Ivan Sergeevich Aksakov (1823 - 1886) - publicista, poeta y figura pública rusa, uno de los líderes del movimiento eslavófilo.
El retrato fue pintado por Repin por orden de P. M. Tretyakov en el pueblo de Varvarino, distrito de Yuryevsky, provincia de Vladimir, donde I. S. Aksakov estaba exiliado después de pronunciar su famoso discurso en el Congreso de Berlín el 22 de junio de 1878 ante el Comité Eslavo. El hecho es que en el Congreso de Berlín Rusia hizo una serie de concesiones a Occidente, se revisó el Tratado de San Stefano tras la guerra ruso-turca y se redujo el territorio de Bulgaria a favor de los turcos. Esta posición del gobierno ruso provocó la indignación pública en Rusia. Aksakov habló en una reunión del comité eslavo criticando airadamente las decisiones del Congreso de Berlín y la posición adoptada por la delegación del gobierno ruso en el mismo. "Es una pena", dijo, "la propia Rusia vencedora se degradó voluntariamente a la categoría de derrotada", y el propio congreso, dijo en su discurso, "no es más que una conspiración abierta contra el pueblo ruso, contra la libertad de los búlgaros, la independencia de los serbios”. Aksakov fue exiliado a la aldea y el Comité Eslavo fue cerrado por decisión del zar.

Vasily Ivanovich Surikov (1848 - marzo de 1916): pintor ruso, maestro de la pintura histórica a gran escala, académico y miembro de pleno derecho de la Academia Imperial de las Artes. Olga, la hija de Surikov, estaba casada con el artista Pyotr Konchalovsky. Su nieta Natalya Konchalovskaya era escritora. Sus hijos son bisnietos de Vasily Surikov: Nikita Mikhalkov y Andrei Konchalovsky.

Nikolai Vladimirovich Remizov (1887 - 1975) (seudónimo Re-Mi, nombre real Remizov-Vasiliev) - pintor y artista gráfico ruso, artista de teatro, uno de los principales empleados de la revista Satyricon, artista de teatro y cine. En 1917, ilustró el cuento de hadas "Cocodrilo" de Chukovsky, en el que representó por primera vez al autor como un personaje de la obra.
Repin notó desde el principio las habilidades del caricaturista novato: “Nunca había visto tanta diversidad, flexibilidad y especificidad en los tipos en el campo de la caricatura rusa.<…>...estos dibujos animados suelen ser sorprendentes en su arte; y a veces incluso deja una profunda impresión con sus ideas: Re-mi<…>Y otros autores son jóvenes con mucho talento”.
El artista se inspiró en la idea de pintar un retrato del joven Remi de una manera nueva para él: “a partir de ahora”, le escribió a Chukovsky, “... tengo la intención de adoptar un método diferente: pintar solo uno sesión - como sale, eso es todo; por lo demás, cada uno está de diferente humor: la frescura tanto del cuadro como de la primera impresión del rostro se retrasan y se pierden. Entonces, si tienes la suerte de escribir con Korolenko, una sesión, también con Re-mi”. Y aunque este retrato no fue realizado en una sola sesión, sí fue “interpretado con la máxima libertad y habilidad”.

Alexander Fedorovich Kerensky (1881 - 1970) - político y estadista ruso; ministro y luego ministro presidente del Gobierno Provisional (1917). Después de la Revolución de Octubre abandonó Rusia.
Kerensky posó para Repin y su alumno I.I. Brodsky en el Palacio de Invierno, en la antigua biblioteca de Nicolás II, que le servía de oficina, Repin realizó un boceto, a partir del cual luego pintó dos retratos de Kerensky. En 1926 donó un retrato al Museo de la Revolución de Moscú a través de una delegación de artistas soviéticos que lo visitaron en Penates.

Akseli Valdemar Gallen-Kallela (1865 - 1931) fue un artista finlandés de origen sueco, más conocido por sus ilustraciones del Kalevala. Destacado representante de la “edad de oro” del arte finlandés de 1880 a 1910. .
En 1920, Repin fue elegido miembro honorario de la Sociedad Finlandesa de Artistas. Al mismo tiempo, Repin quería pintar un retrato de Gallen-Kallela, viendo por alguna razón su parecido con el cosaco. Este retrato fue pintado en una sola sesión y ahora se encuentra en el Museo Ateneo.

Continuará...

A la izquierda, M. Gorky y M. Andreeva posando para Repin. Finlandia, 1905. A la derecha está I. Repin. Retrato de M. F. Andreeva, 1905

Ilya Repin fue uno de los más grandes retratistas del arte mundial. Creó toda una galería de retratos de sus destacados contemporáneos, gracias a los cuales podemos sacar conclusiones no solo sobre cómo eran, sino también sobre qué tipo de personas eran; después de todo, Repin es considerado con razón un psicólogo sutil que capturó no solo los rasgos externos de quienes posan, pero también los rasgos dominantes de sus personajes. Al mismo tiempo, trató de distraerse de su propia actitud hacia la pose y captar la esencia interna y profunda de la personalidad. Es interesante comparar fotografías de famosos contemporáneos del artista con sus retratos.

Actriz María Fedorovna Andreeva | Foto

Maria Andreeva no solo fue una de las actrices más famosas de principios del siglo XX, sino también una de las mujeres más bellas y cautivadoras, entre las llamadas fatales. Era una revolucionaria apasionada y la esposa de hecho de Maxim Gorky; Lenin la llamó "fenómeno de camarada". Dijeron que estuvo involucrada en la muerte del industrial y filántropo Savva Morozov. Sin embargo, Repin logró resistir los encantos de la actriz; después de todo, ella era la esposa de su amigo. Ambos eran invitados frecuentes en su finca y posaban para los retratos del artista.


M. Gorky y M. Andreeva posan para Repin. Finlandia, 1905 | Foto

El escritor Kuprin fue testigo de la creación de este retrato y cuando el artista le pidió su opinión, dudó: “La pregunta me tomó por sorpresa. El retrato no tuvo éxito, no se parece a María Fedorovna. Este gran sombrero proyecta una sombra en su rostro, y luego él (Repin) le dio a su rostro una expresión tan repulsiva que parece desagradable”. Sin embargo, muchos contemporáneos vieron a Andreeva exactamente así.


I. Repin. Retrato del compositor M. P. Mussorgsky, 1881. M. P. Mussorgsky, foto

Ilya Repin era un admirador de la obra del compositor Modest Mussorgsky y era su amigo. Conocía la adicción al alcohol del compositor y las consecuencias que ello conllevaba para su salud. Cuando el artista se enteró de que Mussorgsky estaba hospitalizado en estado grave, le escribió al crítico Stasov: “Nuevamente leí en el periódico que Mussorgsky está muy enfermo. Qué lástima para esta fuerza brillante, que se deshizo físicamente de manera tan estúpida”. Repin fue al hospital con Mussorgsky y en 4 días creó un retrato que se convirtió en una verdadera obra maestra. Diez días después de esto, el compositor murió.


I. Repin. Retrato de León Tolstoi, 1887 y fotografía del escritor.

La amistad entre Repin y León Tolstoi duró 30 años, hasta la muerte del escritor. Aunque sus puntos de vista sobre la vida y el arte a menudo diferían, se trataban mutuamente con mucha calidez. El artista pintó varios retratos de los miembros de la familia de Tolstoi y creó ilustraciones para sus obras. Repin describió la fuerza de voluntad, la sabiduría, la bondad y la tranquila grandeza del escritor, la forma en que lo veía. La hija mayor de Tolstoi, Tatyana Sukhotina, que también se convirtió en modelo del artista, también visitó la casa del artista.


Tatyana Sukhotina, la hija de Tolstoi, en la fotografía y retrato de Repin

Un día, la madre del aspirante a artista Valentin Serov se acercó a Repin y le pidió ver el trabajo de su hijo. En esta poderosa mujer, Repin vio los rasgos de la inflexible y orgullosa princesa Sofía Alekseevna. Durante mucho tiempo había estado fascinado por el tema histórico y quería pintar a la princesa Sofía en prisión, pero no pudo encontrar un modelo y luego ella misma lo encontró.


Valentina Serova, madre del artista, foto. A la derecha está I. Repin. Princesa Sofía en el convento Novodevichy, 1879

Valentina Serova en la foto y retrato de Repin.

Repin tardó mucho en convencer a su amigo Pavel Tretyakov de que se posara para su retrato: el dueño de la galería era una persona muy reservada y reservada, le gustaba permanecer en las sombras y no quería ser conocido de vista. Perdido entre la multitud de visitantes a sus exposiciones, pudo, sin ser reconocido, escuchar sus sinceros comentarios. Repin, por el contrario, creía que todo el mundo debería conocer a Tretyakov como una de las figuras culturales más destacadas de la época. El artista representó al galerista en su pose habitual, absorto en sus pensamientos. Las manos cerradas indican su habitual aislamiento y desapego. Los contemporáneos dijeron que en vida Tretyakov era tan modesto y extremadamente comedido como lo retrató Repin.


I. Repin. Retrato de P. M. Tretyakov, 1883, y fotografía del galerista.

Todos los que conocieron personalmente al escritor A.F. Pisemsky argumentaron que Repin logró capturar con mucha precisión los rasgos definitorios de su personaje. Se sabe que se mostró bastante cáustico y sarcástico con su interlocutor. Pero el artista también captó otros detalles importantes, sabía que el escritor estaba enfermo y destrozado por las trágicas circunstancias de su vida (un hijo se suicidó, el segundo tenía una enfermedad terminal), y logró captar huellas de dolor y melancolía en el la mirada del escritor.


I. Repin. Retrato de A. F. Pisemsky, 1880 y fotografía del escritor.

Repin pintó retratos de sus seres queridos con especial calidez. El retrato de su hija Vera en el cuadro “Ramo de otoño” está imbuido de genuina ternura.


I. Repin. Ramo de otoño. Retrato de Vera Ilyinichna Repina, 1892, y fotografía de la hija del artista.

Publicado: 14 de junio de 2007

Artista Ilya Efimovich Repin , camino creativo

La parte superior pintura de género ruso segunda mitad del siglo XIX es obra de I. E. Repin (1844-1930). Al mismo tiempo, el gran artista no sólo fue un pintor de género, sino que trabajó con igual brillantez en el campo del retrato y la pintura histórica. Sus contemporáneos quedaron asombrados por sus asombrosas habilidades pictóricas.

Repin nació en 1844 en Chuguev en la familia de un colono militar. Cuando era niño, tuvo que experimentar la pobreza y el trabajo de parto temprano. Durante diecisiete años ya había trabajado en artels de pintura de iconos. Un deseo apasionado de convertirse en artista llevó a Repin a San Petersburgo y su enorme talento le abrió las puertas de la Academia de las Artes. Era enero de 1864 y Repin tenía veinte años.

En la Academia I. E. Repin aprendió el “ABC” del arte, pero siempre consideró a Kramskoy su principal maestro. Fue en conversaciones con Kramskoy, en debates y lecturas en los "jueves" de Artel que tomó forma la visión del mundo de Repin. Y muchos años después escribió: “Soy un hombre de los años 60... los ideales de Gogol, Belinsky, Turgenev, Tolstoi aún no han muerto para mí... la vida que me rodea me preocupa demasiado, no me da descansa, él mismo pide ser pintado sobre lienzo; La realidad es demasiado escandalosa para bordar patrones con la conciencia tranquila; dejémoslo en manos de señoritas bien educadas”.

Durante los largos años de su vida, Repin se mantuvo fiel a los ideales democráticos de su juventud y fiel al arte del realismo crítico.

La primera obra que le dio fama a Repin en los círculos artísticos fue un cuadro pintado antes de graduarse de la Academia para el concurso por una gran medalla de oro. Se llamó "La resurrección de la hija de Jairo" (1871). Esta historia tradicional del evangelio le fue sugerida a Repin por profesores. El lado religioso e incluso místico de la trama, la resurrección de una niña muerta por Cristo, naturalmente no pudo cautivar a un realista tan sobrio como Repin.

La imagen no salió bien... Y poco antes del concurso, como dijo el propio artista, recordó su infancia, su querida hermana que murió... Su imaginación comenzó a funcionar. El cuadro se pintó rápidamente y con entusiasmo. Asombra por su psicologismo, realidad e incluso ilusoria. La mitad izquierda del lienzo es especialmente exitosa: en los reflejos amarillentos de las velas se ve el lecho de la difunta, se ve su rostro pálido y mortal y junto a ella la figura de Cristo, iluminada por los rayos de la luz del día que irrumpen en el Crepúsculo de la habitación. En la imagen de Cristo, en su noble moderación, sin duda había ecos de las impresiones que Repin recibió del cuadro de A. A. Ivanov "La aparición de Cristo al pueblo".

Detrás "Resurrección de la hija de Jairo" Repin recibió una gran medalla de oro y, con ella, el derecho a viajar al extranjero desde la Academia por un período de seis años.

Resurrección de la hija de Jairo. I. Repin. 1871

Sin embargo, Repin decidió posponer el viaje. Todos sus pensamientos se centraron en una nueva obra, que concibió mucho antes de su programa académico: Se trata de “Barge Haulers on the Volga” (1870-1873).

Por primera vez, Repin vio a los transportistas de barcazas en el Neva en un hermoso día de verano de 1868. Luego, sorprendido por este espectáculo, decidió pintar un cuadro que mostraba a los transportistas de barcazas exhaustos y harapientos y cerca de una elegante multitud de residentes de verano ociosos.

La idea está bastante en el espíritu de la pintura acusatoria de los años 60. Pero pronto Repin lo cambió. Abandonó la oposición directa y centró toda su atención únicamente en los transportistas de barcazas. Para recolectar material, el artista viajó dos veces al Volga. En sus álbumes aparecieron cientos de dibujos.

Se trataba de retratos de transportistas de barcazas, sus imágenes desde diferentes ángulos, vistas del Volga y simplemente bocetos de los residentes locales. En este momento, escribió muchos bocetos en pinturas al óleo, hizo varios bocetos y pasó mucho tiempo nutriendo cada imagen de la futura pintura. Después de varias reformas, en la primavera de 1873 se completó la obra.

El éxito de la película superó todas las expectativas. A partir de ella, como dijo el propio artista, su fama se extendió por toda la Gran Rusia. De hecho, “Barge Haulers on the Volga” es la mejor imagen de la pintura de género realista de los años 70, la encarnación de las ideas humanistas democráticas de esa época. En esta pintura de Repin, con más éxito que nadie, se expresa todo lo que buscaban sus contemporáneos: y el poderoso sonido "coral" del tema. y profundo psicologismo de cada imagen, y dominio compositivo y colorístico.

"Hace cuatro años", escribió Kramskoy, "Perov estaba por delante de todos, solo cuatro años más, y después de "Burlakov" de Repin es imposible... Se hizo evidente para todos que ya no era posible detenerse al menos por un tiempo. pequeña estación, permaneciendo con Perov a la cabeza".

Con enorme poder de persuasión, Repin mostró once transportistas de barcazas.

Lentamente, uno tras otro, parecen pasar ante el espectador... diferentes personas, diferentes destinos. Al frente, como era costumbre en los partidos de Burlatsky, los más fuertes. El primero que llama inmediatamente la atención es un transportista de barcazas con cara de sabio y mirada clara y amable. Su prototipo era Kanin, un sacerdote con ropas expulsadas, un hombre de destino difícil, que conservó su mansedumbre espiritual y su fortaleza incluso con el cinturón de Burlatsky. Su vecino de la izquierda es un héroe poderoso y amable, a la derecha (posó el marinero Ilka) hay un hombre amargado con una mirada pesada debajo de las cejas, junto a ellos, todavía lleno de fuerza, está el rostro demacrado de un exhausto. hombre que apenas puede mantenerse en pie. En el centro de todo el grupo se encuentra un jovencísimo transportista de barcazas que camina por primera vez sobre el cable de remolque. No está acostumbrado a la correa, intenta continuamente corregirla, pero no le ayuda mucho... Y su gesto con el que (¡otra vez!) corrige la correa, se percibe casi simbólicamente, según Stasov. . como “la protesta y oposición de la juventud poderosa contra la sumisión no correspondida de la gente madura, quebrantada por la costumbre y el tiempo...”. Al trabajar en esta imagen, Repin utilizó bocetos para los que posó un niño llamado Larka.

Todo el cuadro está impregnado de una protesta apasionada contra tal esclavitud del hombre. Sin embargo, junto con notas verdaderamente trágicas, en él suenan persistentemente otras. Los transportistas de barcazas de Repin no sólo son personas oprimidas, sino también personas tenaces y resistentes. Al igual que sus contemporáneos Savitsky y Myasoedov, Repin ve personajes persistentes e independientes en los trabajadores. Para aclarar aún más esta idea, Repin utilizó una técnica de composición única.

Eligió una línea de horizonte bastante baja, lo que hizo que las figuras de personas se elevaran como sobre un pedestal. Se destacan claramente como una mancha oscura sobre el fondo del cielo azul y las distancias de color amarillento-azulado. Parece que las siluetas de quienes caminan se funden en un solo grupo sólido. Todo esto le da al cuadro rasgos monumentales que corresponden a su estructura ideológica. Los contemporáneos quedaron asombrados por el color del cuadro; les pareció sorprendentemente soleado.

La aparición de "Barge Haulers" en la exposición provocó una acalorada controversia. Todo el campo progresista los erigió como bandera del arte democrático crítico. Stasov respondió con un artículo brillante y Dostoievski, profundamente sorprendido, saludó a Repin.

En la prensa reaccionaria aparecieron críticas negativas y el director de la Academia de las Artes, el rector F. A. Bruni, calificó la pintura como "la mayor profanación del arte". Este choque de opiniones reflejó la intensa lucha ideológica entre representantes de dos culturas, característica de la segunda mitad del siglo XIX.

Después de terminar con Burlakov en mayo de 1873, Repin ejerció su derecho a viajar al extranjero. A través de Viena viajó a Italia y de allí en otoño a París. El viaje fue de gran importancia para Repin. Vio muchas obras famosas de los grandes maestros del pasado y aprendió sobre el arte europeo moderno. Naturalmente, conoció el movimiento más innovador en la vida artística de Francia: el impresionismo y su característico culto a la pintura al aire libre.

Incluso en Rusia, Repin se dio cuenta de la necesidad de trabajar al aire libre y trató de hacerlo en el proceso de creación de Burlakov. Pero luego, al menos en la versión principal de la película, no tuvo mucho éxito.

En Francia, Repin ahora pintaba paisajes y personas al aire libre, aprendiendo a encontrar con precisión las relaciones de color de los objetos iluminados por el sol, que vivían en un único entorno de luz y aire.

Repin regresó a Rusia a principios de 1876 y ese mismo verano creó una de sus obras más poéticas, el pequeño y encantador cuadro “En un banco de césped”, un retrato grupal de la familia del artista. Pintura al aire libre, gratis.

lleno de una gracia peculiar, atestigua la habilidad profesional del joven artista, y en su estado de ánimo, lleno de tranquila alegría y tranquilidad, el cuadro probablemente reflejaba el estado de ánimo de su autor, que recientemente se había encontrado en su tierra natal después de varios años de separación.

En otoño del mismo año, Repin fue a Chuguev. Desde la brillante París, capital de San Petersburgo, hasta una lejana provincia remota... La elección resultó ser un gran éxito. Repin pareció sumergirse en el meollo de la vida de las personas. "Bodas, reuniones de volost, ferias, bazares: todo esto ahora es animado, interesante y lleno de vida", escribió Repin a Stasov. La abundancia de imágenes, tramas y nuevos temas literalmente abrumaron al artista. Trabajó duro y muy fructíferamente. En esencia, aquí, en Chuguev, finalmente tomó forma la dirección de su arte que se esbozó en "Barge Haulers" y dio motivos para considerar a Repin como un artista verdaderamente nacional y profundamente popular.

Desde finales de los años 70, la creatividad de Repin comenzó a florecer. En 1877 pintó dos excelentes retratos de sus compañeros campesinos (“El hombre del mal de ojo” y “El hombrecito tímido”). Ambos representan personas muy concretas, pero al mismo tiempo tienen el significado de imágenes colectivas típicas. Al mismo tiempo, Repin creó una brillante obra de pintura, "Protodiácono", un retrato del diácono Ivan Ulanov, un hombre poderoso, glotón y sensual. “¡Y el tipo es muy interesante!”, informó Repin a Kramskoy. “Este extracto de nuestros diáconos, estos leones del clero, que no dependen ni un ápice de nada espiritual, es todo carne y hueso, con los ojos saltones. , bostezando y rugiendo, un rugido sin sentido, pero solemne y fuerte, como el ritual mismo en la mayoría de los casos...” En Chuguev, Repin hizo varios bocetos de pinturas futuras, entre ellas "Procesión religiosa en la provincia de Kursk".

La pintura se completó en 1883 y se mostró en la XI exposición itinerante.

Su éxito fue excepcional, por supuesto, entre los espectadores con mentalidad democrática. Con la aparición de esta pintura, se hizo evidente que Repin había alcanzado una altura sin precedentes en él y en todo el arte ruso. Ni "Barge Haulers on the Volga" ni sus otras obras de este período se pueden comparar con "Procesión religiosa", que muestra de manera tan amplia, veraz y, lo más importante, artísticamente convincente el verdadero rostro de la Rusia posterior a la reforma, su desigualdad social, su injusticia, opresión y humillación moral de la gente común.

El tema que eligió el artista le dio la oportunidad de mostrar a personas de diferente situación económica. De hecho, en la solemne ceremonia de traslado del icono “milagroso” participaron muchas personas: clérigos, nobles, comerciantes, autoridades de la policía local, campesinos ricos, pobres de las aldeas, mendigos, etc.

En la imagen, la multitud se mueve desde las profundidades hacia el primer plano, pero en este único flujo se distinguen tres corrientes paralelas. No se mezclan entre sí. De ello se encargan los gendarmes, los policías y los ancianos, que, como mojones fronterizos, separan la parte central de la procesión, por donde camina el público “puro”, de las dos corrientes de derecha e izquierda que bordean los bordes de la calle. El camino. Por aquí caminan mendigos, vagabundos, peregrinos y otros pobres. Así, en una sola procesión se indica muy claramente la desigualdad social de las personas.

En la parte media de la procesión están representados hombres tranquilos y “domésticos”, clérigos con magníficas vestimentas y un coro. Pero el verdadero centro de esta procesión es la dama importante, a quien se le concede el honor de portar el icono “milagroso”. El rostro de la dama, apagado, enfurruñado, no expresa más que una estúpida arrogancia. Al mismo tiempo, corresponde plenamente al estado de ánimo de muchos participantes en la procesión.

Repin no permitió la más mínima exageración en su interpretación de los participantes en la procesión; la imagen de cada uno es absolutamente veraz y su comportamiento está psicológicamente justificado. "Por encima de todo está la verdad de la vida, siempre contiene una idea profunda", le escribió Repin a Tretyakov. Esta idea es revelada discretamente, sin tendenciosidad directa, por el artista cuando imperceptiblemente desvía la mirada del espectador del grupo central hacia la izquierda, hacia el costado de la carretera, donde uno de la multitud tímida y humilde, un jorobado, se apresuró hacia el “milagroso”. Y el espectador ve cómo el jefe bloquea resueltamente su camino. El rostro del jorobado es asombroso: nervioso, inteligente, testarudo y de alguna manera iluminado, como iluminado por una profunda luz interior. El jorobado juega un papel excepcional en la composición del cuadro. Repin lo puso en primer plano, como si lo contrastara con la mayor parte de los participantes en la procesión.

Y en cuanto a sus cualidades internas, es opuesto a los demás. Sincero, excitado, mentalmente puro y sensible, el jorobado evoca una simpatía natural y, sin duda, es portador de un principio positivo.

La imagen de este hombre es profunda y contradictoria y, en muchos sentidos, colectiva. Su fe ingenua y su integridad de la naturaleza eran muy características de la mayor parte de la oscura aldea patriarcal. Al mismo tiempo, ofendido e insultado en sus sentimientos, se lo percibe casi simbólicamente, como si reflejara la humillación a la que era sometido constantemente un hombre del pueblo.

Es bastante obvio que la impresión de verdad absoluta que surge al contemplar una imagen depende no sólo de las características de cada imagen, no sólo de la estructura compositiva, sino también de la solución colorística. La pintura de Repin convence con la sinceridad con la que pudo transmitir la variedad de colores de una multitud vestida de fiesta, el brillo de la decoración dorada del icono, el reflejo de las velas en una linterna a la luz del día y la modesta ropa de color gris pardusco. de la gente común. Al mismo tiempo, el artista logró encontrar las relaciones cromáticas adecuadas y combinar todos estos ricos colores en un solo conjunto. Repin, que domina plenamente las leyes de la pintura al aire libre, pudo transmitir la luz de un día soleado, ligeramente amortiguada por el polvo que se levanta a cientos de pies, el cielo azul pálido y la pendiente sin árboles quemada por el sol en la distancia.

Desde finales de los años 70, Repin también trabajó en pinturas dedicadas al movimiento revolucionario ("Bajo escolta", "No esperaban", "Arresto de un propagandista", "Rechazo de confesión", etc.).
“Rechazo de la confesión” (1879-1885) es una de las mejores obras de este ciclo.

El motivo inmediato de la creación de la imagen fue el poema "La última confesión" de N. M. Minsky (Vilenkin), publicado en la revista populista ilegal "Narodnaya Volya" en octubre de 1879. En este poema dramatizado, un revolucionario condenado a ejecución se niega a confiesa y lo arroja en la cara del sacerdote palabras enojadas y orgullosas: Crearé un púlpito desde el cadalso y un poderoso sermón en silencio ¡Por última vez lo diré ante la multitud! ¡No te enseñé cómo vivir, pero te mostraré cómo morir! Repin, como recuerda Stasov, quedó impactado por lo que leyó. El tema de los revolucionarios le atraía y deleitaba desde hacía mucho tiempo. Pero ahora se ha vuelto concreto. Sólo era necesario encontrar la forma artística adecuada, para dar a cada imagen una aguda intensidad psicológica. En los álbumes de Repin aparecieron bocetos de una composición de dos figuras del futuro cuadro, reemplazándose entre sí.

La trama de la película se revela claramente en su título. Sin embargo, su contenido es más profundo y trágico. La cuestión no es sólo que el prisionero se niegue a confesar, sino que en estas últimas horas de su vida conservó su fuerza espiritual y su apasionada convicción en la corrección del camino elegido. Su rostro, exhausto y sufriente, pero aún tenaz, su cabeza orgullosamente levantada, su postura independiente, todo habla de coraje y perseverancia.

Condenado a muerte, pero no quebrantado espiritualmente, el revolucionario es moralmente superior al sacerdote a quien las autoridades penitenciarias enviaron a la celda, superior a su complacencia y humildad filisteas.

Lo heroico en esta imagen es inseparable de lo trágico. Todo está impregnado de una sensación de desastre inminente. La combinación de tonos terrosos marrón oscuro, negro y gris verdoso parece siniestra.

Por esos mismos años, en el estudio de Repin había otro cuadro, también dedicado a los revolucionarios, los populistas, "No esperaban". La trama es menos trágica; la acción no se desarrolla en prisión. Se representa un acontecimiento alegre: el regreso de un exiliado a su familia. Al mismo tiempo, Repin reveló en esta alegría tanto sufrimiento mental que la precedió que la imagen se volvió profundamente dramática.

Repin mostró ese momento que dura segundos: el primer minuto del encuentro, cuando de repente entra en la habitación una persona a la que no esperaban y con la que casi no tenían esperanzas de encontrarse... Sorpresa. Los primeros atisbos de alegría aún incrédula. Pero al momento siguiente: abrazos, besos, lágrimas, preguntas... Fueron estos breves segundos que precedieron a la alegría general los que mostró Repin. Había que ser un psicólogo brillante para poder expresar un estado de transición tan complejo de la mente de las personas: los pasos inciertos y tímidos del retornado (aún no sabe cómo será recibido, si será perdonado por el sufrimiento que ha causado), el lento movimiento de la madre, levantándose para encontrarse con su hijo (ella estaba Siempre tuvo miedo de no vivir para ver este minuto, y ahora es como si tuviera miedo de creer en la felicidad). La esposa se volvió bruscamente hacia el exiliado (el sufrimiento y la alegría se reflejaban en su rostro); el estudiante de secundaria se acercó a su padre con ojos jubilosos; la niña, que no reconoció al recién llegado, se encogió de miedo. Y sólo la doncella, una desconocida, mira al desconocido con indiferencia.

En la película "No esperaban", la vida de un revolucionario se muestra como un drama familiar, como una tragedia de cientos de familias inteligentes asociadas con el movimiento de liberación. Este cuadro, sin duda, pertenece a las mejores obras de pintura de género de los años 80.

Tal como lo hizo una vez en Barge Haulers, también aquí Repin encarnó, con el mayor poder de expresividad artística, las búsquedas características de toda la pintura cotidiana de ese período. Se trata de un mayor interés por el mundo interior de una persona, por revelar los movimientos secretos de su alma, en comparación con épocas anteriores.

El cuadro atrae por su alta artesanía. Como un director talentoso, Repin crea una composición reflexiva y equilibrada y logra la impresión de espontaneidad: parece que la escena fue tomada directamente de la vida. Al mismo tiempo, cada detalle adquiere un profundo significado: el modesto mobiliario de la habitación y los retratos de Shevchenko y Nekrasov, poetas favoritos de los distintos intelectuales, colgados en la pared.
“We Didn’t Expect” es una obra maestra de la pintura al aire libre. La imagen está literalmente impregnada de luz y aire, el frescor de un día lluvioso de verano.

Una cualidad importante de la pintura de género de Repin es su historicismo único. Esto se aplica principalmente a todas las obras dedicadas al movimiento revolucionario, que en sí mismo ya es patrimonio de la historia. Pero otras obras de Repin, por ejemplo "La procesión en la provincia de Kursk", se acercan al cuadro histórico; muestran el papel y el lugar de la gente común en la vida social del país.

Repin también trabajó en el campo de la pintura histórica. A finales de los años 70, probablemente por analogía con los acontecimientos modernos, se sintió especialmente atraído por la tragedia de una personalidad fuerte, personas de carácter obstinado y voluntad indomable. Esta es la princesa Sofía en la película "La princesa Sofía Alekseevna, un año después de su encarcelamiento en el convento Novodevichy, durante la ejecución de los arqueros y la tortura de todos sus sirvientes en 1698". . Según Kramskoy, "Sofya da la impresión de una tigresa encerrada en una jaula de hierro, lo cual está totalmente en consonancia con la historia".

Repin creó su siguiente gran lienzo histórico a mediados de los años 80, cuando las ejecuciones del sombrío 1881 aún estaban frescas en su memoria.

“Los modernos, recién absorbidos por el hijo de la vida, ardieron en los cráteres que aún no se habían enfriado... Daba miedo acercarse porque no sería suficiente... Era natural buscar una salida de la dolorosa tragedia de la historia”, recordó Repin. Así surgió la idea de mostrar el crimen cometido por el zar Iván IV, quien mató a su propio hijo.

“Trabajé hechizado. Me sentí asustado durante unos minutos”, dijo Repin. El cuadro se pintó rápidamente. Al trabajar en la imagen de Iván el Terrible, Repin utilizó bocetos de retratos del compositor P. I. Blaramberg y del artista G. G. Myasoedov; El escritor V. M. Garshin y el artista V. K. Menk posaron para el príncipe.

En 1885, para la XIII exposición itinerante, la pintura se completó y se exhibió bajo el título "Iván el Terrible y su hijo Iván, 16 de noviembre de 1581".

Repin mostró a Grozny no en el mismo momento del asesinato, no en un arrebato de ira salvaje, sino horrorizado por lo que había hecho... Sintiendo que estaba perdiendo a su hijo, lo aprieta contra sí mismo, intenta pellizcar la herida. , para salvar... El rostro de Grozny está manchado de sangre - aterrador, en ojos enormes - locura.

El dolor feroz y los dolores de arrepentimiento le dan a la imagen de Iván el Terrible algún tipo de poder inquietante.

Ningún otro artista ha representado jamás una tragedia humana tan terrible.

El sufrimiento y el horror de Iván el Terrible, un padre que pierde lo más preciado: su hijo, es tan grande que él, asesino y déspota, aparece ante nosotros casi como una víctima, una víctima de su propia tiranía salvaje. Al condenar el despotismo, la crueldad y la inhumanidad de los asesinatos, se expresa la orientación humanista del cuadro.

Por analogía con los tiempos modernos, la imagen parecía especialmente relevante. Esto pronto se hizo sentir en los círculos oficiales. Pobedonostsev exigió que se prohibiera la pintura. Pronto fue retirado de la exposición.

En 1878, mucho antes de Iván el Terrible, Repin tuvo una idea para el cuadro "Cosacos", que cuenta cómo los cosacos compusieron alegremente un atrevido mensaje colectivo al sultán en respuesta a su oferta de rendirse y ponerse a su servicio. En el verano de 1880, Repin viajó por Ucrania, reunió el material de bocetos más valioso y, en el otoño, fascinado por los "cosacos", le escribió a Stasov: "Todavía no pude responderte, Vladimir Vasilyevich, y eso es todo". La culpa es de los “cosacos”... Hace dos semanas que vivo con ellos medio sin descanso, no puedo separarme de ellos - gente alegre... ¡Maldita gente!... Nadie en todo el mundo ha sentido la libertad. , igualdad y hermandad tan profundamente! Durante toda su vida, Zaporozhye permaneció libre, no se sometió a nada...”

Más tarde, uno u otro trabajo distrajo a Repin de los "cosacos", pero constantemente regresaba a ellos, reelaboraba, reescribía y terminaba en 1891.

La imagen brilla con risas contagiosas, de diferentes tonos, desde una ligera sonrisa hasta una risa atronadora. Esta alegría general transmite perfectamente el espíritu independiente y amante de la libertad por el que eran famosos los cosacos.

No hay un solo personaje principal en esta imagen, fue reemplazado por la gente. El artista expresó con éxito el principio coral en la composición, tratando de mostrar que hay muchos más personajes de los que se representan. En el fondo de la lona se ven numerosas tiendas de campaña, las hogueras humean y mucha gente se mueve. Y a derecha e izquierda, en los bordes de la imagen, Repin "corta" algunas de las figuras, lo que obliga al espectador a expandir mentalmente su marco e imaginar una gran multitud de cosacos, aquellos que no cabían en el lienzo. apiñándose fuera de sus marcos.

"Los cosacos escriben una carta al sultán turco" es el gran éxito de Repin, refleja su deseo de crear lienzos épicos que muestren la vida de las masas, y se expresa la fe del artista en la fuerza del pueblo, en su amor por la libertad. . "Cosacos" es la más optimista de las pinturas de Repin.

Es bastante obvio que todas las obras temáticas de Repin se basan en su brillante don como psicólogo. Naturalmente, también fue un destacado retratista.

La galería de retratos de Repin es muy diversa. Hay retratos de figuras de la cultura y la ciencia rusas (L.N. Tolstoi, M.P. Mussorgsky, V.V. Stasov y muchos otros), imágenes poéticas de niños (principalmente los hijos del artista), imágenes brillantes de damas de sociedad (la baronesa Ikskul, la condesa Golovina), etc. sin embargo, a pesar de toda esta diversidad, prevalecen las imágenes de la intelectualidad rusa avanzada, imágenes de personas extraordinarias y talentosas.

Al comparar los retratos de Repin con las obras de sus contemporáneos, sorprende la profundidad y nitidez de las características y la habilidad pictórica de Repin. Como regla general, en sus mejores obras se puede sentir la capacidad de transmitir en el lienzo la esencia misma de los representados, en un movimiento y gesto singularmente originales, como aleatorios, para revelar el carácter de una persona.

Se trata de los retratos del escritor A.F. Pisemsky (1880), un anciano inquieto, bilioso, enfermo e inteligente; el cirujano N.I. Pirogov (1881), un hombre impaciente de mirada penetrante y ojos rápidos; la trágica actriz P. A. Strepetova (1882) con expresión de dolor en el rostro, ojos ardientes, como quemados por una especie de fuego interno; V.V Stasov (1883), con la cabeza en alto, y muchos otros.

El pináculo del retrato de Repin es el retrato de M. P. Mussorgsky (1881). Fue escrito en los últimos días de la vida del compositor. El artista es sincero.

No oculta la dolorosa hinchazón del rostro del compositor, ni la vestimenta descuidada de un enfermo. Todo lo mejor se concentra en sus ojos: tristeza pensativa y tormento oculto. En ellos se puede ver al viejo Mussorgsky, inteligente, sensible, talentoso, un hombre de conciencia tranquila y alma pura.

El retrato está magníficamente pintado, amplio y libre, de color sorprendente, desarrollado sutil y precisamente, en la combinación de colores de tonos carmesí rosado y gris verdoso. Es como si todo estuviera lleno de aire: Repin utilizó todos sus conocimientos de pintura al aire libre.

Un lugar especial entre las obras de Repin pertenecen a los retratos de L. N. Tolstoi.

El artista lo pintó durante casi 20 años y realizó numerosos retratos a lápiz. El mejor de los retratos fue realizado en Yásnaia Poliana durante tres días en el verano de 1887. El escritor aparece sentado tranquilamente, con un libro en la mano. Hay tanta sabiduría y verdadera grandeza en él que el retrato adquiere una expresividad casi épica.

Un resultado único de la carrera de Repin como retratista es su composición grupal de múltiples figuras “La reunión ceremonial del Consejo de Estado del 7 de mayo de 1901” (1901-1903). El enorme lienzo fue creado en muy poco tiempo.

Repin contó con la ayuda de dos de sus alumnos: B. M. Kustodiev e I. S. Kulikov. Sin embargo, lo principal lo hizo él mismo: las características despiadadamente veraces de los representados y la construcción compositiva y colorista más compleja de todo el cuadro.

Repin hizo muchos bocetos para este trabajo. Están escritos de forma magistral, precisa y expresiva. Aquí está el empalagoso hipócrita Pobedonostsev con un rostro mortalmente pálido, y el triste y tonto Durnovo, y muchos otros. Esta pintura fue encargada, pero incluso aquí Repin se mantuvo fiel a sí mismo, como un artista democrático que mostró sin piedad y con sinceridad el verdadero rostro de la más alta burocracia rusa.

La “Reunión del Consejo de Estado” resultó ser el “canto del cisne” de Repin. Los últimos años de la vida del gran artista los pasó lejos de su tierra natal. Después de la revolución, cuando la ciudad de Kuokkala, cerca de Petrogrado, donde siempre vivió Repin, pasó a formar parte de Finlandia, el artista se encontró en el extranjero. Era viejo, enfermo, mentalmente solo y no tenía fuerzas para regresar a su tierra natal. Repin murió en 1930 a la edad de 86 años.

A pesar del declive de la obra de Repin en los últimos años, es difícil sobreestimar la importancia de su legado. Fue un verdadero artista-ciudadano del pueblo, un brillante psicólogo y un talentoso pintor realista.

La obra del artista ruso Ilya Repin ocupa un lugar especial tanto en el país como en el extranjero. Las obras del artista son el fenómeno más llamativo de la cultura mundial, porque el creador de la pintura "Barge Haulers on the Volga" fue casi el primero en sentir el acercamiento de la revolución, predecir el estado de ánimo en la sociedad y representar el heroísmo de los participantes en la movimiento de protesta.

Historia, religión, injusticia social, la belleza del hombre y la naturaleza: Repin cubrió todos los temas y realizó plenamente su don artístico. La productividad del artista es asombrosa: Ilya Efimovich le dio al mundo cientos de pinturas escritas en el género del realismo. No abandonó el dibujo ni siquiera en la vejez, antes de su muerte, cuando sus manos no obedecían al maestro.

Infancia y juventud

El maestro del realismo ruso nació en el verano de 1844 en la provincia de Jarkov. Pasó su infancia y juventud en la pequeña ciudad rusa de Chuguev, donde anteriormente se había asentado el cosaco Vasily Repin, abuelo del artista. Vasily Efimovich tenía una posada y comerciaba.

El padre de Ilya Repin, el mayor de los hijos, vendía caballos y pastoreaba rebaños a 300 millas de Donshchina (región de Rostov). El soldado retirado Efim Vasilyevich Repin participó en tres campañas militares y vivió en Slobozhanshchina hasta su último día.

Más tarde, los motivos ucranianos ocuparon un lugar importante en la obra de Ilya Repin; el artista nunca rompió los lazos con su pequeña patria.

Su hijo fue influenciado por su madre, una mujer educada y asceta, Tatyana Bocharova. La mujer organizó una escuela para niños campesinos, donde enseñaba caligrafía y aritmética. Tatyana Stepanovna leía poesía y poesía en voz alta a los niños, y cuando la familia necesitaba dinero, cosía abrigos de piel con piel de liebre.

El tío Trofim descubrió al artista en el pequeño Ilya y trajo acuarelas a la casa. El niño vio cómo una sandía blanca y negra del alfabeto “cobró vida” debajo del cepillo y desapareció para el resto de sus estudios. Fue difícil apartar a Ilya del dibujo para poder comer.

A la edad de 11 años, Ilya Repin fue enviado a una escuela de topografía; la profesión se consideraba prestigiosa. Pero cuando dos años después la institución educativa fue abolida, el joven artista consiguió un trabajo como estudiante en un taller de pintura de iconos. Aquí a Repin le enseñaron los conceptos básicos de la pintura y pronto los contratistas de los alrededores bombardearon el taller con pedidos y pidieron que les enviaran a Ilya.

A los 16 años, la biografía creativa del joven pintor continuó en el artel de pintura de iconos, donde Ilya Repin consiguió un trabajo por 25 rublos al mes.

En verano, los trabajadores del artel viajaban en busca de pedidos fuera de la provincia. En Voronezh, le hablaron a Repin de , un artista de Ostrogozhsk que dejó su tierra natal para estudiar en la Academia de Artes de San Petersburgo. En otoño, Ilya Repin, de 19 años, inspirado por el ejemplo de Kramskoy, viajó a la capital del norte.

Cuadro

Los trabajos del joven de Chuguev terminaron en manos del secretario de conferencias de la academia. Después de revisarlo, rechazó a Ilya, criticándolo por su incapacidad para dibujar sombras y trazos. Ilya Repin no se rindió y permaneció en San Petersburgo. Habiendo alquilado una habitación en el ático, el chico consiguió un trabajo en una escuela de dibujo, en el departamento nocturno. Pronto sus profesores lo elogiaron como el alumno más capaz.

Al año siguiente, Ilya Repin ingresó a la academia. El director postal y filántropo de San Petersburgo, Fyodor Pryanishnikov, acordó pagar la matrícula del estudiante. Ocho años en la academia le brindaron al artista una experiencia invaluable y conocimiento de contemporáneos talentosos: Mark Antokolsky y el crítico Vladimir Stasov, con quienes conectó su vida durante décadas. El pintor de Chuguev llamó maestro a Ivan Kramskoy.

Uno de los estudiantes más talentosos de la Academia de Arte, Ilya Repin, recibió una medalla por su cuadro "La resurrección de la hija de Jairo". La historia bíblica no se podía trasladar al lienzo, por lo que Ilya recordó a su hermana, que había muerto cuando era adolescente, e imaginó las expresiones faciales que tendrían los familiares si la niña hubiera resucitado. La imagen cobró vida en la imaginación y le dio la primera fama.

En 1868, un estudiante, mientras dibujaba bocetos en las orillas del Neva, vio a los transportistas de barcazas. Ilya quedó impresionado por la brecha entre el público holgazán y la mano de obra reclutada. Repin esbozó la trama, pero dejó el trabajo a un lado: su último año estaba por delante. En el verano de 1870, el pintor tuvo la oportunidad de visitar el Volga y observar nuevamente el trabajo de los transportistas de barcazas. En la orilla, Ilya Repin se encontró con el prototipo de un transportista de barcazas, a quien representó en los primeros tres con la cabeza atada con un trapo.

El cuadro “Transportadores de barcazas en el Volga” causó sensación en Rusia y Europa. Cada uno de los trabajadores pintados tiene los rasgos de individualidad, carácter y tragedia que han experimentado. El crítico de arte alemán Norbert Wolf trazó un paralelo entre el cuadro de Repin y la procesión de los condenados de La Divina Comedia.

La fama del talentoso pintor de San Petersburgo se extendió a Moscú. El filántropo y empresario Alexander Porokhovshchikov (antepasado del famoso actor ruso) encargó un cuadro a Ilya Repin para el restaurante Slavic Bazaar. El artista se puso manos a la obra y en el verano de 1872 presentó la obra terminada, que recibió elogios y elogios.

En la primavera del año siguiente, Ilya Repin realizó un viaje a Europa, visitando Austria, Italia y Francia. En París conoció a los impresionistas, cuyas obras inspiraron la creación del cuadro “Café Parisino”. Pero la cultura y el estilo extraños del impresionismo, de moda en Francia, irritaron al realista ruso. Al dibujar el cuadro "Sadko", en el que el héroe se encuentra en un reino submarino extraño, Repin parecía representarse a sí mismo.

El lienzo se mostró en la exposición de los Errantes, pero no gustó la interpretación de la trama. El zar ordenó que no se permitiera la exposición de la obra, pero decenas de personas eminentes se pronunciaron en defensa de la creación de Repin. El emperador levantó la prohibición.

El maestro presentó el cuadro "No esperábamos" en 1888, y fue inmediatamente reconocido como otra obra maestra. En el lienzo, Ilya Repin transfirió magistralmente los retratos psicológicos de los personajes. El interior del lienzo era la habitación de una casa de campo en Martyshkino, cerca de San Petersburgo. Repin cambió el rostro del personaje principal más de una vez, incluso cuando el cuadro estaba incluido en la exposición de la galería. Ilya Repin entró en secreto al pasillo y reescribió el rostro del invitado inesperado hasta lograr la expresión deseada.

En el verano de 1880, el pintor viajó a la Pequeña Rusia, llevándose consigo a un alumno. En un atracón creativo, pintó todo: chozas, personas, ropa, utensilios del hogar. Repin era sorprendentemente cercano a la alegre gente local.

El resultado del viaje fueron las pinturas "Los cosacos escribiendo una carta al sultán turco" y "Hopak". Danza de los cosacos de Zaporozhye. La primera obra apareció en 1891, la segunda en 1927. Ilya Repin escribió la obra "Duelo" en 1896. Tretyakov lo adquirió y colocó el cuadro en una galería de Moscú, donde se conserva hoy.

Las órdenes reales ocupan un lugar especial en el patrimonio del artista. El primero llegó a Ilya Repin a mediados de la década de 1880 de manos de Alejandro III. El rey quería ver en el lienzo la recepción de los ancianos del volost. Después de completar con éxito el primer pedido, llegó el segundo. El cuadro “La reunión ceremonial del Consejo de Estado el 7 de mayo de 1901” fue pintado en 1903. De los cuadros “reales”, destaca el famoso “Retrato”.

Al final de sus días, el maestro trabajó en la finlandesa Kuokkala, en la finca Penaty. Colegas de la Unión Soviética vinieron a Finlandia para visitar al anciano maestro y lo persuadieron para que se mudara a Rusia. Pero Repin, nostálgico, nunca regresó.

Unos años antes de su muerte, Repin perdió su mano derecha, pero Ilya Efimovich no tenía idea de cómo vivir sin trabajo. Escribía con la mano izquierda, cuyos dedos pronto dejaron de obedecer al dueño. Pero la enfermedad no fue un obstáculo y Repin siguió trabajando.

En 1918, Ilya Repin pintó el lienzo "Bolcheviques", cuya trama se llama antisoviética. Durante algún tiempo estuvo en manos de un coleccionista estadounidense, luego los "bolcheviques" terminaron en manos de un coleccionista estadounidense. En la década de 2000, los propietarios subastaron la colección en Sotheby's de Londres.

Para evitar que la colección se fragmentara, el empresario ruso compró los 22 cuadros, incluido “Los bolcheviques”. La exposición se exhibe en la ciudad del Neva.

Vida personal

El pintor estuvo casado dos veces. La primera esposa, Vera, le dio a su marido cuatro hijos: tres hijas y un hijo. En 1887, después de 15 años de matrimonio, se produjo una dolorosa separación. Los hijos mayores se quedaron con su padre, los más pequeños con su madre.

Ilya Repin capturó a sus familiares en retratos. En el cuadro "Descanso" representó a su joven esposa, dedicó el cuadro "Libélula" a su hija mayor Vera y el cuadro "Al sol" a su Nadia más joven.

La segunda esposa, la escritora y fotógrafa Natalya Nordman, rompió con su familia para casarse con Repin. Fue a ella a quien el pintor acudió a “Penates” a principios del siglo XX.

Natalya Nordman, segunda esposa de Ilya Repin

Nordman murió de tuberculosis en el verano de 1914. Tras su muerte, la gestión de la finca pasó a manos de su hija Vera, quien abandonó los escenarios del Teatro Alexandrinsky.

Muerte

En 1927, Ilya Repin se quejó ante sus amigos de que sus fuerzas lo abandonaban y se estaba convirtiendo en "un completo holgazán". En los últimos meses antes de su muerte, los niños estaban junto a su padre, turnándose para vigilar junto a la cama.

El artista, que celebró en agosto su 86 cumpleaños, falleció en septiembre de 1930. Fue enterrado en la finca Peñaty. En Rusia y los países de la CEI hay 4 museos del artista, el más famoso está en Kuokkala, donde pasó las últimas tres décadas.

Obras

• 1871 – “La resurrección de la hija de Jairo”
• 1873 – “Transportadores de barcazas en el Volga”
• 1877 – “El hombre del mal de ojo”
• 1880-1883 – “Procesión religiosa en la provincia de Kursk”
• 1880-1891 – “Los cosacos escriben una carta al sultán turco”
• 1881 – “Retrato del compositor M.P. Mussorgsky”
• 1884 – “No esperábamos”
• 1884 – “Libélula”
• 1885 – “Iván el Terrible y su hijo Iván 16 de noviembre de 1581”
• 1896 – “Duelo”
• 1896 – “Retrato del emperador Nicolás II”
• 1903 – “La Última Cena”
• 1909 – “Autoinmolación de Gogol”
• 1918 – “Bolcheviques”
• 1927 – “Hopak. Danza de los cosacos de Zaporozhye"

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REPIN Ilya Efimovich 24.7 (5.8).1844 – 29.9.1930Pintor, profesor. Miembro de la Asociación de Itinerantes. Participante habitual en las exposiciones del Consorcio. Académico de la Academia de Artes de San Petersburgo. Jefe del taller académico (1894-1907). Desde 1898 – rector de la Escuela Superior de Arte