अलौकिक सुंदरता: विभिन्न दिशाओं की पेंटिंग में महिलाएं। समकालीन कलाकारों द्वारा शास्त्रीय नग्न पेंटिंग की चौंकाने वाली उत्कृष्ट कृतियाँ

यदि आप सोचते हैं कि सभी महान कलाकार अतीत में हैं, तो आप नहीं जानते कि आप कितने गलत हैं। इस लेख में आप सबसे प्रसिद्ध और के बारे में जानेंगे प्रतिभाशाली कलाकारआधुनिकता. और, मेरा विश्वास करें, उनके काम आपकी स्मृति में पिछले युगों के उस्तादों के कामों से कम गहराई से नहीं रहेंगे।

वोज्शिएक बाब्स्की

वोज्शिएक बाब्स्की - आधुनिक पोलिश कलाकार. उन्होंने अपनी पढ़ाई सिलेसियन पॉलिटेक्निक इंस्टीट्यूट से पूरी की, लेकिन खुद को इससे जोड़ लिया। में हाल ही मेंमुख्यतः महिलाओं को आकर्षित करता है। भावनाओं की अभिव्यक्ति पर ध्यान केंद्रित करता है, सरल तरीकों का उपयोग करके सबसे बड़ा संभव प्रभाव प्राप्त करने का प्रयास करता है।

रंग पसंद है, लेकिन इसे पाने के लिए अक्सर काले और भूरे रंगों का उपयोग करता है सर्वोत्तम अनुभव. विभिन्न नई तकनीकों के साथ प्रयोग करने से नहीं डरते। हाल ही में, वह विदेशों में बढ़ती लोकप्रियता हासिल कर रहा है, मुख्य रूप से यूके में, जहां वह सफलतापूर्वक अपने काम बेचता है, जो पहले से ही कई निजी संग्रहों में पाया जा सकता है। कला के अलावा, उनकी रुचि ब्रह्मांड विज्ञान और दर्शनशास्त्र में है। जैज़ सुनता है. वर्तमान में कटोविस में रहता है और काम करता है।

वॉरेन चांग

वॉरेन चांग एक समकालीन अमेरिकी कलाकार हैं। 1957 में जन्मे और कैलिफोर्निया के मोंटेरे में पले-बढ़े, उन्होंने 1981 में पासाडेना में आर्ट सेंटर कॉलेज ऑफ़ डिज़ाइन से सम्मान के साथ स्नातक की उपाधि प्राप्त की, जहाँ उन्होंने बीएफए प्राप्त किया। अगले दो दशकों तक उन्होंने एक चित्रकार के रूप में काम किया विभिन्न कंपनियाँ 2009 में एक पेशेवर कलाकार के रूप में करियर शुरू करने से पहले कैलिफ़ोर्निया और न्यूयॉर्क में।

उनके यथार्थवादी चित्रों को दो मुख्य श्रेणियों में विभाजित किया जा सकता है: जीवनी संबंधी आंतरिक पेंटिंग और काम पर लोगों को चित्रित करने वाली पेंटिंग। पेंटिंग की इस शैली में उनकी रुचि 16वीं शताब्दी के कलाकार जोहान्स वर्मीर के काम से है, और यह विषयों, स्व-चित्रों, परिवार के सदस्यों, दोस्तों, छात्रों, स्टूडियो के अंदरूनी हिस्सों, कक्षाओं और घरों के चित्रों तक फैली हुई है। उनका लक्ष्य प्रकाश के हेरफेर और मंद रंगों के उपयोग के माध्यम से अपने यथार्थवादी चित्रों में मनोदशा और भावना पैदा करना है।

पारंपरिक ललित कलाओं पर स्विच करने के बाद चांग प्रसिद्ध हो गए। पिछले 12 वर्षों में, उन्होंने कई पुरस्कार और सम्मान अर्जित किए हैं, जिनमें से सबसे प्रतिष्ठित संयुक्त राज्य अमेरिका के सबसे बड़े तेल चित्रकला समुदाय, ऑयल पेंटर्स ऑफ़ अमेरिका से मास्टर सिग्नेचर है। 50 में से केवल एक व्यक्ति को ही यह पुरस्कार प्राप्त करने का अवसर दिया जाता है। वॉरेन वर्तमान में मोंटेरे में रहते हैं और अपने स्टूडियो में काम करते हैं, और वह सैन फ्रांसिस्को कला अकादमी में पढ़ाते भी हैं (एक प्रतिभाशाली शिक्षक के रूप में जाने जाते हैं)।

ऑरेलियो ब्रूनी

ऑरेलियो ब्रूनी एक इतालवी कलाकार हैं। 15 अक्टूबर 1955 को ब्लेयर में जन्म। उन्होंने स्पोलेटो में इंस्टीट्यूट ऑफ आर्ट से सीनोग्राफी में डिप्लोमा प्राप्त किया। एक कलाकार के रूप में, वह स्व-सिखाया जाता है, क्योंकि उसने स्कूल में रखी नींव पर स्वतंत्र रूप से "ज्ञान का घर बनाया"। उन्होंने 19 साल की उम्र में तेल से पेंटिंग करना शुरू किया। वर्तमान में उम्ब्रिया में रहता है और काम करता है।

ब्रूनी की शुरुआती पेंटिंग अतियथार्थवाद में निहित हैं, लेकिन समय के साथ उन्होंने गीतात्मक रूमानियत और प्रतीकवाद की निकटता पर ध्यान केंद्रित करना शुरू कर दिया, और इस संयोजन को अपने पात्रों की उत्कृष्ट परिष्कार और पवित्रता के साथ बढ़ाया। चेतन और निर्जीव वस्तुएँ समान गरिमा प्राप्त कर लेती हैं और लगभग अति-यथार्थवादी दिखती हैं, लेकिन साथ ही वे पर्दे के पीछे छिपती नहीं हैं, बल्कि आपको अपनी आत्मा का सार देखने की अनुमति देती हैं। बहुमुखी प्रतिभा और परिष्कार, कामुकता और अकेलापन, विचारशीलता और फलदायीता ऑरेलियो ब्रूनी की भावना है, जो कला की महिमा और संगीत के सामंजस्य से पोषित होती है।

अलेक्जेंडर बालोस

अलकासेंडर बालोस एक समकालीन पोलिश कलाकार हैं जो तेल चित्रकला में विशेषज्ञता रखते हैं। 1970 में ग्लिविस, पोलैंड में जन्मे, लेकिन 1989 से वह अमेरिका के शास्ता, कैलिफोर्निया में रह रहे हैं और काम कर रहे हैं।

एक बच्चे के रूप में, उन्होंने अपने पिता जान, जो एक स्व-सिखाया कलाकार और मूर्तिकार थे, के मार्गदर्शन में कला का अध्ययन किया, इसलिए कम उम्र से ही, कलात्मक गतिविधिमाता-पिता दोनों से पूरा सहयोग मिला। 1989 में, अठारह वर्ष की आयु में, बालोस ने संयुक्त राज्य अमेरिका के लिए पोलैंड छोड़ दिया, जहां उनके स्कूल शिक्षक और अंशकालिक कलाकार कैथी गैग्लिआर्डी ने अलकासेंडर को कला विद्यालय में दाखिला लेने के लिए प्रोत्साहित किया। इसके बाद बालोस को मिल्वौकी विश्वविद्यालय, विस्कॉन्सिन में पूरी छात्रवृत्ति मिली, जहां उन्होंने दर्शनशास्त्र के प्रोफेसर हैरी रोसिन के साथ पेंटिंग का अध्ययन किया।

1995 में स्नातक की डिग्री के साथ स्नातक होने के बाद, बालोस स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में अध्ययन करने के लिए शिकागो चले गए, जिसकी पद्धतियाँ जैक्स-लुई डेविड के काम पर आधारित हैं। आलंकारिक यथार्थवाद और चित्रांकनथे अधिकांशबालोस का काम 90 के दशक और 2000 के दशक की शुरुआत में हुआ। आज, बालोस कोई समाधान पेश किए बिना, मानव अस्तित्व की विशेषताओं और कमियों को उजागर करने के लिए मानव आकृति का उपयोग करता है।

उनके चित्रों की विषय रचनाओं की दर्शक द्वारा स्वतंत्र रूप से व्याख्या करने का इरादा है, तभी चित्र अपना वास्तविक लौकिक और व्यक्तिपरक अर्थ प्राप्त कर पाएंगे। 2005 में, कलाकार उत्तरी कैलिफ़ोर्निया चले गए, तब से उनके काम की विषयवस्तु में काफी विस्तार हुआ है और अब इसमें अमूर्त पेंटिंग विधियां और विभिन्न मल्टीमीडिया शैलियाँ शामिल हैं जो पेंटिंग के माध्यम से विचारों और अस्तित्व के आदर्शों को व्यक्त करने में मदद करती हैं।

एलिसा भिक्षुओं

एलिसा मोंक्स एक समकालीन अमेरिकी कलाकार हैं। 1977 में रिजवुड, न्यू जर्सी में जन्म। जब मैं बच्चा था तब ही मुझे चित्रकला में रुचि होने लगी। उन्होंने न्यूयॉर्क के द न्यू स्कूल और मोंटक्लेयर स्टेट यूनिवर्सिटी में पढ़ाई की और 1999 में बोस्टन कॉलेज से स्नातक की डिग्री हासिल की। उसी समय उन्होंने अकादमी में चित्रकला का अध्ययन किया लोरेंजो मेडिसीफ्लोरेंस में.

फिर उन्होंने न्यूयॉर्क एकेडमी ऑफ आर्ट में फिगरेटिव आर्ट विभाग में मास्टर डिग्री प्रोग्राम में अपनी पढ़ाई जारी रखी और 2001 में स्नातक की उपाधि प्राप्त की। उन्होंने 2006 में फुलर्टन कॉलेज से स्नातक की उपाधि प्राप्त की। कुछ समय तक उन्होंने विश्वविद्यालयों में व्याख्यान दिया शिक्षण संस्थानोंपूरे देश में, उन्होंने न्यूयॉर्क एकेडमी ऑफ आर्ट के साथ-साथ मोंटक्लेयर स्टेट यूनिवर्सिटी और लाइम एकेडमी ऑफ आर्ट कॉलेज में पेंटिंग सिखाई।

“कांच, विनाइल, पानी और भाप जैसे फिल्टर का उपयोग करके, मैं मानव शरीर को विकृत करता हूं। ये फ़िल्टर आपको अमूर्त डिज़ाइन के बड़े क्षेत्र बनाने की अनुमति देते हैं, जिसमें मानव शरीर के कुछ हिस्सों में रंग के द्वीप दिखाई देते हैं।

मेरी पेंटिंग्स स्नान करने वाली महिलाओं की पहले से स्थापित, पारंपरिक मुद्राओं और हाव-भावों के आधुनिक दृष्टिकोण को बदल देती हैं। वे एक चौकस दर्शक को तैराकी, नृत्य आदि के लाभों जैसी स्वयं-स्पष्ट चीजों के बारे में बहुत कुछ बता सकते हैं। मेरे पात्र खुद को शॉवर की खिड़की के शीशे के खिलाफ दबाते हैं, अपने शरीर को विकृत करते हैं, यह महसूस करते हुए कि वे एक नग्न महिला पर कुख्यात पुरुष की नजर को प्रभावित करते हैं। दूर से कांच, भाप, पानी और मांस की नकल करने के लिए पेंट की मोटी परतें मिलाई जाती हैं। हालाँकि, करीब से देखने पर, ऑयल पेंट के अद्भुत भौतिक गुण स्पष्ट हो जाते हैं। पेंट और रंग की परतों के साथ प्रयोग करके, मुझे एक ऐसा बिंदु मिलता है जहां अमूर्त ब्रशस्ट्रोक कुछ और ही बन जाते हैं।

जब मैंने पहली बार मानव शरीर को चित्रित करना शुरू किया, तो मैं तुरंत उस पर मोहित हो गया और यहाँ तक कि उसके प्रति जुनूनी भी हो गया और मेरा मानना ​​था कि मुझे अपनी पेंटिंग को यथासंभव यथार्थवादी बनाना होगा। मैंने यथार्थवाद का "उद्धरण" तब तक किया जब तक कि यह अपने आप में विरोधाभासों को उजागर करना और प्रकट करना शुरू नहीं कर दिया। मैं अब पेंटिंग की एक ऐसी शैली की संभावनाओं और संभावनाओं की खोज कर रहा हूं जहां प्रतिनिधित्वात्मक पेंटिंग और अमूर्तता मिलती है - यदि दोनों शैलियाँ एक ही समय में सह-अस्तित्व में रह सकती हैं, तो मैं ऐसा करूंगा।

एंटोनियो फिनेलि

इतालवी कलाकार - " समय प्रेक्षक”- एंटोनियो फिनेली का जन्म 23 फरवरी 1985 को हुआ था। वर्तमान में रोम और कैम्पोबासो के बीच इटली में रहता है और काम करता है। उनके कार्यों को इटली और विदेशों में कई दीर्घाओं में प्रदर्शित किया गया है: रोम, फ्लोरेंस, नोवारा, जेनोआ, पलेर्मो, इस्तांबुल, अंकारा, न्यूयॉर्क, और निजी और सार्वजनिक संग्रह में भी पाया जा सकता है।

पेंसिल चित्र " समय प्रेक्षक“एंटोनियो फिनेली हमें मानव अस्थायीता की आंतरिक दुनिया और इस दुनिया के संबंधित गहन विश्लेषण के माध्यम से एक शाश्वत यात्रा पर ले जाता है, जिसका मुख्य तत्व समय के माध्यम से पारित होना और त्वचा पर इसके निशान छोड़ना है।

फिनेली किसी भी उम्र, लिंग और राष्ट्रीयता के लोगों के चित्र बनाते हैं, जिनके चेहरे के भाव समय के बीतने का संकेत देते हैं, और कलाकार को अपने पात्रों के शरीर पर समय की निर्दयता का सबूत मिलने की भी उम्मीद है। एंटोनियो अपने कार्यों को एक सामान्य शीर्षक से परिभाषित करते हैं: "सेल्फ-पोर्ट्रेट", क्योंकि अपने पेंसिल चित्रों में वह न केवल एक व्यक्ति को चित्रित करते हैं, बल्कि दर्शकों को चिंतन करने की अनुमति भी देते हैं। वास्तविक परिणामकिसी व्यक्ति के भीतर समय का बीतना।

फ्लेमिनिया कार्लोनी

फ्लेमिनिया कार्लोनी एक 37 वर्षीय इतालवी कलाकार हैं, जो एक राजनयिक की बेटी हैं। उसके तीन बच्चे हैं. वह बारह वर्षों तक रोम में और तीन वर्षों तक इंग्लैंड और फ्रांस में रहीं। उन्होंने बीडी स्कूल ऑफ आर्ट से कला इतिहास में डिग्री प्राप्त की। फिर उन्हें कला पुनर्स्थापक के रूप में डिप्लोमा प्राप्त हुआ। अपनी पहचान बनाने और खुद को पूरी तरह से पेंटिंग के लिए समर्पित करने से पहले, उन्होंने एक पत्रकार, रंगकर्मी, डिजाइनर और अभिनेत्री के रूप में काम किया।

पेंटिंग के प्रति फ्लेमिनिया का जुनून बचपन में ही पैदा हो गया था। उसका मुख्य माध्यम तेल है क्योंकि उसे "कोइफ़र ला पाटे" पसंद है और सामग्री के साथ खेलना भी पसंद है। उन्होंने कलाकार पास्कल टोरुआ के कार्यों में एक समान तकनीक को पहचाना। फ्लेमिनिया बाल्थस, हॉपर और फ्रांकोइस लेग्रैंड जैसे चित्रकला के महान उस्तादों के साथ-साथ विभिन्न कलात्मक आंदोलनों से प्रेरित है: सड़क कला, चीनी यथार्थवाद, अतियथार्थवाद और पुनर्जागरण यथार्थवाद। उसका पसंदीदा कलाकार कारवागियो. उनका सपना कला की चिकित्सीय शक्ति की खोज करना है।

डेनिस चेर्नोव

डेनिस चेर्नोव एक प्रतिभाशाली यूक्रेनी कलाकार हैं, जिनका जन्म 1978 में साम्बिर, ल्वीव क्षेत्र, यूक्रेन में हुआ था। 1998 में खार्कोव आर्ट स्कूल से स्नातक होने के बाद, वह खार्कोव में रहे, जहां वह वर्तमान में रहते हैं और काम करते हैं। उन्होंने खार्कोव में भी अध्ययन किया राज्य अकादमीडिज़ाइन और कला, ग्राफिक्स विभाग, 2004 में स्नातक।

वह नियमित रूप से भाग लेते हैं कला प्रदर्शनियां, पर इस पलउनमें से साठ से अधिक यूक्रेन और विदेश में घटित हुए। डेनिस चेर्नोव के अधिकांश कार्य यूक्रेन, रूस, इटली, इंग्लैंड, स्पेन, ग्रीस, फ्रांस, अमेरिका, कनाडा और जापान में निजी संग्रह में रखे गए हैं। कुछ कृतियाँ क्रिस्टीज़ में बेची गईं।

डेनिस ग्राफिक और की एक विस्तृत श्रृंखला में काम करता है पेंटिंग तकनीक. पेंसिल चित्र उनकी सबसे पसंदीदा पेंटिंग विधियों में से एक है, जो उनके विषयों की एक सूची है पेंसिल चित्रयह भी बहुत विविध है, वह परिदृश्य, चित्र, नग्न चित्रण, शैली रचनाएँ चित्रित करता है। पुस्तक चित्रण, साहित्यिक और ऐतिहासिक पुनर्निर्माणऔर कल्पनाएँ.

कला में शाश्वत विषय हैं। उनमें से एक है महिलाओं का विषय, मातृत्व का विषय। प्रत्येक युग में एक महिला का अपना आदर्श होता है, मानव जाति का पूरा इतिहास इस बात में परिलक्षित होता है कि लोगों ने एक महिला को कैसे देखा, किन मिथकों ने उसे घेर लिया और उसे बनाने में मदद की। एक बात निश्चित है - सभी शताब्दियों और समयों में स्त्री चरित्र ने आकर्षित किया है, आकर्षित कर रहा है और कलाकारों का विशेष ध्यान आकर्षित करता रहेगा।

चित्र कला में बनाई गई महिलाओं की छवियां अपनी सामंजस्यपूर्ण एकता में काव्यात्मक आदर्श रखती हैं आध्यात्मिक गुणऔर दिखावट. चित्रों से हम अंदाजा लगा सकते हैं कि एक महिला की शक्ल-सूरत और उसकी मानसिक बनावट किस तरह सामाजिक घटनाओं, फैशन, साहित्य, कला और पेंटिंग से प्रभावित होती है।

हम आपके लिए चित्रकला में महिलाओं की विभिन्न छवियां प्रस्तुत करते हैं अलग-अलग दिशाएँ

यथार्थवाद

दिशा का सार वास्तविकता को यथासंभव सटीक और वस्तुनिष्ठ रूप से पकड़ना है। चित्रकला में यथार्थवाद का जन्म अक्सर फ्रांसीसी कलाकार गुस्ताव कोर्टबेट के काम से जुड़ा हुआ है, जिन्होंने 1855 में पेरिस में अपना खुद का व्यवसाय खोला था। व्यक्तिगत प्रदर्शनी"यथार्थवाद का मंडप"। रूमानियत और शिक्षावाद के विपरीत. 1870 के दशक में, यथार्थवाद को दो मुख्य दिशाओं में विभाजित किया गया था - प्रकृतिवाद और प्रभाववाद। प्रकृतिवादी वे कलाकार थे जो वास्तविकता को यथासंभव सटीक और फोटोग्राफिक रूप से पकड़ने की कोशिश करते थे।

इवान क्राम्स्कोय "अज्ञात"

सेरोव "पीचिस वाली लड़की"

अकादमीवाद

शास्त्रीय कला के बाह्य रूपों का अनुसरण करने से शिक्षावाद का विकास हुआ। शिक्षावाद ने परंपराओं को मूर्त रूप दिया प्राचीन कला, जिसमें प्रकृति की छवि को आदर्श बनाया गया है। 19वीं शताब्दी के पूर्वार्ध के रूसी शिक्षावाद की विशेषता उत्कृष्ट विषय-वस्तु, उच्च रूपक शैली, विविधता, बहु-आकृति और धूमधाम है। बाइबिल के दृश्य, सैलून परिदृश्य और औपचारिक चित्र लोकप्रिय थे। चित्रों की सीमित विषय-वस्तु के बावजूद, शिक्षाविदों की कृतियाँ उच्च तकनीकी कौशल से प्रतिष्ठित थीं।

बौगुएरेउ "प्लीएड्स"

बौगुएरेउ "मूड"

कैबनेल "शुक्र का जन्म"

प्रभाववाद

शैली के प्रतिनिधियों ने सबसे प्राकृतिक और निष्पक्ष तरीके से वास्तविक दुनिया को उसकी गतिशीलता और परिवर्तनशीलता में पकड़ने और अपने क्षणभंगुर छापों को व्यक्त करने की कोशिश की। फ्रांसीसी प्रभाववाद नहीं बढ़ा दार्शनिक समस्याएँ. इसके बजाय, प्रभाववाद सतहीपन, एक पल की तरलता, मनोदशा, प्रकाश व्यवस्था या देखने के कोण पर केंद्रित है। उनकी पेंटिंग्स केवल जीवन के सकारात्मक पहलुओं को प्रस्तुत करती थीं, सामाजिक समस्याओं को परेशान नहीं करती थीं और भूख, बीमारी और मृत्यु जैसी समस्याओं से बचाती थीं। बाइबिल, साहित्यिक, पौराणिक, ऐतिहासिक विषय, आधिकारिक शिक्षावाद में निहित है। छेड़खानी, नृत्य, कैफे और थिएटर में रहना, नाव यात्राएं, समुद्र तटों और बगीचों में जाने के विषय लिए गए। प्रभाववादियों के चित्रों को देखते हुए, जीवन छोटी छुट्टियों, पार्टियों, शहर के बाहर या मैत्रीपूर्ण वातावरण में सुखद शगल की एक श्रृंखला है।

बोल्डिनी "मौलिन रूज"

रेनॉयर "जीन सैमरी का पोर्ट्रेट"

मानेट "घास पर नाश्ता"

मेयो "रोज़ाब्रावा"

लॉट्रेक "एक छाता वाली महिला"

प्रतीकों

प्रतीकवादी न केवल मौलिक रूप से बदल गए विभिन्न प्रकारकला, बल्कि इसके प्रति दृष्टिकोण भी। उनका प्रयोगात्मक चरित्र, नवप्रवर्तन की इच्छा और सर्वदेशीयता अधिकांश आधुनिक कला आंदोलनों के लिए एक मॉडल बन गए हैं। उन्होंने प्रतीकों, अल्पकथन, संकेतों, रहस्य, रहस्य का प्रयोग किया। मुख्य मनोदशा अक्सर निराशावाद थी, जो कला में अन्य आंदोलनों के विपरीत, प्रतीकवाद "अप्राप्य", कभी-कभी रहस्यमय विचारों, अनंत काल और सौंदर्य की छवियों की अभिव्यक्ति में विश्वास करता है।

रेडॉन "ओफेलिया"

फ्रांज वॉन स्टक "सैलोम"

वत्स "आशा"

रोसेटी "पर्सेफ़ोन"

आधुनिक

आर्ट नोव्यू ने बनाए गए कार्यों के कलात्मक और उपयोगितावादी कार्यों को संयोजित करने और सौंदर्य के क्षेत्र में मानव गतिविधि के सभी क्षेत्रों को शामिल करने की मांग की। परिणामस्वरूप, व्यावहारिक कलाओं में रुचि है: इंटीरियर डिज़ाइन, सिरेमिक, पुस्तक ग्राफिक्स। आर्ट नोव्यू कलाकारों ने प्राचीन मिस्र और प्राचीन सभ्यताओं की कला से प्रेरणा ली। आर्ट नोव्यू की सबसे उल्लेखनीय विशेषता चिकनी, घुमावदार रेखाओं के पक्ष में समकोण और रेखाओं का परित्याग था। आर्ट नोव्यू कलाकार अक्सर अपने चित्रों के आधार के रूप में पौधे की दुनिया से आभूषण लेते थे।

क्लिम्ट "एडेल बलोच-बाउर I का पोर्ट्रेट"

क्लिम्ट "डाने"

क्लिम्ट "महिलाओं के तीन युग"

"फल" उड़ो

इक्सप्रेस्सियुनिज़म

अभिव्यक्तिवाद 20वीं सदी के सबसे प्रभावशाली कलात्मक आंदोलनों में से एक है। अभिव्यक्तिवाद 20वीं सदी की पहली तिमाही के सबसे तीव्र संकट, प्रथम की प्रतिक्रिया के रूप में उभरा विश्व युध्दऔर बाद में क्रांतिकारी आंदोलन, बुर्जुआ सभ्यता की कुरूपता, जिसके परिणामस्वरूप अतार्किकता की इच्छा उत्पन्न हुई। दर्द और चीख के रूपांकनों का उपयोग किया गया, अभिव्यक्ति का सिद्धांत छवि पर हावी होने लगा।

मोदिग्लिआनी. महिलाओं के शरीर और चेहरे का उपयोग करके वह अपने पात्रों की आत्मा में घुसने की कोशिश करते हैं। “मुझे इंसान में दिलचस्पी है। चेहरा प्रकृति की सबसे महान रचना है। मैं इसे अथक रूप से उपयोग करता हूं," उन्होंने दोहराया।

मोदिग्लिआनी "स्लीपिंग न्यूड"

शीले "वुमन इन ब्लैक स्टॉकिंग्स"

क्यूबिज्म

क्यूबिज्म एक आधुनिकतावादी आंदोलन है ललित कला(मुख्य रूप से चित्रकला में) 20वीं शताब्दी की पहली तिमाही में, जिसने कला के दृश्य और संज्ञानात्मक कार्यों को कम करते हुए, एक विमान पर त्रि-आयामी रूप बनाने का औपचारिक कार्य सामने लाया। क्यूबिज़्म का उद्भव पारंपरिक रूप से 1906-1907 में हुआ और यह पाब्लो पिकासो और जॉर्जेस ब्रैक के काम से जुड़ा है। सामान्य तौर पर, क्यूबिज़्म यथार्थवादी कला की उस परंपरा से एक विराम था जो सृजन सहित पुनर्जागरण के दौरान विकसित हुई थी दृश्य भ्रमएक विमान पर दुनिया. क्यूबिस्टों का काम सैलून कला की मानक सुंदरता, प्रतीकवाद के अस्पष्ट रूपक और प्रभाववादी पेंटिंग की अस्थिरता के लिए एक चुनौती थी। विद्रोही, अराजकतावादी, व्यक्तिवादी आंदोलनों के घेरे में प्रवेश करते हुए, क्यूबिज़्म रंग की तपस्या, सरल, वजनदार, मूर्त रूपों और प्राथमिक रूपांकनों के प्रति अपने आकर्षण के कारण उनके बीच खड़ा हो गया।

पिकासो "द वीपिंग वुमन"

पिकासो "मैंडोलिन बजाना"

पिकासो "लेस डेमोइसेल्स डी'एविग्नन"

अतियथार्थवाद

अतियथार्थवाद की मूल अवधारणा, अतियथार्थवाद-सपने और हकीकत का मेल. इसे प्राप्त करने के लिए, अतियथार्थवादियों ने कोलाज के माध्यम से प्राकृतिक छवियों का एक बेतुका, विरोधाभासी संयोजन प्रस्तावित किया और किसी वस्तु को गैर-कलात्मक स्थान से कलात्मक स्थान पर ले जाया गया, जिसके कारण वस्तु अप्रत्याशित पक्ष से प्रकट होती है, जिन गुणों पर बाहर ध्यान नहीं दिया गया इसमें कलात्मक सन्दर्भ प्रकट होता है। अतियथार्थवादी कट्टरपंथी वामपंथी विचारधारा से प्रेरित थे, लेकिन उन्होंने क्रांति को अपनी चेतना से शुरू करने का प्रस्ताव रखा। वे कला को मुक्ति का मुख्य साधन मानते थे। यह दिशा फ्रायड के मनोविश्लेषण सिद्धांत के महान प्रभाव में विकसित हुई। अतियथार्थवाद प्रतीकवाद में निहित था और शुरुआत में गुस्ताव मोरो और ओडिलन रेडन जैसे प्रतीकवादी कलाकारों से प्रभावित था। के कई लोकप्रिय कलाकाररेने मैग्रेट, मैक्स अर्न्स्ट, साल्वाडोर डाली, अल्बर्टो जियाओमेट्टी सहित अतियथार्थवादी थे।

गिल एल्वग्रेन (1914-1980) बीसवीं सदी के एक प्रमुख पिन-अप कलाकार थे। मेरे सभी के लिए व्यावसायिक गतिविधि, जो 1930 के दशक के मध्य में शुरू हुआ और चालीस से अधिक वर्षों तक चला, उसने खुद को हर जगह कलेक्टरों और पिन-अप प्रशंसकों के बीच एक स्पष्ट पसंदीदा के रूप में स्थापित किया। और यद्यपि गिल एल्वग्रेन को मुख्य रूप से एक पिन-अप कलाकार माना जाता है, वह क्लासिक के खिताब के हकदार हैं अमेरिकी चित्रकार, जो कवर करने में सक्षम था विभिन्न क्षेत्रव्यावसायिक कला.

कोका-कोला विज्ञापन के लिए 25 वर्षों के काम ने उन्हें खुद को इस क्षेत्र के महान चित्रकारों में से एक के रूप में स्थापित करने में मदद की। कोका-कोला के विज्ञापनों में "एल्वग्रेन गर्ल्स" की पिन-अप छवियां दिखाई गईं, जिनमें से अधिकांश में विशिष्ट अमेरिकी परिवारों, बच्चों, किशोरों-सामान्य लोगों को अपने दैनिक व्यवसाय के बारे में दर्शाया गया था। द्वितीय विश्व युद्ध और कोरियाई युद्ध के दौरान, एल्वग्रेन ने कोका-कोला के लिए सैन्य-थीम वाले चित्र भी बनाए, जिनमें से कुछ अमेरिका में "प्रतीक" बन गए।

कोका-कोला के लिए एल्वग्रेन का काम एक सुरक्षित के अमेरिकी सपने को प्रतिबिंबित करता है, सुखद जिंदगी, और पत्रिका की कहानियों के कुछ चित्र उनके पाठकों की आशाओं, भय और खुशियों को दर्शाते हैं। ये चित्र 1940 और 1950 के दशक में कई प्रसिद्ध अमेरिकी पत्रिकाओं, जैसे मैक्कल, कॉस्मोपॉलिटन, गुड हाउसकीपिंग और वूमन्स होम कंपेनियन में प्रकाशित हुए थे। कोका-कोला के साथ, एल्वग्रेन ने ऑरेंज क्रश, श्लिट्ज़ बीयर, सीली मैट्रेस, जनरल इलेक्ट्रिक, सिल्वेनिया और नापा ऑटो पार्ट्स के साथ भी काम किया है।

एल्वग्रेन न केवल अपनी पेंटिंग और विज्ञापन ग्राफिक्स के लिए जाने जाते थे - वह एक पेशेवर फोटोग्राफर भी थे, जो ब्रश चलाने की तरह ही चतुराई से कैमरा भी चलाते थे। लेकिन उनकी ऊर्जा और प्रतिभा यहीं नहीं रुकी: इसके अलावा, वह एक शिक्षक थे, जिनके छात्र बाद में प्रसिद्ध कलाकार बने।

बचपन में भी एल्वग्रेन चित्रों से प्रेरित थे प्रसिद्ध चित्रकार. हर हफ्ते उन्होंने अपनी पसंद की छवियों वाली पत्रिकाओं के पन्ने और कवर फाड़ दिए, जिसके परिणामस्वरूप उन्होंने एक विशाल संग्रह एकत्र किया जिसने युवा कलाकार के काम पर अपनी छाप छोड़ी।

एल्वग्रेन का काम कई कलाकारों से प्रभावित था, जैसे फेलिक्स ऑक्टेवियस कैर डार्ले (1822-1888), अमेरिकी व्यावसायिक कला पर चित्रण के अंग्रेजी और यूरोपीय स्कूलों की श्रेष्ठता को चुनौती देने वाले पहले कलाकार; नॉर्मन रॉकवेल (1877-1978), जिनसे एल्वग्रेन 1947 में मिले, और इस मुलाकात ने एक लंबी दोस्ती की शुरुआत को चिह्नित किया; चार्ल्स डाना गिब्सन (1867-1944), जिनके ब्रश से आदर्श लड़की निकली, जो "पड़ोसी" (लड़की-नेक्स्ट-डोर) और "आपके सपनों की लड़की" को जोड़ती थी, हॉवर्ड चैंडलर क्रिस्टी, जॉन हेनरी हिंटरमिस्टर ( 1870-1945) और अन्य।

एल्वग्रेन ने इन शास्त्रीय कलाकारों के कार्यों का बारीकी से अध्ययन किया, जिसके परिणामस्वरूप उन्होंने वह आधार तैयार किया जिस पर पिन-अप कला का आगे विकास हुआ।

तो, गिल एल्वग्रेन का जन्म 15 मार्च 1914 को हुआ और वे सेंट पॉल मिनियापोलिस में पले-बढ़े। उनके माता-पिता, एलेक्स और गोल्डी एल्वग्रेन, शहर में एक स्टोर के मालिक थे जो वॉलपेपर और पेंट बेचता था।

स्नातक स्तर की पढ़ाई के बाद हाई स्कूल, गिल एक वास्तुकार बनना चाहते थे। उनके माता-पिता ने उनकी इस इच्छा को स्वीकार कर लिया, क्योंकि उन्होंने ड्राइंग के प्रति उनकी प्रतिभा को तब देखा, जब आठ साल की उम्र में, लड़के को स्कूल से निकाल दिया गया क्योंकि उसने अपनी पाठ्यपुस्तकों के हाशिये पर चित्र बनाए थे। मिनियापोलिस इंस्टीट्यूट ऑफ आर्ट में कला पाठ्यक्रम लेने के दौरान एल्वग्रेन ने अंततः वास्तुकला और डिजाइन का अध्ययन करने के लिए मिनेसोटा विश्वविद्यालय में दाखिला लिया। यहीं पर उन्हें एहसास हुआ कि उन्हें इमारतों को डिजाइन करने की तुलना में ड्राइंग में अधिक रुचि है।

उसी वर्ष की शरद ऋतु में, एल्वग्रेन ने जेनेट कमिंस से शादी की। और इसी तरह नया सालनवविवाहित जोड़ा शिकागो चला गया, जहाँ कलाकारों के लिए कई अवसर थे। निःसंदेह, वे न्यूयॉर्क को चुन सकते थे, लेकिन शिकागो अधिक निकट और सुरक्षित था।

शिकागो पहुंचने पर, गिल ने अपने करियर को विकसित करने के लिए हर संभव कोशिश की। उन्होंने शहर के प्रतिष्ठित अमेरिकन एकेडमी ऑफ फाइन आर्ट्स में दाखिला लिया, जहां उनकी दोस्ती एक कुशल कलाकार और शिक्षक बिल मोस्बी से हुई, जो उनके मार्गदर्शन में गिल के विकास पर हमेशा गर्व करते थे।

जब गिल एल्वग्रेन अकादमी में आए, तो बेशक वह प्रतिभाशाली थे, लेकिन वह वहां पढ़ने वाले अधिकांश छात्रों से अलग नहीं थे। लेकिन केवल एक ही चीज़ उसे दूसरों से अलग करती थी: वह जानता था कि वह क्या चाहता है। सबसे बढ़कर, वह एक अच्छा कलाकार बनने का सपना देखता था। दो साल के अध्ययन में, उन्होंने साढ़े तीन साल के लिए डिज़ाइन किए गए पाठ्यक्रम में महारत हासिल की: उन्होंने गर्मियों में, रात में कक्षाओं में भाग लिया। में खाली समयवह हमेशा चित्र बनाता था।

वह एक अच्छा छात्र था और दूसरों की तुलना में अधिक मेहनत करता था। गिल ने हर उस पाठ्यक्रम में भाग लिया जिसमें वह चित्रकला के बारे में कम से कम कुछ ज्ञान प्राप्त कर सकें। दो वर्षों में उन्होंने अभूतपूर्व प्रगति की और अकादमी के सर्वश्रेष्ठ स्नातकों में से एक बन गये।

गिल एक अविश्वसनीय कलाकार हैं जिनकी बराबरी बहुत कम लोग कर सकते हैं। मजबूत कद-काठी वाला, वह फुटबॉल खिलाड़ी जैसा दिखता है; उसके बड़े हाथ किसी कलाकार के हाथों की तरह बिल्कुल नहीं हैं: पेंसिल सचमुच उनमें "डूब" जाती है, लेकिन उसके आंदोलनों की सटीकता और श्रमसाध्यता की तुलना केवल एक सर्जन के कौशल से की जा सकती है।

कॉलेज के दौरान गिल ने कभी काम करना बंद नहीं किया। उनके चित्र पहले से ही उस अकादमी के ब्रोशर और पत्रिकाओं में सुशोभित थे जहाँ उन्होंने अध्ययन किया था।

वहां गिल की मुलाकात कई कलाकारों से हुई जो उनके आजीवन दोस्त बने, उदाहरण के लिए: हेरोल्ड एंडरसन, जॉयस बैलेंटाइन।

1936 में गिल और उनकी पत्नी वापस लौट आये गृहनगर, जहां उन्होंने अपना स्टूडियो खोला। इससे कुछ समय पहले, उन्होंने अपना पहला भुगतान कमीशन पूरा किया: एक फैशन पत्रिका के लिए एक कवर, जिसमें दर्शाया गया है छैला, डबल ब्रेस्टेड जैकेट और हल्के ग्रीष्मकालीन पतलून पहने हुए। एल्वग्रेन द्वारा ग्राहक को अपना काम भेजने के तुरंत बाद, कंपनी के निदेशक ने उसे बधाई देने के लिए बुलाया और आधा दर्जन और कवर का ऑर्डर दिया।

फिर एक और दिलचस्प आयोग आया, जिसे डायोन क्विंटुपलेट्स को चित्रित करना था, जिसका जन्म मीडिया सनसनी बन गया था। ग्राहक ब्राउन और बिगलो था, जो सबसे बड़ा कैलेंडर प्रकाशन गृह था। यह कृति 1937-1938 के कैलेंडरों में छपी थी, जिसकी लाखों प्रतियां बिकीं। तब से, एल्वग्रेन ने अमेरिका में सबसे प्रसिद्ध लड़कियों को आकर्षित करना शुरू कर दिया, जिससे उन्हें भारी सफलता मिली। अन्य कंपनियाँ एल्वग्रेन को सहयोग के लिए आमंत्रित करने लगी हैं, उदाहरण के लिए, ब्राउन और बिगलो की प्रतिस्पर्धी, लुई एफ. डॉव कैलेंडर कंपनी। कलाकार की कृतियाँ पुस्तिकाओं, ताश के पत्तों और यहाँ तक कि माचिस की डिब्बियों पर भी छपने लगीं। फिर रॉयल क्राउन सोडा के लिए बनाई गई उनकी कई आदमकद पेंटिंगें किराने की दुकानों में दिखाई दीं। यह वर्ष एल्वग्रेन के लिए भी विशेष रूप से महत्वपूर्ण हो जाता है, क्योंकि उन्होंने और उनकी पत्नी ने अपने पहले बच्चे करेन का स्वागत किया।

एल्वग्रेन ने ऑर्डर लेना जारी रखा और अपने परिवार के साथ शिकागो लौटने का फैसला किया। जल्द ही उनकी मुलाकात हेडन एच. सुंडब्लॉम (1899-1976) से हुई, जो उनके आदर्श थे। सुंडब्लॉम प्रदान करता है बहुत बड़ा प्रभावएल्वग्रेन के कार्य पर.

सुंडब्लॉम की बदौलत एल्वग्रेन कोका-कोला विज्ञापनों के लिए एक कलाकार बन गए। आज तक, ये कृतियाँ अमेरिकी चित्रण के इतिहास में प्रतीक हैं।

पर्ल हार्बर पर बमबारी के तुरंत बाद, एल्वग्रेन को सैन्य अभियान के लिए चित्र बनाने के लिए कहा गया था। इस श्रृंखला के लिए उनकी पहली ड्राइंग 1942 में गुड हाउसकीपिंग पत्रिका में "शी नोज़ व्हाट 'फ्रीडम' रियली इज़" शीर्षक के तहत प्रकाशित हुई थी और इसमें रेड क्रॉस अधिकारी की वर्दी पहने एक लड़की को दर्शाया गया था।

1942 में, गिल जूनियर का जन्म हुआ, और 1943 में उनकी पत्नी पहले से ही अपने तीसरे बच्चे की उम्मीद कर रही थी। एल्वग्रेन का परिवार बढ़ता गया, साथ ही उसका व्यवसाय भी बढ़ता गया। जिल विज्ञापन परियोजनाओं पर काम करती है और अपने पुराने काम भी बेचती है। उन्होंने जीवन का आनंद लिया, क्योंकि वे स्वयं पहले से ही एक सम्मानित कलाकार और एक खुशहाल पारिवारिक व्यक्ति थे। जब उनके परिवार में तीसरे बच्चे का जन्म हुआ, तो एल्वग्रेन को पहले से ही प्रति पेंटिंग लगभग 1000 डॉलर मिल रहे थे, यानी। लगभग $24,000 प्रति वर्ष, जो उस समय बहुत बड़ी रकम थी। इसका मतलब यह हुआ कि गिल संयुक्त राज्य अमेरिका में सबसे अधिक वेतन पाने वाले चित्रकार बन सकते हैं और स्वाभाविक रूप से ब्राउन और बिगेलो में उनका एक विशेष स्थान होगा।

ब्राउन और बिगेलो के लिए विशेष रूप से काम करने से पहले, उन्होंने जोसेफ हूवर की फिलाडेल्फिया फर्म से अपना पहला (और एकमात्र) कमीशन स्वीकार किया। ब्राउन और बिगेलो के साथ समस्याओं से बचने के लिए, उन्होंने इस शर्त पर प्रस्ताव स्वीकार कर लिया कि पेंटिंग पर हस्ताक्षर नहीं किए जाएंगे। "ड्रीम गर्ल" शीर्षक वाले इस काम के लिए उन्हें $2,500 मिले, क्योंकि... यह उनके द्वारा अब तक चित्रित सबसे बड़ा (101.6 सेमी x 76.2 सेमी) था।

ब्राउन और बिगेलो के साथ सहयोग ने एल्वग्रेन को कोका-कोला के लिए ड्राइंग जारी रखने की अनुमति दी, हालांकि, वह किसी भी अन्य कंपनी के लिए काम कर सकता था जिसका ब्राउन और बिगेलो के साथ कोई टकराव नहीं था। इस प्रकार, 1945 में, एल्वग्रेन और ब्राउन और बिगेलो ने एक सहयोग शुरू किया जो तीस से अधिक वर्षों तक चलेगा।

ब्राउन और बिगेलो के निदेशक चार्ल्स वार्ड ने एल्वग्रेन को एक घरेलू नाम बना दिया। उन्होंने गिल को न्यूड स्टाइल में पिन-अप बनाने के लिए आमंत्रित किया, जिस पर कलाकार बड़े उत्साह से सहमत हुए। इस पेंटिंग में बकाइन रंग की बकाइन-नीली चांदनी के नीचे समुद्र तट पर एक नग्न गोरी अप्सरा को दिखाया गया है। यह चित्रण एक अन्य कलाकार - ज़ोइ मोज़र्ट के काम के साथ, ताश के पत्तों में जारी किया गया था। अगले वर्ष, वार्ड ने अगले कार्डों के लिए एल्वग्रेन से एक और नग्न पिन-अप का आदेश दिया, लेकिन इस बार पूरी तरह से अकेले एल्वग्रेन द्वारा किया गया। इस परियोजना ने ब्राउन और बिगेलो के बिक्री रिकॉर्ड तोड़ दिए और इसे "गिल एल्वग्रेन द्वारा मैस ओईई" कहा गया।

ब्राउन और बिगेलो के लिए पहले तीन पिन-अप प्रोजेक्ट कुछ ही हफ्तों के बाद कंपनी के बेस्ट सेलर बन गए। जल्द ही इन छवियों का उपयोग ताश खेलने के लिए किया जाने लगा।

दशक के अंत तक, एल्वग्रेन ब्राउन और बिगेलो के सबसे सफल कलाकार बन गए थे, मीडिया की बदौलत उनके काम को जनता के बीच व्यापक रूप से जाना गया, पत्रिकाओं ने उनके बारे में लेख भी प्रकाशित किए। जिन कंपनियों के साथ उन्होंने काम किया है उनमें कोका-कोला, ऑरेंज क्रश, श्लिट्ज़, रेड टॉप बीयर, ओवाल्टाइन, रॉयल क्राउन सोडा, कैम्पाना बाम, जनरल टायर, सीली मैट्रेस, सेर्टा परफेक्ट स्लीप, नापा ऑटो पार्ट्स, डेट्ज़लर ऑटोमोटिव फिनिश, फ्रैंकफोर्ट डिस्टिलरीज, फोर शामिल हैं। गुलाब मिश्रित व्हिस्की, जनरल इलेक्ट्रिक उपकरण और पैंगबर्न चॉकलेट।

अपने काम की ऐसी मांग का सामना करते हुए, एल्वग्रेन ने अपना खुद का स्टूडियो खोलने के बारे में सोचा, क्योंकि पहले से ही कई कलाकार थे जो उनके काम और तथाकथित "मेयोनेज़ पेंटिंग" (सुंडब्लॉम और एल्वग्रेन की तथाकथित शैली क्योंकि पेंट्स पर) की प्रशंसा करते थे। कृतियाँ "मलाईदार" और रेशम की तरह चिकनी लग रही थीं)। लेकिन सभी नफा-नुकसान पर विचार करने के बाद उन्होंने इस विचार को त्याग दिया।

गिल एल्वग्रेन ने बहुत यात्रा की और कई प्रभावशाली लोगों से मुलाकात की। ब्राउन और बिगेलो में उनका वेतन $1,000 प्रति कैनवास से बदल कर $2,500 हो गया और प्रति वर्ष 24 पेंटिंग का उत्पादन किया गया, साथ ही उन पत्रिकाओं से एक प्रतिशत भी मिला जिन्होंने उनके चित्र प्रकाशित किए। वह अपने परिवार को उपनगरीय विन्नेटका में एक नए घर में ले गए, जहां उन्होंने अटारी में अपना स्टूडियो बनाना शुरू किया, जिससे उन्हें और भी अधिक उत्पादक होने का मौका मिला।

गिल का स्वाद उत्कृष्ट था और वह चतुर भी था। उनकी रचनाएँ हमेशा रचना में दिलचस्प होती हैं, रंग योजना, और ध्यान से सोचे गए पोज़ और हावभाव उन्हें जीवंत और रोमांचक बनाते हैं। उनकी पेंटिंग्स ईमानदार हैं. गिल ने महिला सौंदर्य के विकास को महसूस किया, जो बहुत महत्वपूर्ण था। इसलिए, ग्राहकों द्वारा एल्वग्रेन की हमेशा मांग रहती थी।

1956 में गिल अपने परिवार के साथ फ्लोरिडा चले गये। वह अपने नये निवास स्थान से पूर्णतः संतुष्ट था। वहां उन्होंने एक उत्कृष्ट स्टूडियो खोला जहां बॉबी टॉम्ब्स ने अध्ययन किया, जो सही मायने में एक मान्यता प्राप्त कलाकार बन गए। उन्होंने कहा कि एल्वग्रेन एक उत्कृष्ट शिक्षक थे जिन्होंने उन्हें अपने सभी कौशलों का सोच-समझकर उपयोग करना सिखाया।

फ्लोरिडा में, गिल ने बड़ी संख्या में चित्र बनाए, उनके मॉडलों में मायर्ना लॉय, अर्लीन डाहल, डोना रीड, बारबरा हेल, किम नोवाक शामिल थे। 1950-1960 के दशक में, हर महत्वाकांक्षी मॉडल या अभिनेत्री चाहती थी कि एल्वग्रेन उसकी शक्ल में एक लड़की का चित्र बनाएं, जिसे बाद में कैलेंडर और पोस्टरों पर मुद्रित किया जाएगा।

एल्वग्रेन हमेशा अपनी पेंटिंग के लिए नए विचारों की तलाश में रहते थे। हालाँकि उनके कई कलाकार मित्रों ने इसमें उनकी मदद की, लेकिन उन्हें अपने परिवार पर सबसे अधिक भरोसा था: उन्होंने अपनी पत्नी और बच्चों के साथ अपने विचारों पर चर्चा की।

एल्वग्रेन ने उन कलाकारों के समूह में काम किया जिन्हें उन्होंने सिखाया या, इसके विपरीत, जिनसे उन्होंने अध्ययन किया; उसके मित्र कौन थे जिनके साथ उसकी बहुत समानता थी। इनमें हैरी एंडरसन, जॉयस बैलेंटाइन, अल बुएल, मैट क्लार्क, अर्ल ग्रॉस, एड हेनरी, चार्ल्स किंगहैम और अन्य शामिल थे।

गिल एल्वग्रेन रहते थे पूर्णतः जीवन. एक उत्साही बाहरी व्यक्ति के रूप में, उन्हें मछली पकड़ना और शिकार करना पसंद था। वह पूल में घंटों बिता सकते थे, रेसिंग कारों के शौकीन थे, और प्राचीन हथियार इकट्ठा करने के अपने बच्चों के जुनून को भी साझा करते थे।

इन वर्षों में, एल्वग्रेन के स्टूडियो में कई सहायक थे, जिनमें से अधिकांश बाद में बन गए सफल कलाकार. जब एल्वग्रेन को कंपनियों से सहयोग लेने से इंकार करने के लिए मजबूर होना पड़ा विशाल राशिकाम के लिए, कला निर्देशक एक वर्ष या उससे भी अधिक प्रतीक्षा करने के लिए सहमत हुए, बशर्ते कि गिल उनके लिए काम करें।

लेकिन गिल की सारी सफलता 1966 में उनके परिवार पर आई एक भयानक त्रासदी के कारण धूमिल हो गई: गिल की पत्नी जेनेट की कैंसर से मृत्यु हो गई। इसके बाद वह और भी अधिक काम में लग गये। उनकी लोकप्रियता अपरिवर्तित रहती है, उन्हें अपने काम के परिणाम के अलावा किसी और चीज की चिंता नहीं होती है। वह था सर्वोत्तम अवधिएल्वग्रेन का करियर, यदि उनकी पत्नी की मृत्यु नहीं होती।

स्त्री सौंदर्य को अभिव्यक्त करने की एल्वग्रेन की क्षमता अद्वितीय थी। पेंटिंग करते समय, वह आमतौर पर पहियों वाली कुर्सी पर बैठते थे ताकि वह आसानी से घूम सकें और विभिन्न कोणों से ड्राइंग को देख सकें, और उनके पीछे एक बड़ा दर्पण उन्हें पूरी पेंटिंग का अवलोकन करने की अनुमति देता था। उनके काम में मुख्य चीज़ लड़कियाँ थीं: उन्हें 15-20 साल की मॉडल पसंद थीं जो अभी अपना करियर शुरू कर रही थीं, क्योंकि उनमें सहजता थी जो अनुभव के साथ गायब हो जाती है। जब उनसे उनकी तकनीक के बारे में पूछा गया, तो उन्होंने कहा कि वह अपने स्वयं के स्पर्श जोड़ते हैं: पैरों को लंबा करना, छाती को बड़ा करना, कमर को संकीर्ण करना, होंठों को भरा हुआ बनाना, आंखों को अधिक अभिव्यंजक बनाना, नाक को झुकाना, जिससे मॉडल अधिक आकर्षक बन जाता है। एल्वग्रेन ने शुरू से अंत तक हमेशा अपने विचारों पर सावधानीपूर्वक काम किया: उन्होंने मॉडल, प्रॉप्स, प्रकाश व्यवस्था, रचना का चयन किया, यहां तक ​​कि हेयर स्टाइल भी बहुत महत्वपूर्ण था। सब कुछ के बाद, उन्होंने उस दृश्य की तस्वीरें खींचीं और पेंटिंग करना शुरू कर दिया।

गिल के कार्यों की एक विशिष्ट विशेषता यह थी कि, चित्रों को देखकर ऐसा लगता था कि उनमें लड़कियाँ जीवित होने वाली थीं, नमस्ते कहती थीं या एक कप कॉफी पीने की पेशकश करती थीं। वे प्यारे और उत्साह से भरे हुए लग रहे थे। हमेशा आकर्षक, दोस्ताना मुस्कान से लैस, युद्ध के दौरान भी उन्होंने सैनिकों को अपनी लड़कियों के घर लौटने की शक्ति और आशा दी।

कई कलाकारों ने एल्वग्रेन की तरह पेंटिंग करने का सपना देखा, सभी ने उनकी प्रतिभा और सफलता की प्रशंसा की;

हर साल उन्होंने अधिक सहजता और व्यावसायिकता के साथ पेंटिंग बनाई प्रारंभिक पेंटिंगबाद वाले की तुलना में अधिक "कठिन" लगते हैं। वह अपने क्षेत्र में उत्कृष्टता के शिखर पर पहुंच गया है।

29 फरवरी, 1980 को, गिल एल्वग्रेन, एक व्यक्ति जिसने अपनी रचनात्मकता से लोगों को खुशी देने के लिए खुद को समर्पित कर दिया, 65 वर्ष की आयु में कैंसर से मृत्यु हो गई। उनके बेटे ड्रेक को अपने पिता के स्टूडियो में ब्राउन और बिगेलो की आखिरी अधूरी, लेकिन फिर भी शानदार पेंटिंग मिली। एल्वग्रेन की मृत्यु को तीन दशक बीत चुके हैं, लेकिन उनकी कला अभी भी जीवित है। बिना किसी संदेह के, एल्वग्रेन को इतिहास में एक ऐसे कलाकार के रूप में जाना जाएगा जिसने महान योगदान दिया अमेरिकी कलाबीसवीं सदी।

चित्रकला की शैलियाँ प्रकट हुईं, लोकप्रियता हासिल की, फीकी पड़ गईं, नई शैलियाँ उभरीं और मौजूदा शैलियों के भीतर उपप्रकारों को प्रतिष्ठित किया जाने लगा। यह प्रक्रिया तब तक नहीं रुकेगी जब तक कोई व्यक्ति मौजूद है और अपने आसपास की दुनिया पर कब्जा करने की कोशिश करता है, चाहे वह प्रकृति हो, इमारतें हों या अन्य लोग हों।

पहले (19वीं शताब्दी तक), चित्रकला शैलियों का तथाकथित "उच्च" शैलियों (फ़्रेंच भव्य शैली) और "निम्न" शैलियों (फ़्रेंच पेटिट शैली) में विभाजन था। यह विभाजन 17वीं शताब्दी में उत्पन्न हुआ। और यह इस पर आधारित था कि किस विषय और कथानक को दर्शाया गया था। इस संबंध में, उच्च शैलियों में शामिल हैं: युद्ध, रूपक, धार्मिक और पौराणिक, और निम्न शैलियों में चित्र, परिदृश्य, स्थिर जीवन, पशुवाद शामिल हैं।

शैलियों में विभाजन काफी मनमाना है, क्योंकि एक पेंटिंग में एक ही समय में दो या दो से अधिक शैलियों के तत्व मौजूद हो सकते हैं।

पशुवत, या पशुवत शैली

पशुवाद, या पशुवत शैली (लैटिन पशु से - जानवर) एक ऐसी शैली है जिसमें मुख्य रूप एक जानवर की छवि है। हम कह सकते हैं कि यह सबसे प्राचीन शैलियों में से एक है, क्योंकि... आदिम लोगों के जीवन में पक्षियों और जानवरों के चित्र और आकृतियाँ मौजूद थीं। उदाहरण के लिए, एक विस्तृत पर प्रसिद्ध पेंटिंगआई.आई. शिश्किन "सुबह में पाइन के वन“प्रकृति को स्वयं कलाकार द्वारा चित्रित किया गया है, और भालू को एक पूरी तरह से अलग कलाकार द्वारा चित्रित किया गया है, जो जानवरों को चित्रित करने में माहिर है।

आई.आई. शिश्किन "एक देवदार के जंगल में सुबह"

किसी उप-प्रजाति को कैसे अलग किया जा सकता है? हिप्पिक शैली(ग्रीक हिप्पो से - घोड़ा) - एक शैली जिसमें चित्र का केंद्र एक घोड़े की छवि है।

नहीं। सेवरचकोव "अस्थिर में घोड़ा"

चित्र

पोर्ट्रेट (फ़्रांसीसी शब्द पोर्ट्रेट से) एक चित्र है जिसमें केंद्रीय छवि किसी व्यक्ति या लोगों के समूह की होती है। एक चित्र न केवल बाहरी समानता दर्शाता है, बल्कि आंतरिक दुनिया को भी दर्शाता है और उस व्यक्ति के प्रति कलाकार की भावनाओं को व्यक्त करता है जिसका वह चित्र बना रहा है।

अर्थात। निकोलस द्वितीय का रेपिन पोर्ट्रेट

चित्र शैली को विभाजित किया गया है व्यक्ति(एक व्यक्ति की छवि), समूह(कई लोगों की छवि), छवि की प्रकृति से - सामने के दरवाज़े तकजब किसी व्यक्ति को चित्रित किया जाता है पूर्ण उँचाईएक प्रमुख वास्तुशिल्प या परिदृश्य पृष्ठभूमि के खिलाफ और कक्ष, जब किसी व्यक्ति को तटस्थ पृष्ठभूमि में छाती या कमर तक गहरा चित्रित किया जाता है। चित्रों का एक समूह, कुछ विशेषताओं से एकजुट होकर, एक समूह या पोर्ट्रेट गैलरी बनाता है। इसका एक उदाहरण शाही परिवार के सदस्यों के चित्र होंगे।

अलग से खड़ा है आत्म चित्र, जिसमें कलाकार स्वयं को चित्रित करता है।

के. ब्रायलोव स्व-चित्र

पोर्ट्रेट सबसे पुरानी शैलियों में से एक है - पहले पोर्ट्रेट (मूर्तिकला) प्राचीन मिस्र में पहले से ही मौजूद थे। इस तरह के चित्र ने पंथ के हिस्से के रूप में काम किया पुनर्जन्मऔर एक व्यक्ति का "डबल" था।

प्राकृतिक दृश्य

लैंडस्केप (फ्रांसीसी भुगतान से - देश, क्षेत्र) एक शैली है जिसमें केंद्रीय छवि प्रकृति की छवि है - नदियाँ, जंगल, खेत, समुद्र, पहाड़। एक परिदृश्य में, मुख्य बिंदु, निश्चित रूप से, कथानक है, लेकिन आसपास की प्रकृति की गतिविधि और जीवन को व्यक्त करना भी कम महत्वपूर्ण नहीं है। एक ओर, प्रकृति सुंदर है और प्रशंसा जगाती है, लेकिन दूसरी ओर, इसे किसी चित्र में प्रतिबिंबित करना काफी कठिन है।

सी. मोनेट "अर्जेंटीना में पोपियों का क्षेत्र"

भूदृश्य की एक उप-प्रजाति है सीस्केप, या मरीना(फ्रांसीसी मरीना से, इतालवी मरीना, लैटिन मैरिनस से - समुद्र) - एक नौसैनिक युद्ध, समुद्र या समुद्र में होने वाली अन्य घटनाओं की एक छवि। समुद्री चित्रकारों के एक प्रमुख प्रतिनिधि के.ए. हैं। ऐवाज़ोव्स्की। उल्लेखनीय है कि कलाकार ने इस पेंटिंग के कई विवरण अपनी स्मृति से लिखे हैं।

आई.आई. ऐवाज़ोव्स्की "द नाइंथ वेव"

हालाँकि, कलाकार अक्सर जीवन से समुद्र को चित्रित करने का प्रयास करते हैं, उदाहरण के लिए, डब्ल्यू टर्नर अपनी पेंटिंग "ब्लिज़ार्ड" के लिए। बंदरगाह के प्रवेश द्वार पर स्टीमर उथले पानी में जाने के बाद संकट का संकेत देता है, ”तूफान में चल रहे जहाज के कप्तान के पुल से बंधे 4 घंटे बिताए।

डब्ल्यू टर्नर “बर्फ़ीला तूफ़ान। बंदरगाह के प्रवेश द्वार पर एक स्टीमर उथले पानी में जाने के बाद संकट का संकेत देता है।"

जल तत्व को नदी परिदृश्य में भी दर्शाया गया है।

अलग से आवंटित करें cityscape, जिसमें छवि का मुख्य विषय शहर की सड़कें और इमारतें हैं। एक प्रकार का शहरी परिदृश्य है वेदुता- पैनोरमा के रूप में शहर के परिदृश्य की एक छवि, जहां पैमाने और अनुपात निश्चित रूप से बनाए रखा जाता है।

ए कैनालेटो "पियाज़ा सैन मार्को"

भूदृश्य के अन्य प्रकार भी हैं - ग्रामीण, औद्योगिक और वास्तुशिल्प. वास्तुशिल्प चित्रकला में, मुख्य विषय वास्तुशिल्प परिदृश्य की छवि है, अर्थात। इमारतें, संरचनाएं; आंतरिक सज्जा (परिसर की आंतरिक सजावट) की छवियां शामिल हैं। कभी-कभी आंतरिक भाग(फ्रांसीसी इंटीरियर से - आंतरिक) एक अलग शैली के रूप में प्रतिष्ठित है। स्थापत्य चित्रकला में एक और शैली प्रतिष्ठित है - कैप्रिसियो(इतालवी कैप्रिसियो, व्हिम, व्हिम से) - वास्तुशिल्प फंतासी परिदृश्य।

स्थिर वस्तु चित्रण

स्थिर जीवन (फ्रांसीसी नेचर मोर्टे से - मृत प्रकृति) एक शैली है जो निर्जीव वस्तुओं के चित्रण के लिए समर्पित है जिन्हें रखा जाता है सामान्य परिस्थितिऔर एक समूह बनाएं. स्थिर जीवन 15-16वीं शताब्दी में प्रकट हुआ, लेकिन एक अलग शैली के रूप में यह 17वीं शताब्दी में उभरा।

इस तथ्य के बावजूद कि शब्द "अभी भी जीवन" का अनुवाद मृत प्रकृति के रूप में किया जाता है, चित्रों में फूलों के गुलदस्ते, फल, मछली, खेल, व्यंजन हैं - सब कुछ "जीवित जैसा" दिखता है, अर्थात। असली चीज़ की तरह. इसके प्रकट होने के क्षण से लेकर आज तक, स्थिर जीवन बना हुआ है महत्वपूर्ण विधापेंटिंग में.

के. मोनेट "फूलों के साथ फूलदान"

एक अलग उप-प्रजाति के रूप में हम भेद कर सकते हैं Vanitas(लैटिन वैनिटास से - वैनिटी, वैनिटी) पेंटिंग की एक शैली है जिसमें चित्र में केंद्रीय स्थान पर एक मानव खोपड़ी का कब्जा है, जिसकी छवि का उद्देश्य मानव जीवन की घमंड और कमजोरी की याद दिलाना है।

एफ. डी शैंपेन की पेंटिंग ट्यूलिप, खोपड़ी, घंटे के चश्मे की छवियों के माध्यम से अस्तित्व की कमजोरी के तीन प्रतीकों - जीवन, मृत्यु, समय को प्रस्तुत करती है।

ऐतिहासिक शैली

ऐतिहासिक शैली - एक शैली जिसमें चित्र चित्रित होते हैं महत्वपूर्ण घटनाएँऔर अतीत या वर्तमान की सामाजिक रूप से महत्वपूर्ण घटनाएं। यह उल्लेखनीय है कि चित्र न केवल वास्तविक घटनाओं के लिए, बल्कि पौराणिक कथाओं की घटनाओं के लिए भी समर्पित हो सकता है या, उदाहरण के लिए, बाइबिल में वर्णित है। यह शैलीइतिहास के लिए इतिहास के लिए बहुत महत्वपूर्ण है व्यक्तिगत लोगदोनों राज्य और समग्र मानवता। पेंटिंग्स में ऐतिहासिक शैलीयह अन्य प्रकार की शैलियों - चित्र, परिदृश्य, युद्ध शैली से अविभाज्य हो सकता है।

अर्थात। रेपिन “कोसैक एक पत्र लिखते हैं तुर्की सुल्तान को» के. ब्रायलोव "पोम्पेई का अंतिम दिन"

युद्ध शैली

युद्ध शैली (फ्रांसीसी बटैले से - युद्ध) एक ऐसी शैली है जिसमें पेंटिंग युद्ध की परिणति, सैन्य अभियान, जीत का एक क्षण, सैन्य जीवन के दृश्य दर्शाती हैं। बैटल पेंटिंग की विशेषता चित्र में मौजूद छवि है बड़ी मात्रालोगों की।

ए.ए. डेनेका "सेवस्तोपोल की रक्षा"

धार्मिक शैली

धार्मिक विधा एक ऐसी विधा है जिसमें प्रमुख है कहानी की पंक्ति- बाइबिल (बाइबिल और सुसमाचार से दृश्य)। विषय धार्मिक और आइकन पेंटिंग से संबंधित है, उनके बीच का अंतर यह है कि धार्मिक सामग्री की पेंटिंग धार्मिक सेवाओं में भाग नहीं लेती हैं, और आइकन के लिए यह मुख्य उद्देश्य है। शास्त्रग्रीक से अनुवादित. का अर्थ है "प्रार्थना छवि"। यह शैली चित्रकला के सख्त ढांचे और कानूनों द्वारा सीमित थी, क्योंकि इसका उद्देश्य वास्तविकता को प्रतिबिंबित करना नहीं है, बल्कि ईश्वर के सिद्धांत के विचार को व्यक्त करना है, जिसमें कलाकार एक आदर्श की तलाश में हैं। रूस में, आइकन पेंटिंग 12वीं-16वीं शताब्दी में अपने चरम पर पहुंच गई। अधिकांश प्रसिद्ध नामआइकन चित्रकार - थियोफेन्स द ग्रीक (भित्तिचित्र), आंद्रेई रुबलेव, डायोनिसियस।

ए रुबलेव "ट्रिनिटी"

आइकन पेंटिंग से पोर्ट्रेट तक का संक्रमणकालीन चरण कैसा दिखता है? परसुना(लैटिन पर्सोना से विकृत - व्यक्ति, व्यक्ति)।

इवान द टेरिबल का पारसुन। लेखक अनजान है

रोजमर्रा की शैली

पेंटिंग्स रोजमर्रा की जिंदगी के दृश्यों को दर्शाती हैं। अक्सर कलाकार जीवन के उन पलों के बारे में लिखता है जिनका वह समकालीन होता है। इस शैली की विशिष्ट विशेषताएं चित्रों का यथार्थवाद और कथानक की सरलता हैं। चित्र रीति-रिवाज, परंपरा, व्यवस्था को प्रतिबिंबित कर सकता है रोजमर्रा की जिंदगीइस या उस लोगों का.

घरेलू पेंटिंग में आई. रेपिन की "बार्ज हेलर्स ऑन द वोल्गा", वी. पेरोव की "ट्रोइका", वी. पुकिरेव की "असमान विवाह" जैसी प्रसिद्ध पेंटिंग शामिल हैं।

I. रेपिन "वोल्गा पर बजरा हेलर्स"

महाकाव्य-पौराणिक शैली

महाकाव्य-पौराणिक शैली. मिथ शब्द ग्रीक भाषा से आया है। "मिथोस", जिसका अर्थ है परंपरा। चित्रों में किंवदंतियों, महाकाव्यों, परंपराओं की घटनाओं को दर्शाया गया है। प्राचीन यूनानी मिथक, प्राचीन किंवदंतियाँ, लोककथाओं के कथानक।

पी. वेरोनीज़ "अपोलो और मार्सियास"

रूपक शैली

रूपक शैली (ग्रीक एलेगोरिया से - रूपक)। चित्रों को इस तरह से चित्रित किया गया है जैसे कि उनके पास है छिपे अर्थ. आंखों के लिए अदृश्य विचार और अवधारणाएं (शक्ति, अच्छाई, बुराई, प्रेम), जानवरों, लोगों और अन्य जीवित प्राणियों की छवियों के माध्यम से ऐसी अंतर्निहित विशेषताओं के साथ प्रसारित होती हैं जिनका प्रतीकवाद लोगों के दिमाग में पहले से ही तय होता है और समझने में मदद करता है। सामान्य अर्थकाम करता है.

एल जिओर्डानो "प्यार और बुराई न्याय को निरस्त्र करते हैं"

देहाती (फ्रांसीसी देहाती से - देहाती, ग्रामीण)

चित्रकला की एक शैली जो सरल और शांतिपूर्ण ग्रामीण जीवन का महिमामंडन और काव्यीकरण करती है।

एफ. बाउचर "शरद ऋतु देहाती"

कैरिकेचर (इतालवी कैरिकेर से - बढ़ा-चढ़ाकर कहना)

एक शैली जिसमें, एक छवि बनाते समय, विशेषताओं, व्यवहार, कपड़ों आदि को बढ़ा-चढ़ाकर और तीखा करके जानबूझकर हास्य प्रभाव का उपयोग किया जाता है। इसके विपरीत, कैरिकेचर का उद्देश्य अपमानित करना है, उदाहरण के लिए, कैरिकेचर (फ्रांसीसी आरोप से) जिसका मकसद सिर्फ मजाक उड़ाना है. लोकप्रिय प्रिंट और विचित्र जैसी अवधारणाएं "कैरिकेचर" शब्द से निकटता से संबंधित हैं।

नग्न (फ्रांसीसी नु से - नग्न, नंगा)

जिस शैली में चित्रों में नग्न मानव शरीर का चित्रण किया जाता है वह प्रायः महिला शैली की होती है।

टिटियन वेसेलियो "उरबिनो का शुक्र"

झूठा, या ट्रॉमपे ल'ओइल (फ्रेंच से। दृष्टि भ्रम का आभास देने वली कला तकनीक -ऑप्टिकल भ्रम)

शैली, चरित्र लक्षणजो विशेष तकनीकें हैं जो एक ऑप्टिकल भ्रम पैदा करती हैं और आपको वास्तविकता और छवि के बीच की रेखा को मिटाने की अनुमति देती हैं, अर्थात। यह भ्रामक धारणा कि कोई वस्तु त्रि-आयामी है जब वह द्वि-आयामी होती है। कभी-कभी ब्लेंड को स्थिर जीवन के उपप्रकार के रूप में प्रतिष्ठित किया जाता है, लेकिन कभी-कभी लोगों को इस शैली में भी चित्रित किया जाता है।

प्रति बोरेल डेल कैसो "आलोचना से भागना"

डिकॉय की धारणा को पूरा करने के लिए, उन्हें मूल रूप में मानने की सलाह दी जाती है, क्योंकि पुनरुत्पादन कलाकार द्वारा दर्शाए गए प्रभाव को पूरी तरह व्यक्त करने में असमर्थ है।

जैकोपो डी बारबेरी "द पार्ट्रिज एंड द आयरन ग्लव्स"

विषयगत चित्र

चित्रकला की पारंपरिक शैलियों (घरेलू, ऐतिहासिक, युद्ध, परिदृश्य, आदि) का मिश्रण। दूसरे प्रकार से इस शैली को चित्र रचना कहा जाता है, इसकी चारित्रिक विशेषताएं हैं: मुख्य भूमिकाएक व्यक्ति खेलता है, कार्रवाई की उपस्थिति और एक सामाजिक रूप से महत्वपूर्ण विचार, रिश्ते (रुचियों/पात्रों का टकराव) और मनोवैज्ञानिक लहजे आवश्यक रूप से दिखाए जाते हैं।

वी. सुरिकोव "बॉयरीना मोरोज़ोवा"

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यह कलाकार जिसने टावर्सकोय से स्नातक किया है कला स्कूल 1994 में, ग्राफिक डिज़ाइन में स्नातक, अपनी असाधारण शैली और सुंदर रचनाओं से कल्पना को आश्चर्यचकित कर दिया।

वह रेट्रो स्पर्श के साथ वास्तव में अद्वितीय चित्रों के निर्माता हैं। वाल्डेमर कज़ाक हास्य की भावना वाले एक कलाकार हैं, उनके पास रोजमर्रा की जिंदगी के बारे में एक विशेष दृष्टिकोण है, वह जानते हैं कि रोजमर्रा की जिंदगी में कैसे हंसना है, और अक्सर बच्चों की परियों की कहानियों, राजनेताओं और आधुनिक युवाओं की परियों की कहानियों का मजाक उड़ाते हैं।

एक आधुनिक चित्रकार काम करता है रोजमर्रा की शैलीएक कैरिकेचर ट्विस्ट के साथ. कज़ाक की कृतियों के पात्रों पर ध्यान न देना और उन्हें याद रखना कठिन है। वे सभी बहुत रंगीन, अभिव्यंजक और उज्ज्वल हैं।

उनकी लुभावनी रचनाएँ युद्धोत्तर सौंदर्यशास्त्र की शैली से भरी हुई हैं, जो बीसवीं सदी के 50 के दशक में अपने आप में आई, रेट्रो चमक वस्तुतः हर चीज में प्रकट होती है: चित्र के विषय की पसंद से लेकर रंगों की पसंद तक;

वाल्डेमर कज़ाक स्वयं अपनी शैली के बारे में यही कहते हैं:

किसी भी व्यक्ति (या कलाकार) की तरह, मेरी अपनी लिखावट है। लेकिन मैं उसका पालन-पोषण नहीं करता क्योंकि मुझे व्यवहार में पड़ने का डर है। इसके अलावा, बाजार में उज्ज्वल व्यक्तिगत लेखन की मांग है। जी हां, दरअसल यह बात तो हर कोई पहले से ही जानता है।

वाल्डेमर कज़ाक की रेट्रो शैली में आश्चर्यजनक रूप से उज्ज्वल, रोमांचक, आकर्षक कला चित्र किसी को भी उदासीन नहीं छोड़ेंगे!