Kratka poruka o istaknutim nizozemskim umjetnicima. Nizozemski umjetnici i njihova povijest

Nizozemska je jedinstvena zemlja koja je svijetu dala desetke izvanrednih umjetnika. Poznati dizajneri, umjetnici i jednostavno talentirani izvođači - ovo je mali popis kojim se ova mala država može razmetati.

Uspon nizozemske umjetnosti

Doba procvata umjetnosti realizma nije dugo trajalo u Nizozemskoj. Ovo razdoblje obuhvaća cijelo 17. stoljeće, ali razmjeri njegova značaja uvelike nadilaze ovaj kronološki okvir. Nizozemski umjetnici tog vremena postali su uzori za narednu generaciju slikara. Kako ove riječi ne bi zvučale neutemeljeno, valja spomenuti imena Rembrandta i Halsa, Pottera i Ruisdaela, koji su zauvijek zacementirali status nenadmašnih majstora realističnog prikaza.

Vrlo značajan predstavnik nizozemskog Jana Vermeera. Smatra se najmisterioznijim likom u doba procvata nizozemskog slikarstva, budući da je, iako slavan za života, manje od pola stoljeća kasnije izgubio interes za svoju osobu. Malo se zna o Vermeerovim biografskim podacima; uglavnom su povjesničari umjetnosti istraživali njegovu povijest proučavajući njegova djela, ali i tu je bilo poteškoća - umjetnik praktički nije datirao svoje slike. Najvrjednijima s estetskog gledišta smatraju se Janovi radovi "Sluškinja s vrčem mlijeka" i "Djevojka s pismom".

Ništa manje poznati i ugledni umjetnici bili su Hans Memling, Hieronymus Bosch i briljantni Jan van Eyck. Sve stvaraoce ističe obraćanje svakodnevnom životu, što se ogleda u mrtvim prirodama, pejzažima i portretima.

Ostavila je traga u kasnijem razvoju francuske umjetnosti u drugoj polovici 17. stoljeća i postala uzorom za realistične krajolike nastale tijekom renesanse. Ruski realistički umjetnici također su obratili pozornost na Nizozemce. Možemo sa sigurnošću reći da je nizozemska umjetnost postala progresivna i uzorna i uspjela se odraziti na platnima svakog izvanrednog umjetnika koji je slikao prirodne skice.

Rembrandt i njegova ostavština

Umjetnikovo puno ime je Rembrandt van Rijn. Rođen je nezaboravne 1606. godine u za ono doba prilično imućnoj obitelji. Budući da je bio četvrto dijete, ipak je dobio dobro obrazovanje. Otac je želio da njegov sin diplomira na sveučilištu i postane izvanredna figura, ali njegova se očekivanja nisu ispunila zbog dječakovog slabog akademskog uspjeha, a kako svi napori ne bi bili uzaludni, bio je prisiljen popustiti tipu i složiti se s njegovom željom da postane umjetnik.

Rembrandtovi učitelji bili su nizozemski umjetnici Jacob van Swanenburch i Pieter Lastman. Prvi je imao prilično osrednje vještine u slikanju, ali je uspio steći poštovanje prema svojoj osobnosti, jer je dugo vremena proveo u Italiji, komunicirajući i radeći s lokalnim umjetnicima. Rembrandt nije dugo ostao s Jacobom i otišao je u potragu za drugim učiteljem u Amsterdam. Tamo je studirao s Peterom Lastmanom, koji mu je postao pravi mentor. On je bio taj koji je naučio mladića umijeću graviranja do te mjere da to njegovi suvremenici mogu promatrati.

Kao što svjedoče majstorova djela, izvedena u ogromnim količinama, Rembrandt je postao potpuno formiran umjetnik do 1628. Njegove su se skice temeljile na bilo kojim predmetima, a ljudska lica nisu bila iznimka. Kada govorimo o portretima nizozemskih umjetnika, ne možemo ne spomenuti ime Rembrandta, koji je od svoje mladosti postao poznat po svom izuzetnom talentu na ovom polju. Mnogo je slikao svog oca i majku, koji se danas čuvaju u galerijama.

Rembrandt je brzo stekao popularnost u Amsterdamu, ali nije prestao napredovati. Tridesetih godina 17. stoljeća nastala su njegova poznata remek-djela “Lekcija anatomije” i “Portret Coppenola”.

Zanimljiva je činjenica da se u to vrijeme Rembrandt oženio lijepom Saxiom, te je u njegovom životu započelo plodno vrijeme obilja i slave. Mlada Saxia postala je umjetnikova muza i utjelovljena je na više od jedne slike, međutim, kako svjedoče povjesničari umjetnosti, njezine se osobine opetovano nalaze na drugim portretima majstora.

Umjetnik je umro u siromaštvu, a da nije izgubio slavu koju je stekao tijekom života. Njegova remek-djela koncentrirana su u svim većim galerijama svijeta. S pravom se može nazvati majstorom čija djela predstavljaju sintezu cjelokupnog srednjovjekovnog realističkog slikarstva. Tehnički se njegov rad ne može nazvati idealnim, jer nije težio točnosti u konstrukciji crteža. Najvažnija umjetnička strana koja ga je razlikovala od predstavnika slikarskih škola bila je nenadmašna igra chiaroscura.

Vincent Van Gogh - genijalni grumen

Čuvši frazu "veliki nizozemski umjetnici", mnogi ljudi odmah u svojim glavama zamisle sliku Vincenta Van Gogha, njegove neosporno lijepe i raskošne slike, koje su cijenjene tek nakon umjetnikove smrti.

Ovu osobu možemo nazvati jedinstvenom i briljantnom osobom. Budući da je bio sin pastora, Van Gogh je, kao i njegov brat, krenuo očevim stopama. Vincent je studirao teologiju i čak je bio propovjednik u belgijskom gradu Borinageu. Također radi kao komisionar i razne selidbe. No služba u župi i blizak dodir sa surovom rudarskom svakodnevicom oživjeli su u mladom geniju unutarnji osjećaj nepravde. Svakodnevno razmišljajući o poljima i životu radnih ljudi, Vincent je bio toliko nadahnut da je počeo crtati.

Nizozemski umjetnici prvenstveno su poznati po svojim portretima i pejzažima. Vincent Van Gogh nije bio iznimka. Do svoje tridesete godine odustaje od svega i počinje se aktivno baviti slikarstvom. U tom razdoblju nastaju njegova poznata djela “Jedači krumpira” i “Seljanka”. Sva su njegova djela prožeta bjesomučnim suosjećanjem prema običnim ljudima koji hrane cijelu zemlju, ali u isto vrijeme jedva mogu prehraniti vlastite obitelji.

Kasnije Vincent odlazi u Pariz, a težište njegovog rada donekle se mijenja. Pojavljuju se intenzivne slike i nove teme za empatiju. Poluzatvorski način života i brak s prostitutkom odrazili su se na njegovu umjetnost, što je jasno vidljivo na slikama “Noćni kafić” i “Šetnja zatvorenika”.

Prijateljstvo s Gauguinom

Početkom 1886. van Gogh se zainteresirao za proučavanje plenerističkog slikarstva impresionista i razvio interes za japanske grafike. Od tog su trenutka u umjetnikovim djelima vidljive karakteristične crte Gauguina i Toulouse-Lautreca. Prije svega, to se vidi u promjeni prijenosa ugođaja boje. Radovima počinju dominirati potezi kistom bogate žute boje, kao i plava “iskra”. Prve skice u karakterističnoj shemi boja bile su: “Most preko Seine” i “Portret oca Tanguya”. Potonji zasljepljuje svojom svjetlinom i odvažnim potezima.

Prijateljstvo između Gauguina i Van Gogha bilo je korelacijske prirode: međusobno su utjecali na kreativnost, iako su se služili različitim izražajnim sredstvima, aktivno razmjenjivali darove u obliku vlastitih slika i neumorno se svađali. Razlika među likovima, nesigurna pozicija Vincenta, koji je vjerovao da su njegovi slikarski maniri "seoski bestijalni", izazvali su kontroverze. Na neki način, Gauguin je bio prizemnija ličnost od V an Gogha. Strasti u njihovoj vezi postale su toliko intenzivne da su se jednog dana posvađali u omiljenom kafiću, a Vincent je Gauguina gađao čašom absinta. Svađa tu nije završila, a idući dan uslijedio je dugi niz optužbi prema Gauguinu, koji je, prema Van Goghu, bio kriv za sve. Nizozemac je na kraju ove priče bio toliko bijesan i depresivan odrezao si je dio uha koje je ljubazno poklonio jednoj prostitutki.

Nizozemski umjetnici, bez obzira na doba svog života, više su puta dokazali društvu svoj nenadmašni način prenošenja trenutaka života na platno. No, možda nitko na svijetu nije uspio zaslužiti titulu genija a da nije imao ni najmanje razumijevanja u crtačkim tehnikama, kompoziciji i metodama likovnog izražavanja. Vincent Van Gogh je jedinstveni genije koji je uspio postići svjetsku prepoznatljivost zahvaljujući svojoj upornosti, čistoći duha i nevjerojatnoj žeđi za životom.

Sve do kraja 16. stoljeća nizozemsko slikarstvo bilo je neraskidivo povezano s flamanskim slikarstvom i nosilo je opći naziv “nizozemska škola”. Obojica, budući da su grana njemačkog slikarstva, smatraju braću van Eyck svojim precima i dugo su se kretali u istom smjeru, razvijajući istu tehniku, tako da se umjetnici Nizozemske ne razlikuju od svojih Flandrijana i braća Brabant.

Kad se nizozemski narod oslobodio ugnjetavanja Španjolske, nizozemsko je slikarstvo dobilo nacionalni karakter. Nizozemski umjetnici odlikuju se reprodukcijom prirode s posebnom ljubavlju u svoj njezinoj jednostavnosti i istini te istančanim osjećajem za boju.

Nizozemci su prvi shvatili da iu neživoj prirodi sve živi, ​​sve je privlačno, sve je sposobno izazvati misao i pobuditi pokrete srca.

Među pejzažistima koji tumače zavičajnu prirodu posebno je cijenjen Jan van Goyen (1595.-1656.), koji se uz Ezaiasa van de Veldea (oko 1590.-1630.) i Pietera Moleyna Starijeg (1595.-1661.) smatra utemeljitelj nizozemskog pejzaža.

Ali nizozemski umjetnici ne mogu se podijeliti u škole. Izraz "nizozemska škola slikarstva" vrlo je proizvoljan. U Nizozemskoj su postojala organizirana društva umjetnika, koja su bila slobodna društva koja su štitila prava svojih članova i nisu utjecala na kreativnu djelatnost.

U povijesti posebno sjaji ime Rembrandta (1606.-1669.), u čijoj su osobnosti bile koncentrirane sve najbolje kvalitete nizozemskog slikarstva, a njegov se utjecaj ogledao u svim njegovim vrstama - u portretima, povijesnim slikama, svakodnevnim prizorima i krajolicima.

U 17. stoljeću uspješno se razvija svakodnevno slikarstvo, čiji su prvi pokusi zabilježeni u staroj nizozemskoj školi. U ovom žanru najpoznatija imena su Cornelis Beg (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), Cornelis Dusart (1660-1704), Henrik Roques, zvani Sorg (1621-82),

U žanrovske slikare mogu se svrstati umjetnici koji su slikali scene vojnog života. Glavni predstavnik ove grane slikarstva je slavni i izvanredno plodan Philips Wouwerman (1619-68.)

U posebnu kategoriju možemo izdvojiti majstore koji su u svojim slikama spajali pejzaže s slikama životinja, najpoznatiji među takvim slikarima seoske idile je Paulus Potter (1625.-54.); Albert Cuyp (1620-91).

Moru su nizozemski umjetnici posvetili najveću pažnju.

U djelu Willema van de Veldea starijeg (1611. ili 1612.-93.), njegovog slavnog sina Willema van de Veldea mlađeg (1633.-1707.), Ludolfa Backhuisena (1631.-1708.), slikanje morskih veduta bila je njihova specijalnost.

Na području mrtve prirode najpoznatiji su bili Jan-Davids de Gem (1606-83), njegov sin Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630-93) .

Briljantno razdoblje nizozemskog slikarstva nije dugo trajalo - samo jedno stoljeće.

Od početka 18.st. dolazi njegov pad, razlog tome su ukusi i pogledi pompoznog doba Luja XIV. Umjesto neposrednog odnosa prema prirodi, ljubavi prema zavičajnom i iskrenosti, uspostavlja se dominacija unaprijed stvorenih teorija, konvencija i oponašanja korifeja francuske škole. Glavni propagator ovog žalosnog trenda bio je Flamanac Gerard de Leresse (1641.-1711.), koji se nastanio u Amsterdamu.

Propadanju škole pridonio je i slavni Adrian van de Werff (1659.-1722.), čiji se dosadni kolorit njegovih slika nekoć činio vrhuncem savršenstva.

Strani utjecaj snažno je opterećivao nizozemsko slikarstvo sve do dvadesetih godina 19. stoljeća.

Nakon toga su se nizozemski umjetnici okrenuli svojoj antici - strogom promatranju prirode.

Posebno je bogato najnovije nizozemsko pejzažno slikarstvo. Među njima su Andreas Schelfhout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (r. 1837), Johannes Weissenbruch (1822-1880) i drugi.

Među najnovijim marinistima u Nizozemskoj, dlan pripada Johannesu Schotelu (1787-1838).

Wouters Verschoor (1812-74) pokazao je veliko umijeće u slikanju životinja.

U našoj online trgovini možete kupiti reprodukcije slika nizozemskih umjetnika.

Rano nizozemsko slikarstvo(rijetko Staro nizozemsko slikarstvo) - jedna od faza sjeverne renesanse, ere u nizozemskom i, posebno, flamanskom slikarstvu, koja pokriva otprilike jedno stoljeće u povijesti europske umjetnosti, počevši od druge četvrtine 15. stoljeća. Kasnu gotičku umjetnost u to je vrijeme zamijenila rana renesansa. Ako je kasna gotika, pojavivši se u Francuskoj, stvorila univerzalni jezik umjetničke forme, čemu su pridonijeli brojni nizozemski majstori slikarstva, onda se tijekom opisanog razdoblja u Nizozemskoj formirala jasno prepoznatljiva samostalna slikarska škola koju je karakterizirao realistički stil slikarstva, koje je svoj izraz pronašlo prvenstveno u žanru portreta.

Enciklopedijski YouTube

• 1 / 5

  Od 14. stoljeća ti su teritoriji prošli kroz kulturne i sociološke promjene: svjetovni mecene zamijenili su crkvu kao glavnog naručitelja umjetnina. Nizozemska kao središte umjetnosti počela je zasjenjivati ​​kasnogotičku umjetnost na francuskom dvoru.

  Nizozemsku je s Francuskom povezivala i zajednička burgundska dinastija, pa su flamanski, valonski i nizozemski umjetnici lako nalazili posao u Francuskoj na dvorovima Anjoua, Orleansa, Berryja i samog francuskog kralja. Izvanredni majstori internacionalne gotike, braća Limburg iz Gelderna bili su u biti francuski umjetnici. Osim rijetkih izuzetaka u liku Melchiora Bruderlama, u domovini, Nizozemskoj, ostali su samo slikari nižeg ranga.

  U ishodištu ranog nizozemskog slikarstva, shvaćenog u užem smislu, nalazi se Jan van Eyck, koji je 1432. završio rad na svom glavnom remek-djelu, Gentskom oltaru. I suvremenici su djela Jana van Eycka i drugih flamanskih umjetnika smatrali “novom umjetnošću”, nečim posve novim. Kronološki se staronizozemsko slikarstvo razvija približno u isto vrijeme kad i talijanska renesansa.

  S pojavom portreta svjetovna, individualizirana tema prvi put postaje glavni motiv slikarstva. Žanrovske slike i mrtve prirode napravile su svoj proboj u umjetnosti tek tijekom razdoblja nizozemskog baroka 17. stoljeća. Građanski karakter ranog nizozemskog slikarstva govori o dolasku Novog vremena. Naručitelji su, osim plemstva i svećenstva, sve češće bili i bogato plemstvo i trgovci. Čovjek na slikama više nije bio idealiziran. Pred gledateljem se pojavljuju stvarni ljudi sa svim svojim ljudskim nedostacima. Bore, vrećice ispod očiju - sve je prirodno prikazano na slici bez uljepšavanja. Sveci više nisu živjeli isključivo u crkvama; ulazili su iu domove građana.

  Umjetnici

  Jednim od prvih predstavnika novih umjetničkih pogleda, uz Jana van Eycka, smatra se majstor Flemal, koji se trenutno identificira kao Robert Campin. Njegovo glavno djelo je oltarna pala (ili triptih) Navještenja (drugi naziv: oltarna pala obitelji Merode; oko 1425.), koja se danas čuva u muzeju Cloisters u New Yorku.

  Sama činjenica da je Jan van Eyck imao brata Huberta, dugo se dovodila u pitanje. Novija istraživanja pokazala su da je Hubert van Eyck, koji se spominje u samo nekoliko izvora, bio samo osrednji umjetnik gentske škole, koji s Janom van Eyckom nije imao nikakve obiteljske niti bilo kakve veze.

  Kampenovim učenikom smatra se Rogier van der Weyden, koji je vjerojatno sudjelovao u radu na triptihu Merode. Zauzvrat je utjecao na Dirk Boutsa i Hansa Memlinga. Memlingov suvremenik bio je Hugo van der Hus, koji se prvi put spominje 1465. godine.

  Iz tog niza izdvaja se najtajanstveniji umjetnik ovoga vremena, Hieronymus Bosch, čije djelo još nije dobilo jednoznačnu interpretaciju.

  Uz ove velike majstore, spomena zaslužuju rani nizozemski umjetnici kao što su Petrus Christus, Jan Provost, Colin de Cauter, Albert Bouts, Goswin van der Weyden i Quentin Massys.

  Upečatljiv fenomen bio je rad umjetnika iz Leidena: Cornelisa Engelbrechtsena i njegovih učenika Artgena van Leydena i Lucasa van Leydena.

  Samo mali dio djela ranih nizozemskih umjetnika preživio je do danas. Bezbrojne slike i crteži postali su žrtve ikonoklazma tijekom reformacije i ratova. Osim toga, mnoga su djela ozbiljno oštećena i zahtijevaju skupu restauraciju. Neka su djela sačuvana samo u kopijama, dok je većina zauvijek izgubljena.

  Radovi ranih Nizozemaca i Flamanaca predstavljeni su u najvećim muzejima umjetnosti na svijetu. Ali neki oltari i slike još uvijek su na svojim starim mjestima – u crkvama, katedralama i dvorcima, poput Gentske oltarne pale u katedrali svetog Bava u Gentu. Međutim, sada ga možete gledati samo kroz debelo pancirno staklo.

  Utjecaj

  Italija

  U rodnom mjestu renesanse, Italiji, Jan van Eyck bio je vrlo cijenjen. Nekoliko godina nakon umjetnikove smrti, humanist Bartolomeo Fazio čak je nazvao van Eycka "princ među slikarima stoljeća".

  Dok su se talijanski majstori služili složenim matematičkim i geometrijskim sredstvima, posebice sustavom perspektive, Flamanci su bez, kako se čini, većih poteškoća mogli ispravno prikazati “stvarnost”. Radnja se na slikama više nije odvijala, kao u gotici, istodobno na jednoj pozornici. Prostori su prikazani u skladu sa zakonima perspektive, a pejzaži više nisu shematska pozadina. Široka, detaljna pozadina vodi pogled u beskonačnost. Odjeća, namještaj i pokućstvo bili su izloženi s fotografskom preciznošću.

  Španjolska

  Prvi dokazi o širenju sjevernjačkih slikarskih tehnika u Španjolskoj nalaze se u kraljevini Aragon, koja je uključivala Valenciju, Kataloniju i Balearske otoke. Kralj Alfonso V. poslao je svog dvorskog umjetnika Louisa Dalmaua u Flandriju još 1431. godine. Godine 1439. umjetnik iz Brugesa Louis Alimbrot preselio se u Valenciju sa svojom radionicom ( Luis Alimbrot, Lodewijk Allyncbrood). Jan van Eyck vjerojatno je posjetio Valenciju već 1427. u sklopu burgundske delegacije.

  Valencia, u to vrijeme jedno od najznačajnijih središta Mediterana, privlačila je umjetnike iz cijele Europe. Uz tradicionalne umjetničke škole “međunarodnog stila”, postojale su radionice koje su radile i u flamanskom i u talijanskom stilu. Ovdje se razvio tzv. “španjolsko-flamanski” umjetnički pravac, čiji su glavni predstavnici Bartolome Bermejo.

  Kastiljanski kraljevi posjedovali su nekoliko poznatih djela Rogiera van der Weydena, Hansa Memlinga i Jana van Eycka. Osim toga, gostujući umjetnik Juan de Flandes ("Jan od Flandrije", prezime nepoznato) postao je dvorski portretist kraljice Izabele, koji je postavio temelje realističke škole španjolskog dvorskog portreta.

  Portugal

  Samostalna slikarska škola nastala je u Portugalu u drugoj polovici 15. stoljeća u lisabonskoj radionici dvorskog umjetnika Nuna Gonçalvesa. Rad ovog umjetnika je u potpunoj izolaciji: čini se da nije imao ni prethodnike ni sljedbenike. Flamanski utjecaj se posebno osjeća u njegovom poliptihu "Sveti Vincent" Jan van Eyck und seine Zeit. Flämische Meister und der Süden 1430-1530. Ausstellungskatalog Brügge, Stuttgart 2002. Darmstadt 2002.

• Bodo Brinkmann: Die flämische Buchmalerei am Ende des Burgunderreichs. Der Meister des Dresdner Gebetbuchs und die Miniaturisten seiner Zeit. Turnhout 1997. ISBN 2-503-50565-1
• Birgit Franke, Barbara Welzel (Hg.): Die Kunst der burgundischen Niederlande. Eine Einführung. Berlin 1997. ISBN 3-496-01170-X
• Max Jakob Friedlander: Altniederländische Malerei. 14 Bde. Berlin 1924-1937.
• Erwin Panofsky: Die altniederländische Malerei. Ihr Ursprung und Wesen.Übersetzt und hrsg. von Jochen Sander i Stephan Kemperdick. Köln 2001. ISBN 3-7701-3857-0 (Izvornik: Rano nizozemsko slikarstvo. 2 Bde. Cambridge (Massačusets) 1953.)
• Otto Pächt: Van Eyck, die Begründer der altniederländischen Malerei. München 1989. ISBN 3-7913-1389-4
• Otto Pächt: Altniederländische Malerei. Von Rogier van der Weyden bis Gerard David. Hrsg. von Monika Rosenauer. München 1994. ISBN 3-7913-1389-4
• Jochen Sander, Stephan Kemperdick: Der Meister von Flémalle und Rogier van der Weyden: Die Geburt der neuzeitlichen Malerei: Eine Ausstellung des Städel Museums, Frankfurt am Main und der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin, Ostfildern: Hatje Cantz Verlag, 2008
• Norbert Wolf: Trecento und Altniederländische Malerei. Kunst-Epochen, Bd. 5 (Reclams Universal Bibliothek 18172).

Nizozemski umjetnici dali su veliki doprinos radu majstora koji su započeli svoje aktivnosti u 17. stoljeću i nisu prestali do danas. No, nisu utjecali samo na svoje kolege, već i na profesionalce u književnosti (Valentin Proust, Donna Tartt) i fotografiji (Ellen Kooi, Bill Gekas i drugi).

Početak razvoja

Godine 1648. Nizozemska je stekla neovisnost, no za formiranje nove države Nizozemska je morala pretrpjeti čin osvete od strane Španjolske, koja je tada ubila oko 10 tisuća ljudi u flamanskom gradu Antwerpenu. Kao rezultat masakra, stanovnici Flandrije su emigrirali s područja pod kontrolom španjolskih vlasti.

Po tome bi bilo logično prepoznati da je poticaj samostalnim nizozemskim umjetnicima došao upravo iz flamanskog stvaralaštva.

Od 17. stoljeća javljaju se i državni i umjetnički ogranci, što dovodi do formiranja dviju umjetničkih škola, odvojenih nacionalnošću. Imali su zajedničko podrijetlo, ali su bili prilično različiti po svojim karakteristikama. Dok je Flandrija ostala pod okriljem katolicizma, Nizozemska je doživjela potpuno novi procvat, počevši od 17. stoljeća.

nizozemska kultura

U 17. stoljeću nova država tek je krenula putem svog razvoja, potpuno prekidajući veze s umjetnošću prošlog doba.

Borba sa Španjolskom postupno jenjavala. Nacionalno raspoloženje počelo se pratiti u narodnim krugovima kako su se odmicali od katoličke vjere koju su prethodno nametnule vlasti.

Protestantska vladavina imala je kontradiktoran pogled na dekoraciju, što je dovelo do smanjenja djela na vjerske teme, au budućnosti je samo išlo na ruku svjetovnoj umjetnosti.

Nikada do sada stvarna okolna stvarnost nije bila tako često prikazana na slikama. Nizozemski su umjetnici u svojim djelima željeli prikazati običan svakodnevni život bez uljepšavanja, istančanog ukusa i plemenitosti.

Svjetovna umjetnička eksplozija iznjedrila je brojne pravce kao što su pejzaž, portret, svakodnevni žanr i mrtva priroda (za čije postojanje nisu znali ni najrazvijeniji centri Italije i Francuske).

Vlastita vizija realizma nizozemskih umjetnika, izražena u portretima, pejzažima, interijerima i slikama mrtve prirode, pobudila je interes za ovu vještinu na svim razinama društva.

Tako je nizozemska umjetnost 17. stoljeća dobila nadimak "zlatno doba nizozemskog slikarstva", čime je osigurala svoj status najistaknutijeg razdoblja u nizozemskom slikarstvu.

Važno je znati: postoji zabluda da je nizozemska škola prikazivala samo prosječnost ljudskog postojanja, ali majstori tog vremena drsko su uništili okvir uz pomoć svojih fantastičnih djela (na primjer, "Pejzaž s Ivanom Krstiteljem" od Bloemaerta).

Nizozemski umjetnici 17. stoljeća. Rembrandta

Rembrandt Harmensz van Rijn smatra se jednom od najvećih umjetničkih figura u Nizozemskoj. Uz umjetničku djelatnost bavio se i graverstvom te se s pravom smatrao majstorom chiaroscura.

Njegova je ostavština bogata individualnom raznolikošću: portreti, žanr-scene, mrtve prirode, pejzaži, kao i slike na teme povijesti, religije i mitologije.

Njegova sposobnost svladavanja chiaroscura omogućila mu je da pojača emocionalnu ekspresivnost i duhovnost osobe.

Radeći na portretima, bavio se izrazima ljudskih lica.

U vezi sa srceparajućim tragičnim događajima, njegova kasnija djela bila su ispunjena prigušenim svjetlom koje je razotkrivalo duboka iskustva ljudi, zbog čega njegova briljantna djela nisu nikoga zanimala.

U to je vrijeme moda bila vanjska ljepota bez pokušaja poniranja u dubinu, kao i naturalizam, koji je bio u suprotnosti s iskrenim realizmom.

Svaki ruski ljubitelj likovne umjetnosti može vidjeti sliku "Povratak izgubljenog sina" vlastitim očima, jer se ovo djelo nalazi u muzeju Ermitaž u Sankt Peterburgu.



Frans Hals

Frans Hals veliki je nizozemski umjetnik i veliki slikar portreta koji je pomogao uvesti žanr slobodnog pisanja u rusku umjetnost.

Djelo koje mu je donijelo slavu bila je slika pod nazivom “Gozbenstvo časnika streljačke čete Svetog Jurja”, naslikana 1616. godine.



Njegovi portreti bili su previše prirodni za ono doba, što je bilo u suprotnosti s današnjicom. Zbog činjenice da je umjetnik ostao neshvaćen, on je, poput velikog Rembrandta, završio život u siromaštvu. "Ciganin" (1625.-1630.) jedno je od njegovih najpoznatijih djela.



Jan Steen

Jan Steen na prvi je pogled jedan od najduhovitijih i najveselijih nizozemskih umjetnika. Ismijavajući društvene poroke, volio je pribjeći umjetnosti satire društva. Zabavljajući gledatelja bezazlenim, smiješnim slikama veseljaka i dama lake naravi, zapravo je upozoravao na takav stil života.



Umjetnik je imao i mirnije slike, na primjer, rad "Jutarnji WC", koji se na prvi pogled činio kao apsolutno nevina akcija. No ako pomno pogledate detalje, možete se prilično iznenaditi njihovim otkrićima: to su tragovi čarapa koje su prethodno stiskale noge, i lonac napunjen nečim nepristojnim noću, kao i pas koji si dopušta da bude u pravu na vlasnikovom jastuku.



Umjetnik je u svojim najboljim djelima bio ispred svojih kolega elegantno vještim kombiniranjem paleta boja i majstorstvom sjena.

Drugi nizozemski umjetnici

Ovaj članak naveo je samo tri bistre osobe od desetaka koji zaslužuju biti na istoj listi s njima:




Dakle, u ovom članku ste se upoznali s nizozemskim umjetnicima 17. stoljeća i njihovim djelima.

Bilješka. Osim umjetnika iz Nizozemske, na listi su i slikari iz Flandrije.

Nizozemska umjetnost 15. stoljeća
Prve manifestacije renesansne umjetnosti u Nizozemskoj datiraju iz ranog 15. stoljeća. Prve slike koje se već mogu svrstati u spomenike rane renesanse stvorila su braća Hubert i Jan van Eyck. Obojica - Hubert (umro 1426.) i Jan (oko 1390.-1441.) - odigrali su odlučujuću ulogu u formiranju nizozemske renesanse. O Hubertu se ne zna gotovo ništa. Jan je očito bio vrlo obrazovan čovjek, studirao je geometriju, kemiju, kartografiju, a obavljao je i neke diplomatske poslove za burgundskog vojvodu Filipa Dobrog, u čijoj se službi, inače, odvijao njegov put u Portugal. O prvim koracima renesanse u Nizozemskoj može se suditi po slikama braće, izvedenim 20-ih godina 15. stoljeća, a među njima i "Žene nosilice miro na grobu" (vjerojatno dio poliptiha; Rotterdam , Museum Boijmans van Beyningen), “Madonna in the Church” (Berlin), “Saint Jeronim” (Detroit, Art Institute).

Braća Van Eyck zauzimaju iznimno mjesto u suvremenoj umjetnosti. Ali nisu bili sami. Istodobno, s njima su radili i drugi slikari koji su im bili stilski i problemski srodni. Među njima nesumnjivo prvo mjesto pripada takozvanom Flemalskom majstoru. Mnogo je genijalnih pokušaja da se utvrdi njegovo pravo ime i podrijetlo. Od njih je najuvjerljivija verzija da ovaj umjetnik dobiva ime Robert Campin i prilično razvijenu biografiju. Prethodno zvan Majstor oltara (ili "Navještenja") Merodea. Postoji i neuvjerljivo gledište koje djela koja mu se pripisuju pripisuje mladom Rogieru van der Weydenu.

O Campinu se zna da je rođen 1378. ili 1379. u Valenciennesu, magistrirao je 1406. u Tournaiu, tamo živio, izvodio, osim slikarstva, i mnoge dekorativne radove, bio učitelj nizu slikara (uključujući Rogier van der Weyden, o kojem će biti riječi u nastavku - od 1426., i Jacques Darais - od 1427.) i umro 1444. godine. Kampenova umjetnost zadržala je svakodnevne značajke u općoj "panteističkoj" shemi i tako se pokazala vrlo bliskom sljedećoj generaciji nizozemskih slikara. Rani radovi Rogiera van der Weydena i Jacquesa Daraisa, autora koji je bio iznimno ovisan o Campinu (primjerice, njegovo “Poklonstvo mudraca” i “Susret Marije i Elizabete”, 1434. – 1435.; Berlin), jasno otkrivaju zanimanje za umjetnost ovog majstora, o čemu se nedvojbeno javlja trend vremena.

Rogier van der Weyden rođen je 1399. ili 1400., školovao se kod Campina (to jest u Tournaiu), dobio naslov majstora 1432., a 1435. preselio se u Bruxelles, gdje je bio službeni slikar grada: 1449.– 1450. putovao je u Italiju i umro 1464. Kod njega su učili neki od najvećih umjetnika nizozemske renesanse (primjerice Memling), a uživao je široku slavu ne samo u domovini, već iu Italiji (slavni znanstvenik i filozof Nikola Kuzanski nazvao ga je najvećim umjetnikom; Dürer je kasnije zabilježio njegovo djelo). Djelo Rogiera van der Weydena poslužilo je kao hranjiva osnova za niz slikara sljedeće generacije. Dovoljno je reći da je njegova radionica - prva tako široko organizirana radionica u Nizozemskoj - imala snažan utjecaj na neviđeno širenje stila jednog majstora u 15. stoljeću, u konačnici svela taj stil na zbroj šablonskih tehnika i čak igrala ulogu kočnice slikarstvu na kraju stoljeća. Pa ipak, umjetnost sredine 15. stoljeća ne može se svesti na rohirsku tradiciju, iako je s njom usko povezana. Drugi put oličavaju prije svega djela Dirika Boutsa i Alberta Ouwatera. Njima je, kao i Rogieru, pomalo strano panteističko divljenje životu, a njihova slika čovjeka sve više gubi dodir s pitanjima univerzuma - filozofskim, teološkim i umjetničkim pitanjima, poprimajući sve više konkretnosti i psihološke izvjesnosti. No Rogiera van der Weydena, majstora pojačanog dramatičnog zvuka, umjetnika koji je težio individualnim, a istodobno uzvišenim slikama, zanimala je uglavnom sfera ljudskih duhovnih svojstava. Dostignuća Boutsa i Ouwatera leže u području pojačavanja svakodnevne autentičnosti slike. Od formalnih problema više su ih zanimala pitanja vezana uz rješavanje ne toliko izražajnih koliko likovnih problema (ne oštrina crteža i izražaj boje, nego prostorna organizacija slike i prirodnost svjetlozračnog okruženja) .

Portret mlade žene, 1445., Umjetnička galerija, Berlin


Sveti Ivo, 1450., Nacionalna galerija, London


Sveti Luka slika sliku Gospe, 1450., Muzej Groningen, Brugge

Ali prije nego što prijeđemo na razmatranje rada ove dvojice slikara, vrijedi se zadržati na fenomenu u manjoj mjeri, koji pokazuje da su otkrića umjetnosti sredine stoljeća, budući da su i nastavak Van Eyck-Campen tradicije i odmak od od njih, bile su u oba ova svojstva duboko opravdana. Konzervativniji slikar Petrus Christus jasno pokazuje povijesnu neizbježnost ovog otpadništva, čak i za umjetnike nesklone radikalnim otkrićima. Od 1444. Christus je postao građanin Brugesa (ondje je i umro 1472./1473.) – odnosno vidio je najbolja van Eyckova djela i bio pod utjecajem njegove tradicije. Bez pribjegavanja oštrom aforizmu Rogiera van der Weydena, Christus je postigao individualiziraniju i diferenciraniju karakterizaciju nego van Eyck. Međutim, njegovi portreti (E. Grimston - 1446., London, Nacionalna galerija; Kartuzijanski redovnik - 1446., New York, Metropolitan Museum of Art) istodobno ukazuju na određeni pad slikovnosti u njegovu stvaralaštvu. U umjetnosti je sve više dolazila do izražaja žudnja za konkretnim, pojedinačnim i posebnim. Možda su se te tendencije najjasnije očitovale u radu Boutsa. Mlađi od Rogiera van der Weydena (rođen između 1400. i 1410.), bio je daleko od dramatične i analitičke prirode ovog majstora. Ipak, rani Bouti uglavnom dolaze od Rogiera. Oltar sa "Skidanjem s križa" (Granada, Katedrala) i niz drugih slika, na primjer "Pogreb" (London, Nacionalna galerija), ukazuju na duboko proučavanje djela ovog umjetnika. No, originalnost se već ovdje primjećuje - Bouts svojim likovima daje više prostora, ne zanima ga toliko emocionalno okruženje koliko radnja, sam proces, njegovi likovi su aktivniji. Isto vrijedi i za portrete. Na izvrsnom portretu muškarca (1462.; London, Nacionalna galerija), molitveno uzdignute - iako bez ikakve egzaltacije - oči, posebna usta i uredno sklopljene ruke imaju tako individualan kolorit kakav van Eyck nije poznavao. Čak iu detaljima možete osjetiti ovaj osobni dodir. Pomalo prozaičan, ali nevino stvaran odraz leži u svim djelima majstora. Najviše je to uočljivo u njegovim višefiguralnim kompozicijama. A posebno u njegovom najpoznatijem djelu – oltaru louvainske crkve svetog Petra (između 1464. i 1467.). Ako gledatelj Van Eyckov rad uvijek doživljava kao čudo kreativnosti, kreacije, onda pred Boutsovim djelima nastaju različiti osjećaji. Boutsov skladateljski rad dovoljno govori o njemu kao redatelju. Imajući u vidu uspjehe takve “redateljske” metode (odnosno metode u kojoj je zadatak umjetnika rasporediti karakteristične likove, kao izvučene iz prirode, organizirati scenu) u sljedećim stoljećima, valja obratiti pozornost na ovo fenomen u djelu Dirka Boutsa.

Sljedeća faza nizozemske umjetnosti obuhvaća posljednja tri ili četiri desetljeća 15. stoljeća - izuzetno teško vrijeme za život zemlje i njezinu kulturu. Ovo razdoblje započinje radom Josa van Wassenhovea (ili Josa van Ghenta; između 1435.–1440. - nakon 1476.), umjetnika koji je odigrao značajnu ulogu u razvoju novog slikarstva, ali je 1472. otišao u Italiju, tamo se aklimatizirao i organski uključio u talijansku umjetnost. Njegov oltar s “Raspećem” (Gent, Crkva sv. Bava) svjedoči o želji za pripovijedanjem, ali istodobno i želji da se priča liši hladne ravnodušnosti. Potonje želi postići uz pomoć gracioznosti i dekorativnosti. Njegov je oltar svjetovno djelo u prirodi sa svijetlom shemom boja temeljenom na profinjenim preljevnim tonovima.
Ovo razdoblje nastavlja se radom majstora iznimnog talenta - Huga van der Goesa. Rođen je oko 1435., postao je magistar u Gentu 1467. i umro 1482. godine. Husova najranija djela uključuju nekoliko slika Madone s djetetom, koje se razlikuju po lirskom aspektu slike (Philadelphia, Museum of Art i Bruxelles, Museum), te slika “Sv. Ana, Marija s djetetom i donator” (Bruxelles , Muzej). Razvijajući nalaze Rogiera van der Weydena, Hus u kompoziciji ne vidi toliko način skladne organizacije onoga što je prikazano, koliko sredstvo za koncentraciju i identifikaciju emocionalnog sadržaja scene. Osoba je za Husa izuzetna samo snagom svojih osobnih osjećaja. U isto vrijeme, Gusa privlače tragični osjećaji. No slika svete Genevieve (na poleđini Tužaljke) ukazuje na to da je Hugo van der Goes u potrazi za golom emocijom počeo paziti na njezino etičko značenje. U Portinarijevom oltaru Hus pokušava izraziti svoju vjeru u duhovne sposobnosti čovjeka. Ali njegova umjetnost postaje nervozna i napeta. Husove umjetničke tehnike su raznolike - posebno kada treba rekreirati duhovni svijet osobe. Ponekad, kao u prenošenju reakcije pastira, uspoređuje bliske osjećaje u određenom nizu. Ponekad, kao u liku Marije, umjetnik ocrtava opće značajke doživljaja, prema kojima gledatelj dovršava osjećaj u cjelini. Ponekad - u slikama uskookog anđela ili Margarite - pribjegava kompozicijskim ili ritmičkim tehnikama kako bi dešifrirao sliku. Katkada se sama nedokučivost psihološkog izraza kod njega pretvara u sredstvo karakterizacije - tako poigrava odsjaj osmijeha na suhom, bezbojnom licu Marije Baroncelli. A pauze igraju veliku ulogu - u prostornoj odluci iu djelovanju. Oni pružaju priliku da se mentalno razvije i dovrši osjećaj koji je umjetnik ocrtao u slici. Karakter slika Huga van der Goesa uvijek ovisi o ulozi koju one u cjelini trebaju odigrati. Treći pastir je doista prirodan, Josip je potpuno psihološki, anđeo s njegove desne strane gotovo je nestvaran, a slike Margarete i Magdalene složene su, sintetične i izgrađene na izrazito suptilnim psihološkim gradacijama.

Hugo van der Goes uvijek je želio izraziti i utjeloviti u svojim slikama duhovnu blagost osobe, njegovu unutarnju toplinu. No, u biti, umjetnikovi najnoviji portreti ukazuju na sve veću krizu u Husovu djelu, jer je njegov duhovni ustroj nastao ne toliko sviješću o individualnim kvalitetama osobe, koliko tragičnim gubitkom jedinstva čovjeka i svijeta za umjetnik. U posljednjem djelu - "Marijina smrt" (Bruges, Muzej) - ova kriza rezultira krahom svih umjetnikovih kreativnih težnji. Očaj apostola je beznadan. Njihove geste su besmislene. Lebdeći u sjaju, Krist svojom patnjom kao da opravdava njihovu patnju, a njegovi probodeni dlanovi okrenuti su prema gledatelju, a figura neodređene veličine narušava krupnu strukturu i smisao za stvarnost. Također je nemoguće razumjeti opseg stvarnosti iskustva apostola, jer su svi imali isti osjećaj. I nije toliko njihov koliko je umjetnikov. Ali njezini su nositelji ipak fizički stvarni i psihološki uvjerljivi. Slične slike bit će oživljene kasnije, kada je krajem 15. stoljeća u nizozemskoj kulturi došao kraj stogodišnje tradicije (u Boscha). Neobičan cik-cak čini osnovu kompozicije slike i organizira je: apostol koji sjedi, jedini nepomičan, gleda u promatrača, nagnut slijeva nadesno, ispružena Marija s desna nalijevo, Krist lebdi slijeva nadesno . I isti cik-cak u koloristici: lik osobe koja sjedi asocira na Mariju bojom, one koja leži na zagasito plavoj tkanini, u haljini također plavoj, ali krajnje, krajnje plave, zatim - eteričnoj, nematerijalno plavetnilo Krista. A naokolo su boje apostolskih haljina: žuta, zelena, plava - beskrajno hladne, jasne, neprirodne. Osjećaj u “Uznesenju” je ogoljen. Ne ostavlja mjesta za nadu ili ljudskost. Na kraju života, Hugo van der Goes je otišao u samostan; njegove posljednje godine bile su zasjenjene duševnom bolešću. Očigledno se u ovim biografskim činjenicama vidi odraz tragičnih proturječja koja su definirala majstorovo umijeće. Husov rad bio je poznat i cijenjen, a privlačio je pažnju i izvan Nizozemske. Jean Clouet stariji (Majstor iz Moulinsa) bio je pod velikim utjecajem njegove umjetnosti, Domenico Ghirlandaio poznavao je i proučavao Portinarijevu oltarnu sliku. Međutim, suvremenici ga nisu razumjeli. Nizozemska umjetnost postojano je naginjala drugačijem putu, a izolirani tragovi utjecaja Husova djela samo naglašavaju snagu i prevalenciju ovih drugih trendova. Najpotpunije i dosljednije su se pojavili u djelima Hansa Memlinga.


Zemaljska taština, triptih, središnja ploča,



Pakao, lijevo polje triptiha "Ozemaljska taština",
1485., Muzej lijepih umjetnosti, Strastbourg

Hans Memling, očito rođen u Seligenstadtu, blizu Frankfurta na Majni, 1433. (umro 1494.), umjetnik je dobio izvrsnu obuku od Rogiera i, preselivši se u Bruges, ondje je stekao široku slavu. Već relativno rani radovi otkrivaju smjer njegove potrage. Načela svijetlog i uzvišenog dobila su od njega mnogo svjetovnije i zemaljskije značenje, a sve zemaljsko – stanovito idealno ushićenje. Primjer je oltar s Madonom, svecima i donatorima (London, Nacionalna galerija). Memling nastoji sačuvati svakodnevni izgled svojih stvarnih junaka i približiti im svoje idealne junake. Uzvišeno načelo prestaje biti izraz određenih panteistički shvaćenih općih svjetskih sila i pretvara se u prirodno duhovno svojstvo čovjeka. Načela Memlingova rada jasnije se očituju u takozvanom Floreins-oltaru (1479.; Bruges, Memlingov muzej), čija su glavna pozornica i desno krilo u biti besplatne kopije odgovarajućih dijelova Rogierova minhenskog oltara. On odlučno smanjuje veličinu oltara, odsijeca gornje i bočne dijelove Rogierove kompozicije, smanjuje broj figura i takoreći približava radnju gledatelju. Događaj gubi svoj veličanstveni opseg. Slike sudionika gube svoju reprezentativnost i dobivaju privatne značajke, kompozicija je nijansa mekog sklada, a boja, zadržavajući čistoću i prozirnost, potpuno gubi Rogirovljevu hladnu, oštru zvučnost. Čini se da treperi s laganim, jasnim nijansama. Još je karakterističnije Navještenje (oko 1482.; New York, zbirka Lehman), gdje se koristi Rogierova shema; Slika Marije dobiva značajke blage idealizacije, anđeo je izrazito žanrovski usmjeren, a predmeti interijera oslikani su van Eyckovskom ljubavlju. Istodobno, motivi talijanske renesanse - girlande, putti i dr. - sve više prodiru u Memlingovo djelo, a kompozicijska struktura postaje sve odmjerenija i jasnija (triptih s "Madonom i djetetom, anđelom i donatorom", Beč). Umjetnik nastoji obrisati granicu između konkretnog, građansko-prizemnog principa i idealizirajućeg, harmoničnog.

Memlingova umjetnost privukla je veliku pažnju majstora sjevernih provincija. No zanimale su ih i druge značajke – one koje su bile povezane s Husovim utjecajem. Sjeverne provincije, uključujući i Nizozemsku, u tom su razdoblju i ekonomski i duhovno zaostajale za južnima. Rano nizozemsko slikarstvo obično nije nadilazilo kasnosrednjovjekovni i provincijski predložak, a razina njegova umijeća nikada nije dostigla umijeće flamanskih umjetnika. Tek u posljednjoj četvrtini 15. stoljeća situacija se mijenja zahvaljujući umjetnosti Hertgen tot sint Jans. Živio je u Haarlemu, s monasima Johannite (kojima duguje svoj nadimak - sint Jans znači sveti Ivan) i umro mlad - dvadeset i osam godina (rođen u Leidenu (?) oko 1460/65, umro u Haarlemu 1490- 1495 ). Hertgen je nejasno osjetio tjeskobu koja je brinula Husa. Ali, ne dopirući do svojih tragičnih spoznaja, otkrio je nježni šarm jednostavnog ljudskog osjećaja. Blizak je Husu po zanimanju za unutarnji, duhovni svijet čovjeka. Među glavnim Goertgenovim djelima je oltarna pala naslikana za Harlem Johannites. Od njega je ostalo desno krilo, sada obostrano prepiljeno. Njegova unutarnja strana predstavlja veliku višefiguralnu scenu žalosti. Gertgen ispunjava obje zadaće koje je vrijeme postavilo: prenošenje topline, humanosti osjećaja i stvaranje životno uvjerljive pripovijesti. Ovo posljednje posebno je vidljivo na vanjskoj strani vrata, gdje je prikazano spaljivanje posmrtnih ostataka Ivana Krstitelja od strane Julijana Apostate. Sudionici radnje obdareni su pretjeranim karakterom, a radnja je podijeljena na nekoliko neovisnih scena, od kojih je svaka prikazana živopisnim promatranjem. Usput, majstor stvara, možda, jedan od prvih grupnih portreta u europskoj umjetnosti modernog doba: građen na principu jednostavne kombinacije portretnih karakteristika, anticipira djela 16. stoljeća. Njegova “Kristova obitelj” (Amsterdam, Rijksmuseum), prikazana u interijeru crkve, interpretirana kao realno prostorno okruženje, pruža puno za razumijevanje Geertgenova djela. Likovi u prvom planu ostaju znakoviti, ne odajući osjećaje, zadržavajući svoj svakodnevni izgled s mirnim dostojanstvom. Umjetnik stvara slike koje su možda najgrađanskije prirode u umjetnosti Nizozemske. Istodobno, značajno je da Gertgen razumije nježnost, slatkoću i neku naivnost ne kao vanjske karakteristične znakove, već kao određena svojstva duhovnog svijeta osobe. A to spajanje građanskog osjećaja života s dubokom emocionalnošću važna je značajka Gertgenova djela. Nije slučajno da duhovnim kretnjama svojih junaka nije dao uzvišeno, univerzalno obilježje. Kao da namjerno sprječava svoje junake da postanu iznimni. Zbog toga se ne čine individualnima. Imaju nježnosti i nemaju drugih osjećaja ili stranih misli; sama jasnoća i čistoća njihovih iskustava čini ih daleko od svakodnevnog života. Međutim, rezultirajuća idealnost slike nikada ne izgleda apstraktno ili umjetno. Ove značajke također ističu jedno od umjetnikovih najboljih djela, “Božić” (London, Nacionalna galerija), malu sliku koja krije osjećaje uzbuđenja i iznenađenja.
Gertgen je rano umro, ali principi njegove umjetnosti nisu ostali u mraku. No, Majstor braunschweiškog diptiha (“Sveti Bavo”, Braunschweig, Muzej; “Božić”, Amsterdam, Rijksmuseum) i neki drugi anonimni majstori koji su mu najbliži, koji su mu najbliži, nisu toliko razvili Hertgenova načela. jer im daju karakter raširenog standarda. Možda je najznačajniji među njima Majstor Virgo inter virgines (nazvan po slici amsterdamskog Rijksmuseuma koja prikazuje Mariju među svetim djevicama), koji je težio ne toliko psihološkom opravdanju osjećaja, koliko oštrini njegova izraza u male, prilično svakodnevne i ponekad gotovo namjerno ružne figure ("Pogreb", St. Louis, Muzej; "Oplakivanje", Liverpool; "Navještenje", Rotterdam). Ali također. njegovo je djelo više dokaz iscrpljenosti stoljetne tradicije nego izraz njezina razvoja.

Nagli pad umjetničke razine primjetan je i u umjetnosti južnih provincija, čiji su majstori bili sve skloniji zanošenju beznačajnim svakodnevnim detaljima. Zanimljiviji od ostalih vrlo je narativni Majstor legende o sv. Uršuli, koji je djelovao u Bruggeu 80-90-ih godina 15. stoljeća (“Legenda o sv. Uršuli”; Brugge, samostan crnih sestara), nepoznati autor portreta supružnika Baroncelli koji nisu lišeni vještine (Firenca, Uffizi), a također i vrlo tradicionalni briški Majstor legende o sv. Luciji (Oltar sv. Lucije, 1480., Brugge, crkva sv. Jakova, također poliptih, Tallinn, Muzej). Formiranje prazne, sitne umjetnosti na kraju 15. stoljeća neizbježna je antiteza Husovih i Hertgenovih potraga. Čovjek je izgubio glavni oslonac svog svjetonazora – vjeru u skladan i povoljan poredak svemira. No, ako je zajednička posljedica toga bilo samo osiromašenje dotadašnjeg koncepta, onda je pomnije promatranje otkrilo prijeteće i tajanstvene značajke svijeta. Za odgovore na nerješiva ​​pitanja vremena korištene su kasnosrednjovjekovne alegorije, demonologija i sumorna predviđanja Svetoga pisma. U uvjetima narastajućih akutnih društvenih proturječja i teških sukoba nastala je Boscheva umjetnost.

Hieronymus van Aken, zvani Bosch, rođen je u 's-Hertogenboschu (umro tamo 1516.), dakle daleko od glavnih umjetničkih središta Nizozemske. Njegovi rani radovi nisu bez natruhe neke primitivnosti. Ali već oni na čudan način spajaju oštri i uznemirujući osjećaj za život prirode s hladnom grotesknošću u prikazu ljudi. Bosch odgovara trendu moderne umjetnosti - težnjom za stvarnim, konkretizacijom slike osobe, a onda - redukcijom njezine uloge i značaja. On tu tendenciju preuzima u određenoj mjeri. U Boschevoj umjetnosti pojavljuju se satirične ili, bolje rečeno, sarkastične slike ljudskog roda. Ovo je njegova “Operacija uklanjanja kamenja gluposti” (Madrid, Prado). Operaciju izvodi redovnik - i tu se svećenstvu pojavljuje zao osmijeh. Ali onaj kome se to radi pozorno gleda u gledatelja i taj nas pogled uključuje u radnju. Sarkazam se pojačava u Boschevom radu; on zamišlja ljude kao putnike na brodu budala (slika i njezin crtež nalaze se u Louvreu). Okreće se narodnom humoru – i on pod njegovim rukama poprima mračnu i gorku nijansu.
Bosch dolazi potvrditi turobnu, iracionalnu i nisku prirodu života. On ne samo da izražava svoj svjetonazor, svoj smisao života, nego mu daje moralnu i etičku ocjenu. „Stog sijena“ jedno je od najznačajnijih Boschovih djela. U ovom je oltaru ogoljeni osjećaj stvarnosti stopljen s alegorijom. Plast sijena aludira na staru flamansku poslovicu: “Svijet je plast sijena: svatko iz njega uzima ono što može zgrabiti”; ljudi se ljube naočigled i puštaju glazbu između anđela i nekog đavolskog stvorenja; fantastična stvorenja vuku kola, a papa, car i obični ljudi radosno i poslušno idu za njima: neki trče naprijed, jure među kotače i umiru, shrvani. Krajolik u daljini nije fantastičan ni bajan. A iznad svega - na oblaku - mali je Krist uzdignutih ruku. Međutim, bilo bi pogrešno misliti da Bosch gravitira metodi alegorijskih usporedbi. Naprotiv, on nastoji osigurati da njegova ideja bude utjelovljena u samu bit umjetničkih odluka, tako da se pred gledateljem ne pojavi kao šifrirana poslovica ili parabola, već kao generalizirajući bezuvjetni način života. S profinjenošću imaginacije nesvakidašnjom u srednjem vijeku, Bosch svoje slike naseljava bićima koja na bizaran način spajaju različite životinjske oblike, odnosno životinjske oblike s predmetima neživog svijeta, stavljajući ih u očito nevjerojatne odnose. Nebo postaje crveno, ptice opremljene jedrima lete zrakom, čudovišna stvorenja gmižu po licu zemlje. Ribe s konjskim nogama otvaraju usta, a pored njih su štakori koji na leđima nose žive drvene kočiće iz kojih se izlegu ljudi. Sapi konja pretvaraju se u golemi vrč, a glava s repom šulja se negdje na tankim golim nogama. Sve puzi i sve je obdareno oštrim, grebućim oblicima. I sve je zaraženo energijom: svako stvorenje - malo, varljivo, žilavo - zahvaćeno je zao i brzopletim pokretom. Tim fantazmagoričnim prizorima Bosch daje najveću uvjerljivost. On napušta sliku radnje koja se odvija u prvom planu i širi je na cijeli svijet. Svojim višefiguralnim dramatičnim ekstravaganzama daje jeziv ton u njihovoj univerzalnosti. Ponekad u sliku unese i dramatizaciju poslovice - ali u njoj nema humora. A u središte postavlja malu bespomoćnu figuricu sv. Ante. Takav je, primjerice, oltar s “Iskušenjem svetog Ante” na središnjim vratima iz Lisabonskog muzeja. Ali tada Bosch pokazuje neviđeno istančan, ogoljen osjećaj za stvarnost (osobito u prizorima na vanjskim vratima spomenutog oltara). U Boschovim zrelim djelima svijet je bezgraničan, ali je njegova prostornost drugačija - manje brza. Zrak se čini čistijim i vlažnijim. Ovako je napisan “Ivan na Patmosu”. Na poleđini ove slike, gdje su scene Kristovog mučeništva prikazane u krugu, prikazani su nevjerojatni krajolici: prozirni, čisti, sa širokim riječnim prostorima, visokim nebom i drugima - tragični i intenzivni ("Raspeće"). Ali što ustrajnije Bosch misli na ljude. Pokušava pronaći adekvatan izraz njihova života. Pribjegava obliku velikog oltara i stvara čudan, fantazmagoričan grandiozan spektakl grešnog života ljudi - "Vrt užitaka".

Umjetnikova posljednja djela na čudan način spajaju fantaziju i stvarnost njegovih prethodnih radova, ali ih istodobno karakterizira osjećaj tužnog pomirenja. Raspršeni su ugrušci zlih stvorenja koji su se prethodno slavodobitno širili cijelim poljem slike. Pojedinačni, mali, još uvijek se skrivaju pod stablom, pojavljuju se iz tihih riječnih tokova ili trče po pustim travnatim brežuljcima. Ali smanjile su se u veličini i izgubile aktivnost. Više ne napadaju ljude. A on (još uvijek sveti Antun) sjedi između njih - čita, razmišlja (“Sveti Antun”, Prado). Boscha nije zanimala pomisao na položaj jedne osobe u svijetu. Sveti je Antun u svojim prijašnjim djelima bespomoćan, jadan, ali ne i usamljen – dapače, lišen mu je onog dijela samostalnosti koji bi mu omogućio da se osjeća usamljeno. Sada se krajolik odnosi specifično na jednu osobu, a u Boschevom djelu javlja se tema čovjekove usamljenosti u svijetu. S Boschom završava umjetnost 15. stoljeća. Boschevo djelo dovršava ovu fazu čistih uvida, potom intenzivnih potraga i tragičnih razočaranja.
No trend koji personificira njegova umjetnost nije bio jedini. Ništa manje simptomatičan nije ni drugi trend vezan uz rad majstora nemjerljivo manjeg razmjera - Gerarda Davida. Umro je kasno - 1523. (rođen oko 1460.). Ali, kao i Bosch, zatvorio je 15. stoljeće. Već su njegova rana djela (“Navještenje”; Detroit) prozaično realistična; djela sa samog kraja 1480-ih (dvije slike na temu suđenja Kambizu; Brugge, Muzej) otkrivaju blisku vezu s Boutsom; bolje od drugih su skladbe lirske prirode s razvijenim, aktivnim pejzažnim okruženjem (“Odmor na letu u Egipat”; Washington, Nacionalna galerija). Ali nemogućnost majstora da izađe izvan granica stoljeća najjasnije je vidljiva u njegovom triptihu s “Krštenjem Kristovim” (rano 16. stoljeće; Brugge, Muzej). Bliskost i minijaturnost slike kao da je u izravnom sukobu s velikim razmjerom slike. Stvarnost je u njegovoj viziji lišena života, uškopljena. Iza intenziteta boja nema duhovne napetosti niti osjećaja dragocjenosti svemira. Emajlni stil slike je hladan, samozatajan i lišen emotivne svrhe.

15. stoljeće u Nizozemskoj bilo je vrijeme velike umjetnosti. Do kraja stoljeća iscrpio se. Novi povijesni uvjeti i prijelaz društva na drugi stupanj razvoja uzrokovali su novu etapu u evoluciji umjetnosti. Nastao je s početka 16. stoljeća. Ali u Nizozemskoj, s izvornim spojem svjetovnog načela s religioznim kriterijima u procjeni životnih pojava, karakterističnim za njihovu umjetnost, koji potječe od van Eycksa, s nesposobnošću sagledavanja osobe u njezinoj samodostatnoj veličini, izvan pitanja duhovnog zajedništva sa svijetom ili s Bogom - u Nizozemskoj je novo doba neminovno moralo doći tek nakon najjače i najteže krize cjelokupnog dotadašnjeg svjetonazora. Ako je u Italiji visoka renesansa bila logična posljedica umjetnosti Quattrocenta, onda u Nizozemskoj takve veze nije bilo. Prijelaz u novo doba pokazao se posebno bolnim, jer je u velikoj mjeri podrazumijevao negiranje dotadašnje umjetnosti. U Italiji se raskid sa srednjovjekovnim tradicijama dogodio već u 14. stoljeću, a umjetnost talijanske renesanse zadržala je cjelovitost svog razvoja tijekom cijele renesanse. U Nizozemskoj je situacija bila drugačija. Korištenje srednjovjekovne baštine u 15. stoljeću otežavalo je primjenu uspostavljenih tradicija u 16. stoljeću. Pokazalo se da je za nizozemske slikare granica između 15. i 16. stoljeća povezana s radikalnom promjenom svjetonazora.