ศิลปินที่แพงที่สุดในโลก ศิลปินที่แพงที่สุดในโลก 14.51 ล้านเหรียญสหรัฐ

การจัดอันดับผลการประมูลผลงานศิลปะรัสเซีย

1. เฉพาะผลการประมูลสาธารณะเท่านั้นที่ได้รับการยอมรับให้เข้าร่วม
2. ที่เป็นของศิลปินรัสเซียถูกกำหนดตามสถานที่เกิด เกิดในจักรวรรดิรัสเซียหรือในสหภาพโซเวียต - นั่นหมายความว่าเขาเป็นศิลปินชาวรัสเซีย โดยไม่คำนึงถึงเชื้อชาติหรือส่วนลดว่าชะตากรรมจะพัฒนาไปอย่างไรในอนาคต ตัวอย่างเช่น การที่ Kandinsky มีทั้งสัญชาติรัสเซียและเยอรมันในเวลาต่างกัน และเขาเสียชีวิตด้วยสัญชาติฝรั่งเศส ก็ไม่ใช่เหตุผลที่ทำให้สงสัยว่าศิลปินเป็นชาวรัสเซีย
3. กฎ: ศิลปินหนึ่งคน - หนึ่งภาพวาด นั่นคือสถานการณ์เมื่อพูดอย่างเคร่งครัดสถานที่แรกทั้งหมดจะต้องได้รับการจัดสรรให้กับผลงานของ Mark Rothko ได้รับการแก้ไขด้วยวิธีนี้: เราปล่อยให้เฉพาะงานที่แพงที่สุดเท่านั้นและไม่สนใจผลลัพธ์อื่น ๆ ทั้งหมดสำหรับภาพวาดของศิลปินคนนี้ .

การให้คะแนนจะขึ้นอยู่กับผลลัพธ์โดยคำนึงถึง Buyers Premium ซึ่งแสดงเป็นดอลลาร์ (ตัวเลขที่แสดงในการประมูลในยุโรป เช่น ปอนด์หรือยูโร จะถูกแปลงเป็นดอลลาร์ตามอัตราแลกเปลี่ยน ณ วันที่ทำการซื้อขาย) ดังนั้นทั้ง "The Spanish Flu" โดย Goncharova ขายเมื่อวันที่ 2 กุมภาพันธ์ 2010 ในราคา 6.43 ล้านปอนด์หรือภาพวาด "View of Constantinople และ Bosphorus Strait" โดย Aivazovsky ซึ่งจ่าย 3.23 ล้านปอนด์เมื่อวันที่ 24 เมษายน 2012 ไม่รวมอยู่ในการจัดอันดับในสกุลเงินของธุรกรรมเช่น เป็นปอนด์มีราคาแพงกว่าภาพวาดที่อยู่ในการจัดอันดับ แต่พวกเขาไม่โชคดีกับอัตราแลกเปลี่ยนเงินดอลลาร์

1. 86.88 ล้านดอลลาร์ มาร์ค รอธโก. ส้ม, แดง, เหลือง (1961)

หนึ่งในศิลปินที่ลึกลับที่สุดในยุคของเรา เส้นทางชีวิตของเขาดูเหมือนจะถักทอจากความขัดแย้ง - ในการค้นหาอย่างสร้างสรรค์ ในการกระทำ ในท่าทาง... ถือว่าเป็นหนึ่งในนักอุดมการณ์และแน่นอนว่าเป็นบุคคลสำคัญในการแสดงออกเชิงนามธรรมของอเมริกา Rothko ไม่สามารถยืนหยัดได้เมื่อผลงานของเขาถูกเรียก เชิงนามธรรม. ในอดีตเขารู้ดีว่าการใช้ชีวิตแบบปากต่อปากคืออะไร ครั้งหนึ่งเขาเคยท้าทายให้ผลตอบแทนที่ก้าวหน้าอย่างน่าอัศจรรย์แก่ลูกค้าในปัจจุบันในแง่ของเงินในปัจจุบัน ทำให้เขาเหลืองานที่เกือบจะเสร็จสมบูรณ์แล้ว หลังจากรอความสำเร็จและโอกาสในการหาเลี้ยงชีพจากการวาดภาพมาเกือบห้าสิบปีเขาปฏิเสธผู้คนที่สามารถทำลายอาชีพของเขาได้มากกว่าหนึ่งครั้งหากพวกเขาต้องการ อย่างน้อยที่สุด ผู้มีหัวใจสังคมนิยมซึ่งแบ่งปันแนวคิดของมาร์กซ์และเป็นศัตรูกับคนรวยและความมั่งคั่ง ในที่สุดรอธโกก็กลายเป็นนักเขียนภาพวาดที่แพงที่สุดในโลก ซึ่งจริงๆ แล้วกลายเป็นคุณลักษณะของสถานะอันสูงส่งของ เจ้าของของพวกเขา (ไม่ใช่เรื่องตลกเลย "White Center" ที่ทำลายสถิติซึ่งขายได้ในราคา 65 ล้านเหรียญสหรัฐนั้นมาจากครอบครัว Rockefeller) ด้วยความฝันที่จะได้รับการยอมรับจากผู้ชมจำนวนมาก ในที่สุดเขาก็กลายเป็นผู้สร้างภาพวาดที่ยังคงเข้าใจได้อย่างแท้จริงเฉพาะในแวดวงเท่านั้น ของนักปราชญ์และนักปราชญ์ ในที่สุด ศิลปินผู้แสวงหาการสนทนากับพระเจ้าผ่านดนตรีบนผืนผ้าใบ ศิลปินซึ่งมีผลงานกลายเป็นองค์ประกอบหลักในการออกแบบคริสตจักรของทุกศาสนา จบชีวิตของเขาด้วยการต่อสู้กับพระเจ้าอย่างสิ้นหวัง ..

Rothko ผู้จำ Pale of Settlement และ Cossacks อาจแปลกใจที่พวกเขาภูมิใจในตัวเขาในฐานะศิลปินชาวรัสเซีย อย่างไรก็ตาม ในช่วงทศวรรษที่ 1930 มีการต่อต้านชาวยิวจำนวนมากในอเมริกา - ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ศิลปิน "ตัดทอน" นามสกุลของครอบครัว Rotkovich แต่เราเรียกเขาว่ารัสเซียด้วยเหตุผลบางอย่าง เริ่มต้นด้วยพื้นฐานตามความเป็นจริงของการเกิด ดวินสค์ ลัตเวีย ซึ่งปัจจุบันคือ เดากัฟปิลส์ ในช่วงเวลาที่มาร์คุส รอตโควิช กำเนิด เป็นส่วนหนึ่งของรัสเซียและจะคงอยู่จนกว่าจักรวรรดิจะล่มสลาย จนถึงปี 1918 จริงอยู่ Rothko จะไม่เห็นการปฏิวัติอีกต่อไป ในปี 1913 เด็กชายถูกนำตัวไปสหรัฐอเมริกา ครอบครัวย้ายไปพอร์ตแลนด์ ออริกอน นั่นคือฉันใช้ชีวิตวัยเด็กและวัยรุ่นในรัสเซียซึ่งเป็นที่ที่การรับรู้และทัศนคติในชีวิตของฉันเกิดขึ้น นอกเหนือจากความจริงที่ว่าเขาเกิดที่นี่ Rothko ยังเกี่ยวข้องกับรัสเซียอีกด้วย เราทราบทั้งประเด็นทางอุดมการณ์และความขัดแย้ง เป็นที่ทราบกันดีว่าเขาชื่นชมผลงานของดอสโตเยฟสกี และแม้แต่ความชั่วร้ายที่ Rothko กระทำลงไปก็มีเหตุผลบางอย่างที่เกี่ยวข้องกับโลกนี้กับรัสเซีย ด้วยเหตุผลบางประการ โรคซึมเศร้าในโลกตะวันตกจึงถูกเรียกว่า “โรครัสเซีย” ซึ่งไม่ใช่ข้อโต้แย้งแน่นอน แต่เป็นอีกสัมผัสหนึ่งของความสมบูรณ์ของธรรมชาติของศิลปินชาวรัสเซีย

Rothko ใช้เวลานานถึง 15 ปีในการค้นพบนวัตกรรมด้านการวาดภาพ หลังจากผ่านงานอดิเรกที่เป็นรูปเป็นร่างมามากมาย รวมถึงสถิตยศาสตร์และการแสดงออกเป็นรูปเป็นร่าง ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1940 เขาได้ทำให้โครงสร้างของภาพวาดของเขาเรียบง่ายลงอย่างมาก โดยจำกัดวิธีการแสดงออกให้เหลือเพียงบล็อกสีสันสดใสสองสามอันที่ประกอบเป็นองค์ประกอบ พื้นฐานทางปัญญาในงานของเขามักเป็นเรื่องของการตีความ โดยปกติแล้ว Rothko จะไม่ให้คำตอบโดยตรงโดยอาศัยการมีส่วนร่วมของผู้ชมในการทำความเข้าใจงาน สิ่งเดียวที่เขาวางใจได้อย่างแน่นอนคืองานทางอารมณ์ของผู้ชม ภาพวาดของเขาไม่ใช่เพื่อการพักผ่อน ไม่ใช่เพื่อการผ่อนคลาย และไม่ใช่เพื่อ "การนวดด้วยสายตา" พวกเขาถูกออกแบบมาเพื่อการเอาใจใส่ บางคนมองว่าเป็นหน้าต่างที่ช่วยให้มองเข้าไปในจิตวิญญาณของผู้ชม ในขณะที่บางคนมองว่าเป็นประตูสู่อีกโลกหนึ่ง มีความเห็น (อาจจะใกล้เคียงความจริงมากที่สุด) ว่าช่องสีของเขาเป็นภาพเชิงเปรียบเทียบของพระเจ้า

พลังการตกแต่งของ "ทุ่งสี" นั้นอธิบายได้ด้วยเทคนิคพิเศษจำนวนหนึ่งที่ Rothko ใช้ ภาพวาดของเขาไม่ทนต่อกรอบขนาดใหญ่ - ที่ขอบบางที่สุดของสีของผืนผ้าใบ ศิลปินจงใจย้อมสีขอบของภาพวาดด้วยการไล่ระดับสีเพื่อให้ฟิลด์ภาพสูญเสียขอบเขต ขอบเขตที่คลุมเครือของสี่เหลี่ยมด้านในก็เป็นเทคนิคหนึ่งเช่นกัน ซึ่งเป็นวิธีที่ไม่มีความแตกต่างในการสร้างเอฟเฟ็กต์ของการสั่นไหว การทับซ้อนกันของบล็อกสี การสั่นของจุดต่างๆ เหมือนกับการกะพริบของแสงจากหลอดไฟฟ้า การละลายสีอย่างนุ่มนวลภายในสีนี้ทำได้โดยเฉพาะอย่างยิ่งในน้ำมัน จนกระทั่ง Rothko เปลี่ยนไปใช้อะคริลิกทึบแสงในช่วงปลายทศวรรษที่ 1960 และผลกระทบที่พบจากการเต้นเป็นจังหวะทางไฟฟ้าจะรุนแรงขึ้นหากคุณดูภาพเขียนในระยะใกล้ ตามแผนของศิลปิน เป็นการดีที่สุดสำหรับผู้ชมในการชมผืนผ้าใบสามเมตรจากระยะไม่เกินครึ่งเมตร

ปัจจุบันภาพวาดของ Rothko ถือเป็นความภาคภูมิใจของพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ที่มีชื่อเสียง ดังนั้นใน English Tate Gallery จึงมีห้องโถง Rothko ซึ่งมีภาพวาดเก้าภาพจากภาพวาดที่วาดภายใต้สัญญากับร้านอาหาร Four Seasons มีเรื่องราวที่เกี่ยวข้องกับโปรเจ็กต์นี้ซึ่งค่อนข้างบ่งบอกถึงตัวละครของ Rothko ในปี 1959 ศิลปินได้รับการติดต่อโดยคำแนะนำจากเจ้าของร้านอาหารทันสมัย ​​"Seasons" ซึ่งเปิดในอาคาร Seagram Building ซึ่งเป็นตึกระฟ้าที่แปลกตาในนิวยอร์ก (ตั้งชื่อตามบริษัทที่ผลิตเครื่องดื่มแอลกอฮอล์) จำนวนสัญญาที่เป็นเงินในปัจจุบันคือเกือบ 3 ล้านดอลลาร์ซึ่งเป็นค่าธรรมเนียมที่สำคัญมากแม้แต่กับศิลปินที่ได้รับการยอมรับและเป็นที่ยอมรับเช่นเดียวกับที่ Rothko อยู่ในขณะนั้น อย่างไรก็ตาม เมื่องานใกล้จะเสร็จสิ้น Rothko ก็คืนเงินล่วงหน้าโดยไม่คาดคิดและปฏิเสธที่จะส่งมอบให้กับลูกค้า สาเหตุหลักของการกระทำกะทันหันนี้ นักเขียนชีวประวัติพิจารณาถึงความไม่เต็มใจที่จะทำให้ชนชั้นปกครองพอใจและให้ความบันเทิงแก่คนรวยในมื้อเย็น เชื่อกันว่า Rothko รู้สึกเสียใจเมื่อรู้ว่าพนักงานธรรมดาที่ทำงานในอาคารจะไม่เห็นภาพวาดของเขา อย่างไรก็ตามเวอร์ชั่นล่าสุดดูโรแมนติกเกินไป

เกือบ 10 ปีต่อมา Rothko บริจาคผืนผ้าใบบางส่วนที่เตรียมไว้สำหรับ Four Seasons ให้กับ Tate Gallery ในลอนดอน ด้วยโชคชะตาอันขมขื่น เมื่อวันที่ 25 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2513 ซึ่งเป็นวันที่กล่องที่มีภาพวาดไปถึงท่าเรืออังกฤษ ศิลปินถูกพบว่าเสียชีวิตในสตูดิโอของเขา โดยมีเส้นเลือดของเขาถูกตัดและ (เห็นได้ชัดว่ารับประกัน) ยานอนหลับจำนวนมากใน ท้องของเขา

วันนี้งานของ Rothko กำลังประสบกับคลื่นความสนใจอย่างจริงใจอีกระลอกหนึ่ง มีการจัดสัมมนา เปิดนิทรรศการ มีการตีพิมพ์เอกสาร บนฝั่ง Daugava ในบ้านเกิดของศิลปินมีการสร้างอนุสาวรีย์

ผลงานของ Rothko ไม่ได้หายากเป็นพิเศษในตลาด (เช่น ภาพวาดของ Malevich) ทุกปี เฉพาะภาพวาดของเขาประมาณ 10-15 ชิ้นเท่านั้นที่จะถูกนำไปประมูลในการประมูล ไม่นับรวมภาพกราฟิก นั่นคือไม่มีปัญหาการขาดแคลน แต่มีการจ่ายเงินหลายล้านสิบล้านดอลลาร์ให้กับพวกเขา และราคาดังกล่าวแทบจะไม่เกิดขึ้นโดยบังเอิญ แต่เป็นการแสดงความเคารพต่อนวัตกรรมของเขา ความปรารถนาที่จะเปิดมิติใหม่ของความหมาย และเข้าร่วมปรากฏการณ์สร้างสรรค์ของหนึ่งในศิลปินชาวรัสเซียที่ลึกลับที่สุด

เมื่อวันที่ 8 พฤษภาคม 2012 ในการประมูลงานศิลปะหลังสงครามและศิลปะร่วมสมัยที่ Christie's ผ้าใบ "Orange, Red, Yellow" จากปี 1961 มีราคา 86.88 ล้านเหรียญสหรัฐ รวมค่าคอมมิชชันแล้ว ผลงานชิ้นนี้มาจากคอลเลกชันของ David Pincus ผู้อุปถัมภ์งานศิลปะแห่งเพนซิลเวเนีย เดวิดและเจอร์รีภรรยาของเขาซื้อผลงานขนาด 2.4 × 2.1 เมตรจากหอศิลป์ Marlborough จากนั้นจึงยืมไปที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะฟิลาเดลเฟียเป็นเวลานาน ภาพวาด "สีส้ม แดง เหลือง" ไม่เพียงแต่กลายเป็นผลงานที่แพงที่สุดโดยศิลปินที่มีต้นกำเนิดจากรัสเซีย แต่ยังเป็นผลงานศิลปะหลังสงครามและศิลปะร่วมสมัยที่แพงที่สุดที่ขายในการประมูลแบบเปิดอีกด้วย

2. คาซิเมียร์ มาเลวิช 60.00 ล้านดอลลาร์ องค์ประกอบ Suprematist (1916)

ในช่วงชีวิตอันยาวนานของเธอ ครั้งแรกร่วมกับโรเบิร์ต และหลังจากที่เขาเสียชีวิตในปี 2484 เพียงลำพัง Sonya ก็สามารถทดลองงานศิลปะหลายประเภทได้ เธอมีส่วนร่วมในการวาดภาพ ภาพประกอบหนังสือ การแสดงละคร (โดยเฉพาะ เธอออกแบบทิวทัศน์ของบัลเล่ต์ "คลีโอพัตรา" ของ Diaghilev) การออกแบบเสื้อผ้า การออกแบบตกแต่งภายใน รูปแบบสิ่งทอ และแม้แต่การปรับแต่งรถยนต์

ภาพบุคคลและนามธรรมในยุคแรกของ Sonia Delaunay ในช่วงทศวรรษปี 1900-10 รวมถึงผลงานจากซีรีส์ Color Rhythms ในช่วงปี 1950-60 ได้รับความนิยมอย่างมากในการประมูลในฝรั่งเศสทั้งในระดับนานาชาติและระดับประเทศ ราคาของพวกเขามักจะสูงถึงหลายแสนดอลลาร์ บันทึกหลักของศิลปินเกิดขึ้นเมื่อ 10 กว่าปีที่แล้ว - เมื่อวันที่ 14 มิถุนายน พ.ศ. 2545 ที่งานประมูล Calmels Cohen Paris จากนั้นงานนามธรรม "Market in Minho" ซึ่งเขียนในปี 1915 ในช่วงชีวิตของคู่รัก Delaunay ในสเปน (พ.ศ. 2457-2463) ถูกขายในราคา 4.6 ล้านยูโร

32. มิคาอิล เนสเตรอฟ 4.30 ล้านดอลลาร์ วิสัยทัศน์ต่อเยาวชนบาร์โธโลมิว (1922)

หากเราประเมินศิลปินของเราในระดับ "ความเป็นรัสเซีย" ที่แปลกประหลาด ดังนั้น Mikhail Vasilyevich Nesterov (1862–1942) ก็สามารถถูกวางไว้ที่ใดที่หนึ่งที่จุดเริ่มต้นของรายการได้อย่างปลอดภัย ภาพวาดของเขาที่แสดงถึงนักบุญ พระภิกษุ และแม่ชีในภูมิทัศน์โคลงสั้น ๆ "Nesterov" ซึ่งสอดคล้องกับอารมณ์ทางจิตวิญญาณของวีรบุรุษอย่างสมบูรณ์กลายเป็นปรากฏการณ์ที่ไม่เหมือนใครในประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซีย ในผืนผ้าใบของเขา Nesterov พูดคุยเกี่ยวกับ Holy Rus' เกี่ยวกับเส้นทางจิตวิญญาณพิเศษของมัน ในคำพูดของเขาเองศิลปิน "หลีกเลี่ยงการพรรณนาถึงความหลงใหลอันแรงกล้าโดยเลือกภูมิทัศน์ที่เรียบง่ายสำหรับพวกเขาบุคคลที่ใช้ชีวิตทางจิตวิญญาณภายในในอ้อมแขนของธรรมชาติของเรา" และตามที่ Alexander Benois กล่าว Nesterov พร้อมด้วย Surikov เป็นศิลปินชาวรัสเซียเพียงคนเดียวที่เข้าใกล้คำพูดอันสูงส่งของ "The Idiot" และ "Karamazovs" อย่างน้อยบางส่วน

รูปแบบพิเศษและศาสนาของภาพวาดของ Nesterov เกิดขึ้นจากหลายปัจจัย นอกจากนี้ เขายังได้รับอิทธิพลจากการเลี้ยงดูในครอบครัวพ่อค้าผู้เคร่งครัดและเป็นปิตาธิปไตยในเมืองอูฟาซึ่งมีภูมิประเทศแบบรัสเซีย และประสบการณ์หลายปีในการเรียนกับนักเดินทาง Perov, Savrasov และ Pryanishnikov ที่โรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมมอสโก (จาก พวกเขานำแนวคิดศิลปะที่สัมผัสจิตใจและหัวใจ) และจาก Pavel Chistyakov ที่ Academy of Arts (ที่นี่เขาใช้เทคนิคการวาดภาพเชิงวิชาการ) และเดินทางไปยุโรปเพื่อหาแรงบันดาลใจและละครส่วนตัวที่ลึกซึ้ง ( การเสียชีวิตของมาเรียภรรยาที่รักของเขาหนึ่งวันหลังจากการเกิดของลูกสาว Olga)

เป็นผลให้ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1880 - ต้นทศวรรษที่ 1890 Nesterov ได้พบหัวข้อของเขาแล้วและในเวลานี้เองที่เขาเขียน "Vision to the Youth Bartholomew" (2432-2433) เนื้อเรื่องของภาพนำมาจาก Life of St. Sergius บาร์โธโลมิว (อนาคตของเซอร์จิอุสแห่งราโดเนซ) ได้พบกับทูตสวรรค์ในหน้ากากของพระภิกษุและได้รับพรจากพระเจ้าจากเขาให้เข้าใจพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์และเหนือกว่าพี่น้องและคนรอบข้างของเขา ภาพนี้เต็มไปด้วยความรู้สึกมหัศจรรย์ - ไม่เพียงแต่และไม่มากในร่างของบาร์โธโลมิวและผู้อาวุโสผู้ศักดิ์สิทธิ์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงภูมิทัศน์โดยรอบซึ่งเป็นงานรื่นเริงและจิตวิญญาณโดยเฉพาะ

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาศิลปินเรียกงานหลักของเขาว่า "บาร์โธโลมิว" มากกว่าหนึ่งครั้ง: "... ถ้าสามสิบห้าสิบปีหลังจากการตายของฉันเขายังคงพูดอะไรบางอย่างกับผู้คนนั่นหมายความว่าเขายังมีชีวิตอยู่นั่นหมายความว่าฉันยังมีชีวิตอยู่" ภาพวาดดังกล่าวกลายเป็นที่ฮือฮาในนิทรรศการ Itinerants ครั้งที่ 18 และทำให้ศิลปินหนุ่มอูฟามีชื่อเสียงในทันที (ในขณะนั้น Nesterov อายุยังไม่ถึงสามสิบ) P. M. Tretyakov ได้รับ "วิสัยทัศน์..." สำหรับคอลเลกชันของเขา แม้ว่าจะพยายามห้ามปรามเขาจากดังที่ Nesterov กล่าวไว้ว่าเป็น "ผู้พเนจรออร์โธดอกซ์" ซึ่งสังเกตเห็นอย่างถูกต้องในงานที่กำลังบ่อนทำลายรากฐาน "เชิงเหตุผล" ของขบวนการ อย่างไรก็ตาม ศิลปินได้เรียนหลักสูตรศิลปะของตัวเองแล้ว ซึ่งท้ายที่สุดก็ทำให้เขาโด่งดัง

ด้วยการถือกำเนิดของอำนาจของสหภาพโซเวียต ไม่ใช่ช่วงเวลาที่ดีที่สุดสำหรับ Nesterov ด้วยภาพวาดทางศาสนาของเขา ศิลปินเปลี่ยนมาใช้การถ่ายภาพบุคคล (โชคดีที่เขามีโอกาสวาดภาพเฉพาะคนที่เขาชอบอย่างมาก) แต่ไม่กล้าคิดถึงเรื่องก่อนหน้าของเขา อย่างไรก็ตามเมื่อต้นทศวรรษ 1920 มีข่าวลือว่ามีการเตรียมนิทรรศการศิลปะรัสเซียขนาดใหญ่ในอเมริกา Nesterov ตัดสินใจอย่างรวดเร็วที่จะเข้าร่วมโดยหวังว่าจะเข้าถึงผู้ชมกลุ่มใหม่ เขาเขียนผลงานหลายชิ้นสำหรับนิทรรศการนี้ รวมถึงการกล่าวซ้ำของผู้แต่งเรื่อง "Vision to the Youth Bartholomew" (1922) ที่เรียกว่า "Vision to St. Sergius in adolescence" ในสื่ออเมริกัน เวอร์ชันใหม่มีขนาดเล็กกว่าในรูปแบบ (91 × 109) เมื่อเทียบกับเวอร์ชัน Tretyakov (160 × 211) ดวงจันทร์ปรากฏบนท้องฟ้า สีของทิวทัศน์ค่อนข้างเข้มขึ้น และมีความจริงจังมากขึ้นเมื่อเผชิญกับ เยาวชนบาร์โธโลมิว อย่างที่เคยเป็นมา Nesterov สรุปด้วยภาพนี้ถึงการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ที่เกิดขึ้นนับตั้งแต่การเขียน "วิสัยทัศน์..." ฉบับแรก

ภาพวาดของ Nesterov เป็นหนึ่งในไม่กี่ชิ้นที่นิทรรศการศิลปะรัสเซียในปี 1924 ในนิวยอร์กที่ถูกซื้อไป “ วิสัยทัศน์สู่บาร์โธโลมิวเยาวชน” จบลงด้วยการสะสมของนักสะสมและผู้อุปถัมภ์ที่มีชื่อเสียงของ Nicholas Roerich - Louis และ Nettie Horsch ตั้งแต่นั้นมาจนถึงปี พ.ศ. 2550 งานก็ตกทอดมาในครอบครัวนี้ทางมรดก และในที่สุด เมื่อวันที่ 17 เมษายน พ.ศ. 2550 ที่การประมูลในรัสเซียของ Sotheby ผืนผ้าใบดังกล่าวได้รับการเสนอราคาประมาณ 2–3 ล้านดอลลาร์และเกินราคาได้อย่างง่ายดาย ราคาสุดท้ายของค้อนซึ่งกลายเป็นสถิติของ Nesterov อยู่ที่ 4.30 ล้านดอลลาร์ ด้วยเหตุนี้ เขาจึงเข้าสู่อันดับของเรา

33. 4.05 ล้านเหรียญสหรัฐ นักพนัน (1919)

Vera Nikolaevna Rokhlina (Schlesinger) เป็นศิลปินที่ยอดเยี่ยมอีกคนหนึ่งของการย้ายถิ่นฐานของรัสเซียซึ่งรวมอยู่ในการจัดอันดับของเราพร้อมกับ Natalia Goncharova, Tamara Lempitskaya และ Sonia Delaunay ข้อมูลเกี่ยวกับชีวิตของศิลปินยังหายากมากชีวประวัติของเธอยังรอนักวิจัยอยู่ เป็นที่ทราบกันดีว่า Vera Shlesinger เกิดในปี พ.ศ. 2439 ที่กรุงมอสโกในครอบครัวชาวรัสเซียและหญิงชาวฝรั่งเศสจากเบอร์กันดี เธอเรียนที่มอสโกกับ Ilya Mashkov และเกือบจะเป็นนักเรียนคนโปรดของเขา จากนั้นจึงเรียนที่ Kyiv กับ Alexandra Exter ในปีพ.ศ. 2461 เธอแต่งงานกับทนายความ S.Z. Rokhlin และไปกับเขาที่ทิฟลิส จากนั้นในช่วงต้นทศวรรษ 1920 ทั้งคู่ย้ายไปฝรั่งเศสซึ่ง Vera เริ่มจัดแสดงอย่างแข็งขันที่ Autumn Salon, Salon of the Independents และ Salon of the Tuileries ในรูปแบบการวาดภาพของเธอ ในตอนแรกเธอทำตามแนวคิดของลัทธิคิวบิสม์และโพสต์อิมเพรสชันนิสม์ แต่เมื่อถึงต้นทศวรรษที่ 1930 เธอได้พัฒนาสไตล์ของเธอเองแล้ว ซึ่งนิตยสารฝรั่งเศสฉบับหนึ่งเรียกว่า "ความสมดุลทางศิลปะระหว่าง Courbet และ Renoir" ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Vera อาศัยอยู่แยกจากสามีของเธอใน Montparnasse และมีนักออกแบบเสื้อผ้า Paul Poiret ในหมู่ผู้ชื่นชมของเธอ และเลือกภาพวาดและภาพเปลือยของผู้หญิงเป็นธีมหลักในภาพวาดของเธอ ซึ่งอาจได้รับการอำนวยความสะดวกจากการที่เธอรู้จักกับ Zinaida Serebryakova (แม้แต่ ภาพเปลือยของ Serebryakova โดย Rokhlina รอดชีวิตมาได้) และนิทรรศการส่วนตัวของศิลปินถูกจัดขึ้นในแกลเลอรีของปารีส แต่ในเดือนเมษายน พ.ศ. 2477 Vera Rokhlina วัย 38 ปีได้ฆ่าตัวตาย สิ่งที่ทำให้ผู้หญิงในช่วงรุ่งโรจน์ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมากในสาขาสร้างสรรค์แล้ว การปลิดชีวิตของเธอเองยังคงเป็นปริศนา การเสียชีวิตก่อนวัยอันควรของเธอถือเป็นการสูญเสียครั้งใหญ่ที่สุดในแวดวงศิลปะปารีสในช่วงหลายปีที่ผ่านมา

มรดกของ Rokhlina ตั้งอยู่ต่างประเทศเป็นหลักโดยที่ Vera ใช้เวลา 13 ปีที่ผ่านมาในชีวิตของเธอและที่ซึ่งความสามารถของเธอได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่ ในช่วงทศวรรษที่ 1990 และต้นทศวรรษ 2000 พิพิธภัณฑ์และหอศิลป์ในฝรั่งเศสเริ่มจัดนิทรรศการเดี่ยวของ Rokhlina และรวมถึงผลงานของเธอในนิทรรศการกลุ่มของศิลปินจาก School of Paris นักสะสมค้นพบเกี่ยวกับเธอผลงานของเธอเริ่มถูกขายในการประมูลและค่อนข้างดี ยอดขายและราคาสูงสุดเกิดขึ้นในปี 2550-2551 เมื่อประมาณหนึ่งแสนดอลลาร์สำหรับการวาดภาพรูปแบบที่ดีของ Rokhlina กลายเป็นเรื่องธรรมดา ดังนั้นในวันที่ 24 มิถุนายน 2551 ในการประมูลตอนเย็นของอิมเพรสชั่นนิสต์และโมเดิร์นนิสต์ที่ Christie's ในลอนดอน ภาพวาดคิวบิสต์ "Gamblers" ของ Vera Rokhlina ซึ่งวาดก่อนการย้ายถิ่นฐานในปี 1919 ถูกขายโดยไม่คาดคิดที่ 8 เท่าของประมาณการ - ในราคา 2.057 ล้านปอนด์ ( 4.05 ล้านดอลลาร์สหรัฐฯ) โดยมีมูลค่าประมาณ 250–350,000 ปอนด์

34. มิคาอิล คล็อดต์ 4.02 ล้านดอลลาร์ คืนในนอร์มังดี (2404)

35. พาเวล คุซเนตซอฟ 3.97 ล้านดอลลาร์ เมืองตะวันออก. บูคารา (1912)

สำหรับ Pavel Varfolomeevich Kuznetsov (พ.ศ. 2421-2511) บุตรชายของจิตรกรไอคอนจากเมือง Saratov สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมแห่งมอสโก (ซึ่งเขาเรียนร่วมกับ Arkhipov, Serov และ Korovin) หนึ่งในผู้จัดงาน ของสมาคม Blue Rose หนึ่งในประเด็นหลักและแน่นอนว่าธีมความคิดสร้างสรรค์ที่ได้รับการยอมรับมากที่สุดในหมู่ประชาชนคือตะวันออก เมื่อช่วงเวลาเชิงสัญลักษณ์ครั้งแรกของ Pavel Kuznetsov ในช่วงปี 1900 ที่มีภาพกึ่งมหัศจรรย์ของ "น้ำพุ", "การตื่นขึ้น" และ "การเกิด" หมดลง ศิลปินจึงเดินทางไปทางทิศตะวันออกเพื่อหาแรงบันดาลใจ เขาจำได้ว่าตอนเป็นเด็กเขาไปเยี่ยมปู่ของเขาในสเตปป์ทรานส์โวลก้าและสังเกตชีวิตของคนเร่ร่อนได้อย่างไร “ ทันใดนั้นฉันก็จำเรื่องสเตปป์ได้และไปที่คีร์กีซ” คุซเนตซอฟเขียน ตั้งแต่ปี 1909 ถึง 1914 Kuznetsov ใช้เวลาหลายเดือนในทุ่งหญ้าสเตปป์ของ Kyrgyz ท่ามกลางคนเร่ร่อน เขาตื้นตันใจกับวิถีชีวิตของพวกเขาและยอมรับว่าพวกเขาเป็นญาติพี่น้องของเขาซึ่งเป็นจิตวิญญาณ "Scythian" ในปี พ.ศ. 2455-2456 ศิลปินเดินทางผ่านเมืองต่างๆ ในเอเชียกลาง อาศัยอยู่ในบูคารา ซามาร์คันด์ และเชิงเขาปามีร์ ในช่วงทศวรรษที่ 1920 การศึกษาทางตะวันออกยังคงดำเนินต่อไปในทรานคอเคเซียและไครเมีย

ผลลัพธ์ของการเดินทางตะวันออกเหล่านี้คือชุดภาพวาดที่น่าทึ่งซึ่งเราสามารถสัมผัสได้ถึงความรักของ "Goluborozovsky" ที่มีต่อจานสีฟ้าและสัญลักษณ์ของไอคอนและจิตรกรรมฝาผนังของวัดใกล้กับศิลปินตั้งแต่วัยเด็กและประสบการณ์การรับรู้ของศิลปินดังกล่าว เช่น Gauguin, Andre Derain และ Georges Braque และแน่นอนว่าเป็นเวทมนตร์แห่งตะวันออก ภาพวาดตะวันออกของ Kuznetsov ได้รับการตอบรับอย่างอบอุ่นไม่เพียง แต่ในรัสเซียเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนิทรรศการในปารีสและนิวยอร์กด้วย

ความสำเร็จเชิงสร้างสรรค์ที่สำคัญคือวงจรของภาพวาด "เมืองตะวันออก" ที่เขียนใน Bukhara ในปี 1912 หนึ่งในภาพวาดที่ใหญ่ที่สุดในซีรีส์ “เมืองตะวันออก” Bukhara” ถูกประมูลที่ MacDougall's ในเดือนมิถุนายน 2014 ด้วยราคาประมาณ 1.9–3 ล้านปอนด์ งานนี้มีที่มาที่ไร้ที่ติและประวัติการจัดนิทรรศการ: ซื้อโดยตรงจากศิลปิน ไม่ได้เปลี่ยนสถานที่อยู่อาศัยตั้งแต่กลางทศวรรษ 1950 เข้าร่วมในนิทรรศการ World of Art นิทรรศการศิลปะโซเวียตในญี่ปุ่นตลอดจนในช่วงชีวิตสำคัญและย้อนหลังมรณกรรมของศิลปิน เป็นผลให้ราคาเป็นประวัติการณ์ของ Kuznetsov ได้รับการจ่ายสำหรับการวาดภาพ: 2.37 ล้านปอนด์ (3.97 ล้านเหรียญสหรัฐ)

36. อเล็กซานเดอร์ ดีเนกา 3.82 ล้านดอลลาร์ วีรบุรุษแห่งแผนห้าปีแรก (พ.ศ. 2479)

37. 3.72 ล้านเหรียญสหรัฐ คนเลี้ยงแกะแห่งเนินเขา (1920)

Boris Dmitrievich Grigoriev (1886–1939) อพยพมาจากรัสเซียในปี 1919 เขากลายเป็นหนึ่งในศิลปินรัสเซียที่โด่งดังที่สุดในต่างประเทศ แต่ในขณะเดียวกันเขาก็ถูกลืมในบ้านเกิดมานานหลายทศวรรษและนิทรรศการครั้งแรกของเขาในสหภาพโซเวียตเกิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1980 เท่านั้น แต่วันนี้เขาเป็นหนึ่งในนักเขียนที่เป็นที่ต้องการและมีมูลค่าสูงที่สุดในตลาดศิลปะรัสเซีย ผลงานของเขาทั้งภาพวาดและกราฟิกขายได้ในราคาหลายแสนล้านดอลลาร์

ศิลปินมีประสิทธิภาพอย่างมาก ในปี 1926 เขาเขียนถึงกวี Kamensky:“ ตอนนี้ฉันเป็นปรมาจารย์คนแรกของโลก<…>ฉันไม่ขอโทษสำหรับวลีเหล่านี้ คุณต้องรู้ว่าคุณเป็นใคร ไม่เช่นนั้น คุณจะไม่รู้ว่าต้องทำอย่างไร ใช่แล้ว ชีวิตของฉันศักดิ์สิทธิ์จากการทำงานที่สูงกว่าค่าเฉลี่ยและความรู้สึกที่สูงกว่าค่าเฉลี่ย และ 40 ปีของฉันก็พิสูจน์สิ่งนี้ ฉันไม่กลัวการแข่งขัน คำสั่งใด หัวข้อใด ขนาดใด และความเร็วใด ๆ ”

อาจมีชื่อเสียงมากที่สุดคือวัฏจักร "การแข่งขัน" และ "ใบหน้าของรัสเซีย" ซึ่งมีความใกล้ชิดกันมากและแตกต่างกันตรงที่อันแรกถูกสร้างขึ้นก่อนการอพยพและอันที่สองอยู่ในปารีสแล้ว ในรอบเหล่านี้เราจะนำเสนอแกลเลอรีประเภท (“ใบหน้า”) ของชาวนารัสเซีย: ชายชราผู้หญิงและเด็กมองตรงไปยังผู้ชมอย่างเศร้าหมองพวกเขาดึงดูดสายตาและในเวลาเดียวกันก็ขับไล่มัน Grigoriev ไม่เคยมีแนวโน้มที่จะทำให้อุดมคติหรือตกแต่งคนที่เขาวาดภาพเลย ในทางกลับกัน บางครั้งเขาก็นำภาพมาสู่ความแปลกประหลาด ในบรรดา "ใบหน้า" ที่วาดไว้แล้วที่ถูกเนรเทศภาพวาดของคนรุ่นเดียวกันของ Grigoriev - กวีนักแสดงของ Art Theatre รวมถึงภาพเหมือนตนเอง - จะถูกเพิ่มเข้าไปในภาพเหมือนของชาวนา ภาพลักษณ์ของชาวนา "เผ่าพันธุ์" ขยายไปสู่ภาพลักษณ์ทั่วไปของมาตุภูมิที่ถูกทิ้งร้าง แต่ไม่ลืม

หนึ่งในภาพบุคคลเหล่านี้ - กวี Nikolai Klyuev ในรูปของคนเลี้ยงแกะ - กลายเป็นภาพวาดที่แพงที่สุดโดย Boris Grigoriev ในการประมูลของ Sotheby เมื่อวันที่ 3 พฤศจิกายน พ.ศ. 2551 ผลงาน "The Shepherd of the Hills" จากปี 1920 ถูกขายในราคา 3.72 ล้านดอลลาร์ โดยมีราคาประมาณ 2.5–3.5 ล้านดอลลาร์ ภาพเหมือนนี้เป็นสำเนาของผู้แต่งภาพเหมือนที่สูญหายจากปี 1918

เว็บไซต์บรรณาธิการ

ความสนใจ! เนื้อหาทั้งหมดบนเว็บไซต์และฐานข้อมูลผลการประมูลบนเว็บไซต์ รวมถึงข้อมูลอ้างอิงที่มีภาพประกอบเกี่ยวกับงานที่ขายในการประมูล มีวัตถุประสงค์เพื่อใช้ตามมาตรา 43 เท่านั้น มาตรา 1274 แห่งประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย ไม่อนุญาตให้ใช้เพื่อวัตถุประสงค์ทางการค้าหรือละเมิดกฎที่กำหนดโดยประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย เว็บไซต์จะไม่รับผิดชอบต่อเนื้อหาของเนื้อหาที่จัดทำโดยบุคคลที่สาม ในกรณีที่มีการละเมิดสิทธิของบุคคลที่สาม ผู้ดูแลเว็บไซต์ขอสงวนสิทธิ์ในการลบพวกเขาออกจากเว็บไซต์และจากฐานข้อมูลตามคำขอจากหน่วยงานที่ได้รับอนุญาต

หนึ่งใน 10 อันดับแรกที่เราชื่นชอบที่สุด ศิลปินทั้งหมดนี้ถือเป็นความภาคภูมิใจของรัสเซียอย่างแท้จริง และใช่ - ในการจัดอันดับเรารวมผู้เขียนทุกคนที่เกิดในดินแดนของจักรวรรดิรัสเซีย ไม่ว่าพวกเขาจะยอมรับสัญชาติของใครในภายหลังก็ตาม

นั่นคือเหตุผลที่การจัดอันดับของจิตรกรชาวรัสเซียหรือใครก็ตามที่ชอบ "ศิลปินแห่งวงโคจรของศิลปะรัสเซีย" นั้นเป็นหัวหน้าโดย Mark Rothko ซึ่งเป็นชาวลัตเวีย Daugavpils (จากนั้นคือ Dvinsk รัสเซีย) Markus Yakovlevich Rotkovich ซึ่งต่อมากลายเป็นตำนานของอเมริกา และศิลปะโลก นอกจากนี้ยังรวมถึงอดีตทนายความชาวรัสเซียที่มีชาวเยอรมันและต่อมาถือหนังสือเดินทางฝรั่งเศส Wassily Kandinsky บิดาแห่งศิลปะนามธรรม ที่อยู่ติดกับ Kandinsky ในการจัดอันดับคือ Alexei Jawlensky เพื่อนร่วมงานของเขาซึ่งคนทั้งโลกรู้จักภายใต้ขุนนาง von Jawlensky สถานที่ใกล้เคียง ได้แก่ Chaim Soutine ซึ่งเป็นชาวเมือง Smilovichi ในเบลารุส และชาวปารีสชาวรัสเซียซึ่งมีพื้นเพมาจาก Vitebsk, Marc Chagall และสิบอันดับแรกตกเป็นของศิลปิน Max Weber ซึ่งพ่อแม่ของเขาพามาจาก Bialystok จังหวัด Grodno

การจัดอันดับภาพวาด 10 อันดับแรกของศิลปินชาวรัสเซียในปี 2559 มีการรวบรวม: สถานที่เกิด - รัสเซีย ศิลปินหนึ่งคน - ภาพวาดหนึ่งภาพ การขาย - เฉพาะในการประมูล (ไม่มีแกลเลอรีและตัวแทนจำหน่าย) และราคาเป็นดอลลาร์ตามลำดับจากมากไปน้อย โดยเฉพาะอย่างยิ่งถ้าเราไม่ได้ใช้กฎ "ศิลปินหนึ่งคน - ภาพวาดหนึ่งภาพ" ดังนั้น 10 อันดับแรกในครั้งนี้จะประกอบด้วยภาพวาดสี่ภาพโดย Chagall, สองภาพโดย Soutine, ภาพวาดสองภาพโดย Kandinsky รวมถึง Rodchenko และ Rothko ตามกฎแล้วมันยังคงสนุกและหลากหลายมากขึ้น

ประเด็นคืออะไร? ก่อนอื่นมันสวยงามมาก! ประการที่สองมีราคาแพงและมีชื่อเสียง และประการที่สามเท่านั้นคือเรื่องการศึกษา ท้ายที่สุดแล้วการให้คะแนนดังกล่าวได้รับการรวบรวมเพื่อความงามเป็นหลัก - ไม่มีการกำหนดงานที่ทะเยอทะยานอื่นใดไว้สำหรับพวกเขา

เอาล่ะ เรามาเริ่มกันเลยดีมั้ย?

10 อันดับภาพวาดของศิลปินชาวรัสเซียในการประมูลปี 2559

ในตอนท้าย - โบนัสแทร็ก: Pavel Chelishchev นักเซอร์เรียลลิสต์ชาวรัสเซียผู้นี้เพิ่งสร้างสถิติส่วนตัวของเขา และตกลงไปไม่ถึง 10 อันดับแรกเมื่อสิ้นปี 2559 ภาพวาด “คอนเสิร์ต” ของเชลิชชอฟถูกขายอย่างน่าตื่นเต้นที่ Christie’s ถึงห้าเท่าของประมาณการ และตอนนี้ครองอันดับที่ 11 ในรายการผลงานศิลปะรัสเซียที่แพงที่สุดที่ขายทอดตลาดในปี 2559 ด้วยมูลค่า 1,735,000 ดอลลาร์

ฉันขอเตือนคุณว่าเมื่อเร็ว ๆ นี้เราได้สรุปผลเบื้องต้นสำหรับตลาดศิลปะในประเทศรัสเซีย รายงานดังกล่าวเผยแพร่บันทึกการประมูลภายใน 3 รายการ และภาพวาดที่แพงที่สุดประจำปี 2559 คือ “ชั้นวาง” โดย Heliy Korzhev ซึ่งขายได้ในราคา 370,000 ดอลลาร์

บน การประมูลงานศิลปะของรัสเซียในปี 2004 ผลงาน 26 ชิ้นของ Ivan Aivazovsky ศิลปินที่มียอดขายแพงที่สุด รวบรวมเงินได้ 6.7 ล้านเหรียญ บันทึกนี้ถูกท้าทายในไม่กี่ปีต่อมาโดยรายชื่อภาพวาดทั้งหมดโดยศิลปินชาวรัสเซียชั้นหนึ่ง จากผลการขายในปี 2554 เป็นครั้งแรกที่ผลงานของ Ilya Repin ซึ่งเป็นตัวแทนของภาพวาดคลาสสิกได้รวมอยู่ในสิบภาพวาดที่แพงที่สุดโดยศิลปินชาวรัสเซีย รีวิวนี้ประกอบด้วยการจัดอันดับงานศิลปะของภาพวาดที่แพงที่สุดโดยศิลปินชาวรัสเซีย

อันดับ 1 คาซิเมียร์ มาเลวิช (1879-1935)

“องค์ประกอบ Suprematist” (1916) - 60 ล้านเหรียญ (ปีที่ขาย - 2551 Sotheby's)
คาซิเมียร์ มาเลวิช เป็นผู้ก่อตั้งลัทธิซูพรีมาติสม์ ต้องขอบคุณผลงาน "Black Square" ของเขาที่ทำให้เขาได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก แต่ผลงานที่แพงที่สุดของศิลปินคือ “Suprematist Composition” (1915) ขายได้ในราคา 60 ล้านดอลลาร์ และดูเหมือนว่าจะขัดแย้งกันในตอนนี้ ครั้งหนึ่งศิลปินใช้ชีวิตได้แย่มาก โดยไม่ได้รับเงินบำนาญจากสหภาพศิลปินด้วยซ้ำ เขาออกแบบโลงศพสุดล้ำทางคณิตศาสตร์เป็นรูปไม้กางเขนเป็นการส่วนตัว และมอบให้เขาถูกฝังไว้ในโลงศพโดยกางแขนออก ซึ่งเป็นสิ่งที่นักเรียนของเขาทำ

ลำดับที่ 2 Wassily Kandinsky (2409-2487)

“Study for Improvisation No. 8” (1909) - 23 ล้านเหรียญ (ปีที่ขาย -2012. Christie's)

คันดินสกีเป็นผู้ก่อตั้งศิลปะนามธรรม จิตรกร ศิลปินกราฟิก กวี และนักทฤษฎีวิจิตรศิลป์ ศิลปะที่ไม่มีวัตถุประสงค์ จินตนาการเกี่ยวกับจักรวาลวิทยา การแสดงออก การตกแต่งที่เป็นจังหวะสะท้อนให้เห็นในงานของเขา ในการประมูลของ Sotheby ในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมา ภาพวาดของศิลปินอีก 6 ชิ้นถูกขายไปในราคารวม 52 ล้านเหรียญ

อันดับ 3. มาร์ค ชากัลล์ (1887–1985)

“ Jubilee” (1923) - 16.3 ล้านเหรียญสหรัฐ (ปีที่ขาย - 1990 Sotheby's)
Marc Chagall เป็นผู้นำที่ได้รับการยอมรับในด้านศิลปะแนวหน้า ในช่วงหลังการปฏิวัติ โชคชะตาได้เหวี่ยงเขาจากเมืองหนึ่งไปอีกเมืองหนึ่ง จากเมืองหนึ่งไปอีกเมืองหนึ่ง เขาอาศัยและทำงานในเยอรมนีและฝรั่งเศส ซึ่งเขาทำงานด้านจิตรกรรมและงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่ ในการประมูลที่ Sotheby's และ Christie's ในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมา ภาพวาดอีก 4 ชิ้นของศิลปินรายนี้ถูกขายไปในราคา 32 ล้านเหรียญสหรัฐ

อันดับที่ 4. นิโคลัส โรริช (1874-1947)

1. “ Madonna Laboris” (1931) - 13.5 ล้านดอลลาร์ (ปีที่ขาย - 2013 Bonhams)
เนื้อเรื่องของภาพวาดนี้น่าสนใจ: พระแม่มารีผู้ศักดิ์สิทธิ์ลดผ้าพันคอของเธอลงจากกำแพงป้อมปราการแห่งสวรรค์เพื่อแอบนำวิญญาณมนุษย์เข้าไปในนั้นซึ่งอัครสาวกผู้เฝ้าประตูแห่งสวรรค์ไม่อนุญาตให้ผ่าน ภาพวาดนี้ขายโดยไม่คาดคิดถึงเจ็ดเท่าของราคาเดิม

และข้อเท็จจริงที่น่าทึ่งอีกอย่างหนึ่ง: งานนี้เป็นทรัพย์สินของครอบครัวชาวอเมริกันครอบครัวหนึ่งเป็นเวลาหลายปี และเจ้าของไม่รู้ด้วยซ้ำว่า Roerich คือใคร มรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของ Nicholas Roerich มีจำนวนภาพวาด 7,000 ชิ้น ในการประมูลครั้งก่อน ภาพวาด 3 ชิ้นของจิตรกรรายนี้ถูกขายไปในราคา 7 ล้านเหรียญสหรัฐ

ลำดับที่ 5 นิโคไล เฟชิน (2424-2498)

“คาวบอยน้อย” (1940) - ประมาณ 11.9 ล้านเหรียญสหรัฐ (ปีที่ขาย - 2010 MacDougall's)
ภาพวาดนี้เป็นของยุคแห่งความคิดสร้างสรรค์ของอเมริกา เมื่อศิลปินเดินทางออกจากรัสเซียไปยังรัฐนิวเม็กซิโก สหรัฐอเมริกา ในช่วงเวลานี้ จิตรกรได้วาดภาพเขียนมากมายที่สะท้อนถึงชีวิตของคาวบอยและชาวอินเดียนแดง และในบ้านเกิดของเขา ศิลปินก็สามารถได้รับชื่อเสียงทางศิลปะเช่นกัน Repin ครูของ Feshin แม้ว่าเขาจะไม่ชอบศิลปิน แต่ก็ยอมรับพรสวรรค์ที่ไม่ต้องสงสัยของเขามาโดยตลอด

ลำดับที่ 6. Natalya Goncharova (2424-2505)

“ Spanish Flu” (ประมาณปี 1916) - ประมาณ 11 ล้านเหรียญสหรัฐ (ปีที่ขาย - 2010. Christie's)

Goncharova เป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของกลุ่มเปรี้ยวจี๊ดและเป็นหนึ่งในนักเขียนชาวรัสเซียที่เป็นที่ต้องการตัวมากที่สุดในตลาดศิลปะ ผลงานของศิลปินมีมูลค่าสูงมากและขายได้แพงกว่าอีกด้วย ในปี 2550 ที่การประมูลของ Sotheby ผลงานของเธอ "Apple Picking", "Lady with an Umbrella", "Blossoming Trees" ถูกขายในราคา 12.6 ล้านเหรียญสหรัฐ และในปี 2551 ราคาภาพวาด "ดอกไม้", "ระฆัง" อยู่ที่ 16.9 ล้านเหรียญสหรัฐ

ลำดับที่ 7. อิลยา มาชคอฟ (2424-2487)

“ Still Life with Fruit” (2453) - ประมาณ 8.1 ล้านเหรียญสหรัฐ (ปีที่ขาย - 2556 คริสตี้)
Ilya Mashkov สมาชิกของขบวนการ "Jack of Diamonds" เพิ่งเริ่มเข้าจดทะเบียนในการประมูล คุณค่าหลักของภาพวาด "Still Life with Fruit" คือภาพวาดนี้มีส่วนร่วมในการจัดนิทรรศการครั้งแรกของสมาคม "Jack of Diamonds" ในปี 1910 และผืนผ้าใบที่นำมาประมูลในปี 2548 “Still Life with Flowers” ​​​​(1912) ถูกขายในราคา 3.4 ล้านเหรียญสหรัฐ

ลำดับที่ 8 อิลยา เรปิน (2387-2473)

“ Paris Cafe” (1875) - ประมาณ 7.7 ล้านเหรียญสหรัฐ (ปีที่ขาย - 2554 Christie's)
นี่เป็นภาพวาดยุคแรกๆ ของ Ilya Repin ซึ่งเป็นเรื่องไร้สาระที่ทำให้เกิดการประท้วงจากนักวิจารณ์ศิลปะ หญิงสาวแห่งเดมอนเด ผู้หญิงที่ตกสู่บาปที่กล้ามาร้านกาแฟโดยลำพัง - นี่คือสาเหตุของความขุ่นเคือง ทั้ง Tretyakov และนักสะสมงานศิลปะคนอื่นไม่กล้าซื้อภาพวาดนี้ เฉพาะในปี 1916 เท่านั้นที่ "Parisian Café" ถูกซื้อโดยนักสะสมชาวสวีเดน ภาพวาดนี้ถูกแสดงต่อสาธารณชนทั่วไปเพียงสามครั้งในรอบ 95 ปี โดยครั้งสุดท้ายถูกจัดแสดงในมอสโกในนิทรรศการก่อนการประมูล เนื่องจากมรดกทั้งหมดของศิลปินได้กระจายไปยังพิพิธภัณฑ์มานานแล้ว ภาพวาดของเขาจึงไม่ค่อยถูกนำมาประมูล แต่เมื่อหกปีก่อน ภาพวาด "ภาพครอบครัว" (1905) ถูกขายในราคา 1.9 ล้านเหรียญสหรัฐ

ลำดับที่ 9. บอริส คุสโตดีฟ (พ.ศ. 2421-2470)

“ ผู้ให้บริการ” (2466) - ประมาณ 7.5 ล้านดอลลาร์ (ปีที่ขาย - 2555 คริสตี้)
ในปี 1924 ภาพวาดสีสันสดใสนี้เป็นหนึ่งในนิทรรศการหลักในนิทรรศการศิลปะรัสเซียอันทรงเกียรติในนิวยอร์ก นิทรรศการนี้รวบรวมผลงานของจิตรกรที่เก่งที่สุด 100 คนจากรัสเซีย
และในปี พ.ศ. 2479 "ห้องโดยสาร" ก็เริ่มเป็นของ Pyotr Kapitsa นักฟิสิกส์ชาวโซเวียตผู้โด่งดัง ทายาทของนักวิทยาศาสตร์ขายภาพวาดนี้ในปี 2555 ในราคา 7.5 ล้านดอลลาร์ ในการประมูลครั้งก่อนที่ Sotheby's ภาพวาด "Odalisque" (1919), "Country Fair" (1920), "Picnic" (1920) ถูกขายไปทั้งหมด 8.3 ล้านเหรียญ

ลำดับที่ 10 Vasily Polenov (2387-2470)

“มีใครบ้างในพวกท่านที่ไม่มีบาป?” (1908) - ประมาณ 7 ล้านเหรียญสหรัฐ(ปีที่ขาย - 2011 บอนแฮมส์)

สิ่งที่น่าสังเกตคือผืนผ้าใบขนาดใหญ่นี้เป็นสำเนาของผู้เขียนภาพวาดต้นฉบับ "Christ and the Sinner" ที่เก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์รัสเซีย ซึ่งครั้งหนึ่งเคยซื้อจาก Polenov โดยจักรพรรดิ Alexander III ที่ 3 ในราคา 30,000 รูเบิล สำเนาที่บรรยายตอนหนึ่งจากพันธสัญญาใหม่ถูกส่งออกไปยังอเมริกาเมื่อประมาณหนึ่งศตวรรษก่อน และจบลงที่คอลเลคชันของมหาวิทยาลัยในอเมริกา หลังจากแขวนอยู่ที่นั่นเป็นเวลา 80 ปี ก็สามารถขายทอดตลาดได้สำเร็จ ซึ่งชดเชยการขาดดุลงบประมาณของสถานประกอบการอย่างมาก

ลำดับที่ 11 คอนสแตนติน โซมอฟ (2412-2482)

“ Rainbow” (1927) - ประมาณ 6.3 ล้านเหรียญสหรัฐ (ปีที่ขาย - 2550 Christie's)
ในปี 1924 ผลงานของ Somov ถูกรวมอยู่ในนิทรรศการอันทรงเกียรติแบบเดียวกับผลงานของ Kustodiev ในสหรัฐอเมริกา หลังจากนำเสนอผลงานของเขาในอเมริกาศิลปินไม่เคยกลับไปรัสเซียเลย - เขาตั้งรกรากอยู่ในฝรั่งเศส ผลงานอันวิจิตรงดงามของเขาที่เชิดชูยุคเงิน ประสบความสำเร็จอย่างมากในการประมูลตลอดหลายทศวรรษที่ผ่านมา ในช่วงสองปีที่ผ่านมา ภาพวาด "Russian Pastoral" (1922), "Pierrot and the Lady" (1923), "View from the Window" (1934) ถูกขายในการประมูลของ Christie ในราคา 8.6 ล้านเหรียญสหรัฐ

ลำดับที่ 12 Vasily Vereshchagin (2385-2447)

“ มัสยิดเพิร์ลในอักกรา” (พ.ศ. 2413-23) - ประมาณ 6.2 ล้านดอลลาร์ (ปีที่ขาย - 2557 คริสตี้)

จิตรกรการต่อสู้ที่มีชื่อเสียง Vereshchagin รู้สึกทึ่งกับวิชาตะวันออกมาเกือบตลอดชีวิต เขานำภาพวาดและภาพร่างที่สดใสมากมายมาจากการเดินทางของเขาในเอเชียกลาง ในปี พ.ศ. 2431 นิทรรศการเกือบทั้งหมดจากทั้งหมด 110 ชิ้นที่จัดขึ้นสำหรับศิลปินในสหรัฐอเมริกาได้รับการประมูลและยังคงอยู่ในอเมริกา ปัจจุบันภาพวาดของเขามีราคาแพงมากในการประมูลในรัสเซีย “กำแพงตะวันตก” (พ.ศ. 2428) และ “ทัชมาฮาล” Evening" (1876) ขายได้ในราคา 5.9 ล้านเหรียญสหรัฐ

ลำดับที่ 13. Vladimir Borovikovsky (1757-1825)

“ ภาพเหมือนของคุณหญิง L.I. Kusheleva กับลูกชายของเธอ Alexander และ Grigory” (1803) - ประมาณ 5.1 ล้านเหรียญสหรัฐ (ปีที่ขาย - 2014 Christie's)

ภาพวาดที่มีศิลปะขั้นสูงในระดับพิพิธภัณฑ์นี้เก่าแก่ที่สุดในรายการเรตติ้ง ราคาที่วางไว้สำหรับการประมูลในตอนแรกเพิ่มขึ้นหกเท่า ไม่กี่ปีก่อน ภาพเหมือนในพิธีของเคานต์คูเชเลฟถูกขายในราคา 2.6 ล้านเหรียญสหรัฐ

ลำดับที่ 14. อิลยา คาบาคอฟ (2476)

"แมลง". (1985) - ประมาณ 5 ล้านเหรียญสหรัฐ (ปีที่ขาย - 1998 Phillips de Pury)
ภาพวาดนี้ต่างจากภาพวาดก่อนหน้านี้ โดยได้รับการจัดอันดับว่าเป็นภาพวาดที่ "สดที่สุด" ในการประมูลงานศิลปะร่วมสมัย Phillips de Pury ภาพวาดนี้สร้างสถิติว่าไม่เคยถูกใครทำลายมาเป็นเวลา 20 ปีแล้ว

ลำดับที่ 15 อเล็กซานเดอร์ ยาโคฟเลฟ (2477-2541)

“ ภาพเหมือนของศิลปิน Vasily Shukhaev ในสตูดิโอของเขา” (2471) - ประมาณ 4.8 ล้านเหรียญสหรัฐ (ปีที่ขาย - 2550 คริสตี้)

นี่คือภาพเหมือนของ Yakovlev เพื่อนสนิทของศิลปิน พิพิธภัณฑ์รัสเซียเป็นที่จัดแสดงภาพเพื่อนสองคน โดยพวกเขารับบทเป็น Harlequin และ Pierrot ในปีเดียวกันนั้น ภาพวาดของศิลปินเรื่อง "The Battle of Kings" (1918) ขายได้ในราคา 1.8 ล้านเหรียญสหรัฐ และในปีที่แล้ว "Three Women in a Theatre Box" (1918) ขายได้ในราคา 1.97 ล้านเหรียญสหรัฐ

ลำดับที่ 16. Ivan Aivazovsky (2314-2384)

“ American Ships at the Rock of Gibraltar” (1873) - ประมาณ 4.6 ล้านเหรียญสหรัฐ (ปีที่ขาย - 2550 Christie's)
ผลงานอันชาญฉลาดของจิตรกรนาวิกโยธินชาวรัสเซียระดับโลกได้รับความนิยมอย่างต่อเนื่องในการประมูลระดับโลก ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ: Aivazovsky มีผลงานของเขาประมาณหกพันชิ้นและปัจจุบันมีผลงานทั่วโลกมากกว่า 60,000 ชิ้นแล้ว แต่อย่างไรก็ตาม การปรากฏตัวของผลงานต้นฉบับของศิลปินในการประมูลมักจะทำให้เกิดความปั่นป่วนอยู่เสมอ ในช่วงปี 2548-2550 ภาพวาด 10 ชิ้นของศิลปินถูกขายที่ Sotheby's ในราคา 19.7 ล้านเหรียญสหรัฐ

ลำดับที่ 17 พาเวล คุซเนตซอฟ (2421-2511)

“เมืองตะวันออก Bukhara" (1928) - ประมาณ 4 ล้านเหรียญสหรัฐ (ปีที่ขาย - 2014. MacDougall's)
Kuznetsov เป็นลูกศิษย์ของ Arkhipov, Korovin และ Serov เขาเป็นสมาชิกของสมาคม "World of Art", "สหภาพศิลปินรัสเซีย", "Four Arts" ในงานของเขาเขาได้รวบรวมบทกวีของตะวันออกอย่างโรแมนติก ภาพวาดชุด Bukhara ทำให้เขาทัดเทียมกับศิลปินในระดับที่สูงมาก

ลำดับที่ 18. Boris Grigoriev (2429-2482)

“ Shepherd in the Mountains” (“ Klyuev the Shepherd”) (1920) - 3.72 ล้านดอลลาร์ (ปีที่ขาย - 2008 Sotheby's)
ในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ผ่านมา ศิลปินมีชื่อเสียงในฐานะ "นักประวัติศาสตร์แห่งจิตวิญญาณสลาฟ" ในผลงานของเขาเขาสามารถแสดงจิตวิญญาณและแก่นแท้ของตัวละครรัสเซียได้อย่างไม่มีใครเหมือน นับตั้งแต่ทศวรรษ 2000 ผลงานของเขามีมูลค่าสูงในการประมูล โดยผลงานของศิลปิน 7 ชิ้นถูกขายในราคา 14.2 ล้านเหรียญสหรัฐ

ลำดับที่ 19 คุซมา เปตรอฟ-วอดกิน (2421-2482)

"ยังมีชีวิตอยู่. แอปเปิ้ลและไข่" 2464) - 3.6 ล้านดอลลาร์ (ปีที่ขาย - 2555 MacDougall's)
ผลงานของศิลปินได้รับอิทธิพลจากกระแสศิลปะอาร์ตนูโว ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ในรูปแบบของลวดลายทางศาสนาและตะวันออก เมื่อสองปีก่อน รูปของเด็กชายวาสยาถูกขายไปในราคา 2.7 ล้านเหรียญสหรัฐ

ลำดับที่ 20. ยูริ อันเนนคอฟ (2432-2517)

“ ภาพเหมือนของ A.N. Tikhonov” (2465) - ประมาณ 2.26 ล้านดอลลาร์ (ปีที่ขาย - 2550 คริสตี้)

ภาพเหมือนของนักเขียน Tikhonov เพื่อนของครอบครัว Annenkov สร้างในรูปแบบของภาพต่อกันโดยใช้แก้วปูนปลาสเตอร์และกริ่งประตูธรรมชาติ

เมื่อดูการจัดอันดับงานศิลปะของศิลปินรัสเซียที่แพงที่สุดแล้ว เราก็มั่นใจอีกครั้งว่า "วิธีที่ดีที่สุดสำหรับศิลปินที่จะขึ้นราคางานของเขาคือการตาย" เพียงหนึ่งในรายการข้างต้น Ilya Kabakov (1933) ปัจจุบันอาศัยอยู่ในนิวยอร์กและเป็นสมาชิกกิตติมศักดิ์ต่างประเทศของ Russian Academy of Arts

แต่เวลากำลังเปลี่ยนแปลงและตอนนี้แม้แต่เด็กที่มีพรสวรรค์ในการวาดภาพก็สามารถสร้างรายได้มากมายจากงานของเขา:

การจัดอันดับผลงานที่แพงที่สุดของศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่คือการก่อสร้างที่พูดถึงบทบาทและสถานที่ของศิลปินในประวัติศาสตร์ศิลปะน้อยกว่าเรื่องอายุและสุขภาพ

กฎในการรวบรวมคะแนนของเรานั้นง่าย: ประการแรก เฉพาะการทำธุรกรรมกับผลงานของผู้เขียนที่ยังมีชีวิตอยู่เท่านั้นที่จะถูกนำมาพิจารณา ประการที่สอง พิจารณาเฉพาะการขายทอดตลาดสาธารณะเท่านั้น และประการที่สามกฎ "ศิลปินหนึ่งคน - งานเดียว" ถูกปฏิบัติตาม (หากในการจัดอันดับผลงานสองบันทึกเป็นของโจนส์ก็จะเหลือเพียงอันที่แพงที่สุดเท่านั้นและส่วนที่เหลือจะไม่ถูกนำมาพิจารณา) การจัดอันดับจะดำเนินการในรูปของดอลลาร์ (ตามอัตราแลกเปลี่ยน ณ วันที่ขาย)

1. เจฟฟ์ คูนส์ แรบบิท 1986. 91.075 ล้านดอลลาร์

ยิ่งคุณดูอาชีพการประมูลของ Jeff Koons (1955) นานเท่าไร คุณก็ยิ่งมั่นใจว่าไม่มีอะไรที่เป็นไปไม่ได้สำหรับศิลปะป๊อปอาร์ต คุณสามารถชื่นชมรูปปั้นของ Koons ในรูปแบบของของเล่นบอลลูนหรือจะถือว่ามันเป็นของไร้ค่าและรสนิยมที่ไม่ดีก็ได้ - ถูกต้อง สิ่งหนึ่งที่ปฏิเสธไม่ได้: การติดตั้งของ Jeff Koons ต้องใช้เงินมหาศาล

Jeff Koons เริ่มต้นเส้นทางสู่ชื่อเสียงในฐานะศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในโลกเมื่อปี 2550 เมื่อผลงานศิลปะจัดวางขนาดยักษ์ "Hanging Heart" ถูกซื้อในราคา 23.6 ล้านเหรียญสหรัฐที่ Sotheby's ผลงานนี้ถูกซื้อโดยแกลเลอรีของ Larry Gagosian ซึ่งเป็นตัวแทนของ Koons เขียนว่าเพื่อประโยชน์ของมหาเศรษฐีชาวยูเครน Victor Pinchuk) แกลเลอรีไม่เพียงได้มาซึ่งการติดตั้ง แต่ในความเป็นจริงแล้วงานศิลปะเครื่องประดับแม้ว่างานจะไม่ได้ทำจากทองคำ (วัสดุเป็นสแตนเลส) และมันก็เป็น มีขนาดใหญ่กว่าจี้ธรรมดาอย่างเห็นได้ชัด (รูปปั้นสูง) 2.7 ม. หนัก 1,600 กก.) แต่มีจุดประสงค์คล้ายกันใช้เวลามากกว่าหกพันชั่วโมงในการผลิตองค์ประกอบด้วยหัวใจที่ปกคลุมไปด้วยสิบ การทาสีหลายชั้นส่งผลให้มีการจ่ายเงินจำนวนมากสำหรับ "การตกแต่ง" ที่งดงาม

ถัดมาคือการขาย "Balloon Flower" สีม่วงในราคา 12.92 ล้านปอนด์ (25.8 ล้านเหรียญสหรัฐ) ในการประมูลของ Christie's London เมื่อวันที่ 30 มิถุนายน 2551 สิ่งที่น่าสนใจคือเมื่อเจ็ดปีก่อน เจ้าของ "ฟลาวเวอร์" คนก่อนซื้องานนี้ด้วยราคา 1.1 ล้านดอลลาร์ เป็นเรื่องง่ายที่จะคำนวณว่าในช่วงเวลานี้ราคาในตลาดเพิ่มขึ้นเกือบ 25 เท่า

การลดลงของตลาดศิลปะในช่วงปี 2551-2552 ทำให้ผู้คลางแคลงใจบ่นว่าแฟชั่นของ Koons ผ่านไปแล้ว แต่พวกเขาคิดผิด: ความสนใจในผลงานของ Koons ก็ฟื้นขึ้นมาพร้อมกับตลาดศิลปะ ผู้สืบทอดตำแหน่งของ Andy Warhol ในฐานะราชาแห่งป๊อปอาร์ตได้ปรับปรุงบันทึกส่วนตัวของเขาในเดือนพฤศจิกายน 2555 ด้วยการขายประติมากรรมหลากสี “Tulips” จากซีรีส์ “Celebration” ในราคา 33.7 ล้านเหรียญสหรัฐที่ Christie's รวมค่าคอมมิชชันแล้ว

แต่ "ทิวลิป" นั้นเป็น "ดอกไม้" ในความหมายที่แท้จริงและเป็นรูปเป็นร่าง เพียงหนึ่งปีต่อมาในเดือนพฤศจิกายน 2013 ก็มีการขายประติมากรรมสแตนเลส “Balloon Dog (สีส้ม)” ตามมา ราคาค้อนสูงถึง 58.4 ล้านเหรียญสหรัฐ! จำนวนเงินที่ยอดเยี่ยมสำหรับศิลปินที่มีชีวิต ผลงานของนักเขียนร่วมสมัยถูกขายในราคาเดียวกับภาพวาดของ Van Gogh หรือ Picasso พวกนี้เป็นเบอร์รี่อยู่แล้ว...

ด้วยเหตุนี้ Koons จึงครองตำแหน่งสูงสุดในการจัดอันดับศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่เป็นเวลาหลายปี ในเดือนพฤศจิกายน 2018 เขาแซงหน้า David Hockney ในช่วงสั้นๆ (ดูอันดับสองในอันดับของเรา) แต่เพียงหกเดือนต่อมาทุกอย่างก็กลับมาเป็นปกติ: เมื่อวันที่ 15 พฤษภาคม 2019 ในนิวยอร์กในการประมูลงานศิลปะหลังสงครามและศิลปะร่วมสมัยที่ Christie's ประติมากรรมตำราเรียนสำหรับ Koons จากปี 1986 ก็ถูกนำไปขาย - เงิน “ Rabbit” ทำจากสแตนเลส เลียนแบบลูกโป่งที่มีรูปร่างคล้ายกัน

โดยรวมแล้ว Koons ได้สร้างเรื่องตลก 3 เรื่องพร้อมสำเนาต้นฉบับหนึ่งฉบับ การประมูลรวมสำเนา "Rabbit" หมายเลข 2 - จากคอลเลกชันของผู้จัดพิมพ์ลัทธิ Cy Newhouse เจ้าของร่วมของสำนักพิมพ์ Conde Nast (นิตยสาร Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ ฯลฯ ) Cy Newhouse ซึ่งเป็น "บิดาแห่งความเย้ายวนใจ" ซื้อ "Rabbit" เงินในปี 1992 ด้วยมูลค่ารวมที่น่าประทับใจตามมาตรฐานของหลายปีที่ผ่านมา - 1 ล้านเหรียญสหรัฐ หลังจาก 27 ปีในการต่อสู้ของผู้ประมูล 10 ราย ราคาค้อนของประติมากรรมนั้นสูงถึง 80 เท่าของราคาขายครั้งก่อน และเมื่อคำนึงถึงค่าคอมมิชชันพรีเมียมของผู้ซื้อ ผลลัพธ์สุดท้ายคือ 91.075 ล้านดอลลาร์ ซึ่งเป็นสถิติสำหรับศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ทุกคน

2. ภาพเหมือนของ DAVID HOCKNEY ของศิลปิน สระน้ำที่มีสองร่าง 1972. 90,312,500 ดอลลาร์

David Hockney (1937) เป็นหนึ่งในศิลปินชาวอังกฤษที่สำคัญที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ในปี 2011 จากการสำรวจศิลปินและประติมากรชาวอังกฤษมืออาชีพหลายพันคน David Hockney ได้รับการโหวตให้เป็นศิลปินชาวอังกฤษที่ทรงอิทธิพลที่สุดตลอดกาล ในเวลาเดียวกัน Hockney เอาชนะปรมาจารย์เช่น William Turner และ Francis Bacon โดยปกติงานของเขาจะจัดอยู่ในประเภทป๊อปอาร์ต แม้ว่าผลงานในช่วงแรกๆ ของเขาจะเน้นไปที่การแสดงออกในจิตวิญญาณของฟรานซิส เบคอนมากกว่า

David Hockney เกิดและเติบโตในอังกฤษ ในเขตยอร์กเชียร์ แม่ของศิลปินในอนาคตทำให้ครอบครัวเคร่งครัดและพ่อของเขาซึ่งเป็นนักบัญชีธรรมดาที่วาดรูปมือสมัครเล่นนิดหน่อยก็สนับสนุนให้ลูกชายของเขาวาดภาพ ในวัยยี่สิบ เดวิดย้ายไปแคลิฟอร์เนีย ซึ่งเขาอาศัยอยู่รวมประมาณสามทศวรรษ เขายังคงมีเวิร์คช็อปสองแห่งที่นั่น ฮ็อคนีย์ทำให้วีรบุรุษในผลงานของเขากลายเป็นเศรษฐีในท้องถิ่น มีวิลล่า สระว่ายน้ำ และสนามหญ้าที่เปียกโชกภายใต้แสงแดดของแคลิฟอร์เนีย ผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของเขาในยุคอเมริกา - ภาพวาด "Splash" - เป็นภาพละอองน้ำที่พุ่งขึ้นมาจากสระน้ำหลังจากที่ชายคนหนึ่งกระโดดลงไปในน้ำ เพื่อพรรณนาถึงฟ่อนข้าวนี้ ซึ่ง "มีชีวิต" ไม่เกินสองวินาที Hockney ทำงานเป็นเวลาสองสัปดาห์ อย่างไรก็ตาม ภาพวาดนี้ขายที่ Sotheby's ในปี 2549 ในราคา 5.4 ล้านเหรียญสหรัฐ และในบางครั้งถือเป็นงานที่แพงที่สุดของเขา

Hockney (1937) มีอายุเกินแปดสิบแล้ว แต่เขายังคงทำงานและคิดค้นเทคนิคทางศิลปะใหม่ ๆ โดยใช้นวัตกรรมทางเทคนิค กาลครั้งหนึ่งเขามีความคิดที่จะสร้างภาพปะติดขนาดใหญ่จากโพลารอยด์ พิมพ์ผลงานของเขาบนเครื่องแฟกซ์ และทุกวันนี้ศิลปินได้ฝึกฝนการวาดภาพบน iPad อย่างกระตือรือร้น ภาพวาดที่วาดบนแท็บเล็ตครอบครองสถานที่ที่สมควรในนิทรรศการของเขา

ในปี 2548 ในที่สุด Hockney ก็กลับมาจากอเมริกาไปอังกฤษ ตอนนี้เขาวาดภาพในที่โล่งและในสตูดิโอขนาดใหญ่ (มักประกอบด้วยหลายส่วน) ทิวทัศน์ของป่าไม้และป่าในท้องถิ่น จากข้อมูลของ Hockney ในช่วง 30 ปีที่เขาอยู่ในแคลิฟอร์เนีย เขาไม่คุ้นเคยกับการเปลี่ยนแปลงของฤดูกาลที่เรียบง่ายจนทำให้เขาหลงใหลและหลงใหลอย่างแท้จริง ผลงานล่าสุดของเขาทั้งรอบนั้นเน้นไปที่ภูมิทัศน์เดียวกันในช่วงเวลาต่างๆ ของปี

ในปี 2018 ราคาภาพวาดของ Hockney ทะลุ 10 ล้านดอลลาร์หลายครั้ง และเมื่อวันที่ 15 พฤศจิกายน 2018 Christie’s ได้สร้างสถิติใหม่ให้กับผลงานของศิลปินที่มีชีวิต โดยมีมูลค่า 90,312,500 ดอลลาร์สหรัฐฯ สำหรับภาพวาด “Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)”

3. เกอร์ฮาร์ด ริชเตอร์ จิตรกรรมนามธรรม พ.ศ. 2529 46.3 ล้านดอลลาร์

การใช้ชีวิตแบบคลาสสิก แกร์ฮาร์ด ริกเตอร์ (1932)เกิดขึ้นที่สองในการจัดอันดับของเรา ศิลปินชาวเยอรมันคนนี้เป็นผู้นำในหมู่เพื่อนร่วมงานที่ยังมีชีวิตอยู่จนกระทั่งสถิติ 58 ล้านของ Jeff Koons พังทลายลง แต่เหตุการณ์นี้ไม่น่าจะสั่นคลอนอำนาจเหล็กที่มีอยู่แล้วของ Richter ในตลาดศิลปะได้ ในช่วงสิ้นปี 2555 มูลค่าการประมูลประจำปีของศิลปินชาวเยอรมันรายนี้เป็นอันดับสองรองจาก Andy Warhol และ Pablo Picasso

หลายปีที่ผ่านมา ไม่มีอะไรสามารถคาดเดาถึงความสำเร็จที่เกิดขึ้นกับริกเตอร์ได้ในขณะนี้ เป็นเวลาหลายทศวรรษแล้วที่ศิลปินครอบครองสถานที่ที่เรียบง่ายในตลาดศิลปะร่วมสมัยและไม่ได้ต่อสู้เพื่อชื่อเสียงเลย เราสามารถพูดได้ว่าชื่อเสียงมาทันเขาด้วยตัวมันเอง หลายคนคิดว่าจุดเริ่มต้นคือการซื้อผลงานชุดหนึ่งของ Richter "18 ตุลาคม 1977" โดย New York Museum of MoMA ในปี 1995 พิพิธภัณฑ์อเมริกันแห่งนี้จ่ายเงิน 3 ล้านเหรียญสหรัฐเพื่อซื้อภาพวาดโทนสีเทา 15 ชิ้น และในไม่ช้าก็เริ่มคิดถึงการจัดแสดงผลงานย้อนหลังของศิลปินชาวเยอรมันรายนี้ นิทรรศการอันยิ่งใหญ่นี้เปิดขึ้นในหกปีต่อมาในปี 2544 และตั้งแต่นั้นมาความสนใจในงานของ Richter ก็เพิ่มขึ้นอย่างก้าวกระโดด ตั้งแต่ปี 2547 ถึง 2551 ราคาภาพวาดของเขาเพิ่มขึ้นสามเท่า ในปี 2010 ผลงานของ Richter สร้างรายได้ 76.9 ล้านเหรียญสหรัฐ ในปี 2011 ตามข้อมูลของเว็บไซต์ Artnet ผลงานของ Richter ในการประมูลมีรายได้รวม 200 ล้านเหรียญสหรัฐ และในปี 2012 (อ้างอิงจาก Artprice) - 262.7 ล้านเหรียญสหรัฐ - มากกว่าผลงานของคนอื่นๆ ศิลปินที่มีชีวิต

ตัวอย่างเช่น ความสำเร็จอย่างท่วมท้นของ Jasper Johns ในการประมูลมาพร้อมกับผลงานในยุคแรกๆ ของเขาเท่านั้น การแบ่งส่วนที่ชัดเจนเช่นนี้ไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับงานของ Richter ความต้องการสิ่งของต่างๆ จากยุคสร้างสรรค์ที่แตกต่างกันมีความเสถียรพอๆ กัน ซึ่งมีจำนวนมากใน อาชีพของริกเตอร์ ในช่วงหกสิบปีที่ผ่านมา ศิลปินคนนี้ได้ลองใช้ตัวเองในการวาดภาพแบบดั้งเดิมเกือบทุกประเภท ไม่ว่าจะเป็นภาพบุคคล ภูมิทัศน์ ทางทะเล ภาพเปลือย ภาพหุ่นนิ่ง และแน่นอนว่าเป็นภาพนามธรรม

ประวัติความเป็นมาของบันทึกการประมูลของริกเตอร์เริ่มต้นจากชุดหุ่นนิ่ง "เทียน" ภาพเทียนเสมือนจริง 27 ภาพในช่วงต้นทศวรรษ 1980 ในช่วงเวลาของการวาดภาพ มีราคาเพียง 15,000 มาร์กเยอรมัน ($5,800) ต่องาน แต่ก็ยังไม่มีใครซื้อ "เทียน" ในนิทรรศการครั้งแรกที่ Max Hetzler Gallery ในเมืองสตุ๊ตการ์ท จากนั้นรูปแบบของภาพเขียนก็ถูกเรียกว่าล้าสมัย ปัจจุบัน “เทียน” ถือเป็นงานตลอดกาล และมีค่าใช้จ่ายหลายล้านดอลลาร์

ในเดือนกุมภาพันธ์ พ.ศ. 2551 "เทียน"เขียนในปี 1983 ถูกซื้อมาโดยไม่คาดคิดในราคาปอนด์ 7.97 ล้าน (16 ล้านดอลลาร์)- บันทึกส่วนตัวนี้กินเวลาสามปีครึ่ง แล้ว ในเดือนตุลาคม 2554อีกอันหนึ่ง "เทียน" (2525)ไปอยู่ใต้ค้อนที่ Christie's ด้วยเงินปอนด์ 10.46 ล้าน (16.48 ล้านดอลลาร์)- ด้วยสถิตินี้ Gerhard Richter เข้าสู่สามศิลปินที่ประสบความสำเร็จสูงสุดที่ยังมีชีวิตอยู่เป็นครั้งแรก โดยตามหลัง Jasper Johns และ Jeff Koons

จากนั้นการเดินขบวนแห่งชัยชนะของ "ภาพวาดนามธรรม" ของริกเตอร์ก็เริ่มขึ้น ศิลปินวาดภาพผลงานดังกล่าวโดยใช้เทคนิคเฉพาะของเขา: เขาใช้ส่วนผสมของสีเรียบง่ายบนพื้นหลังสีอ่อน จากนั้นใช้มีดโกนยาวขนาดเท่ากันชนรถยนต์ทาให้ทั่วผืนผ้าใบ สิ่งนี้ทำให้เกิดการเปลี่ยนสี จุด และแถบที่ซับซ้อน การตรวจสอบพื้นผิวของ "ภาพวาดนามธรรม" ของเขานั้นเหมือนกับการขุดค้น: ร่องรอยของ "ร่าง" ต่างๆ ปรากฏให้เห็นผ่านช่องว่างของชั้นหลากสีมากมาย

9 พฤศจิกายน 2554ในการประมูลงานศิลปะร่วมสมัยและหลังสงครามของ Sotheby ขนาดใหญ่ "จิตรกรรมนามธรรม (849-3)"ปี 1997 ตกอยู่ใต้ค้อนเพื่อ 20.8 ล้านดอลลาร์ (13.2 ล้านปอนด์)- และหกเดือนต่อมา 8 พฤษภาคม 2555ในการประมูลงานศิลปะหลังสงครามและศิลปะร่วมสมัยที่ Christie's ในนิวยอร์ก "จิตรกรรมนามธรรม (798-3)"พ.ศ. 2536 ได้รับการบันทึก 21.8 ล้านดอลลาร์(รวมค่าคอมมิชชั่น) ห้าเดือนต่อมา - อีกบันทึกหนึ่ง: "จิตรกรรมนามธรรม (809-4)"จากคอลเลกชั่นนักดนตรีร็อค Eric Clapton เมื่อวันที่ 12 ตุลาคม 2555 ที่ Sotheby's ในลอนดอนตกอยู่ใต้ค้อนด้วยเงินปอนด์ 21.3 ล้าน (34.2 ล้านดอลลาร์)- ริกเตอร์ยึดกำแพง 30 ล้านอย่างง่ายดายราวกับว่าเราไม่ได้พูดถึงภาพวาดสมัยใหม่ แต่เกี่ยวกับผลงานชิ้นเอกที่มีอายุหนึ่งร้อยปีแล้ว - ไม่น้อยไปกว่านี้ แม้ว่าในกรณีของริกเตอร์ ดูเหมือนว่าการรวมไว้ในวิหารแห่ง "ผู้ยิ่งใหญ่" นั้นเกิดขึ้นในช่วงชีวิตของศิลปิน ราคางานของชาวเยอรมันยังคงเพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่อง

บันทึกต่อไปของ Richter เป็นของงานภาพเหมือนจริง - ภูมิทัศน์ "จัตุรัสอาสนวิหาร มิลาน (ดอมพลัทซ์ เมแลนด์)" 1968. งานขายเพื่อ 37.1 ล้านในการประมูลของ Sotheby 14 พฤษภาคม 2556- ทิวทัศน์ของจัตุรัสที่สวยที่สุดนี้วาดโดยศิลปินชาวเยอรมันในปี 1968 โดยได้รับมอบหมายจาก Siemens Electro โดยเฉพาะสำหรับสำนักงานในมิลานของบริษัท ในขณะที่เขียน งานชิ้นนี้ถือเป็นงานเปรียบเทียบที่ใหญ่ที่สุดของริกเตอร์ (ขนาดเกือบ 3 x 3 เมตร)

บันทึกของ Cathedral Square กินเวลาเกือบสองปีจนกระทั่ง 10 กุมภาพันธ์ 2558ไม่ได้ขัดจังหวะเขา "จิตรกรรมนามธรรม" ( 1986): ราคาค้อนถึง £ 30.389 ล้าน (46.3 ล้านดอลลาร์)- “ภาพวาดนามธรรม” ขนาด 300.5 × 250.5 ซม. นำมาประมูลที่ Sotheby’s เป็นหนึ่งในผลงานขนาดใหญ่ชิ้นแรกๆ ของ Richter ในเทคนิคพิเศษของผู้เขียนในการขูดชั้นสีออก ครั้งสุดท้ายในปี 1999 “ภาพวาดนามธรรม” นี้ถูกซื้อในการประมูลในราคา 607,000 ดอลลาร์ (ตั้งแต่ปีนี้จนถึงการขายในปัจจุบัน ผลงานนี้จัดแสดงที่พิพิธภัณฑ์ลุดวิกในโคโลญ) ในการประมูลเมื่อวันที่ 10 กุมภาพันธ์ 2558 ลูกค้าชาวอเมริกันในขั้นตอนการประมูล 2 ล้านปอนด์มีราคาค้อนถึง 46.3 ล้านดอลลาร์ นั่นคือตั้งแต่ปี 1999 งานดังกล่าวมีราคาเพิ่มขึ้นมากกว่า 76 เท่า!

4. CUI ZHUZHO “ภูเขาหิมะอันยิ่งใหญ่” 2013. 39.577 ล้านดอลลาร์

เป็นเวลานานแล้วที่เราไม่ได้ติดตามพัฒนาการของสถานการณ์ในตลาดศิลปะจีนอย่างใกล้ชิด โดยไม่ต้องการให้ข้อมูลมากเกินไปเกี่ยวกับงานศิลปะที่ "ไม่ใช่ของเรา" แก่ผู้อ่าน ยกเว้น Ai Weiwei ผู้ไม่เห็นด้วยซึ่งมีราคาไม่แพงเท่าที่เขาเป็นศิลปินที่มีเสียงสะท้อน นักเขียนชาวจีนดูเหมือนจะมีจำนวนมากเกินไปและห่างไกลจากเราที่จะเจาะลึกถึงสิ่งที่เกิดขึ้นในตลาดของพวกเขา แต่สถิติอย่างที่พวกเขาพูดนั้นจริงจังและหากเรากำลังพูดถึงนักเขียนที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในโลกเราก็ยังคงทำไม่ได้หากไม่มีเรื่องราวเกี่ยวกับตัวแทนที่โดดเด่นของศิลปะร่วมสมัยในจักรวรรดิซีเลสเชียล

เริ่มจากศิลปินจีนกันก่อน ฉุย หรู่จั่ว- ศิลปินเกิดในปี 1944 ในกรุงปักกิ่ง และอาศัยอยู่ในสหรัฐอเมริกาตั้งแต่ปี 1981 ถึง 1996 หลังจากกลับมาที่ประเทศจีน เขาเริ่มสอนที่ National Academy of Arts Cui Ruzhuo ตีความภาพวาดหมึกสไตล์จีนดั้งเดิมอีกครั้ง และสร้างภาพวาดม้วนกระดาษขนาดใหญ่ที่นักธุรกิจและเจ้าหน้าที่ชาวจีนชอบมอบให้กันเป็นของขวัญ ในโลกตะวันตก ไม่ค่อยมีใครรู้จักเขามากนัก แม้ว่าหลายคนจะต้องจดจำเรื่องราวของม้วนหนังสือมูลค่า 3.7 ล้านดอลลาร์ ซึ่งพนักงานทำความสะอาดแห่งหนึ่งในฮ่องกงโยนทิ้งไปอย่างเข้าใจผิด โดยเข้าใจผิดว่าเป็นขยะ ดังนั้น มันเป็นคัมภีร์ของ Cui Ruzhuo อย่างแน่นอน

Cui Ruzhuo มีอายุมากกว่า 70 ปีแล้ว และตลาดผลงานของเขากำลังเฟื่องฟู ผลงานของศิลปินคนนี้มากกว่า 60 ชิ้นมีมูลค่าเกิน 1 ล้านเหรียญสหรัฐ อย่างไรก็ตาม จนถึงขณะนี้ผลงานของเขาประสบความสำเร็จเฉพาะในการประมูลในจีนเท่านั้น บันทึกของ Cui Ruzhuo นั้นน่าประทับใจอย่างแท้จริง ก่อนอื่นเขา "ทิวทัศน์ในหิมะ"ที่งาน Poly Auction ที่ฮ่องกง 7 เมษายน 2014บรรลุราคาค้อนถึง 184 ล้านเหรียญฮ่องกง ( 23.7 ล้านเหรียญสหรัฐ).

อีกหนึ่งปีต่อมา 6 เมษายน 2558ในการประมูลโพลีพิเศษในฮ่องกงที่อุทิศให้กับผลงานของ Cui Ruzhuo ซีรีส์โดยเฉพาะ “ทิวทัศน์หิมะอันยิ่งใหญ่แห่งภูเขาเจียงหนาน”(เจียงหนานเป็นภูมิภาคประวัติศาสตร์ในประเทศจีน ครอบครองฝั่งขวาของแม่น้ำแยงซีตอนล่าง) หมึกแปดชนิดบนกระดาษทิวทัศน์มีราคาสูงถึง 236 ล้านดอลลาร์ฮ่องกง ( 30.444 ล้านดอลลาร์สหรัฐ).

หนึ่งปีต่อมา ประวัติศาสตร์ซ้ำรอยอีกครั้งในการประมูลเดี่ยวของ Cui Ruzhuo ซึ่งจัดขึ้นโดย Poly Auctions ในฮ่องกง 4 เมษายน 2559 polyptych หกส่วน “ภูเขาหิมะอันยิ่งใหญ่”ปี 2013 มีราคาค้อนทุบ (รวมค่าคอมมิชชันของการประมูล) อยู่ที่ 306 ล้านฮ่องกงดอลลาร์ (39.577 ล้านเหรียญสหรัฐ)- จนถึงตอนนี้ นี่ถือเป็นสถิติที่สมบูรณ์แบบในหมู่ศิลปินที่ยังมีชีวิตชาวเอเชีย

ตามที่ผู้ค้างานศิลปะ Johnson Chan ซึ่งทำงานกับงานศิลปะร่วมสมัยของจีนมาเป็นเวลา 30 ปีมีความปรารถนาอย่างไม่มีเงื่อนไขที่จะขึ้นราคาสำหรับงานของผู้เขียนคนนี้ แต่ทั้งหมดนี้เกิดขึ้นในระดับราคาที่นักสะสมที่มีประสบการณ์ไม่น่าจะต้องการ จะซื้ออะไรก็ได้ “ชาวจีนต้องการเพิ่มเรตติ้งศิลปินด้วยการเพิ่มราคาผลงานของพวกเขาในการประมูลระดับนานาชาติขนาดใหญ่ เช่นเดียวกับการประมูลที่ Poly ในฮ่องกง แต่ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเรตติ้งเหล่านี้ถูกสร้างขึ้นมาโดยสิ้นเชิง” Johnson Chan แสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับ Cui ผลงานล่าสุดของ Ruzhuo

แน่นอนว่านี่เป็นเพียงความเห็นของตัวแทนจำหน่ายรายเดียว แต่เรามีบันทึกจริงบันทึกไว้ในฐานข้อมูลทั้งหมด ดังนั้นเราจะคำนึงถึงเขาด้วย Cui Ruzhuo เองเมื่อพิจารณาจากคำพูดของเขาแล้ว ยังห่างไกลจากความสุภาพเรียบร้อยของ Gerhard Richter เมื่อพูดถึงความสำเร็จในการประมูลของเขา ดูเหมือนว่าการแข่งขันเพื่อบันทึกครั้งนี้ทำให้เขาหลงใหลอย่างมาก “ฉันหวังว่าในอีก 5-10 ปีข้างหน้า ราคาผลงานของฉันจะสูงกว่าราคาผลงานของปรมาจารย์ชาวตะวันตกอย่างปิกัสโซและแวนโก๊ะ” นี่คือความฝันของจีน” Cui Ruzhuo กล่าว

5. แจสเปอร์ โจนส์ ธง. พ.ศ. 2526 36 ล้านดอลลาร์

อันดับที่สามในการจัดอันดับศิลปินที่มีชีวิตเป็นของชาวอเมริกัน แจสเปอร์ จอห์นส์ (1930)- ราคาบันทึกปัจจุบันสำหรับงานของ Jones คือ $ 36 ล้าน- พวกเขาจ่ายเงินมากมายเพื่อชื่อเสียงของเขา "ธง"ในการประมูลของคริสตี้ 12 พฤศจิกายน 2557.

ชุดภาพวาด "ธง" ซึ่งเริ่มโดยโจนส์ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 ทันทีหลังจากที่ศิลปินกลับจากกองทัพ กลายเป็นหนึ่งในผลงานหลักของเขา แม้แต่ในวัยหนุ่ม ศิลปินก็เริ่มสนใจแนวคิดเรื่องสำเร็จรูปซึ่งเป็นการเปลี่ยนวัตถุในชีวิตประจำวันให้กลายเป็นงานศิลปะ อย่างไรก็ตาม ธงของโจนส์ไม่มีอยู่จริง แต่ถูกเขียนด้วยสีน้ำมันบนผ้าใบ ดังนั้นงานศิลปะจึงได้รับคุณสมบัติของสิ่งของจากชีวิตธรรมดาในขณะเดียวกันก็เป็นทั้งรูปธงและตัวธงเอง ผลงานหลายชุดที่มีธงทำให้ Jasper Johns มีชื่อเสียงไปทั่วโลก แต่ผลงานนามธรรมของเขากลับได้รับความนิยมไม่น้อย เป็นเวลาหลายปีที่รายการผลงานที่แพงที่สุดซึ่งรวบรวมตามกฎข้างต้นนำโดยบทคัดย่อของเขา "การเริ่มต้นที่ผิดพลาด"- จนถึงปี 2550 ผืนผ้าใบที่สดใสและตกแต่งอย่างดีซึ่งวาดโดยโจนส์ในปี 2502 ถือว่ามีราคาที่แทบจะเข้าถึงไม่ได้สำหรับศิลปินที่มีชีวิต (แม้จะคลาสสิกตลอดชีวิต) - $ 17 ล้าน- นั่นคือจำนวนเงินที่พวกเขาจ่ายเป็นทองคำเพื่อตลาดศิลปะ 1988.

สิ่งที่น่าสนใจคือ การดำรงตำแหน่งของ Jasper Johns ในฐานะเจ้าของสถิติไม่ได้ต่อเนื่องกัน ในปี 1989 งานของเพื่อนร่วมงานของเขา Willem de Kooning ถูกขัดจังหวะ: Blending ความยาว 2 เมตรถูกขายที่ Sotheby's ในราคา 20.7 ล้านเหรียญสหรัฐ แต่ 8 ปีต่อมาในปี 1997 de Kooning เสียชีวิต และ “ False Start by Jones ขึ้นอันดับหนึ่งในการจัดอันดับการประมูลศิลปินที่ยังมีชีวิตอีกครั้งในรอบเกือบ 10 ปี

แต่ในปี 2550 ทุกอย่างเปลี่ยนไป อัลบั้ม False Start ถูกบดบังครั้งแรกโดยผลงานของ Damien Hirst และ Jeff Koons ที่อายุน้อยและทะเยอทะยาน จากนั้นมีการขายภาพวาด "The Sleeping Benefits Inspector" ของ Lucien Freud มูลค่า 33.6 ล้านเหรียญสหรัฐ (ตอนนี้เสียชีวิตแล้วดังนั้นจึงไม่ได้มีส่วนร่วมในการจัดอันดับนี้) จากนั้นบันทึกของเกฮาร์ด ริชเตอร์ก็เริ่มต้นขึ้น โดยทั่วไปจนถึงขณะนี้ Jasper Johns หนึ่งในปรมาจารย์ด้านศิลปะหลังสงครามของอเมริกาซึ่งทำงานที่จุดตัดของนีโอดาดานิสม์ การแสดงออกเชิงนามธรรม และป๊อปอาร์ต ด้วยสถิติปัจจุบันอยู่ที่ 36 ล้านคน อยู่ในอันดับที่สามที่มีเกียรติ

6. เอ็ด รัชชีย์ ทุบ พ.ศ. 2506 30.4 ล้านดอลลาร์

ความสำเร็จอย่างกะทันหันของภาพวาด "Smash" โดยศิลปินชาวอเมริกัน เอ็ดเวิร์ด รัชเชย์ (เกิด พ.ศ. 2480)ในการประมูล คริสตี้ส์ 12 พฤศจิกายน 2557ทำให้ผู้เขียนคนนี้เป็นหนึ่งในศิลปินที่มีชีวิตค่าตัวแพงที่สุด ราคาบันทึกก่อนหน้านี้สำหรับงานของ Ed Rusha (นามสกุล Ruscha มักออกเสียงในภาษารัสเซียว่า "Rusha" แต่การออกเสียงที่ถูกต้องคือ Rusha) คือ "เพียง" 6.98 ล้านเหรียญสหรัฐ: เงินจำนวนนั้นจ่ายให้กับผ้าใบของเขา "The Burning Gas" สถานี” เมื่อปี ๒๕๕๐ เจ็ดปีต่อมา "ทุบ"โดยมีมูลค่าประมาณ 15–20 ล้านดอลลาร์ถึงราคาค้อน 30.4 ล้านเหรียญสหรัฐ- เห็นได้ชัดว่าตลาดผลงานของผู้เขียนคนนี้ก้าวไปสู่ระดับใหม่ - ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ Barack Obama ตกแต่งทำเนียบขาวด้วยผลงานของเขาและ Larry Gagosian เองก็จัดแสดงเขาในแกลเลอรี่ของเขา

Ed Ruscha ไม่เคยสนใจนิวยอร์กหลังสงครามด้วยความคลั่งไคล้ในการแสดงออกทางนามธรรม แต่เขากลับมองหาแรงบันดาลใจที่แคลิฟอร์เนียเป็นเวลามากกว่า 40 ปี ซึ่งเขาย้ายจากเนบราสกาเมื่ออายุ 18 ปี ศิลปินยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของการเคลื่อนไหวทางศิลปะแนวใหม่ที่เรียกว่าป๊อปอาร์ต Edward Ruscha ร่วมกับ Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud และนักร้องวัฒนธรรมสมัยนิยมคนอื่น ๆ เข้าร่วมในนิทรรศการ "New Images of Ordinary Things" ที่พิพิธภัณฑ์ Pasadena ในปี 1962 ซึ่งกลายเป็นนิทรรศการพิพิธภัณฑ์แห่งแรกของศิลปะป๊อปอาร์ตอเมริกัน อย่างไรก็ตาม Ed Rusha เองก็ไม่ชอบเมื่องานของเขาถูกจัดว่าเป็นป๊อปอาร์ต แนวความคิด หรือการเคลื่อนไหวอื่น ๆ ในงานศิลปะ

สไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาเรียกว่า "การวาดภาพข้อความ" เริ่มต้นในช่วงปลายทศวรรษ 1950 Ed Ruscha เริ่มวาดภาพคำศัพท์ เช่นเดียวกับ Warhol ซุปกระป๋องกลายเป็นงานศิลปะ สำหรับ Ed Rushay นี่เป็นคำและวลีธรรมดาๆ ที่นำมาจากป้ายโฆษณาหรือบรรจุภัณฑ์ในซูเปอร์มาร์เก็ต หรือจากเครดิตของภาพยนตร์ (ฮอลลีวูดมักจะ "อยู่ใกล้" สำหรับ Rushay แตกต่างจากศิลปินคนอื่นๆ Rusche เคารพ "โรงงานในฝัน") ข้อความบนผืนผ้าใบของเขาได้รับคุณสมบัติของวัตถุสามมิติสิ่งเหล่านี้คือสิ่งมีชีวิตที่แท้จริงของคำ เมื่อมองผืนผ้าใบของเขา สิ่งแรกที่นึกถึงคือการรับรู้ด้วยภาพและเสียงของคำที่ทาสี และตามด้วยความหมายเชิงความหมายเท่านั้น ตามกฎแล้วสิ่งหลังไม่สามารถถอดรหัสได้อย่างชัดเจน การเลือกคำและวลีของ Rushay สามารถตีความได้หลายวิธี คำสีเหลืองสดใสเดียวกัน "ชน" บนพื้นหลังสีน้ำเงินเข้มสามารถถูกมองว่าเป็นการเรียกร้องให้ทุบบางสิ่งบางอย่างหรือใครบางคนเป็นชิ้น ๆ เป็นคำคุณศัพท์ที่โดดเดี่ยวซึ่งไม่อยู่ในบริบท (เช่น ส่วนหนึ่งของพาดหัวข่าวหนังสือพิมพ์บางฉบับ) หรือเพียงเป็นคำที่แยกจากกันซึ่งอยู่ในกระแสของภาพที่มองเห็นในเมือง Ed Ruscha พอใจกับความไม่แน่นอนนี้ “ผมมีความเคารพอย่างสุดซึ้งต่อสิ่งแปลก ๆ และอธิบายไม่ได้... คำอธิบายในแง่หนึ่งทำลายสิ่งนั้น” เขากล่าวในการให้สัมภาษณ์

7. คริสโตเฟอร์วูล ไม่มีชื่อ (RIOT) 1990 29.93 ล้านดอลลาร์

ศิลปินชาวอเมริกัน คริสโตเฟอร์ วูล(1955) ติดอันดับศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่เป็นครั้งแรกในปี 2013 หลังจากขายผลงาน "Apocalypse Now" ในราคา 26.5 ล้านเหรียญสหรัฐ อัลบั้มนี้ทำให้เขาเทียบได้กับ Jasper Johns และ Gerhard Richter ทันที มูลค่าของการทำธุรกรรมครั้งประวัติศาสตร์นี้มากกว่า 20 ล้านดอลลาร์ ทำให้หลายคนประหลาดใจ เนื่องจากก่อนหน้านี้ราคาผลงานของศิลปินนั้นไม่เกิน 8 ล้านดอลลาร์ อย่างไรก็ตาม การเติบโตอย่างรวดเร็วของตลาดผลงานของ Christopher Wool ก็เห็นได้ชัดเจนในเวลานั้น: ของศิลปิน ประวัติประกอบด้วยธุรกรรมการประมูล 48 รายการมูลค่ามากกว่า 1 ล้านดอลลาร์ และ 22 รายการ (เกือบครึ่งหนึ่ง) เกิดขึ้นในปี 2556 สองปีต่อมาจำนวนผลงานของ Chris Wool ที่ขายได้มากกว่า 1 ล้านเหรียญสหรัฐถึง 70 ชิ้นและบันทึกส่วนตัวใหม่ก็มาไม่นาน ในงานประมูล งานของ Sotheby เมื่อวันที่ 12 พฤษภาคม 2558“ Untitled (RIOT)”ถูกขายในราคา $ 29.93 ล้านรวมถึงพรีเมี่ยมของผู้ซื้อ

คริสโตเฟอร์ วูลเป็นที่รู้จักจากผลงานขนาดใหญ่ที่ใช้ตัวอักษรสีดำบนแผ่นอลูมิเนียมสีขาว พวกเขาคือผู้ที่สร้างสถิติในการประมูลตามกฎ สิ่งเหล่านี้คือเรื่องราวทั้งหมดตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1980 - ต้นทศวรรษ 1990 ตามตำนานเล่าว่า วันหนึ่ง Wool กำลังเดินไปรอบๆ นิวยอร์กในตอนเย็น และทันใดนั้นก็เห็นกราฟฟิตี้เป็นตัวอักษรสีดำบนรถบรรทุกสีขาวคันใหม่ ซึ่งก็คือคำว่า sex และ luv ภาพนี้ทำให้เขาประทับใจมากจนเขากลับมาที่เวิร์กช็อปทันทีและเขียนเวอร์ชันของเขาเองด้วยคำเดียวกัน มันคือปี 1987 และการค้นหาคำและวลีของศิลปินเพิ่มเติมสำหรับงาน "จดหมาย" ของเขาสะท้อนให้เห็นถึงจิตวิญญาณที่ขัดแย้งกันในเวลานี้ นี่คือสโลแกน “ขายบ้าน ขายรถ ขายลูก” โดย วูล มาจากภาพยนตร์เรื่อง “Apocalypse Now” และคำว่า “FOOL” (“คนโง่”) เป็นตัวพิมพ์ใหญ่ และคำว่า “RIOT” (“การกบฏ”) ซึ่งมักพบในพาดหัวหนังสือพิมพ์ในสมัยนั้น

วูลใช้คำและวลีกับแผ่นอลูมิเนียมโดยใช้ลายฉลุที่มีสีอัลคิดหรือเคลือบฟัน โดยจงใจทิ้งหยดน้ำ รอยลายฉลุ และหลักฐานอื่น ๆ ของกระบวนการสร้างสรรค์ ศิลปินแบ่งคำในลักษณะที่ผู้ชมไม่เข้าใจความหมายในทันที ในตอนแรกคุณเห็นเพียงกลุ่มตัวอักษรนั่นคือคุณรับรู้ว่าคำนั้นเป็นเพียงวัตถุที่มองเห็นได้จากนั้นจึงอ่านและถอดรหัสความหมายของวลีหรือคำนั้น Wool ใช้แบบอักษรที่กองทัพอเมริกันใช้หลังสงครามโลกครั้งที่สอง ซึ่งช่วยเพิ่มความรู้สึกเกี่ยวกับคำสั่ง คำสั่ง หรือสโลแกน งาน "ตัวอักษร" เหล่านี้ถูกมองว่าเป็นส่วนหนึ่งของภูมิทัศน์เมือง เช่นเดียวกับกราฟฟิตี้ที่ผิดกฎหมายซึ่งละเมิดความสะอาดของพื้นผิวของวัตถุบนถนนบางชิ้น ผลงานชุดนี้ของคริสโตเฟอร์ วูลได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในจุดสุดยอดของนามธรรมทางภาษา และด้วยเหตุนี้จึงได้รับการยกย่องอย่างสูงจากผู้ชื่นชอบศิลปะร่วมสมัย

8. ปีเตอร์ ด็อก โรสเดล. พ.ศ. 2534 28.81 ล้านดอลลาร์

อังกฤษ ปีเตอร์ ด็อก(1959) แม้ว่าเขาจะอยู่ในรุ่นของ Koons และ Hirst ในยุคหลังสมัยใหม่ แต่ก็เลือกแนวภูมิทัศน์แบบดั้งเดิมสำหรับตัวเขาเองซึ่งไม่ได้รับความนิยมจากศิลปินขั้นสูงมาเป็นเวลานาน ด้วยผลงานของเขา Peter Doig ฟื้นความสนใจที่ลดลงของสาธารณชนในการวาดภาพเป็นรูปเป็นร่าง ผลงานของเขาได้รับการชื่นชมอย่างสูงจากทั้งนักวิจารณ์และผู้ที่ไม่ใช่ผู้เชี่ยวชาญ และหลักฐานที่แสดงว่านี่คือราคาที่เพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วสำหรับงานของเขา หากในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ภูมิประเทศของเขามีราคาหลายพันดอลลาร์ ตอนนี้ราคาก็สูงถึงหลายล้านดอลลาร์แล้ว

งานของ Doig มักถูกเรียกว่าความสมจริงที่มีมนต์ขลัง เขาสร้างภาพแฟนตาซี ลึกลับ และมืดมนโดยอิงจากทิวทัศน์จริง ศิลปินชอบวาดภาพวัตถุที่ผู้คนละทิ้ง เช่น อาคารทรุดโทรมที่สร้างโดยเลอ กอร์บูซีเยร์กลางป่า หรือเรือแคนูสีขาวว่างเปล่าบนพื้นผิวทะเลสาบในป่า นอกจากธรรมชาติและจินตนาการแล้ว Doig ยังได้รับแรงบันดาลใจจากภาพยนตร์สยองขวัญ โปสการ์ดเก่า ภาพถ่าย วิดีโอมือสมัครเล่น ฯลฯ ภาพวาดของโดอิกมีสีสัน ซับซ้อน ตกแต่ง และไม่ยั่วยุ รู้สึกยินดีเป็นอย่างยิ่งที่ได้เป็นเจ้าของภาพวาดดังกล่าว ความสนใจของนักสะสมยังได้รับแรงหนุนจากผลงานที่ต่ำของผู้เขียน: ศิลปินที่อาศัยอยู่ในตรินิแดดสร้างภาพเขียนได้ไม่เกินโหลต่อปี

ในช่วงต้นทศวรรษ 2000 ภูมิทัศน์แต่ละภาพโดยศิลปินขายได้ในราคาหลายแสนดอลลาร์ ในเวลาเดียวกัน ผลงานของ Doig ได้รวมอยู่ใน Saatchi Gallery, Whitney Museum Biennial และในคอลเลกชัน MoMA ในปี 2549 สามารถเอาชนะการประมูลระดับ 1 ล้านดอลลาร์ได้ และในปีต่อมาก็เกิดความก้าวหน้าอย่างไม่คาดคิด งาน "White Canoe" ที่เสนอที่ Sotheby's เมื่อวันที่ 7 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2550 ด้วยราคาประมาณ 0.8–1.2 ล้านดอลลาร์ ซึ่งสูงกว่านั้นถึงห้าเท่า กว่าประมาณการเบื้องต้นและขายได้ในราคา 5.7 ล้านปอนด์ (11.3 ล้านดอลลาร์) ในเวลานั้นนี่เป็นราคาสูงสุดเป็นประวัติการณ์สำหรับผลงานของศิลปินชาวยุโรปที่ยังมีชีวิตอยู่

ในปี 2008 Doig ได้จัดนิทรรศการเดี่ยวที่ Tate Gallery และพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในปารีส ป้ายราคาหลายล้านดอลลาร์สำหรับงานของ Doig กลายเป็นเรื่องปกติ บันทึกส่วนตัวของ Peter Doig เพิ่งเริ่มได้รับการอัปเดตปีละหลายครั้ง สิ่งที่เราทำได้คือเปลี่ยนภาพและสถานที่ของศิลปินรายนี้ในการจัดอันดับนักเขียนที่มีชีวิตของเรา

จนถึงปัจจุบัน งานที่แพงที่สุดของ Peter Doig คือภูมิทัศน์ที่เต็มไปด้วยหิมะ “Rosedale” จากปี 1991 สิ่งที่น่าสนใจคือบันทึกไม่ได้ถูกกำหนดไว้ที่ Sotheby's หรือ Christie's แต่เป็นการประมูลงานศิลปะร่วมสมัยที่บ้านประมูล Phillips เรื่องนี้เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 18 พฤษภาคม 2017 ทิวทัศน์ของย่าน Rosedale ในโตรอนโตที่เต็มไปด้วยหิมะถูกขายให้กับผู้ซื้อโทรศัพท์ในราคา 28.81 ล้านดอลลาร์ ซึ่งสูงกว่าสถิติก่อนหน้าประมาณ 3 ล้านดอลลาร์ (25.9 ล้านดอลลาร์สำหรับ "Swallowed by the Mire") "Rosedale" เข้าร่วมในนิทรรศการสำคัญของ Doig ที่ Whitechapel Gallery ในลอนดอนในปี 1998 และโดยทั่วไปแล้วผลงานชิ้นนี้เป็นผลงานใหม่ออกสู่ตลาด ดังนั้นจึงสมควรได้รับราคาเป็นประวัติการณ์

9. แฟรงก์ สเตลลา แหลมแห่งต้นสน พ.ศ. 2502 28 ล้านดอลลาร์

Frank Stella เป็นตัวแทนที่โดดเด่นของนามธรรมหลังจิตรกรและความเรียบง่ายในงานศิลปะ ในขั้นตอนหนึ่งเขาจัดว่าเป็นตัวแทนของรูปแบบการวาดภาพแบบขอบแข็ง ในตอนแรก สเตลลาเปรียบเทียบรูปทรงเรขาคณิตที่เข้มงวด ขาวดำนักพรต และโครงสร้างของภาพวาดของเขากับความเป็นธรรมชาติและความโกลาหลของภาพวาดของนักแสดงออกเชิงนามธรรมเช่นแจ็กสัน โพลลอค

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 ศิลปินได้รับความสนใจจากเจ้าของแกลเลอรีชื่อดัง Leo Castelli และได้รับรางวัลนิทรรศการเป็นครั้งแรก บนนั้นเขานำเสนอสิ่งที่เรียกว่า "ภาพวาดสีดำ" - ผืนผ้าใบที่วาดทับด้วยเส้นสีดำขนานกับช่องว่างบาง ๆ ของผืนผ้าใบที่ไม่ได้ทาสีระหว่างพวกเขา เส้นดังกล่าวก่อให้เกิดรูปทรงเรขาคณิต ซึ่งค่อนข้างชวนให้นึกถึงภาพลวงตา ภาพเดียวกันเหล่านั้นที่สั่นไหว เคลื่อนไหว บิดเบี้ยว สร้างความรู้สึกของห้วงอวกาศหากคุณมองมันเป็นเวลานาน สเตลลายังคงใช้รูปแบบของเส้นขนานที่มีแถบแบ่งบางๆ ในงานของเขาเกี่ยวกับอลูมิเนียมและทองแดง สี พื้นฐานภาพ และแม้แต่รูปร่างของภาพวาดเปลี่ยนไป (งานอื่น ๆ ที่มีรูปร่างเป็นตัวอักษร U, T, L โดดเด่น) แต่หลักการสำคัญของการวาดภาพของเขายังคงความชัดเจนของโครงร่าง ความยิ่งใหญ่ รูปแบบเรียบง่าย และเอกรงค์ ในทศวรรษต่อมา สเตลลาเปลี่ยนจากการวาดภาพเรขาคณิตไปสู่รูปแบบและเส้นที่เรียบเนียนเป็นธรรมชาติ และจากการวาดภาพสีเดียวไปสู่การเปลี่ยนสีที่สดใสและหลากหลาย ในช่วงทศวรรษ 1970 สเตลล่ารู้สึกประทับใจกับลวดลายขนาดใหญ่ที่ใช้ในการทาสีเรือ ศิลปินใช้สิ่งเหล่านี้ในการวาดภาพขนาดใหญ่ที่มีองค์ประกอบการประกอบ - เขารวมชิ้นส่วนของท่อเหล็กหรือตาข่ายลวดไว้ในผลงาน

ในการสัมภาษณ์ช่วงแรกๆ ของเขา แฟรงก์ สเตลลาพูดคุยอย่างเปิดเผยถึงความหมายที่ใส่เข้าไปในงานของเขา หรือพูดถึงการขาดความหมาย: “สิ่งที่คุณเห็นคือสิ่งที่คุณเห็น” ภาพวาดเป็นวัตถุในตัวเอง และไม่ใช่การทำซ้ำบางสิ่งบางอย่าง “มันเป็นพื้นผิวเรียบที่มีสีอยู่บนนั้น ไม่มีอะไรอย่างอื่นเลย” สเตลลากล่าว

แฟรงก์ สเตลล่า ลงนาม "พื้นผิวที่มีสี" นี้ อาจมีมูลค่าหลายล้านดอลลาร์ในปัจจุบัน นับเป็นครั้งแรกที่ Frank Stella เข้าสู่การจัดอันดับศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ในปี 2015 ด้วยการขายผลงาน "Crossing the Delaware" (1961) ในราคา 13.69 ล้านเหรียญสหรัฐ รวมค่าคอมมิชชันแล้ว

สี่ปีต่อมา ในวันที่ 15 พฤษภาคม 2019 สถิติใหม่ถูกกำหนดโดยผลงานช่วงแรก (1959) “Cape of Pines”: ราคาค้อนสูงกว่า 28 ล้านดอลลาร์ รวมค่าคอมมิชชันแล้ว นี่เป็นหนึ่งใน 29 "ภาพวาดสีดำ" ซึ่งเป็นภาพเดียวกับที่สเตลล่าเปิดตัวในนิทรรศการครั้งแรกในนิวยอร์ก แฟรงก์ สเตลลา ผู้สำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยพรินซ์ตัน ขณะนั้นอายุ 23 ปี เขามักไม่มีเงินเพียงพอสำหรับค่าสีน้ำมันสำหรับศิลปิน ศิลปินหนุ่มได้รับเงินจากงานซ่อมแซมเขาชอบสีที่บริสุทธิ์มากและจากนั้นก็มีความคิดที่จะทำงานกับสีนี้บนผืนผ้าใบ การใช้สีเคลือบสีดำ สเตลล่าวาดแถบขนาน โดยทิ้งเส้นบางๆ ของผืนผ้าใบที่ไม่ได้ลงสีรองพื้นไว้ระหว่างแถบเหล่านั้น ยิ่งกว่านั้นเขาเขียนโดยไม่มีไม้บรรทัดด้วยตาและไม่มีการร่างเบื้องต้น สเตลล่าไม่เคยรู้แน่ชัดว่าภาพวาดหนึ่งๆ จะมีเส้นสีดำกี่เส้น ตัวอย่างเช่นในภาพวาด "Cape of Pines" มี 35 ภาพ ชื่อของงานหมายถึงชื่อของแหลมในอ่าวแมสซาชูเซตส์ - จุดต้นสน ในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ที่นี่เป็นสวนสนุกขนาดใหญ่ และปัจจุบันเป็นหนึ่งในพื้นที่ของเมืองเรเวียร์

10. YOSHITOMO NARA มีดอยู่ด้านหลัง ค.ศ. 2000. 24.95 ล้านดอลลาร์

Yoshitomo Nara (1959) เป็นหนึ่งในบุคคลสำคัญของศิลปะนีโอป๊อปของญี่ปุ่น ภาษาญี่ปุ่น - เพราะแม้จะมีชื่อเสียงไปทั่วโลกและทำงานในต่างประเทศมาหลายปี แต่งานของเขายังคงโดดเด่นด้วยเอกลักษณ์ประจำชาติที่เด่นชัด ตัวละครโปรดของนาราคือเด็กผู้หญิงและสุนัขในรูปแบบของมังงะและการ์ตูนอนิเมะญี่ปุ่น ภาพที่เขาประดิษฐ์ขึ้น "ไปสู่ผู้คน" มาหลายปีแล้ว โดยพิมพ์ลงบนเสื้อยืด ของที่ระลึก และ "สินค้า" ต่างๆ ที่จัดทำขึ้นด้วยภาพเหล่านี้ เกิดมาในครอบครัวที่ยากจน ห่างไกลจากเมืองหลวง เขาไม่เพียงแต่รักในความสามารถของเขาเท่านั้น แต่ยังมีคุณค่าในฐานะคนที่สร้างตัวเองขึ้นมาด้วย ศิลปินทำงานได้อย่างรวดเร็วและชัดเจน เป็นที่ทราบกันดีว่าผลงานชิ้นเอกของเขาบางชิ้นเสร็จสมบูรณ์ในชั่วข้ามคืน โดยปกติแล้ว ภาพวาดและประติมากรรมของโยชิโทโมะ นารา นั้นจะพูดน้อยมากๆ หากไม่ตระหนี่ในการแสดงออก แต่ก็มักจะสื่อถึงอารมณ์ที่รุนแรงอยู่เสมอ เด็กสาววัยรุ่นของนารามักจะมองผู้ชมด้วยสายตาที่ไร้ความปราณี ในสายตาของพวกเขามีความกล้า ความท้าทาย และความก้าวร้าว ในมือของเขา - มีดหรือบุหรี่ มีความเห็นว่าพฤติกรรมที่วิปริตที่ปรากฎนั้นเป็นปฏิกิริยาต่อศีลธรรมทางสังคมที่กดขี่ ข้อห้ามต่างๆ และหลักการศึกษาที่ชาวญี่ปุ่นนำมาใช้ ความรุนแรงและความอับอายที่เกือบจะยุคกลางผลักดันปัญหาภายในและสร้างรากฐานสำหรับการระเบิดทางอารมณ์ที่ล่าช้า “The Knife Behind Your Back” สะท้อนแนวคิดหลักของศิลปินได้อย่างกระชับ ในงานนี้มีการจ้องมองที่แสดงความเกลียดชังของหญิงสาวคนหนึ่งและมีมือที่ข่มขู่ไว้ด้านหลังเธอ จนถึงปี 2019 ภาพวาดและประติมากรรมของ Yoshitomo Nara มียอดทะลุล้านหรือแม้กระทั่งหลายล้านมากกว่าหนึ่งครั้ง แต่ยี่สิบล้านเป็นครั้งแรก นาราเป็นหนึ่งในศิลปินที่เกิดในญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงมากที่สุดในโลก และตอนนี้อันที่แพงที่สุดยังมีชีวิตอยู่ เมื่อวันที่ 6 ตุลาคม พ.ศ. 2109 ที่ Sotheby's ในฮ่องกง เขาได้รับชื่อนี้จาก Takashi Murakami และเอาชนะศิลปินแนวหน้าวัย 90 ปีอย่าง Yayoi Kusama ได้อย่างเห็นได้ชัด (ราคาประมูลสูงสุดสำหรับภาพวาดของเธอใกล้จะถึง 9 ล้านเหรียญแล้ว)

11. เซง ฟานจือ พระกระยาหารมื้อสุดท้าย. พ.ศ. 2544 23.3 ล้านดอลลาร์

ในการประมูลของ Sotheby ในฮ่องกง 5 ตุลาคม 2556ปีผ้าใบขนาดใหญ่ "พระกระยาหารมื้อสุดท้าย"ศิลปินปักกิ่ง เจิง ฟานจือ (1964)ถูกขายไปในราคาสูงสุดเป็นประวัติการณ์ที่ 160 ล้านเหรียญฮ่องกง - 23.3 ล้านเหรียญสหรัฐสหรัฐอเมริกา. แน่นอนว่าต้นทุนสุดท้ายของงานของ Fanzhi ซึ่งเขียนขึ้นภายใต้อิทธิพลของผลงานของ Leonardo da Vinci นั้นสูงเป็นสองเท่าของประมาณการเบื้องต้นประมาณ 10 ล้านเหรียญสหรัฐ 9.6 ล้านจ่ายในการประมูลของคริสตี้ที่ฮ่องกงในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2551 สำหรับงานนี้ “ซีรี่ส์หน้ากาก. พ.ศ. 2539. ลำดับที่. 6".

“กระยาหารมื้อสุดท้าย” เป็นภาพวาดที่ใหญ่ที่สุด (2.2 × 4 เมตร) โดย Fanzhi ในชุด “Masks” ครอบคลุมช่วงปี 1994 ถึง 2001 วัฏจักรนี้อุทิศให้กับวิวัฒนาการของสังคมจีนภายใต้อิทธิพลของการปฏิรูปเศรษฐกิจ การแนะนำองค์ประกอบของเศรษฐกิจแบบตลาดโดยรัฐบาลสาธารณรัฐประชาชนจีนนำไปสู่การขยายตัวของเมืองและความแตกแยกของชาวจีน Fanzhi พรรณนาถึงผู้อยู่อาศัยในเมืองจีนสมัยใหม่ที่ต้องต่อสู้เพื่อสถานที่ภายใต้แสงแดด องค์ประกอบที่รู้จักกันดีของจิตรกรรมฝาผนังของ Leonardo ในการอ่านของ Fanzhi มีความหมายที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง: ฉากแอ็คชั่นถูกย้ายจากกรุงเยรูซาเล็มไปยังห้องเรียนในโรงเรียนจีนที่มีกระดานอักษรอียิปต์โบราณทั่วไปอยู่บนผนัง “ พระคริสต์” และ “อัครสาวก” กลายเป็นผู้บุกเบิกที่มีความสัมพันธ์สีแดงเข้มและมีเพียง “ยูดาส” เท่านั้นที่สวมเน็คไทสีทอง - นี่เป็นคำอุปมาของระบบทุนนิยมตะวันตกที่เจาะและทำลายวิถีชีวิตตามปกติในประเทศสังคมนิยม

ผลงานของ Zeng Fanzhi มีโวหารใกล้เคียงกับการแสดงออกของชาวยุโรปและมีความดราม่าไม่แพ้กัน แต่ในขณะเดียวกันก็เต็มไปด้วยสัญลักษณ์และความเฉพาะเจาะจงของจีน ความเก่งกาจนี้ดึงดูดนักสะสมทั้งชาวจีนและชาวตะวันตกให้เข้ามาชมผลงานของศิลปิน การยืนยันโดยตรงถึงสิ่งนี้คือที่มาของ "The Last Supper": ผลงานนี้ถูกนำไปประมูลโดยนักสะสมชื่อดังของจีนแนวหน้าในช่วงทศวรรษ 1980 และต้นทศวรรษ 1990 Guy Ullens บารอนชาวเบลเยียม

12. โรเบิร์ต ไรแมน สะพาน. 1980 20.6 ล้านดอลลาร์

ในงานประมูล คริสตี้ส์ 13 พฤษภาคม 2558งานที่เป็นนามธรรม "สะพาน"ศิลปินชาวอเมริกันวัย 85 ปี โรเบิร์ต ไรแมน(โรเบิร์ต ไรแมน) ถูกขายเพื่อ 20.6 ล้านดอลลาร์โดยคำนึงถึงค่าคอมมิชชั่น - แพงกว่าสองเท่าของค่าประมาณที่ต่ำกว่า

โรเบิร์ต ไรแมน(พ.ศ. 2473) ไม่ได้ตระหนักทันทีว่าเขาต้องการเป็นศิลปิน เมื่ออายุ 23 ปี เขาย้ายไปนิวยอร์กจากแนชวิลล์ รัฐเทนเนสซี โดยต้องการเป็นนักแซ็กโซโฟนแจ๊ส จนกระทั่งเขากลายเป็นนักดนตรีชื่อดัง เขาต้องทำงานเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยที่ MoMA ซึ่งเขาได้พบกับ Sol LeWitt และ Dan Flavin คนแรกทำงานที่พิพิธภัณฑ์ในตำแหน่งเลขานุการกะกลางคืน และคนที่สองเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยและพนักงานควบคุมลิฟต์ ประทับใจกับผลงานของนักวาดภาพนามธรรมที่เขาเห็นที่ MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock และ Newman - Robert Ryman เริ่มวาดภาพด้วยตัวเองในปี 1955

Ryman มักถูกมองว่าเป็นคนเรียบง่าย แต่เขาชอบที่จะถูกเรียกว่า "นักสัจนิยม" เพราะเขาไม่สนใจที่จะสร้างภาพลวงตา เขาเพียงแต่แสดงให้เห็นคุณสมบัติของวัสดุที่เขาใช้เท่านั้น ผลงานส่วนใหญ่ของเขาทาสีด้วยเฉดสีขาวที่เป็นไปได้ทั้งหมด (จากสีเทาหรือสีเหลืองไปจนถึงสีขาวพราว) ตามรูปทรงสี่เหลี่ยมจัตุรัสที่พูดน้อย ในอาชีพของเขา Robert Ryman ได้ลองใช้วัสดุและเทคนิคหลายอย่าง: เขาวาดภาพด้วยน้ำมัน อะคริลิค เคซีน สารเคลือบ พาสเทล gouache ฯลฯ บนผืนผ้าใบ เหล็ก ลูกแก้ว อลูมิเนียม กระดาษ กระดาษลูกฟูก ไวนิล วอลเปเปอร์ ฯลฯ ของเขา เพื่อน ซึ่งเป็นนักซ่อมแซมมืออาชีพ ออร์ริน ไรลีย์ แนะนำเขาเกี่ยวกับการกัดกร่อนของวัสดุที่เขาคิดว่าจะใช้ ดังที่ศิลปินเคยกล่าวไว้ว่า “ฉันไม่เคยมีคำถาม อะไรเขียนสิ่งสำคัญคือ ยังไงเขียน". ทุกอย่างเกี่ยวกับพื้นผิว ลักษณะของลายเส้น ขอบเขตระหว่างพื้นผิวสีและขอบของฐาน รวมถึงความสัมพันธ์ระหว่างงานกับผนัง ตั้งแต่ปี 1975 องค์ประกอบพิเศษในงานของเขาคือส่วนยึด ซึ่ง Ryman ออกแบบเองและจงใจปล่อยให้มองเห็น โดยเน้นว่างานของเขา “สมจริงราวกับผนังที่พวกเขาแขวนไว้” Ryman ชอบที่จะตั้งชื่อผลงานของเขามากกว่า "ชื่อ" "ชื่อ" คือสิ่งที่ช่วยแยกแยะงานหนึ่งจากอีกงานหนึ่ง และ Ryman มักตั้งชื่อผลงานของเขาตามแบรนด์สี บริษัท ฯลฯ และ "ชื่อ" อ้างว่ามีการพาดพิงถึงความหมายบางอย่างและความหมายที่ซ่อนอยู่อย่างลึกซึ้งซึ่งมีอยู่ในผลงานของเขา ศิลปินปฏิเสธเป็นประจำ ไม่มีอะไรสำคัญนอกจากวัสดุและเทคนิค

13. เดเมียน เฮิร์สต์ ฤดูใบไม้ผลิง่วงนอน พ.ศ. 2545 19.2 ล้านดอลลาร์

ถึงศิลปินชาวอังกฤษ เดเมียน เฮิร์สต์ (1965)ถูกกำหนดให้เป็นคนแรกที่ได้อันดับหนึ่งในการจัดอันดับนี้โดยโต้แย้งกับ Jasper Johns คลาสสิกที่ยังมีชีวิตอยู่ งานที่กล่าวไปแล้ว "การเริ่มต้นที่ผิดพลาด" อาจยังคงเป็นผู้นำที่ไม่มีวันจมได้เป็นเวลานานหาก 21 มิถุนายน 2550การติดตั้งโดย Hirst วัย 42 ปีในขณะนั้น "ฤดูใบไม้ผลิง่วงนอน"(2002) ไม่ได้ขายที่ Sotheby's ในราคา 3 ปอนด์ 9.76 ล้าน นั่นคือ 19.2 ล้านดอลลาร์- อย่างไรก็ตามงานมีรูปแบบที่ค่อนข้างแปลกตา ด้านหนึ่งมีตู้โชว์ที่มียาจำลอง (6,136 เม็ด) ซึ่งถือเป็นการจัดวางแบบคลาสสิก ในทางกลับกัน ตู้โชว์นี้ถูกทำให้เรียบ (ลึก 10 ซม.) วางในกรอบและแขวนไว้บนผนังเหมือนแผงพลาสมา จึงมั่นใจได้ถึงความสะดวกสบายในการเป็นเจ้าของตามแบบฉบับของภาพวาด ในปี 2002 Sleepy Winter น้องสาวของสถานที่จัดวางแห่งนี้ ขายได้ในราคา 7.4 ล้านเหรียญสหรัฐ ซึ่งมากกว่าราคาครึ่งหนึ่ง มีคน "อธิบาย" ความแตกต่างของราคาโดยบอกว่าแท็บเล็ตจะซีดจางมากขึ้นในฤดูหนาว แต่เป็นที่ชัดเจนว่าคำอธิบายนี้ไม่มีมูลเลยเนื่องจากกลไกการกำหนดราคาสำหรับสิ่งเหล่านี้ไม่เกี่ยวข้องกับลักษณะการตกแต่งอีกต่อไป

ในปี 2550 หลายคนยอมรับว่า Hirst เป็นนักเขียนผลงานที่แพงที่สุดในบรรดาศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ อย่างไรก็ตาม คำถามนั้นมาจากหมวดหมู่ “ขึ้นอยู่กับว่าคุณนับอย่างไร” ความจริงก็คือ Hirst ขายได้ในราคาปอนด์แพง ส่วน Jones ขายในราคาดอลลาร์ที่ถูกกว่าและแม้กระทั่งเมื่อยี่สิบปีที่แล้ว แต่แม้ว่าเราจะนับตามมูลค่าโดยไม่คำนึงถึงอัตราเงินเฟ้อในช่วง 20 ปี งานของ Hirst ก็มีราคาแพงกว่าในสกุลเงินดอลลาร์ และของ Jones เป็นปอนด์ สถานการณ์อยู่ในขอบเขต และทุกคนมีอิสระที่จะตัดสินใจว่าใครถือเป็นที่รักที่สุด แต่เฮิร์สต์อยู่ได้ไม่นานนักตั้งแต่แรก ในปี 2550 เดียวกัน Koons ถูกแทนที่จากที่หนึ่งด้วย "Hanging Heart"

ในวันที่ราคาศิลปะร่วมสมัยทั่วโลกลดลง Hirst ได้ดำเนินการอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนสำหรับศิลปินรุ่นเยาว์ - การประมูลผลงานเดี่ยวของเขาซึ่งจัดขึ้นเมื่อวันที่ 15 กันยายน 2551 ในลอนดอน ข่าวการล้มละลายของธนาคารเลห์แมนบราเธอร์สที่ประกาศเมื่อวันก่อนไม่ได้ทำให้ความอยากอาหารของคนรักศิลปะร่วมสมัยลดลงเลย จากผลงาน 223 ชิ้นที่นำเสนอโดย Sotheby's มีเพียงห้ารายเท่านั้นที่ไม่พบเจ้าของใหม่ (หนึ่งในผู้ซื้อคือ วิคเตอร์ ปิ่นชุก). งาน "ราศีพฤษภทอง"- วัวยัดฟอร์มาลดีไฮด์ตัวใหญ่สวมมงกุฎด้วยแผ่นทองคำ - นำมามากเช่นกัน 10.3 ล้านปอนด์ (18.6 ล้านดอลลาร์)- นี่คือผลลัพธ์ที่ดีที่สุดของ Hirst หากคำนวณเป็นปอนด์ (สกุลเงินที่ใช้ทำธุรกรรม) อย่างไรก็ตาม เราจัดอันดับในรูปของดอลลาร์ ดังนั้น (ขอให้ Golden Calf ยกโทษให้เรา) เราจะยังคงถือว่า "Sleepy Spring" เป็นสินค้าขายดีที่สุดของ Hirst

ตั้งแต่ปี 2008 Hirst ไม่มียอดขายในระดับ "Sleepy Spring" และ "The Golden Calf" บันทึกใหม่ของปี 2010 - สำหรับผลงานของ Richter, Jones, Fanzhi, Wool และ Koons - ทำให้ Damien อยู่อันดับที่หกในการจัดอันดับของเรา แต่อย่าตัดสินอย่างเด็ดขาดเกี่ยวกับการสิ้นสุดยุคเฮิร์สต์ ตามที่นักวิเคราะห์ระบุว่า Hirst ในฐานะ "ซูเปอร์สตาร์" ได้ลงไปในประวัติศาสตร์แล้วซึ่งหมายความว่าเขาจะถูกซื้อไปอีกนานมาก อย่างไรก็ตาม มีการทำนายคุณค่าที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในอนาคตสำหรับงานที่สร้างขึ้นในช่วงที่มีนวัตกรรมมากที่สุดในอาชีพของเขา นั่นคือในปี 1990

14. เมาริซิโอ แคทเทลัน เขา. พ.ศ. 2544 17.19 ล้านดอลลาร์

Maurizio Cattelan ชาวอิตาลี (1960) เข้าสู่งานศิลปะหลังจากทำงานเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัย พ่อครัว คนทำสวน และนักออกแบบเฟอร์นิเจอร์ ศิลปินที่เรียนรู้ด้วยตนเองคนนี้มีชื่อเสียงไปทั่วโลกจากผลงานประติมากรรมและงานศิลปะจัดวางที่น่าขัน เขาทิ้งอุกกาบาตใส่พระสันตะปาปา เปลี่ยนภรรยาของลูกค้าให้เป็นถ้วยรางวัลล่าสัตว์ เจาะพื้นพิพิธภัณฑ์ Old Masters ชูนิ้วกลางยักษ์ไปที่ตลาดหลักทรัพย์มิลาน และนำลาที่มีชีวิตมาร่วมงาน Frieze ในอนาคตอันใกล้นี้ Cattelan สัญญาว่าจะติดตั้งห้องน้ำทองคำที่พิพิธภัณฑ์ Guggenheim Museum ท้ายที่สุด การแสดงตลกของ Maurizio Cattelan ได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางในโลกศิลปะ: เขาได้รับเชิญให้เข้าร่วมงาน Venice Biennale (สถานที่จัดวาง "Others" ในปี 2011 - ฝูงนกพิราบสองพันตัวที่มองดูน่ากลัวจากท่อและคานทั้งหมดต่อหน้าฝูงชนของ ผู้เยี่ยมชมที่เดินผ่านด้านล่าง) จัดให้เขาได้รับการตรวจย้อนหลังที่พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ในนิวยอร์ก (พฤศจิกายน 2554) และในที่สุดก็ได้รับเงินจำนวนมากสำหรับประติมากรรมของเขา

ตั้งแต่ปี 2010 งานที่แพงที่สุดของ Maurizio Cattelan ก็คือประติมากรรมหุ่นขี้ผึ้งของชายคนหนึ่งที่มองออกมาจากรูบนพื้น ซึ่งมีลักษณะคล้ายกับตัวศิลปินเอง (Untitled, 2001) ประติมากรรมที่ติดตั้งนี้ ซึ่งมีอยู่ในสามชุดบวกกับสำเนาของผู้แต่ง ได้รับการจัดแสดงครั้งแรกที่พิพิธภัณฑ์ Boijmans van Beuningen ในเมืองร็อตเตอร์ดัม จากนั้นตัวละครจอมซนคนนี้ก็มองออกมาจากรูที่พื้นห้องโถงพร้อมภาพวาดของจิตรกรชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 18 - 19 ในงานนี้ Maurizio Cattellan เชื่อมโยงตัวเองกับอาชญากรผู้กล้าหาญที่บุกรุกพื้นที่ศักดิ์สิทธิ์ของห้องโถงพิพิธภัณฑ์ซึ่งมีภาพวาดโดยปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ดังนั้นเขาจึงต้องการกีดกันงานศิลปะแห่งความศักดิ์สิทธิ์ที่กำแพงพิพิธภัณฑ์มอบให้ ผลงานชิ้นนี้ซึ่งต้องเจาะรูบนพื้นทุกครั้ง ถูกขายในราคา 7.922 ล้านดอลลาร์ที่ Sotheby's

บันทึกนี้กินเวลาจนถึงวันที่ 8 พฤษภาคม 2016 เมื่อผลงานที่เร้าใจยิ่งกว่านั้นของ Cattelan ที่แสดงภาพฮิตเลอร์คุกเข่าถูกประมูลในราคา 17.189 ล้านดอลลาร์ มันเป็นเรื่องแปลก ชื่อก็แปลกๆ การเลือกตัวละครมีความเสี่ยง ชอบทุกอย่างจาก Cattelan พระองค์หมายถึงอะไร? “ของพระองค์” หรือ “พระบารมีของพระองค์”? เห็นได้ชัดว่าเราไม่ได้พูดถึงการเชิดชูภาพลักษณ์ของ Fuhrer อย่างแน่นอน ในงานนี้ ฮิตเลอร์ปรากฏตัวค่อนข้างในรูปแบบที่ทำอะไรไม่ถูกและน่าสงสาร และไร้สาระ - การจุติของซาตานนั้นสูงพอๆ กับเด็ก แต่งกายด้วยชุดนักเรียนชาย และคุกเข่าด้วยสีหน้าถ่อมตน สำหรับ Cattelan ภาพนี้เป็นการเชื้อเชิญให้คิดถึงธรรมชาติของความชั่วร้ายโดยสิ้นเชิงและวิธีกำจัดความกลัว อย่างไรก็ตาม ประติมากรรม “ฮิม” เป็นที่รู้จักกันดีในหมู่ผู้ชมชาวตะวันตก พี่น้องของเธอในซีรีส์นี้ได้รับการจัดแสดงมากกว่า 10 ครั้งในพิพิธภัณฑ์ชั้นนำทั่วโลก รวมถึง Pompidou Center และพิพิธภัณฑ์ Solomon Guggenheim Museum

15. MARK GROTJAN Untitled (S III เปิดตัวสู่ฝรั่งเศส Face 43.14) 2554 16.8 ล้านดอลลาร์

เมื่อวันที่ 17 พฤษภาคม 2017 หนึ่งในภาพวาดที่ทรงพลังที่สุดของ Mark Grotjahn เคยนำออกประมูลปรากฏในการประมูลตอนเย็นของ Christie ในนิวยอร์ก ภาพวาด “Untitled (S III Released to France Face 43.14)” จัดแสดงโดย Patrick Seguin นักสะสมชาวปารีส มูลค่าประมาณ 13–16 ล้านดอลลาร์ และเนื่องจากการขายล็อตนี้รับประกันโดยบุคคลที่สาม จึงไม่มีใครแปลกใจเป็นพิเศษ โดยการสร้างสถิติการประมูลส่วนตัวใหม่โดยศิลปินวัย 49 ปี ราคาค้อนที่ 14.75 ล้านดอลลาร์ (และรวมถึงเบี้ยประกันภัยของผู้ซื้อ 16.8 ล้านดอลลาร์) สูงกว่าสถิติการประมูลครั้งก่อนของ Grotjahn มากกว่า 10 ล้านดอลลาร์ ทำให้เขาอยู่ในกลุ่มศิลปินที่ยังมีชีวิตซึ่งผลงานขายได้ในราคาแปดหลัก มีผลลัพธ์ประมาณสามสิบเจ็ดหลัก (ยอดขายมากกว่า 1 ล้านดอลลาร์ แต่ไม่เกิน 10 ล้านดอลลาร์) ในคลังการประมูลของ Mark Grotjahn

Mark Grotjahn (1968) ซึ่งผู้เชี่ยวชาญด้านงานมองเห็นอิทธิพลของสมัยใหม่ ความเรียบง่ายแบบนามธรรม ศิลปะป๊อปและออพอาร์ต หันมาใช้สไตล์อันเป็นเอกลักษณ์ของเขาในช่วงกลางทศวรรษ 1990 หลังจากย้ายไปกับเพื่อนของเขา Brent Peterson ที่ลอสแองเจลิสและเปิดแกลเลอรีที่นั่น "ห้อง 702" ตามที่ศิลปินเองก็จำได้ ในเวลานั้นเขาเริ่มคิดถึงสิ่งที่มาก่อนในงานศิลปะ เขากำลังมองหาแนวคิดที่จะทดลอง และฉันก็รู้ว่าเขาสนใจเรื่องเส้นและสีมาโดยตลอด การทดลองด้วยจิตวิญญาณของลัทธิเรยอนและความเรียบง่ายด้วยมุมมองเชิงเส้น จุดที่หายไปมากมาย และรูปทรงสามเหลี่ยมนามธรรมหลากสีในท้ายที่สุดทำให้ Grotjahn มีชื่อเสียงไปทั่วโลก

จากทิวทัศน์นามธรรมหลากสีสันที่มีเส้นขอบฟ้าหลายเส้นและมุมมองที่หายไป ในที่สุดเขาก็มาถึงรูปทรงสามเหลี่ยมที่ชวนให้นึกถึงปีกผีเสื้อ ภาพวาดของ Grotjahn (2544-2550) นั่นคือสิ่งที่เรียกว่า “ผีเสื้อ” ปัจจุบันการย้ายจุดหายไปหรือใช้หลายจุดพร้อมกันโดยเว้นระยะห่างในอวกาศ ถือเป็นเทคนิคหนึ่งที่ทรงพลังที่สุดของศิลปิน

ผลงานชุดใหญ่ถัดไปเรียกว่า "ใบหน้า"; ในเส้นนามธรรมของซีรีส์นี้ เราสามารถมองเห็นลักษณะของใบหน้ามนุษย์ได้ ซึ่งปรับให้เข้ากับสถานะของหน้ากากได้ง่ายขึ้นในจิตวิญญาณของ Matisse, Jawlensky หรือ Brancusi เมื่อพูดถึงความเรียบง่ายและการจัดรูปแบบอย่างสุดขีดเกี่ยวกับวิธีการจัดองค์ประกอบของภาพวาดเมื่อรูปทรงของดวงตาและปากที่กระจัดกระจายดูเหมือนจะมองมาที่เราจากป่าทึบนักวิจัยตั้งข้อสังเกตถึงความเชื่อมโยงระหว่าง "ใบหน้า" ของ Grotjan และศิลปะของ ชนเผ่าดึกดำบรรพ์ของแอฟริกาและโอเชียเนีย ในขณะที่ตัวศิลปินเองก็ “ชอบภาพที่ดวงตามองออกมาจากป่า บางครั้งฉันก็จินตนาการถึงใบหน้าของลิงบาบูนหรือลิง ฉันไม่สามารถพูดได้ว่าฉันได้รับอิทธิพลจากศิลปะแอฟริกันดึกดำบรรพ์ทั้งโดยรู้ตัวหรือโดยไม่รู้ตัว แต่ฉันได้รับอิทธิพลจากศิลปินที่ได้รับอิทธิพลจากงานศิลปะนั้น ปิกัสโซคือตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุด"

ผลงานในซีรีส์ “Faces” เรียกได้ว่าโหดและสง่าน่าดูและสบายตา เมื่อเวลาผ่านไปพื้นผิวของผลงานเหล่านี้ก็เปลี่ยนไปเช่นกัน: เพื่อสร้างเอฟเฟกต์ของพื้นที่ภายในศิลปินใช้การทาสีหนาในวงกว้างแม้กระทั่งการสาดในรูปแบบของพอลล็อค แต่พื้นผิวของภาพวาดนั้นถูกปรับระดับเพื่อให้เมื่อตรวจสอบอย่างใกล้ชิด ดูแบนราบไปเลย ภาพวาด “Untitled (S III Released to France Face 43.14)” ซึ่งสร้างสถิติการประมูล เป็นของซีรีส์ชื่อดังนี้โดย Mark Grotjahn

16. ทาคาชิ มูรากามิ คาวบอยผู้โดดเดี่ยวของฉัน 15.16 ล้านดอลลาร์

ญี่ปุ่น ทาคาชิ มุราคามิ (1962)เข้าสู่การจัดอันดับของเราด้วยประติมากรรม "คาวบอยผู้โดดเดี่ยวของฉัน"ขายที่ Sotheby's ในเดือนพฤษภาคม พ.ศ. 2551 ในราคา $ 15.16 ล้าน- ด้วยการขายครั้งนี้ ทาคาชิ มูราคามิถือเป็นศิลปินชาวเอเชียที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดมายาวนาน จนกระทั่งเขาถูกบดบังด้วยการขาย The Last Supper ของ Zeng Fanzhi

Takashi Murakami ทำงานเป็นจิตรกร ประติมากร นักออกแบบแฟชั่น และนักสร้างแอนิเมชัน มุราคามิต้องการนำสิ่งที่เป็นภาษาญี่ปุ่นอย่างแท้จริงมาเป็นพื้นฐานในการทำงานของเขา โดยไม่ต้องอาศัยตะวันตกหรือการกู้ยืมอื่นใด ในช่วงที่เป็นนักศึกษา เขารู้สึกทึ่งกับภาพวาดนิฮงกะของญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม ซึ่งต่อมาถูกแทนที่ด้วยศิลปะยอดนิยมของอะนิเมะและมังงะ นี่คือวิธีที่ Mr DOB ซึ่งทำให้เคลิบเคลิ้ม รูปแบบของดอกไม้ยิ้มและประติมากรรมไฟเบอร์กลาสที่สดใสและแวววาว ราวกับว่ามาจากหน้าการ์ตูนญี่ปุ่นโดยตรง บางคนคิดว่าศิลปะของมูราคามิเป็นอาหารจานด่วนและเป็นศูนย์รวมของความหยาบคาย คนอื่น ๆ เรียกศิลปินว่า Andy Warhol ชาวญี่ปุ่น - และอย่างที่เราเห็นในกลุ่มหลังมีคนรวยมากมาย

มูราคามิยืมชื่อประติมากรรมของเขาจากภาพยนตร์ของ Andy Warhol เรื่อง “Lonely Cowboys” (1968) ซึ่งชาวญี่ปุ่นเองก็ยอมรับว่าไม่เคยดู แต่เขาชอบคำที่ผสมผสานกันมาก มูราคามิต่างสร้างความพึงพอใจให้กับแฟนการ์ตูนอีโรติกของญี่ปุ่นและหัวเราะเยาะพวกเขาด้วยรูปปั้นชิ้นเดียว ขนาดที่เพิ่มขึ้นและสามมิติทำให้ฮีโร่อนิเมะกลายเป็นเครื่องรางของวัฒนธรรมมวลชน คำกล่าวทางศิลปะนี้ค่อนข้างอยู่ในจิตวิญญาณของศิลปะป๊อปอาร์ตตะวันตกคลาสสิก (จำชุดเฟอร์นิเจอร์ของ Allen Jones หรือ Koons ของ "The Pink Panther") แต่กลับมาพร้อมกับความเป็นเอกลักษณ์ของชาติ

17. คอว์ส. อัลบั้มของ KAWS 2548 14,784,505 ดอลลาร์

KAWS เป็นนามแฝงของศิลปินชาวอเมริกัน Brian Donnelly จากนิวเจอร์ซีย์ เขาเป็นผู้เข้าร่วมที่อายุน้อยที่สุดในการจัดอันดับของเรา เกิดในปี 1974 Donelly เริ่มต้นจากการเป็นแอนิเมเตอร์ที่ Disney (เขาวาดภาพพื้นหลังสำหรับการ์ตูนเรื่อง “101 Dalmatians” และอื่นๆ) เขาสนใจกราฟฟิตี้ตั้งแต่วัยเยาว์ การออกแบบอันเป็นเอกลักษณ์ของเขาในตอนแรกคือหัวกะโหลกที่มีตัว "X" แทนที่เบ้าตา ผลงานของนักเขียนหนุ่มรายนี้เป็นที่ชื่นชอบของนักธุรกิจการแสดงและผู้คนจากอุตสาหกรรมแฟชั่น เขาสร้างปกอัลบั้มของ Kanye West และออกผลงานร่วมกับ Nike, Comme des Garçons และ Uniqlo เมื่อเวลาผ่านไป KAWS กลายเป็นบุคคลที่มีชื่อเสียงในโลกแห่งศิลปะร่วมสมัย รูปปั้นอันเป็นเอกลักษณ์ของเขา ซึ่งชวนให้นึกถึงมิกกี้ เมาส์ มีรากฐานมาจากพิพิธภัณฑ์ พื้นที่สาธารณะ และของสะสมส่วนตัว กาลครั้งหนึ่ง KAWS ได้เปิดตัวของเล่นไวนิลรุ่นลิมิเต็ดเอดิชั่นร่วมกับแบรนด์ My Plastic Heart และของเล่นเหล่านี้กลายเป็นประเด็นที่ได้รับความสนใจในการสะสมสูงอย่างไม่คาดคิด หนึ่งในนักสะสมที่หลงใหลใน "ของเล่น" เหล่านี้คือผู้ก่อตั้ง Black Star แร็ปเปอร์ Timati เขารวบรวมซีรีส์ "Cavs Companions" เกือบทั้งหมดแล้ว

ผลงานของ KAWS สร้างสถิติผลงานของศิลปินรายนี้ที่มูลค่า 14.7 ล้านเหรียญสหรัฐ ในการประมูลของ Sotheby ในฮ่องกงเมื่อวันที่ 1 เมษายน 2019 ก่อนหน้านี้เธอเคยอยู่ในคอลเลกชั่นของนักออกแบบแฟชั่นชาวญี่ปุ่น Nigo อัลบั้ม KAWS เป็นการแสดงความเคารพต่อปกอัลบั้มอันโด่งดังของ The Beatles ในปี 1967 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band มีเพียงคิมป์สันแทนที่จะเป็นคนเท่านั้น - ตัวละครเก๋ ๆ จากซีรีย์อนิเมชั่นเรื่องเดอะซิมป์สันส์ที่มี "X's" แทนที่จะเป็นดวงตา

18. จิน ชานี เจ้าสาวทาจิก. พ.ศ. 2526 13.89 ล้านดอลลาร์

ในบรรดาศิลปินจีนอายุน้อยและร่วมสมัย ซึ่งล้วนอยู่ในกลุ่มที่เรียกว่า "คลื่นลูกใหม่" ในช่วงปลายทศวรรษ 1980 ในงานศิลปะจีน การให้คะแนนของเราค่อนข้างรวมไปถึงตัวแทนของคนรุ่นที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงและโรงเรียนที่แตกต่างกันโดยไม่คาดคิด Jin Shangyi ซึ่งปัจจุบันมีอายุเกิน 80 ปี เป็นหนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นของศิลปินรุ่นแรกในจีนคอมมิวนิสต์ มุมมองของศิลปินกลุ่มนี้ก่อตัวขึ้นในระดับสูงภายใต้อิทธิพลของพันธมิตรคอมมิวนิสต์ที่ใกล้เคียงที่สุดนั่นคือสหภาพโซเวียต

ศิลปะอย่างเป็นทางการของโซเวียต สัจนิยมสังคมนิยม และภาพวาดสีน้ำมัน ซึ่งในขณะนั้นถือเป็นเรื่องปกติสำหรับจีน (ตรงข้ามกับการวาดภาพด้วยหมึกจีนแบบดั้งเดิม) ได้รับความนิยมสูงสุดในทศวรรษปี 1950 และศิลปินโซเวียต คอนสแตนติน มาสอนที่มหาวิทยาลัยศิลปะปักกิ่ง เป็นเวลาสามปี (ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2497 ถึง พ.ศ. 2500) Methodievich Maksimov Jin Shani ซึ่งตอนนั้นอายุน้อยที่สุดในกลุ่มได้เข้าเรียนในชั้นเรียนของเขา ศิลปินจดจำครูของเขาด้วยความอบอุ่นเสมอโดยบอกว่าเป็นมักซิมอฟที่สอนให้เขาเข้าใจและพรรณนาแบบจำลองอย่างถูกต้อง K. M. Maksimov ฝึกฝนนักสัจนิยมชาวจีนทั้งกาแล็กซีซึ่งปัจจุบันเป็นคลาสสิก

ในผลงานของ Jin Shan เราสัมผัสได้ถึงอิทธิพลของทั้ง "สไตล์ที่รุนแรง" ของโซเวียตและโรงเรียนการวาดภาพของยุโรป ศิลปินทุ่มเทเวลาอย่างมากในการศึกษามรดกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและลัทธิคลาสสิกในขณะที่เขาเห็นว่าจำเป็นต้องรักษาจิตวิญญาณของจีนไว้ในผลงานของเขา ภาพวาด “เจ้าสาวทาจิก” ซึ่งวาดในปี 1983 ถือเป็นผลงานชิ้นเอกที่ได้รับการยอมรับในระดับสากล ซึ่งเป็นก้าวใหม่ในผลงานของ Jin Shan ไชน่า การ์เดียน ถูกนำเข้าสู่การประมูลเมื่อเดือนพฤศจิกายน 2556 และขายได้มากกว่าที่คาดการณ์ไว้หลายเท่า ในราคา 13.89 ล้านดอลลาร์รวมค่าคอมมิชชั่น

19. BANKSY สลายรัฐสภา 2551 12.14 ล้านดอลลาร์

ภาพจิตรกรรมฝาผนังที่ติดแท็ก Banksy เริ่มปรากฏบนกำแพงเมือง (ครั้งแรกในอังกฤษและทั่วโลก) ในช่วงปลายทศวรรษ 1990 กราฟิตีเชิงปรัชญาและในเวลาเดียวกันก็ฉุนเฉียวของเขาอุทิศให้กับปัญหาของรัฐที่โจมตีเสรีภาพของพลเมือง การก่ออาชญากรรมต่อสิ่งแวดล้อม การบริโภคที่ขาดความรับผิดชอบ และไร้มนุษยธรรมของระบบการย้ายถิ่นฐานที่ผิดกฎหมาย เมื่อเวลาผ่านไป กำแพงของ Banksy ถูก "ตำหนิ" ได้รับความนิยมจากสื่ออย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน ในความเป็นจริง เขากลายเป็นหนึ่งในตัวแทนหลักของความคิดเห็นของสาธารณชนที่ประณามความหน้าซื่อใจคดของรัฐและบริษัทต่างๆ ซึ่งก่อให้เกิดความอยุติธรรมที่เพิ่มมากขึ้นในระบบทุนนิยม

ความสำคัญของ Banksy ความรู้สึกของ "เส้นประสาทของเวลา" และความถูกต้องของคำอุปมาอุปไมยของเขาได้รับการชื่นชมไม่เพียง แต่จากผู้ชมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักสะสมด้วย ในช่วงปี 2010 มีการมอบเงินหลายแสนหรือมากกว่าหนึ่งล้านดอลลาร์สำหรับผลงานของเขา มันถึงจุดที่ภาพกราฟฟิตีของ Banksy ถูกขโมยและถูกขโมยไปพร้อมกับชิ้นส่วนของกำแพง

ในยุคของการเฝ้าระวังทางดิจิทัลขั้นสูง Banksy ยังคงรักษาความเป็นนิรนามได้ มีเวอร์ชันที่นี่ไม่ใช่บุคคลเดียวอีกต่อไป แต่เป็นกลุ่มศิลปินหลายคนที่นำโดยผู้หญิงที่มีความสามารถ นั่นจะอธิบายได้มาก และความแตกต่างภายนอกของนักเขียนที่ติดอยู่ในเลนส์ของกล้องพยานและวิธีการใช้งานลายฉลุที่ไม่มีตัวตน (ให้ความเร็วสูงและไม่ต้องการการมีส่วนร่วมโดยตรงของผู้เขียน) และความโรแมนติกที่สัมผัสได้ของวัตถุในภาพวาด ( ลูกบอล เกล็ดหิมะ ฯลฯ) อย่างไรก็ตาม ผู้คนจากโครงการ Banksy รวมถึงผู้ช่วยของเขา รู้วิธีที่จะหุบปาก

ในปี 2019 งานที่แพงที่สุดของ Banksy กลายมาเป็นผืนผ้าใบความยาว 4 เมตรอย่างไม่คาดคิดว่า Devolved Parliament (“เสื่อมโทรม” “เสื่อมโทรม” หรือ “เสื่อมโทรม” รัฐสภา) ชิมแปนซีโต้เถียงในสภาดูเหมือนจะล้อเลียนผู้ชมในปีที่ Brexit อื้อฉาว น่าแปลกใจที่ภาพวาดนี้ถูกวาดขึ้นเมื่อ 10 ปีก่อนถึงจุดเปลี่ยนทางประวัติศาสตร์นี้ และดังนั้นจึงมีคนมองว่าเป็นคำทำนาย ในการประมูลของ Sotheby เมื่อวันที่ 3 ตุลาคม 2019 ระหว่างการประมูลอันดุเดือด ผู้ซื้อไม่ทราบรายได้ซื้อน้ำมันนี้ในราคา 12,143,000 ดอลลาร์ ซึ่งแพงกว่าที่คาดการณ์ไว้เบื้องต้นถึงหกเท่า

20. JOHN CURREN “อ่อนหวานและเรียบง่าย” พ.ศ. 2542 12.007 ล้านดอลลาร์

ศิลปินชาวอเมริกัน จอห์น เคอร์แรน (1962)เป็นที่รู้จักจากภาพวาดเชิงเสียดสีเชิงเสียดสีในประเด็นทางเพศและสังคมที่เร้าใจ ผลงานของ Curren ผสมผสานเทคนิคการวาดภาพของปรมาจารย์รุ่นเก่า (โดยเฉพาะ Lucas Cranach the Elder และ Mannerists) และภาพถ่ายแฟชั่นจากนิตยสารเคลือบเงา เพื่อให้บรรลุถึงความแปลกประหลาดมากขึ้น Curren มักจะบิดเบือนสัดส่วนของร่างกายมนุษย์ ขยายหรือลดส่วนต่างๆ ของมัน และวาดภาพวีรบุรุษในท่าทางที่แตกหักและมีมารยาท

Curren เริ่มต้นในปี 1989 ด้วยภาพวาดของเด็กผู้หญิงที่วาดใหม่จากอัลบั้มของโรงเรียน ดำเนินการต่อในช่วงต้นทศวรรษ 1990 ด้วยภาพวาดความงามของนมโตซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจากภาพถ่ายจาก Cosmopolitan และ Playboy; ในปี 1992 มีรูปของสตรีสูงอายุผู้มั่งคั่งปรากฏขึ้น และในปี 1994 Curren แต่งงานกับประติมากร Rachel Feinstein ซึ่งกลายเป็นรำพึงและนางแบบหลักของเขามาหลายปี ในช่วงปลายทศวรรษ 1990 ความเชี่ยวชาญด้านเทคนิคของ Curren ผสมผสานกับศิลปที่ไร้ค่าและความแปลกประหลาดของภาพวาดของเขา ทำให้เขาได้รับความนิยม ในปี 2003 Larry Gagosian รับหน้าที่โปรโมตศิลปิน และหากตัวแทนจำหน่ายอย่าง Gagosian รับหน้าที่ศิลปินแทน ก็รับประกันความสำเร็จ ในปี 2004 มีการจัดแสดงย้อนหลังของ John Curran ที่พิพิธภัณฑ์ Whitney

ในช่วงเวลานี้ผลงานของเขาเริ่มขายได้ในราคาหกหลัก ผลงานปัจจุบันของภาพวาดโดย John Curren เป็นของผลงาน "Sweet and Simple" ซึ่งขายไปเมื่อวันที่ 15 พฤศจิกายน 2016 ที่ Christie's ในราคา 12 ล้านเหรียญสหรัฐ สำหรับจอห์น เคอร์แรน ซึ่งตอนนี้อายุเกิน 50 ปีแล้ว นี่คือความก้าวหน้าในอาชีพการงานของผมอย่างแน่นอน บันทึกก่อนหน้าของเขาในปี 2551 อยู่ที่ 5.5 ล้านดอลลาร์ (จ่ายให้กับงานเดียวกัน "Sweet and Simple")

21. ไบรซ์ มาร์เดน ผู้เข้าร่วมประชุม. พ.ศ. 2539–2542 10.917 ล้านดอลลาร์

ศิลปินแนวนามธรรมชาวอเมริกันที่ยังมีชีวิตอีกคนในการจัดอันดับของเราคือ Brice Marden (1938) ผลงานของ Marden ในรูปแบบของความเรียบง่าย และนับตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1980 เป็นต้นมา - การวาดภาพด้วยท่าทาง โดดเด่นด้วยชุดสีที่มีเอกลักษณ์และปิดเสียงเล็กน้อย การผสมสีในผลงานของ Marden ได้รับแรงบันดาลใจจากการเดินทางรอบโลกของเขา - กรีซ อินเดีย ไทย และศรีลังกา ในบรรดานักเขียนที่มีอิทธิพลต่อการพัฒนาของ Marden ได้แก่ Jackson Pollock (ในช่วงต้นทศวรรษ 1960 Marden ทำงานเป็นเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัยที่ Jewish Museum ซึ่งเขาได้เห็น "หยด" ของ Pollock ด้วยตาของเขาเอง), Alberto Giacometti (คุ้นเคยกับผลงานของเขาในปารีส) และ Robert Rauschenberg (Marden บางคนทำงานเป็นผู้ช่วยของเขาอยู่ระยะหนึ่ง) ขั้นตอนแรกของงานของ Marden มุ่งเน้นไปที่ผืนผ้าใบคลาสสิกที่เรียบง่ายซึ่งประกอบด้วยบล็อกสี่เหลี่ยมสี (แนวนอนหรือแนวตั้ง) ต่างจากนักมินิมอลลิสต์คนอื่นๆ ที่แสวงหาคุณภาพในอุดมคติของผลงานที่ดูราวกับว่าพิมพ์ด้วยเครื่องจักรแทนที่จะวาดโดยคน Marden ยังคงรักษาร่องรอยของผลงานของศิลปินและผสมผสานวัสดุต่างๆ (สีขี้ผึ้งและสีน้ำมัน) ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1980 ภายใต้อิทธิพลของการประดิษฐ์ตัวอักษรแบบตะวันออก นามธรรมทางเรขาคณิตถูกแทนที่ด้วยเส้นคดเคี้ยวที่มีลักษณะคล้ายคดเคี้ยว พื้นหลังซึ่งมีฟิลด์สีเอกรงค์เดียวกัน หนึ่งในผลงาน "คดเคี้ยว" เหล่านี้ "The Attended" ถูกขายที่ Sotheby's ในเดือนพฤศจิกายน 2556 ในราคา 10.917 ล้านดอลลาร์รวมค่าคอมมิชชั่น

22. ปิแอร์ โซลาจส์ Peinture 186 x 143 ซม. 23 ธันวาคม พ.ศ. 2502 10.6 ล้านเหรียญสหรัฐ

23. จางเซียวกัน รักนิรนดร์. 10.2 ล้านเหรียญสหรัฐ

ตัวแทนอีกคนหนึ่งของศิลปะสมัยใหม่ของจีน - นักสัญลักษณ์และสถิตยศาสตร์ จาง เสี่ยวกัง (1958)- ในการประมูลของ Sotheby ในฮ่องกง 3 เมษายน 2554ซึ่งมีการขายงานศิลปะแนวหน้าของจีนจากคอลเลกชันของบารอน Guy Ullens ชาวเบลเยียม ซึ่งเป็นภาพอันมีค่าของ Zhang Xiaogang "รักนิรนดร์"ถูกขายในราคา $ 10.2 ล้าน- ในเวลานั้น บันทึกนี้ไม่เพียงแต่สำหรับศิลปินเท่านั้น แต่สำหรับงานศิลปะร่วมสมัยของจีนทั้งหมดด้วย ว่ากันว่างานของเสี่ยวกังถูกซื้อโดยภรรยามหาเศรษฐี Wang Wei ซึ่งกำลังวางแผนที่จะเปิดพิพิธภัณฑ์ของเธอเอง

จาง เสี่ยวกัง ผู้สนใจเรื่องเวทย์มนต์และปรัชญาตะวันออก ได้เขียนเรื่องราวของ "ความรักนิรันดร์" ออกเป็นสามส่วน ได้แก่ ชีวิต ความตาย และการเกิดใหม่ ภาพอันมีค่านี้รวมอยู่ในนิทรรศการ China/Avant-Garde อันโดดเด่นในปี 1989 ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะแห่งชาติ นอกจากนี้ในปี 1989 การประท้วงของนักศึกษายังถูกปราบปรามอย่างโหดร้ายโดยทหารในจัตุรัสเทียนอันเหมิน หลังจากเหตุการณ์โศกนาฏกรรมนี้ สกรูเริ่มขันแน่น - นิทรรศการที่พิพิธภัณฑสถานแห่งชาติกระจัดกระจาย ศิลปินหลายคนอพยพ เพื่อตอบสนองต่อสัจนิยมสังคมนิยมที่กำหนดจากเบื้องบน ทิศทางของสัจนิยมเหยียดหยามได้เกิดขึ้น ซึ่งหนึ่งในตัวแทนหลักคือจาง เสี่ยวกัง

24. บรูซ นาวมาน เฮนรี มัวร์ ผู้สิ้นหวัง 1967 9.9 ล้านดอลลาร์

อเมริกัน บรูซ นอมาน (1941)ซึ่งเป็นผู้ชนะรางวัลหลักในงาน Venice Biennale ครั้งที่ 48 (1999) ใช้เวลานานกว่าจะบรรลุสถิติของเขา Nauman เริ่มอาชีพของเขาในอายุหกสิบเศษ ผู้ที่ชื่นชอบเรียกเขาว่าพร้อมด้วย Andy Warhol และ Joseph Beuys หนึ่งในบุคคลที่มีอิทธิพลมากที่สุดในงานศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ยี่สิบ อย่างไรก็ตาม สติปัญญาที่เข้มข้นและการขาดการตกแต่งอย่างสมบูรณ์ของผลงานบางชิ้นของเขา เห็นได้ชัดว่าขัดขวางการรับรู้และความสำเร็จอย่างรวดเร็วในหมู่ประชาชนทั่วไป Nauman มักจะทดลองใช้ภาษาเพื่อค้นหาความหมายที่ไม่คาดคิดในวลีที่คุ้นเคย คำพูดกลายเป็นตัวละครหลักในผลงานหลายชิ้นของเขา รวมถึงป้ายไฟนีออนเทียมและแผง Nauman เรียกตัวเองว่าประติมากรแม้ว่าในช่วงสี่สิบปีที่ผ่านมาเขาได้ลองตัวเองในรูปแบบที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง - ประติมากรรม, การถ่ายภาพ, วิดีโออาร์ต, การแสดง, กราฟิก ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1990 Larry Gagosian กล่าวคำพยากรณ์ว่า “เรายังไม่เห็นคุณค่าที่แท้จริงของงานของ Nauman” นี่คือสิ่งที่เกิดขึ้น: 17 พฤษภาคม 2544ที่ Christie's งานของ Nauman ในปี 1967 "ทำอะไรไม่ถูกเฮนรี่มัวร์ (ด้านหลัง)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) สร้างสถิติใหม่ในกลุ่มศิลปะหลังสงคราม มือของ Nauman ที่ผูกไว้ด้านหลังทำจากปูนปลาสเตอร์และขี้ผึ้งถูกทุบลงไปใต้ค้อนด้วยราคา 1 ดอลลาร์ 9.9 ล้านถึงคอลเลกชันของผู้ประกอบการชาวฝรั่งเศส Francois Pinault (อ้างอิงจากแหล่งข้อมูลอื่น American Phyllis Wattis) ประมาณการงานนี้เพียง 2–3 ล้านดอลลาร์ ผลลัพธ์ที่ได้จึงสร้างความประหลาดใจให้กับทุกคนอย่างแท้จริง

ก่อนการขายในตำนานนี้ มีผลงานของ Nauman เพียงสองชิ้นเท่านั้นที่ทะลุหลักล้านดอลลาร์ และในอาชีพการประมูลทั้งหมดของเขา จนถึงขณะนี้มีเพียงหกงานเท่านั้น นอกเหนือจาก "เฮนรี มัวร์ ... " ที่มีมูลค่ารวมเจ็ดหลัก แต่ผลลัพธ์ของพวกเขายังคงไม่สามารถเทียบได้กับเก้าล้าน

"Helpless Henry Moore" เป็นหนึ่งในผลงานชุดการโต้เถียงของ Nauman เกี่ยวกับร่างของ Henry Moore (พ.ศ. 2441-2529) ศิลปินชาวอังกฤษที่ถือว่าเป็นหนึ่งในช่างแกะสลักที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ในอายุหกสิบเศษ นักเขียนรุ่นเยาว์ซึ่งพบว่าตัวเองอยู่ภายใต้เงาของปรมาจารย์ผู้ได้รับการยอมรับจึงโจมตีเขาด้วยการวิพากษ์วิจารณ์อย่างกระตือรือร้น งานของ Nauman เป็นการตอบสนองต่อคำวิจารณ์นี้และในขณะเดียวกันก็สะท้อนถึงหัวข้อความคิดสร้างสรรค์ ชื่อของงานกลายเป็นปุนเนื่องจากเป็นการรวมสองความหมายของคำภาษาอังกฤษที่ถูกผูกไว้ (ในความหมายตามตัวอักษร) และถึงวาระถึงชะตากรรมที่แน่นอน

ความสนใจ! เนื้อหาทั้งหมดบนเว็บไซต์และฐานข้อมูลผลการประมูลบนเว็บไซต์ รวมถึงข้อมูลอ้างอิงที่มีภาพประกอบเกี่ยวกับงานที่ขายในการประมูล มีวัตถุประสงค์เพื่อใช้ตามมาตรา 43 เท่านั้น มาตรา 1274 แห่งประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย ไม่อนุญาตให้ใช้เพื่อวัตถุประสงค์ทางการค้าหรือละเมิดกฎที่กำหนดโดยประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย เว็บไซต์จะไม่รับผิดชอบต่อเนื้อหาของเนื้อหาที่จัดทำโดยบุคคลที่สาม ในกรณีที่มีการละเมิดสิทธิของบุคคลที่สาม ผู้ดูแลเว็บไซต์ขอสงวนสิทธิ์ในการลบพวกเขาออกจากเว็บไซต์และจากฐานข้อมูลตามคำขอจากหน่วยงานที่ได้รับอนุญาต

ล้านดอลลาร์สำหรับงานศิลปะรัสเซียและโซเวียต ศิลปินในประเทศได้ทำลายสถิติในการประมูลระดับนานาชาติหลายครั้ง นอกจากนี้ยังมีเรื่องปกติบางประการ: เกือบทั้งหมดเป็นผู้อพยพและสำหรับพวกเขาทั้งหมดหัวข้อของอดีตโซเวียตมีความเกี่ยวข้องไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง - หลังจากหลายทศวรรษในตะวันตกมันก็มีค่า ศิลปินร่วมสมัยที่แพงที่สุดอยู่ใน 5 อันดับแรกจากช่อง MIR TV

อันดับที่ห้าในการจัดอันดับคือศิลปิน Grisha Bruskin ชื่อเสียงระดับโลกมาหาเขาในปี 1988 จากนั้นในการประมูลของ Russian Sotheby งาน "Fundamental Lexicon" ของ Bruskin ก็ถูกขายในราคาสูงสุดเป็นประวัติการณ์ที่ 300,000 ดอลลาร์ ซึ่งเกินประมาณการคือราคาเริ่มต้นถึง 12 เท่า ในปี 1999 ตามคำเชิญของรัฐบาลเยอรมัน Bruskin ได้สร้างภาพอันมีค่า "ชีวิตเหนือสิ่งอื่นใด" สำหรับ Reichstag ในกรุงเบอร์ลิน ปัจจุบันศิลปินวัย 72 ปีอาศัยและทำงานในนิวยอร์กและมอสโกวและผลงานของเขาถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์หลักของโลก

อันดับที่สี่ในการจัดอันดับของเราคือ Semyon Faibisovich เป็นเวลา 30 ปีแล้วที่ผลงานของเขาได้รับการจัดแสดงเป็นประจำในยุโรปตะวันตกและสหรัฐอเมริกา Faibisovich เป็นศิลปินนักถ่ายภาพเสมือนจริง สำหรับงานที่แพงที่สุดของเขา "ทหาร" พวกเขาจ่ายเงินประมูล 400,000 ดอลลาร์ แม้ว่าในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาศิลปินจะอาศัยอยู่ในเทลอาวีฟ แต่เขาก็อุทิศงานทั้งหมดให้กับมอสโกว ในรายงานภาพถ่ายของเขา เขาพูดถึงชีวิตประจำวันในเมืองหลวง ภาพวาดของเขาแสดงให้เห็นถนน ร้านกาแฟ และสถานีรถไฟ ผลงานของ Faibisovich อยู่ในคอลเลกชันของ Tretyakov Gallery ในพิพิธภัณฑ์ในเยอรมนี โปแลนด์ และสหรัฐอเมริกา

อันดับที่ 3 ได้แก่ ดูโอ้ Vasily Komar และ Alexander Melamid ในงานของพวกเขาพวกเขาผสมผสานหลักการของป๊อปอาร์ตอเมริกันเข้ากับคุณลักษณะที่ตีความใหม่อย่างล้อเลียนของสัจนิยมสังคมนิยม ในฐานะโครงการศิลปะ พวกเขาจัดกิจกรรมที่เรียกว่า "การขายจิตวิญญาณ" ของศิลปินชื่อดัง งานที่แพงที่สุดคือ "การประชุมของ Solzhenitsyn และBöllที่เดชาของ Rostropovich" ราคาอยู่ที่ 860,000 ดอลลาร์ Komar และ Melamid อาศัยอยู่ในนิวยอร์กมานานกว่า 40 ปี ผลงานของพวกเขาอยู่ในคอลเลกชันของ MoMM, พิพิธภัณฑ์ Guggenheim, พิพิธภัณฑ์ศิลปะ Metropolitan และพิพิธภัณฑ์ลูฟร์

ในบรรทัดที่สองของการจัดอันดับตัวแทนของ Sotsart ศิลปิน Erik Bulatov อีกคน เขาเริ่มต้นจากการเป็นนักวาดภาพประกอบหนังสือเด็ก และต่อมาเริ่มผสมผสานภาพวาดวัตถุเข้ากับข้อความในงานของเขา ตั้งแต่ปี 1992 Bulatov อาศัยอยู่ในปารีส เขากลายเป็นศิลปินชาวรัสเซียคนแรกที่มีนิทรรศการที่ Pompidou Center ผลงานของเขายังถูกเก็บไว้ใน Tretyakov Gallery, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย และพิพิธภัณฑ์ Ludwig ในเมืองโคโลญ งานที่แพงที่สุด "Glory to the CPSU" ถูกขายไปในราคา 2 ล้านเหรียญ โรมัน อับราโมวิช ซื้อมา

อันดับแรกในการจัดอันดับของเราคือศิลปินชาวรัสเซีย ในปี 2551 ที่การประมูลในลอนดอนผลงานของเขา "Beetle" ถูกขายไปในราคา 5 ล้าน 800,000 ดอลลาร์ “ห้องหรู” ราคาถูกลงเล็กน้อย – ในราคา 4 ล้าน 100,000 ดอลลาร์ ภาพวาดทั้งสองถือเป็นงานศิลปะรัสเซียที่แพงที่สุด Ilya Kabakov เป็นผู้ก่อตั้งแนวความคิดของมอสโก ตั้งแต่ปี 1988 เขาทำงานในนิวยอร์กโดยร่วมมือกับ Emilia Kabakova ภรรยาของเขา เธอเป็นคนที่ยืนกรานว่าควรขึ้นราคางานสามีของเธอเมื่อถึงจุดหนึ่ง การคำนวณนั้นสมเหตุสมผลแล้วตอนนี้ Kabakovs เป็นนักเขียนชาวรัสเซียที่แพงที่สุด