. Таким образом, вместо того, чтобы каждый раз открывать руководство по рисованию портрета в стиле аниме, изучите список общих ошибок, которые вы должны учитывать, и старайтесь их устранить.

Располагаются ли глаза равномерно на линии? У многих начинающих художников не получается нарисовать одинаковыми глаза, они и не знают, что делать с этим и как. Нарисовать себя в стиле аниме - это не только сделать глаза размером с галактику. После того как вы нарисуете их, отметьте снизу и сверху крайние точки и проведите через них линии. Это поможет выяснить, ровно ли нарисованы глаза.

Находится ли подбородок по центру между ними? Проведите линию вниз по центру лица между глазами и убедитесь, что подбородок на этой линии. Она также должна пересекать рот и нос. По центру, на трети или четверти - это зависит от перспективы, в которой находится голова.

Находятся ли уши на одном уровне с глазами? Верхняя точка ушной раковины располагается на уровне бровей. Мочка - на одной линии с кончиком носа. Но это индивидуальные величины, так что могут быть отклонения от заданных правил - учитывайте это.

Смотрите аниме, снятые по манге разных авторов, чтобы не задаваться вопросом о том, как нарисовать себя в стиле аниме. Изучайте разные стили манги и одновременно наслаждайтесь просмотром. Многие отаку (заядлые анимешники), не изучая принципов, с первого раза делают хороший «анимешный», рисунок.

Под стилем понимают сформировавшийся комплекс изобразительных приемов, выразительных средств, идентифицирующий художественную самобытность явления искусства. Слово «стиль» происходит от лат. stilus, от греч. stylos, что означает «остроконечная палочка для письма». Стили между собой неравнозначны — какой-то стиль существует веками, какой-то был актуален всего несколько лет. Деление творчества художников на стили, или направления, носит условный характер. Происходит это потому, что четко обозначить границы того или иного стиля не представляется возможным. Количество стилей и их виды – величина непостоянная; непрерывно происходят движения, изменения, развитие. Существует практически бесконечное их разнообразие.

Абстракционизм

В.В. Кандинский «Доминирующая кривая»

Абстракционизм (от лат. abstractio — удаление, отвлечение) – направление в живописи, характеризуемое отказом от стремления к максимальному приближению изображаемых предметов к формам реального предметного мира. Абстракционизм еще называют «искусство под знаком «нуля форм»», «беспредметное искусство», «нонфигуративное искусство», «беспредметничество». Абстракционизм как направление сложился в 10-х гг. ХХ в., и является крайней степенью проявления модернизма. Художники этого направления при создании произведений использовали только формальные элементы, такие как: линии, цветовые пятна, конфигурации. В ХХ веке в России наиболее яркими представителями абстракционизма являются В. Кандинский, Казимир Малевич (автор очень известной картины «Черный квадрат»), а также создатель супрематизма и Михаил Федорович Ларионов, который был основоположником такого течения как «лучизм» (1910-1912 гг. ХХ в.).

М.Ф. Ларионов «Лучистые линии»

С позиции лучизма , целью живописи выступает изображение не самих предметов, а отраженных от них цветовых лучей, т.к. это в наивысшей мере близко к тому, как предметы воспринимаются человеческим глазом. В лучизме работали: Михаил Лё-Дантю, Н.С. Гончарова, С.М, Романович.

Авангардизм

Авангардизм (от франц. avant-gardisme, от avant-garde — передовой отряд) – совокупность направлений искусства, для которых характерны недооценка и разрыв с существовавшими прежде канонами и традициями творчества, непрерывный поиск новых форм выражения, возведение новаторства в ранг важнейшей ценности. Сам термин «авангардизм» появился в 20-х гг. ХХ в. и окончательно утвердился в 50-х гг. В различные периоды к авангардизму относили различные направления (кубизм, футуризм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм, и др.)

Академизм

К. Брюллов «Всадница»

Академизм (от фр. academisme) – направление в живописи, характеризуемое возведением в идеал и строгим следованием определенным канонам. Данное направление выделяли в живописи XVI-XIX вв., когда нормы какой-либо художественной школы возводились в ранг эталона, образца для остальных. С одной стороны, академизм способствовал приведению в систему художественного образования и закреплению традиций; с другой, разрастался в бесконечную систему «предписаний». В качестве основы произведений академизм понимал искусство античности и итальянского Возрождения. Например, при обучении в художественных академиях обязательным было выполнение дипломных работ на мифологические, исторические или библейские сюжеты. Избрание других тем не позволялось, что повлекло за собой неизбежный разрыв между реалиями жизни и искусством. Протесты художников против следования существующим канонам постепенно привели к тому, что термин «академизм» приобрел негативную окраску.

Акционизм

Акционизм (от англ. action art — искусство действия) – направление искусства, характеризуемое отвлечением внимания зрителя с самого произведения на процесс его создания. Близки к акционизму хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм искусства. Акционизм возник в 60-е гг. ХХ в. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью, вовлекая зрителя/художника в какое-либо действие, акцию.

Ампир

Ж.Л. Давид «Клятва Горациев»

Ампир (франц. empire - империя от лат. imperium- командование, власть) – суть этого направления искусства отражена в названии. Для него характерно отображение на картинах мощи и силы армии, величия государства; достигалось это обращением к древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансным фрескам и орнаментам. Ярче всего ампир проявился в архитектуре. Ампир возник во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Как и классицизм, ампир строго следует канонам. Но имеет ряд особенностей: для ампира характерно использование ярких цветов – красного, синего, белого с золотом; композиция картины построена (как правило) на контрасте однотонных поверхностей интерьера, посуды и минимального орнамента, расположенного в строго отведенном месте, тогда как в классицизме границы интерьера размыты. Ампир – стиль жесткий, холодный. Ему присущи монументализм, лаконизм. Декоративные мотивы стиля ампир состоят в основном из элементов древнеримского военного снаряжения: легионерских знаков с орлами, связок копий, щитов, пучков стрел, дикторских топоров.

Андеграунд

Л. Кропивницкий «Неопровержимые доводы»

Андеграунд (от англ. underground — подполье, подземелье) – направление в искусстве, характеризуемое противопоставлением массовой культуре, существующим ограничением и условностям; намеренным нарушением принятых норм. Андеграунд возник в США в конце 50-х гг. ХХ в. В советское время под понятие «андеграунд» подпадало практически любое неофициальное (неодобренное властью) искусство. Темы, наиболее часто фигурировавшие в произведениях данного стиля — «сексуальная революция», наркотики, проблемы маргинальных групп. После распада СССР и снятия запретов на свободу творчества, андеграунд потерял свою актуальность и суть.

Арт-деко

Т.де Лемпицке «Кизетта на балконе»

Арт-деко, также ар-деко (от фр. art deco, сокр. от decoratif , букв. «декоративное искусство») – эклектичный стиль, который представляет собой смешение нескольких направлений таких как модерн, неоклассицизм, а также кубизма, футуризма и конструктивизма. Характерные черты: богатая палитра цветов, роскошь, шик, множество орнаментов, следование закономерностям, но вместе с тем использование смелых геометрических форм, необычное сочетание дорогих и экзотических материалов (слоновая кость, кожа крокодила, серебро, черное — эбеновое дерево, перламутр, бриллианты, шагреневая кожа, даже шкурки ящериц). Часто изображались фантастические существа, томные бледные женщины с распущенными волосами. От картин, написанных в стиле арт-деко веет усталостью, пресыщенностью. Стиль арт-деко возник во Франции в 20-х гг. ХХ в., позже распространился по всему миру (к 40-м гг.). Арт-деко называют последним из художественных стилей, «соединявшим несоединимое».

Барокко

П.П. Рубенс «Портрет маркизы Бригитты Спинола Дориа

Барокко — направление в искусстве, характеризуемое изобилием декоративных подробностей, пышностью, грандиозностью, контрастностью (света, тени, материалов, масштабов), тяжестью, колоссальностью при создании произведений. Отдельного внимания заслуживает история происхождение этого слова, т.к. до конца не выяснено, от какого слова первоначально было образовано название этого стиля. Слово «барокко» в португальском языке использовалось моряками как название бракованных жемчужин причудливой, искаженной формы (perola barroca). Позже, в середине XVI в. это слово было заимствовано итальянцами и стало синонимом грубого, фальшивого, неуклюжего. Французское слово «baroquer» у ювелиров означало «смягчить контур, сделать форму более живописной»; а в 1718 г. Это слово появилось во французских словарях и трактовалось как ругательное. В связи с чем это слово долго отказывались использовать как название стиля в искусстве. Сам стиль барокко возник около 1600 г. в Италии и Риме, позже распространился по всей Европе и стал одним из главенствующих стилей в архитектуре и искусстве европейских стран конца XVI - середины XVIII вв. Самые яркие представители барокко в живописи – П. Рубенс и М. Караваджо.

Веризм

Дж. Фаттори «Битва при Монтенбло»

Веризм (от итал. il verismo, от слова vero - истинный, правдивый) - направление в искусстве, характеризуемое стремлением наиболее полно передать правдивость, истинность описываемых событий. Сам термин возник еще в XVII веке и служил для обозначения реалистического течения в живописи барокко. Позднее (во второй половине XIX века) термин приобретает другое значение, отражая стремление не к реализму, а к натурализму.

Возрождение, или Ренессанс

Возрождение, или Ренессанс (от фр. renaissance, итал. Rinascimentoм- возрождение) - одно из важнейших направлений искусства, характеризуемое антропоцентризмом (интерес к человеку и его деятельности), светским характером культуры, гуманистическим мировоззрением, обращением к античному культурном наследию (т.е. происходит «возрождение»). Достаточно сложно установить хронологические рамки ренессанса: в Италии XIV-XVI вв., в других странах – XV-XVI вв. Художники по-прежнему обращаются к традиционной религиозной тематике, но вместе с тем начинают использовать в своих полотнах и новые художественные приемы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане. Это позволяет достичь большей реалистичности изображения, «оживляет их». Ренессанс характеризуется изменениями в культуре общества в целом, касающимися ориентации и содержания искусства; человек и окружающий его мир утверждается как наивысшая ценность. Возрождение оказало сильно действие на все последующее развитие европейского искусства.

Готика

«Богоматерь с младенецм» витраж собора в Шартре, созд. до 1200 г.

Готика (от итал. gotico — непривычный, варварский) – направление, возникшее в середине XII в., характеризуется органической связью изобразительного искусства с архитектурой и интерьером, сложностью и богатством композиции, одухотворённостью и возвышенностью образов. В эпоху Возрождения это искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику. Шедеврами готического стиля стали знаменитые европейские соборы, которые так любят фотографировать в мельчайших деталях туристы. В оформлении интерьеров готических соборов важная роль отводилась цветовым решениям. В наружном и внутреннем убранстве царило обилие позолоты, светоносность интерьера, ажурность стен, кристаллическая расчлененность пространства. Лучшие образцы подлинных готических витражей открыты обозрению в соборах Шартра, Буржа и Парижа.

Дадаизм, или дада

Ф. Пикабиа «Парад любви»

Дадаизм, или дада – направление в искусстве, характеризуемое отрицанием канонов, стандартов искусства, бессистемностью и разочарованностью, иррациональностью. Дадаизм возник в Швейцарии как ответные действия творческих личностей на Первую мировую войну. Швейцария соблюдала нейтралитет, и художники могли наблюдать жизнь беженцев и дезертиров. Основная идея дадаизма заключалась в последовательном разрушении всяческой эстетики. Объяснение этому – причиной войн и конфликтов дадаисты полагали рациональность и логику. Протестуя против этого, в своих произведениях они разрушали и отказывались от эстетики, принятых норм. Термин «дадаизм» происходит от слова «дада», имеющего несколько значений: хвост священной коровы; мать, детская деревянная лошадка, удвоенным утверждением в (русском и румынском языках); а также младенческий лепет. В целом – что-то бессмысленное, что и отразило суть этого стиля. Распространенной формой творчества дадаистов был коллаж. Этот стиль быстро себя исчерпал, однако оказал большое влияние на развитие искусства. Считается, что дадаизм явился предшественником сюрреализма.

Декадентство

Декадентство (от фр. décadence, décadentisme - упадок, упадочничество) – собирательное наименование явлений в искусстве, вызванных кризисом традиционных идей и ценностей. Было распространено во второй половине ХIХ — начале XX в. Характерные черты: настроения уныния, пессимизма, отрицание исторически сложившихся духовных идеалов и ценностей, неприятие обыденной реальности, принципиальная аполитичность, склонность к иррационализму и мистицизму, смутная тоска по неземному идеалу, нарочитая неясность и загадочность образов, мотивы скепсиса и безнадежности, интерес к эротике, пристальное внимание к теме смерти. Декаденты требовали создания новых форм в искусстве, не предлагая конкретных мер и идей. Философским основанием выступили идеи А. Шопенгауэра, Ф. Ницше, Э. Гартмана, М. Нордау.

Импрессионизм

Импрессионизм (франц. impressionnisme, от impression – впечатление) – направление в искусстве, характеризуемое стремлением запечатлеть красоту реального мира «так как она есть», передать ее изменчивость, отразить свои мимолетные впечатления. Импрессионизм возник во Франции, период существования можно отметить как последняя треть XIX – начало XX в. Сам термин «импрессионизм» впервые был употреблен критиком Л. Леруа, с пренебрежением отозвавшемся о выставке художников 1874 года, в том числе была выставлена К. Моне «Впечатление. Восходящее солнце. ». Импрессионисты в своих произведениях стремились передать свежесть восприятия жизни, изображали сиюминутные, вырванные из потока реальности ситуации, сильные страсти.

Выделяют неоимпрессионизм (франц. neo-impressionnisme) и постимпрессионизм (от лат. post -после и импрессионизм). Неоимпрессионизм возник во Франции около 1885, его особенность — применение в искусстве последних достижений в области оптики. Постимпрессионизм — собирательное название течений в живописи, особенность – поиск средств выражения не только конкретного мгновения жизни, но и осмысление длительных состояний окружающего мира.

Классицизм

Н. Пуссен «Вдохновение поэта»

Классицизм (произошло от лат. classicus — образцовый) – направление в искусстве, характеризуемое обращением к античному наследию как эталону для подражания. Наибольшую ценность для классицизма имеет вечное и неизменное, индивидуальные признаки отходят на второй план, главенствующим становится поиск существенных, типовых черт. Произведения строились на основании канонов (именно в классицизме появилось разделение жанров на «высокие» и «низкие», при этом их смешение не допускалось) для передачи логичности и совершенства всего мироздания. Идеология классицизма придает важное значение общественной и воспитательной функции искусства. Характерные черты классицизма: гармония, порядок, логичность, четкость, пластическая ясность живописных построений, отражение темы природы, неподвластной времени, обращение к темам человеческой жизни и истории. Классицизм проявился в работах художников XVII в. — начала XIX в. Со временем классицизм трансформировался в академизм.

Кубизм

П. Пикассо «Авиньонские девицы»

Кубизм (от франц. cubisme, от cube - куб) — направление в живописи, характеризуемое стремлением изобразить предметы действительности посредством геометрических фигур — прямых линий, граней, кубоподобных форм, пересекающихся плоскостей. Зародился кубизм в 1910-х гг. Примечательно, что термин «кубисты» первоначально был употреблен французским критиком по отношению к художникам как насмешка. Наиболее яркие представители кубизма – П. Пикассо и Ж. Брак.

Маньери́зм

Маньери́зм (от итальянского maniera, манера) - направление в искусстве, характеризуемое отсутствием гармонии между телесным и духовным, природой и человеком. Художники придают чрезмерное значение пластичности, чувственности, экспрессии. Изображения на картинах либо «чрезмерно красивые», предметы вытянутые, удлиненные либо наоборот. Маньеризм (от итал. manierismo, от maniera — манера, стиль) — стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы. Хронологические рамки маньеризма — XVI в. до первой трети XVII в. Часть исследователей считает маньеризм переходом от ренессанса к барокко, называя маньеризм ранней фазой барокко.

Модерн, или Ар нуво

А. Муха «Зодиак»

Модерн, или Ар нуво (также Арт нуво) (от фр. art nouveau, букв. «новое искусство»). Ар нуво обязан своим происхождением витражам – так назывался магазин в Париже, где продавали витражи, впоследствии приобретшие необычайную популярность. Синонимами ар нуво являются югендстиль (нем.), сецессион (австр.), либерти (итал.), модернисимо (исп.). Данные направления очень близки между собой, поэтому отметим наиболее ярко выраженные черты: использование извилистых, плавных линий, декоративность, «природность» — изобилие природных и растительных мотивов (кувшинки, лилии, осьминоги, бабочки, стрекозы), обязательное соблюдение стилистического единства, сочетание различных текстур и материалов. Этот стиль возник в 1880-1900 годах, был популярен в Европе и Америке, однако недолго. «Второе дыхание» этот стиль получил в 50-х г. ХХ в.

Натурализм

К. Менье «Возвращение из шахты»

Натурализм (фр. naturalisme, от лат. natura – природа) – направление в искусстве, характеризуемое стремлением к объективному изображению реальности, без прикрас и табу. Представители этого направления исходили из представлений о полной предопределенности судьбы, зависимости духовного мира человека от социальной среды, проявляли повышенный интерес к биологическим сторонам жизни, что приводило к откровенному отображению физиологических проявлений человека, его патологий, сцен насилия и жестокости. Натурализм возник в последней трети XIX века в Европе и США. Натурализм характеризуется отказом от обобщений, интересом к изображению «социального дна», воспроизведением действительности без ее идейного осмысления, оценки и отбора.

Поп-арт

Поп-арт (от англ. pop art, сокращение от popular art – популярное, общедоступное искусство; второе значение слова связано со звукоподражательным англ. рop – отрывистый удар, хлопок, шлепок, т.е. производящее шокирующий эффект) — направление в живописи, распространившееся в США и Англии в 1950-е гг., характеризуемое вовлечением и трансформацией образов массовой культуры. Художники поп-арта ставят своей целью отразить «жизнь, как она есть», отразить реальность, а источником вдохновения выступает массе медиа: реклама, комиксы, кино, джаз, газеты и журналы и пр. Поп-искусство обязательно использует сложившиеся стереотипы и символы.

Реализм

Реализм — направление, характеризуемое стремлением с максимальной правдоподобностью, достоверностью и объективностью изобразить внешнюю и внутреннюю сущность явлений и предметов действительности. Границы реализма размыты и четко не определены. Под реализмом в узком смысле понимают направление в искусстве второй половины XIX века. Термин «реализм» впервые был употреблен французским критиком Ж. Шанфлёри в 50-х гг. XIX века для обозначения искусства, противостоящего романтизму и академизму. Реализм был распространен не только во Франции, но и далеко за ее пределами, приобретая в некоторых странах собственное название: в России - передвижничество, в Италии - веризм маккьяйоли, в Австралии - гейдельбергская школа (Т. Робертс, Ф. Маккаббин), в США - школа мусорного ведра (Э. Хоппер). Реализм – наиболее длительное существующее направление.

Рококо

Ф. Буше «Купание Дианы»

Рококо (от франц. rococo, от rocaille, рокайль – декоративный мотив в форме раковины) – направление в искусстве, характеризуемое гедонистическим настроением, грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Стиль рококо пришел на смену барокко, явившись его логическим продолжением и одновременно противоположностью. Общим у барокко и рококо является стремление к завершённости форм.

Живопись в стиле рококо носит декоративный характер, отличается изяществом переливов цвета и вместе с тем некоторой «блеклостью» цветов, утратой самостоятельного значения образа человека в живописи, преобладанием таких жанров как пейзажи, пастораль.

Хронологические рамки рококо – вторая половина XVIII в.- XIX в. Просуществовав около половины века, рококо постепенно уступил место неоклассицизму.

Романтизм

Э. Делакруа «Свобода, ведущая народ»

Романтизм (от франц. romantisme) – направление, пришедшее на смену классицизму. Характеризуется главенствующей идеей индивидуализма в изображении (как противопоставление идеальной красоте классицистов) и передаче страстей; изображением редких, необычных, а также фантастических явлений. Хронологические рамки романтизма – конец XVIII в. — начало XIX в. Романтизму присущи устремлённость неограниченной свободе и бесконечности, ожидание обновления, воспевание личной и гражданской независимости.

Неким синтезом принципов романтизма и «бюргерского реализма» стало искусство бидермейера (творчество Л. Рихтера, К. Шпицвега, М. фон Швинда, Ф.Г. Вальдмюллера.

Сентиментализм

Сентиментализм (от франц. sentimentalisme, от англ. sentimental - чувствительный, от франц. sentiment - чувство)– направление, характерные черты которого патриархальная идеализация обыденной жизни, культ естественного чувства, разочарованность в цивилизации, полагающейся на разум. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Возник стиль во 2-й половине XVIII в.

Символизм

П. Брейгель «Триумф Смерти»

Символизм (от фр. symbolisme — знак, опознавательная примета) — направление в живописи, характеризуемое использованием в живописи намеков, «недоговорок», таинственности, символов. Слово «символ» в Древней Греции означало монету, разделенную на две части, по которым люди могли узнать друг друга при встрече. Однако позднее это слово превратилось в многогранное и емкое понятие. Символизм возник во Франции в 1870-80-х гг. и достиг наибольшего развития на рубеже XIX и XX вв. Слово символ выступает как знак, универсальный образ, у которого бесконечное количество смыслов. Символизм является попыткой человека передать духовность, отвлеченность жизни, прикоснуться к бездне, выходящей за пределы видимого мира.

Супрематизм

К.С. Малевич «Черный квадрат»

Супрематизм (от лат. supremus - наивысший) - направление в авангардистском искусстве России, основанное в 1-й половине 1910-х гг. К. С. Малевичем. Является разновидностью абстракционизма. Название «супрематизм» подразумевало главенство, превосходство цвета над другими свойствами живописи. Для супрематизма характерны лишённые изобразительного смысла комбинации разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний, сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур.

Сюрреализм

С. Дали «Геополитический младенец»

Сюрреализм (от фр. surrealisme букв. сверхреализм) – направление в живописи, источником вдохновения которого служила сфера подсознания (сновидения, галлюцинации). Сюрреализм возник во Франции в начале 20-х гг. XX в. Художниками использовались различные противоречивые и абсурдные сочетания натуралистических образов и аллюзии, главными ценностями провозглашались свобода и иррациональность. Часто используемыми темами произведений были магия, эротика, подсознание и ирония. Художники стремились создавать картины с фотографической точностью, вместе с тем изображение получалось нелогичным, отталкивающим; или применяли нетрадиционные техники живописи, помогающие передать подсознание. Бывали случаи, когда сюрреалисты творили под действием голода, наркотиков, гипноза, наркоза.

Ташизм

Ташизм - европейская разновидность абстрактного экспрессионизма . Термин впервые был употреблен в 1950 г. бельгийско-французским критиком М. Сёфором для обозначения живописной техники группы художников, методом работы которых было импульсивное и спонтанное нанесение красок на холст и был близок к тому, что в США в это же время называлось живописью действия (action painting).

Примитивизм

А. Руссо «Прогулка по лесу»

Примитивизм – направление в живописи, характеризуемое намеренным опрощением изобразительных средств и подражанием примитивным стадиям развития искусства — первобытного, средневекового, народного, искусства древних внеевропейских цивилизаций, детского творчества. Однако примитивизм формы не влечет примитивизма содержания. Термин «примитивизм» применялся также по отношению к так называемому «наивному» искусству, т.е. творчеству художников, не имеющих профильного образования.

Футуризм

Сентиментализм

Д.Д. Бурлюк «Лошадь-молния»

Футуризм (oт лaт. futurum — бyдyщee) – направление в искусстве, характеризуемое отвержением и разрушением существовавших прежде традиций и стереотипов культуры, взамен предлагалось восхваление техники и урбанизма как главных признаков настоящего и будущего. Футуризм провозглашал себя как прообраз искусства будущего.

Ярче всего проявился в живописи и поэзии Италии и России, возник в начале XX в. Для футуризма характерны энергетические композиции с раздробленными на фрагменты фигурами и пересекающими их острыми углами. Основной идеей футуризма был поиск отражения стремительности движения как важнейшего признака темпа современной жизни.

В России существовало направление кубофутуризма (Д. Бурлюк, О. Розанова), которая была основана на объединении пластических принципов французского кубизма и европейских общеэстетических установок футуризма.