ข้อความสั้นๆ เกี่ยวกับศิลปินชาวดัตช์ที่โดดเด่น ศิลปินชาวดัตช์และประวัติศาสตร์ของพวกเขา

เนเธอร์แลนด์เป็นประเทศที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวที่มอบศิลปินที่โดดเด่นมากมายให้กับโลก นักออกแบบ ศิลปิน และนักแสดงชื่อดังที่มีชื่อเสียง - นี่คือรายการเล็กๆ น้อยๆ ที่รัฐเล็กๆ นี้สามารถอวดได้

การเพิ่มขึ้นของศิลปะดัตช์

ยุคแห่งความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะแห่งความสมจริงนั้นอยู่ได้ไม่นานในฮอลแลนด์ ช่วงเวลานี้ครอบคลุมตลอดศตวรรษที่ 17 แต่ขนาดของความสำคัญนั้นเกินกว่ากรอบลำดับเหตุการณ์นี้อย่างมาก ศิลปินชาวดัตช์ในสมัยนั้นได้กลายเป็นแบบอย่างให้กับจิตรกรรุ่นต่อๆ ไป เพื่อให้คำพูดเหล่านี้ดูไม่มีมูลความจริงจึงควรกล่าวถึงชื่อของ Rembrandt และ Hals, Potter และ Ruisdael ผู้ซึ่งผนึกสถานะของพวกเขาไว้ตลอดกาลในฐานะปรมาจารย์แห่งการวาดภาพสมจริงที่ไม่มีใครเทียบได้

ตัวแทนคนสำคัญของชาวดัตช์ แยน เวอร์เมียร์ เขาถือเป็นตัวละครที่ลึกลับที่สุดในยุครุ่งเรืองของการวาดภาพชาวดัตช์ เนื่องจากแม้จะมีชื่อเสียงในช่วงชีวิตของเขา แต่เขาก็เริ่มหมดความสนใจในตัวเขาภายในเวลาไม่ถึงครึ่งศตวรรษต่อมา ไม่ค่อยมีใครรู้เกี่ยวกับข้อมูลชีวประวัติของ Vermeer นักประวัติศาสตร์ศิลป์ส่วนใหญ่สำรวจประวัติศาสตร์ของเขาโดยศึกษาผลงานของเขา แต่ก็มีความยากลำบากเช่นกัน - ศิลปินแทบไม่ได้ออกเดทกับภาพวาดของเขา สิ่งที่มีค่าที่สุดจากมุมมองเชิงสุนทรีย์ถือเป็นผลงานของแจนเรื่อง "Maid with a Jug of Milk" และ "Girl with a Letter"

ศิลปินที่มีชื่อเสียงและน่านับถือไม่น้อยคือ Hans Memling, Hieronymus Bosch และ Jan van Eyck ผู้เก่งกาจ ผู้สร้างทุกคนมีความโดดเด่นด้วยการดึงดูดใจในชีวิตประจำวัน ซึ่งสะท้อนให้เห็นในหุ่นนิ่ง ทิวทัศน์ และภาพบุคคล

อาคารนี้ทิ้งร่องรอยไว้ในการพัฒนาศิลปะฝรั่งเศสในเวลาต่อมาในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 และกลายเป็นแบบอย่างสำหรับทิวทัศน์ที่สมจริงซึ่งสร้างขึ้นในยุคเรอเนซองส์ ศิลปินสัจนิยมชาวรัสเซียก็ให้ความสนใจชาวดัตช์เช่นกัน เราสามารถพูดได้อย่างปลอดภัยว่าศิลปะของเนเธอร์แลนด์ก้าวหน้าและเป็นแบบอย่างและสะท้อนให้เห็นบนผืนผ้าใบของศิลปินที่โดดเด่นทุกคนที่วาดภาพร่างตามธรรมชาติ

แรมแบรนดท์และมรดกของเขา

ชื่อเต็มของศิลปินคือ Rembrandt van Rijn พระองค์ประสูติในปี พ.ศ. 1606 ในครอบครัวที่ค่อนข้างเจริญรุ่งเรืองในสมัยนั้น เนื่องจากเป็นลูกคนที่สี่เขายังคงได้รับการศึกษาที่ดี พ่อต้องการให้ลูกชายของเขาสำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยและกลายเป็นบุคคลที่โดดเด่น แต่ไม่เป็นไปตามความคาดหวังของเขาเนื่องจากผลการเรียนต่ำของเด็กชาย และเพื่อว่าความพยายามทั้งหมดจะไม่สูญเปล่า เขาจึงถูกบังคับให้ยอมจำนนต่อผู้ชาย และเห็นด้วยกับความปรารถนาที่จะเป็นศิลปิน

ครูของแรมแบรนดท์คือศิลปินชาวดัตช์ Jacob van Swanenburch และ Pieter Lastman คนแรกมีทักษะในการวาดภาพค่อนข้างปานกลาง แต่ได้รับความเคารพในบุคลิกภาพของเขาเนื่องจากเขาใช้เวลาอยู่ในอิตาลีเป็นเวลานานในการสื่อสารและทำงานร่วมกับศิลปินท้องถิ่น แรมแบรนดท์อยู่กับยาโคบได้ไม่นานและออกตามหาครูคนอื่นที่อัมสเตอร์ดัม ที่นั่นเขาศึกษากับ Peter Lastman ซึ่งกลายเป็นที่ปรึกษาที่แท้จริงสำหรับเขา เขาเป็นคนที่สอนชายหนุ่มเกี่ยวกับศิลปะการแกะสลักเท่าที่คนรุ่นเดียวกันสามารถสังเกตได้

ตามหลักฐานจากผลงานของปรมาจารย์ซึ่งดำเนินการในปริมาณมาก แรมแบรนดท์กลายเป็นศิลปินที่ก่อตั้งขึ้นอย่างสมบูรณ์ภายในปี 1628 ภาพร่างของเขามีพื้นฐานมาจากวัตถุใดๆ และใบหน้าของมนุษย์ก็ไม่มีข้อยกเว้น เมื่อพูดถึงภาพวาดของศิลปินชาวดัตช์ จะต้องไม่พลาดที่จะเอ่ยถึงชื่อของเรมแบรนดท์ ซึ่งตั้งแต่อายุยังน้อยเขามีชื่อเสียงจากความสามารถอันโดดเด่นในสาขานี้ เขาวาดภาพพ่อและแม่ของเขาเป็นจำนวนมาก ซึ่งปัจจุบันถูกเก็บไว้ในแกลเลอรี

แรมแบรนดท์ได้รับความนิยมอย่างรวดเร็วในอัมสเตอร์ดัม แต่ก็ไม่ได้หยุดพัฒนา ในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 17 ผลงานชิ้นเอกอันโด่งดังของเขา "บทเรียนกายวิภาคศาสตร์" และ "ภาพเหมือนของคอปเพนอล" ได้ถูกสร้างขึ้น

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจก็คือในเวลานั้นเรมแบรนดท์แต่งงานกับ Saxia ที่สวยงามและช่วงเวลาอันอุดมสมบูรณ์แห่งความอุดมสมบูรณ์และรัศมีภาพก็เริ่มขึ้นในชีวิตของเขา Young Saxia กลายเป็นรำพึงของศิลปินและรวมอยู่ในภาพวาดมากกว่าหนึ่งภาพ อย่างไรก็ตาม ตามที่นักประวัติศาสตร์ศิลป์ให้การเป็นพยาน ลักษณะของเธอถูกพบซ้ำแล้วซ้ำอีกในภาพบุคคลอื่น ๆ ของปรมาจารย์

ศิลปินเสียชีวิตด้วยความยากจนโดยไม่สูญเสียชื่อเสียงที่เขาได้รับในช่วงชีวิตของเขา ผลงานชิ้นเอกของเขากระจุกตัวอยู่ในแกลเลอรีสำคัญๆ ทั่วโลก เขาสามารถเรียกได้ว่าเป็นปรมาจารย์อย่างถูกต้องซึ่งผลงานเป็นตัวแทนของการสังเคราะห์ภาพวาดที่เหมือนจริงในยุคกลางทั้งหมด ในทางเทคนิคแล้วงานของเขาไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นอุดมคติเนื่องจากเขาไม่ได้พยายามอย่างแม่นยำในการสร้างภาพวาด ลักษณะทางศิลปะที่สำคัญที่สุดที่ทำให้เขาแตกต่างจากตัวแทนของโรงเรียนวาดภาพคือการเล่น Chiaroscuro ที่ไม่มีใครเทียบได้

Vincent Van Gogh - นักเก็ตอัจฉริยะ

เมื่อได้ยินวลี "ศิลปินชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่" หลายคนก็นึกถึงภาพของ Vincent Van Gogh ในหัวทันทีภาพวาดที่สวยงามและเขียวชอุ่มของเขาอย่างปฏิเสธไม่ได้ซึ่งได้รับการชื่นชมหลังจากการเสียชีวิตของศิลปินเท่านั้น

บุคคลนี้สามารถเรียกได้ว่าเป็นคนที่มีเอกลักษณ์และยอดเยี่ยม ด้วยความที่เป็นลูกชายของศิษยาภิบาล แวนโก๊ะจึงเดินตามรอยเท้าพ่อเช่นเดียวกับพี่ชายของเขา วินเซนต์ศึกษาเทววิทยาและเป็นนักเทศน์ในเมืองโบริเนจของเบลเยียม เขายังทำงานเป็นนายหน้าตัวแทนและเคลื่อนไหวต่างๆ อย่างไรก็ตาม การบริการในเขตตำบลและการติดต่ออย่างใกล้ชิดกับชีวิตประจำวันอันโหดร้ายของคนงานเหมืองได้ฟื้นความรู้สึกไม่ยุติธรรมในตัวอัจฉริยะรุ่นเยาว์ขึ้นมาอีกครั้ง เมื่อพิจารณาถึงทุ่งนาและชีวิตของคนทำงานทุกวัน Vincent ได้รับแรงบันดาลใจมากจนเขาเริ่มวาดภาพ

ศิลปินชาวดัตช์มีชื่อเสียงในด้านการถ่ายภาพบุคคลและทิวทัศน์เป็นหลัก Vincent Van Gogh ก็ไม่มีข้อยกเว้น เมื่อถึงวันเกิดครบรอบสามสิบปีเขายอมแพ้ทุกอย่างและเริ่มวาดภาพอย่างแข็งขัน ช่วงเวลานี้เป็นจุดเริ่มต้นของการสร้างสรรค์ผลงานอันโด่งดังของเขาเรื่อง "The Potato Eaters" และ "The Peasant Woman" ผลงานทั้งหมดของเขาเต็มไปด้วยความเห็นอกเห็นใจอย่างบ้าคลั่งต่อคนธรรมดาที่เลี้ยงดูคนทั้งประเทศ แต่ในขณะเดียวกันก็แทบจะไม่สามารถเลี้ยงครอบครัวของตนเองได้

ต่อมา วินเซนต์มุ่งหน้าไปปารีส และจุดสนใจในงานของเขาเปลี่ยนไปบ้าง ภาพที่เข้มข้นและธีมใหม่สำหรับความเห็นอกเห็นใจปรากฏขึ้น วิถีชีวิตลูกครึ่งเรือนจำและการแต่งงานกับโสเภณีสะท้อนให้เห็นในงานศิลปะของเขา ซึ่งมองเห็นได้ชัดเจนในภาพวาด "Night Cafe" และ "Prisoners' Walk"

มิตรภาพกับโกแกง

เริ่มต้นในปี พ.ศ. 2429 แวนโก๊ะเริ่มสนใจศึกษาการวาดภาพกลางแจ้งโดยอิมเพรสชั่นนิสต์ และพัฒนาความสนใจในภาพพิมพ์ของญี่ปุ่น ตั้งแต่วินาทีนั้นเป็นต้นมาลักษณะเฉพาะของ Gauguin และ Toulouse-Lautrec ก็ปรากฏให้เห็นในผลงานของศิลปิน ประการแรก สิ่งนี้สามารถเห็นได้จากการเปลี่ยนแปลงในการถ่ายทอดอารมณ์สี ผลงานเริ่มโดดเด่นด้วยฝีแปรงที่มีสีเหลืองเข้ม เช่นเดียวกับ "ประกายไฟ" สีน้ำเงิน ภาพร่างแรกในรูปแบบสีที่มีลักษณะเฉพาะคือ: "สะพานข้ามแม่น้ำแซน" และ "ภาพเหมือนของพ่อ Tanguy" ส่วนสีหลังจะเปล่งประกายด้วยความสว่างและลายเส้นที่โดดเด่น

มิตรภาพระหว่าง Gauguin และ Van Gogh มีลักษณะที่มีความสัมพันธ์กัน: พวกเขามีอิทธิพลต่อความคิดสร้างสรรค์ร่วมกันแม้ว่าพวกเขาจะใช้เครื่องมือในการแสดงออกที่แตกต่างกัน แต่ก็แลกเปลี่ยนของขวัญอย่างแข็งขันในรูปแบบของภาพวาดของพวกเขาเองและโต้เถียงอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย ความแตกต่างระหว่างตัวละคร ตำแหน่งที่ไม่มั่นคงของวินเซนต์ ซึ่งเชื่อว่ามารยาทในการวาดภาพของเขานั้นเป็น "สัตว์ป่าในชนบท" ทำให้เกิดความขัดแย้ง ในบางแง่ Gauguin มีบุคลิกติดดินมากกว่า V an Gogh ความหลงใหลในความสัมพันธ์ของพวกเขารุนแรงมากจนวันหนึ่งพวกเขาทะเลาะกันในร้านกาแฟที่พวกเขาชื่นชอบและ Vincent ก็ขว้างแก้วแอ๊บซินท์ใส่โกแกง การทะเลาะกันไม่ได้จบเพียงแค่นั้นและในวันรุ่งขึ้นก็มีการกล่าวหากันอย่างยาวนานต่อ Gauguin ซึ่งอ้างอิงจาก Van Gogh ว่ามีความผิดในทุกสิ่ง ในตอนท้ายของเรื่องนี้ชาวดัตช์โกรธและหดหู่ใจมาก เขาตัดหูของเขาออกส่วนหนึ่งซึ่งเขากรุณามอบให้เป็นของขวัญแก่โสเภณี

ศิลปินชาวดัตช์โดยไม่คำนึงถึงยุคสมัยของชีวิตได้พิสูจน์ให้สังคมเห็นซ้ำแล้วซ้ำเล่าถึงวิธีการถ่ายทอดช่วงเวลาแห่งชีวิตบนผืนผ้าใบที่ไม่มีใครเทียบได้ อย่างไรก็ตาม บางทีอาจไม่มีใครในโลกนี้ที่สามารถได้รับตำแหน่งอัจฉริยะโดยปราศจากความเข้าใจเกี่ยวกับเทคนิคการวาดภาพ องค์ประกอบ และวิธีการแสดงออกทางศิลปะแม้แต่น้อย Vincent Van Gogh เป็นอัจฉริยะที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวที่สามารถได้รับการยอมรับจากทั่วโลก ด้วยความอุตสาหะ จิตวิญญาณอันบริสุทธิ์ และความกระหายในชีวิตที่มากเกินไป

จนถึงปลายศตวรรษที่ 16 ภาพวาดของชาวดัตช์มีความเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับภาพวาดภาษาเฟลมิช และมีชื่อทั่วไปว่า "โรงเรียนเนเธอร์แลนด์" ทั้งสองเป็นสาขาหนึ่งของจิตรกรรมเยอรมันถือว่าพี่น้องฟานเอคเป็นบรรพบุรุษและเดินไปในทิศทางเดียวกันมาเป็นเวลานานพัฒนาเทคนิคเดียวกันเพื่อให้ศิลปินของฮอลแลนด์ไม่ต่างจากแฟลนเดอร์สของพวกเขา และพี่น้องบราบันต์

เมื่อชาวดัตช์กำจัดการกดขี่ของสเปนออกไป ภาพวาดของชาวดัตช์ก็กลายเป็นลักษณะประจำชาติ ศิลปินชาวดัตช์มีความโดดเด่นด้วยการสร้างธรรมชาติขึ้นมาใหม่ด้วยความรักเป็นพิเศษในความเรียบง่าย ความจริง และสัมผัสแห่งสีสันอันละเอียดอ่อน

ชาวดัตช์เป็นคนแรกที่เข้าใจว่าแม้ในธรรมชาติที่ไม่มีชีวิตทุกสิ่งมีชีวิตทุกสิ่งมีเสน่ห์ทุกสิ่งสามารถกระตุ้นความคิดและกระตุ้นการเคลื่อนไหวของหัวใจได้

ในบรรดาจิตรกรภูมิทัศน์ที่ตีความธรรมชาติพื้นเมืองของตน Jan van Goyen (1595-1656) ได้รับการยกย่องเป็นพิเศษ ผู้ซึ่งร่วมกับ Ezaias van de Velde (ประมาณปี 1590-1630) และ Pieter Moleyn the Elder (1595-1661) ถือเป็นจิตรกรภูมิทัศน์ ผู้ก่อตั้งภูมิทัศน์ของชาวดัตช์

แต่ศิลปินของฮอลแลนด์ไม่สามารถแบ่งแยกออกเป็นโรงเรียนได้ สำนวน "โรงเรียนจิตรกรรมดัตช์" เป็นไปตามอำเภอใจมาก ในฮอลแลนด์ มีการจัดตั้งสมาคมศิลปิน ซึ่งเป็นองค์กรอิสระที่ปกป้องสิทธิของสมาชิกและไม่มีอิทธิพลต่อกิจกรรมสร้างสรรค์

ชื่อของเรมแบรนดท์ (1606-1669) ฉายแสงโดยเฉพาะอย่างยิ่งในประวัติศาสตร์ซึ่งมีบุคลิกที่คุณสมบัติที่ดีที่สุดของการวาดภาพของชาวดัตช์มีความเข้มข้นและอิทธิพลของเขาก็สะท้อนให้เห็นในทุกประเภท - ในภาพบุคคล ภาพวาดประวัติศาสตร์ ฉากในชีวิตประจำวัน และทิวทัศน์

ในศตวรรษที่ 17 การวาดภาพในชีวิตประจำวันได้รับการพัฒนาอย่างประสบความสำเร็จ การทดลองครั้งแรกถูกบันทึกไว้ในโรงเรียนดัตช์เก่า ในประเภทนี้ ชื่อที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Cornelis Beg (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), Cornelis Dusart (1660-1704) Henrik Roques ชื่อเล่น Sorg (1621-82)

ศิลปินที่วาดฉากชีวิตทหารสามารถจัดได้ว่าเป็นจิตรกรประเภทต่างๆ ตัวแทนหลักของจิตรกรรมสาขานี้คือ Philips Wouwerman ที่มีชื่อเสียงและอุดมสมบูรณ์เป็นพิเศษ (1619-68)

ในหมวดหมู่พิเศษเราสามารถแยกแยะปรมาจารย์ที่รวมทิวทัศน์กับภาพสัตว์ไว้ในภาพวาดของพวกเขา ผู้ที่มีชื่อเสียงที่สุดในบรรดาจิตรกรในชนบทคือ Paulus Potter (1625-54); อัลเบิร์ต คุยป์ (1620-91)

ศิลปินชาวดัตช์ให้ความสำคัญกับทะเลมากที่สุด

ในงานของ Willem van de Velde the Elder (1611 หรือ 1612-93) ลูกชายผู้โด่งดังของเขา Willem van de Velde the Younger (1633-1707) Ludolf Backhuisen (1631-1708) ภาพวาดวิวทะเลเป็นความพิเศษของพวกเขา

ในด้านหุ่นนิ่ง ผู้ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Jan-Davids de Gem (1606-83), Cornelis ลูกชายของเขา (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630-93).

ช่วงเวลาอันยอดเยี่ยมของการวาดภาพชาวดัตช์นั้นอยู่ได้ไม่นาน - เพียงหนึ่งศตวรรษเท่านั้น

ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 18 ความเสื่อมถอยกำลังมาเหตุผลนี้คือรสนิยมและมุมมองของยุคโอ่อ่าของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 แทนที่จะมีความสัมพันธ์โดยตรงกับธรรมชาติ ความรักต่อสิ่งพื้นเมืองและความจริงใจ กลับกลายเป็นการครอบงำของทฤษฎีอุปาทาน ธรรมเนียมปฏิบัติ และการเลียนแบบผู้ทรงคุณวุฒิของโรงเรียนฝรั่งเศส ผู้เผยแพร่หลักของกระแสที่น่าเสียใจนี้คือ Flemish Gerard de Leresse (1641-1711) ซึ่งตั้งรกรากอยู่ในอัมสเตอร์ดัม

ความเสื่อมโทรมของโรงเรียนยังได้รับการสนับสนุนจาก Adrian van de Werff ผู้โด่งดัง (1659-1722) ซึ่งครั้งหนึ่งสีภาพวาดของเขาดูหม่นหมองซึ่งครั้งหนึ่งดูเหมือนจะสมบูรณ์แบบที่สุด

อิทธิพลจากต่างประเทศส่งผลกระทบอย่างมากต่อภาพวาดของชาวดัตช์จนกระทั่งช่วงศตวรรษที่ 20

ต่อจากนั้นศิลปินชาวดัตช์หันมาใช้สมัยโบราณ - เพื่อการสังเกตธรรมชาติอย่างเข้มงวด

การวาดภาพทิวทัศน์ของชาวดัตช์ล่าสุดมีความสมบูรณ์เป็นพิเศษ ซึ่งรวมถึง Andreas Schelfhout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (เกิด 1837), Johannes Weissenbruch (1822-1880) และคนอื่นๆ

ในบรรดาจิตรกรนาวิกโยธินใหม่ล่าสุดในฮอลแลนด์ ฝ่ามือเป็นของ Johannes Schotel (1787-1838)

Wouters Verschoor (1812-74) แสดงให้เห็นทักษะที่ยอดเยี่ยมในการวาดภาพสัตว์

คุณสามารถซื้อการทำสำเนาภาพวาดโดยศิลปินชาวดัตช์ได้ในร้านค้าออนไลน์ของเรา

จิตรกรรมเนเธอร์แลนด์ตอนต้น(นานๆ ครั้ง ภาพวาดเก่าเนเธอร์แลนด์) - หนึ่งในขั้นตอนของยุคเรอเนซองส์ตอนเหนือยุคในภาษาดัตช์และโดยเฉพาะภาพวาดเฟลมิชครอบคลุมประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรปประมาณหนึ่งศตวรรษเริ่มตั้งแต่ไตรมาสที่สองของศตวรรษที่ 15 ศิลปะกอทิกตอนปลายถูกแทนที่ด้วยศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นในเวลานี้ หากโกธิคตอนปลายซึ่งปรากฏตัวในฝรั่งเศสสร้างภาษาสากลของรูปแบบศิลปะซึ่งปรมาจารย์ด้านการวาดภาพชาวดัตช์หลายคนสนับสนุนจากนั้นในช่วงเวลาที่อธิบายไว้ในเนเธอร์แลนด์โรงเรียนวาดภาพอิสระที่เป็นที่รู้จักอย่างชัดเจนได้ถูกสร้างขึ้นซึ่งมีลักษณะเฉพาะด้วยสไตล์ที่สมจริง ของการวาดภาพ ซึ่งพบการแสดงออกในรูปแบบการวาดภาพบุคคลเป็นหลัก

สารานุกรม YouTube

• 1 / 5

  ตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 ดินแดนเหล่านี้มีการเปลี่ยนแปลงทางวัฒนธรรมและสังคมวิทยา: ผู้อุปถัมภ์ทางโลกได้เข้ามาแทนที่คริสตจักรในฐานะลูกค้าหลักในงานศิลปะ เนเธอร์แลนด์ในฐานะศูนย์กลางทางศิลปะเริ่มเข้ามาบดบังศิลปะกอทิกตอนปลายในราชสำนักฝรั่งเศส

  เนเธอร์แลนด์ยังเชื่อมโยงกับฝรั่งเศสโดยราชวงศ์เบอร์กันดีทั่วไป ดังนั้นศิลปินชาวเฟลมิช วัลลูน และชาวดัตช์จึงหางานทำในฝรั่งเศสได้ง่ายที่ราชสำนักของอองชู ออร์ลีนส์ เบอร์รี่ และกษัตริย์ฝรั่งเศสเอง ปรมาจารย์ด้านโกธิคนานาชาติที่โดดเด่น พี่น้อง Limburg ของ Geldern เป็นศิลปินชาวฝรั่งเศสโดยพื้นฐานแล้ว ด้วยข้อยกเว้นที่หาได้ยากในตัวของเมลคิออร์ บรูเดอร์แลม มีเพียงจิตรกรระดับล่างเท่านั้นที่ยังคงอยู่ในบ้านเกิดของพวกเขา นั่นคือเนเธอร์แลนด์

  ต้นกำเนิดของจิตรกรรมเนเธอร์แลนด์ยุคแรกซึ่งเข้าใจในความหมายแคบคือยาน ฟาน เอค ซึ่งในปี 1432 ได้เสร็จสิ้นผลงานชิ้นเอกหลักของเขาคือผลงานแท่นบูชาเกนต์ แม้แต่คนร่วมสมัยยังถือว่าผลงานของ Jan van Eyck และศิลปินชาวเฟลมิชคนอื่นๆ นั้นเป็น "งานศิลปะใหม่" ซึ่งเป็นสิ่งใหม่โดยสิ้นเชิง ตามลำดับเวลา ภาพวาดเนเธอร์แลนด์เก่าพัฒนาขึ้นในเวลาเดียวกับยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี

  ด้วยการถือกำเนิดของภาพเหมือน ธีมฆราวาสที่เป็นรายบุคคลกลายเป็นแรงจูงใจหลักของการวาดภาพเป็นครั้งแรก ประเภทภาพวาดและหุ่นนิ่งได้พัฒนางานศิลปะเฉพาะในสมัยบาโรกดัตช์ของศตวรรษที่ 17 เท่านั้น ลักษณะชนชั้นกระฎุมพีในการวาดภาพของชาวเนเธอร์แลนด์ในยุคแรกพูดถึงการมาถึงของยุคใหม่ ลูกค้านอกเหนือไปจากขุนนางและนักบวชแล้วยังเป็นขุนนางและพ่อค้าที่ร่ำรวยมากขึ้นเรื่อยๆ ชายในภาพเขียนไม่อยู่ในอุดมคติอีกต่อไป คนจริงที่มีข้อบกพร่องด้านมนุษย์ทั้งหมดปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชม ริ้วรอย ถุงใต้ตา - ทุกอย่างแสดงให้เห็นอย่างเป็นธรรมชาติในภาพโดยไม่ต้องปรุงแต่ง วิสุทธิชนไม่ได้อาศัยอยู่เฉพาะในโบสถ์อีกต่อไป พวกเขาเข้าไปในบ้านของชาวเมืองด้วย

  ศิลปิน

  หนึ่งในตัวแทนคนแรกๆ ของมุมมองทางศิลปะใหม่ๆ ร่วมกับ Jan van Eyck ได้รับการยกย่องว่าเป็นปรมาจารย์ของ Flemal ซึ่งปัจจุบันเรียกว่า Robert Campin งานหลักของเขาคือแท่นบูชา (หรืออันมีค่า) ของการประกาศ (ชื่ออื่น: แท่นบูชาของตระกูลเมโรด; ราวปี ค.ศ. 1425) ปัจจุบันเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ Cloisters ในนิวยอร์ก

  ความจริงที่ว่า Jan van Eyck มีน้องชายชื่อ Hubert นั้นถูกตั้งคำถามมาเป็นเวลานาน การวิจัยเมื่อเร็วๆ นี้แสดงให้เห็นว่า Hubert van Eyck ซึ่งกล่าวถึงในแหล่งข้อมูลเพียงไม่กี่แห่ง เป็นเพียงศิลปินธรรมดาๆ ของโรงเรียน Ghent ที่ไม่มีครอบครัวหรือความสัมพันธ์อื่นใดกับ Jan van Eyck

  นักเรียนของ Kampen ถือเป็น Rogier van der Weyden ซึ่งอาจมีส่วนร่วมในงานอันมีค่า Merode ในทางกลับกัน เขามีอิทธิพลต่อ Dirk Bouts และ Hans Memling งานร่วมสมัยของเมมลิงคือ Hugo van der Hus ซึ่งกล่าวถึงครั้งแรกในปี 1465

  ศิลปินที่ลึกลับที่สุดในเวลานี้ Hieronymus Bosch โดดเด่นจากซีรีส์นี้ซึ่งผลงานยังไม่ได้รับการตีความที่ชัดเจน

  ถัดจากปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่เหล่านี้ ศิลปินชาวเนเธอร์แลนด์ในยุคแรกๆ เช่น Petrus Christus, Jan Provost, Colin de Cauter, Albert Bouts, Goswin van der Weyden และ Quentin Massys สมควรได้รับการกล่าวถึง

  ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นคือผลงานของศิลปินจากไลเดน: Cornelis Engelbrechtsen และนักเรียนของเขา Artgen van Leyden และ Lucas van Leyden

  มีเพียงส่วนเล็กๆ ของผลงานของศิลปินชาวเนเธอร์แลนด์ยุคแรกๆ เท่านั้นที่ยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ภาพวาดและภาพวาดจำนวนนับไม่ถ้วนตกเป็นเหยื่อของลัทธิยึดถือสัญลักษณ์ระหว่างการปฏิรูปและสงคราม นอกจากนี้งานจำนวนมากได้รับความเสียหายอย่างหนักและต้องใช้การบูรณะที่มีราคาแพง งานบางชิ้นยังคงอยู่ได้เพียงสำเนาเท่านั้น ในขณะที่งานส่วนใหญ่สูญหายไปตลอดกาล

  ผลงานของชาวเนเธอร์แลนด์และเฟลมมิ่งในยุคแรกๆ ถูกนำเสนอในพิพิธภัณฑ์ศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในโลก แต่แท่นบูชาและภาพวาดบางส่วนยังคงอยู่ในสถานที่เก่า - ในโบสถ์ อาสนวิหาร และปราสาท เช่น แท่นบูชาเกนต์ในอาสนวิหารเซนต์บาโวในเกนต์ อย่างไรก็ตาม ตอนนี้คุณสามารถมองมันผ่านกระจกหุ้มเกราะหนาเท่านั้น

  อิทธิพล

  อิตาลี

  ในบ้านเกิดของยุคเรอเนซองส์ ประเทศอิตาลี ยาน ฟาน เอคได้รับความเคารพอย่างสูง ไม่กี่ปีหลังจากการเสียชีวิตของศิลปิน Bartolomeo Fazio นักมนุษยนิยมถึงกับเรียก Van Eyck อีกด้วย “เจ้าชายในหมู่จิตรกรแห่งศตวรรษ”.

  ในขณะที่ปรมาจารย์ชาวอิตาลีใช้วิธีการทางคณิตศาสตร์และเรขาคณิตที่ซับซ้อน โดยเฉพาะอย่างยิ่งระบบการมองเห็น เฟลมมิ่งสามารถแสดง "ความเป็นจริง" ได้อย่างถูกต้องโดยไม่ต้องยุ่งยากมากนัก การแสดงในภาพวาดไม่ได้เกิดขึ้นอีกต่อไปเหมือนในสไตล์โกธิกพร้อมกันบนเวทีเดียว สถานที่ถูกแสดงตามกฎของมุมมอง และทิวทัศน์จะไม่ใช่พื้นหลังแบบแผนผังอีกต่อไป พื้นหลังที่มีรายละเอียดกว้างช่วยให้ดวงตาดูไม่มีที่สิ้นสุด เสื้อผ้า เฟอร์นิเจอร์ และของตกแต่งถูกจัดแสดงด้วยความแม่นยำของภาพถ่าย

  สเปน

  หลักฐานแรกของการแพร่กระจายของเทคนิคการวาดภาพทางตอนเหนือในสเปนพบได้ในอาณาจักรอารากอน ซึ่งรวมถึงบาเลนเซีย คาตาโลเนีย และหมู่เกาะแบลีแอริก กษัตริย์อัลฟองโซที่ 5 ส่งศิลปินราชสำนัก หลุยส์ ดัลเมา ไปยังแฟลนเดอร์สในปี 1431 ในปี 1439 ศิลปินจากเมือง Bruges Louis Alimbrot ย้ายไปที่บาเลนเซียพร้อมกับเวิร์คช็อปของเขา ( หลุยส์ อลิมโบรต, โลเดอวิชค์ อัลลินบรูด- ยาน ฟาน เอคอาจไปเยือนบาเลนเซียตั้งแต่ต้นปี 1427 โดยเป็นส่วนหนึ่งของคณะผู้แทนชาวเบอร์กันดี

  บาเลนเซียซึ่งในขณะนั้นเป็นศูนย์กลางที่สำคัญที่สุดแห่งหนึ่งของทะเลเมดิเตอร์เรเนียน ดึงดูดศิลปินจากทั่วยุโรป นอกจากโรงเรียนศิลปะแบบดั้งเดิม "สไตล์นานาชาติ" แล้ว ยังมีเวิร์คช็อปที่ทำงานทั้งสไตล์เฟลมิชและอิตาลีอีกด้วย ทิศทางศิลปะที่เรียกว่า "สเปน - เฟลมิช" พัฒนาขึ้นที่นี่ซึ่งตัวแทนหลักคือ Bartolome Bermejo

  กษัตริย์แห่ง Castilian เป็นเจ้าของผลงานที่มีชื่อเสียงหลายชิ้นของ Rogier van der Weyden, Hans Memling และ Jan van Eyck นอกจากนี้ ศิลปินรับเชิญ Juan de Flandes (“Jan of Flanders” ไม่ทราบนามสกุล) กลายเป็นจิตรกรภาพเหมือนในราชสำนักของราชินีอิซาเบลลาซึ่งเป็นผู้วางรากฐานของโรงเรียนที่สมจริงของการวาดภาพเหมือนในราชสำนักสเปน

  โปรตุเกส

  โรงเรียนสอนวาดภาพอิสระแห่งหนึ่งเกิดขึ้นในโปรตุเกสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 ในเวิร์กช็อปลิสบอนของศิลปินในราชสำนัก Nuno Gonçalves ผลงานของศิลปินคนนี้แยกจากกันโดยสิ้นเชิง: ดูเหมือนว่าเขาจะไม่มีทั้งบรรพบุรุษและผู้ติดตาม อิทธิพลของเฟลมิชรู้สึกได้โดยเฉพาะในติ่งเนื้อของเขา "นักบุญวินเซนต์" ยาน ฟาน เอค และแม่น้ำแซน ไซท์ แฟลมิเชอ ไมสเตอร์ อุนด์ เดอร์ ซูเดิน 1430-1530 Ausstellungskatalog Brügge, สตุ๊ตการ์ท 2002. ดาร์มสตัดท์ 2002.

• โบโด บริงค์มันน์: Die flämische Buchmalerei am Ende des Burgunderreichs. Der Meister des Dresdner Gebetbuchs และ Miniaturisten seiner Zeitผู้ตอบแบบสอบถาม 2540 ISBN 2-503-50565-1
• เบอร์กิต แฟรงเก้, บาร์บารา เวลเซล (ปรอท): Die Kunst der burgundischen Niederlande ไอน์ ไอน์ฟือห์รัง.เบอร์ลิน 1997 ISBN 3-496-01170-X
• แม็กซ์ ยาคอบ ฟรีดแลนเดอร์: อัลท์นีเดอร์แลนดิเช่ มาเลเร. 14 ปี เบอร์ลิน 2467-2480
• เออร์วิน พานอฟสกี้: ตาย อัลต์นีเดอร์แลนดิเชอ มาเลเร อีห์ร อูร์สปรัง และเวเซิน.Übersetzt และ hrsg. ฟอน โจเชน แซนเดอร์ และสเตฟาน เคมเปอร์ดิก เคิล์น 2001 ISBN 3-7701-3857-0 (ต้นฉบับ: จิตรกรรมเนเธอร์แลนด์ยุคแรก 2 ปี เคมบริดจ์ (มิสซา) 2496)
• อ็อตโต แพชท์: ฟาน ไอค์ เสียชีวิต เบกรุนเดอร์ เดอร์ อัลนีเดอร์ลันดิเชน มาเลเรมิวนิก 1989 ISBN 3-7913-1389-4
• อ็อตโต แพชท์: อัลท์นีเดอร์แลนดิเช่ มาเลเร. วอน โรเจียร์ ฟาน เดอร์ เวย์เดน ทวิเจอราร์ด เดวิดชม. วอน โมนิก้า โรเนาเออร์ มิวนิก 1994 ISBN 3-7913-1389-4
• โจเชน แซนเดอร์, สเตฟาน เคมเปอร์ดิก: Der Meister von Flémalle และ Rogier van der Weyden: Die Geburt der neuzeitlichen Malerei: พิพิธภัณฑ์ Eine Ausstellung des Städel, แฟรงก์เฟิร์ต อัม ไมน์ และ der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin, Ostfildern: ฮัตเย คานท์ซ แวร์แลก, 2008
• นอร์เบิร์ต วูล์ฟ: Trecento และ Altniederländische Malerei Kunst-Epochen, Bd. 5 (ยึดตาม Universal Bibliothek 18172)

ศิลปินชาวดัตช์มีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อผลงานของอาจารย์ที่เริ่มกิจกรรมของพวกเขาในศตวรรษที่ 17 และไม่ได้หยุดอยู่จนถึงปัจจุบัน อย่างไรก็ตาม พวกเขามีอิทธิพลไม่เพียงแต่กับเพื่อนร่วมงานเท่านั้น แต่ยังรวมถึงมืออาชีพด้านวรรณกรรมด้วย (Valentin Proust, Donna Tartt) และการถ่ายภาพ (Ellen Kooi, Bill Gekas และคนอื่นๆ)

จุดเริ่มต้นของการพัฒนา

ในปี ค.ศ. 1648 ฮอลแลนด์ได้รับเอกราช แต่สำหรับการก่อตั้งรัฐใหม่ เนเธอร์แลนด์ต้องทนต่อการกระทำแก้แค้นในส่วนของสเปน ซึ่งทำให้มีผู้เสียชีวิตประมาณ 10,000 คนในเมืองแอนต์เวิร์ปของเฟลมิชในขณะนั้น ผลจากการสังหารหมู่นี้ทำให้ชาวเมืองแฟลนเดอร์สอพยพออกจากดินแดนที่ควบคุมโดยทางการสเปน

ด้วยเหตุนี้ จึงสมเหตุสมผลที่จะรับรู้ว่าแรงผลักดันของศิลปินอิสระชาวดัตช์นั้นมาจากความคิดสร้างสรรค์ของชาวเฟลมิชอย่างชัดเจน

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 มีทั้งสาขารัฐและศิลปะเกิดขึ้น นำไปสู่การก่อตั้งโรงเรียนศิลปะสองแห่ง โดยแยกจากกันตามสัญชาติ พวกเขามีต้นกำเนิดร่วมกัน แต่มีลักษณะแตกต่างกันมาก ขณะที่แฟลนเดอร์สยังคงอยู่ภายใต้การดูแลของนิกายโรมันคาทอลิก ฮอลแลนด์ประสบกับความเจริญรุ่งเรืองครั้งใหม่โดยสิ้นเชิง เริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 17

วัฒนธรรมดัตช์

ในศตวรรษที่ 17 รัฐใหม่เพิ่งเริ่มต้นเส้นทางการพัฒนา โดยทำลายความสัมพันธ์กับศิลปะในยุคที่ผ่านมาโดยสิ้นเชิง

การต่อสู้กับสเปนก็ค่อยๆสงบลง อารมณ์ของชาติเริ่มถูกติดตามในแวดวงยอดนิยมเมื่อพวกเขาย้ายออกจากศาสนาคาทอลิกที่ทางการกำหนดไว้ก่อนหน้านี้

การปกครองของโปรเตสแตนต์มีมุมมองที่ขัดแย้งกันในเรื่องการตกแต่ง ซึ่งนำไปสู่การลดงานในหัวข้อทางศาสนา และในอนาคตมีเพียงการเล่นในมือของศิลปะฆราวาสเท่านั้น

ไม่เคยมีมาก่อนที่ความเป็นจริงโดยรอบจะถูกนำเสนอผ่านภาพวาดบ่อยครั้ง ในผลงานของพวกเขา ศิลปินชาวดัตช์ต้องการแสดงชีวิตประจำวันธรรมดาๆ โดยปราศจากการปรุงแต่ง รสนิยมอันประณีต และความสูงส่ง

การระเบิดทางศิลปะทางโลกก่อให้เกิดทิศทางมากมายเช่นภูมิทัศน์แนวตั้งประเภทในชีวิตประจำวันและสิ่งมีชีวิต (การดำรงอยู่ซึ่งแม้แต่ศูนย์กลางที่พัฒนาแล้วที่สุดของอิตาลีและฝรั่งเศสก็ไม่รู้)

วิสัยทัศน์แห่งความสมจริงของศิลปินชาวดัตช์เอง ซึ่งแสดงออกผ่านภาพบุคคล ทิวทัศน์ งานตกแต่งภายใน และภาพวาดหุ่นนิ่ง กระตุ้นความสนใจในทักษะนี้จากทุกระดับของสังคม

ดังนั้นศิลปะดัตช์ในศตวรรษที่ 17 จึงได้รับฉายาว่า "ยุคทองของจิตรกรรมดัตช์" ทำให้ได้รับสถานะเป็นยุคที่โดดเด่นที่สุดในการวาดภาพในเนเธอร์แลนด์

สิ่งสำคัญที่ควรรู้: มีความเข้าใจผิดว่าโรงเรียนชาวดัตช์บรรยายถึงความธรรมดาของการดำรงอยู่ของมนุษย์เท่านั้น แต่ปรมาจารย์ในสมัยนั้นทำลายกรอบอย่างโจ่งแจ้งด้วยความช่วยเหลือจากผลงานที่ยอดเยี่ยมของพวกเขา (เช่น "ภูมิทัศน์กับยอห์นผู้ให้บัพติศมา" โดย บลูเอิร์ต)

ศิลปินชาวดัตช์แห่งศตวรรษที่ 17 แรมแบรนดท์

Rembrandt Harmensz van Rijn ถือเป็นหนึ่งในบุคคลสำคัญทางศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในฮอลแลนด์ นอกเหนือจากกิจกรรมของเขาในฐานะศิลปินแล้ว เขายังมีส่วนร่วมในการแกะสลักและได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นปรมาจารย์ด้าน Chiaroscuro

มรดกของเขาอุดมไปด้วยความหลากหลายของแต่ละบุคคล เช่น ภาพบุคคล ฉากประเภทต่างๆ หุ่นนิ่ง ทิวทัศน์ รวมถึงภาพวาดเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ ศาสนา และตำนาน

ความสามารถของเขาในการควบคุม Chiaroscuro ทำให้เขาสามารถเพิ่มการแสดงออกทางอารมณ์และจิตวิญญาณของบุคคลได้

ในขณะที่ทำงานเกี่ยวกับการถ่ายภาพบุคคล เขาทำงานเกี่ยวกับการแสดงออกทางสีหน้าของมนุษย์

เกี่ยวเนื่องกับเหตุการณ์โศกนาฏกรรมที่น่าสะเทือนใจ ผลงานต่อมาของเขาเต็มไปด้วยแสงสลัวที่เผยให้เห็นประสบการณ์อันลึกซึ้งของผู้คน ซึ่งส่งผลให้ผลงานอันยอดเยี่ยมของเขาไม่ได้รับความสนใจจากใครเลย

ในเวลานั้น แฟชั่นมีไว้เพื่อความงามภายนอกโดยไม่ต้องพยายามเจาะลึก เช่นเดียวกับความเป็นธรรมชาติซึ่งขัดแย้งกับความสมจริงที่ตรงไปตรงมา

ผู้ชื่นชอบงานศิลปะชาวรัสเซียทุกคนสามารถชมภาพวาด "The Return of the Prodigal Son" ได้ด้วยตาของเขาเองเนื่องจากงานนี้อยู่ในพิพิธภัณฑ์ Hermitage ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก



ฟรานส์ ฮัลส์

Frans Hals เป็นศิลปินชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่และจิตรกรภาพเหมือนคนสำคัญที่ช่วยแนะนำแนวการเขียนอิสระในงานศิลปะรัสเซีย

งานที่ทำให้เขามีชื่อเสียงคือภาพวาดชื่อ "The Banquet of the Officers of the Rifle Company of St. George" ซึ่งวาดในปี 1616



ผลงานภาพเหมือนของเขาดูเป็นธรรมชาติเกินไปในช่วงเวลานั้น ซึ่งขัดแย้งกับยุคปัจจุบัน เนื่องจากศิลปินยังคงเข้าใจผิดเขาเช่นเดียวกับแรมแบรนดท์ผู้ยิ่งใหญ่จึงจบชีวิตด้วยความยากจน "The Gypsy" (1625-1630) เป็นหนึ่งในผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขา



แจน สตีน

Jan Steen เป็นหนึ่งในศิลปินชาวดัตช์ที่มีไหวพริบและร่าเริงที่สุดเมื่อมองแวบแรก เขาชอบใช้ศิลปะการเสียดสีสังคมล้อเลียนความชั่วร้ายทางสังคม ในขณะที่ให้ความบันเทิงแก่ผู้ชมด้วยภาพตลกๆ ที่ไม่เป็นอันตรายของผู้คนและสุภาพสตรีผู้มีคุณธรรมง่ายๆ เขาได้เตือนถึงวิถีชีวิตเช่นนั้นจริงๆ



ศิลปินยังมีภาพวาดที่สงบกว่าเช่นงาน "Morning Toilet" ซึ่งเมื่อมองแวบแรกดูเหมือนเป็นการกระทำที่ไร้เดียงสาอย่างยิ่ง แต่ถ้าคุณมองรายละเอียดอย่างใกล้ชิด คุณจะค่อนข้างประหลาดใจกับการเปิดเผยของพวกเขา: สิ่งเหล่านี้คือร่องรอยของถุงน่องที่ก่อนหน้านี้บีบขาและหม้อที่เต็มไปด้วยสิ่งที่ไม่เหมาะสมในเวลากลางคืน เช่นเดียวกับสุนัขที่ยอมให้ตัวเองถูกต้อง บนหมอนของเจ้าของ



ในผลงานที่ดีที่สุดของเขา ศิลปินนำหน้าเพื่อนร่วมงานของเขาในการผสมผสานจานสีและความเชี่ยวชาญด้านเงาอย่างมีทักษะอย่างหรูหรา

ศิลปินชาวดัตช์คนอื่นๆ

บทความนี้ระบุรายชื่อบุคคลที่เก่งเพียงสามคนจากหลายสิบคนที่สมควรอยู่ในรายชื่อเดียวกันกับพวกเขา:




ดังนั้นในบทความนี้ คุณได้รู้จักกับศิลปินชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 17 และผลงานของพวกเขา

บันทึก. นอกจากศิลปินจากเนเธอร์แลนด์แล้ว รายชื่อยังรวมถึงจิตรกรจากแฟลนเดอร์สด้วย

ศิลปะดัตช์ในศตวรรษที่ 15
การจัดแสดงศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาครั้งแรกในประเทศเนเธอร์แลนด์มีอายุย้อนกลับไปตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 15 ภาพวาดชิ้นแรกที่สามารถจำแนกได้ว่าเป็นอนุสรณ์สถานยุคเรอเนซองส์ยุคแรก ๆ นั้นถูกสร้างขึ้นโดยพี่น้อง Hubert และ Jan van Eyck ทั้งสองคน - ฮูเบิร์ต (เสียชีวิตในปี 1426) และแจน (ประมาณปี 1390-1441) - มีบทบาทสำคัญในการก่อตัวของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดัตช์ แทบไม่มีใครรู้เกี่ยวกับฮิวเบิร์ตเลย เห็นได้ชัดว่าแจนเป็นคนที่มีการศึกษาสูง เขาศึกษาเรขาคณิต เคมี การทำแผนที่ และทำงานทางการฑูตบางอย่างให้กับดยุคแห่งเบอร์กันดี ฟิลิปเดอะกู๊ด ซึ่งเขารับใช้ในการเดินทางไปโปรตุเกสด้วย ก้าวแรกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในประเทศเนเธอร์แลนด์สามารถตัดสินได้จากภาพวาดของสองพี่น้องซึ่งดำเนินการในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 15 และในบรรดาภาพวาดเหล่านั้น เช่น "Myrrh-Bearing Women at the Tomb" (อาจเป็นส่วนหนึ่งของ polyptych; Rotterdam , พิพิธภัณฑ์ Boijmans van Beyningen), “ มาดอนน่าในโบสถ์” (เบอร์ลิน), “นักบุญเจอโรม” (ดีทรอยต์, สถาบันศิลปะ)

พี่น้อง Van Eyck ครอบครองสถานที่พิเศษในงานศิลปะร่วมสมัย แต่พวกเขาไม่ได้อยู่คนเดียว ในเวลาเดียวกัน จิตรกรคนอื่นๆ ที่เกี่ยวข้องกับพวกเขาทั้งในด้านโวหารและมีปัญหาก็ทำงานร่วมกับพวกเขาด้วย ในหมู่พวกเขา สถานที่แรกนั้นเป็นของ Flemal Master อย่างไม่ต้องสงสัย มีการพยายามอันชาญฉลาดหลายครั้งเพื่อระบุชื่อและต้นกำเนิดที่แท้จริงของเขา เวอร์ชันที่น่าเชื่อถือที่สุดคือศิลปินคนนี้ได้รับชื่อ Robert Campin และชีวประวัติที่ได้รับการพัฒนาค่อนข้างดี ก่อนหน้านี้เรียกว่าเจ้าแห่งแท่นบูชา (หรือ "การประกาศ") ของเมโรด นอกจากนี้ยังมีมุมมองที่ไม่น่าเชื่อถือซึ่งถือว่าผลงานของเขามาจาก Rogier van der Weyden ในวัยหนุ่ม

เป็นที่ทราบกันดีเกี่ยวกับ Campin ว่าเขาเกิดในปี 1378 หรือ 1379 ในเมืองวาลองเซียนส์ได้รับตำแหน่งปรมาจารย์ในปี 1406 ในเมืองตูร์แนอาศัยอยู่ที่นั่นแสดงนอกเหนือจากการวาดภาพแล้วงานตกแต่งมากมายยังเป็นครูของจิตรกรหลายคน (รวมถึง Rogier van der Weyden ซึ่งจะกล่าวถึงด้านล่าง - จากปี 1426 และ Jacques Darais - จากปี 1427) และเสียชีวิตในปี 1444 งานศิลปะของกัมเปนยังคงรักษาลักษณะที่ปรากฏในชีวิตประจำวันตามแบบแผน "ลัทธิแพนเทวนิยม" ทั่วไป และด้วยเหตุนี้จึงกลายเป็นว่ามีความใกล้ชิดกับจิตรกรชาวดัตช์รุ่นต่อไปมาก ผลงานยุคแรกๆ ของ Rogier van der Weyden และ Jacques Darais นักเขียนที่ต้องพึ่งพา Campin เป็นอย่างมาก (เช่น "Adoration of the Magi" และ "The Meeting of Mary and Elizabeth", 1434–1435; Berlin) เผยให้เห็นอย่างชัดเจน ความสนใจในศิลปะของปรมาจารย์ผู้นี้ซึ่งไม่ต้องสงสัยเลยว่าแนวโน้มของเวลาจะปรากฏขึ้น

Rogier van der Weyden เกิดในปี 1399 หรือ 1400 ฝึกภายใต้ Campin (นั่นคือใน Tournai) ได้รับตำแหน่งปรมาจารย์ในปี 1432 และในปี 1435 ย้ายไปบรัสเซลส์ซึ่งเขาเป็นจิตรกรอย่างเป็นทางการของเมือง: ในปี 1449– ค.ศ. 1450 เขาเดินทางไปอิตาลีและเสียชีวิตในปี ค.ศ. 1464 ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชาวดัตช์บางคนศึกษาร่วมกับเขา (เช่น Memling) และเขามีชื่อเสียงอย่างกว้างขวางไม่เพียง แต่ในบ้านเกิดของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในอิตาลีด้วย (นักวิทยาศาสตร์และนักปรัชญาที่มีชื่อเสียง Nicholas of Cusa เรียกเขาว่าศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุด Dürer ได้กล่าวถึงผลงานของเขาในภายหลัง) ผลงานของ Rogier van der Weyden ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานในการหล่อเลี้ยงจิตรกรรุ่นต่อไปที่หลากหลาย พอจะกล่าวได้ว่าเวิร์กช็อปของเขาซึ่งเป็นเวิร์กช็อปที่จัดขึ้นอย่างกว้างขวางครั้งแรกในเนเธอร์แลนด์มีอิทธิพลอย่างมากต่อการแพร่กระจายสไตล์ของปรมาจารย์คนหนึ่งอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนในศตวรรษที่ 15 ในที่สุดก็ลดสไตล์นี้ลงเหลือเพียงผลรวมของเทคนิคลายฉลุและแม้แต่การเล่น บทบาทของเบรกในการทาสีในช่วงปลายศตวรรษ แต่ถึงกระนั้นศิลปะในช่วงกลางศตวรรษที่ 15 ก็ไม่สามารถลดทอนลงตามประเพณี Rohir ได้แม้ว่าจะมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดก็ตาม อีกเส้นทางหนึ่งเป็นตัวอย่างที่ชัดเจนโดยผลงานของ Dirik Bouts และ Albert Ouwater เช่นเดียวกับ Rogier ที่ค่อนข้างแปลกแยกจากการชื่นชมในพระเจ้าในชีวิต และภาพลักษณ์ของมนุษย์กำลังสูญเสียการติดต่อกับคำถามเกี่ยวกับจักรวาลมากขึ้นเรื่อยๆ - คำถามเชิงปรัชญา เทววิทยา และศิลปะ ทำให้ได้รับความเป็นรูปธรรมและความมั่นใจทางจิตวิทยามากขึ้นเรื่อยๆ แต่ Rogier van der Weyden ปรมาจารย์ด้านเสียงที่น่าทึ่งซึ่งเป็นศิลปินที่มุ่งมั่นเพื่อภาพลักษณ์ส่วนบุคคลและในเวลาเดียวกันก็สนใจในขอบเขตของคุณสมบัติทางจิตวิญญาณของมนุษย์เป็นหลัก ความสำเร็จของ Bouts และ Ouwater อยู่ที่การปรับปรุงความถูกต้องของภาพในชีวิตประจำวัน ในบรรดาปัญหาที่เป็นทางการพวกเขาสนใจในประเด็นที่เกี่ยวข้องกับการแก้ปัญหาที่ไม่แสดงออกมากเท่าปัญหาการมองเห็น (ไม่ใช่ความคมชัดของการวาดภาพและการแสดงออกของสี แต่เป็นการจัดระเบียบเชิงพื้นที่ของภาพและความเป็นธรรมชาติของสภาพแวดล้อมที่มีแสงและอากาศ) .

ภาพเหมือนของหญิงสาว ค.ศ. 1445 หอศิลป์ เบอร์ลิน


St Ivo, 1450, หอศิลป์แห่งชาติ, ลอนดอน


นักบุญลุควาดภาพพระแม่มารี ค.ศ. 1450 พิพิธภัณฑ์โกรนิงเกน บรูจส์

แต่ก่อนที่จะพิจารณาผลงานของจิตรกรทั้งสองคนนี้ ควรค่าแก่การคิดถึงปรากฏการณ์ในระดับที่เล็กลง ซึ่งแสดงให้เห็นว่าการค้นพบงานศิลปะในช่วงกลางศตวรรษนี้เป็นทั้งความต่อเนื่องของประเพณีของ Van Eyck-Campen และการจากไป จากคุณสมบัติทั้งสองนี้มีความชอบธรรมอย่างลึกซึ้ง จิตรกรสายอนุรักษ์นิยมอย่าง Petrus Christus แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความหลีกเลี่ยงไม่ได้ทางประวัติศาสตร์ของการละทิ้งความเชื่อนี้ แม้แต่สำหรับศิลปินที่ไม่ชอบการค้นพบที่รุนแรงก็ตาม ตั้งแต่ปี 1444 คริสตุสกลายเป็นพลเมืองของบรูจส์ (เขาเสียชีวิตที่นั่นในปี 1472/1473) นั่นคือเขาได้เห็นผลงานที่ดีที่สุดของฟานเอคและได้รับอิทธิพลจากประเพณีของเขา โดยไม่ต้องอาศัยคำพังเพยอันแหลมคมของ Rogier van der Weyden คริสตุสประสบความสำเร็จในการสร้างลักษณะเฉพาะตัวที่เป็นรายบุคคลและแตกต่างมากกว่าที่ Van Eyck ทำ อย่างไรก็ตามภาพบุคคลของเขา (E. Grimston - 1446, ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ, พระภิกษุ Carthusian - 1446, นิวยอร์ก, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิตัน) ในเวลาเดียวกันบ่งบอกถึงการลดลงของภาพในงานของเขา ในงานศิลปะ ความอยากต่อสิ่งที่เป็นรูปธรรม ปัจเจกบุคคล และโดยเฉพาะอย่างยิ่งเริ่มชัดเจนมากขึ้นเรื่อยๆ บางทีแนวโน้มเหล่านี้อาจแสดงออกมาอย่างชัดเจนที่สุดในงานของ Bouts อายุน้อยกว่า Rogier van der Weyden (เกิดระหว่างปี 1400 ถึง 1410) เขาห่างไกลจากลักษณะที่น่าทึ่งและการวิเคราะห์ของปรมาจารย์ผู้นี้ แต่ศึกช่วงแรกๆ ส่วนใหญ่มาจาก Rogier แท่นบูชาที่มี "The Descent from the Cross" (กรานาดา, มหาวิหาร) และภาพวาดอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง เช่น "Entombment" (ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ) บ่งบอกถึงการศึกษาอย่างลึกซึ้งในผลงานของศิลปินคนนี้ แต่ความคิดริเริ่มนั้นเห็นได้ชัดอยู่แล้วที่นี่ - Bouts ทำให้ตัวละครของเขามีพื้นที่มากขึ้น เขาไม่สนใจสภาพแวดล้อมทางอารมณ์มากนักเหมือนในฉากแอ็กชัน กระบวนการของมัน ตัวละครของเขามีความกระตือรือร้นมากขึ้น เช่นเดียวกับการถ่ายภาพบุคคล ในภาพเหมือนที่ยอดเยี่ยมของชายคนหนึ่ง (ค.ศ. 1462; ลอนดอน, หอศิลป์แห่งชาติ) เงยหน้าขึ้นด้วยการสวดภาวนา - แม้ว่าจะไม่มีความสูงส่งก็ตาม - ดวงตา ปากที่พิเศษ และมือที่พับอย่างประณีตนั้นมีสีเฉพาะตัวที่ฟาน เอคไม่รู้ แม้ในรายละเอียดคุณก็สามารถสัมผัสได้ถึงความเป็นส่วนตัวนี้ การสะท้อนที่ค่อนข้างธรรมดา แต่แท้จริงอย่างไร้เดียงสานั้นอยู่ในผลงานทั้งหมดของอาจารย์ เห็นได้ชัดเจนที่สุดในองค์ประกอบภาพหลายร่างของเขา และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานที่โด่งดังที่สุดของเขา - แท่นบูชาของโบสถ์ Louvain แห่งเซนต์ปีเตอร์ (ระหว่างปี 1464 ถึง 1467) หากผู้ชมรับรู้ว่างานของ Van Eyck เป็นปาฏิหาริย์แห่งความคิดสร้างสรรค์และการสร้างสรรค์เสมอ ก่อนที่ผลงานของ Bouts จะมีความรู้สึกที่แตกต่างเกิดขึ้น งานเรียบเรียงของ Bouts พูดถึงเขาในฐานะผู้กำกับมากมาย คำนึงถึงความสำเร็จของวิธีการ "ผู้กำกับ" ดังกล่าว (นั่นคือวิธีการที่งานของศิลปินคือการจัดเรียงตัวละครที่มีลักษณะเฉพาะราวกับดึงจากธรรมชาติเพื่อจัดฉาก) ในศตวรรษต่อ ๆ มาเราควรใส่ใจกับสิ่งนี้ ปรากฏการณ์ในการทำงานของ Dirk Bouts

ขั้นต่อไปของศิลปะดัตช์ครอบคลุมช่วงสามหรือสี่ทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 15 ซึ่งเป็นช่วงเวลาที่ยากลำบากอย่างยิ่งสำหรับชีวิตในประเทศและวัฒนธรรมของประเทศ ช่วงเวลานี้เริ่มต้นด้วยผลงานของ Jos van Wassenhove (หรือ Jos van Ghent ระหว่างปี 1435–1440 - หลังปี 1476) ศิลปินที่มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาภาพวาดใหม่ แต่ออกจากอิตาลีในปี 1472 เคยชินกับสภาพแวดล้อมที่นั่นและ มีส่วนร่วมในศิลปะอิตาลีอย่างเป็นธรรมชาติ แท่นบูชาของเขาที่มี "การตรึงกางเขน" (เกนต์, โบสถ์เซนต์บาโว) เป็นพยานถึงความปรารถนาในการเล่าเรื่อง แต่ในขณะเดียวกันก็เป็นความปรารถนาที่จะกีดกันเรื่องราวแห่งความไม่มีอารมณ์เย็น เขาต้องการบรรลุผลอย่างหลังด้วยความช่วยเหลือจากความสง่างามและการตกแต่ง แท่นบูชาของพระองค์เป็นงานฆราวาสโดยธรรมชาติโดยใช้โทนสีอ่อนตามโทนสีรุ้งที่ประณีต
ช่วงเวลานี้ดำเนินต่อไปด้วยผลงานของปรมาจารย์ผู้มีพรสวรรค์อันโดดเด่น - Hugo van der Goes เขาเกิดประมาณปี 1435 เป็นอาจารย์ในเมืองเกนต์ในปี 1467 และเสียชีวิตในปี 1482 ผลงานแรกสุดของ Hus ได้แก่ ภาพพระแม่มารีและพระกุมารหลายภาพ โดยมีลักษณะเป็นโคลงสั้น ๆ ของภาพ (ฟิลาเดลเฟีย, พิพิธภัณฑ์ศิลปะ และบรัสเซลส์, พิพิธภัณฑ์) และภาพวาด “St. Anne, Mary and Child and the Donor” (บรัสเซลส์ , พิพิธภัณฑ์). จากการพัฒนาข้อค้นพบของ Rogier van der Weyden ฮุสมองว่าการจัดองค์ประกอบภาพไม่ใช่วิธีการจัดระเบียบสิ่งที่แสดงให้เห็นอย่างกลมกลืนมากนัก แต่เป็นวิธีในการมุ่งเน้นและระบุเนื้อหาทางอารมณ์ของฉาก บุคคลนั้นน่าทึ่งสำหรับสามีเพียงเพราะความแข็งแกร่งของความรู้สึกส่วนตัวของเขาเท่านั้น ในขณะเดียวกัน กัสก็ถูกดึงดูดด้วยความรู้สึกโศกเศร้า อย่างไรก็ตาม รูปของนักบุญเจเนวีฟ (ด้านหลังบทคร่ำครวญ) บ่งชี้ว่า เพื่อค้นหาอารมณ์ที่เปลือยเปล่า อูโก ฟาน เดอร์ โกส์ เริ่มให้ความสนใจกับความสำคัญทางจริยธรรมของภาพนี้ ในแท่นบูชาของ Portinari Hus พยายามแสดงศรัทธาในความสามารถทางจิตวิญญาณของมนุษย์ แต่ศิลปะของเขาเริ่มวิตกกังวลและตึงเครียด เทคนิคทางศิลปะของ Hus มีความหลากหลาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเขาต้องการสร้างโลกแห่งจิตวิญญาณของบุคคลขึ้นมาใหม่ บางครั้ง พระองค์ทรงเปรียบเทียบความรู้สึกใกล้ชิดตามลำดับบางอย่างเช่นเดียวกับในการถ่ายทอดปฏิกิริยาของคนเลี้ยงแกะ บางครั้งเช่นเดียวกับในภาพของแมรี่ศิลปินได้สรุปลักษณะทั่วไปของประสบการณ์ตามที่ผู้ชมเติมเต็มความรู้สึกโดยรวม บางครั้ง - ในรูปของนางฟ้าตาแคบหรือมาร์การิต้า - เขาใช้เทคนิคการแต่งเพลงหรือจังหวะเพื่อถอดรหัสภาพ บางครั้งการแสดงออกทางจิตวิทยาที่เข้าใจยากก็กลายเป็นวิธีการแสดงลักษณะเฉพาะสำหรับเขา - นี่คือลักษณะที่ภาพสะท้อนของรอยยิ้มปรากฏบนใบหน้าที่แห้งและไม่มีสีของ Maria Baroncelli และการหยุดชั่วคราวมีบทบาทอย่างมาก - ในการตัดสินใจเชิงพื้นที่และในการดำเนินการ พวกเขาให้โอกาสในการพัฒนาจิตใจและเติมเต็มความรู้สึกที่ศิลปินระบุไว้ในภาพ ตัวละครในภาพลักษณ์ของ Hugo van der Goes ขึ้นอยู่กับบทบาทที่พวกเขาควรจะเล่นโดยรวมเสมอ คนเลี้ยงแกะคนที่สามเป็นธรรมชาติจริงๆ โจเซฟเป็นคนมีจิตใจสมบูรณ์ ทูตสวรรค์ทางด้านขวาของเขาแทบไม่มีจริง และภาพของมาร์กาเร็ตและแม็กดาเลนนั้นซับซ้อน สังเคราะห์ และสร้างขึ้นจากการไล่ระดับจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนอย่างยิ่ง

Hugo van der Goes ต้องการแสดงและรวบรวมความอ่อนโยนทางจิตวิญญาณของบุคคลและความอบอุ่นภายในของเขาไว้ในภาพของเขา แต่โดยพื้นฐานแล้ว ภาพวาดบุคคลล่าสุดของศิลปินบ่งบอกถึงวิกฤตที่เพิ่มขึ้นในงานของ Hus เนื่องจากโครงสร้างทางจิตวิญญาณของเขาไม่ได้ถูกสร้างขึ้นมากนักจากการตระหนักถึงคุณสมบัติส่วนบุคคลของบุคคล แต่จากการสูญเสียความสามัคคีอันน่าเศร้าของมนุษย์และโลก ศิลปิน. ในงานชิ้นสุดท้าย - "The Death of Mary" (บรูจส์, พิพิธภัณฑ์) - วิกฤตครั้งนี้ส่งผลให้แรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ของศิลปินล่มสลาย ความสิ้นหวังของอัครสาวกนั้นสิ้นหวัง ท่าทางของพวกเขาไม่มีความหมาย พระคริสต์ที่ลอยอยู่ในความรุ่งโรจน์ด้วยความทุกข์ทรมานของเขาดูเหมือนจะพิสูจน์ความทุกข์ทรมานของพวกเขาและฝ่ามือที่ถูกแทงของเขาหันเข้าหาผู้ชมและร่างที่มีขนาดไม่ จำกัด ละเมิดโครงสร้างขนาดใหญ่และความรู้สึกของความเป็นจริง นอกจากนี้ยังเป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจขอบเขตความเป็นจริงของประสบการณ์ของอัครสาวก เพราะพวกเขาทุกคนมีความรู้สึกแบบเดียวกัน และก็ไม่ได้เป็นของพวกเขามากเท่ากับเป็นของศิลปิน แต่ผู้ถือยังคงมีความน่าเชื่อถือทั้งทางร่างกายและจิตใจ ภาพที่คล้ายกันจะได้รับการฟื้นฟูในภายหลัง เมื่อปลายศตวรรษที่ 15 ในวัฒนธรรมดัตช์ ประเพณีร้อยปีก็สิ้นสุดลง (ในบ๊อช) ซิกแซกแปลก ๆ เป็นพื้นฐานขององค์ประกอบของภาพวาดและจัดระเบียบ: อัครสาวกนั่งคนเดียวที่ไม่นิ่งมองผู้ชมเอียงจากซ้ายไปขวามารีย์กราบจากขวาไปซ้ายพระคริสต์ลอยจากซ้ายไปขวา . และซิกแซกแบบเดียวกันในโทนสี: ร่างของคนที่นั่งมีความเกี่ยวข้องกับแมรี่ในสีคนที่นอนอยู่บนผ้าสีฟ้าหม่นในชุดคลุมก็เป็นสีฟ้าเช่นกัน แต่เป็นสีน้ำเงินสุดขีดจากนั้น - ไม่มีตัวตน สีน้ำเงินที่ไม่มีสาระสำคัญของพระคริสต์ และรอบๆ ก็มีสีของเสื้อคลุมของอัครสาวก: เหลือง, เขียว, น้ำเงิน - เย็นอย่างไร้ขอบเขต, ชัดเจน, ผิดธรรมชาติ ความรู้สึกใน “อัสสัมชัญ” นั้นเปลือยเปล่า มันไม่เหลือที่ว่างสำหรับความหวังหรือมนุษยชาติ ในช่วงบั้นปลายของชีวิต Hugo van der Goes เข้าไปในอาราม ปีสุดท้ายของเขาถูกบดบังด้วยความเจ็บป่วยทางจิต เห็นได้ชัดว่าในข้อเท็จจริงเกี่ยวกับชีวประวัติเหล่านี้เราสามารถเห็นภาพสะท้อนของความขัดแย้งอันน่าสลดใจที่กำหนดงานศิลปะของอาจารย์ได้ งานของ Hus เป็นที่รู้จักและชื่นชม และดึงดูดความสนใจแม้กระทั่งนอกประเทศเนเธอร์แลนด์ Jean Clouet the Elder (ปรมาจารย์แห่ง Moulins) ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากงานศิลปะของเขา Domenico Ghirlandaio รู้จักและศึกษาแท่นบูชา Portinari อย่างไรก็ตามผู้ร่วมสมัยของเขาไม่เข้าใจเขา ศิลปะของเนเธอร์แลนด์เอนเอียงไปทางเส้นทางอื่นอย่างต่อเนื่อง และร่องรอยที่โดดเดี่ยวของอิทธิพลของงานของ Hus เพียงเน้นย้ำถึงความเข้มแข็งและความแพร่หลายของแนวโน้มอื่นๆ เหล่านี้ พวกเขาปรากฏตัวอย่างเต็มที่และสม่ำเสมอที่สุดในผลงานของ Hans Memling


โต๊ะเครื่องแป้งของโลก, อันมีค่า, แผงกลาง,



นรก แผงด้านซ้ายของอันมีค่า "Earthly Vanity"
พ.ศ. 1485 พิพิธภัณฑ์วิจิตรศิลป์ สตราสบูร์ก

Hans Memling เห็นได้ชัดว่าเกิดที่ Seligenstadt ใกล้แฟรงก์เฟิร์ตอัมไมน์ในปี 1433 (เสียชีวิตในปี 1494) ศิลปินได้รับการฝึกฝนที่ยอดเยี่ยมจาก Rogier และเมื่อย้ายไปที่ Bruges ก็ได้รับชื่อเสียงอย่างกว้างขวางที่นั่น ผลงานที่ค่อนข้างเร็วเผยให้เห็นทิศทางของภารกิจของเขา หลักการของแสงและความประเสริฐได้รับความหมายทางโลกและทางโลกมากขึ้นจากเขาและทุกสิ่งทางโลก - ความอิ่มเอมในอุดมคติบางอย่าง ตัวอย่างคือแท่นบูชากับพระแม่มารี นักบุญ และผู้บริจาค (ลอนดอน หอศิลป์แห่งชาติ) Memling มุ่งมั่นที่จะรักษารูปลักษณ์ในชีวิตประจำวันของฮีโร่ที่แท้จริงของเขา และนำฮีโร่ในอุดมคติของเขาเข้ามาใกล้พวกเขามากขึ้น หลักการอันประเสริฐนี้ไม่ได้เป็นการแสดงออกถึงกองกำลังของโลกทั่วไปที่เข้าใจในเชิงศาสนาและกลายเป็นทรัพย์สินทางวิญญาณตามธรรมชาติของมนุษย์ หลักการทำงานของเมมลิงปรากฏชัดเจนยิ่งขึ้นในสิ่งที่เรียกว่า Floreins-Altar (1479; บรูจส์, พิพิธภัณฑ์เมมลิง) เวทีหลักและปีกขวาของนั้นเป็นสำเนาฟรีของส่วนที่เกี่ยวข้องของแท่นบูชาในมิวนิกของ Rogier เขาลดขนาดของแท่นบูชาลงอย่างเด็ดขาด ตัดส่วนบนและด้านข้างขององค์ประกอบของ Rogier ออก ลดจำนวนร่าง และในขณะเดียวกันก็นำฉากแอ็กชันเข้าใกล้ผู้ชมมากขึ้น เหตุการณ์นี้สูญเสียขอบเขตอันสง่างามไป ภาพของผู้เข้าร่วมสูญเสียความเป็นตัวแทนและได้รับคุณสมบัติส่วนตัวองค์ประกอบเป็นเฉดสีของความกลมกลืนที่นุ่มนวลและสีในขณะที่ยังคงรักษาความบริสุทธิ์และความโปร่งใสจะสูญเสียความดังที่เย็นชาและคมชัดของ Rogirov ไปโดยสิ้นเชิง ดูจะสั่นไหวด้วยเฉดสีสว่างใส ลักษณะพิเศษยิ่งกว่านั้นคือการประกาศ (ประมาณปี 1482; New York, Lehman collection) ซึ่งใช้แผนของ Rogier; ภาพลักษณ์ของแมรี่ได้รับการกล่าวถึงในอุดมคติอันนุ่มนวล นางฟ้ามีรูปแบบที่แตกต่างอย่างเห็นได้ชัด และสิ่งของภายในทาสีด้วยความรักเหมือนของฟาน เอค ในเวลาเดียวกัน ลวดลายของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลี เช่น มาลัย พุตติ ฯลฯ กำลังแทรกซึมเข้าไปในงานของเมมลิงมากขึ้นเรื่อยๆ และโครงสร้างการเรียบเรียงก็วัดผลและชัดเจนมากขึ้น (อันมีค่าที่มีคำว่า "Madonna and Child, Angel and Donor" เวียนนา) ศิลปินพยายามที่จะลบเส้นแบ่งระหว่างหลักการที่เป็นรูปธรรมและธรรมดาสามัญกับหลักการในอุดมคติและกลมกลืนกัน

ศิลปะของเมมลิงดึงดูดความสนใจอย่างใกล้ชิดจากปรมาจารย์แห่งจังหวัดภาคเหนือ แต่พวกเขายังสนใจคุณสมบัติอื่น ๆ ด้วย - สิ่งที่เกี่ยวข้องกับอิทธิพลของ Huss จังหวัดทางตอนเหนือรวมทั้งฮอลแลนด์ยังตามหลังจังหวัดทางใต้ในยุคนั้นทั้งในด้านเศรษฐกิจและจิตวิญญาณ การวาดภาพดัตช์ในยุคแรกมักจะไม่ได้ไปไกลกว่ารูปแบบยุคกลางและระดับจังหวัดตอนปลาย และระดับของงานฝีมือไม่เคยเพิ่มขึ้นถึงศิลปะของศิลปินชาวเฟลมิช เฉพาะในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 15 เท่านั้นที่สถานการณ์เปลี่ยนไปด้วยศิลปะของ Hertgen tot sint Jans เขาอาศัยอยู่ในฮาร์เลมกับพระภิกษุโยฮันไนท์ (ซึ่งเขามีชื่อเล่นว่า Sint Jans แปลว่านักบุญยอห์น) และเสียชีวิตเมื่ออายุยังน้อย - อายุยี่สิบแปดปี (เกิดในไลเดน (?) ประมาณปี 1460/65 เสียชีวิตในฮาร์เลมในปี 1490- 1495 ). Hertgen สัมผัสได้ถึงความวิตกกังวลที่ทำให้ Hus กังวลอย่างคลุมเครือ แต่โดยไม่เพิ่มความเข้าใจอันน่าเศร้า เขาได้ค้นพบเสน่ห์อันอ่อนโยนของความรู้สึกเรียบง่ายของมนุษย์ เขาใกล้ชิดกับสามีโดยสนใจในโลกฝ่ายวิญญาณภายในของมนุษย์ ผลงานชิ้นสำคัญของ Goertgen คือแท่นบูชาที่วาดสำหรับ Harlem Johannites ปีกขวาซึ่งตอนนี้เลื่อยทั้งสองด้านก็รอดมาได้ ด้านในแสดงถึงภาพการไว้ทุกข์หลายร่างขนาดใหญ่ Gertgen บรรลุภารกิจทั้งสองที่กำหนดเวลาไว้ นั่นคือ การถ่ายทอดความอบอุ่น ความมีมนุษยธรรมของความรู้สึก และสร้างเรื่องราวที่น่าเชื่อถืออย่างยิ่ง ส่วนหลังจะสังเกตเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษที่ด้านนอกประตู ซึ่งเป็นภาพการเผาอัฐิของยอห์นผู้ให้บัพติศมาโดยจูเลียนผู้ละทิ้งความเชื่อ ผู้เข้าร่วมในฉากแอ็คชั่นมีลักษณะเกินจริง และฉากแอ็คชั่นแบ่งออกเป็นฉากอิสระหลายฉาก ซึ่งแต่ละฉากจะถูกนำเสนอด้วยการสังเกตที่ชัดเจน ระหว่างทาง ปรมาจารย์ได้สร้างภาพบุคคลกลุ่มแรกๆ ในศิลปะยุโรปในยุคปัจจุบัน ซึ่งสร้างขึ้นบนหลักการของการผสมผสานลักษณะภาพบุคคลอย่างเรียบง่าย โดยคาดว่าจะเป็นผลงานของศตวรรษที่ 16 “ครอบครัวของพระคริสต์” ของเขา (อัมสเตอร์ดัม Rijksmuseum) นำเสนอภายในโบสถ์ และได้รับการตีความว่าเป็นสภาพแวดล้อมเชิงพื้นที่ที่แท้จริง ช่วยให้เข้าใจงานของ Geertgen ได้มากมาย บุคคลเบื้องหน้ายังคงมีความสำคัญ ไม่แสดงความรู้สึกใดๆ รักษารูปลักษณ์ในชีวิตประจำวันอย่างมีศักดิ์ศรี ศิลปินสร้างสรรค์ภาพที่บางทีอาจจะมีลักษณะเป็นชาวเมืองมากที่สุดในงานศิลปะของเนเธอร์แลนด์ ในขณะเดียวกัน เป็นสิ่งสำคัญที่ Gertgen เข้าใจถึงความอ่อนโยน ความหวาน และความไร้เดียงสาบางอย่างที่ไม่ใช่สัญญาณที่มีลักษณะภายนอก แต่เป็นคุณสมบัติบางอย่างของโลกฝ่ายวิญญาณของบุคคล และการผสมผสานความรู้สึกของชีวิตของชาวเมืองเข้ากับอารมณ์ความรู้สึกที่ลึกซึ้งนี้ถือเป็นคุณลักษณะที่สำคัญในงานของ Gertgen ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เขาไม่ได้ทำให้การเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณของฮีโร่ของเขามีบุคลิกที่ยอดเยี่ยมและเป็นสากล ราวกับว่าเขาจงใจป้องกันไม่ให้ฮีโร่ของเขากลายเป็นคนพิเศษ ด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงไม่ดูเป็นรายบุคคล พวกเขามีความอ่อนโยนและไม่มีความรู้สึกอื่นหรือความคิดที่ไม่เกี่ยวข้อง ความชัดเจนและความบริสุทธิ์ของประสบการณ์ทำให้พวกเขาห่างไกลจากชีวิตประจำวัน อย่างไรก็ตาม ผลลัพธ์ของอุดมคติของภาพนั้นไม่เคยดูเป็นนามธรรมหรือเป็นของเทียมเลย ลักษณะพิเศษเหล่านี้ยังทำให้หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของศิลปินอย่าง “คริสต์มาส” (ลอนดอน หอศิลป์แห่งชาติ) เป็นภาพวาดขนาดเล็กที่ปกปิดความรู้สึกตื่นเต้นและความประหลาดใจ
Gertgen เสียชีวิตตั้งแต่เนิ่นๆ แต่หลักการทางศิลปะของเขาไม่ได้คงอยู่ในความสับสน อย่างไรก็ตาม Master of the Braunschweig diptych (“Saint Bavo”, Braunschweig, Museum; “Christmas”, Amsterdam, Rijksmuseum) และปรมาจารย์นิรนามคนอื่น ๆ ที่อยู่ใกล้กับเขามากที่สุดซึ่งใกล้ชิดกับเขามากที่สุดไม่ได้พัฒนาหลักการของ Hertgen มากนัก ให้เป็นมาตรฐานอันแพร่หลาย บางทีสิ่งที่สำคัญที่สุดในหมู่พวกเขาก็คือปรมาจารย์แห่งราศีกันย์ระหว่างหญิงพรหมจารี (ตั้งชื่อตามภาพวาดของพิพิธภัณฑ์อัมสเตอร์ดัม Rijksmuseum ที่วาดภาพพระแม่มารีท่ามกลางหญิงพรหมจารีผู้ศักดิ์สิทธิ์) ซึ่งไม่ค่อยสนใจเหตุผลทางจิตวิทยาของอารมณ์มากนัก แต่อยู่ที่ความคมชัดของการแสดงออกใน ร่างเล็กค่อนข้างทุกวันและบางครั้งก็จงใจน่าเกลียด ( "Entombment", เซนต์หลุยส์, พิพิธภัณฑ์; "คร่ำครวญ", ลิเวอร์พูล; "การประกาศ", รอตเตอร์ดัม) แต่ยัง. งานของเขาเป็นหลักฐานที่แสดงถึงความอ่อนล้าของประเพณีเก่าแก่นับศตวรรษมากกว่าการแสดงออกถึงการพัฒนา

การลดลงอย่างรวดเร็วในระดับศิลปะยังเห็นได้ชัดเจนในศิลปะของจังหวัดทางใต้ซึ่งปรมาจารย์มีแนวโน้มที่จะถูกดำเนินการมากขึ้นโดยรายละเอียดที่ไม่มีนัยสำคัญในชีวิตประจำวัน สิ่งที่น่าสนใจมากกว่าคนอื่น ๆ คือปรมาจารย์ผู้เล่าเรื่องของตำนานเซนต์เออร์ซูลาซึ่งทำงานในบรูจส์ในช่วงทศวรรษที่ 80-90 ของศตวรรษที่ 15 (“ The Legend of St. Ursula”; Bruges, Convent of the Black Sisters) ผู้เขียนภาพบุคคลของคู่สมรส Baroncelli ที่ไม่รู้จักซึ่งไม่ไร้ความสามารถ (ฟลอเรนซ์, Uffizi) และยังเป็นปรมาจารย์แห่งตำนานแห่งเซนต์ลูเซียแห่งบรูจส์แบบดั้งเดิม (แท่นบูชาแห่งเซนต์ลูเซีย, 1480, บรูจส์, โบสถ์เซนต์ลูเซีย เจมส์, โพลีพติช, ทาลลินน์, พิพิธภัณฑ์) การก่อตัวของงานศิลปะเล็กๆ น้อยๆ ที่ว่างเปล่าในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 เป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับภารกิจของ Huss และ Hertgen อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ มนุษย์สูญเสียการสนับสนุนหลักของโลกทัศน์ของเขา - ศรัทธาในระเบียบที่กลมกลืนและเอื้ออำนวยของจักรวาล แต่หากผลที่ตามมาโดยทั่วไปของสิ่งนี้เป็นเพียงความยากจนของแนวคิดก่อนหน้านี้ เมื่อมองอย่างใกล้ชิดจะเผยให้เห็นลักษณะที่คุกคามและลึกลับในโลก เพื่อตอบคำถามที่ไม่ละลายน้ำในสมัยนั้น จึงมีการใช้สัญลักษณ์เปรียบเทียบยุคกลางตอนปลาย ปีศาจวิทยา และการทำนายอันมืดมนของพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์ ในสภาวะของความขัดแย้งทางสังคมที่รุนแรงและความขัดแย้งที่รุนแรงที่เพิ่มมากขึ้น ศิลปะของ Bosch ก็เกิดขึ้น

Hieronymus van Aken ชื่อเล่น Bosch เกิดที่ 's-Hertogenbosch (เสียชีวิตที่นั่นในปี 1516) ซึ่งอยู่ห่างจากศูนย์กลางศิลปะหลักของเนเธอร์แลนด์ ผลงานในช่วงแรกของเขาไม่ได้ปราศจากร่องรอยของความดึกดำบรรพ์ แต่แล้วพวกเขาก็ผสมผสานความรู้สึกที่คมชัดและน่าตกใจของชีวิตในธรรมชาติเข้ากับความแปลกประหลาดที่เยือกเย็นในการพรรณนาของผู้คนอย่างแปลกประหลาด บ๊อชตอบสนองต่อกระแสศิลปะสมัยใหม่ - ด้วยความโหยหาของจริง ด้วยการทำให้ภาพลักษณ์ของบุคคลเป็นรูปธรรม จากนั้นจึงลดบทบาทและความสำคัญของศิลปะลง เขาใช้แนวโน้มนี้ในระดับหนึ่ง ในงานศิลปะเชิงเสียดสีของ Bosch หรือที่พูดได้กว่านั้นคือ มีภาพการประชดประชันของเผ่าพันธุ์มนุษย์ปรากฏขึ้น นี่คือ "ปฏิบัติการเพื่อขจัดหินแห่งความโง่เขลา" ของเขา (มาดริด, ปราโด) พระภิกษุเป็นผู้ดำเนินการ - และรอยยิ้มอันชั่วร้ายก็ปรากฏขึ้นที่พระสงฆ์ แต่ผู้ที่ทำเสร็จแล้วจะมองดูผู้ชมอย่างตั้งใจ และการจ้องมองนี้ทำให้เรามีส่วนร่วมในการกระทำ การเสียดสีในงานของ Bosch เพิ่มขึ้น เขาจินตนาการว่าผู้คนเป็นผู้โดยสารบนเรือของคนโง่ (ภาพวาดและภาพวาดอยู่ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์) เขาหันไปหาอารมณ์ขันพื้นบ้าน - และภายใต้มือของเขามันใช้ร่มเงาที่มืดมนและขมขื่น
บ๊อชยืนยันถึงธรรมชาติของชีวิตที่มืดมน ไร้เหตุผล และเป็นรากฐาน เขาไม่เพียงแต่แสดงออกถึงโลกทัศน์ ความรู้สึกของชีวิตของเขาเท่านั้น แต่ยังให้การประเมินคุณธรรมและจริยธรรมอีกด้วย "กองหญ้า" เป็นหนึ่งในผลงานที่สำคัญที่สุดของบ๊อช ในแท่นบูชานี้ ความรู้สึกเปลือยเปล่าของความเป็นจริงหลอมรวมกับสัญลักษณ์เปรียบเทียบ กองหญ้าพาดพิงถึงสุภาษิตเฟลมิชเก่า: "โลกคือกองหญ้า: และทุกคนก็เอาสิ่งที่พวกเขาสามารถคว้ามาได้"; ผู้คนจูบกันต่อหน้าและเล่นดนตรีระหว่างนางฟ้ากับสิ่งมีชีวิตที่ชั่วร้าย สิ่งมีชีวิตมหัศจรรย์ดึงเกวียน และสมเด็จพระสันตะปาปา จักรพรรดิ และประชาชนทั่วไปก็ติดตามไปด้วยอย่างสนุกสนานและเชื่อฟัง บางคนวิ่งไปข้างหน้า รีบวิ่งไปมาระหว่างวงล้อแล้วตาย ถูกทับทับ ทิวทัศน์ที่อยู่ไกลออกไปไม่ได้น่าอัศจรรย์หรือสวยงามนัก และเหนือสิ่งอื่นใด - บนเมฆ - มีพระคริสต์องค์เล็กยกมือขึ้น อย่างไรก็ตาม คงเป็นเรื่องผิดที่จะคิดว่า Bosch มุ่งไปทางวิธีการเปรียบเทียบเชิงเปรียบเทียบ ในทางตรงกันข้าม เขามุ่งมั่นที่จะให้แน่ใจว่าความคิดของเขารวมอยู่ในแก่นแท้ของการตัดสินใจทางศิลปะ เพื่อให้ปรากฏต่อหน้าผู้ชมไม่ใช่เป็นสุภาษิตหรือคำอุปมาที่เข้ารหัส แต่เป็นวิถีชีวิตทั่วไปที่ไม่มีเงื่อนไข ด้วยจินตนาการอันซับซ้อนที่ไม่คุ้นเคยในยุคกลาง Bosch วาดภาพของเขาด้วยสิ่งมีชีวิตที่ผสมผสานรูปสัตว์ต่างๆ หรือรูปสัตว์เข้ากับวัตถุจากโลกที่ไม่มีชีวิตอย่างแปลกประหลาด ทำให้พวกเขามีความสัมพันธ์ที่น่าทึ่งอย่างเห็นได้ชัด ท้องฟ้าเปลี่ยนเป็นสีแดง นกที่มีใบเรือบินไปในอากาศ สิ่งมีชีวิตขนาดมหึมาคลานไปทั่วพื้นโลก ปลาที่มีขาม้าอ้าปากออก และถัดจากนั้นก็มีหนู แบกเศษไม้ที่มีชีวิตซึ่งผู้คนฟักออกมาไว้บนหลัง กลุ่มของม้ากลายเป็นเหยือกขนาดยักษ์และมีหัวที่มีหางแอบย่องไปที่ไหนสักแห่งด้วยขาเปลือยเปล่า ทุกอย่างคลานและทุกสิ่งมีรูปแบบที่คมชัดและมีรอยขีดข่วน และทุกสิ่งเต็มไปด้วยพลังงาน: สิ่งมีชีวิตทุกชนิด - ตัวเล็ก, หลอกลวง, หวงแหน - ถูกกลืนหายไปในการเคลื่อนไหวที่ชั่วร้ายและเร่งรีบ บ๊อชทำให้ฉากที่ชวนฝันเหล่านี้มีความโน้มน้าวใจมากที่สุด เขาละทิ้งภาพการกระทำที่เกิดขึ้นเบื้องหน้าและขยายออกไปทั่วโลก เขาถ่ายทอดน้ำเสียงที่น่าขนลุกในความเป็นสากลให้กับการแสดงมหกรรมอันอลังการหลายรูปแบบของเขา บางครั้งเขาก็ใส่สุภาษิตที่เป็นละครลงในภาพ แต่ก็ไม่มีอารมณ์ขันเหลืออยู่ และตรงกลางเขาวางรูปปั้นนักบุญแอนโธนีตัวเล็ก ๆ ที่ไม่มีที่พึ่ง ตัวอย่างเช่น แท่นบูชาที่มีข้อความ "The Temptation of Saint Anthony" อยู่ที่ประตูกลางของพิพิธภัณฑ์ลิสบอน แต่แล้วบ๊อชก็แสดงความรู้สึกถึงความเป็นจริงที่เฉียบแหลมและเปลือยเปล่าอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน (โดยเฉพาะในฉากที่ประตูด้านนอกของแท่นบูชาดังกล่าว) ในงานของบ๊อชที่เติบโตเต็มที่ โลกนั้นไร้ขีดจำกัด แต่ความครอบคลุมของมันแตกต่างออกไป - รวดเร็วน้อยลง อากาศดูแจ่มใสและชื้นมากขึ้น นี่เป็นวิธีที่เขียนว่า “ยอห์น ออน ปัทมอส” ด้านหลังของภาพวาดนี้ ซึ่งมีฉากการพลีชีพของพระคริสต์เป็นวงกลม มีการนำเสนอทิวทัศน์ที่น่าทึ่ง: โปร่งใส สะอาด มีช่องแม่น้ำกว้าง ท้องฟ้าสูง และอื่น ๆ - โศกนาฏกรรมและรุนแรง (“การตรึงกางเขน”) แต่ยิ่งบ๊อชยังคงคิดถึงผู้คนมากขึ้นเรื่อยๆ เขาพยายามค้นหาการแสดงออกที่เหมาะสมในชีวิตของพวกเขา เขาหันไปใช้รูปแบบของแท่นบูชาขนาดใหญ่และสร้างปรากฏการณ์อันยิ่งใหญ่ที่แปลกประหลาดและน่าขนลุกของชีวิตบาปของผู้คน - "สวนแห่งความยินดี"

ผลงานล่าสุดของศิลปินผสมผสานจินตนาการและความเป็นจริงของผลงานก่อนหน้านี้ของเขาอย่างแปลกประหลาด แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็โดดเด่นด้วยความรู้สึกของการปรองดองที่น่าเศร้า สิ่งมีชีวิตชั่วร้ายจำนวนมากที่ก่อนหน้านี้มีชัยชนะแพร่กระจายไปทั่วบริเวณของภาพกระจัดกระจาย ตัวเล็กๆ มักซ่อนตัวอยู่ใต้ต้นไม้ ปรากฏตัวจากลำธารที่เงียบสงบ หรือวิ่งไปตามเนินเขารกร้างที่ปกคลุมด้วยหญ้า แต่พวกมันลดขนาดลงและสูญเสียกิจกรรมไป พวกมันไม่โจมตีมนุษย์อีกต่อไป และเขา (ยังคงเป็นนักบุญแอนโทนี่) นั่งอยู่ระหว่างพวกเขา - อ่านคิด (“นักบุญแอนโธนี”, ปราโด) บ๊อชไม่สนใจที่จะคิดถึงจุดยืนของคนๆ หนึ่งในโลก นักบุญแอนโธนีในผลงานก่อนหน้านี้ของเขาไม่มีที่พึ่ง น่าสงสาร แต่ไม่โดดเดี่ยว - อันที่จริง เขาขาดส่วนแบ่งของอิสรภาพที่จะทำให้เขารู้สึกเหงา ปัจจุบัน ภูมิทัศน์เกี่ยวข้องกับคนๆ เดียวโดยเฉพาะ และในงานของ Bosch หัวข้อเรื่องความเหงาของมนุษย์ในโลกก็เกิดขึ้น เมื่อ Bosch ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 15 สิ้นสุดลง งานของบ๊อชทำให้ขั้นตอนนี้สมบูรณ์ด้วยความเข้าใจอันบริสุทธิ์ จากนั้นก็มีการค้นหาอย่างเข้มข้นและความผิดหวังอันน่าสลดใจ
แต่กระแสที่เป็นตัวเป็นตนจากงานศิลปะของเขาไม่ใช่เพียงกระแสเดียว อาการไม่น้อยไปกว่านั้นคืออีกกระแสหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับผลงานของปรมาจารย์ที่มีขนาดเล็กกว่าอย่างล้นหลาม - เจอราร์ดเดวิด เขาเสียชีวิตช้า - ในปี 1523 (เกิดประมาณปี 1460) แต่เช่นเดียวกับบ๊อช เขาปิดศตวรรษที่ 15 ผลงานในยุคแรก ๆ ของเขา (“The Annunciation”; Detroit) มีความสมจริงแบบธรรมดา; ผลงานจากปลายสุดของทศวรรษที่ 1480 (ภาพวาดสองภาพเกี่ยวกับการพิจารณาคดีของ Cambyses; Bruges, พิพิธภัณฑ์) เผยให้เห็นความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับ Bouts; ดีกว่าคนอื่น ๆ คือการแต่งเพลงที่มีลักษณะโคลงสั้น ๆ พร้อมสภาพแวดล้อมภูมิทัศน์ที่ได้รับการพัฒนาและกระตือรือร้น (“ พักผ่อนบนเที่ยวบินสู่อียิปต์”; วอชิงตัน, หอศิลป์แห่งชาติ) แต่ความเป็นไปไม่ได้ที่ปรมาจารย์จะก้าวข้ามขอบเขตของศตวรรษนั้นมองเห็นได้ชัดเจนที่สุดในอันมีค่าของเขาที่มี "การบัพติศมาของพระคริสต์" (ต้นศตวรรษที่ 16; บรูจส์, พิพิธภัณฑ์) ความใกล้ชิดและลักษณะย่อส่วนของภาพเขียนดูเหมือนจะขัดแย้งโดยตรงกับภาพเขียนขนาดใหญ่ ความจริงในนิมิตของเขานั้นไร้ชีวิตชีวา เบื้องหลังความเข้มของสีนั้นไม่มีทั้งความตึงเครียดทางจิตวิญญาณหรือความรู้สึกถึงความล้ำค่าของจักรวาล รูปแบบการเคลือบของภาพวาดนั้นเย็นชา เป็นตัวของตัวเอง และไม่มีจุดประสงค์ทางอารมณ์

ศตวรรษที่ 15 ในเนเธอร์แลนด์เป็นช่วงเวลาแห่งศิลปะที่ยิ่งใหญ่ พอถึงปลายศตวรรษมันก็หมดแรงไปเอง สภาพทางประวัติศาสตร์ใหม่และการเปลี่ยนแปลงของสังคมไปสู่อีกขั้นของการพัฒนาทำให้เกิดเวทีใหม่ในวิวัฒนาการของศิลปะ มีต้นกำเนิดตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 16 แต่ในประเทศเนเธอร์แลนด์ด้วยการผสมผสานหลักการทางโลกดั้งเดิมกับเกณฑ์ทางศาสนาในการประเมินปรากฏการณ์ชีวิตลักษณะเฉพาะของศิลปะของพวกเขาซึ่งมาจาก Van Eycks ด้วยความไม่สามารถที่จะรับรู้บุคคลในความยิ่งใหญ่แบบพอเพียงของเขานอกคำถาม ของการอยู่ร่วมกันทางจิตวิญญาณกับโลกหรือกับพระเจ้า - ในเนเธอร์แลนด์ มียุคใหม่เกิดขึ้นอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้หลังจากวิกฤติที่รุนแรงที่สุดและร้ายแรงที่สุดของโลกทัศน์ก่อนหน้านี้ทั้งหมดเท่านั้น หากในอิตาลียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขั้นสูงเป็นผลสืบเนื่องทางตรรกะของศิลปะของ Quattrocento ดังนั้นในเนเธอร์แลนด์ก็ไม่มีความเชื่อมโยงดังกล่าว การเปลี่ยนผ่านสู่ยุคใหม่กลายเป็นเรื่องเจ็บปวดอย่างยิ่งเนื่องจากส่วนใหญ่ทำให้เกิดการปฏิเสธงานศิลปะครั้งก่อน ในอิตาลี การเลิกประเพณีในยุคกลางเกิดขึ้นตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 14 และศิลปะของยุคเรอเนซองส์ของอิตาลียังคงรักษาความสมบูรณ์ของการพัฒนาตลอดยุคเรอเนซองส์ ในเนเธอร์แลนด์สถานการณ์แตกต่างออกไป การใช้มรดกยุคกลางในศตวรรษที่ 15 ทำให้ยากต่อการประยุกต์ประเพณีที่เป็นที่ยอมรับในศตวรรษที่ 16 สำหรับจิตรกรชาวดัตช์ เส้นแบ่งระหว่างศตวรรษที่ 15 ถึง 16 กลับกลายเป็นว่ามีความเกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงโลกทัศน์ครั้งใหญ่