ค้นหาชื่อคณะบัลเล่ต์ของโรงละครโลก บัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก

คลาสสิกไม่ใช่แค่ซิมโฟนี โอเปร่า คอนเสิร์ต และแชมเบอร์มิวสิคเท่านั้น ผลงานคลาสสิกที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดบางชิ้นปรากฏในรูปแบบบัลเล่ต์ บัลเล่ต์มีต้นกำเนิดในอิตาลีในช่วงยุคเรอเนซองส์และค่อยๆ พัฒนาเป็นรูปแบบการเต้นทางเทคนิคที่ต้องอาศัยการฝึกฝนจากนักเต้นเป็นจำนวนมาก บริษัทบัลเล่ต์แห่งแรกที่ถูกสร้างขึ้นคือ Paris Opera Ballet ซึ่งก่อตั้งขึ้นหลังจากที่พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ได้แต่งตั้ง Jean-Baptiste Lully ให้เป็นผู้อำนวยการของ Royal Academy of Music การประพันธ์บัลเล่ต์ของ Lully ได้รับการพิจารณาโดยนักดนตรีหลายคนว่าเป็นจุดเปลี่ยนในการพัฒนาแนวเพลงนี้ ตั้งแต่นั้นมา ความนิยมของบัลเล่ต์ก็ค่อยๆ จางหายไป โดย "เร่ร่อน" จากประเทศหนึ่งไปอีกประเทศหนึ่ง ทำให้นักประพันธ์เพลงจากหลากหลายเชื้อชาติมีโอกาสแต่งผลงานที่โด่งดังที่สุดของพวกเขา ต่อไปนี้เป็นบัลเล่ต์ที่ได้รับความนิยมและเป็นที่ชื่นชอบมากที่สุดในโลกเจ็ดรายการ

ไชคอฟสกีประพันธ์บัลเลต์คลาสสิกเหนือกาลเวลานี้ในปี พ.ศ. 2434 และเป็นบัลเลต์ที่มีการแสดงบ่อยที่สุดในยุคสมัยใหม่ ในอเมริกา The Nutcracker ปรากฏตัวครั้งแรกบนเวทีในปี 1944 เท่านั้น (แสดงโดย San Francisco Ballet) ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา การแสดง "เดอะนัทแคร็กเกอร์" ในช่วงปีใหม่และคริสต์มาสกลายเป็นประเพณีไปแล้ว บัลเล่ต์ที่ยอดเยี่ยมนี้ไม่เพียงแต่มีดนตรีที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดเท่านั้น แต่เรื่องราวของบัลเล่ต์ยังนำความสุขมาสู่ทั้งเด็กและผู้ใหญ่อีกด้วย

Swan Lake เป็นบัลเล่ต์คลาสสิกที่มีเทคนิคและอารมณ์มากที่สุด ดนตรีของเขาล้ำหน้าไปมาก และนักแสดงในยุคแรกๆ หลายคนแย้งว่า Swan Lake เต้นยากเกินไป ในความเป็นจริงไม่ค่อยมีใครรู้เกี่ยวกับการผลิตครั้งแรกดั้งเดิมและสิ่งที่ทุกคนคุ้นเคยในปัจจุบันคือการนำนักออกแบบท่าเต้นชื่อดัง Petipa และ Ivanov กลับมาทำใหม่ Swan Lake ถือเป็นมาตรฐานของบัลเล่ต์คลาสสิกมาโดยตลอด และจะมีการแสดงมานานหลายศตวรรษ

ความฝันในคืนฤดูร้อน

ภาพยนตร์ตลกของเช็คสเปียร์ เรื่อง A Midsummer Night's Dream ได้รับการดัดแปลงเป็นงานศิลปะหลายรูปแบบ บัลเล่ต์เต็มความยาวชุดแรก (ตลอดทั้งเย็น) ซึ่งอิงจากผลงานนี้จัดแสดงในปี 1962 โดย George Balanchine ในดนตรีของ Mendelssohn ปัจจุบัน A Midsummer Night's Dream เป็นบัลเลต์ยอดนิยมที่หลายๆ คนชื่นชอบ

บัลเล่ต์ Coppelia เขียนโดยนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Léo Delibes และออกแบบท่าเต้นโดย Arthur Saint-Leon Coppelia เป็นเรื่องราวสบายๆ ที่บรรยายถึงความขัดแย้งของมนุษย์ระหว่างอุดมคตินิยมกับความสมจริง ศิลปะและชีวิต พร้อมด้วยดนตรีที่มีชีวิตชีวาและการเต้นรำที่มีชีวิตชีวา การแสดงรอบปฐมทัศน์โลกที่ Paris Opera ประสบความสำเร็จอย่างมากในปี พ.ศ. 2414 และบัลเล่ต์ยังคงประสบความสำเร็จมาจนทุกวันนี้ โดยอยู่ในละครของโรงละครหลายแห่ง

ปีเตอร์แพน

ปีเตอร์แพนเป็นบัลเล่ต์อันงดงามที่เหมาะสำหรับทั้งครอบครัว การเต้นรำ ฉาก และเครื่องแต่งกายมีสีสันพอๆ กับเนื้อเรื่อง ปีเตอร์ แพนค่อนข้างใหม่ต่อโลกแห่งบัลเล่ต์ และเนื่องจากไม่มีเวอร์ชันคลาสสิกเพียงเวอร์ชันเดียว นักออกแบบท่าเต้น นักออกแบบท่าเต้น และผู้กำกับดนตรีแต่ละคนจึงสามารถตีความบัลเล่ต์ต่างกันออกไปได้ แม้ว่าการแสดงแต่ละครั้งอาจแตกต่างกัน แต่เรื่องราวก็ยังคงเหมือนเดิม ซึ่งเป็นสาเหตุที่ทำให้บัลเลต์ชุดนี้ถูกจัดว่าเป็นบัลเลต์คลาสสิก

เจ้าหญิงนิทรา

เจ้าหญิงนิทราเป็นบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงเรื่องแรกของไชคอฟสกี ในนั้นดนตรีมีความสำคัญไม่น้อยไปกว่าการเต้นรำ เรื่องราวของเจ้าหญิงนิทราเป็นการผสมผสานที่ลงตัวระหว่างการเฉลิมฉลองบัลเลต์และราชวงศ์ในปราสาทอันงดงาม การต่อสู้ระหว่างความดีและความชั่ว และชัยชนะแห่งชัยชนะแห่งความรักนิรันดร์ การออกแบบท่าเต้นถูกสร้างขึ้นโดย Marius Pepita ผู้โด่งดังระดับโลกซึ่งเป็นผู้กำกับ The Nutcracker และ Swan Lake บัลเลต์คลาสสิกนี้จะแสดงไปจนหมดเวลา

ซินเดอเรลล่า

ซินเดอเรลล่ามีหลายเวอร์ชัน แต่เวอร์ชันที่พบบ่อยที่สุดคือเวอร์ชันของ Sergei Prokofiev Prokofiev เริ่มทำงานในเรื่อง Cinderella ในปี 1940 แต่ทำคะแนนไม่สำเร็จจนกระทั่งปี 1945 เนื่องจากสงครามโลกครั้งที่สอง ในปี 1948 นักออกแบบท่าเต้น Frederick Ashton ได้จัดแสดงผลงานเต็มรูปแบบโดยใช้ดนตรีของ Prokofiev ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมาก

เมื่อเราพูดถึงบัลเล่ต์ เราหมายถึงความคิดสร้างสรรค์เสมอ เพราะเขาเป็นคนที่นำแนวละครเวทีนี้มาสู่ประเภทของการแสดงดนตรีบนเวทีที่จริงจังและขนาดใหญ่ เขามีบัลเล่ต์เพียงสามเรื่องและทั้งสามเรื่อง - "Swan Lake", "The Nutcracker", "Sleeping Beauty" มีชื่อเสียงในด้านการแสดงละครที่ยอดเยี่ยมและดนตรีที่ยอดเยี่ยม

ผลงานบัลเล่ต์ที่ได้รับความนิยมมากที่สุดของ Pyotr Tchaikovsky ซึ่งเกือบทุกคนได้ยินคือ "" เขียนในปี พ.ศ. 2420 ชิ้นส่วนมากมายจากการแสดงเต้นรำนี้ - "การเต้นรำของหงส์น้อย", "เพลงวอลทซ์" และอื่น ๆ มีชีวิตที่แยกจากกันมานานแล้วเช่นการประพันธ์ดนตรียอดนิยม อย่างไรก็ตาม การแสดงทั้งหมดที่บอกเล่าเรื่องราวความรักนั้นคู่ควรแก่ความสนใจของผู้รักเสียงเพลง ไชคอฟสกี ซึ่งเป็นที่รู้จักในช่วงชีวิตของเขาจากพรสวรรค์ในการเรียบเรียงที่น่าทึ่ง มอบรางวัลให้กับบัลเล่ต์ด้วยท่วงทำนองที่มีเสน่ห์และน่าจดจำนับไม่ถ้วน

บัลเล่ต์ที่ดีที่สุดอีกแห่งหนึ่งในประวัติศาสตร์ดนตรีคือของไชคอฟสกี นี่เป็นการพลิกผันครั้งที่สองของนักแต่งเพลงในแนวเพลงเต้นรำ และหาก "Swan Lake" ไม่ได้รับการชื่นชมจากสาธารณชนในตอนแรก "Beauty" ก็ได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานชิ้นเอกในทันทีและได้แสดงในโรงละครเกือบทุกแห่งของจักรวรรดิรัสเซียและยุโรป

บัลเล่ต์มีพื้นฐานมาจากพล็อตที่เรารู้จักมาตั้งแต่เด็ก เรื่องราวเทพนิยายของ Charles Perrault เกี่ยวกับเจ้าหญิงนิทรา นางฟ้าที่ชั่วร้าย และความรักที่พิชิตทุกสิ่ง ไชคอฟสกีเสริมเรื่องราวนี้ด้วยการเต้นรำที่ยอดเยี่ยมของตัวละครในเทพนิยายและ Marius Petipa ที่มีท่าเต้นที่น่าทึ่งซึ่งทั้งหมดนี้กลายเป็นสารานุกรมศิลปะบัลเล่ต์

"" เป็นบัลเล่ต์ชุดที่สามและครั้งสุดท้ายของ Pyotr Tchaikovsky ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานของเขาที่ได้รับการยอมรับสูงสุด ซึ่งจะฉายในโรงภาพยนตร์ทุกแห่งในยุโรปในช่วงคริสต์มาสและวันส่งท้ายปีเก่าอย่างแน่นอน เทพนิยายของฮอฟฟ์แมนเรื่อง "The Nutcracker and the Mouse King" ยังคงเป็นธีมของการต่อสู้ระหว่างความชั่วร้ายและความดีที่ไชคอฟสกีเริ่มต้นใน "Swan Lake" โดยเสริมด้วยองค์ประกอบของจินตนาการและโดยธรรมชาติแล้วความรักและการเสียสละ เรื่องราวเชิงปรัชญา ท่วงทำนองอันไพเราะของการเต้นรำ และท่าเต้นทำให้บัลเล่ต์นี้เป็นหนึ่งในผลงานดนตรีคลาสสิกที่ดีที่สุดและเป็นที่ต้องการมากที่สุดของดนตรีโลก

ครั้งหนึ่งมันเป็นบัลเล่ต์ที่อื้อฉาวที่สุดเรื่องหนึ่ง ปัจจุบัน “โรมิโอและจูเลียต” เป็นหนึ่งในการแสดงเต้นรำคลาสสิกในโรงภาพยนตร์หลายแห่งทั่วโลก ดนตรีแนวปฏิวัติใหม่ของผู้แต่งต้องการฉากและรูปแบบการเคลื่อนไหวแบบใหม่จากคณะ ก่อนการฉายรอบปฐมทัศน์ ผู้แต่งจะต้องชักชวนผู้กำกับและนักเต้นให้เข้าร่วมในการผลิตอย่างแท้จริง อย่างไรก็ตามสิ่งนี้ไม่ได้ช่วยอะไรโรงละครหลักของประเทศ - โรงละครบอลชอยและคิรอฟ - ปฏิเสธที่จะแสดงการแสดงนี้ หลังจากความสำเร็จที่ไม่คาดคิดและน่าทึ่งของโรมิโอและจูเลียตในเชโกสโลวะเกียบัลเล่ต์ก็ถูกจัดแสดงในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกวและ Prokofiev เองก็ได้รับรางวัล Stalin Prize

การแสดงสุดคลาสสิกของคณะเต้นทั่วโลกคือ "จีเซลล์" บัลเล่ต์นี้มีพื้นฐานมาจากตำนานของวิลลิส - วิญญาณของเจ้าสาวที่เสียชีวิตจากความรักที่ไม่มีความสุขและไล่ตามชายหนุ่มทุกคนไปในทางของพวกเขาด้วยการเต้นรำที่บ้าคลั่ง นับตั้งแต่เปิดตัวครั้งแรกในปี พ.ศ. 2384 “Giselle” ก็ไม่สูญเสียความนิยมในหมู่ผู้ชื่นชอบศิลปะการเต้นรำ และมีผลงานมากมาย

นับตั้งแต่จุดเริ่มต้นของอารยธรรมมนุษย์ โรงละครถือเป็นแหล่งความบันเทิงหลัก ในปัจจุบัน การแสดงละครและโอเปร่าไม่ได้สูญเสียความนิยมและความสำคัญใดๆ เลย ผู้คนหลายพันคนทั่วโลกมาเยี่ยมชมโรงละครทุกวันและเพลิดเพลินไปกับรูปแบบศิลปะที่ยอดเยี่ยมนี้

การสร้างโรงละครใดๆ ก็ตามเป็นโลกที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวซึ่งมีประวัติศาสตร์ ประเพณี และความลับเป็นของตัวเอง เรามาพูดถึงสิ่งที่เป็นที่รู้จักทั่วโลกกันดีกว่า

Teatro La Scala เป็นโรงละครที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกอย่างถูกต้อง และที่สำคัญที่สุดคือมีความเกี่ยวข้องกับโอเปร่าแม้ว่าการแสดงละครและบัลเล่ต์ก็มีบทบาทสำคัญในละครก็ตาม

ลา สกาล่า, ภาพถ่าย รูดิเกอร์ โวล์ค

มันถูกสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2321 ห้องโถงรูปเกือกม้ามีกล่องห้าชั้น มีการแสดงผลงานของนักแต่งเพลงชื่อดัง Bellini, Rossini, Donizetti และ Verdi บนเวที La Scala โรงละครแห่งนี้มีชื่อเสียงในด้านระบบเสียงที่ไร้ที่ติ

หลายๆ คนเชื่อมโยงออสเตรเลียกับการสร้างโรงละครโอเปร่าในซิดนีย์ เป็นที่จดจำได้ง่ายและเป็นหนึ่งในสถานที่ท่องเที่ยวสำคัญของประเทศ นี่อาจเป็นหนึ่งในโรงละครที่โดดเด่นที่สุดในยุคของเรา

โรงอุปรากรซิดนีย์ ภาพถ่าย แชนนอน ฮอบส์

การเปิดดำเนินการเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2516 ในระหว่างการก่อสร้าง เน้นหลักไปที่เรื่องเสียงและการมองเห็น นั่นคือเหตุผลที่ผู้ชมละครทุกคนรู้สึกราวกับว่าเขาได้ซื้อตั๋วไปยังที่นั่งที่ดีที่สุดในห้องโถงแล้ว

อาคารโรงละครหลังนี้กลายเป็นที่ตั้งของ Sydney Symphony Orchestra, Sydney Theatre Company, Australian Ballet และ Australian Opera มีการแสดงมากกว่า 1,500 รายการเกิดขึ้นที่นี่ทุกปี

3. โรงละครบอลชอย

โรงละครบอลชอยในมอสโกเป็นหนึ่งในโรงละครชั้นนำในรัสเซียและทั่วโลก เขารอดชีวิตจากไฟ สงคราม และการปฏิวัติร่วมกับวงซิมโฟนีออร์เคสตราที่ดีที่สุด

โรงละครบอลชอยในมอสโก ภาพถ่าย จิมมี่วี

ที่ทางเข้า ผู้เยี่ยมชมจะได้รับการต้อนรับจากรูปปั้นอพอลโลในรถม้าศึก โดยคาดว่าจะมีการแสดงอันยิ่งใหญ่เกิดขึ้นในโรงละคร คณะบัลเล่ต์ของโรงละครมีชื่อเสียงมาก ยูริ กริโกโรวิชได้จัดแสดง "Swan Lake" และ "ยุคทอง" ในตำนานที่นี่ บอลชอยเปิดทำการหลังจากการบูรณะครั้งใหญ่ในปี 2554

4. โรงละครแห่งรัฐเวียนนา

โรงละครแห่งนี้สร้างขึ้นในปี 1869 มีชื่อเสียงมายาวนานในฐานะศูนย์กลางของชีวิตทางดนตรีในกรุงเวียนนาและทั่วทั้งออสเตรีย

โรงอุปรากรแห่งรัฐเวียนนา ภาพถ่าย JP

ในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 2 อาคารหลังนี้ถูกทิ้งระเบิดและเกือบถูกทำลาย บันไดและส่วนอื่นๆ บางส่วนได้รับการอนุรักษ์ไว้อย่างน่าอัศจรรย์ ได้รับการบูรณะเฉพาะในปี พ.ศ. 2498 ปัจจุบันยังคงเป็นสถานที่จัดแสดงโอเปร่าหลักแห่งหนึ่งของโลก งานเต้นรำแบบดั้งเดิมจะจัดขึ้นทุกปีใต้ห้องนิรภัยของโรงอุปรากรเวียนนา

Palace of Catalan Music ตั้งอยู่ใน อาคารนี้เปิดอย่างเป็นทางการในปี 1908 และกลายเป็นสัญลักษณ์ของเมืองแทบจะในทันที เพดานกระจกอันงดงาม ภาพวาดอันวิจิตร หน้าต่างกระจกสี และประติมากรรมทำให้กลายเป็นงานศิลปะอย่างแท้จริง นี่เป็นหนึ่งในโรงละครไม่กี่แห่งที่รวมอยู่ในรายชื่อมรดกทางวัฒนธรรมของ UNESCO

Palau de la Musica Catalana ภาพถ่าย Jiuguang Wang

พระราชวังแห่งนี้เป็นหนึ่งในโรงละครและสถานที่แสดงดนตรีหลักในบาร์เซโลนา ซึ่งมีคนดังระดับโลกมากมายมาแสดง มีการจัดการประชุมและการประชุมระดับนานาชาติที่สำคัญที่นี่และมีการจัดทัศนศึกษาสำหรับนักท่องเที่ยว

โรงละคร Les Celestins เป็นศูนย์กลางศิลปะหลักของเมืองลียงในฝรั่งเศส นี่คือโรงละครโอเปร่าที่เหมาะสำหรับการแสดงที่ยิ่งใหญ่และสามารถรองรับคนได้มากกว่า 1,000 คน ห้องโถงรูปเกือกม้าแบ่งออกเป็นหลายชั้น ดังนั้นแม้แต่ผู้ชมที่นั่งอยู่ห่างจากเวทีก็ยังสามารถมองเห็นและได้ยินทุกสิ่งได้ดี ภายในได้รับการออกแบบสไตล์รอยัลโดยใช้โทนสีแดงและสีทอง ภายนอกอาคารดูเคร่งครัดกว่าและตกแต่งด้วยรูปปั้น

Les Celestins ในลียง ภาพถ่าย Mirej

เป็นเวลากว่าสองศตวรรษที่มีการแสดงละคร โอเปร่า การแสดงละคร และคอนเสิร์ตที่ดีที่สุดบนเวที Les Celestins

โรงละครโคเวนท์การ์เด้นเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก เวทีนี้เป็นที่จัดการแสดง Royal Opera และ Royal Ballet นักดนตรีคลาสสิกระดับโลกได้แสดงในอาคารอันงดงามแห่งนี้มาตั้งแต่ปี 1858

รอยัลโอเปร่าเฮ้าส์คอนแวนต์การ์เดน ภาพถ่าย

ก่อนหน้านี้ คุณสามารถเข้าโรงละครได้ก่อนเริ่มการแสดงเท่านั้น หากคุณมีตั๋ว ปัจจุบันคุณสามารถสำรวจได้ด้วยการออกไปท่องเที่ยวระยะสั้นๆ

เวทีระดับโลกที่มีชื่อเสียงอีกแห่งหนึ่งคือโรงละครเพลง Metropolitan Opera บนบรอดเวย์ในนิวยอร์ก นี่คือโรงละครที่ดีที่สุด คนดังเช่น Enrico Caruso และ Placido Domingo มีบทบาทสำคัญในที่นี่

โรงละครโอเปร่า Metropolitan, ภาพถ่าย Blehgoaway

The Met มีการแสดงมากกว่าสองร้อยครั้งในแต่ละปี จะมีการออกอากาศทางโทรทัศน์และวิทยุเป็นครั้งคราว

9. โอเดียนแห่งเฮโรด แอตติคัส

หากคุณต้องการเยี่ยมชมโรงละครที่เก่าแก่พอๆ กับงานศิลปะ ให้มุ่งหน้าไปที่ Odeon of Herodes Atticus ใน นี่คืออัฒจันทร์โบราณสุดคลาสสิกที่สร้างขึ้นในปี ค.ศ. 161 จ. เดิมทีมีหลังคาอยู่แต่ถูกทำลายไปแล้ว

Odeon of Herodes Atticus ในเอเธนส์ ภาพถ่าย Yucatan

โรงละครสามารถรองรับคนได้ 5,000 คน และยังคงจัดการแสดงละคร บัลเล่ต์ และกิจกรรมอื่นๆ บนเวที แม้แต่เอลตัน จอห์นยังแสดงคอนเสิร์ตที่โอเดียนอีกด้วย

10. โรงละครชิคาโก

โรงละครชิคาโกสร้างขึ้นในปี 1921 ในช่วงที่เรียกว่า "ยุคทองของความบันเทิง" และเป็นโรงละครหรูหราแห่งแรกที่ใช้จัดแสดงภาพยนตร์ ละครเพลง และรายการต่างๆ ค่อยๆ กลายเป็นจุดเด่นของชิคาโก ปัจจุบัน โรงละครชิคาโกเป็นการผสมผสานระหว่างแนวและสไตล์ที่แตกต่างกัน ตั้งแต่ละครและตลกไปจนถึงการแสดงเต้นรำและคอนเสิร์ตป๊อป

โรงละครชิคาโก ภาพถ่ายโดย Leandro Neumann Ciuffo

ยังคงมีโรงภาพยนตร์จำนวนมากในโลกซึ่งแต่ละแห่งก็ควรค่าแก่ความสนใจ ในระหว่างการเดินทางของคุณผ่านเมืองและประเทศต่างๆ อย่าลืมไปเยี่ยมชมโรงละคร และไม่สำคัญว่าจะมีชื่อเสียงไปทั่วโลกหรือเป็นที่รู้จักเฉพาะในเมืองเล็กๆ เท่านั้น ไม่ว่าในกรณีใด คุณจะได้รับโอกาสพิเศษในการสัมผัสโลกแห่งศิลปะการแสดงละครอันมหัศจรรย์

คนรักศิลปะและบัลเล่ต์มักสงสัยว่าโรงละครโอเปร่ามีชื่อเสียงอะไรในโลก? ต่างกันอย่างไรและมีประวัติการก่อสร้างเป็นอย่างไรบ้าง? ทุกประเทศมีโรงละคร แต่ไม่ใช่ทุกคนที่ได้รับการยอมรับว่าดีที่สุด

รายชื่อโรงโอเปร่าในโลก

ศิลปะมีคุณค่าจากผู้คนมาตั้งแต่สมัยโบราณ โอเปร่าและบัลเล่ต์เป็นสิ่งที่สวยงามอย่างไม่น่าเชื่อ ทั้งมีความสง่างามและเก๋ไก๋ ในบรรดาผู้ชื่นชอบงานศิลปะที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในโลก ได้แก่:

• โรงละคร Estates ในปราก;
• ลา สกาล่าในมิลาน;
• “ซานคาร์โล” ในเนเปิลส์;
• โรงละครโอเดสซาในยูเครน;
• "แกรนด์โอเปร่า" ในปารีส;
• ในกรุงเวียนนา;
• โคเวนท์การ์เดนในลอนดอน;
• Gran Teatro Liceo ในบาร์เซโลนา;
• Metropolitan Opera ในนิวยอร์ก;
• ซิดนี่ย์โอเปร่าเฮาส์;
• โนโวซีบีสค์ในรัสเซีย

ทุกประเทศมีสถานที่ที่คุณสามารถกระโดดเข้าสู่โลกแห่งศิลปะได้ หรือบทละคร - นี่คือห้องพิเศษที่อัดแน่นไปด้วยจิตวิญญาณของผู้มีความสามารถ

ลา สกาล่า ในมิลาน

เตตร้าถูกค้นพบในปี พ.ศ. 2321 คนรักศิลปะถือว่ามันสวยงามและสง่างามที่สุด มันได้รับชื่อที่แปลกมากเพราะมันถูกสร้างขึ้นบนที่ตั้งของโบสถ์เก่า

ในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 2 โครงสร้างดังกล่าวถูกทำลายอย่างสิ้นเชิง แต่ได้รับการบูรณะในเวลาต่อมา

โรงละครแห่งนี้มีความโดดเด่นตรงที่สามารถรองรับผู้ชมได้มากกว่าสองพันคน และความลึกของเวทีคือ 30 เมตร สิ่งที่น่าสนใจคือฉากต่างๆ เปลี่ยนไปโดยใช้ระบบที่ซับซ้อนพร้อมกลไกแบบแมนนวล

ตั๋วเข้าชม La Scala มีราคาสูงถึง 2,000 เหรียญสหรัฐ เมื่อเข้าจะมีข้อกำหนดในการแต่งกายซึ่งรวมถึงชุดราตรีสีดำด้วย

“ซาน คาร์โล” ที่เนเปิลส์

โรงละครแห่งนี้เป็นโรงละครที่ใหญ่ที่สุดในยุโรป เปิดดำเนินการในปี 1737 ห้องโถงออกแบบมาสำหรับผู้ชมมากกว่า 3,000 คน

ประวัติศาสตร์เป็นที่จดจำจากการที่ถูกสร้างขึ้นใหม่หลังเหตุเพลิงไหม้ในปี 1817 หลังจากนั้นก็หรูหรายิ่งขึ้น การตกแต่งและการตกแต่งภายในสุดชิคทำให้ที่นี่เป็นหนึ่งในโรงอุปรากรที่ดีที่สุดในโลก

ผู้เยี่ยมชมซานคาร์โลในเนเปิลส์กล่าวว่าการออกแบบภายในสร้างความประทับใจไม่รู้ลืม โรงละครจัดแสดงผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุด

โคเวนท์การ์เดนในลอนดอน

จากการที่ผู้เข้าชมกล่าวว่าเป็นหนึ่งในโรงอุปรากรที่ดีที่สุดในโลก ถือเป็นโรงอุปรากรที่มีชีวิตชีวาและแปลกตาที่สุดแห่งหนึ่ง โคเวนท์ การ์เดน ก่อตั้งเมื่อปี พ.ศ. 2489 มันเป็นโรงละครของราชวงศ์ มีเพียงนักแสดงที่เก่งที่สุดเท่านั้นที่จะเล่นในนั้น

ผู้ชื่นชอบศิลปะเดินทางมาลอนดอนเพื่อชมโอเปร่าหรือบัลเล่ต์บนเวทีที่สวยงาม ตั๋วเข้าชมโรงละครมีราคาไม่เกิน 200 ปอนด์ และการแสดงส่วนใหญ่เป็นภาษาอังกฤษ

แกรนด์โอเปร่าในปารีส

โรงอุปรากรที่มีชื่อเสียงระดับโลกมีความโดดเด่นจากที่อื่นด้วยความสง่างาม การตกแต่ง และความงามอันน่าทึ่ง นี่คือลักษณะของ Grand Opera ในปารีส

เปิดดำเนินการในปี 1669 ห้องโถงรองรับผู้ชมได้ 1,900 คน โรงละครถือว่าสวยงามที่สุด โดดเด่นด้วยส่วนหน้าอาคารที่แปลกตา เสริมด้วยส่วนโค้ง ประติมากรรม และจิตรกรรมฝาผนัง

มีการแสดงในประวัติศาสตร์ของโรงละคร ตามสถิติแล้ว นี่เป็นเวทีที่มีผู้เข้าชมมากที่สุดในโลก โรงละครแห่งนี้เป็นศูนย์กลางของชีวิตทางวัฒนธรรมในฝรั่งเศส

โรงละครโอเดสซาในยูเครน

สร้างขึ้นครั้งแรกในปี พ.ศ. 2353 และถูกไฟไหม้จนหมด การบูรณะเกิดขึ้นเพียง 11 ปีหลังเหตุเพลิงไหม้ เมื่อสถาปนิกตัดสินใจสร้างอาคารที่แปลกตาด้วยหลังคาทรงโดม ประวัติศาสตร์ของโรงละครโอเปร่าทั่วโลกมีความหลากหลายและน่าทึ่ง โรงละครโอเดสซาก็ไม่มีข้อยกเว้น

รูปลักษณ์และการตกแต่งทำให้มีสิทธิ์ได้รับการขนานนามว่าเป็นโรงละครโอเปร่าที่สวยงามและมีชื่อเสียงที่สุดแห่งหนึ่งในโลก การตกแต่งหลักคือเพดานทาสีและโคมระย้าคริสตัลขนาดใหญ่

บรรยากาศของห้องพักทำให้แขกทุกคนรู้สึกเหมือนเป็นขุนนางและกระโดดเข้าสู่โลกมหัศจรรย์ เมื่อมาเยือนสถานที่แห่งนี้แล้วอยากกลับมาอีกครั้งเพื่อดื่มด่ำไปกับโลกแห่งศิลปะอย่างเต็มที่

โรงละครโอเปร่าแห่งรัฐเวียนนา

สไตล์ราชวงศ์ ความร่ำรวยของการตกแต่งภายใน และเสน่ห์พิเศษทำให้โอเปร่าในเมืองเวียนนาแตกต่าง โรงละครเต็มไปด้วยชีวิตและดนตรีของโมสาร์ท ด้านหน้าอาคารที่สวยงามแปลกตาซึ่งสร้างในสไตล์นีโอเรอเนซองส์จะไม่ทำให้ผู้มาเยี่ยมชมไม่แยแส

แม้จะมีความจุผู้ชมเพียง 1,313 คน แต่ก็ยังคงเป็นหนึ่งในโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก

ที่น่าสนใจคือทุกๆ ฤดูใบไม้ผลิจะมีการจัดงาน Viennese Ball นี่เป็นงานที่สวยงามและอลังการที่สุภาพสตรีและสุภาพบุรุษดูเหมือนจะได้ย้อนเวลากลับไปในสมัยก่อน

Gran Teatro Liceu ในบาร์เซโลนา

อาคารหลังนี้สร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2390 และสามารถรองรับผู้เยี่ยมชมได้มากกว่า 2,000 คน แม้ว่าไฟจะทำลายเตตร้าส่วนใหญ่ในปี 1994 แต่ก็ได้รับการบูรณะด้วยภาพวาดต้นฉบับ

มีทั้งผลงานคลาสสิกและงานสมัยใหม่ ที่น่าสนใจคือผู้รักโอเปร่ามาจากทั่วทุกมุมโลกเพื่อมาเยี่ยมชมโรงละครที่สวยงามแห่งนี้

ลักษณะเด่นที่สำคัญของห้องโถงคือที่นั่งสำหรับผู้ชมซึ่งทำจากเหล็กหล่อและหุ้มด้วยกำมะหยี่สีแดงสด ผนังตกแต่งด้วยโคมไฟรูปมังกร

โรงละครเอสเตทส์ในกรุงปราก

เปิดให้บริการในปี พ.ศ. 2326 และสามารถรองรับผู้เข้าชมได้ 1,200 คน เป็นอาคารโรงละครแห่งเดียวในยุโรปที่ยังคงหลงเหลืออยู่นับตั้งแต่มีการก่อสร้าง

ที่ทางเข้ามีประติมากรรมอันน่าทึ่ง "ผู้บัญชาการ" ซึ่งสร้างขึ้นจากโอเปร่าที่มีชื่อเดียวกันของโมสาร์ท ดูเหมือนเสื้อคลุมสีดำและแสดงถึงความคิดสร้างสรรค์

การแสดงในโรงละครมีหลายภาษา: เช็ก เยอรมัน อิตาลี ละครค่อนข้างหลากหลายและสามารถทำให้ผู้ชมทุกคนพอใจ

ซิดนี่ย์โอเปร่าเฮาส์

อาคารแห่งนี้ถือว่าเป็นหนึ่งในอาคารที่สวยงามที่สุดในโลก สร้างขึ้นในสไตล์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ แตกต่างจากที่อื่นตรงที่หลังคาสร้างเป็นรูปใบเรือ

พิธีเปิดโรงละครดำเนินการโดยสมเด็จพระราชินีนาถเอลิซาเบธที่ 2 อาคารนี้ใช้เวลาก่อสร้างมากกว่า 14 ปี และใช้เงินไปกว่า 7 ล้านเหรียญสหรัฐ

ผลงานละครถือเป็นผลงานชิ้นเอก แบ่งออกเป็น 2 ห้องโถง แต่ละห้องได้รับการออกแบบอย่างเก๋ไก๋และสง่างามเป็นพิเศษ เพดานของแต่ละห้องได้รับการปรับปรุงเพื่อให้สะท้อนเสียงและทำให้ผู้ฟังเพลิดเพลินยิ่งขึ้น

Metropolitan Opera ในนิวยอร์ก

โรงละครแห่งนี้ในสหรัฐอเมริกามีชื่อเสียงและมีผู้เยี่ยมชมมากที่สุด ไม่ได้มีการตกแต่งที่หรูหราหรือของตกแต่งราคาแพง แต่มีเทคโนโลยีที่ทันสมัยทำให้การแสดงน่าตื่นเต้นยิ่งขึ้น

เชื่อกันว่าการร้องเพลงในโรงละครแห่งนี้มีชื่อเสียงมากแม้จะมีค่าธรรมเนียมเพียงเล็กน้อยก็ตาม

ห้องโถงรองรับคนได้มากกว่า 3.5 พันคน สิ่งที่น่าสังเกตก็คือโรงละครไม่ใช่อาคารของรัฐบาล และได้รับการดูแลโดยการบริจาคและเอกชน สิ่งนี้ทำให้มีคุณค่าต่อผู้ชมมากยิ่งขึ้น

และบัลเล่ต์

อาคารหลังนี้ใหญ่ที่สุดในรัสเซีย มีพื้นที่มากกว่า 40,000 ตารางเมตร โรงละครมีเทคโนโลยีที่ทันสมัยและได้รับการออกแบบให้มีเสน่ห์เป็นพิเศษ เนื่องจากขนาดของมัน จึงได้รับชื่อที่สองว่า "โคลอสเซียมไซบีเรีย"

ในรัสเซีย นี่คืออาคารโรงละครและศิลปะที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่ง หลังคาได้รับการออกแบบให้มีลักษณะคล้ายโดมขนาดใหญ่ ซึ่งทำให้มีเอกลักษณ์และน่าสนใจอีกด้วย

จากมุมมองทางวิศวกรรม อาคารนี้มีโครงสร้างที่ซับซ้อน ผู้ชมมองว่าเขามีเอกลักษณ์และเลียนแบบไม่ได้

โรงอุปรากรที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก แตกต่างจากคนอื่นในเรื่องนั้นพวกเขามีเสน่ห์เป็นพิเศษ ทุกประเทศมีสถานที่สำหรับการผลิตและการแสดง โอเปร่าและบัลเล่ต์เป็นผลงานที่สำคัญที่สุดบางส่วนที่นำเสนอผลงานของนักเขียนและนักแต่งเพลงชื่อดังให้ผู้ชมได้ชม ขนาดการแสดงบนเวทีทำให้ผู้ชมสัมผัสได้ถึงอารมณ์ของนักแสดงและนักร้อง

ส่งมาโดย copypaster เมื่อวันพุธที่ 15/08/2550 - 01:11 น.

บัลเล่ต์เป็นศิลปะที่ค่อนข้างใหม่ มีอายุมากกว่าสี่ร้อยปีเล็กน้อย แม้ว่าการเต้นรำจะประดับประดาชีวิตมนุษย์มาตั้งแต่สมัยโบราณก็ตาม

บัลเลต์เกิดที่อิตาลีตอนเหนือในช่วงยุคเรอเนซองส์ เจ้าชายชาวอิตาลีชื่นชอบการเฉลิมฉลองในพระราชวังอันหรูหรา ซึ่งการเต้นรำถือเป็นสถานที่สำคัญ การเต้นรำในชนบทไม่เหมาะสำหรับสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษในราชสำนัก เครื่องแต่งกายของพวกเขา เช่นเดียวกับห้องโถงที่พวกเขาเต้นรำ ไม่อนุญาตให้มีการเคลื่อนไหวอย่างไม่มีการรวบรวมกัน ครูพิเศษ - ผู้เชี่ยวชาญด้านการเต้นรำ - พยายามฟื้นฟูความสงบเรียบร้อยในการเต้นรำในศาล พวกเขาซ้อมร่างของบุคคลและท่าเต้นกับขุนนางล่วงหน้าและนำกลุ่มนักเต้น การเต้นรำก็ค่อยๆ กลายเป็นการแสดงละครมากขึ้นเรื่อยๆ

คำว่า "บัลเล่ต์" ปรากฏเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 (จากบัลเล่ต์อิตาลีถึง - ถึงการเต้นรำ) แต่แล้วมันไม่ได้หมายถึงการแสดง แต่เป็นเพียงตอนเต้นรำที่ถ่ายทอดอารมณ์บางอย่างเท่านั้น "บัลเล่ต์" ดังกล่าวมักจะประกอบด้วย "เอาท์พุต" ของตัวละครที่เชื่อมโยงถึงกันเล็กน้อยซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นวีรบุรุษในตำนานกรีก หลังจาก "ออก" การเต้นรำทั่วไปก็เริ่มขึ้น - "แกรนด์บัลเล่ต์"

การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกคือ Queen's Comedy Ballet ซึ่งจัดแสดงในปี 1581 ในฝรั่งเศสโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวอิตาลี Baltazarini di Belgioioso ในฝรั่งเศสมีการพัฒนาบัลเล่ต์เพิ่มเติม ในตอนแรกสิ่งเหล่านี้เป็นบัลเล่ต์ที่สวมหน้ากากและจากนั้นก็เป็นบัลเล่ต์ที่ไพเราะโอ่อ่าพร้อมแผนการที่กล้าหาญและน่าอัศจรรย์ซึ่งตอนเต้นรำถูกแทนที่ด้วยเพลงร้องและการท่องบทกวี อย่าแปลกใจเลยที่บัลเล่ต์ในสมัยนั้นไม่ใช่แค่การแสดงเต้นรำเท่านั้น

ในช่วงรัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 การแสดงบัลเล่ต์ในราชสำนักมีความอลังการเป็นพิเศษ หลุยส์เองก็ชอบที่จะเข้าร่วมบัลเล่ต์ และได้รับฉายาอันโด่งดังว่า "ราชาแห่งดวงอาทิตย์" หลังจากแสดงบทเดอะซันใน "Ballet of the Night"

ในปี 1661 เขาได้ก่อตั้ง Royal Academy of Music and Dance ซึ่งประกอบด้วยปรมาจารย์ด้านการเต้นชั้นนำ 13 คน ความรับผิดชอบของพวกเขาคือการรักษาประเพณีการเต้นรำ ผู้อำนวยการสถาบัน ซึ่งเป็นครูสอนเต้นรำของราชวงศ์ ปิแอร์ โบชอมป์ ระบุตำแหน่งหลัก 5 ประการของนาฏศิลป์คลาสสิก

ในไม่ช้า Paris Opera ก็เปิดขึ้น และ Beauchamp คนเดียวกันก็ได้รับแต่งตั้งให้เป็นนักออกแบบท่าเต้น คณะบัลเล่ต์ก่อตั้งขึ้นภายใต้การนำของเขา ในตอนแรกมีเพียงผู้ชายเท่านั้น ผู้หญิงปรากฏตัวบนเวที Paris Opera ในปี 1681 เท่านั้น

โรงละครแห่งนี้จัดแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์โดยนักแต่งเพลง Lully และละครตลกและบัลเล่ต์โดยนักเขียนบทละคร Moliere ในตอนแรกข้าราชบริพารเข้ามามีส่วนร่วมและการแสดงแทบไม่ต่างจากการแสดงในพระราชวัง มีการเต้นรำมินูเอตช้า gavottes และพาเวนที่กล่าวถึงแล้ว หน้ากาก ชุดเดรสหนาๆ และรองเท้าส้นสูงทำให้ผู้หญิงไม่สามารถเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนได้ ดังนั้นการเต้นรำของผู้ชายจึงโดดเด่นด้วยความสง่างามและความสง่างามที่มากขึ้น

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 บัลเล่ต์ได้รับความนิยมอย่างมากในยุโรป ราชสำนักชนชั้นสูงทั้งหมดของยุโรปพยายามเลียนแบบความหรูหราของราชสำนักฝรั่งเศส โรงโอเปร่าเปิดในเมืองต่างๆ นักเต้นและครูสอนเต้นรำจำนวนมากหางานทำได้ง่าย

ในไม่ช้า ภายใต้อิทธิพลของแฟชั่น ชุดบัลเล่ต์ของผู้หญิงก็เบาขึ้นและอิสระมากขึ้น และสามารถมองเห็นเส้นลำตัวข้างใต้ได้ นักเต้นละทิ้งรองเท้าส้นสูงและแทนที่ด้วยรองเท้าส้นสูงแบบไม่มีส้น เครื่องแต่งกายของผู้ชายก็เทอะทะน้อยลงเช่นกัน: กางเกงขายาวถึงเข่าและถุงน่องทำให้มองเห็นร่างของนักเต้นได้

แต่ละนวัตกรรมทำให้การเต้นมีความหมายมากขึ้นและเทคนิคการเต้นสูงขึ้น บัลเล่ต์ค่อยๆ แยกตัวออกจากโอเปร่าและกลายเป็นงานศิลปะอิสระ

แม้ว่าโรงเรียนบัลเล่ต์ฝรั่งเศสจะมีชื่อเสียงในด้านความสง่างามและความเป็นพลาสติก แต่ก็มีลักษณะของการแสดงที่เยือกเย็นและเป็นทางการ ดังนั้นนักออกแบบท่าเต้นและศิลปินจึงมองหาวิธีการแสดงออกแบบอื่น

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 ทิศทางใหม่ในงานศิลปะถือกำเนิดขึ้น - แนวโรแมนติกซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อบัลเล่ต์ ในบัลเล่ต์สุดโรแมนติก นักเต้นยืนอยู่บนรองเท้าพอยต์ Maria Taglioni เป็นคนแรกที่ทำสิ่งนี้ โดยเปลี่ยนแนวคิดก่อนหน้านี้เกี่ยวกับบัลเล่ต์ไปอย่างสิ้นเชิง ในบัลเล่ต์ La Sylphide เธอปรากฏตัวเป็นสิ่งมีชีวิตที่เปราะบางจากโลกอื่น ความสำเร็จนั้นน่าทึ่งมาก

ในเวลานี้มีบัลเล่ต์ที่ยอดเยี่ยมมากมายปรากฏขึ้น แต่น่าเสียดายที่บัลเล่ต์โรแมนติกกลายเป็นยุคสุดท้ายของความรุ่งเรืองของศิลปะการเต้นรำในตะวันตก ตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 บัลเล่ต์ซึ่งสูญเสียความสำคัญในอดีตไปแล้วก็กลายเป็นส่วนเสริมของโอเปร่า เฉพาะในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 20 ภายใต้อิทธิพลของบัลเล่ต์รัสเซีย การฟื้นฟูรูปแบบศิลปะนี้ในยุโรปจึงเริ่มต้นขึ้น

ในรัสเซีย การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรก - "The Ballet of Orpheus และ Eurydice" - จัดแสดงเมื่อวันที่ 8 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1673 ที่ราชสำนักของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิช พิธีการและการเต้นรำช้าๆ ประกอบด้วยการเปลี่ยนท่าทาง การโค้งคำนับ และท่วงท่าที่สง่างาม สลับกับการร้องเพลงและการพูด เขาไม่ได้มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาการเต้นบนเวที มันเป็นเพียง "ความสนุกสนาน" ของราชวงศ์อีกแห่งหนึ่งที่ดึงดูดผู้คนด้วยความแปลกใหม่และความแปลกใหม่

เพียงหนึ่งในสี่ของศตวรรษต่อมา ต้องขอบคุณการปฏิรูปของ Peter I ดนตรีและการเต้นรำจึงเข้ามาในชีวิตประจำวันของสังคมรัสเซีย มีการแนะนำการฝึกเต้นรำภาคบังคับในสถาบันการศึกษาชั้นสูง นักดนตรี ศิลปินโอเปร่า และคณะบัลเล่ต์ที่นำเข้าจากต่างประเทศเริ่มแสดงที่ศาล

ในปี 1738 โรงเรียนบัลเล่ต์แห่งแรกในรัสเซียเปิดขึ้น และสามปีต่อมา เด็กชาย 12 คนและเด็กหญิง 12 คนจากคนรับใช้ในวังก็กลายเป็นนักเต้นมืออาชีพคนแรกในรัสเซีย ในตอนแรกพวกเขาแสดงในบัลเล่ต์ของปรมาจารย์ชาวต่างชาติในฐานะบุคคล (ตามที่เรียกนักเต้นบัลเล่ต์คณะบัลเล่ต์) และต่อมาในบทบาทหลัก Timofey Bublikov นักเต้นที่ยอดเยี่ยมในยุคนั้นไม่เพียงฉายในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเท่านั้น แต่ยังฉายในเวียนนาด้วย

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ศิลปะบัลเล่ต์ของรัสเซียมีความคิดสร้างสรรค์ถึงขีดสุด นักเต้นชาวรัสเซียนำการแสดงออกและจิตวิญญาณมาสู่การเต้นรำ ด้วยความรู้สึกที่แม่นยำมาก A.S. Pushkin จึงเรียกการเต้นรำของ Avdotya Istomina ร่วมสมัยของเขาว่า "การบินที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ"

บัลเลต์ในเวลานี้ได้รับตำแหน่งพิเศษเหนือศิลปะการแสดงละครรูปแบบอื่นๆ เจ้าหน้าที่ให้ความสนใจเป็นอย่างมากและให้เงินอุดหนุนจากรัฐบาล คณะบัลเล่ต์ในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแสดงในโรงละครที่มีอุปกรณ์ครบครัน และผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนการละครจะเข้าร่วมเป็นเจ้าหน้าที่นักเต้น นักดนตรี และมัณฑนากรเป็นประจำทุกปี

อาเธอร์ แซงต์-เลออน

ในประวัติศาสตร์ของโรงละครบัลเล่ต์ของเรามักพบชื่อของปรมาจารย์ชาวต่างประเทศที่มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาบัลเล่ต์รัสเซีย ก่อนอื่นคือ Charles Didelot, Arthur Saint-Leon และ Marius Petipa พวกเขาช่วยสร้างโรงเรียนบัลเล่ต์รัสเซีย แต่ศิลปินชาวรัสเซียผู้มีความสามารถก็ให้โอกาสในการเปิดเผยพรสวรรค์ของครูของพวกเขาด้วย สิ่งนี้ดึงดูดนักออกแบบท่าเต้นที่ใหญ่ที่สุดของยุโรปมาที่มอสโกวและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอย่างสม่ำเสมอ ไม่มีที่ไหนในโลกที่พวกเขาจะได้พบกับคณะละครขนาดใหญ่ มีความสามารถ และได้รับการฝึกฝนมาอย่างดีเช่นในรัสเซีย

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 วรรณกรรมและศิลปะของรัสเซียมีความสมจริง นักออกแบบท่าเต้นพยายามสร้างการแสดงที่สมจริงแต่ก็ไม่มีประโยชน์ พวกเขาไม่ได้คำนึงว่าบัลเล่ต์เป็นศิลปะทั่วไป และความสมจริงในบัลเล่ต์แตกต่างอย่างมากจากความสมจริงในการวาดภาพและวรรณกรรม วิกฤตศิลปะบัลเล่ต์เริ่มต้นขึ้น

เวทีใหม่ในประวัติศาสตร์บัลเล่ต์รัสเซียเริ่มต้นขึ้นเมื่อนักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ P. Tchaikovsky แต่งเพลงสำหรับบัลเล่ต์เป็นครั้งแรก มันคือทะเลสาบสวอน ก่อนหน้านี้ ดนตรีบัลเลต์ไม่ได้ถูกให้ความสำคัญอย่างจริงจัง ถือเป็นความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีประเภทที่ต่ำกว่า เพียงเป็นการประกอบการเต้นรำเท่านั้น

ต้องขอบคุณไชคอฟสกีที่ทำให้ดนตรีบัลเล่ต์กลายเป็นศิลปะที่จริงจังควบคู่ไปกับดนตรีโอเปร่าและซิมโฟนิก เมื่อก่อนดนตรีขึ้นอยู่กับการเต้นรำโดยสิ้นเชิง บัดนี้การเต้นรำต้องยอมจำนนต่อดนตรี จำเป็นต้องมีวิธีการแสดงออกใหม่และแนวทางใหม่ในการสร้างการแสดง

การพัฒนาบัลเล่ต์รัสเซียเพิ่มเติมนั้นเกี่ยวข้องกับชื่อของนักออกแบบท่าเต้นชาวมอสโก A. Gorsky ผู้ซึ่งละทิ้งเทคนิคละครใบ้ที่ล้าสมัยไปแล้วจึงใช้เทคนิคการกำกับสมัยใหม่ในการแสดงบัลเล่ต์ ด้วยการให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับการออกแบบการแสดงที่งดงาม เขาจึงดึงดูดศิลปินที่เก่งที่สุดมาร่วมงาน

แต่นักปฏิรูปศิลปะบัลเล่ต์ที่แท้จริงคือมิคาอิล โฟคิน ผู้กบฏต่อการสร้างการแสดงบัลเล่ต์แบบดั้งเดิม เขาแย้งว่าแก่นของละคร ดนตรี และยุคที่การแสดงเกิดขึ้นจำเป็นต้องมีท่าเต้นที่แตกต่างกันและรูปแบบการเต้นรำที่แตกต่างกันในแต่ละครั้ง เมื่อแสดงบัลเล่ต์ "Egyptian Nights" Fokine ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีของ V. Bryusov และภาพวาดของอียิปต์โบราณ และภาพของบัลเล่ต์ "Petrushka" ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีของ A. Blok ในบัลเล่ต์ Daphnis และ Chloe เขาละทิ้งการเต้นรำบนรองเท้าปวงต์และฟื้นฟูจิตรกรรมฝาผนังโบราณด้วยการเคลื่อนไหวที่อิสระและยืดหยุ่น Chopiniana ของเขาฟื้นบรรยากาศของบัลเล่ต์โรแมนติก Fokin เขียนว่า “เขาใฝ่ฝันที่จะสร้างละครบัลเล่ต์จากความสนุกของบัลเล่ต์ และจากการเต้นให้เป็นภาษาพูดที่เข้าใจได้” และเขาก็ทำสำเร็จ

แอนนา ปาฟโลวา

ในปี 1908 การแสดงประจำปีของนักเต้นบัลเล่ต์ชาวรัสเซียเริ่มขึ้นในกรุงปารีส ซึ่งจัดโดยนักแสดงละคร S. P. Diaghilev ชื่อของนักเต้นจากรัสเซีย - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - กลายเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก แต่อันดับแรกในแถวนี้คือชื่อของ Anna Pavlova ที่ไม่มีใครเทียบได้

Pavlova - โคลงสั้น ๆ เปราะบางมีเส้นลำตัวยาวดวงตาโต - ปรากฏภาพแกะสลักที่แสดงถึงนักบัลเล่ต์แสนโรแมนติก วีรสตรีของเธอถ่ายทอดความฝันแบบรัสเซียล้วนๆ เกี่ยวกับชีวิตที่กลมกลืนและมีจิตวิญญาณหรือความปรารถนาและความโศกเศร้าเกี่ยวกับบางสิ่งที่ไม่ได้เติมเต็ม “ The Dying Swan” สร้างขึ้นโดยนักบัลเล่ต์ผู้ยิ่งใหญ่ Pavlova เป็นสัญลักษณ์ของบทกวีของบัลเล่ต์รัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 20

ตอนนั้นเองภายใต้อิทธิพลของทักษะของศิลปินชาวรัสเซีย บัลเลต์ตะวันตกก็ส่ายตัวและพบกับลมที่สอง

หลังการปฏิวัติเดือนตุลาคมปี 1917 บุคคลสำคัญในโรงละครบัลเลต์หลายคนออกจากรัสเซีย แต่ถึงกระนั้นโรงเรียนบัลเลต์รัสเซียก็ยังรอดชีวิตมาได้ ความน่าสมเพชของการเคลื่อนไหวสู่ชีวิตใหม่ ธีมการปฏิวัติ และที่สำคัญที่สุดคือขอบเขตของการทดลองเชิงสร้างสรรค์เป็นแรงบันดาลใจให้กับปรมาจารย์บัลเล่ต์ พวกเขาต้องเผชิญกับภารกิจ: นำศิลปะการออกแบบท่าเต้นมาใกล้ชิดกับผู้คนมากขึ้น ทำให้มีความสำคัญและเข้าถึงได้มากขึ้น

นี่คือที่มาของแนวบัลเลต์ดราม่า เหล่านี้เป็นการแสดงซึ่งมักอิงตามโครงงานวรรณกรรมที่มีชื่อเสียงซึ่งสร้างขึ้นตามกฎของการแสดงละคร นำเสนอเนื้อหาผ่านละครใบ้และนาฏศิลป์ ในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 นาฏศิลป์บัลเล่ต์กำลังตกอยู่ในภาวะวิกฤติ นักออกแบบท่าเต้นพยายามรักษาบัลเลต์ประเภทนี้โดยเพิ่มคุณค่าความบันเทิงของการแสดงด้วยความช่วยเหลือของเอฟเฟกต์บนเวที แต่ก็ไร้ประโยชน์

ในช่วงปลายทศวรรษ 1950 จุดเปลี่ยนก็มาถึง นักออกแบบท่าเต้นและนักเต้นรุ่นใหม่ได้ฟื้นคืนแนวเพลงที่ถูกลืมไปแล้ว เช่น บัลเลต์แบบหนึ่งองก์ บัลเลต์ซิมโฟนี และท่าเต้นขนาดจิ๋ว และนับตั้งแต่ทศวรรษ 1970 เป็นต้นมา คณะบัลเล่ต์อิสระก็ได้ถือกำเนิดขึ้น โดยไม่ขึ้นอยู่กับโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ จำนวนของพวกเขาเพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่องและมีสตูดิโอเต้นรำฟรีและโมเดิร์นแดนซ์อยู่ในหมู่พวกเขา