Polyfonický román: lyrika, groteska a makabrizmus v hudbe a živote Šostakoviča. Polyfonický román: lyrika, groteska a makabrizmus v hudbe a živote Šostakovičových diel pre orchester

si tu: Rodina a vzťahy

Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič (12. (25. september), 1906, Petrohrad - 9. august 1975, Moskva) - ruský sovietsky hudobný skladateľ, klavirista, pedagóg a verejný činiteľ, jeden z najvýznamnejších skladateľov 20. storočia, ktorý mal a pokračuje mať tvorivý vplyv na skladateľov. V prvých rokoch bol Šostakovič ovplyvnený hudbou Stravinského, Berga, Prokofieva, Hindemitha a neskôr (v polovici 30. rokov) Mahlera. Šostakovič neustálym štúdiom klasických a avantgardných tradícií vyvinul svoj vlastný hudobný jazyk, emocionálne nabitý a dotýkajúci sa sŕdc hudobníkov a milovníkov hudby na celom svete.

Na jar 1926 zahrala Leningradská filharmónia pod vedením Nikolaja Malka po prvý raz Prvú symfóniu Dmitrija Šostakoviča. N. Malko v liste kyjevskej klaviristke L. Izarovej napísal: „Práve som sa vrátil z koncertu. Prvýkrát dirigoval symfóniu mladého Leningradera Mityu Šostakoviča. Mám pocit, že som otvoril novú stránku v histórii ruskej hudby."

Prijatie symfónie verejnosťou, orchestrom a tlačou nemožno nazvať jednoducho úspechom, bol to triumf. Taký bol aj jej sprievod najznámejšími symfonickými pódiami sveta. Otto Klemperer, Arturo Toscanini, Bruno Walter, Hermann Abendroth, Leopold Stokowski sa sklonili nad partitúrou symfónie. Pre nich, dirigentov a mysliteľov, sa vzťah medzi úrovňou zručnosti a vekom autora zdal nepravdepodobný. Zarazila ma úplná sloboda, s akou devätnásťročný skladateľ disponoval všetkými prostriedkami orchestra na realizáciu svojich predstáv a samotné nápady zasiahli jarnou sviežosťou.

Šostakovičova symfónia bola skutočne prvou symfóniou z nového sveta, nad ktorou sa prehnala októbrová búrka. Nápadný bol kontrast medzi hudbou plnou veselosti, bujarým rozkvetom mladých síl, jemnými, plachými textami a pochmúrnym expresionistickým umením mnohých zahraničných Šostakovičových súčasníkov.

Šostakovič obišiel zvyčajnú mladú fázu a sebavedomo vstúpil do dospelosti. Táto vynikajúca škola mu dodala sebavedomie. Rodák z Leningradu študoval na Leningradskom konzervatóriu v triedach klaviristu L. Nikolaeva a skladateľa M. Steinberga. Leonid Vladimirovič Nikolaev, ktorý vychoval jednu z najplodnejších vetiev sovietskej klaviristickej školy, ako skladateľ bol žiakom Taneyeva, ktorý bol zasa žiakom Čajkovského. Maximilian Oseevič Steinberg je žiakom Rimského-Korsakova a pokračovateľom jeho pedagogických zásad a metód. Od svojich učiteľov Nikolaev a Steinberg zdedili úplnú nenávisť k amatérizmu. V ich triedach vládol duch hlbokej úcty k práci, k tomu, čo Ravel rád označoval slovom metier – remeslo. Preto bola kultúra majstrovstva taká vysoká už v prvom veľkom diele mladého skladateľa.

Odvtedy prešlo veľa rokov. K Prvej symfónii pribudlo ďalších štrnásť. Objavilo sa pätnásť kvartet, dve triá, dve opery, tri balety, dva klavírne, dva husľové a dva violončelové koncerty, romantické cykly, zbierky klavírnych prelúdií a fúg, kantáty, oratóriá, hudba k mnohým filmom a dramatickým predstaveniam.

Rané obdobie Šostakovičovej tvorivosti sa kryje s koncom dvadsiatych rokov, časom búrlivých diskusií o zásadných otázkach sovietskej umeleckej kultúry, keď sa vykryštalizovali základy metódy a štýlu sovietskeho umenia – socialistického realizmu. Ako mnohí predstavitelia mladej, a nielen mladej generácie sovietskej umeleckej inteligencie, aj Šostakovič vzdáva hold svojej vášni pre experimentálne diela režiséra V. E. Meyerholda, opery Albana Berga (Wozzeck), Ernsta Kšenka (Skok cez tieň , Johnny) , baletné inscenácie Fjodora Lopukhova.

Pozornosť mladého skladateľa zaujala aj kombinácia akútnej grotesky s hlbokou tragikou, typickou pre mnohé fenomény expresionistického umenia prichádzajúce zo zahraničia. Zároveň v ňom vždy žije obdiv k Bachovi, Beethovenovi, Čajkovskému, Glinkovi a Berliozovi. Svojho času mal obavy z Mahlerovho grandiózneho symfonického eposu: z hĺbky etických problémov v ňom obsiahnutých: umelec a spoločnosť, umelec a moderna. Žiadny zo skladateľov minulých čias ho však nešokuje tak ako Musorgskij.

Na samom začiatku Šostakovičovej tvorivej kariéry, v čase hľadania, koníčkov a sporov, sa zrodila jeho opera „Nos“ (1928), jedno z najkontroverznejších diel jeho tvorivej mladosti. V tejto opere založenej na Gogoľovom sprisahaní boli prostredníctvom hmatateľných vplyvov Meyerholdovho „Generálneho inšpektora“ viditeľné hudobné výstredné, jasné črty, vďaka ktorým je „Nos“ podobný Musorgského opere „Manželstvo“. „Nos“ zohral významnú úlohu v Šostakovičovom kreatívnom vývoji.

Začiatok 30. rokov je v skladateľovej biografii poznačený prúdom diel rôznych žánrov. Tu sú balety „Zlatý vek“ a „Bolt“, hudba k Meyerholdovej inscenácii Majakovského hry „Ploštica“, hudba k niekoľkým predstaveniam Leningradského divadla pracujúcej mládeže (TRAM) a napokon Šostakovičov prvý vstup do kinematografie, tvorba hudby k filmom „Alone“, „Golden Mountains“, „Counter“; hudba pre varietné a cirkusové predstavenie Leningradskej hudobnej sály „Podmienečne zabité“; tvorivá komunikácia s príbuznými umeniami: balet, činoherné divadlo, kino; vznik prvého romantického cyklu (založeného na básňach japonských básnikov) je dôkazom skladateľovej potreby konkretizovať figuratívnu štruktúru hudby.

Ústredné miesto medzi Šostakovičovými dielami prvej polovice 30-tych rokov zaujíma opera „Lady Macbeth of Mtsensk“ („Katerina Izmailova“). Základom jeho dramaturgie je dielo N. Leskova, ktorého žáner autor označil slovom „esej“, akoby tým vyzdvihol autentickosť, spoľahlivosť udalostí a portrétny charakter postáv. Hudba „Lady Macbeth“ je tragickým príbehom o hroznej ére tyranie a bezprávia, keď bolo zabité všetko ľudské v človeku, jeho dôstojnosť, myšlienky, túžby, city; keď boli primitívne inštinkty zdanené a riadili činy a samotný život, spútaný, kráčal po nekonečných diaľniciach Ruska. Na jednom z nich videl Šostakovič svoju hrdinku – bývalú kupcovu manželku, trestankyňu, ktorá za svoje zločinecké šťastie zaplatila plnú cenu. Videl som to a vzrušene som jej povedal osud v mojej opere.

Nenávisť k starému svetu, svetu násilia, lži a neľudskosti sa prejavuje v mnohých Šostakovičových dielach v rôznych žánroch. Je najsilnejším protikladom pozitívnych obrazov, ideí, ktoré definujú Šostakovičovo umelecké a spoločenské krédo. Viera v neodolateľnú silu človeka, obdiv k bohatstvu duchovného sveta, súcit s jeho utrpením, vášnivý smäd zúčastniť sa boja za jeho svetlé ideály – to sú najdôležitejšie črty tohto kréda. Zvlášť naplno sa to prejavuje v jeho kľúčových, míľnikových dielach. Medzi nimi je jedna z najvýznamnejších, Piata symfónia, ktorá sa objavila v roku 1936, čím sa začala nová etapa v tvorivej biografii skladateľa, nová kapitola v dejinách sovietskej kultúry. V tejto symfónii, ktorú možno nazvať „optimistickou tragédiou“, autor prichádza k hlbokému filozofickému problému formovania osobnosti svojho súčasníka.

Súdiac podľa Šostakovičovej hudby, symfonický žáner bol preňho vždy platformou, z ktorej by mali vychádzať len tie najdôležitejšie, najžiarivejšie prejavy, zamerané na dosiahnutie najvyšších etických cieľov. Symfonická platforma nebola postavená kvôli výrečnosti. Toto je odrazový mostík pre militantné filozofické myslenie, bojujúce za ideály humanizmu, odsudzujúce zlo a nízkosť, akoby opäť potvrdili slávnu Goetheovskú pozíciu:

Len on je hodný šťastia a slobody,
Kto o ne ide bojovať každý deň!
Je príznačné, že ani jedna z pätnástich Šostakovičových symfónií nevybočuje z modernej doby. Prvý bol spomenutý vyššie, druhý je symfonickým venovaním októbru, tretí je „Máj“. Skladateľ sa v nich obracia k poézii A. Bezymenského a S. Kirsanova, aby jasnejšie odhalil radosť a vážnosť revolučných slávností, ktoré v nich žiarili.

Ale už od štvrtej symfónie, napísanej v roku 1936, vstupuje do sveta radostného chápania života, dobra a priateľstva nejaká cudzia, zlá sila. Berie na seba rôzne podoby. Niekde hrubo šliape po zemi pokrytej jarnou zeleňou, s cynickým úškrnom poškvrňuje čistotu a úprimnosť, hnevá sa, vyhráža sa, predznamenáva smrť. Vnútorne má blízko k temným témam, ktoré ohrozujú ľudské šťastie zo stránok partitúr posledných troch Čajkovského symfónií.

V piatej aj druhej časti Šostakovičovej šiestej symfónie je táto impozantná sila cítiť. Ale až v siedmej, Leningradskej symfónii, vystúpi do plnej výšky. Zrazu do sveta filozofických myšlienok, čistých snov, atletickej sily a levitanských poetických krajín vtrhne krutá a hrozná sila. Prišla, aby zmietla tento čistý svet a nastolila temnotu, krv, smrť. Podsúvavo sa už z diaľky ozýva sotva počuteľný šuchot malého bubna a v jeho jasnom rytme sa vynára tvrdá hranatá téma. Jedenásťkrát sa s tupou mechanickosťou a naberaním na sile opakuje, získava chrapľavé, vrčivé, akosi huňaté zvuky. A teraz, v celej svojej hrôzostrašnej nahote, človek-šelma vkročí na zem.

Na rozdiel od „témy invázie“ sa v hudbe objavuje a silnie „téma odvahy“. Monológ fagotu je mimoriadne nasýtený horkosťou straty, vďaka čomu si človek pamätá Nekrasovove repliky: „Toto sú slzy úbohých matiek, nezabudnú na svoje deti, ktoré zomreli na krvavom poli. Ale bez ohľadu na to, aké smutné môžu byť straty, život sa presadzuje každú minútu. Táto myšlienka preniká do Scherza – časť II. A odtiaľto cez reflexiu (III. časť) vedie k víťazne znejúcemu koncu.

Skladateľ napísal svoju legendárnu Leningradskú symfóniu v dome neustále otriasanom výbuchmi. V jednom zo svojich prejavov Šostakovič povedal: „Pozeral som sa na svoje milované mesto s bolesťou a hrdosťou. A stál, spálený ohňom, zocelený bojom, zakúsil hlboké utrpenie bojovníka a bol ešte krajší vo svojej prísnej vznešenosti. Ako by som mohol nemilovať toto mesto, postavené Petrom, a nerozprávať celému svetu o jeho sláve, o odvahe jeho obrancov... Mojou zbraňou bola hudba.“

Občanský skladateľ vášnivo nenávidiaci zlo a násilie odsudzuje nepriateľa, toho, kto rozsieva vojny, ktoré vrhajú národy do priepasti katastrofy. Preto téma vojny núti skladateľove myšlienky na dlhú dobu. Znie v Ôsmej, veľkolepo, v hĺbke tragických konfliktov, skomponovanej v roku 1943, v desiatej a trinástej symfónii, v klavírnom triu, napísanom na pamiatku I. I. Sollertinského. Táto téma preniká aj do Ôsmeho kvarteta, do hudby k filmom „Pád Berlína“, „Stretnutie na Labe“, „Mladá garda.“ V článku venovanom prvému výročiu Dňa víťazstva Šostakovič napísal: „ Víťazstvo nezaväzuje nič menej ako vojna, ktorá sa viedla v mene víťazstva. Porážka fašizmu je len etapou v nezastaviteľnom útočnom hnutí človeka, v realizácii pokrokovej misie sovietskeho ľudu.

Deviata symfónia, Šostakovičovo prvé povojnové dielo. Prvýkrát zaznela na jeseň 1945, táto symfónia do istej miery nenaplnila očakávania. Nie je v ňom žiadna monumentálna slávnosť, ktorá by mohla v hudbe zhmotniť obrazy víťazného konca vojny. Je v tom však niečo iné: okamžitá radosť, žarty, smiech, akoby človeku z pliec spadlo obrovské bremeno a prvýkrát po toľkých rokoch bolo možné rozsvietiť svetlo bez závesov, bez zotmenia a všetky okná domov sa rozžiarili radosťou. A až v predposlednej časti sa objavuje drsná pripomienka zažitého. Tma však vládne na krátky čas – hudba sa opäť vracia do sveta svetla a zábavy.

Osem rokov delí desiatu symfóniu od deviatej. V Šostakovičovej symfonickej kronike ešte nikdy nebola taká prestávka. A opäť máme pred sebou dielo plné tragických kolízií, hlbokých ideologických problémov, uchvacujúce svojím pátosom rozprávania o ére veľkých prevratov, o ére veľkých nádejí pre ľudstvo.

Jedenásta a Dvanásta zaujímajú osobitné miesto v zozname Šostakovičových symfónií.

Skôr než prejdeme k Jedenástej symfónii, napísanej v roku 1957, treba pripomenúť Desať básní pre miešaný zbor (1951) na slová revolučných básnikov 19. a začiatku 20. storočia. Básne revolučných básnikov: L. Radin, A. Gmyrev, A. Kots, V. Tan-Bogoraz inšpirovali Šostakoviča k tvorbe hudby, ktorej každý takt skomponoval on, a zároveň je podobná piesňam revolučného underground, študentské stretnutia, ktoré zneli v žalároch Butyrok, v Šušenskom a v Lynjumo na Capri, na piesne, ktoré boli tiež rodinnou tradíciou v dome skladateľových rodičov. Jeho starý otec, Boleslav Boleslavovič Šostakovič, bol vyhnaný za účasť na poľskom povstaní v roku 1863. Jeho syn Dmitrij Boleslavovič, skladateľov otec, bol počas študentských rokov a po ukončení štúdia na Petrohradskej univerzite úzko spojený s rodinou Lukaševičov, ktorej jeden z členov spolu s Alexandrom Iľjičom Uljanovom pripravoval atentát na Alexandra III. Lukaševič strávil 18 rokov v pevnosti Shlisselburg.

Jeden z najsilnejších dojmov z celého Šostakovičovho života je datovaný 3. aprílom 1917, dňom príchodu V. I. Lenina do Petrohradu. Takto o tom hovorí skladateľ. „Bol som svedkom udalostí októbrovej revolúcie, bol som medzi tými, ktorí počúvali Vladimíra Iľjiča na námestí pred stanicou Finlyandsky v deň jeho príchodu do Petrohradu. A hoci som bol vtedy veľmi mladý, navždy sa mi to vrylo do pamäti.“

Téma revolúcie vstúpila do skladateľovho mäsa a krvi už v detstve a dozrievala v ňom spolu s rastom vedomia a stala sa jedným z jeho základov. Táto téma sa vykryštalizovala v Jedenástej symfónii (1957) s názvom „1905“. Každá časť má svoj vlastný názov. Z nich si môžete jasne predstaviť myšlienku a dramaturgiu diela: „Palácové námestie“, „9. januára“, „Večná pamäť“, „Poplach“. Symfónia je presiaknutá intonáciami piesní revolučného undergroundu: „Počúvajte“, „Väzeň“, „Stali ste sa obeťou“, „Rage, tyrani“, „Varshavyanka“. Dodávajú bohatému hudobnému rozprávaniu osobité vzrušenie a autentickosť historického dokumentu.

Dvanásta symfónia (1961) – dielo epickej sily – venovaná pamiatke Vladimíra Iľjiča Lenina – pokračuje v inštrumentálnom príbehu revolúcie. Rovnako ako v jedenástej, názvy programov častí dávajú úplne jasnú predstavu o jej obsahu: „Revolučný Petrohrad“, „Razliv“, „Aurora“, „Úsvit ľudstva“.

Šostakovičova Trinásta symfónia (1962) má žánrovo blízko k oratóriu. Bola napísaná pre nezvyčajnú skladbu: symfonický orchester, basový zbor a basový sólista. Textovým základom piatich častí symfónie sú verše Evg. Jevtušenko: „Babi Yar“, „Humor“, „V obchode“, „Strach“ a „Kariéra“. Myšlienka symfónie, jej pátos je odsúdenie zla v mene boja za pravdu, za človeka. A táto symfónia odhaľuje aktívny, útočný humanizmus, ktorý je Šostakovičovi vlastný.

Po sedemročnej prestávke, v roku 1969, vznikla Štrnásta symfónia, napísaná pre komorný orchester: sláčiky, malý počet bicích nástrojov a dva hlasy – soprán a bas. Symfónia obsahuje básne Garciu Lorcu, Guillauma Apollinaira, M. Rilkeho a Wilhelma Kuchelbeckera. Venovaná Benjaminovi Brittenovi bola symfónia napísaná podľa jej autora pod vplyvom M. P. Musorgského „Piesne a tance smrti“. Vo veľkolepom článku „Z hlbín hlbín“, venovanom štrnástej symfónii, Marietta Shaginyan napísala: „... Šostakovičova štrnásta symfónia, vrchol jeho tvorby. Štrnásta symfónia – rád by som ju nazval prvé „ľudské vášne“ novej éry – presvedčivo hovorí o tom, ako veľmi potrebuje naša doba hĺbkovú interpretáciu morálnych rozporov a tragické chápanie duchovných skúšok („vášní“). , cez ktorý prechádza ľudstvo.“

V lete 1971 vznikla pätnásta symfónia D. Šostakoviča. Po dlhšej prestávke sa skladateľ vracia k čisto inštrumentálnej partitúre pre symfóniu. Svetlé sfarbenie „hračkového scherza“ prvého pohybu je spojené s obrazmi detstva. Téma z Rossiniho predohry „William Tell“ organicky „zapadá“ do hudby. Smútočná hudba začiatku II. časti v pochmúrnom zvuku dychovky vyvoláva myšlienky na stratu, na prvý hrozný smútok. Hudba časti II je plná zlovestnej fantázie, v niektorých ohľadoch pripomína rozprávkový svet Luskáčika. Na začiatku štvrtej časti sa Šostakovič opäť uchyľuje k citácii. Tentoraz je to téma osudu z Valkýry, ktorá predurčuje tragický vrchol ďalšieho vývoja.

Pätnásť symfónií Šostakoviča je pätnásť kapitol epickej kroniky našej doby. Šostakovič sa zaradil k tým, ktorí aktívne a priamo pretvárajú svet. Jeho zbraňou je hudba, ktorá sa stala filozofiou, filozofia, ktorá sa stala hudbou.

Šostakovičove tvorivé ašpirácie pokrývajú všetky existujúce hudobné žánre – od masovej piesne z „The Counter“ až po monumentálne oratórium „Song of the Forests“, opery, symfónie a inštrumentálne koncerty. Významná časť jeho tvorby je venovaná komornej hudbe, z ktorej jedno z opusov „24 prelúdií a fúg“ pre klavír zaujíma osobitné miesto. Po Johannovi Sebastianovi Bachovi sa len málokto odvážil dotknúť sa viachlasného cyklu tohto druhu a rozsahu. A nie je to záležitosť prítomnosti alebo neprítomnosti vhodnej technológie, špeciálneho druhu zručnosti. Šostakovičových „24 prelúdií a fúg“ nie je len súborom polyfónnej múdrosti 20. storočia, je najjasnejším ukazovateľom sily a napätia myslenia, prenikajúceho do hlbín najzložitejších javov. Tento typ myslenia je podobný intelektuálnej sile Kurčatova, Landaua, Fermiho, a preto Šostakovičove prelúdiá a fúgy udivujú nielen vysokou akademickosťou odhaľovania tajomstiev Bachovej polyfónie, ale predovšetkým filozofickým myslením, ktoré skutočne preniká do „hlbiny hlbín“ jeho súčasníka, hybné sily, rozpory a pátos éra veľkých premien.

Popri symfóniách zaujíma veľké miesto v Šostakovičovej tvorivej biografii jeho pätnásť kvartet. V tomto, na počet účinkujúcich, skromnom súbore sa skladateľ obracia k tematickému okruhu blízkemu tomu, o ktorom hovorí vo svojich symfóniách. Nie je náhoda, že niektoré kvartetá sa objavujú takmer súčasne so symfóniami, ktoré sú ich pôvodnými „spoločníkmi“.

V symfóniách sa skladateľ obracia na milióny, v tomto zmysle pokračuje v línii Beethovenovho symfonizmu, zatiaľ čo kvartetá sú určené užšiemu, komornému okruhu. S ním zdieľa to, čo vzrušuje, teší, deprimuje, o čom sníva.

Žiadne z kvartet nemá špeciálny názov, ktorý by pomohol pochopiť jeho obsah. Nič iné ako sériové číslo. A predsa je ich význam jasný každému, kto miluje a vie počúvať komornú hudbu. Prvé kvarteto je v rovnakom veku ako Piata symfónia. V jeho veselej štruktúre, blízkej neoklasicizmu, s premyslenou sarabandou prvej časti, haydnianskym iskrivým finále, trepotavým valčíkom a oduševneným ruským violovým zborom, ťahavým a jasným, je cítiť uzdravenie z ťažkých myšlienok, ktoré zaplavili hrdina Piatej symfónie.

Pamätáme si, aká dôležitá bola lyrika v básňach, piesňach a listoch počas vojnových rokov, ako lyrická vrúcnosť niekoľkých úprimných fráz znásobovala duchovnú silu. Valčík a romantika Druhého kvarteta, napísaného v roku 1944, sú ním presiaknuté.

Aké odlišné sú od seba obrazy Tretieho kvarteta. Obsahuje bezstarostnosť mladosti a bolestné vízie „síl zla“ a pole napätia odporu a texty susediace s filozofickou reflexiou. Piate kvarteto (1952), ktoré predchádza desiatej symfónii, a v ešte väčšej miere Ôsme kvarteto (I960) sú naplnené tragickými víziami – spomienkami na vojnové roky. V hudbe týchto kvartet, podobne ako v siedmej a desiatej symfónii, sú sily svetla a sily temnoty ostro protikladné. Titulná strana Ôsmeho kvarteta znie: „Na pamiatku obetí fašizmu a vojny“. Toto kvarteto vzniklo počas troch dní v Drážďanoch, kde Šostakovič išiel pracovať na hudbe k filmu Päť dní, päť nocí.

Spolu s kvartetami, ktoré odrážajú „veľký svet“ s jeho konfliktmi, udalosťami, životnými kolíziami, má Šostakovič kvartetá, ktoré znejú ako stránky denníka. V Prvom sú veselí; vo Štvrtej hovoria o sebapohltení, kontemplácii, pokoji; v šiestom - odhaľujú sa obrazy jednoty s prírodou a hlbokého pokoja; v siedmej a jedenástej - venovanej pamiatke blízkych, dosahuje hudba najmä v tragických vrcholoch takmer verbálnu expresívnosť.

V štrnástom kvartete sú obzvlášť výrazné charakteristické črty ruských melónov. V I. časti upútajú hudobné obrazy svojim romantickým spôsobom vyjadrenia širokej škály pocitov: od srdečného obdivu ku kráse prírody až po výbuchy duševného nepokoja, návrat k pokoju a mieru krajiny. Adagio štrnásteho kvarteta pripomína ruského ducha violového zboru v prvom kvartete. V III - záverečnej časti - hudbu načrtávajú tanečné rytmy, znejúce viac-menej zreteľne. D. B. Kabalevskij pri hodnotení Šostakovičovho štrnásteho kvarteta hovorí o „beethovenovom začiatku“ jeho vysokej dokonalosti.

Pätnáste kvarteto bolo prvýkrát uvedené na jeseň 1974. Jeho štruktúra je nezvyčajná, skladá sa zo šiestich častí, ktoré na seba nadväzujú bez prerušenia. Všetky časti sú v pomalom tempe: Elégia, Serenáda, Intermezzo, Nokturno, Pohrebný pochod a Epilóg. Pätnáste kvarteto udivuje hĺbkou filozofického myslenia, tak charakteristickou pre Šostakoviča v mnohých dielach tohto žánru.

Šostakovičovo kvartetné dielo predstavuje jeden z vrcholov vývoja žánru v pobeethovenskom období. Rovnako ako v symfóniách tu vládne svet vznešených myšlienok, úvah a filozofických zovšeobecnení. Ale na rozdiel od symfónií majú kvartetá tú intonáciu dôvery, ktorá okamžite prebúdza emocionálnu odozvu publika. Táto vlastnosť Šostakovičových kvartet ich robí podobnými Čajkovského kvartetám.

Po kvartetách právom patrí jedno z najvyšších miest v komornom žánri Klavírne kvinteto napísané v roku 1940, dielo, ktoré spája hlboký intelektualizmus, zjavný najmä v Prelúdiu a fúge, a jemnú emotívnosť, vďaka ktorej si človek spomenie na Levitanov krajiny.

Ku komornej vokálnej hudbe sa skladateľ prikláňal v povojnových rokoch čoraz častejšie. Objavuje sa šesť romancí na základe slov W. Raleigha, R. Burnsa, W. Shakespeara; vokálny cyklus „Zo židovskej ľudovej poézie“; Dve romance k básňam M. Lermontova, Štyri monológy k básňam A. Puškina, piesne a romance k básňam M. Svetlova, E. Dolmatovského, cyklus „Španielske piesne“, Päť satir na slová Sašu Chernyho, Päť humoresiek na slová z časopisu „Krokodíl“, Suita na básne M. Cvetajevovej.

Takéto množstvo vokálnej hudby na texty klasikov poézie a sovietskych básnikov svedčí o širokom spektre literárnych záujmov skladateľa. V Šostakovičovej vokálnej hudbe človeka zasiahne nielen jemnosť básnikovho zmyslu pre štýl a rukopis, ale aj schopnosť obnoviť národné charakteristiky hudby. Toto je obzvlášť zreteľné v „Španielskych piesňach“, v cykle „Z židovskej ľudovej poézie“, v romancoch založených na básňach anglických básnikov. Tradície ruských ľúbostných textov, pochádzajúce od Čajkovského, Taneyeva, zaznejú v Piatich romancoch, „Päť dní“ na básne E. Dolmatovského: „Deň stretnutia“, „Deň vyznaní“, „Deň Deň rozhorčenia, „Deň radosti“, „Deň spomienok“.

Osobitné miesto zaujímajú „satiry“ založené na slovách Sashy Cherny a „humoresky“ z „Krokodíla“. Odrážajú Šostakovičovu lásku k Musorgskému. Vzniklo v jeho mladosti a objavilo sa najskôr v jeho cykle „Krylovove bájky“, potom v opere „Nos“, potom v „Katerine Izmailovej“ (najmä v dejstve IV opery). Trikrát sa Šostakovič obracia priamo na Musorgského, reorchestruje a upravuje skladby „Boris Godunov“ a „Khovanshchina“ a po prvýkrát organizuje „Piesne a tance smrti“. A opäť sa obdiv k Musorgskému odráža v básni pre sólistu, zbor a orchester - „Poprava Stepana Razina“ na verše Evg. Jevtušenko.

Aká silná a hlboká musí byť pripútanosť k Musorgskému, ak Šostakovič s takou jasnou individualitou, ktorú možno neomylne rozpoznať podľa dvoch alebo troch fráz, tak pokorne, s takou láskou - nenapodobňuje, nie, ale preberá a interpretuje štýl písania svojim spôsobom veľkého realistického hudobníka.

Kedysi dávno, keď Robert Schumann obdivoval génia Chopina, ktorý sa práve objavil na európskom hudobnom obzore, napísal: „Keby bol Mozart nažive, napísal by Chopinov koncert. Aby sme parafrázovali Schumanna, môžeme povedať: keby bol Musorgskij žil, napísal by „Popravu Stepana Razina“ od Šostakoviča. Dmitrij Šostakovič je vynikajúcim majstrom divadelnej hudby. Sú mu blízke rôzne žánre: opera, balet, hudobná komédia, varieté (Hudobná sála), činoherné divadlo. Zahŕňajú aj hudbu k filmom. Spomeňme len niekoľko diel v týchto žánroch z viac ako tridsiatich filmov: „Zlaté hory“, „Počítadlo“, „Trilógia Maxim“, „Mladá garda“, „Stretnutie na Labe“, „Pád Berlína“ ““, „The Gadfly“, „Päť“ dní - päť nocí, „Hamlet“, „Kráľ Lear“. Z hudby k dramatickým predstaveniam: „Ploštica“ od V. Majakovského, „Výstrel“ od A. Bezymenského, „Hamlet“ a „Kráľ Lear“ od V. Shakespeara, „Salute, Španielsko“ od A. Afinogenova, „The Ľudská komédia“ od O. Balzaca.

Nech sú Šostakovičove diela vo filme a divadle akokoľvek odlišné žánrom a rozsahom, spája ich jedna spoločná črta – hudba vytvára svoj vlastný, akoby „symfonický rad“ stelesnení myšlienok a postáv, ovplyvňujúcich atmosféru filmu. alebo výkon.

Osud baletov bol nešťastný. Tu vina padá výlučne na podradnú scenáristiku. Ale hudba, obdarená živou obraznosťou a humorom, skvele znejúca v orchestri, sa zachovala vo forme suít a zaujíma popredné miesto v repertoári symfonických koncertov. Balet „Mladá dáma a chuligán“ na hudbu D. Šostakoviča na libreto A. Belinského podľa filmového scenára V. Majakovského sa s veľkým úspechom uvádza na mnohých scénach sovietskych hudobných divadiel.

Dmitri Šostakovič výrazne prispel k žánru inštrumentálneho koncertu. Ako prvý bol napísaný klavírny koncert c mol so sólovou trúbkou (1933). Svojou mladosťou, šibalstvom a mladistvou pôvabnou hranatosťou koncert pripomína 1. symfóniu. O štrnásť rokov neskôr sa objavuje husľový koncert, hlboký myšlienkou, veľkolepý rozsahom a virtuóznou brilantnosťou; nasledoval v roku 1957 Druhý klavírny koncert venovaný jeho synovi Maximovi, určený pre detské predstavenie. Zoznam koncertnej literatúry z pera Šostakoviča dopĺňajú violončelové koncerty (1959, 1967) a Druhý husľový koncert (1967). Tieto koncerty sú najmenej zo všetkých určené na „opojenie technickou brilantnosťou“. Myšlienkovou hĺbkou a intenzívnou dramatickosťou sa radia k symfóniám.

Zoznam diel uvedený v tejto eseji obsahuje iba najtypickejšie diela v hlavných žánroch. Mimo zoznamu zostali desiatky titulov v rôznych sekciách kreativity.

Jeho cesta k svetovej sláve je cestou jedného z najväčších hudobníkov dvadsiateho storočia, ktorý odvážne stanovuje nové míľniky vo svetovej hudobnej kultúre. Jeho cesta k svetovej sláve, cesta jedného z tých ľudí, pre ktorých žiť znamená byť v centre diania každého na svoju dobu, hlboko sa ponoriť do zmyslu toho, čo sa deje, zaujať spravodlivé stanovisko v sporoch, strety názorov, v boji a reagovať všetkými silami svojich gigantických darov za všetko, čo je vyjadrené jedným veľkým slovom - Život.

Jedenásta a Dvanásta zaujímajú osobitné miesto v zozname Šostakovičových symfónií.

Zoznam diel uvedený v tejto eseji obsahuje iba najtypickejšie diela v hlavných žánroch. Mimo zoznamu zostali desiatky titulov v rôznych sekciách kreativity.

Jeho osud mal všetko - medzinárodné uznanie a domáce rozkazy, hlad a prenasledovanie úradov. Jeho tvorivý odkaz je v žánrovom rozsahu bezprecedentný: symfónie a opery, sláčikové kvartetá a koncerty, balety a filmové partitúry. Inovátor a klasik, tvorivo emotívny a ľudsky skromný - Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič. Skladateľ je klasik 20. storočia, veľký maestro a brilantný umelec, ktorý zažil drsné časy, v ktorých musel žiť a tvoriť. Útrapy svojho ľudu si vzal k srdcu, v jeho dielach zreteľne počuť hlas bojovníka proti zlu a obrancu proti sociálnej nespravodlivosti.

Prečítajte si krátku biografiu Dmitrija Šostakoviča a veľa zaujímavých faktov o skladateľovi na našej stránke.

Stručný životopis Šostakoviča

V dome, kde 12. septembra 1906 prišiel na tento svet Dmitrij Šostakovič, je dnes škola. A potom - City Test Stan, ktorému šéfoval jeho otec. Z biografie Šostakoviča sa dozvedáme, že vo veku 10 rokov, ako študent strednej školy, sa Mitya kategoricky rozhodla písať hudbu a len o 3 roky neskôr sa stala študentkou konzervatória.

Začiatok 20. rokov bol ťažký - čas hladu zhoršila jeho ťažká choroba a náhla smrť otca. Riaditeľ konzervatória prejavil o osud talentovanej študentky veľký záujem. A.K. Glazunov, ktorý mu udelil zvýšené štipendium a organizoval pooperačnú rehabilitáciu na Kryme. Šostakovič si spomenul, že do školy chodil pešo len preto, že nemohol nastúpiť do električky. Napriek zdravotným ťažkostiam v roku 1923 promoval ako klavirista, v roku 1925 ako skladateľ. Len o dva roky neskôr hrajú jeho Prvú symfóniu najlepšie svetové orchestre pod vedením B. Waltera a A. Toscaniniho.

Šostakovič, ktorý mal neuveriteľnú efektivitu a sebaorganizáciu, rýchlo napísal svoje ďalšie diela. Vo svojom osobnom živote skladateľ nemal sklon robiť unáhlené rozhodnutia. Až do takej miery, že dovolil žene, s ktorou mal 10 rokov blízky vzťah, Tatyane Glivenko, aby si vzala niekoho iného pre svoju neochotu rozhodnúť o manželstve. Navrhol astrofyzičku Ninu Varzarovú a opakovane odložená svadba sa napokon v roku 1932 konala. Po 4 rokoch sa objavila dcéra Galina a po ďalších 2 rokoch syn Maxim. Podľa Šostakovičovho životopisu sa v roku 1937 stal učiteľom a potom profesorom na konzervatóriu.

Vojna priniesla nielen smútok a smútok, ale aj novú tragickú inšpiráciu. Spolu so svojimi študentmi chcel ísť Dmitrij Dmitrievič na front. Keď ma nepustili dnu, chcel som zostať vo svojom milovanom Leningrade, obklopený fašistami. Ale on a jeho rodina boli takmer násilne odvlečení do Kuibyshev (Samara). Skladateľ sa už do rodného mesta nevrátil, po evakuácii sa usadil v Moskve, kde pokračoval vo svojej učiteľskej kariére. Dekrét „O opere „Veľké priateľstvo“ od V. Muradeliho, vydaný v roku 1948, vyhlásil Šostakoviča za „formalistu“ a jeho dielo za protiľudové. Už v roku 1936 sa ho pokúsili nazvať „nepriateľom ľudu“ po kritických článkoch v Pravde o „Lady Macbeth z Mtsensku“ a „Svietej ceste“. Táto situácia vlastne ukončila skladateľov ďalší výskum v žánroch opery a baletu. Ale teraz na neho zaútočila nielen verejnosť, ale aj samotná štátna mašinéria: vyhodili ho z konzervatória, zbavili ho profesorského statusu a prestali publikovať a predvádzať svoje diela. Tvorcu tohto levelu si však už dlho nebolo možné nevšimnúť. V roku 1949 ho Stalin osobne požiadal, aby odišiel do USA s ďalšími kultúrnymi osobnosťami, pričom mu vrátil všetky vybrané privilégiá za súhlas, v roku 1950 dostal Stalinovu cenu za kantátu Pieseň lesov a v roku 1954 sa stal ľudovým umelcom ZSSR.

Na konci toho istého roku Nina Vladimirovna náhle zomrela. Šostakovič bral túto prehru vážne. Bol silný vo svojej hudbe, no slabý a bezmocný v každodenných záležitostiach, ktorých bremeno vždy niesla jeho manželka. Pravdepodobne to bola túžba znova zefektívniť svoj život, čo vysvetľuje jeho nové manželstvo len o rok a pol neskôr. Margarita Kaynova nezdieľala záujmy svojho manžela a nepodporovala jeho spoločenský kruh. Manželstvo malo krátke trvanie. V tom istom čase sa skladateľ stretol s Irinou Supinskou, ktorá sa o 6 rokov neskôr stala jeho treťou a poslednou manželkou. Bola takmer o 30 rokov mladšia, ale za ich chrbtom nebolo o tomto zväzku takmer žiadne ohováranie - vnútorný kruh páru pochopil, že 57-ročný génius postupne stráca zdravie. Priamo na koncerte začala jeho pravá ruka strácať vedomie a následne v USA bola stanovená konečná diagnóza – choroba je nevyliečiteľná. Aj keď Šostakovič bojoval s každým krokom, jeho hudbu to nezastavilo. Posledný deň jeho života bol 9. august 1975.

Zaujímavé fakty o Šostakovičovi

Šostakovič bol vášnivým fanúšikom futbalového klubu Zenit a dokonca si viedol zápisník všetkých zápasov a gólov. Jeho ďalšími záľubami boli karty - celý čas hral solitaire a rád sa hral na „kráľa“, navyše výlučne pre peniaze a závislosť od fajčenia.
Skladateľovým obľúbeným jedlom boli domáce knedle z troch druhov mäsa.
Dmitrij Dmitrievič pracoval bez klavíra, sadol si za stôl a okamžite si písal poznámky na papier v plnej orchestrácii. Mal takú jedinečnú schopnosť pracovať, že mohol v krátkom čase úplne prepísať svoju esej.
Šostakovič dlho usiloval o návrat Lady Macbeth z Mtsenska na scénu. V polovici 50. rokov vytvoril nové vydanie opery s názvom „Katerina Izmailova“. Napriek priamemu apelu na V. Molotova bola inscenácia opäť zakázaná. Až v roku 1962 sa opera dočkala javiska. V roku 1966 vyšiel rovnomenný film s Galinou Višnevskou v hlavnej úlohe.

Na vyjadrenie všetkých bezslovných vášní v hudbe „Lady Macbeth of Mtsensk“ použil Šostakovič nové techniky, keď nástroje škrípali, potkýnali sa a robili hluk. Vytvoril symbolické zvukové formy, ktoré dodávajú postavám jedinečnú auru: altovú flautu pre Zinového Borisoviča, kontrabas pre Borisa Timofeeviča, violončelo pre Sergeja, hoboj A klarinet - pre Katerinu.
Katerina Izmailova je jednou z najobľúbenejších úloh operného repertoáru.

Šostakovič patrí medzi 40 najhranejších operných skladateľov na svete. Ročne sa uskutoční viac ako 300 predstavení jeho opier.
Šostakovič je jediný z „formalistov“, ktorý sa kajal a vlastne zriekol svojej predchádzajúcej práce. To spôsobilo rozdielne postoje jeho kolegov k nemu a skladateľ svoj postoj vysvetlil tým, že inak by ho už nepustili do práce.
Prvá láska skladateľa, Tatyana Glivenko, bola srdečne prijatá matkou a sestrami Dmitrija Dmitrieviča. Keď sa vydala, Šostakovič si ju zavolal listom z Moskvy. Prišla do Leningradu a zostala v dome Šostakoviča, ale nemohol sa rozhodnúť presvedčiť ju, aby opustila svojho manžela. Pokus o obnovenie vzťahu sa vzdal až po správe o Tatyanovom tehotenstve.
Jedna z najznámejších piesní napísaná Dmitrijom Dmitrievičom bola počuť vo filme „Oncoming“ z roku 1932. Volá sa „Pieseň o pulte“.
Skladateľ bol dlhé roky poslancom Najvyššieho sovietu ZSSR, prijímal „voličov“ a podľa svojich možností sa snažil vyriešiť ich problémy.

Nina Vasilievna Šostakovič rada hrala na klavíri, ale po svadbe prestala a vysvetlila, že jej manžel nemá rád amatérizmus.
Maxim Šostakovič si spomína, že svojho otca videl plakať dvakrát – keď mu zomrela matka a keď bol nútený vstúpiť do strany.
Vo zverejnených spomienkach detí, Galiny a Maxima, skladateľ vystupuje ako citlivý, starostlivý a milujúci otec. Napriek neustálej zaneprázdnenosti s nimi trávil čas, vodil ich k lekárovi a dokonca im doma počas detských večierkov hrával obľúbené tanečné melódie na klavíri. Keď videl, že jeho dcéra nerada cvičí na nástroji, dovolil jej, aby už neštudovala hru na klavíri.
Irina Antonovna Šostakovičová pripomenula, že počas evakuácie do Kuibyševa ona a Šostakovič žili na tej istej ulici. Napísal tam siedmu symfóniu a mala len 8 rokov.
Šostakovičova biografia hovorí, že v roku 1942 sa skladateľ zúčastnil súťaže na zloženie hymny Sovietskeho zväzu. Účasť v súťaži bola tiež A. Chačaturjan. Po vypočutí všetkých diel Stalin požiadal oboch skladateľov, aby spoločne zložili hymnu. Podarilo sa im to a ich dielo sa dostalo do finále spolu s hymnami každého z nich, verziami A. Alexandrova a gruzínskeho skladateľa I. Tuského. Koncom roku 1943 padla konečná voľba, bola to hudba A. Alexandrova, predtým známa ako „Hymna boľševickej strany“.
Šostakovič mal jedinečné ucho. Keď navštevoval orchestrálne skúšky svojich diel, počul nepresnosti v prevedení čo i len jednej noty.

V 30. rokoch 20. storočia skladateľ počítal s tým, že ho každú noc zatknú, a tak si pri posteli odkladal kufor s nevyhnutnými potrebami. V tých rokoch bolo zastrelených veľa ľudí z jeho okruhu, vrátane jeho najbližších – režiséra Meyerholda, maršala Tukhachevského. Svokor a manžel staršej sestry boli deportovaní do tábora a samotná Maria Dmitrievna bola poslaná do Taškentu.
Jeho pamiatke skladateľ venoval ôsme kvarteto napísané v roku 1960. Otvára sa hudobným anagramom Šostakoviča (D-Es-C-H) a obsahuje témy z mnohých jeho diel. „Neslušné“ venovanie sa muselo zmeniť na „Na pamiatku obetí fašizmu“. Túto hudbu zložil v slzách po vstupe do strany.

Diela Dmitrija Šostakoviča

Skladateľovo najstaršie zachované dielo, fis-moll Scherzo, pochádza z roku, keď vstúpil na konzervatórium. Počas štúdií, keďže bol aj klaviristom, Šostakovič veľa písal pre tento nástroj. Záverečná práca bola Prvá symfónia. Táto práca bola neuveriteľným úspechom a celý svet sa dozvedel o mladom sovietskom skladateľovi. Inšpirácia z vlastného triumfu vyústila do nasledujúcich symfónií – Druhá a Tretia. Spája ich nezvyčajná forma – obe majú zborové časti na básne súčasných básnikov tej doby. Sám autor však neskôr uznal tieto diela za nevydarené. Od konca 20-tych rokov Šostakovič píše hudbu pre kino a činoherné divadlo - aby zarobil peniaze a neposlúchol tvorivý impulz. Celkovo navrhol viac ako 50 filmov a predstavení vynikajúcich režisérov – G. Kozintseva, S. Gerasimova, A. Dovženka, vs. Meyerhold.

V roku 1930 sa konali premiéry jeho prvej opery a baletu. A " Nos"založené na Gogoľovom príbehu a" Zlatý vek“ o dobrodružstvách sovietskeho futbalového tímu na nepriateľskom Západe dostal od kritikov slabé recenzie a po niečo viac ako tucte predstavení opustil scénu na mnoho rokov. Ďalší balet, “ Bolt" V roku 1933 uviedol skladateľ klavírny part na premiére svojho debutu Koncert pre klavír a orchester, v ktorom druhý sólový part dostal trúbka.

Opera vznikala v priebehu dvoch rokov. Lady Macbeth z okresu Mtsensk“, ktorý bol uvedený v roku 1934 takmer súčasne v Leningrade a Moskve. Riaditeľom predstavenia hlavného mesta bol V.I. Nemirovič-Dančenko. O rok neskôr „Lady Macbeth...“ prekročila hranice ZSSR a dobyla scénu Európy a Ameriky. Verejnosť bola potešená prvou sovietskou klasickou operou. Rovnako ako zo skladateľovho nového baletu „Bright Stream“, ktorý má libreto plagátu, no je plný nádhernej tanečnej hudby. Koniec úspešného javiskového života týchto predstavení bol daný v roku 1936 po Stalinovej návšteve opery a následných článkoch v novinách Pravda „Zmätok namiesto hudby“ a „Baletné klamstvo“.

Premiéra novinky bola naplánovaná na koniec toho istého roku. Štvrtá symfónia, prebiehali orchestrálne skúšky v Leningradskej filharmónii. Koncert bol však zrušený. Rok 1937 so sebou nepriniesol žiadne ružové očakávania - v krajine naberali na obrátkach represie, jedného z blízkych Šostakoviča, maršala Tuchačevského, zastrelili. Tieto udalosti zanechali stopy v tragickej hudbe Piata symfónia. Na premiére v Leningrade publikum bez toho, aby zadržalo slzy, venovalo skladateľovi a orchestru pod vedením E. Mravinského štyridsaťminútové ovácie. Rovnaké obsadenie interpretov zahralo o dva roky neskôr Šiestu symfóniu, poslednú veľkú Šostakovičovu predvojnovú skladbu.

9. augusta 1942 sa odohrala nevídaná udalosť - predstavenie vo Veľkej sále Leningradského konzervatória. Siedma („Leningradská“) symfónia. Predstavenie bolo vysielané rádiom do celého sveta a ohromovalo odvahu obyvateľov neporušeného mesta. Skladateľ napísal túto hudbu pred vojnou a v prvých mesiacoch obliehania, ktoré sa skončilo evakuáciou. Tam, v Kujbyševe, 5. marca 1942 symfóniu po prvý raz zahral orchester Veľkého divadla. Na výročie začiatku Veľkej vlasteneckej vojny ju odohrali v Londýne. 20. júla 1942, deň po newyorskej premiére symfónie (dirigoval A. Toscanini), vyšiel časopis Time s portrétom Šostakoviča na obálke.

Ôsma symfónia napísaná v roku 1943 bola kritizovaná za tragickú náladu. A Deviaty, ktorý mal premiéru v roku 1945, naopak pre svoju „ľahkosť“. Po vojne skladateľ pracoval na hudbe k filmom, dielam pre klavír a sláčikové nástroje. Rok 1948 ukončil uvádzanie Šostakovičových diel. S ďalšou symfóniou sa poslucháči zoznámili až v roku 1953. A jedenásta symfónia v roku 1958 mala neuveriteľný divácky úspech a bola ocenená Leninovou cenou, po ktorej bol skladateľ úplne rehabilitovaný uznesením Ústredného výboru o zrušení „formalistického“ uznesenia. . Dvanásta symfónia bola venovaná V.I. Lenina a ďalšie dve mali nezvyčajnú podobu: boli vytvorené pre sólistov, zbor a orchester - Trinásta na básne E. Jevtušenka, Štrnásta na básne rôznych básnikov, ktoré spája téma smrti. Pätnásta symfónia, ktorá sa stala poslednou, sa zrodila v lete 1971, jej premiéru dirigoval syn autora Maxim Šostakovič.

V roku 1958 sa skladateľ ujal orchestrácie „ Khovanshchiny" Jeho verzia opery je predurčená stať sa najpopulárnejšou v najbližších desaťročiach. Šostakovičovi, opierajúc sa o zreštaurovaný autorský klavír, sa podarilo Musorgského hudbu očistiť od vrstiev a interpretácií. Podobnú prácu vykonal pred dvadsiatimi rokmi s „ Boris Godunov" V roku 1959 sa konala premiéra jedinej operety Dmitrija Dmitrieviča - “ Moskva, Cheryomushki“, čo spôsobilo prekvapenie a bolo prijaté s nadšením. O tri roky neskôr vyšiel populárny hudobný film založený na tomto diele. Vo svojich 60. a 70. rokoch skladateľ napísal 9 sláčikových kvartet a veľa pracoval na vokálnych dielach. Posledným dielom sovietskeho génia bola Sonáta pre violu a klavír, prvýkrát uvedená po jeho smrti.

Dmitrij Dmitrievich napísal hudbu k 33 filmom. Boli natočené filmy „Katerina Izmailova“ a „Moskva, Cheryomushki“. Napriek tomu vždy hovoril svojim študentom, že písať pre kino je možné len pod hrozbou hladu. Napriek tomu, že zložil filmovú hudbu len pre honorár, obsahuje veľa melódií úžasnej krásy.

Medzi jeho filmy:

"Počítadlo", režiséri F. Ermler a S. Yutkevich, 1932
Trilógia o Maximovi v réžii G. Kozintseva a L. Trauberga, 1934-1938
"Muž so zbraňou", režisér S. Yutkevich, 1938
"Mladá garda", režisér S. Gerasimov, 1948
„Stretnutie na Labe“, režisér G. Alexandrov, 1948
"The Gadfly", režisér A. Fainzimmer, 1955
"Hamlet", režisér G. Kozintsev, 1964
"Kráľ Lear", režisér G. Kozintsev, 1970

Moderný filmový priemysel často používa Šostakovičovu hudbu na vytváranie hudobných prostredí pre filmy:

Práca	Film
Suita pre jazzový orchester č. 2	"Batman v Superman: Úsvit spravodlivosti", 2016
	"Nymfoman: Časť 1", 2013
	"Širokouhlé zatvorenie očí", 1999
Klavírny koncert č.2	"Most špiónov", 2015
Suita z hudby k filmu „The Gadfly“	"Odplata", 2013
Symfónia č. 10	"Deti mužov", 2006

Ešte aj dnes sa s postavou Šostakoviča zaobchádza nejednoznačne a nazýva ho buď géniom, alebo oportunistom. Nikdy sa otvorene nevyjadril proti tomu, čo sa deje, uvedomujúc si, že tým stratí možnosť písať hudbu, ktorá bola v jeho živote hlavná vec. Táto hudba aj po desaťročiach výrečne vypovedá o osobnosti skladateľa a o jeho postoji k jeho hroznej dobe.

Video: pozrite si film o Šostakovičovi

"Orango", prológ komickej opery s libretom Alexandra Starčakova a Alexeja Tolstého, bez orchestra ()

„Príbeh kňaza a jeho robotníka Balda“, hudba pre kreslenú operu ()

„Katerina Izmailova“ (druhé vydanie opery „Lady Macbeth of Mtsensk“), op. 114 (1953-1962). Prvá produkcia: Moskva, Moskovské akademické hudobné divadlo pomenované po. K. S. Stanislavskij a V. I. Nemirovič-Dančenko, 8. januára.

„Hráči“, operu podľa rovnomennej hry Gogoľa (1941-1942), autor nedokončil. Prvýkrát koncertne vystúpil vo Veľkej sále Leningradskej filharmónie 18. septembra. Prvé predstavenie vo verzii Krzysztofa Meyera - 12. júna, Wuppertal. Prvá inscenácia v Moskve - 24. januára, Divadlo komornej hudby.

„Moskva, Cheryomushki“, opereta v troch dejstvách na libreto Vladimíra Massa a Michaila Červinského, op. 105 (1957-1958)

balety

"Zlatý vek", balet v troch dejstvách na libreto A. Ivanovského, op. 22 (1929-1930). Prvá inscenácia: Leningrad, 26. októbra, choreograf Vasily Vainonen. Prvé predstavenie obnovenej verzie: Moskva, Veľké divadlo, 14. októbra, choreograf Jurij Grigorovič
"skrutka", choreografické predstavenie v troch dejstvách na libreto V. Smirnova, op. 27 (1930-1931). Prvá inscenácia: Leningrad, Štátne akademické divadlo opery a baletu, 8. apríla, choreograf Fjodor Lopukhov.
"Svetlý prúd", komický balet v troch dejstvách s prológom na libreto F. Lopukhova a A. Piotrovského, op. 39 (1934-1935). Prvá inscenácia: Leningrad, Malá opera, 4. júna, choreograf F. Lopukhov.

Hudba pre divadelné predstavenia

"chyba", hudba k hre V. V. Majakovského v naštudovaní V. E. Meyerholda, op. 19 (1929). Premiéra - 13. februára 1929, Moskva
"Strela", hudba k hre A. Bezymenského, op. 24. (1929). Premiéra - 14. 12. 1929, Leningrad, Divadlo pracujúcej mládeže
"panenská zem", hudba k hre A. Gorbenka a N. Ľvova, op. 25 (1930); skóre je stratené. Premiéra - 9. mája 1930, Leningrad, Divadlo pracujúcej mládeže
"Vládnuť Británii", hudba k hre A. Petrovského, op. 28 (1931). Premiéra - 9. mája 1931, Leningrad, Divadlo pracujúcej mládeže
"Podmienečne zabitý", hudba k hre V. Voevodina a E. Riessa, op. 31 (1931). Premiéra - 2. októbra 1931, Leningrad, Hudobná sieň
"Hamlet", hudba k tragédii W. Shakespeara, op. 32 (1931-1932). Premiéra - 19. máj 1932, Moskva, Divadlo pomenované po. Vachtangov
"Ľudská komédia", hudba k hre P. Suchotina podľa románov O. de Balzaca, op. 37 (1933-1934). Premiéra - 1. apríla 1934, Moskva, Divadlo pomenované po. Vachtangov
"Zdravím, Španielsko!", hudba k hre A. Afinogenova, op. 44 (1936). Premiéra - 23. novembra 1936, Leningrad, Činoherné divadlo. Puškin
"kráľ Lear", hudba k tragédii W. Shakespeara, op. 58a (1941). Premiéra - 24. marca 1941, Leningrad
"vlasť", hudba k hre, op. 63 (1942). Premiéra - 7. novembra 1942, Moskva, Centrálny klub pomenovaný po Dzeržinskom
"Ruská rieka", hudba k hre, op. 66 (1944). Premiéra - 17. apríla 1944, Moskva, Centrálny klub Dzeržinskij
"Víťazná jar", dve piesne k hre na básne M. Svetlova, op. 72 (1946). Premiéra - 8. mája 1946, Moskva, Centrálny klub Dzeržinskij
"Hamlet", hudba k tragédii W. Shakespeara (1954). Premiéra - 31. 3. 1954, Leningrad, Činoherné divadlo. Puškin

Hudba k filmom

„Nový Babylon“ (nemý film; režiséri G. Kozintsev a L. Trauberg), op. 18 (1928-1929)
„Sám“ (réžia G. Kozintsev a L. Trauberg), op. 26 (1930-1931)
„Zlaté hory“ (réžia S. Yutkevich), op. 30 (1931)
„Oncoming“ (réžia F. Ermler a S. Yutkevich), op. 33 (1932)
„Rozprávka o kňazovi a jeho robotníkovi Baldovi“ (karikatúra; režisér Michail Tsekhanovskij), op. 36 (1933-1934). Dielo nie je dokončené
„Láska a nenávisť“ (réžia A. Gendelstein), op. 38 (1934)
„Maximova mládež“ (réžia G. Kozintsev a L. Trauberg), op. 41 (1934)
„Priateľky“ (réžia L. Arnstam), op. 41a (1934-1935)
„Návrat Maxima“ (réžia G. Kozintsev a L. Trauberg), op. 45 (1936-1937)
„Volochajevove dni“ (réžia G. a S. Vasiliev), op. 48 (1936-1937)
„Vyborg Side“ (réžia G. Kozintsev a L. Trauberg), op. 50 (1938)
„Priatelia“ (réžia L. Arnstam), op. 51 (1938)
„Veľký občan“ (réžia F. Ermler), op. 52 (1 séria, 1937) a 55 (2 séria, 1938-1939)
„Muž s pištoľou“ (réžia S. Yutkevich), op. 53 (1938)
„Hlúpa myš“ (réžia M. Tsekhanovsky), op. 56 (1939)
„Dobrodružstvá Korzinkiny“ (réžia K. Mintz), op. 59 (1940-1941)
„Zoe“ (réžia L. Arnstam), op. 64 (1944)
„Obyčajní ľudia“ (réžia G. Kozintsev a L. Trauberg), op. 71 (1945)
„Mladá garda“ (réžia S. Gerasimov), op. 75 (1947-1948)
„Pirogov“ (režisér G. Kozintsev), op. 76 (1947)
„Michurin“ (režisér A. Dovzhenko), op. 78 (1948)
„Stretnutie na Labe“ (réžia G. Alexandrov), op. 80 (1948)
„Pád Berlína“ (réžia M. Chiaureli), op. 82 (1949)
„Belinsky“ (réžia G. Kozintsev), op. 85 (1950)
„Nezabudnuteľný 1919“ (réžia M. Chiaureli), op. 89 (1951)
„Song of the Great Rivers“ (réžia J. Ivens), op. 95 (1954)
„The Gadfly“ (réžia A. Fainzimmer), op. 97 (1955)
„First Echelon“ (réžia M. Kalatozov), op. 99 (1955-1956)
„Khovanshchina“ (filmová opera – orchestrácia opery M. P. Musorgského), op. 106 (1958-1959)
„Päť dní – päť nocí“ (režisér L. Arnstam), op. 111 (1960)
"Cheryomushki" (podľa operety "Moskva, Cheryomushki"; režisér G. Rappaport) (1962)
„Hamlet“ (réžia G. Kozintsev), op. 116 (1963-1964)
„Rok ako život“ (réžia G. Roshal), op. 120 (1965)
„Katerina Izmailova“ (podľa opery; režisér M. Shapiro) (1966)
„Sofya Perovskaya“ (režisér L. Arnstam), op. 132 (1967)
„Kráľ Lear“ (réžia G. Kozintsev), op. 137 (1970)

Pracuje pre orchester

symfónie

Symfónia č. 1 f mol op. 10 (1924-1925). Premiéra - 12. mája 1926, Leningrad, Veľká sála filharmónie. Leningradská filharmónia, dirigent N. Malko
Symfónia č. 2 H dur „Do októbra“, op. 14, so záverečným zborom na slová A. Bezymenského (1927). Premiéra - 5. novembra 1927, Leningrad, Veľká sála filharmónie. Orchester a zbor Leningradskej filharmónie, dirigent N. Malko
Symfónia č. 3 Es-dur „May Day“, op. 20, so záverečným zborom na slová S. Kirsanova (1929). Premiéra - 21. januára 1930, Leningrad. Orchester a zbor Leningradskej filharmónie, dirigent A. Gauk
Symfónia č. 4 v c-mol, op. 43 (1935-1936). Premiéra - 30. decembra 1961, Moskva, Veľká sála konzervatória. Moskovský filharmonický orchester, dirigent K. Kondrashin
Symfónia č. 5 d mol, op. 47 (1937). Premiéra - 21. novembra 1937, Leningrad, Veľká sála filharmónie. Leningradská filharmónia, dirigent E. Mravinskij
Symfónia č. 6 h mol op. 54 (1939) v troch častiach. Premiéra - 21. novembra 1939, Leningrad, Veľká sála filharmónie. Leningradská filharmónia, dirigent E. Mravinskij
Symfónia č. 7 C dur „Leningradskaja“, op. 60 (1941). Premiéra - 5. 3. 1942, Kujbyšev, Dom kultúry. Orchester Veľkého divadla, dirigent S. Samosud
Symfónia č. 8 c mol op. 65 (1943), venovaný E. Mravinskému. Premiéra - 4. novembra 1943, Moskva, Veľká sála konzervatória. Štátny akademický symfonický orchester ZSSR, dirigent E. Mravinskij
Symfónia č. 9 Es dur, op. 70 (1945) v piatich častiach. Premiéra - 3. novembra 1945, Leningrad, Veľká sála filharmónie. Leningradská filharmónia, dirigent E. Mravinskij
Symfónia č. 10 e-mol, op. 93 (1953). Premiéra - 17. decembra, Leningrad, Veľká filharmónia. Leningradská filharmónia, dirigent E. Mravinskij
Symfónia č. 11 g mol „1905“, op. 103 (1956-1957). Premiéra - 30. 10. 1957, Moskva, Veľká sála konzervatória. Štátny akademický symfonický orchester ZSSR, dirigent N. Rakhlin
Symfónia č. 12 v d-mol „1917“, op. 112 (1959-1961), venovaný pamiatke V.I.Lenina. Premiéra - 1. októbra 1961, Leningrad, Veľká sála filharmónie. Leningradská filharmónia, dirigent E. Mravinskij
Symfónia č. 13 v b-mol „Babi Yar“, op. 113 (1962) v piatich častiach, pre bas, basový zbor a orchester, na básne E. Jevtušenka. Premiéra - 18. decembra, Moskva, Veľká sála konzervatória. V. Gromadsky (bas), Štátny zbor a Moskovský filharmonický orchester, dirigent K. Kondrashin.
Symfónia č. 14, op. 135 (1969) v jedenástich častiach, pre soprán, bas, sláčiky a bicie nástroje, na básne F. G. Lorcu, G. Apollinaira, W. Küchelbecera a R. M. Rilkeho. Premiéra - 29. septembra, Leningrad, Veľká sála Akadémie zborového umenia pomenovaná po M. I. Glinkovi. G. Višnevskaja (soprán), E. Vladimirov (bas), Moskovský komorný orchester, dirigent R. Barshai.
Symfónia č. 15 A dur, op. 141 (). Premiéra - 8. januára Moskva, Symfonický orchester štátnej televízie a celozväzového rozhlasu, dirigent M. Šostakovič

Koncerty

Koncert pre klavír a orchester (sláčiky a sólová trúbka) č. 1 c-mol, op. 35 (1933). Premiéra - 15. októbra 1933, Leningrad, Veľká sála filharmónie. D. Šostakovič (klavír), A. Schmidt (trúbka), Leningradská filharmónia, dirigent F. Shtidri.
Klavírny koncert č. 2 F dur, op. 102 (1957). Premiéra - 10. mája 1957, Moskva, Veľká sála konzervatória. M. Šostakovič (klavír), Štátny akademický symfonický orchester ZSSR, dirigent N. Anosov.

Koncert pre husle a orchester č. 1 a-mol, op. 77 (1947-1948). Premiéra - 29. 10. 1955, Leningrad, Veľká sála filharmónie. D. Oistrakh (husle), Leningradská filharmónia, dirigent E. Mravinskij
Koncert pre husle a orchester č. 2 cis-moll, op. 129 (1967). Premiéra - 26. 9. 1967, Moskva, Veľká sála konzervatória. D. Oistrakh (husle), Moskovský filharmonický orchester, dirigent K. Kondrashin

Koncert pre violončelo a orchester č. 1 Es-dur, op. 107 (1959). Premiéra - 4. októbra 1959, Leningrad, Veľká sála filharmónie. M. Rostropovič (violončelo), Leningradská filharmónia, dirigent E. Mravinskij
Koncert pre violončelo a orchester č. 2 G dur, op. 126 (1966). Premiéra - 25. 9. 1966, Moskva, Veľká sála konzervatória. M. Rostropovič (violončelo), Štátny akademický symfonický orchester ZSSR, dirigent E. Svetlanov

Iné diela

Scherzo fis-moll, op. 1 (1919)
Téma a variácie B dur, op. 3 (1921-1922)
Scherzo Es dur, op. 7 (1923-1924)
Suita z opery „Nos“ pre tenor, barytón a orchester, op. 15a (1928)
Suita z baletu „Zlatý vek“, op. 22a (1930)
Dve skladby pre operu E. Dressela „Chudák Kolumbus“, op. 23 (1929)
Suita z baletu Bolt (Baletná suita č. 5), op. 27a (1931)
Suita z hudby k filmu „Zlaté hory“, op. 30a (1931)
Suita z hudby k filmu „Hamlet“, op. 32a (1932)
Suita č. 1 pre popový orchester (1934)
Päť fragmentov, op. 42 (1935)
Suita č. 2 pre popový orchester (1938)
Suita z hudby k filmom o Maximovi (zbor a orchester; úprava L. Atovmyan), op. 50a (1961)
Slávnostný pochod za dychovú hudbu (1942)
Suita z hudby k filmu „Zoya“ (so zborom; úprava L. Atovmyan), op. 64a (1944)
Suita z hudby k filmu „Mladá garda“ (aranž. L. Atovmyan), op. 75a (1951)
Suita z hudby k filmu „Pirogov“ (aranž. L. Atovmyan), op. 76a (1951)
Suita z hudby k filmu „Michurin“ (aranž. L. Atovmyan), op. 78a (1964)
Suita z hudby k filmu „Stretnutie na Labe“ (hlasy a orchester; úprava L. Atovmyan), op. 80a (1948)
Suita z hudby k filmu „Pád Berlína“ (so zborom; úprava L. Atovmyan), op. 82a (1950)
Baletná suita č. 1 (1949)
Suita z hudby k filmu „Belinsky“ (so zborom; úprava L. Atovmyan), op. 85a (1960)
Suita z hudby k filmu „Nezabudnuteľný 1919“ (aranž. L. Atovmyan), op. 89a (1952)
Baletná suita č. 2 (1951)
Baletná suita č. 3 (1951)
Baletná suita č. 4 (1953)
Slávnostná predohra A dur, op. 96 (1954)
Suita z hudby k filmu „The Gadfly“ (aranž. L. Atovmyan), op. 97a (1956)
Suita z hudby k filmu „First Echelon“ (so zborom; úprava L. Atovmyan), op. 99a (1956)
Suita z hudby k filmu „Päť dní - päť nocí“ (aranž. L. Atovmyan), op. 111a (1961)
Suita z opery „Katerina Izmailová“ pre soprán a orchester, op. 114a (1962)
Predohra na ruskú a kirgizskú tematiku, op. 115 (1963)
Suita z hudby k filmu „Hamlet“ (aranž. L. Atovmyan), op. 116a (1964)
Suita z hudby k filmu „A Year Like Life“ (aranž. L. Atovmyan), op. 120a (1969)
Pohrebná a triumfálna predohra k spomienke na hrdinov bitky pri Stalingrade, op. 130 (1967)
"Október", symfonická báseň, op. 131 (1967)
„Pochod sovietskej polície“ pre dychovú hudbu, op. 139 (1970)

Diela so zborovou účasťou

„Od Karla Marxa po súčasnosť“, symfonická báseň na slová N. Aseeva pre sólové hlasy, zbor a orchester (1932), nedokončená, stratená
„Prísaha ľudovému komisárovi“ na slová V. Sajanova pre bas, zbor a klavír (1941)
Pieseň gardovej divízie („The Fearless Guards Regiments Are Coming“) na text Rakhmilevicha pre bas, zbor a klavír (1941)
„Zdravas, vlasť sovietov“ na texty E. Dolmatovského pre zbor a klavír (1943)
„Čierne more“ na slová S. Alimova a N. Verkhovského pre bas, mužský zbor a klavír (1944)
„Uvítacia pieseň o vlasti“ na slová I. Utkina pre tenor, zbor a klavír (1944)
„Báseň vlasti“, kantáta pre mezzosoprán, tenor, dva barytóny, bas, zbor a orchester, op. 74 (1947)
„Antiformalistický raj“ pre štyri basy, čítačku, zbor a klavír (1948/1968)
„Pieseň lesov“, oratórium na slová E. Dolmatovského pre tenor, bas, chlapčenský zbor, miešaný zbor a orchester, op. 81 (1949)
„Naša pieseň“ na text K. Simonova pre bas, zbor a klavír (1950)
„Pochod podporovateľov mieru“ na slová K. Simonova pre tenor, zbor a klavír (1950)
Desať básní na slová revolučných básnikov pre zbor bez sprievodu (1951)
„Slnko svieti nad našou vlasťou“, kantáta na text E. Dolmatovského pre chlapčenský zbor, miešaný zbor a orchester, op. 90 (1952)
„Oslavujeme vlasť“ (slová V. Sidorova) pre zbor a klavír (1957)
„Októbrové úsvity si uchovávame v našich srdciach“ (slová V. Sidorova) pre zbor a klavír (1957)
Dve úpravy ruských ľudových piesní pre zbor bez sprievodu, op. 104 (1957)
„Úsvit októbra“ (slová V. Kharitonova) pre zbor a klavír (1957)
„Poprava Stepana Razina“, vokálno-symfonická báseň na slová E. Jevtušenka pre bas, zbor a orchester, op. 119 (1964)
„Vernosť“, osem balád na texty E. Dolmatovského pre mužský zbor bez sprievodu, op. 136 (1970)

Skladby pre hlas so sprievodom

Dve bájky od Krylova pre mezzosoprán, zbor a orchester, op. 4 (1922)
Šesť romancí s básňami japonských básnikov pre tenor a orchester, op. 21 (1928 – 1932)
Štyri romance na básne A. S. Puškina pre bas a klavír, op. 46 (1936 – 1937)
Sedem úprav fínskych ľudových piesní (Suita na fínske témy) pre sólistov (soprán a tenor) a komorný súbor. Bez n/op. (1939)
Šesť romancí na básne britských básnikov v preklade B. Pasternaka a S. Marshaka pre bas a klavír, op. 62 (1942). Neskôr orchestrovaný a publikovaný ako op. 62a (1943), druhá verzia orchestrácie - ako op. 140 (1971)
„Vlastenecká pieseň“ na slová Dolmatovského (1943)
„Pieseň Červenej armády“ na slová M. Golodného (1943), spolu s A. Chačaturjanom
"Zo židovskej ľudovej poézie" pre soprán, alt, tenor a klavír, op. 79 (1948). Následne bola urobená orchestrácia a publikovaná ako op. 79a
Dve romance k básňam M. Yu.Lermontova pre hlas a klavír, op. 84 (1950)
Štyri piesne na slová E. Dolmatovského pre spev a klavír, op. 86 (1950 – 1951)
Štyri monológy na básne A. S. Puškina pre bas a klavír, op. 91 (1952)
„Grécke piesne“ (preklad S. Bolotina a T. Sikorskej) pre hlas a klavír (1952-1953)
„Piesne našich dní“ na slová E. Dolmatovského pre bas a klavír, op. 98 (1954)
„Boli bozky“ na text E. Dolmatovského pre hlas a klavír (1954)
„Španielske piesne“ (preklad S. Bolotina a T. Sikorskej) pre mezzosoprán a klavír, op. 100 (1956)
„Satiry“, päť romancí so slovami Sashy Cherny pre soprán a klavír, op. 109 (1960)
Päť romancí na texty z časopisu Krokodíl pre bas a klavír, op. 121 (1965)
Predslov k mojim kompletným dielam a krátka úvaha o tomto predslove pre bas a klavír, op. 123 (1966)
Sedem básní A. A. Bloka pre soprán a klavírne trio, op. 127 (1967)
„Jar, jar“ na básne A. S. Puškina pre bas a klavír, op. 128 (1967)
Šesť romancí pre bas a komorný orchester, op. 140 (po op. 62; 1971)
Šesť básní M. I. Cvetajevovej pre kontraalt a klavír, op. 143 (1973), orchestrovaný ako op. 143a
Suita na slová Michelangela Buonarrotiho v preklade A. Efrosa pre bas a klavír, op. 145 (1974), orchestrovaný ako op. 145a
Štyri básne kapitána Lebyadkina (z románu F. M. Dostojevského „Démoni“) pre bas a klavír, op. 146 (1974)

Komorné inštrumentálne skladby

Sonáta pre violončelo a klavír d mol, op. 40 (1934). Prvé predstavenie - 25. december 1934, Leningrad. V. Kubatský, D. Šostakovič
Sonáta pre husle a klavír, op. 134 (1968). Prvé predstavenie - 3. mája 1969, Moskva. D. F. Oistrakh, S. T. Richter
Sonáta pre violu a klavír, op. 147 (1975). Prvé predstavenie - 1. októbra 1975, Leningrad. F. S. Družinin, M. Muntyan

Tri kusy pre violončelo a klavír, op. 9 (1923–1924). Nezverejnené, stratené.
Moderáto pre violončelo a klavír (30. roky 20. storočia)
Tri kusy pre husle (1940), stratené

Klavírne trio č. 1, op. 8 (1923)
Klavírne trio č. 2 e-mol, op. 67 (1944), venovaný pamiatke I. I. Sollertinského. Prvé predstavenie - Leningrad, 14. novembra 1944. D. Tsyganov (husle), S. Širinskij (violončelo), D. Šostakovič (klavír)

Sláčikové kvarteto č. 1 C dur, op. 49 (1938). Prvé predstavenie – 10. októbra 1938, Leningrad. Glazunovovo kvarteto
Sláčikové kvarteto č. 2 A dur, op. 68 (1944). Prvé predstavenie - 14. novembra 1944, Leningrad. Beethovenovo kvarteto
Sláčikové kvarteto č. 3 F dur, op. 73 (1946). Prvé predstavenie - 16. decembra 1946, Moskva. Beethovenovo kvarteto
Sláčikové kvarteto č. 4 D dur, op. 83 (1949). Prvé predstavenie - 3. decembra 1953, Moskva. Beethovenovo kvarteto
Sláčikové kvarteto č. 5 B dur, op. 92 (1952). Prvé predstavenie - 13. novembra 1953, Moskva. Beethovenovo kvarteto
Sláčikové kvarteto č. 6 G dur, op. 101 (1956). Prvé predstavenie - 7. októbra 1956, Leningrad. Beethovenovo kvarteto
Sláčikové kvarteto č. 7 fis-moll, op. 108 (1960). Prvé predstavenie - 15. mája 1960, Leningrad. Beethovenovo kvarteto
Sláčikové kvarteto č. 8 c mol op. 110 (1960). Prvé predstavenie - 2. októbra 1960, Leningrad. Beethovenovo kvarteto
Sláčikové kvarteto č. 9 Es dur, op. 117 (1964). Prvé predstavenie - 20. novembra 1964, Moskva. Beethovenovo kvarteto
Sláčikové kvarteto č. 10 As-dur, op. 118 (1964). Prvé predstavenie - 20. novembra 1964, Moskva. Beethovenovo kvarteto
Sláčikové kvarteto č. 11 f mol op. 122 (1966). Prvé predstavenie - 28. mája 1966, Leningrad. Beethovenovo kvarteto
Sláčikové kvarteto č. 12 Des dur, op. 133 (1968). Prvé predstavenie - 14. septembra 1968, Moskva. Beethovenovo kvarteto
Sláčikové kvarteto č. 13 b mol op. 138 (1970). Prvé predstavenie - 13. decembra 1970, Leningrad. Beethovenovo kvarteto
Sláčikové kvarteto č. 14 Fis-dur, op. 142 (1973). Prvé predstavenie - 12. novembra 1973, Leningrad. Beethovenovo kvarteto
Sláčikové kvarteto č. 15 es-moll, op. 144 (1974). Prvé predstavenie - 15. novembra 1974, Leningrad. Taneyevovo kvarteto

Klavírne kvinteto g mol op. 57 (1940). Prvé predstavenie - 23. novembra 1940, Moskva. Beethovenovo kvarteto, D. Šostakovič (klavír)

Dve skladby pre sláčikové okteto, op. 11 (1924 – 1925)

Diela pre klavír

Sonáta č. 1 D dur, op. 12 (1926). Prvé predstavenie - Leningrad, 12. 12. 1926, D. Šostakovič
Sonáta č. 2 h mol op. 61 (1943). Prvé predstavenie - Moskva, 6. júna 1943, D. Šostakovič

Početné rané skladby vrátane Pohrebného pochodu na pamiatku obetí revolúcie atď.
Osem prelúdií, op. 2 (1918–1920), nepublikované
Menuet, predohra a intermezzo (okolo 1919-1920), nedokončené
"Murzilka"
Päť prelúdií (1919-1921), spolu s P. Feldtom a G. Clemensom
Tri fantastické tance, op. 5 (1920-1922)
"Aforizmy", desať kusov, op. 13 (1927)
Dvadsaťštyri prelúdií, op. 34 (1932-1933)
"Detský zápisník", sedem kusov, op. 69 (1944-1945)
Dvadsaťštyri prelúdií a fúg, op. 87 (1950-1951). Prvé predstavenie - Leningrad, 23. a 28. decembra 1952, T. Nikolaeva
"Sedem tancov bábik" (1952)

Suita fis-moll pre dva klavíry, op. 6 (1922)
„Veselý pochod“ pre dva klavíry (1949)
Concertino pre dva klavíry, op. 94 (1954)
Tarantella pre dva klavíry (1954)

Orchester

N. A. Rimsky-Korsakov - „Čakal som v jaskyni“ (1921)
V. Youmans – „Čaj pre dvoch“ (usporiadané pod názvom „Tahiti Trot“; 1927), op. 16
Dve skladby D. Scarlattiho (pre dychovku; 1928), op. 17
P. Degeyter - medzinárodný (1937)
M. P. Musorgskij - opera „Boris Godunov“ (1939-1940), op. 58
M. P. Musorgskij - Pieseň o Mefistofelesovi v Auerbachovej pivnici ("Pieseň blchy"; 1940)
J. Strauss - polka „Jolly Train“ (1941)
Dvadsaťsedem románov a piesní (1941)
Osem anglických a amerických ľudových piesní (preklad S. Marshak, S. Bolotin, T. Sikorskaya) pre bas a orchester (1943)
V. Fleishman - opera „Rothschildove husle“ (dokončenie a orchester; 1944)
M. P. Musorgskij - opera „Khovanshchina“ (1958-1959), op. 106
M. P. Musorgskij - „Piesne a tance smrti“ (1962)
A. Davidenko - dva zbory, op. 124 (1963)
R. Schumann - koncert pre violončelo a orchester, op. 125 (1963)
B. I. Tishchenko - koncert pre violončelo a orchester č. 1 (1969)
L. van Beethoven – „Pieseň blchy“ (op. 75 č. 3; 1975)

Literatúra

Meskhishvili E. Dmitrij Šostakovič: notografická referenčná kniha. - M., 1995

Dmitrij Šostakovič. Foto – en.wikipedia.org

Program koncertných sál po celom svete minulú nedeľu bol postavený okolo jedného z hlavných dátumov roka – 110. výročia narodenia Dmitrija Šostakoviča.

V piatok sa na našej webovej stránke objavila prvá časť eseje venovanej výročiu -.

Skladateľ Anton Safronov pokračuje v rozprávaní o osude a diele človeka, ktorého súčasníci uznávali ako samostatný fenomén v umení minulého storočia.

Najúspešnejšie eseje

Je veľmi ťažké vymenovať jedno najvýznamnejšie Šostakovičovo dielo.

Skladateľ pôsobil viac ako pol storočia. To je kreatívna dlhovekosť porovnateľná s Haydnom či Stravinským. Môžete skúsiť vymenovať jeho najvýznamnejšie diela, ktoré vznikli v rôznych tvorivých obdobiach.

Opera "The Nose" (1928)

„Nos“, ktorý vytvoril Šostakovič koncom 20. rokov 20. storočia, je jednou z najvýznamnejších opier 20. storočia a jedným z najlepších diel svetového hudobného divadla.

Gogoľov text je tu zachovaný veľmi presne a starostlivo a jeho hudobná a scénická refrakcia je mimoriadne blízka absurdnému svetu Kharms. Všetka hudba opery a všetky jej javiskové rozhodnutia sú kvintesenciou hudobného „oberiutizmu“ s mnohými „odtrhnutiami“, „odcudzeniami“ a zdôrazňovanými javiskovými konvenciami.

Sám skladateľ povedal:

„V „The Nose“ sú prvky akcie a hudby rovnaké. Snažil som sa vytvoriť syntézu hudby a divadelného predstavenia.“

Všetko na hudobnom stvárnení opery je veľkolepé: štipľavá paródia na napodobeniny zvuku, prestávka medzi dvoma scénami, napísaná len pre bicie (prvé dielo vo svetovej histórii s takouto inštrumentálnou kompozíciou!) a „dvojduet“ štyri postavy, ktoré sú na rovnakom javisku vo dvojici na dvoch rôznych miestach pôsobenia (technika parodujúca začiatok Čajkovského „Eugena Onegina“ a zároveň anticipácia povojnového „totálneho hudobného divadla“ Bernda Aloisa Zimmermanna ).

Jedným slovom - majstrovské dielo od prvého do posledného tónu!

Opera „Nos“. Moskovské komorné hudobné divadlo, dirigent – Gennadij Roždestvensky, 1979:

Symfónia č. 4 (1936)

Jedna z najlepších a stále najviac podceňovaných Šostakovičových symfónií. „Najmahlerovskejší“ nielen z hľadiska drámy a irónie, ale aj veľkosťou, zložením orchestra a neskutočnou vynaliezavosťou, s akou autor využíva tento gigantický nástrojový aparát.

Šostakovič v žiadnej zo svojich ďalších skladieb nepoužil taký veľký orchester. Je tiež nepochybne najviac „oberiutskou“ spomedzi skladateľových symfónií. Jeho silná tragika ide ruka v ruke s technikami premyslenej hry, odhaľujúcej formálny rámec. Mnohé epizódy symfónie znejú ako „výkrik z podzemia“ Kharmsových hrdinov.

Zároveň je to vizionárska symfónia. Prvýkrát sa v ňom objavujú nielen znaky Šostakovičovho neskorého štýlu, ale aj niektoré techniky budúceho hudobného postmodernizmu.

Napríklad tretia a posledná časť symfónie prináša nezvyčajný dramatický posun. Počnúc pohrebným pochodom sa mení na nesmierne dlhé spestrenie postupných tém z oblasti hudobného „odpadu“ – valčíkov, pochodov, poliek, cvalov, až kým nedôjde k skutočnému rozuzleniu a „dvojitému“ rozuzleniu.

Po prvé, „hlasný a hlavný“ - desivý šamanský rituál nepretržitých výkrikov víťazstva na pozadí nemenného rytmického ostinata bubnov (vnímaného ako živá zvuková narážka na krvavé masové sovietske akcie tej doby). Potom - „tiché a molové“: na pozadí otupených akordov sólová celesta opakuje jednoduché, krátke melancholické motívy, ktoré veľmi pripomínajú Pärtovu budúcu hudbu.

V roku vzniku svojej symfónie, v atmosfére začatého prenasledovania () autor v záujme ochrany pred novými útokmi považoval za najlepšie zrušiť už ohlásenú premiéru v Leningradskej filharmónii, ktorá mala byť dirigoval Fritz Stiedri, rakúsko-nemecký dirigent a žiak Gustava Mahlera, ktorý emigroval do ZSSR z nacistického Nemecka.

Takto jedna z najlepších Šostakovičových symfónií nikdy neuzrela svetlo sveta. Zaznelo len o štvrťstoročie neskôr. Skladateľovo zrušenie premiéry jeho diela spolu s následnou „zmenou paradigiem“ v jeho nasledujúcich dielach sa stalo tvorivým útesom všetkého, k čomu v prvej dekáde svojej tvorby smeroval. A niečo, k čomu sa vráti až v posledných rokoch.

Symfónia č. 4. Royal Scottish National Orchestra, dirigent – Neeme Järvi:

Symfónia č. 8 (1943)

Šostakovičova najčastejšie uvádzaná, dramaticky dokonalá symfónia a jedno z najlepších diel svetového umenia s tematikou vojny.

Nastoľuje aj všeobecnú filozofickú tému katastrofy univerzálneho násilia, zničenia človeka človekom. Ôsmu symfóniu možno prirovnať k mnohotematickému, rôznorodému polyfónnemu románu, ktorý pozostáva z niekoľkých „vývojových kruhov“, z ktorých najsilnejšie sú posledné tri časti, prebiehajúce bez prerušenia.

Začína sa zlovestne mechanickou tokátou, ktorá vytvára viditeľný obraz stroja ničenia a „banality zla“. Po silnom vrchole prichádza úpadok – tragicko-filozofické chápanie katastrofy zápalnej obety. Táto čiastková epizóda je postavená na konštantnej téme (ostináto), prebiehajúcej dvanásťkrát v base (odkaz na starovekú formu passacaglia, ku ktorej sa Šostakovič často uchyľuje na vrchole svojich diel).

V najnižšom bode úpadku sa začína finále symfónie: v ňom sa rodí jediný obraz nádeje v celom diele.

Kde počúvať: 9. októbra, Čajkovského koncertná sieň. Štátny orchester Ruska pomenovaný po Svetlanovovi, dirigentovi – Vladimirovi Jurovskom. Cena: od 3 000 rubľov.

Symfónia č. 8. ZKR ASO Leningradská filharmónia, dirigent – Evgeny Mravinsky:

Symfónia č. 14 (1969)

V 50. rokoch síce Šostakovič napísal niekoľko vynikajúcich diel (napríklad 24 prelúdií a fúg pre klavír, Desiata symfónia, Prvý violončelový koncert), no najlepšie diela tých rokov nepriniesli do jeho hudobného jazyka a obraznosti nič zásadne nové. K významným zmenám v Šostakovičovom tvorivom svete začalo dochádzať v nasledujúcom desaťročí – v 60. rokoch 20. storočia.

Jeho najvýraznejšie neskoré dielo a jedna z jeho najlepších skladieb vo všeobecnosti je vokálna štrnásta symfónia, druh kantátovej symfónie, z veľkej časti pokračovateľka Mahlerovej myšlienky rozlúčkovej symfónie o smrti, ako je „Pieseň zeme“.

Sám autor poukázal aj na prepojenie jeho tvorby s Musorgského vokálnym cyklom „Piesne a tance smrti“. Pre Šostakoviča boli Musorgskij a Mahler najdôležitejšími skladateľmi počas celého jeho života. Okrem sémantických ozvien s nimi má štrnásta symfónia v mnohom blízko k Šostakovičovým neskorým vokálnym cyklom.

Rovnako ako Mahlerova „Pieseň o Zemi“ bola napísaná pre dvoch sólových spevákov: mužský a ženský hlas. Ale na rozdiel od Mahlera ide o Šostakovičovu najkomornejšiu symfóniu – náladou aj pre skladateľa nezvyčajným zložením orchestra, zámerne zredukovaným na súbor sláčikov a bicích nástrojov (vrátane celesty): dva protichodné zvukové svety, vstupujúce do dialógu ako medzi sebou, Tak je to aj s ľudskými hlasmi. Je tu kontinuita s Bartókom. A tiež s Brittenom, ktorému je symfónia venovaná.

Celkovo má štrnásta symfónia 11 častí - Šostakovičovu najdlhšiu a najviac „nesymfonickú“ sekvenciu. Podobne ako „Pieseň Zeme“ bola Šostakovičova symfónia napísaná na básne rôznych autorov a tiež preložená do skladateľovho rodného jazyka.

Celkovo v ňom vystupujú štyria básnici, ktorí sa navzájom striedajú: Lorca (prvé dve časti), Apollinaire (ďalších šesť), Kuchelbecker (iba jedna časť a jediná báseň v symfónii od ruského básnika!) a Rilke (záverečná dva pohyby). Hudba symfónie je plná oduševnených textov a rovnako pochmúrnych obrazov strašného. Jeho hudobný jazyk otvára ruskej hudbe veľa nových vecí: nie je náhoda, že práve toto dielo inšpirovalo Šostakovičových mladších súčasníkov - Schnittkeho, Denisova, Gubaidulina, Shchedrina.

V partitúre Štrnásteho nájdete veľa zvukových riešení, ktoré boli pre Šostakoviča odvážne, vrátane timbrálno-zvukových tokov s jednotlivými tónmi ťažko rozoznateľnými sluchom (sonoristika). Zdá sa, že skladateľ sa vracia do zvukového sveta „The Nose“ a Druhej symfónie, ktoré boli napísané o štyri desaťročia skôr.

Ohromujúca je najmä posledná časť symfónie („Záver“), ktorá hovorí o očakávaní a približovaní sa smrti: hudba končí silným disonantným crescendom, ktoré končí náhle a nečakane, ako život sám.

Symfónia č. 14. Symfonický orchester Kolínskeho (Západonemeckého) rozhlasu (WDR), dirigent – Rudolf Barshai:

Špeciálna téma v diele Šostakoviča

Viaceré Šostakovičove diela obsahujú tému tragédie židovského národa.

Počas vojny sa prvýkrát objavuje vo finále Klavírneho tria na pamiatku Sollertinského (1944), kde motív pripomínajúci tradičné židovské tance freylahs zaznieva obzvlášť zúfalo. Neskôr sa tá istá téma opakuje v Šostakovičovom Ôsmom kvartete, postavenom prevažne na hudobných autocitáciách z predchádzajúcich diel.

V tom istom roku 1944 dokončil Šostakovič jednoaktovú operu svojho študenta Veniamina Fleishmana „Rothschildove husle“ (podľa Čechova), ktorá zostala nedokončená po tom, čo sa jej autor dobrovoľne prihlásil na front a zomrel na jeseň 1941 v bojoch pri Leningrade.

Po vojne, v roku 1948, Šostakovič vytvoril Prvý husľový koncert a vokálny cyklus „Z židovskej ľudovej poézie“. V druhej časti husľového koncertu opäť zaznie téma pripomínajúca Freilachov. A vo vokálnom cykle židovská téma prvýkrát nachádza verbálne vyjadrenie u Šostakoviča.

Téma sa naplno rozvinula vo vokálnej Trinástej symfónii na základe básní Jevtušenka, napísanej v roku 1962. Jeho prvá časť „Babi Yar“ rozpráva príbeh popravy kyjevských Židov na začiatku Veľkej vlasteneckej vojny a naplno odhaľuje tému antisemitizmu.

Prípravy na premiéru symfónie sa nezaobišli bez incidentov: sovietske úrady neboli z nového diela nadšené. Mravinskij, ktorý bol predtým prvým interpretom takmer všetkých Šostakovičových symfónií (počnúc Piatou), sa radšej vyhýbal „politike“ a odmietol dirigovať trinástu. To viedlo k ochladeniu vzťahov medzi dirigentom a skladateľom.

Premiéru dirigoval Kirill Kondrashin. Úrady chceli, aby Jevtušenko „upravil“ báseň „Babi Yar“ a posilnil v nej „internacionalistický prvok“. Treba povedať, že básnik, ktorý sa vždy vyhýbal vážnym stretom s úradmi, urobil tento kompromis. Predstavenia symfónie v ZSSR sa uskutočnili s novou, cenzurovanou verziou textu.

Klavírne trio č.2 op.67, Finále. Svyatoslav Richter (klavír), Oleg Kagan (husle), Natalya Gutman (violončelo):

Šostakovič vytvoril veľa oficiálnej sovietskej hudby. Verí sa, že týmto spôsobom hodil potrebnú „kosť“ úradom, aby ho nechali na pokoji a dali mu príležitosť robiť to, čo mu bolo skutočne blízke a dôležité.

Jeho slávna „Song of the Counter“ (z filmu „Counter“, 1932) sa stala hudobným symbolom optimizmu pestovaného v ére industrializácie. Jeho posledná skladba v tomto žánri – krátke hudobné intro pre sovietsku intervíziu (1971), odznené pred televíznym vysielaním prehliadok a straníckych kongresov – je už žulovým pamätníkom Brežnevovej „stagnácie“. Šostakovič napísal väčšinu „sovietskej hudby“ koncom 40. a 50. rokov 20. storočia.

Jeho hudobne najvýznamnejším sovietskym dielom je však pieseň „The Motherland Hears“ na slová Dolmatovského (1950). Skutočná hymna tej doby, pôsobivá svojou vzácnou melodickou krásou.

Táto pieseň (ktorej slová sú slová na rozlúčku s pilotom letiacim nad jeho rodnou krajinou) má ďaleko od hlasitého pátosu typického stalinského hudobného „impéria“. Jej hudba poteší zdržanlivou expresivitou, pocitom zamrznutej oblohy a riedkym vzduchom, sprostredkovaným takmer nehybným sprievodom.

Keďže Gagarin letel do vesmíru a (podľa vlastných slov) spieval túto pieseň pri pristávaní, jej prvotnými motívmi sa stal volací znak All-Union Radio, kde zneli spolu so signálmi prvého satelitu – niečo ako oficiálna „melódia pre mobilné telefóny,“ zvukový symbol sovietskej prosperity éry vedeckej a technologickej revolúcie.

Slová piesne sú čistý Orwell:

"Vlasť počuje,
Vlasť vie
kde jej syn lieta v oblakoch.

S priateľskou náklonnosťou,
s nežnou láskou
šarlátové hviezdy moskovskej veže,
Kremeľské veže
ona ťa sleduje."

D. Šostakovič, poézia - E. Dolmatovskij, „Vlasť počuje...“. Chlapčenský zbor Moskovskej školy pomenovaný po. A. V. Sveshnikova pod vedením V. S. Popova:

“Zlý Šostakovič”

V priebehu polstoročia tvorivosti vytvoril skladateľ okolo stopäťdesiat rôznych diel. Spolu s majstrovskými dielami sú medzi nimi aj „prechádzajúce“ diela, jasne napísané na poloautomatickom stroji.

Najčastejšie ide o diela aplikovaného žánru alebo pri oficiálnych príležitostiach. Skladateľ ich napísal bez toho, aby investoval veľa duše a inšpirácie. Replikujú najpopulárnejšie „šostakovičovské“ techniky - všetky tieto nekonečné fragmentácie rytmu, „pochmúrne“ stupnice so zníženými krokmi, „silné vyvrcholenia“ atď. a tak ďalej. Odvtedy sa objavil výraz „zlý Šostakovič“, čo znamená povrchné kurzívne písanie tohto druhu.

Medzi jeho symfónie nie sú najúspešnejšie, napríklad Tretia („Pervomajskaja“) so zborom na slová Semyona Kirsanova (1929). Je napísaná s jasným zámerom experimentovať s formou, nakoniec je uvoľnená a rozpadá sa na epizódy, ktoré spolu nie sú pevne spojené.

Šostakovičova 12. symfónia „1917“, venovaná spomienke na Lenina (1961), zjavne nie je Šostakovičovou najlepšou, skôr pripomína dobrú filmovú hudbu. Podľa autora týchto riadkov je však aj Jevtušenkova „rozmrazovacia“ Trinásta symfónia (1962) zaujímavá skôr programovými námetmi ako hudbou.

Nie každé Šostakovičovo sláčikové kvarteto je na rovnakej úrovni ako jeho najlepšie príklady tohto druhu (ako Tretie, Ôsme či Pätnáste), ani niektoré ďalšie skladateľove komorné diela.

Mŕtve a vzkriesené diela Šostakoviča

Ako už bolo spomenuté, niektoré Šostakovičove diela boli publikované oveľa neskôr, ako boli napísané. Prvým príkladom tohto druhu je Štvrtá symfónia, ktorá vznikla v roku 1936 a odohrala sa o štvrťstoročie neskôr.

Šostakovič musel „na stôl“ položiť množstvo diel z povojnových rokov až do lepších časov, ktoré prišli spolu s Chruščovovým „topením“. Platí to aj pre diela priamo alebo nepriamo súvisiace so židovskou tematikou: vokálny cyklus „Z židovskej ľudovej poézie“ a Prvý husľový koncert.

Obe boli napísané v roku 1948, keď sa v Sovietskom zväze spolu s „bojom proti formalizmu“ rozvinula antisemitská kampaň na „boj proti kozmopolitizmu“. Prvýkrát zazneli až v roku 1955.

V rokoch liberalizácie spolu s premiérami Šostakovičových diel, ktoré v rokoch Stalinovej diktatúry neuzreli svetlo sveta, došlo aj k „rehabilitácii“ jeho opier. V roku 1962 bola „Lady Macbeth of Mtsensk“ oživená v novej, „cudnejšej“ autorskej verzii s názvom „Katerina Izmailova“.

Rok pred skladateľovou smrťou sa opera „Nos“ vrátila aj do ZSSR. V roku 1974 ho uviedli v Moskovskom komornom hudobnom divadle pod vedením Gennadija Roždestvenského v réžii Borisa Pokrovského. Odvtedy sa toto predstavenie stalo hlavnou vizitkou divadla, podobne ako „Čajka“ v Moskovskom umeleckom divadle.

Šostakovič má skladbu, ktorá vyšla a preslávila sa až po autorovej smrti. Toto je „Antiformalistický raj“ - zlý a vtipný výsmech ideologického pogromu z roku 1948, napísaný v pätách skladateľovho vlastného textu.

Ide o kantátu (alebo jednoaktovú minioperu) podľa vzoru Musorgského satirického „Rike“ a zobrazuje stretnutie kultúrnych predstaviteľov odsudzujúcich hudobný „formalizmus“. Skladateľ toto dielo celý život tajil a ukázal ho len niekoľkým blízkym priateľom, vrátane Grigorija Kozinceva a Isaaca Glikmana. „Antiformalistický raj“ sa na Západ dostal až v rokoch Gorbačovovej „perestrojky“ a prvýkrát sa odohral v roku 1989 v USA. Hneď potom to zaznelo v ZSSR.

V satirických postavách kantáty Edinitsyn, Dvoikin a Troikin sa dajú ľahko uhádnuť ich prototypy: Stalin, Ždanov a Šepilov (vodca strany, ktorý hovoril o hudbe už v 50. rokoch). Hudba tohto diela je plná citátov a paródií. Partitúre predchádza vtipná a žlčovitá štylizovaná autorská mystifikácia (o údajnom „rukopise nájdenom v škatuli odpadových vôd“), kde je pomenovaných ešte niekoľko zašifrovaných mien, za ktorými ľahko spoznáte ideologických inkvizítorov Stalina. éra.

Šostakovič má aj nedokončené diela. Jeho opera, ktorá vznikla počas vojny, „Hráči“ podľa rovnomennej Gogoľovej hry (podľa pôvodného textu), zostala nedokončená. Po skladateľovej smrti operu dokončil Krzysztof Meyer a premiéru mala v roku 1983 vo Wuppertale v západnom Nemecku.

Prežili aj ďalšie nedokončené (alebo dokonca sotva začaté) operné projekty Šostakoviča. Pravdepodobne ešte stále existujú niektoré skladateľove diela (čiastočne realizované, ale nedokončené skladateľove nápady), ktoré ešte musíme objaviť.

“Antiformalistický raj.” „Moskva Virtuosi“, dirigent – Vladimir Spivakov, Alexey Mochalov (basa), Zborové divadlo Borisa Pevznera:

Učeníci a nasledovníci

Šostakovič položil základ pre celú školu skladateľov. Učil niekoľko desaťročí – s prestávkou počas rokov „boja proti formalizmu“.

Zo „školy DDS“ vyšlo niekoľko známych skladateľov. Jedným z najobľúbenejších študentov skladateľa bol Boris Tishchenko (1939-2010), prominentný predstaviteľ Leningradskej školy, ktorú vytvoril Šostakovič. Ďalší dvaja najznámejší a rovnako milovaní študenti DDS od neho neskôr odišli ďaleko do „pravého“ a „ľavého“ krídla povojnovej ruskej hudby.

Prvý z nich - Georgy Sviridov (1915-1998) - sa už v 50. rokoch stal najvplyvnejším predstaviteľom trendu „národnej pôdy“ v ruskej hudbe, v mnohom blízkym spisovateľom a „dedinským básnikom“. Ďalšia – Galina Ustvolskaja (1919 – 2006) – sa v najtemnejších rokoch (od konca 40. rokov) stala nekompromisnou predstaviteľkou ruskej „novej hudby“.

Následne hovorila o svojej úplnej tvorivej prestávke so svojím učiteľom. No napriek tomu, ako ďaleko od neho zašiel jej vlastný hudobný jazyk, keď získala extrémnu askézu a zároveň rovnako extrémnu mieru výrazu, možno ju považovať za predstaviteľku „nie litery, ale ducha“ Šostakoviča, pozdvihnutý na najvyšší stupeň existenčnej sily.

Každá škola kompozície je plná epigonizmu a zotrvačnosti štýlu. Okrem niekoľkých kreatívnych jednotlivcov vytvorila Šostakovičova škola mnoho „bledých tieňov“, ktoré replikovali najtypickejšie prvky jeho hudby. Pomerne rýchlo sa tieto klišé hudobného myslenia stali štandardom v skladateľských oddeleniach sovietskych konzervatórií. Zosnulý Edison Denisov o tomto druhu epigonizmu rád hovoril, že títo autori píšu „nie ako Šostakovič, ale ako Levitin“ (čo znamená jeden z typických nekreatívnych nasledovníkov „Dmit-Dmitch“).

Okrem jeho bezprostredných žiakov bolo Šostakovičom ovplyvnených aj mnoho ďalších skladateľov. Najlepší z nich nepreberajú ani tak znaky štýlu, ako skôr základné princípy jeho hudby – naratívnosť (udalosť), kolíziu (sklon k priamym dramatickým kolíziám) a vyhranenú intonáciu.

K Šostakovičovým tvorivým pokračovateľom patrí náš krajan Alfred Schnittke, Nemec Wolfgang Rihm, Poliak Krzysztof Meyer, Angličan Gerard McBurney. Poslední dvaja autori tiež zásadne prispeli k rekonštrukcii Šostakovičových nedokončených diel.

Edison Denisov, „DSCH“. Richard Valitutto (klavír), Brian Walsh (klarinet), Derek Stein (violončelo), Matt Barbier (trombón):

Kritici a odporcovia

Neboli to len sovietski aparátnici, ktorí vyjadrili nespokojnosť so Šostakovičovou hudbou. Ešte pred „Zmätok namiesto hudby“ sa zdôrazňovaný naturalizmus opery „Lady Macbeth of Mtsensk“ nepáčil kritikovi amerických novín „New York Sun“, ktorý toto dielo nazval „pornofóniou“.

Prokofiev, ktorý vtedy žil na Západe, hovoril o „vlnách žiadostivosti“ v opernej hudbe. Stravinskij veril, že „Lady Macbeth...“ „má nechutné libreto, hudobný duch tohto diela smeruje do minulosti a hudba pochádza od Musorgského.“ Vzťah medzi tromi najväčšími ruskými skladateľmi 20. storočia však nikdy nebol jednoduchý...

Ak sovietski vodcovia, oportunisti a retrográdi kritizovali Šostakoviča za prílišný „modernizmus“, potom kritici z „ľavice“ naopak za nedostatočnú „relevantnosť“. K tým druhým patril nedávno zosnulý francúzsky skladateľ a dirigent Pierre Boulez, jeden zo zakladateľov povojnovej hudobnej avantgardy na Západe.

Pre neho jednoducho neexistovala hudba založená na voľnom programovom a dramatickom dianí, a nie na novosti hudobného jazyka a bezchybnosti zvukovej štruktúry. Hudba Šostakoviča a Čajkovského vždy „zmizla“ z repertoáru orchestrov, ktoré Boulez viedol. Z rovnakého dôvodu vynadal Šostakovičovi aj Philip Gershkovič, viedenský študent Berga a Weberna, ktorý počas vojny emigroval do ZSSR. So svojím charakteristickým maximalizmom žieravo nazval Šostakoviča „hackom v tranze“ s odkazom na replikované techniky svojej hudby.

Šostakovič mal dosť kritikov aj napravo. Začiatkom 21. storočia vyšli denníky zosnulého Sviridova, študenta Šostakoviča, ktorý mu vďačil za svoju úspešnú skladateľskú kariéru. V nich mimoriadne ostro kritizuje svojho učiteľa za „falošnú cestu“ jeho tvorby, za symfonizmus, „cudziu povahu ruskej hudby“. Sviridov vyhlasuje Šostakovičove opery za výsmech starému Rusku: „Nos“ je metropolitne-mestské Rusko a „Lady Macbeth“ je provinčné-vidiecke Rusko. Učiteľ ju dostal aj za piesne a oratóriá na slová Dolmatovského...

Samozrejme, aj takáto pozícia má právo na existenciu. Nezostáva než sa opýtať: čo bránilo Sviridovovi, v tom čase už významnému funkcionárovi Zväzu skladateľov, povedať Šostakovičovi do očí svoj úprimný, zásadový názor, namiesto toho, aby si vylial žlč v denníkových záznamoch?

A či naozaj stálo za to odsúdiť autora oratória o Stalinovi podľa slov Dolmatovského, autora oratória o Leninovi podľa slov Majakovského, hudby k filmu o Stalinovej industrializácii (ktorá sa neskôr stala šetričom obrazovky hlavný program sovietskej propagandy) a účastník súťaže o novú štátnu hymnu ZSSR, ktorú usporiadal Chruščov začiatkom 60. rokov?

Samozrejme, Šostakovič mal veľa politických kritikov doma aj v zahraničí. Niektorí ho považovali za príliš „protisovietskeho“. Iní sú naopak príliš „sovietski“.

Napríklad Solženicyn, o ktorého skladateľ prejavil veľký záujem, keď jeho táborová próza vyšla v ZSSR, dal Šostakovičovi kategorické pokarhanie za štrnástu symfóniu, pričom autorovi vyčítal nedostatok religiozity v nej, čím pôsobil ako „ reverzný ideológ“.

Šostakovičov postoj k sovietskej moci možno nazvať „hamletovským“. To vyvolalo množstvo sporov, špekulácií a legiend. Obraz „sovietskeho skladateľa Šostakoviča“ šírila najmä oficiálna propaganda. Ďalší opačný mýtus o „protisovietskom skladateľovi Šostakovičovi“ vznikol v kruhoch opozične zmýšľajúcich intelektuálov.

V skutočnosti sa Šostakovičov postoj k moci počas života menil. Pre rodáka z petrohradskej raznočinskej inteligencie, kde bol „cársky režim“ tradične nenávidený a opovrhovaný, znamenala boľševická revolúcia novú, spravodlivú štruktúru spoločnosti a podporu všetkého nového v umení.

Až do polovice tridsiatych rokov možno v Šostakovičových vyhláseniach (v tlačených aj osobných listoch) nájsť veľa slov súhlasu s vtedajšou sovietskou kultúrnou politikou. V roku 1936 dostal Šostakovič svoju prvú ranu od úradov, vďaka čomu sa vážne bál a premýšľal. Po ňom sa skončil skladateľov milostný vzťah k ľavicovej ideológii a estetike. Potom prišla nová rana v roku 1948. Vnútorný rozpor skladateľa tak rástol v jeho postoji k bývalým ideálom a realite, ktorá okolo neho existovala.

Od predvojnových čias patril Šostakovič k elite ruských „majstrov umenia“. Od 50. rokov 20. storočia sa postupne dostával do nomenklatúry a zaujímal čoraz viac „zodpovedných úloh a pozícií“ (ako to sám sarkasticky vyjadril v „Predhovore ku kompletným dielam mojich diel...“).

Je prekvapujúce, že Šostakovič na seba zobral všetky tieto „náklady“ už v tých relatívne liberálnych časoch, keď ho k tomu nikto násilím nenútil a ak chcel, mohol ich odmietnuť. V jeho vyjadreniach a činoch sa čoraz viac objavovala hamletovská dvojzmyselnosť. Zároveň v jednaní s ľuďmi zostal Šostakovič mimoriadne slušným človekom.

Využívajúc svoje privilégiá, veľmi pomáhal tým, ktorí to potrebovali, najmä mladým skladateľom „ľavicového“ smeru. Šostakovič si vo vzťahoch s úradmi zjavne raz a navždy vybral cestu najmenšieho odporu. Zatiaľ čo verejne prednášal „správne“ prejavy zodpovedajúce jeho „zodpovednému pracovnému vyťaženiu“, v každodennom živote si dovolil byť úprimný len k svojim najbližším.

Samozrejme, Šostakoviča nemožno v žiadnom prípade nazvať „disidentom“. Podľa niektorých dôkazov bol voči známym predstaviteľom disidentského prostredia skeptický, dokázal v nich rozoznať nepekné ľudské vlastnosti. A Šostakovič mal veľký inštinkt pre ľudí s vodcovskými návykmi, bez ohľadu na to, do akého politického tábora patrili.

Hudba pre Kozintsevov film „Hamlet“. Epizóda „Smrť Ofélie“:

Základom sú epizódy oficiálnych útokov na skladateľa, ktoré sa odohrali v rokoch 1936 a 1948. Nemali by sme však zabúdať, že počas rokov Stalinovej diktatúry prakticky neexistovali „nebičovaní“ predstavitelia inteligencie. Stalinistické úrady zaobchádzali s kultúrnymi majstrami pomocou ich obľúbenej metódy mrkvy a tyčiniek.

Údery, ktoré zažil Šostakovič, by sa presnejšie označovali ako krátkodobá hanba ako represia. Nebol o nič viac „obeťou“ a „mučeníkom systému“ ako mnohí jeho ďalší umelci, ktorí si udržiavali postavenie kultúrnej elity, dostávali vládne objednávky, čestné tituly a vládne ocenenia. Nešťastia Šostakoviča sa nedajú tesne porovnávať s osudmi takých ľudí ako Meyerhold, Mandelstam, Zabolotsky, Charms či Platonov, ktorí trpeli popravami, väzením, tábormi či chudobou.

To isté je so skladateľmi, ktorí „ochutnali“ stalinský gulag (ako Vsevolod Zaderatsky alebo Alexander Veprik) alebo boli navždy vymazaní z hudobného života a morálne zničení (ako Nikolaj Roslavec alebo Alexander Mosolov).

Nedostatok jasných štandardov v hodnotení je obzvlášť zrejmý, keď na jednej strane hovoríme o Šostakovičovi v ZSSR a na druhej strane o skladateľoch v nacistickom Nemecku. Dnes je Šostakovič v Rusku aj na Západe často nazývaný „obeťou“ totalitarizmu a jeho „spolucestovateľmi“ sú nemeckí skladatelia ako Richard Strauss alebo Carl Orff (obdobia spolupráce Straussa či Orffa s nacistickými úradmi boli veľmi krátke, obaja skladatelia neboli členmi vládnucej strany a ich diela, napísané pri oficiálnych príležitostiach, boli v ich tvorbe izolované). Navyše, podobne ako Šostakovič, aj Richard Strauss mal možnosť zažiť nepriazeň nacistických úradov. Nie je jasné, prečo by potom niektorí mali byť považovaní za „obete“ a iní za „konformných“...

Šostakovič očami životopiscov: listy a apokryfy

Šostakovič len zriedka zveril svoje najvnútornejšie myšlienky papieru. Napriek mnohým vystúpeniam v tlačených a dokumentárnych záberoch, kde ho môžeme vidieť a počuť jeho hlas, máme prístup k veľmi málo skladateľovým výrokom mimo oficiálneho prostredia.

Šostakovič si neviedol denník. Medzi jeho známymi bolo veľmi málo ľudí, s ktorými bol úprimný v rozhovoroch a osobnej korešpondencii. Veľkou zásluhou Isaaca Glickmana je, že v roku 1993 publikoval asi 300 zachovaných listov od Šostakoviča, ktoré mu poslal v knihe „Listy priateľovi. Dmitrij Šostakovič Isaacovi Glickmanovi." V týchto listoch čítame pôvodné Šostakovičove myšlienky na rôzne témy.

Nedostatok zdokumentovanej, necenzurovanej „priamej reči“ Šostakoviča zmenil citáciu jeho slov na tému ústneho folklóru. Práve tu o ňom vzniklo mnoho anekdot a mestských legiend. Počas mnohých desaťročí vyšli o skladateľovi stovky kníh, článkov, spomienok a štúdií.

Doposiaľ za najsvedomitejšiu, najpodrobnejšiu a najspoľahlivejšiu monografiu o Šostakovičovi možno považovať knihu Krzysztofa Meyera „Dmitri Šostakovič: Život, práca, čas“, ktorá vyšla v polovici 90. rokov v Nemecku (a krátko na to v Rusku). Je napísaná prístupným jazykom, obsahuje podrobnú štúdiu o skladateľovom živote, množstvo citátov a hudobných ukážok.

Bohužiaľ, inak si väčšina existujúcej literatúry o Šostakovičovi zaslúži slávnu definíciu Majakovského: „jednoduchý nezmysel alebo škodlivý nezmysel“. Mnohé z týchto publikácií nevznikli ani tak kvôli objektívnemu výskumu, ale kvôli vlastnej propagácii ich autorov alebo na iné sebecké účely. Pre niekoho bolo prospešné vytvoriť mýtus o „sovietskom“ Šostakovičovi. Niektorí naopak vytvárajú legendu o „obete a disidentovi“.

Po Šostakovičovej smrti mali zahraniční vydavatelia, nahrávacie spoločnosti, koncertní agenti a naši domáci interpreti, ktorí emigrovali na Západ, veľký záujem o pestovanie „protisovietskeho“ imidžu skladateľa, aby zvýšili Šostakovičovu „predajnosť“ a získali čo najviac výhod. z jeho mena ako je to možné pre seba.

Klasickým príkladom nespoľahlivej literatúry o Šostakovičovi bola kniha Solomona Volkova „Svedectvo“, vydaná v roku 1979 v USA v angličtine. Jej text je prezentovaný ako ústne autobiografické memoáre, ktoré autorovi pred odchodom na trvalý pobyt v zahraničí nadiktoval samotný Šostakovič.

V tejto knihe je Šostakovič taký, ako si ho Volkov predstavuje: vyjadruje svoj negatívny postoj k sovietskej moci a tvrdo sa vyjadruje o svojich kolegoch a súčasníkoch. Niektoré z týchto tvrdení znejú skutočne vierohodne, keďže celkom prirodzene reprodukujú Šostakovičov spôsob reči a potvrdzujú ich aj ďalšie nám známe poznámky skladateľa na podobné témy.

Iné výroky vyvolávajú vážne pochybnosti o ich pravosti, najmä autorove interpretácie jeho vlastných diel a ich senzačné politické interpretácie.

Volkov ubezpečil čitateľov a kritikov, že nahral na diktafón a potom prepísal na papier Šostakovičovu priamu reč, a potom osobne prečítal a schválil všetky tieto listy papiera. Na potvrdenie svojich slov Volkov zverejnil faksimile niektorých stránok, na ktorých sa Šostakovič podpísal.

Vdova po Šostakovičovi nepopiera, že medzi jej manželom a Volkovom skutočne prebehlo niekoľko krátkych stretnutí, no bolo by úplne neuveriteľné očakávať od Šostakoviča takú úprimnosť v rozhovore s mladým mužom, ktorého sotva poznal.

Skutočnosť, že takmer 40 rokov od prvého vydania sa Volkov nikdy neobťažoval poskytnúť pôvodné texty, ktoré prezentoval ako Šostakovičove slová (celé strany skladateľom osobne odsúhlasené, alebo magnetofónové nahrávky, na ktorých by znel jeho hlas), dáva všetky dôvody. veriť tejto knihe je falzifikát. Alebo v lepšom prípade apokryf, založený na kompilácii skutočných a vymyslených Šostakovičových výrokov.

Šostakovič zomrel niečo vyše roka pred svojimi 70. narodeninami.

Vo všeobecnosti sa ruským skladateľom veľmi zriedka podarilo prekonať túto vekovú bariéru. Výnimkou je Igor Stravinskij. Tým, ktorí teraz žijú, prajeme dlhý život. Zrejme až teraz prichádza čas, keď život a hudba Šostakoviča, ktoré si zachovávajú svoju veľkú silu vplyvu a záujmu pre novú generáciu, dostanú šancu počkať na ich poctivý a nestranný výskum.

Voľba editora

Ako uzavrieť účet 90,02 1 zaúčtovanie. Uzávierka mesiaca: príspevky a príklady. Splácanie strát z minulých rokov

90 účet v účtovníctve sa uzatvára v závislosti od obdobia: na syntetickej úrovni mesačne na 99; analytické úrovne...

Aké platby nie sú predmetom poistného?

Po zvážení problematiky sme dospeli k nasledovnému záveru: Pre výšku dočasných invalidných dávok vyplácaných z fondov...

Michail Zimyanin - od veľvyslanca po šéfredaktora Pravdy a tajomníka Ústredného výboru CPSU

Michail Vasilievič Zimjanin (Bielorusko. Michail Vasilievič Zimjanin; 21. november 1914 Vitebsk, - 1. máj 1995 Moskva) - sovietsky...

Klasický chobotnicový šalát: recept na zimné a letné varenie

Kým nevyskúšate dobre uvarenú chobotnicu, možno si ani nevšimnete, že sa predáva. Ale ak skúsiš...

Mäsové rezne s tvarohom Jedlá s tvarohom a mäsom

Jemné a chutné rezne s tvarohom oslovia dospelých aj deti. Všetko sa robí jednoducho, rýchlo a ukáže sa veľmi chutné. Tvaroh,...

Ako si vyrobiť pigodi doma

Kórejské koláče pigodi: dusenie šťavnatého mäsového potešenia Kórejské koláče pigodi vyrobené z duseného kysnutého cesta nie sú známe...

Ako urobiť perfektnú omeletu Ako urobiť nadýchanú omeletu

Krémová omeleta s kuracím mäsom a bylinkami je vynikajúcimi jemnými raňajkami alebo výživnou večerou, ktorú si môžete pripraviť na obyčajnej panvici,...

Caesar šalát s kuracím mäsom a krutónmi doma

Krok za krokom recept na Caesar šalát s kuracím mäsom a avokádom s fotografiami. Národná kuchyňa: Domáca kuchyňa Typ jedla: Šaláty, Caesar šalát...

Prečo snívate o obrovskej veľrybe na Zemi?

Prečo snívaš o veľrybe? Tento veľký a silný morský živočích môže sľubovať ochranu a patronát v reálnom živote, alebo sa môže stať...

Nový

Populárne