Арт-деко – направление эклектического искусства, сформированное во Франции в начале 20-х годов 20 века. Доминировал в дизайне одежды, архитектуре, прикладном искусстве, интерьере. В 30-40-х годах арт-деко стал популярен во всем мире.

История

Направление появилось в начале 20 века – в период 1907 – 1915 годов. В это время фиксируются первые работы, отмеченные характерными чертами стиля. Некоторые исследователи отмечают, что работы этого времени являются первыми попытками художников создать полотна в эклектическом стиле.

Термин появился после Международной выставки в Париже в 1925 году. На выставке были представлены предметы роскоши. Цель экспозиции – показать ведущее место Парижа в мире моды и стиля. До 1928 года направление было достоянием только Европы, в начале 30-х годов появилась американская версия арт-деко, которая имела свои особенности.

История готического стиля в живописи

Характеристика

Арт-деко – искусство, которое отражает современные технологии, характеризуется плавными линиями, созданием изображений из геометрических фигур, использованием ярких, кричащих цветов в интерьере и изобразительном искусстве. Направление возникло, как реакция против жесткой экономии, введенной в годы Первой мировой войны. Произведения были наполнены роскошью, яркостью, излишествами, использовались дорогостоящие материалы в интерьере и других видах творчества (серебро, хрусталь, слоновая кость, нефрит). После Великой депрессии направление развивалось, но стало концентрироваться на производстве менее дорогостоящих изделий с ориентацией на массовое производство. Использовался хром, пластмасса, металл и другие промышленные материалы для среднего класса. Арт-деко всегда ассоциировался с гламуром, яркостью, но ему присуща функциональность и практичность.

С конца 40-годов арт-деко стал восприниматься, как слишком пестрый, вычурный для военного времени и жесткой экономии, поэтому постепенно вышел из моды. Всплеск интереса к арт-деко произошел в 1960-е годы – он совпадает с движением поп-арт. Еще один этап развития – 80-е годы, когда возрос интерес к графическому дизайну. Направление вошло в моду в дизайне, одежде.

Особенности гиперреализма как стиля в живописи

Характеризуется с устойчивым интересом к эстетике 20-х годов 20 века, воспринимается исключительно в связи с модой и трендами этого периода. Особенность стиля – представители не были объединены в единое сообщество, группу или школу живописи. Арт-деко – эклектическое направление, в котором было смешано большое количество культурных влияний.

Идеи

Ключевые идеи и принципы работы художники переняли у модернистов и неоклассиков.

• Неоклассические идеалы красоты со свойственной им строгостью были присущи работам мастеров нового направления.
• Использование ярких, интенсивных оттенков, по мнению исследователей, вытекает из творчества парижских фовистов.
• Некоторые идеи заимствованы из искусства ацтеков и египетской культуры, классической античности.
• В отличие от живописи модерна, арт-деко не имел философской основы – это было сугубо декоративное направление.
• Этнические орнаментальные композиции в картинах художников, в интерьере;
• «Русские сезоны» или Русский балет С.Дягилева.

Сюрреализм как стиль в живописи

Развитие стиля в сложных экономических и политических условиях, в период активного развития науки и технологий отразилось на тематике картин. Работы художников служат декоративным целям, радуют глаз, поднимают настроение. Живописцы не делают попытки оказывать психологическое влияние или передать свои философские взгляды через картины. Цель арт-деко – соединить лучшие черты стилей, создав нечто новое и прекрасное.

Основные черты стиля

Минимализм как стиль в живописи

Используя новые материалы, которые были использованы в комбинации, арт-деко представил научный прогресс, рост технологий. Роскошный облик картины в стиле арт-деко прекрасно впишутся в интерьер богатой квартиры, круизного лайнера, современного кинотеатра. Стиль пережил несколько кризисов, благодаря практичности, простоте, яркости и индивидуальности.

Художники

Термин арт-деко редко применяется к живописи или скульптуре, доминирует в архитектуре и дизайне, но в межвоенный период ряд художников представляет свои работы, выполненные по всем стандартам стиля: Тамара Горская или Тамара де Лемпицка, картина «Музыкант» (1929), «Автопортрет в зеленом Бугатти» (1925), французский художник, создатель плакатов Адольф Жан-Мари Мурон, известный как Кассандр, был одним из лучших художников-графиков, выиграл Гран-при на конкурсе плакатов в Париже.

Арт Деко, Ар Нуво, Модерн - черты стиля, примеры - картины, витражи, интерьеры

В этой статье мы рассмотрим стиль интерьера ар деко , ар нуво , модерн . Элементы стиля - живопись, архитектуру, элементы внутреннего пространства - мебель, шторы, люстры, картины и др.

Здание Венского сецессиона

Стиль модерн [ ар нуво, «тиффани » (по имени Луиса Комфорта Тиффани) в США, «ар-нуво » и «fin de siecle » во Франции, «югендстиль » в Германии, «стиль Сецессион » в Австрии, «модерн стайл » в Англии, «стиль либерти » в Италии, «модернизмо » в Испании, «Nieuwe Kunst » в Голландии, "еловый стиль " (Style sapin ) в Швейцарии.) получил распространение в 1918-1939 годах во Франции, отчасти в других европейских странах и США. В архитектурных формах и живописи преобладают извилистые линии, необычное сочетание дорогих и экзотических материалов, изображение фантастических существ, формы волны, раковины, драконов и павлинов, лебединых шей и томных женщин. В формах - подчеркнутая асимметрия. Листья, цветы, стволы и стебли, так же как и контуры тела человека или животного с присущей им асимметрией являются руководством к действию и источником вдохновения. В основе стиля - тезис, согласно которому форма в искусстве важнее содержания. Любое самое прозаическое содержание может быть представлено в высокохудожественной форме. Источником этой «новой формы» стали природа и женщина. Этому стилю свойственны изысканность, утонченность, одухотворенность, изменчивость. Из этого следовал определенный набор цветов - блеклые, приглушенные; преобладание плавных, сложных линий. Набор символов - причудливые цветы, морские редкости, волны. Стилевые свойства модерна иногда сопоставляют с пластической системой барокко, справедливо усматривая между ними некоторое сходство в желании художников использовать в качестве выразительных средств формы органической природы. Многое модерн также взял от искусства стан Азии.

Всегда хорошо в таких интерьерах, равно, как и в интерьерах Арт Деко, смотрятся копии Майкла Паркеса , Густава Климта , Тамары Лемпицки, Альфонса Мухи , Врубеля , Билибина или Васнецова , а также работы современных художников пишущих в этом стиле, а так же американская графика определённой тематики. Многие художники этого стиля (или периода) были очарованы восточной живописью - на картинах того же Густава Климта мы часто видим персонажей в китайских или японских одеждах. Поэтому в таких интерьерах не лишними будет и китайская или японская живопись . Приведём несколько произведений, на наш взгляд, подходящих к интерьерам в таких стилях.

Арт Деко (ар-деко) - популярное течение в международном декоративном искусстве 1925-1939 годов. Этот стиль исторически следует сразу за модерном. Он затронул такие сферы искусства как архитектура, дизайн интерьера, промышленный дизайн, индустрия моды, живопись, графика, кинематограф. Это движение в определенной степени сочетало в себе множество различных стилей и течений начала XX века, включая неоклассицизм, конструктивизм, кубизм, модернизм, баухаус, модерн и футуризм. Но в большей степени это модерн с примесью неоклассицизма. Отличительные черты - строгая закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа или кожа акулы или зебры, редкие породы дерева, серебро). В Германии и СССР ар-деко превращается из модерна в «новый ампир».

Пик популярности течения выпал на «бурные двадцатые», но и в 1930-е оно было достаточно сильно в США. В отличие от других направлений, зарождение которых уходит корнями в политику или философию, арт-деко нес исключительно декоративный смысл. В свое время стиль воспринимался как реакция на Universal Exposition (Юниверсал Экспозишн) 1900-го года. После известной выставки несколько французских художников создали официально зарегистрированную организацию La Société des artistes décorateurs (Общество архитекторов-декораторов). Среди ее основателей были Hector Guimard (Гектор Гимар).

Париж в 30-ые годы 19 века оставался центром стиля ар-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн - самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских ébéniste (краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Süe et Mare», ширмы Айлин Грей (Eileen Gray), изделия из кованного металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Cartier.

Символом Art Deco в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Отчасти вдохновлённые «Русскими сезонами» Дягилева, искусством Египта и Востока, а также технологическими достижениями «века машин», французские и немецкие мастера создали уникальный стиль в малой пластике 1920-х - 1930-х гг., который поднял статус декоративной скульптуры до уровня «высокого искусства». Классическими представителями Art Deco в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Поэрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия).

© «WM-PAINTING»

Ар-нуво (французское произношение: ​, англизировано до /ˈɑːrt nuːˈvoʊ/) - это международный стиль искусства, архитектуры и декоративно-прикладного искусства, особенно декоративного искусства, которое было наиболее популярно в период между 1890 и 1910 годом. Стиль, представляющий собой реакцию на академическое искусство 19-го века, был вдохновлен природными формами и структурами, в частности изогнутыми линиями растений и цветов.

На английском языке используется французское название «ар-нуво» (новое искусство). Этот стиль связан, но не идентичен стилям, возникшим во многих странах Европы примерно в то же время: в Австрии, он известен как «сецессионстиль» после «венского сецессиона»; в Испании как «модернизмо» ; в Каталонии как «модернизме» ; в Чехии как «сецесе» ; в Дании как «скёнвирке» или «югендстиль» ; в Германии как «югендстиль» , «ар-нуво» или «реформстиль» ; в Венгрии как «сецессзио» ; в Италии как «арт-нуво» , «стиле либерти» или «стиле флореале» ; в Норвегии как «югендстиль» ; в Польше как «сецесья» ; в Словакии как «сецеса» ; в России как «модерн» ; а в Швеции как «югенд» .

Ар-нуво - это общий художественный стиль. Он охватывает широкий спектр изобразительного и декоративного искусства, включая архитектуру, живопись, графику, дизайн интерьера, ювелирные изделия, мебель, текстиль, керамику, стекло и металлические изделия.

К 1910 году ар-нуво уже вышел из моды. В качестве доминирующего архитектурного и декоративного стиля Европы его сначала сменил ар-деко, а затем модернизм.

Происхождение

Новое художественное движение уходит корнями в Британию, в цветочные дизайны Уильяма Морриса и в движение Искусств и ремёсел, основанное учениками Морриса. Ранние образцы этого стиля включают Красный дом Морриса (1859) и Комнату павлинов Джеймса Эббота Макнила Уистлера. На новое движение также оказали сильное влияние художники- прерафаэлиты, включая, Данте Габриэль Россетти и Эдвард Бёрн-Джонс , и особенно это касается британских художников-графиков 1880-х годов, среди которых Селвин Имеджи, Хейвуд Самнер, Уолтер Крейн, Альфред Гилберт, и в первую очередь Обри Бердсли.

Во Франции стиль сочетал несколько разных тенденций. В архитектуре на него повлиял архитектурный теоретик и историк Эжен Виолет-ле-Дюк, заклятый враг исторического архитектурного стиля боз-ар. В своей книге «Entretiens sur l"architecture» 1872 года он писал: «Используйте средства и знания, данные нам нашим временем, без промежуточных традиций, которые сегодня не жизнеспособны, и таким образом мы сможем открыть новую архитектуру. Каждой функции свой материал; каждому материалу своя форма и орнамент». Эта книга повлияла на поколение архитекторов, в том числе на Луи Салливана, Виктора Орту, Гектора Гимара и Антони Гауди.

Французские живописцы Морис Денис , Пьер Боннар и Эдуард Вюйар сыграли важную роль в объединении изобразительного искусства живописи с декоративным. «Я полагаю, что, прежде всего, живопись должна украшать», - написал Денис в 1891 году. «Выбор сюжетов или сцен - ничто. Именно за счёт соотношения тонов, окрашенной поверхности и гармонии линий я могу достигнуть души и пробудить эмоции». Все эти художники создавали как традиционную, так и декоративную живопись на ширмах, стекле и других материалах.

Ещё одним важным влиянием на новый стиль стал японизм: волна интереса к японской ксилографии, особенно работам Хиросиге, Хокусай и Утагавы Кунисады, которые были импортированы в Европу, начиная с 1870-х годов. Предприимчивый Зигфрид Бинг основал в 1888 году ежемесячный журнал «Le Japon artistique» и опубликовал тридцать шесть номеров, прежде чем закрылся в 1891 году. Он повлиял как на коллекционеров, так и художников, включая Густава Климта. Стилизованные черты японских принтов появились в графике, фарфоре, ювелирных изделиях и мебели ар-нуво.

Новые технологии в полиграфии и издательской деятельности позволили ар-нуво быстро достичь мировой аудитории. Художественные журналы, иллюстрированные фотографиями и цветными литографиями, сыграли важную роль в популяризации нового стиля. The Studio в Англии, Arts et idèes и Art et décoration во Франции, Jugend в Германии позволили стилю быстро распространиться по всем уголкам Европы. Обри Бердсли в Англии и Эжен Грассет, Анри де Тулуз-Лотрек и Феликс Валлоттон получили международное признание в качестве иллюстраторов.

Благодаря плакатам Жюля Шере для танцовщицы Лои Фуллер в 1893 году и Альфонса Мухи для актрисы Сары Бернхардт в 1895 году, плакат стал не просто рекламой, а художественной формой. Тулуз-Лотрек и другие художники получили статус международной знаменитости.

Форма и характер

Хотя ар-нуво приобретал чётко локализованные тенденции по мере увеличения географического распространения, некоторые общие характеристики указывают на его форму. Описание, опубликованное в журнале Pan стенной гобелен «Цикламен» (1894) Германа Обриста, описав его как «неожиданные сильные кривые, образованные ударом хлыста», который стал известен в начале распространения ар-нуво. Впоследствии не только сама работа стала более известной как «Хлыст», но и сам термин «хлыст» часто применяется к характерным кривым, используемым художниками в стиле ар-нуво. Такие декоративные «хлыстовые» мотивы, образованные динамическими, волнообразными и плавными линиями в синкопированном ритме и асимметричной форме, встречаются во всей архитектуре, живописи, скульптуре и другим формам дизайна ар-нуво.

Истоки ар-нуво находятся в борьбе художника Уильяма Морриса с громоздкими композициями и тенденциях возрождения 19-го века и его теориях, которые помогли создать движение Искусств и ремёсел. Тем не менее, обложка Артура Маккёрдо для «Городских церквей Рена» (1883) с её ритмическими цветочными узорами часто считается первой реализацией ар-нуво. Примерно в то же время плоская перспектива и яркие цвета японской ксилографии, особенно Кацушики Хокусай , оказали сильное влияние на формулу стиля ар-нуво. Японизм, популярный в Европе в 1880-х и 1890-х годах, оказал существенное влияние на многих художников своими органическими формами и обращением к миру природы. Помимо того, что вдохновленные Японией искусство и дизайн переняли такие художники, как Эмиль Галле и Джеймс Эбботт Макнейл Уистлер, их также поддержали бизнесмены Зигфрид Бин и Артур Ласенби Либерти в своих магазинах в Париже и Лондоне соответственно.

В архитектуре широко распространены гиперболы и параболы в окнах, арках и дверях, а декоративные обломы превращаются в растительные формы. Как и большинство стилей дизайна, ар-нуво стремился гармонизировать свои формы. Текст над входом в парижское метро использует особенности остальной части металлической конструкции.

Архитектура и дизайн интерьера в стиле ар-нуво избегает эклектичных возрождающихся стилей 19 века. Хотя дизайнеры ар-нуво выбрали и «модернизировали» некоторые более абстрактные элементы стиля рококо, такие как текстуры пламени и раковины, они также выступали за использование крайне стилизованных органических форм в качестве источника вдохновения, расширяя «естественное» разнообразие до использования морских водорослей, трав и насекомых. Другим влиянием были мягко-смешанные формы кнорпельверка 17-го века, лучше всего представленного в голландском серебре.

Отношения с современными стилями и движениями

Как стиль искусства, ар-нуво имеет сходство с прерафаэлитами и символизмом, а художники, такие как Обри Бердсли, Альфонс Муха , Эдвард Бёрн-Джонс , Густав Климт и Ян Тороп, можно отнести к более чем одному из этих стилей. Тем не менее, в отличие от символической живописи, стиль ар-нуво имеет отличительный внешний вид; и, в противоположность движению Искусств и ремёсел, ориентированному на ремесленников, художники ар-нуво легко использовали новые материалы, обработанные поверхности и абстракцию ради чистого дизайна.

Ар-нуво не отказался от использования машин, как сделало движение Искусств и ремёсел. Для скульптуры, основными используемыми материалами были стекло и кованое железо, что привело к скульптурным особенностям даже в архитектуре. Керамика также была задействована в создании серий скульптур таких художников, как Огюст Роден.

Архитектура ар-нуво использовала множество технологических новшеств конца 19-го века, особенно открытое железо и большие, нестандартные детали из стекла. Однако к началу Первой мировой войны стилизованный характер дизайна ар-нуво, который был дорогим для производства, вышел из употребления в пользу более упорядоченного, прямолинейного модернизма, который был дешевле и более подходил простой индустриальной эстетике, которой стал ар-деко.

Тенденции стиля ар-нуво также проникли в местные стили. Например, в Дании такой тенденцией был один из аспектов скёнвирке («эстетическая работа»), который сам по себе более тесно связан со стилем Искусств и ремёсел. Кроме того, художники заимствовали многие цветочные и органические мотивы из ар-нуво в стиль Młoda Polska («Молодая Польша») в Польше. Тем не менее, Młoda Polska также включал в себя другие художественные стили и охватывал более широкое направление в искусстве, литературе и стиле жизни.

Публикации раздела Музеи

Ар-деко для «чайников»

Г де и как возник стиль ар-деко, кто его основал, был ли он в молодом Советском Союзе - разбираемся в хитросплетениях стиля вместе с Софьей Багдасаровой.

Что такое ар-деко?

Лист из альбома Feuillets d"Art. 1919

Лист из альбома Les choses de Paul Poiret vues par Georges Lepape. 1911

Лист из альбома Modes et Manières d"Aujourd"hui. 1914

Ар-деко, что по-французски значит «декоративное искусство», - название художественного стиля, который царил в Европе и Америке после модерна , между двумя мировыми войнами. Причем царил в основном в промышленном дизайне - моде , украшениях , плакатах, фасадах, интерьерах, мебели. Происходило это, пока «большое искусство» той эпохи экспериментиро-вало с экспрессионизмом, абстракционизмом, конструктивизмом и прочими -измами, которые, безусловно, гениальны, только видеть их постоянно в своей квартире не каждый сможет. А вещи ар-деко предназначены именно для повседневной жизни - очень богатой, роскошной и вальяжной, но все-таки повседневной.

Как узнать предмет в стиле ар-деко?

Портсигары, пудреницы. 1930-е. Институт моды Киото

Обложка журнала Vogue с «оптическим» платьем от С. Делоне. 1925. Пресс-служба Музеев Кремля

Сумочки. Ок. 1910. Институт моды Киото

Эта вещь обязательно будет красивой - стильной, элегантной. Она сделана из материала с дорогой текстурой, но не кричаще роскошной, а просто ценной. Цвета будут сложных оттенков, черного - много. Нередко автор явно использовал линейку - но при этом умудрялся весьма изысканно скруглить все углы. Геометрические узоры строятся по тщательным пропорциям и умеют гипнотизировать. Еще зачастую есть вкрапления чего-то древнеегипетского или японского, но в каком-то странном дизайне: ар-деко любило перетолковывать экзотические культуры. (Кстати, «русская экзотика» тоже ценилась.) Нравился стилю и технический прогресс - поэтому тут и стилизованные поезда, летящие на огромной скорости, и винты самолетов и пароходов.

Стиль в моде

Вечернее платье. Модельер Мадлен Вионне. 1927. Пресс-служба Музеев Кремля

Вечернее платье. Модный дом Ланвэн. Около 1925. Пресс-служба Музеев Кремля

Платье. Франция. Зима-1922. Модный дом «Сестры Калло»

Заметней всего ар-деко - в женской моде. В эпоху, когда царил этот стиль, женщины начали коротко стричься, окончательно освободились от жестких корсетов и кринолинов, талия то сползала на бедра, то задиралась под самую грудь, а юбка укоротилась до высоты совершенно неприличной, по мнению тех, кто помнил викторианскую мораль.

Создатели стиля - великие модельеры Поль Пуаре, Мариано Фортуни - цитировали кимоно, арабские тюрбаны и шаровары, античные хитоны и столы, средневековые плащи. Появились цельнокроеные вещи, везде были драпировки, тяжелые ткани, шик и блеск. В таких свободных вещах, расшитых переливающимся жемчугом , стеклярусом, стразами, бисером, было здорово танцевать новые бойкие танцы - фокстрот, чарльстон, танго. В общем, вспомним эпоху «Великого Гэтсби».

Стиль в ювелирных украшениях

Брошь Van Cleef and Arpels. 1930

Колье-воротник Van Cleef and Arpels. 1929

Брошь в египетском стиле Van Cleef and Arpels. 1924

Фирмы Cartier и Van Cleef & Arpels, а также другие ювелирные дома в своих работах целенаправленно работали по принципам ар-деко. После текучих форм и поэтических цветочков эпохи модерн (он же ар-нуво) их ювелирные украшения казались кричащими и эпатирующими.

Легкая платина для оправ позволила драгоценностям отказаться от «тяжелого доспеха» - золота. Чистые геометрические формы, абстрактные узоры, новаторское сочетание зеленого и синего, контрастный подбор камней, например черный оникс и красный рубин, использование не граненых, а резных камней, а также вкрапление подлинных древних артефактов (египетских скарабеев и т. п.) - вот узнаваемые черты. Черный оникс вообще стал любимым камнем этого периода, в особенности в сочетании с бриллиантами. Их сопровождали яркими аккордами кораллов, лазуритов, нефритов, эмали.

А в России ар-деко было?

Высотный дом на Котельнической набережной. Государственный научно-исследовательский музей архитектуры имени А.В. Щусева: сайт/institutes/7985

Станция метро «Маяковская»

Павильон СССР на Международной выставке в Париже. 1937. Государственный научно-исследовательский музей архитектуры имени А.В. Щусева: сайт/institutes/7985

Блестящий стиль ар-деко, конечно, глубоко «буржуазный». Это символ потерянного поколения, мода персонажей Фицджеральда, Хемингуэя (а также Вудхауса и довоенных книг Агаты Кристи). Молодому Советскому государству в ту эпоху было не до этого внешнего блеска. Впрочем, у них были «ревущие двадцатые», а у нас - нэп. Помните Эллочку Людоедку: «…сверкающая фотография изображала дочь американского миллиардера Вандербильда в вечернем платье. Там были меха и перья, шелк и жемчуг, легкость покроя необыкновенная и умопомрачительная прическа». Советские нэпманы в своих повадках, конечно, подражали свободному западному соседу, хотя официально это не одобрялось.

С другой стороны, отпечаток ар-деко заметен в одном из самых официальных искусств - архитектуре. Воздействие импортного стиля легко найти в сталинском классицизме: фотографии фрагментов московских высоток с некоторых ракурсов трудно отличить от видов довоенных манхэттенских небоскребов. Любовь ар-деко к геометризму, использование абстракций - все это легко усваивалось русскими мастерами на родине супрематизма. Уместным было и воспевание технических достижений человечества. Есть и более забавные приметы - помните, мы говорили об обращении ар-деко к египетским мотивам? Именно благодаря ему перед Тамара Лемпицка. Автопортрет в зеленом бугатти. 1929. Частная коллекция

Но гораздо весомее вклад, который внесли в развитие ар-деко русские эмигранты. Годами модные журналы Vogue и Harper"s Bazaar выходили под обложками, нарисованными Эрте, настоящее имя которого - Роман Петрович Тыртов. Его «Симфония в черном» - одна из ключевых работ стиля.

Художница-абстракционистка Соня Делоне, которая работала в модной индустрии, обогатила ар-деко красочностью и энергетикой, которую мы видели и у других «амазонок авангарда». Главная портретистка ар-деко, одна из немногих художников, которая сумела использовать этот стиль для станковых полотен, - Тамара Лемпицка, уроженка российского царства Польского, до революции жившая в Петербурге. (А вот главный скульптор эпохи Дмитрий Чипарус, несмотря на такое родное нам имя, - румын.) Наконец, Леон Бакст, оказавшись в эмиграции, помимо театра, успел поработать и в модной индустрии - явно в стиле ар-деко.

Историки искусства вообще пишут, что стиль ар-деко изначально был вдохновлен Русскими сезонами, которые потрясли парижский художественный мир в 1900-х. Так что - спасибо Дягилеву и за ар-деко!

10 месяцев ago Enottt Комментарии к записи Изобразительное искусство Ар деко. Региональные особенности (Франция, США) отключены

Просмотры: 2 776

Ар-деко (декоративное искусство) - влиятельное течение в изобразительном и декоративном искусстве первой половины XX века, которое впервые появилось во Франции в 1920-х годах, а затем стало популярно в 1930-1940-е годы в международном масштабе, проявившееся в основном в архитектуре, моде и живописи. Это эклектичный стиль, представляющий собой синтез модернизма и неоклассицизма. На стиль ар-деко также значительное влияние оказали такие художественные направления, как кубизм, конструктивизм и футуризм.

Отличительные черты - строгая закономерность, смелые геометрические формы, этнические геометрические узоры, оформление в полутонах, отсутствие ярких цветов в оформлении, при этом пёстрые орнаменты, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро).

• Формы: обтекаемые, при этом чёткие и графичные. Силуэты имеют более ступенчатые формы, главным остаётся грациозность и некоторая игривость.
• Линии: энергичные, чёткие, геометричные.
• Элементы: множество орнаментов в форме завитков, спиралей, волн, зигзагов.
• Цвета: контрастные. Переплетение мягких и пастельных с кричащими и сочными.
• Материалы: дорогие, экзотические, насыщенные. Дерево, кожа, бронза, мрамор, керамика, стекло.
• Окна: прямоугольные, с использованием большого пространства из стекла. Реже арочные или с витражом.
• Двери: окружённые пилястрами, фронтонами.

В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.

История

Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже и официально называвшаяся «Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes», дала жизнь термину «ар-деко» . На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны.

Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства

Мероприятие, обозначившее зенит стиля и назвавшее его, было Международной выставкой современного декоративного и промышленного искусства, которая проходила в Париже с апреля по октябрь в 1925 году. Официально она была организована правительством Франции и охватывала в Париже площадь 55 акров, идущий от Гран-Пале на правом берегу до Инвалидов на левом берегу и вдоль берегов Сены. Большой Пале, самый большой зал в городе, был наполнен экспонатами декоративного искусства из стран-участниц. Было представлено 15 000 экспонентов из двадцати разных стран, включая Англию, Италию, Испанию, Польшу, Чехословакию, Бельгию, Японию и новый Советский Союз; Германия не была приглашена из-за напряженности после войны, а Соединенные Штаты, не понимая цель выставки, отказались от участия. За семь месяцев выставку посетили шестнадцать миллионов человек. По правилам выставки требовалось, чтобы вся работа была современной; исторические стили не допускались. Основной целью выставки было продвижение французских производителей роскошной мебели, фарфора, стекла, металлических изделий, текстиля и других декоративных изделий. Для дальнейшего продвижения продуктов все основные парижские универмаги и крупные дизайнеры имели свои собственные павильоны. Экспозиция имела второстепенную цель в продвижении продуктов из французских колоний в Африке и Азии, включая слоновую кость и экзотические леса.

Hôtel du Riche Collectionneur был популярным аттракционом на выставке; на нем были представлены новые дизайнерские проекты Emile-Jacques Ruhlmann, а также ткани Art Deco, ковры и живопись Jean Dupas. Дизайн интерьера основывался на тех же принципах симметрии и геометрических форм, которые отличали его от стиля модерн и ярких цветов, изысканного мастерства редких и дорогих материалов, которые отличали его от строгих функциональных возможностей модернистского стиля. В то время как большая часть павильонов была богато украшена и наполнена роскошной мебелью ручной работы, два павильона — Советский Союз и павильон дю Нуво Эсприт, построенный журналом этого имени под руководством Ле Корбюзье, были построены в строгом стиле, простые белые стены и без украшения; они были одними из самых ранних примеров модернистской архитектуры

Выставка Декоративного искусства, продемонстрировав победу конструктивизма, попутно дала жизнь движению Ар деко, ставшему экзотическим смешением кубизма и стиля модерн, иначе говоря, линейной стилизации и изысканным орнаментом. Мода на тюрбаны и деяния, стилизованные под «Египет» и «Китай», причудливо перемешалась с ритмами геометрической планиметрии.

Само направление ар-деко существовало и до открытия выставки в 1925 - это было заметное течение в европейском искусстве 1920-х годов. Американских берегов оно достигло только к 1928 году, где в 1930-х оно преобразовалось в Streamline Moderne - американизированное ответвление ар-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия.

Символом ар-деко в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Вдохновляясь «Русскими сезонами» Дягилева, искусством Египта и Востока, а также технологическими достижениями «века машин», французские и немецкие мастера создали уникальный стиль в малой пластике 1920-х - 1930-х гг., который поднял статус декоративной скульптуры до уровня «высокого искусства». Классическими представителями ар-деко в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Поэрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия).

Появление Art Deco было тесно связано с ростом статуса декоративных художников, которые до конца XIX века считались просто ремесленниками. Термин «декоративные декорации» был изобретен в 1875 году, для дизайнеров мебели, текстиля и других украшений. В 1901 году было создано Содружество художников-декораторов (Общество декоративных художников) или САД, а декоративным художникам были предоставлены такие же авторские права, как художникам и скульпторам. Подобное движение развивалось в Италии. В 1902 году в Турине состоялась первая международная выставка, посвященная исключительно декоративному искусству Esposizione international d’Arte.

В Париже было основано несколько новых журналов, посвященных декоративному искусству, в том числе «Искусство и декорация», а также L’Art décoratif moderne. Секции декоративного искусства были представлены в ежегодных салонах Sociéte des artistes français, а затем в Salon d’automne. Французский национализм также сыграл свою роль в возрождении декоративного искусства: французские дизайнеры почувствовали себя ущемленными в связи с ростом экспорта дешевой немецкой мебели. В 1911 году САД предложил провести в 1912 году крупную новую международную экспозицию декоративно-прикладного искусства. Никаких копий старых стилей не разрешалось; только современные работы. Экспозиция была отложена до 1914 года, а затем, из-за войны, до 1925 года, когда она дала свое название всему семейству стилей, известных как Deco.

Хотя термин ар-деко возник в 1925 году, он не был часто употребляемым до смены отношения к этой эпохе в 1960-х. Мастера стиля ар-деко не входили в некое единое сообщество. Движение считалось эклектичным, находившимся под влиянием нескольких источников:

• «Венский сецессион» раннего периода (Венские мастерские); функциональный индустриальный дизайн.
• Примитивное искусство Африки, Египта и индейцев Центральной Америки.
• Древнегреческое искусство (период архаика) - наименее натуралистичное из всех.
• «Русские сезоны» Сергея Дягилева в Париже - эскизы костюмов и декораций работы Леона Бакста.
• Гранёные, кристаллические, фацеточные формы кубизма и футуризма.
• Колористическая палитра фовизма.
• Строгие формы неоклассицизма: Буле и Карла Шинкеля.
• Век джаза.
• Растительные и животные мотивы и формы; тропическая растительность; зиккураты; кристаллы; колористическая чёрно-белая гамма клавиш рояля, мотив Солнца.
• Гибкие и атлетичные формы женщин-спортсменок, которых стало очень много; острые углы коротких стрижек у представительниц клубной жизни - флэпперов.
• Технологические достижения «века машин» - такие как радио и небоскрёбы.

Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Активно применяли зигзагообразные и ступенчатые формы, широкие и энергичные кривые линии (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например, узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио-сити и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» и «Нормандия». Ар-деко был роскошен, и считается, что эта роскошь - психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой мировой войны.

Франция

Парижские универмаги и дизайнеры моды сыграли важную роль в подъеме Art Déco. Учрежденные фирмы, в том числе производитель сумок Louis Vuitton, фирма серебра Christofle, дизайнер стекла Рене Лалик и ювелиры Louis Cartier и Boucheron, которые начали разрабатывать продукты в более современных стилях. Начиная с 1900 года универмаги нанимают декораторов для работы в своих дизайн-студиях. Украшение 1912 Salon d’Automne было поручено универмагу Printemps. В том же году Printemps создал собственный семинар под названием «Primavera». К 1920 году Примавера заняла более трехсот художников. Стили варьировались от обновленных версий Louis XIV, Louis XVI и особенно мебели Louis Philippe, сделанных Louis Süe и мастерской Primavera до более современных форм из мастерской универмага Au Louvre. Другие дизайнеры, в том числе Эмиль Жак Рульманн и Пол Фолио, отказались использовать массовое производство и настаивали на том, чтобы каждая деталь была сделана индивидуально вручную. В стиле раннего арт-деко были представлены роскошные и экзотические материалы, такие как эбеновое дерево, слоновая кость и шелк, очень яркие цвета и стилизованные мотивы, особенно корзины и букеты цветов всех цветов, придающие модернистский вид.

Яркие цвета арт-деко пришли из многих источников, в том числе из экзотических постановок Леона Бакста для «Русских балетов», которые вызвали сенсацию в Париже незадолго до Первой мировой войны. Некоторые из цветов были вдохновлены более ранним движением Фовизма во главе с Анри Матиссом; другие — Орфистами, такими как Соня Делоне; другие — движением, известным как наби, и в работе художника-символиста Одилона Редона, который проектировал каминные экраны и другие декоративные предметы. Яркие цвета были особенностью работы модельера Поля Пуаре, чья работа повлияла как на дизайн, так и на дизайн интерьера в стиле ар-деко.

Париж оставался центром стиля ар-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн - самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских ébéniste (краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Süe et Mare», ширмы Эйлин Грей, изделия из кованого металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Cartier.

В 1925 году в Ар-деко сосуществовали две разные конкурирующие школы: традиционалисты, которые основали Общество декоративных художников; в том числе дизайнер мебели Эмиль-Жак Рульманн, Джин Дунард, скульптор Антуан Бурдель и дизайнер Поль Пуаре; они сочетали современные формы с традиционным мастерством и дорогими материалами. С другой стороны, модернисты, которые все чаще отвергали прошлое и хотели стиля, основанного на достижениях в новых технологиях, простоте, недостатке отделки, недорогих материалах и массовом производстве.

В 1929 году модернисты основали собственную организацию «Французский союз современных художников» . В ее состав вошли архитекторы Пьер Чаро, Фрэнсис Журден, Роберт Маллет-Стивенс, Корбюзье, а в Советском Союзе — Константин Мельников; ирландский дизайнер Эйлин Грей и французский дизайнер Соня Делоне, ювелиры Жан Фуке и Жан Пуйфоркат. Они яростно атаковали традиционный стиль арт-деко, который, по их словам, был создан только для состоятельных людей, и настаивал на том, что хорошо построенные здания должны быть доступны для всех, и эта форма должна функционировать. Красота объекта или здания заключалась в том, идеально ли он подходит для выполнения своей функции. Современные промышленные методы означали, что мебель и здания могут быть изготовлены серийно, а не сделаны вручную.

Живопись

На экспозиции 1925 года не было выделено ни одного раздела. Живопись в стиле ар-деко была по определению декоративной, призванной украсить комнату или произведение архитектуры, поэтому мало художников работали исключительно в этом стиле, но два художника тесно связаны с Art Deco. Жан Дюпас нарисовал фрески Art Deco для павильона Bordeaux на выставке декоративного искусства 1925 года в Париже, а также нарисовал картину над камином на выставке Maison de la Collectioneur на выставке 1925 года, на которой была представлена ​​Рульманн и другие видные дизайнеры в стиле ар-деко. Его картины также были в декоре французского океанского лайнера «Нормандия». Его работа была чисто декоративной, спроектированной как фон или аккомпанемент к другим элементам декора. Другой художник, тесно связанный со стилем, — Тамара де Лемпицка. Родившись в Польше в аристократической семье, она эмигрировала в Париж после русской революции. Там она стала ученицей художника Мориса Дениса из движения под названием «Наби» и кубиста Андре Лхоте и заимствовала множество стилей из их стилей. Она рисовала почти исключительно портреты в реалистичном, динамичном и красочном стиле ар-деко.

Графика

Стиль Ар-деко появился на ранних этапах графического искусства, в годы незадолго до Первой мировой

войны. Он появился в Париже в плакатах и ​​костюмах Леона Бакста для балета Русских и в каталогах модельеров Пола Пуаре. Иллюстрации Жоржа Барбье и Жоржа Лепепа и изображения в журнале моды La Gazette du bon ton прекрасно отразили элегантность и чувственность стиля. В 1920-е годы внешний вид изменился; подчеркнутые моды были более случайными, спортивными и смелыми, а женщины-модели обычно курили сигареты. В Германии самым известным художником плакатов этого периода был Людвиг Хольвайн, который создал красочные и драматические плакаты для музыкальных фестивалей, пива и, в конце своей карьеры, для нацистской партии.

Во время модерна плакаты обычно рекламировали театральные товары или кабаре. В 1920-х годах плакаты путешествий, сделанные для пароходных линий и авиакомпаний, стали чрезвычайно популярными. Стиль заметно изменился в 1920-х годах, сосредоточив внимание на рекламе продукта. Изображения стали более простыми, точными, более линейными, более динамичными и часто помещались на один цветной фон. Во Франции были дизайнеры Art Deco Чарльз Лупо ​​и Пол Колен, которые прославились своими плакатами американской певицы и танцовщицы Джозефин Бейкер, Жан Карлу разработал плакаты для фильмов Чарли Чаплина, мыла и театров; в конце 1930-х годов он эмигрировал в Соединенные Штаты, где во время мировой войны он разрабатывал плакаты для поощрения военного производства. Дизайнер Чарльз Гесмар стал знаменитым автором плакатов для певицы Mistinguett и для Air France. Среди самых известных французских дизайнеров

Америка. Streamline Moderne

Стилевым направлением, которое развивалось параллельно с ар-деко и близко к нему примыкало, было «Streamline Moderne» (название от англ. streamline - «линия обтекания» - термина из области аэродинамики). В «стримлайн модерн» ощущается влияние промышленных штамповочных и аэродинамических технологий. В итоге в произведениях этого стиля появились очертания самолётов или револьверных пуль. Когда дизайн первого массового автомобиля фирмы Крайслер, «Chrysler Airflow», оказался популярным, обтекаемые формы стали использоваться даже для точилок, зданий и холодильников.

Этот архитектурный стиль ищет гладкие формы, поддерживает длинные горизонтальные линии, которые часто контрастируют с вертикальными изогнутыми поверхностями, и охотно вводит элементы, заимствованные из морской индустрии (перила и иллюминаторы). Его пик был достигнут около 1937 года.

Этот стиль был первым, который включил электрический свет в архитектурную структуру.

Настенная живопись

В Соединенных Штатах не было особого стиля ар-деко, хотя картины часто использовались в качестве украшения, особенно в правительственных зданиях и офисных зданиях. В 1932 году был создан проект «Общественные работы в искусстве», который позволил работать художникам без работы, потому что в стране — Великая депрессия. Через год проект заказал более пятнадцати тысяч произведений искусства. Известные американские художники были привлечены Федеральным художественным проектом, чтобы нарисовать украсить стены в правительственных зданиях, больницах, аэропортах, школах и университетах. Некоторые из самых известных художников Америки, в том числе Грант Вуд, Реджинальд Марш, Грузия О’Киф и Максин Альбро приняли участие в программе. Известный мексиканский художник Диего Ривера также принимал участие в программе, украшая стены. Картины были в разных стилях, включая регионализм, социальный реализм и американскую живопись.

Несколько изображений были также созданы для небоскребов Арт-Деко, в частности Рокфеллер-центра в

Нью-Йорке. В фойе были заказаны два изображения, авторы которых — Джон Стюарт Карри и Диего Ривера. Владельцы здания, семья Рокфеллеров, обнаружили, что Ривера, коммунист, поместил образ Ленина в толпу на картине и уничтожили его. Картина была заменена произведением другого испанского художника, Хосе Марии Серт.

Графика

Стиль Ар-деко появился на ранних этапах графического искусства, в годы незадолго до Первой мировой войны. Он появился в Париже в плакатах и ​​костюмах Леона Бакста для балета Русских и в каталогах модельеров Пола Пуаре. Иллюстрации Жоржа Барбье и Жоржа Лепепа и образы в журнале моды La Gazette du bon ton отлично отражают элегантность и чувственность стиля. В 1920-е годы внешний вид изменился; подчеркнутые моды были более случайными, спортивными и смелыми, а женщины-модели обычно курили сигареты. Американские журналы моды, такие как Vogue, Vanity Fair и Harper’s Bazaar быстро подхватили новый стиль и популяризировали его в Соединенных Штатах. Это также повлияло на работу американских книжных иллюстраторов, таких как Рокуэлл Кент.

В 1930-х годах в Соединенных Штатах во время Великой депрессии появился новый жанр плакатов. Художественный проект Федерального агентства нанял американских художников для создания плакатов по развитию туризма и культурных мероприятий.

Затухание стиля

Ар-деко незаметно исчез после подъёма массового производства, когда к нему стали относиться как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному. Окончательный конец этому стилю положили лишения Второй мировой войны. В колониальных странах, таких как Индия, ар-деко стал воротами к модернизму и не исчезал до 1960-х годов. Возрождение интереса к ар-деко в 1980-х годах было связано с графическим дизайном, а ассоциации ар-деко с лентами в стиле «фильм нуар» (film noir) и очарованием 1930-х годами привели к тому, что его стали вновь использовать в ювелирном искусстве и моде.

Певью: Часть «Калифорнии», Максин Альбро, интерьер Коит-Тауэр в Сан-Франциско (1934)

Вконтакте

Ар-деко

Ар-деко́, (фр. art déco, досл. «декоративное искусство», от названия парижской выставки 1925 года фр. Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, рус. Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств) - влиятельное течение в изобразительном и декоративном искусстве первой половины XX века, которое впервые появилось во Франции в 1920-х годах, а затем стало популярно в 1930-1940-е годы в международном масштабе, проявившееся в основном в архитектуре, моде, живописи, и переставшее быть актуальным в период после Второй мировой войны. Это эклектичный стиль, представляющий собой синтез модернизма и неоклассицизма . Стиль ар-деко также имеет значительное влияние таких художественных направлений, как кубизм , конструктивизм и футуризм .

Отличительные черты - строгая закономерность, смелые геометрические формы, этнические геометрические узоры, оформление в полутонах, отсутствие ярких цветов в оформлении, при этом пёстрые орнаменты, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.

Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже и официально называвшаяся «Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes», дала жизнь термину «ар-деко» . На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны.

Само направление ар-деко существовало и до открытия выставки в 1925 - это было заметное течение в европейском искусстве 1920-х гг. Американских берегов оно достигло только к 1928 году, где в 1930-х оно преобразовалось в Streamline Moderne - американизированное ответвление ар-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия.

Париж оставался центром стиля ар-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн - самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских ébéniste (краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Süe et Mare», ширмы Эйлин Грей, изделия из кованного металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Cartier.

Символом ар-деко в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Вдохновляясь «Русскими сезонами» Дягилева, искусством Египта и Востока, а также технологическими достижениями «века машин», французские и немецкие мастера создали уникальный стиль в малой пластике 1920-х - 1930-х гг., который поднял статус декоративной скульптуры до уровня «высокого искусства». Классическими представителями ар-деко в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Поэрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия).

Хотя термин ар-деко возник в 1925 г., он не был часто употребляемым до смены отношения к этой эпохе в 1960-х. Мастера стиля ар-деко не входили в некое единое сообщество. Движение считалось эклектичным, находившимся под влиянием нескольких источников.

Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Активно применяли зигзагообразные и ступенчатые формы, широкие и энергичные кривые линии (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например, узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио-сити и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» и «Нормандия». Ар-деко был роскошен, и считается[источник не указан 1667 дней], что эта роскошь - психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой мировой войны.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →