Нонконформизм в искусстве. Советские художники-нонконформисты становятся классиками

11 февраля в галерее «Виктория» открывается выставка «Нонконформизм как точка отсчёта», в которую войдут произведения неофициального русского искусства второй половины ХХ века из коллекции Московского музея современного искусства. В экспозицию небывалого для Самары масштаба войдут более 30 авторов, которые представят весь спектр русского неофициального искусства с 1950-х годов до наших дней. Куратор галереи Сергей Баландин по просьбе «Большой деревни» составил ликбез по новой экспозиции.

О чем говорили нонконформисты

Самой ранней работой на выставке стала картина «Весна» 1950 года Бориса Свешникова . Он написал ее в 23 года, когда мотал срок в лагере. Для Свешникова, как и для большинства нонкоформистов, важно обращение к духовной сущности человека. В условиях советского безбожия они изобретали собственные образы, которые наделяли священным смыслом: живопись была для них сродни мистического обета.Нонконформистами называют круг художников, представляющих неофициальное искусство СССР: самоучки, диссиденты, философы - они самыми разными путями пришли в искусство, но объединяет их стремление найти собственный, неказенный художественный язык.

Борис Свешников

К представителям нонконформизма относятся также Михаил Шварцман, Марлен Шпиндлер, Дмитрий Краснопевцев, Владимир Яковлев

На многих «неофициальных» художников повлиял Каземир Малевич, как, например, на Владмира Стерлигова, который был его непосредственным учеником. В творчестве Эдуарда Штейнберга увидеть супрематические композиции не составляет труда, в «Семье» Олега Целкова «крестьян» Малевича нужно разглядеть: плоские лица, фигуры, которые кажутся выгнутыми, как лист металла или фольга, яркие анилиновые цвета, маленькие глазки - художник сделал всё, чтобы из советской конструктивистской утопии сделать мучительно-однообразный унылый ад. В 1977 году художник покинул страну и 38 лет прожил без гражданства.

Олег Целков. Семья. 1985

На выставке также представлены работы Гриши Брускина, Петра Беленока и Евгения Рухина

Александра Рогинского некоторые считают единственным в России представителем поп-арта. Он задолго до соц-арта стал изображать коммунальный быт советского человека: «Красная дверь», висящая на стене, «Красная стена» с розеткой, «Пол», облицованный плиткой - самые известные его работы. Он не смеется, не ёрничает, как соц-артисты, он видит в скудости советской кухни особую философию и тайну русской жизни.

Александр Рогинский. Мосгаз. 1964

Лианозовцы и их «маленький человек»

На выставке есть работы Владимира Немухина, который также относится к лианозовцам

Так называли поэтов и художников, друзей семьи Кропивницких, которые собирались у них в квартире в доме барачного типа № 2 на станции Лианозово на окраине Москвы. Их отличает внимание к повседневной реальности, из которой они прямыми цитатами конструируют куцый и абсурдный мир нового «маленького человека». Самым активным из них и самым известным в последствие стал Оскар Рабин . Именно он организовал печально известную «Бульдозерную выставку», уничтоженную властями, а затем вынудил их согласовать выставку в Измайловском парке. Несгибаемый, волевой характер художника, которой он проявлял будучи послом независимых художников, кажется, совершенно не отразился на его работах: безрадостных, черных, будто обугленных пейзажах с видами окраин.

Оскар Рабин

Выдуманный мир московских концептуалистов

К концептуалистам также относится творчество Виктора Пивоварова, Игоря Макаревича, Андрея Монастырского

Концептуализм в России известный критик Борис Гройс назвал «романтическим», поскольку его представители только и занимались, что фантазировали. Они убегали из советской реальности в некий умозрительный мир, который населяли совершенно необыкновенными персонажами.

Самым значительным в истории искусства фантазёром стал Илья Кабаков . Он придумал «вшкафусидящего Примакова», «украшателя Малыгина», который рисовал только на полях, даже если лист был чистым, «человека, улетевшего в космос из своей квартиры» и еще очень много историй и головоломок для зрителей. В историю мирового искусства он в итоге вошёл как изобретатель «тотальной инсталляции», то есть такой инсталляции, в которой человек оказывается полностью окружен, так, что он даже может забыть, где именно он находится. И все герои Кабакова, как и он сам, это люди, которые хотят убежать от реальности.

Илья Кабаков. Валя идет. 1972

Другой концептуалист - Дмитрий Пригов - настоящий человек эпохи Возрождения: художник, поэт, мыслитель, как киноактёр играл эпизодические роли у Лунгина и Германа. Его знаменитый цикл стихов о «милицанере» был культовым в кругах диссидентов, и в графике, которую он рисовал шариковой ручкой, и в проектах масштабных инсталляций одним из важнейших образов было «всевидящее око». Большой Брат здесь вплетается в мистический узел, сплетенный из архетипических чудищ и символов, который, так же как и у Босха, просто невозможно разорвать.

Дмитрий Пригов

Переосмысление быта у сретенцев

Другие художники направления: Олег Васильев, Сергей Шаблавин, Эдуард Штейнберг

Группа «Сретенского бульвара» объединила художников, чьи мастерские располагались неподалёку. Часто собираясь, и обсуждая искусство, они влияли друг на друга, испытывали одни и те же приемы, получая различные результаты. Прежде всего в центре внимания этой группы была работа с пространством: как с пространством дома, так и с пространством пейзажа. Начинавший как сюрреалист юнгианского типа, Владимир Янкилевский в своих работах совмещает фрагменты повседневности: вагон метро, лифт, прихожая, туалет и т.д. - с архетипическими или абстрактными символами, так что, если его герои куда-то движутся, то оказывается, это движение происходит в колесе сансары.

Владимир Янкилевский. Посвящается родителям моих родителей. 1972

Иван Чуйков обыгрывает элементы домашней среды: окна, двери, розетки, шкафы - превращая их в произведения классических жанров: портреты, пейзажи, натюрморты, соединяя предметы повседневного быта с образами художественной реальности.

Иван Чуйков. Окно LXIV. 2002

Веселье художников «новой волны»

Еще один представитель направления - Вадим Захаров

«Новой волной», пришедшей на смену старшему поколению концептуалистов принято называть «фантазёров», чьи образы из философско-мечтательных стали откровенно гедонистическими, абсурдисткими и весёлыми. Вместо «историй», они предлагают зрителям «галлюцианации». Еще одной характерной чертой было коллективное творчество. Одной из самых известных таких арт-групп были «Мухоморы», из которых в последствие вышел художник Константин Звездочётов . В его ярких картинах свободно соединяются персонажи юмористического журнала «Крокодил» и образы русской классической живописи, герои Репина и Серова. Смех художника должен разоблачить и подорвать царящую в мире серьёзность.

Константин Звездочётов. Запорожцы пишут письмо. 2005

Сатира на мир потребления у соц-артистов

Другие представители направления - Борис Орлов и Александр Косолапов

Художники решившие переложить американский поп-арт на советскую действительность стали основателями нового направления «соц-арт», который занимался не столько философским осмыслением потребительства, сколько сатирой на эстетическое убожество массовой культуры и подачи идеологического материала в СССР. В работах соц-артистов часто используются образы известных людей, особенно изображения вождей. Скульптор Леонид Соков воспроизводит принцип русской народной игрушки с мужиком и медведем, которые пилят бревно, ставя на место сказочных персонажей Сталина и Гитлера - тираны колотят мир. Сокова отличает ясность и прямота послания, ироничный дидактизм и меткий выбор художественной формы.

Леонид Соков. Гитлер и Сталин. 2006

Национальный реди-мейд ленинградских «Новых художников»

«Новые художники» - плеяда художников-самоучек, которых возглавил Тимур Новиков , и которые работали нарочито грязно и экспрессивно. Между тем творчество самого Новикова стремилось к умеренности, лаконизму, чистым цветам. Особенно много художник работал с тканью, которая в его интерпретации становилась то занавеской, то гобеленом, то знаменем. При этом он использует фабричный узор или текстуру тканей, компилирует изображения из журналов и альбомов, становясь русским Дюшаном, и изобретая национальный реди-мейд.

Тимур Новиков. Из серии «Забытые идеалы счастливого детства». 2000

Работа с ландшафтом у ленд-артистов

Отношение советской власти к современному искусству не всегда было негативным. Достаточно вспомнить, что в первые годы после революции искусство авангарда было чуть ли не государственным официозом. Такие его представители, как художник Малевич или архитектор Мельников, прославились на весь мир и одновременно приветствовались на родине. Однако вскоре в стране победившего социализма передовое искусство перестало вписываться в партийную идеологию. Символом противостояния власти и художников в СССР стала знаменитая «бульдозерная выставка» 1974 года.

Нонконформисты из подполья

Никита Сергеевич Хрущёв, посетив выставку авангардистов в Манеже в 1962 году, не только раскритиковал их работы, но и потребовал «прекратить это безобразие», называя картины «мазнёй» и другими, ещё более неприличными словами.

После разгрома Хрущёвым от официального искусства отпочковалось неофициальное, оно же – нонконформистское, альтернативное, андеграундное. Железный занавес не мешал художникам давать о себе знать за рубеж, и их картины покупались иностранными коллекционерами и галеристами. Но у себя дома организовать даже скромную выставку в каком-нибудь доме культуры или институте было непросто.

Когда московский художник Оскар Рабин и его товарищ, поэт и коллекционер Александр Глезер открыли выставку 12 художников в клубе «Дружба» на шоссе Энтузиастов в Москве, то уже через два часа её закрыли сотрудники КГБ и партработники. Рабина и Глезера уволили с их мест работы. Через пару лет Московский горком партии и вовсе направил в столичные ДК инструкцию, запрещающую самостоятельную организацию художественных выставок.

В этих условиях Рабину пришла в голову идея выставить полотна на улице. Формального запрета власти дать не могли – свободное пространство, да ещё и где-нибудь на пустыре, никому не принадлежало, и закон художники нарушить не могли. Впрочем, тихо показать свои работы друг другу им также не хотелось – необходимо было внимание публики и журналистов. Поэтому, кроме распечатанных на машинке приглашений друзьям и знакомым, организаторы «Первого осеннего просмотра картин на открытом воздухе» предупредили об акции Моссовет.

Выставка против субботника

15 сентября 1974 года на пустырь в районе Беляево (в те годы – фактически окраина Москвы) приехали не только 13 заявленных художников. Выставку ждали созванные ими зарубежные журналисты и дипломаты, а также ожидаемые милиционеры, бульдозеры, пожарники и большая бригада работников. Власти решили помешать выставке, устроив в этот день субботник с целью благоустройства территории.

Естественно, никакого показа картин не состоялось. Некоторые пришедшие даже не успели распаковать их. Тяжёлая техника и люди с лопатами, вилами и граблями стали сгонять художников с поля. Некоторые сопротивлялись: когда полотно Валентина Воробьёва участник организованного субботника проколол лопатой, то художник ударил его по носу, после чего завязалась драка. Корреспонденту газеты «The New York Times» в потасовке выбили зуб его же камерой.

Дело усугубляла плохая погода. Из-за прошедшего ночью дождя пустырь был полон грязи, в которой затаптывались привезённые картины. Рабин и двое других художников пытались броситься на бульдозер, но остановить его не смогли. Вскоре большинство из участников выставки увезли в отделение милиции, а Воробьёв, например, укрылся в автомобиле у знакомого немца.

Уже на следующий день скандальная популярность начала обрастать мифологией. За «бульдозеры», как стали называть картины с «бульдозерной выставки», стали выдавать другие работы, и за них иностранцы готовы были выложить немалую сумму. Пронеслись слухи, что на выставке участвовало не 13 человек, а 24. Иногда число художников в таких разговорах поднималось до трёх сотен!

«Пражская весна» для искусства

Художественную ценность выставки оценить трудно – фактически она продолжалась не больше минуты. Но её общественное и политическое значение превысило ценность уничтоженных картин. Освещение события в западной прессе и коллективные письма художников поставили советскую власть перед фактом: искусство будет существовать и без их разрешения.

Уже через две недели в Измайловском парке в Москве была проведена официально разрешённая уличная выставка. В последующие годы нонконформистское искусство понемногу просачивалось в павильон «Пчеловодство» на ВДНХ, в «салон» на Малой Грузинской и на другие площадки. Отступление власти было вынужденным и крайне ограниченным. Бульдозеры стали таким же символом подавления и репрессий, как танки в Праге во время «Пражской весны». Большинству участников выставки в течение нескольких лет пришлось эмигрировать.

Своё признание они в итоге получили: например, картина Евгения Рухина «Пассатижи» была продана на аукционе «Sotheby’s», работы Владимира Немухина попали в музей «Metropolitan» в Нью-Йорке, а Виталий Комар и Александр Меламид стали самыми известными в мире представителями соц-арта – направления, пародирующего советский официоз.

Репродукции некоторых работ «бульдозерных» художников представлены ниже. Возможно, какие-то из них могли оказаться и сентябрьским утром 1974 года на беляевском пустыре.

Нонконформизм - это неофициальное советское искусство. Под названием советский нонконформизм объединяют представителей различных художественных течений 1950—1980-х годов, которые по соображениям политической и идеологической цензуры были вытеснены из публичной художественной жизни. В это время произошло деление изобразительного искусства СССР на конформизм и нонконформизм. Понятия конформизм и нонконформизм было заимствовано в психологии для обозначения пассивного и протестного принятия существующего порядка вещей. Нонконформизм в советском искусстве отражал сложившуюся психологическую и общественную ситуации. Пример нонконформизма в жизни советских людей показал, что длительное давление тоталитарного гнета невозможно. В поисках новой реальности изобразительное искусство смело преодолевало преграды канонов прошлого. В сфере неофициального искусства Советского Союза не действовали законы государственного регулирования художественного процесса. Развитие искусства было предоставлено своим собственным законам. Нонконформизм в целом многими рассматривается как «безумная смесь русофилов и западников, салона и глубокомыслия художников, работающих в самых разнообразных манерах, объединенных нахождением по одну сторону баррикад».

Нонконформизм признан уникальным явлением в истории изобразительного искусства, многие образцы «неофициального искусства» вошли в фонд и экспозицию ГТГ, Русского музея, Московского музея современного искусства и многих других.

Картины нонконформизма купить. Картины нонконформизма продать. Это очень популярные запросы, которые мы часто получаем на наш сайт. Наша галерея покупает для своего собрания живописи и графики 20 века значимые работы художников нонконформистов. В фондах нашей галереи представлено около 300 выдающихся работ различных авторов, они объединены в коллекцию Художники-нонконформисты.
Советский нонконформизм включает несколько неформальных объединений, в том числе «Лианозовская группа» (Оскар Рабин, Николай Вечтомов, Лидия Мастеркова, Владимир Немухин, Лев Кропивницкий), «Московский концептуализм» (Илья Кабаков, Андрей Монастырский и арт-группа Коллективные действия, Эрик Булатов, Дмитрий Пригов, Виктор Пивоваров, Павел Пепперштейн, Никита Алексеев и др., группа «Гнездо»), Соц-арт (Виталий Комар и Александр Меламид), «митьки».
Купить произведения нонконформистов. В нашей галерее вы сможете приобрести работы этих и других советских неофициальных художников.

1 сентября 2012 года в возрасте 75 лет ушел из жизни выдающийся художник-нонконформист, один из наиболее известных представителей советского неофициального искусства Дмитрий Плавинский. В память о нем "Голос России" представляет новую главу "Истории русского искусства в 15 картинах"
Нонконформизм. Под этим названием принято объединять представителей различных художественных течений в изобразительном искусстве Советского Союза 1950-1980-х годов, которые не вписывались в рамки социалистического реализма – единственного официально разрешенного направления в искусстве.

Художники-нонконформисты были фактически вытеснены из публичной художественной жизни страны: государство делало вид, что их просто не существует. Союз художников не признавал их искусства, они были лишены возможности показывать свои произведения в выставочных залах, критики не писали о них, музейные работники не посещали их мастерских.

"Творение мысли и рук человеческих рано или поздно поглощается вечной стихией природы: Атлантида - океаном, храмы Египта - песком пустыни, Кносский дворец и лабиринт - вулканической лавой, пирамиды ацтеков - лианами джунглей. Для меня наибольший интерес представляет не расцвет той или иной цивилизации, а ее гибель и момент зарождения следующей…"

Дмитрий Плавинский, художник

"Чем дальше, тем острее я чувствовал, что не могу обходиться без живописи, для меня не было ничего прекраснее судьбы художника. Однако, рассматривая картины официальных советских художников, я совершенно неосознанно ощущал, что никогда так писать не смогу. И вовсе не потому, что они мне не нравились – я восхищался мастерством, порою откровенно завидовал – но в целом они не трогали, оставляли равнодушным. Чего-то главного для меня в них недоставало".

"Влияний на себе не испытывал, манеру не менял, творческое кредо мое тоже осталось неизменным. Многоплановость российской жизни я мог передать через символ – селедка на газете "Правда", бутылка водки, паспорт – это каждому понятно. Или я писал лианозовское кладбище и называл картину "Кладбище имени Леонардо да Винчи". У меня в искусстве, на мой взгляд, ничего нового не появилось, новомодного, наносного. Каким я был – таким остался, как в песне поется. У меня нет своей галереи, которая меня питает и руководит моим творчеством. Я бы и не хотел быть домашним кроликом. Мне больше нравится быть свободным зайцем. Бегу, куда хочу!"

Оскар Рабин, художник

"Абстрактная живопись дает возможность максимально приблизиться к реальности, проникнуть в суть вещей, постичь все то важное, что не воспринимается нашими пятью чувствами. Я ощутил современность как совокупность драматических свершений, психологических напряженностей, интеллектуальных перенасыщенностей. Я старался и стараюсь, исходя из пережитого и перечувствованного, создать живописную форму, соответствующую духу времени и психологии века."

Лев Кропивницкий, художник.

"Картина тоже есть автограф, только более сложный, пространственный, многослойный. И если по автографу, по почерку определяют (и небезуспешно) характер, состояние и чуть ли не болезни писавшего, если этой дешифровкой не пренебрегают даже криминалисты, то картина дает несравненно больше материала для догадок и заключений о личности автора. Давно замечено, что портрет, написанный художником, есть одновременно и его автопортрет, - это простирается и дальше - на любые композиции, пейзажи, натюрморты, на любые жанры, а также и на беспредметное абстрактное искусство - на все, что бы ни изображал художник. И при любой его объективности, бесстрастии, при желании уйти от самого себя, стать безличным - ему не удастся скрыться, его творение, его почерк выдаст его душу, его ум, сердце, его лицо".

Дмитрий Краснопевцев, художник.

"Инвентарь элементов изобразительного языка состоит в первую очередь из предметов. Они были и прежде – деревья, банки, коробки, окна пвх, газеты, т.е. как бы простые, узнаваемые объекты. В конце 50-х годов всё это перешло в абстракцию, и вскоре сама эта абстрактная форма меня стала утомлять. Вот то состояние, которое возобновляет интерес к предмету, и он в свою очередь отвечает взаимностью. Я считаю, что предмет очень важен для видения, потому что через него просматривается само видение".

"В 58-м году я начал делать свои первые абстрактные работы. Что такое абстрактное искусство? Оно давало возможность порвать сразу со всей этой советской действительностью. Ты становился другим человеком. Абстракция это, с одной стороны, как бы искусство подсознания, а с другой - новое видение. Искусство обязано быть видением, а не рассуждением".

Владимир Немухин, художник.

"Моя жизнь – это создание собственного художественного пространства, которое я всё время стремился обогатить и для этого многое пробовал. Я понял, что каждый из нас всегда наедине с катаклизмами ХХ века."

"Мы живем в темноте и уже свыклись с ней, вполне различаем предметы. И все же свет мы черпаем оттуда, из сияния закатного Космоса, он-то и дает нам энергию видения. Поэтому для меня важны не предметы, а их отражения, ибо в них таится дыхание чужеродной стихии."

Николай Вечтомов, художник.

"Анатолий Зверев – один из самых выдающихся русских портретистов, рождавшихся на этой земле, которому удавалось выразить трепетный динамизм момента и мистическую внутреннюю энергию людей, портреты которых он писал. Зверев – один из самых экспрессивных и спонтанных художников нашего времени. Его манера настолько индивидуальна, что в каждой его картине можно немедленно узнать почерк автора. Несколькими штрихами он достигает огромности драматического эффекта, спонтанности и мгновенности. Художнику удается передать чувство непосредственной связи между ним и его моделью."

Владимир Длуги, художник.

"Зверев – первый русский экспрессионист XX века и посредник между ранним и поздним авангардом в русском искусстве. Я считаю этого замечательного художника одним из самых талантливых в советской России."

Григорий Костаки, коллекционер.

"Нонконформизм" – это конститутивный признак настоящего искусства, так как противостоит банальности и штампу конформизма, давая новую информацию и создавая новое видение мира. Судьба подлинного художника часто бывает трагична, независимо от того, в каком социуме он живет. Это нормально, так как судьба художника – это судьба его прозрения, его высказывания о мире, которое ломает устоявшиеся стереотипы восприятия и мышления, создаваемые "массовой культурой" и интеллектуальным снобизмом. Быть творцом и быть "в свое время" канонизированным "героем" социума, суперстаром – это почти непреодолимый парадокс. Попытки его преодоления – путь к карьере конформиста."

Владимир Янкилевский, художник.

"Все время с неослабленной силой в ее абстрактных композициях то горят, то сверкают, то мерцают притухающим огнем волшебные краски. Кажется, она подходит все время с разных сторон к магической поверхности полотна. Иногда жизнерадостная яркость пламенеющих звучаний, извивающихся и несущихся ввысь странных очертаний заставляет вспомнить органные аккорды Баха, а иногда зеленовато-серые, сплетенные плоскости, ассоциирующиеся с биологическими формами, связываются с "Сотворением мира" Мийо. Рисунком Мастеркова говорит многое. Он организует пятна на плоскости и характер красочных акцентов. Он своеобразен и очень выражает автора."

Лев Кропивницкий, художник.

"Искусство – это средство преодоления смерти."

Владимир Яковлев, художник.

"Картины Владимира Яковлева похожи на ночное небо, полное звезд. В ночи света нет, свет - это звезда. Особенно это видно, когда Яковлев изображает цветы. Цветок у него - всегда звезда. Отсюда какая-то особая печаль радости, когда мы созерцаем его картины".

Илья Кабаков, художник.

"Я делю художественную деятельность (и писательскую, и музыкальную, и изобразительную) на два типа: на стремление к шедевру и стремление к потоку. Стремление к шедевру, это когда перед художником стоит определенная концепция прекрасного, которую он хочет воплотить, создать законченный, емкий шедевр. Стремление к потоку - это экзистенциальная потребность в творчестве, когда оно становится аналогичным дыханию, биению сердца, работе всей личности. Для художников потока искусство есть овеществленная экзистенция, в каждую секунду двигающаяся, возникающая и умирающая. И когда я хочу построить свое "Древо жизни", я полностью сознаю почти что клиническую, патологическую невозможность этого замысла. Но он мне нужен для того, чтобы работать. И множественность меня не пугает, потому что она скреплена математическим единством, она самозамкнута. Все это - попытка совместить несколько начал, попытка совместить вечные основы искусства и временное его содержание. Низменное, жалкое, ничтожное соединяется постоянно и вечно в вере, чтобы стать благородным, величественным, осмысленным".

Эрнст Неизвестный, художник.

"Не могу сказать, что я на каком-то верном пути. Но что такое истина? Это слово, изображение. Вот есть у Камю замечательный "Миф о Сизифе", когда художник тащит на гору камень, а потом он падает вниз, он опять поднимает его, опять тащит – вот приблизительно маятник моей жизни".

"Я практически ничего нового не открыл, я только дал русскому авангарду другой ракурс. Какой? Скорее религиозный. Свои пространственные геометрические структуры я основываю на старой катакомбной стенописи и, конечно, на иконописи".

Эдуард Штейнберг, художник.

"Я заставлял себя воссоздавать реальность, исходя из своего представления о ней. Этим я занимаюсь до сих пор".

Михаил Рогинский, художник.

"Красная дверь" - выдающееся произведение, сыгравшее в истории русского искусства ХХ века поворотную роль. Вместе с последовавшим за ней циклом фрагментов и деталей интерьера (стенок с розетками, выключателями, фотографиями, комодов, кафельных полов) эта работа положила начало новому предметному реализму. "Документализм" (так Рогинский предпочитал именовать свое направление) предопределил возникновение не только поп-арта, но и вообще нового авангарда в советском "подпольном" искусстве, ориентированном на мировой художественный процесс. "Красная дверь" отрезвила и вернула на землю многих из советских художников, увлеченных утопическими и метафизическими исканиями в окружении коммунального быта. Это произведение подтолкнуло художников к внимательному анализу и описанию эстетических аспектов обыденной советской жизни. Это - предел живописной иллюзии, мост от картины к объекту.

Андрей Ерофеев, куратор, искусствовед

"Мне совершенно не нужно выставляться сейчас. Вот через полвека мне будет крайне интересно показать свои работы. Сегодня я окружен такими же дураками, как я сам. Они понимают не больше меня. Люди пишут, чтобы что-то осмыслить. Рукой художника движет не стремление выставиться, а желание рассказать о пережитом. Когда картина написана, дальше я над ней уже не властен. Она может остаться живой или погибнуть. Мои картины – это мое письмо в бутылке, брошенной в море. Может, эту бутылку никто никогда не поймает, и она разобьется о скалу".

Олег Целков, художник.

"В его взгляде на природу нет ни непосредственности, ни удивления, ни любования. Это скорее взгляд ученого, стремящегося проникнуть в тайну вещей. Художник как бы ищет некую идеальную формулу природы, ее центричности, формулу столь же законченную и столь же сложную, как форма яйца".

В Ельцин Центра 20 декабря прошла встреча-лекция с известным российским художником-концептуалистом Георгием Кизевальтером, автором арт-объектов и инсталляций, писателем, одним из основателей творческой группы «Коллективные действия», участником движения «Апт-арт». Лекция организована в рамках образовательной программы, приуроченной к представленной Московским музеем современного искусства выставке , который объединил работы художников, относящихся к неофициальной волне.

Кизевальтер обстоятельно рассказал, как развивалось неофициальное искусство, начиная с 1950-х годов. Примечательный нюанс: с 1996 по 2006 Кизевальтер жил в Канаде, но вернулся. По его признанию, он прожил несколько жизней: в переполненной художественными веяниями, но ограниченной «железным занавесом» советской России, затем в благополучной, но скучной Канаде, а третья его жизнь началась уже в России новой. Так что оценить развитие российского концептуализма глазами художника с такой непростой и многогранной судьбой вдвойне ценно и интересно. Свои впечатления о «первой жизни» Кизевальтер обобщил в книгах, среди которых – «Эти странные семидесятые, или Потеря невинности» и «Переломные восьмидесятые в неофициальном искусстве СССР».

Фото Любови Кабалиновой

01 /07

Лекция Георгия Кизевальтера

– Одним из «пионеров» неофициального движения в искусстве была группа «Лианозово» (конец 1950-х – середина 1970-х годов), – рассказывает Кизевальтер. – Название связано с тем, что многие художники-члены группы жили именно в Лианозово. Ядром группы был поэт и художник Лев Кропивницкий. В нее входили Генрих Сапгир, Всеволод Некрасов, Игорь Холин, Ян Сатуновский, Оскар Рабин, Лидия Мастеркова и другие. Параллельно существовала большая группа художников-одиночек, которые дружили с лианозовцами. Еще была группа Неофициальных изгоев, самобытных художников, которые не вписывались ни в одну группу, были неофициальными, но не относились к Лианозово. Также можно было выделить группы Левых официальных и Книжных художников. Их них в итоге и сформировалось движение 1970–1980-х.

Произведения художников в 1960-х отличало качество нарисованного, но при этом это было в своем роде искусство вне времени, формирующееся в стороне от процессов, которые происходили на Западе.

В 1970-е появились концептуализм и соцарт. Однажды художник Иван Чуйков попал на выставку Ильи Кабакова. Ничего не понял и ушел. Однако то, что он ничего не понял, он запомнил, и это его «зацепило». К слову, когда началась кампания по архивированию, Кабаков хотел передать свои работы за рубеж бесплатно, но …их никто не взял.

Еще 1970-е отличались темой эмиграцией. Если художник не эмигрировал, то постоянно размышлял об этом. Были также и внутренние эмигранты, и «здесь-сиденты», которые никуда так и не уехали. В первой половине этого десятилетия ничего примечательного не происходило: художники рисовали, те, у кого были связи, продавали свои картины. В 1975 году появился Горком – независимый профсоюз художников, графиков и фотографов. В нем состояли художники, которым было важно где-то числиться, чтобы их не обвиняли в тунеядстве.

В 1974 году состоялась знаменитая «Бульдозерная выставка»: художники-авангардисты выставили свои работы на открытом воздухе, но картины были смяты якобы разгневанными рабочими при помощи бульдозеров. Это вызвало широкий резонанс, так что вскоре художникам разрешили провести выставку в Измайлово, куда пришло много людей. Потом состоялась масштабная выставка в павильоне "Пчеловодство".

Одновременно существовала группа Книжных художников, для них характерно то, что они активно обсуждали язык искусства, чего раньше не было. Мы вместе с Александром Монастырским и Львом Рубинштейном устраивали мини-хэппенинги, увлекались дзен-буддизмом. Был популярен в художественной среде и сюрреализм. Популярны были кухонные посиделки, была, наконец, реализована мечта о синкретическом искусстве. Популярностью пользовались не только художники, но и писатели – Лев Сорокин, Дмитрий Пригов, Лев Рубинштейн, которые дружили с художниками (7 января в Ельцин Центре состоится творческий вечер поэтов Льва Рубинштейна, Михаила Айзенберга, Сергея Гандлевского, Юлия Гуголева, Виктора Коваля – Ред. )

Осенью 1975 прошла выставка работ 150 художников на ВДНХ, куда выстраивались очереди. Появлялись группы новых художников, такие как «Гнездо». Появился акционизм. Например, прошла акция «Продажа души», во время которой связывались с Нью-Йорком, и одни люди должны были «покупать» души других. Еще, к примеру, проходила акция, во время которой ее участники сжигали флаги врагов, а флаги победителей ставили в сугроб.

Я входил в группу «Коллективные действия», которая часто устраивала акции на природе. Это были попытки вырваться из монотонного существования и эстетизировать действительность. Таким образом, простое незначительное событие становилось произведением искусства. Например, мы проводили акцию «Шар»: набили шар из ситца, поместили туда колокольчик и пустили вниз по реке. Или другая акция – «Лозунг»: в лесу мы натянули между деревьями транспарант с лозунгом «Я НИ НА ЧТО НЕ ЖАЛУЮСЬ, И МНЕ ВСЕ НРАВИТСЯ, НЕСМОТРЯ НА ТО, ЧТО Я ЗДЕСЬ НИКОГДА НЕ БЫЛ И НЕ ЗНАЮ НИЧЕГО ОБ ЭТИХ МЕСТАХ». Помню, лозунг был завешан тряпкой, и я выдирал лески, которые крепили полотнище.

Потом произошел переход от безмятежных 1960–1970-х к постмодернизму. Одна из ярких акций – в группе «Гнездо» вручали позолоченный бюст Сократа.

В 1970-х в искусство ворвалась группа «Мухомор». Члены группы довольно быстро перешли к «острым» темам, выступали против нейтронной бомбы. В итоге «Мухомору» запретили концертную деятельность, которой, впрочем, группа не занималась. «Гнездо» и «Мухомор» стали основой галереи «Апт-арт». Тогда же в Москву приезжали художники из Одессы, Харькова и других городов.

Важным явлением 1980-х стали инсталляции. Комнаты в квартирах покрывались бумагой, ее красили по-особенному, к примеру, от черного к белому. Я фотографировал авторов с зонтиками, одним из них был Владимир Сорокин.

Появилась тенденция – к архивированию всего. Мы стали собирать энциклопедии нового искусства. А потом художники начали размещаться в домах и учреждениях, организовывать там выставки, например, возникло объединение «Детский сад».

В 1980-е прошел целый ряд выставок, в декабре 1986 года прошла 17-я молодежная выставка на Кузнецком мосту, куда приглашали художников левого либерального толка, проходили музыкальные вечера. В общем, всего происходило много, и всего не перечислить.

Лекция художника Георгия Кизевальтера. «Неформальная художественная жизнь Москвы 70-80-х годов»

Видео: Александр Поляков

После лекции Георгий Кизевальтер ответил на ряд вопросов.

– Как члены творческих объединений находили друга? Были ли ваши отношения позитивными, или же случались ссоры?

– Художники чаще всего объединялись по возрастному принципу. Если вам 20 лет, то вы, естественно, стремитесь, дружить с теми, кому тоже 20–30. Выставки людей старшего поколения вызывали, конечно, пиетет, но ощущение, что это в некотором смысле вчерашний день. А вот в 1980-е годы я подружился с художниками старшего поколения. А еще иногда возникало ощущение, что ты находишься «под колпаком». Все чего-то опасались, а вместе, в группе, было не страшно.

– Как вы нашли «своих», близких по духу художников?

– В те времена все почему-то знакомились в Эстонии. Помню 1970-е, Лев Рубинштейн стоял в группе молодежи, я прошел мимо него, и мне было все равно, но потом мы познакомились и стали общаться. А он, в свою очередь, рассказывал, что шел по улице и случайно познакомился с Герловиными. Тогда говорили, что, если двух чайников выпустить на ярмарке с двух сторон, они обязательно встретятся и друг друга найдут. Еще в те годы активно работала система самиздата, книги передавались знакомым почитать, чаще всего на ночь. Так мы прочитали и «Игру в бисер», и «100 лет одиночества».

– А почему сегодня, в эпоху свободы, когда книги выпускаются любые, в том числе те, которые были запрещены когда-то, когда можно смотреть любое кино и посещать любые выставки, произведения искусства девальвировались? И уж точно книгу на ночь почитать никто брать не будет?

– Особая ценность искусства возникает там, где оно существует «вопреки». А когда возникает вседозволенность, то критерии оценки искусства стираются. Был период, когда грань совсем стерлась. Иностранцы просто говорили: «Картина из России? Да? Ок, беру». Качество не оценивалось. Вообще некое единение художников просуществовало до 1988 года, потом за искусство стали платить деньги, и друзья стали соперниками. Развал был предсказан в 1974 году одной из жен Эрнеста Хемингуэя. Это описано Шкловской: на кухне Надежды Мандельштам обсуждали покупку калош и мяса. И дама, присутствовавшая при разговоре, сказала: «Сейчас у вас есть любовь и тепло, но это закончится, когда у вас все будет».

– То есть художник должен быть голодным?

– Он не должен быть голодным, но и не должен быть сытым. Художник в 1970-е и 1980-е рисовал то, что было кардинально ново. Когда от него за рубежом стали требовать по 2-3 работы в месяц, а он оказался в условиях, где все поставлено на поток, оказалось, что наши художники попросту не готовы к рынку и оторвались от почвы. Так, один из основателей «Лианозово» Оскар Рабин привык рисовать бараки Лианозово. И вот он получает разрешение работать в Европе, но продолжает рисовать... все те же мрачные дома – только уже в Париже.