चैंबर वाद्य शैली का टुकड़ा लघु। चैम्बर वाद्य संगीत

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चैम्बर- वाद्ययंत्र समूहतनयेव के काम में एक ऐसा स्थान लिया गया जो पहले कभी रूसी संगीत में रचनात्मकता के इस क्षेत्र से संबंधित नहीं था: "संगीतकारों की दुनिया" उनके ओपेरा या सिम्फनी में बहुत अधिक हद तक सन्निहित थी। तनयेव के चैम्बर चक्र न केवल उनके काम की सर्वोच्च उपलब्धियों से संबंधित हैं, बल्कि समग्र रूप से रूसी पूर्व-क्रांतिकारी चैम्बर संगीत के शिखर से भी संबंधित हैं।

यह सर्वविदित है कि 20वीं शताब्दी में विभिन्न प्रकार के चैम्बर संगीत में रुचि बढ़ी थी राष्ट्रीय संस्कृतियाँ. 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में और विशेष रूप से इसके अंत में, रूस में इस घटना की जड़ें जमा चुकी थीं। मनोवैज्ञानिकता उस समय की रूसी कला की महत्वपूर्ण और विशेषता है। मानव संसार में गहराई से जाना, आत्मा की सूक्ष्मतम गतिविधियों को दिखाना उस समय के साहित्य में निहित है - एल. टॉल्स्टॉय, दोस्तोवस्की, बाद में चेखव - और चित्रांकन, और ओपेरा, और मुखर गीत। यह मनोविज्ञानवाद था, जो वाद्य संगीत की गैर-प्रोग्रामेटिक प्रकृति के प्रति एक दृष्टिकोण के साथ संयुक्त था, जिसे तान्येव ने अपने कक्ष कलाकारों की टुकड़ी के काम में शामिल किया। शास्त्रीय प्रवृत्तियाँ भी महत्वपूर्ण थीं।

चैंबर-एन्सेम्बल संगीत अन्य शैलियों की तुलना में तनयेव की रचनात्मकता के विकास को अधिक पूर्ण, अधिक लगातार और उज्ज्वल रूप से प्रकट करता है। यह शायद ही आकस्मिक है कि कंज़र्वेटरी के एक छात्र, तानेयेव की सबसे स्पष्ट रूप से व्यक्तिगत रचना शैली, विषयगत और विकास के तरीकों दोनों के संदर्भ में, डी माइनर (पूरी नहीं हुई) में स्ट्रिंग चौकड़ी में प्रकट हुई। प्रथम आन्दोलन के मुख्य भाग का विषय शोकपूर्ण है। त्चिकोवस्की में बार-बार झुकने वाले सेकंड, यहाँ पर शोकपूर्ण और खुले तौर पर भावनात्मक नहीं, बल्कि अधिक संयमित और कठोर लगते हैं। विषय, चार ध्वनियों से युक्त, गायन-गीत नहीं है, बल्कि, तनीव की शैली में, संक्षिप्त और अमूर्त है। मकसद की दूसरी शुरुआत अन्य आवाज़ों के साथ मिलकर एक कम चौथे द्वारा तुरंत तेज हो जाती है, व्यापक अस्थिर अंतराल उत्पन्न होते हैं। पॉलीफोनिक रूप में मुख्य भाग की प्रस्तुति बेहद दिलचस्प और खुलासा करने वाली है: नकल पहले से ही दूसरे बार में दिखाई देती है।

दूसरे संचालन (बार 9-58) में, प्रस्तुति की अनुकरणात्मक प्रकृति पर स्ट्रेटा द्वारा जोर दिया गया है। विकास के तीसरे खंड में - चार पूर्ण अंशों के साथ फुगाटो (खंड 108 से) - एक महत्वपूर्ण घटना घटती है: फुगाटो थीम प्रदर्शनी के दोनों विषयों को संश्लेषित करती है।

चैंबर पहनावा ने उन वर्षों में मुख्य स्थान लिया जो छात्र काल की निरंतरता थे और "जॉन ऑफ दमिश्क" (1884) के निर्माण से पहले थे। पहली नज़र में, तनयेव ने इस स्तर पर अपने लिए जो कार्य निर्धारित किए, वे विरोधाभासी और असामयिक लगते हैं (यहां तक कि त्चिकोवस्की की नज़र में: पॉलीफोनिक तकनीक, "रूसी पॉलीफोनी"), लेकिन उनके संकल्प ने संगीतकार को ठीक उसी दिशा में बढ़ावा दिया जो समय के साथ सामने आया। यह न केवल उनके काम की सामान्य दिशा है, बल्कि 20वीं सदी के रूसी संगीत के विकास में एक महत्वपूर्ण प्रवृत्ति भी है। इन कार्यों में से एक चैम्बर लेखन में महारत हासिल करना था, और शुरू में यह निपुणता पर आधारित था - व्यावहारिक, संगीतकार, और, इसके अलावा, सचेत रूप से सेट - इंटोनेशन संरचना और रचनात्मक संरचनाएँ चेम्बर संगीतविनीज़ क्लासिक्स. "नकल का मॉडल और विषय मोजार्ट है," युवा संगीतकार सी मेजर में अपनी चौकड़ी के बारे में त्चिकोवस्की को लिखते हैं।

विषयगत प्रोटोटाइप और काम के सिद्धांत, मोजार्ट के संगीत पर वापस जाते हुए, परत विनीज़ क्लासिकिज़्मक्योंकि तनयेव थका नहीं था। चैम्बर संगीत और आंशिक रूप से सिम्फोनिक और की ओर उन्मुखीकरण भी कम महत्वपूर्ण नहीं था पियानो चक्रबीथोवेन. अनुकरणात्मक पॉलीफोनी की बहुत महत्वपूर्ण भूमिका बीथोवेन परंपरा से जुड़ी हुई है। पहले से ही ई-फ्लैट प्रमुख में चौकड़ी की शुरुआत तनयेव की "पॉलीफोनिक इंस्टॉलेशन" की बात करती है; दूसरा वाक्य (वॉल्यूम 13 वगैरह) एक चार आवाज वाला कैनन है; कॉन्ट्रैपंटल तकनीकें व्याख्यात्मक और विकासात्मक दोनों वर्गों में पाई जाती हैं। पहला फ्यूग्यू रूप एक बड़ी संरचना में प्रवेश करते हुए दिखाई देता है - डी मेजर में तिकड़ी के चरम भागों में, सी मेजर में चौकड़ी के समापन में। यहां, पहले तीन सिम्फनी (समान वर्षों में) की तुलना में, टेम्पो पदनाम एडैगियो प्रकट होता है। और यद्यपि इन धीमी गतियों में तनयेव के बाद के एडैगियोस की गहरी सामग्री नहीं है, ये शायद चक्रों के सबसे अच्छे हिस्से हैं।

तनयेव ने स्वयं अपने पहले चैम्बर कार्यों का कड़ाई से मूल्यांकन किया (देखें)। दैनंदिनी लेखदिनांक 23 मार्च 1907)। ई-फ्लैट मेजर और सी मेजर में चौकड़ी के एकमात्र प्रदर्शन की कुछ समीक्षाएँ अत्यधिक नकारात्मक थीं। 70-80 के दशक के पहनावे जी. वी. किर्कोर, आई. एन. जॉर्डन, बी. वी. डोब्रोखोतोव के कार्यों के माध्यम से उनकी उपस्थिति की तुलना में एक सदी के तीन चौथाई बाद प्रकाशित हुए थे।

इसके बाद के चैम्बर-वाद्य चक्र संगीतकार के जीवनकाल के दौरान प्रकाशित हुए और उन्हें उनकी परिपक्व शैली का उदाहरण माना जा सकता है। इसकी अपनी अधिक विस्तृत आंतरिक अवधि है: डी माइनर में चौकड़ी (1886; संशोधित और 1896 में नंबर 3, ऑप. 7 के रूप में प्रकाशित) और बी-फ्लैट माइनर (1890, नंबर 1, ऑप. 4), जो इससे पहले लिखी गई थी। ओरेस्टिया, अपनी अधिक मधुर धुन के साथ; सी मेजर ऑप में चौकड़ी के साथ शुरुआत। 5 (1895) कई सबसे महत्वपूर्ण स्ट्रिंग समूह, जिनमें से दो पंचक एक विशेष स्थान रखते हैं - ऑप। 14 (दो सेलो के साथ, 1901) और ऑप। 16 (दो वायलास के साथ, 1904); अंत में, बी-फ्लैट मेजर (ऑपरेशन 19, 1905) में चौकड़ी का अनुसरण करते हुए पियानो की भागीदारी के साथ समूह बनाया गया: ई मेजर ऑप में चौकड़ी। 20 (1906), डी मेजर ऑप में तिकड़ी। 22 (1908) और जी माइनर ऑप में क्विंटेट। 30 (1911). लेकिन यह समूहन काफी हद तक मनमाना है। तनीव का प्रत्येक पहनावा एक "व्यक्तिगत परियोजना" के अनुसार निर्मित एक इमारत है। वे अलग-अलग मनोदशाओं को व्यक्त करते हैं, प्रत्येक का अपना विशेष कार्य, अपना विशेष लक्ष्य होता है।

एल कोरबेलनिकोवा

चैंबर वाद्ययंत्र समूह:

वायलिन और पियानो के लिए सोनाटा एक माइनर (सं.सं., 1911)

तिकड़ी
वायलिन, वायोला और सेलो के लिए डी मेजर, कोई ऑप., 1880,
और एच-मोल, बिना ऑप., 1913
2 वायलिन और वायोला के लिए, डी मेजर, ऑप। 21, 1907
पियानो, डी मेजर, ऑप. 22, 1908
वायलिन, वायोला और टेनर वायोला के लिए, ईएस मेजर, ऑप। 31, 1911

स्ट्रिंग चौकड़ी
ईएस मेजर, नो ऑप., 1880
सी मेजर, नो ऑप., 1883
ए मेजर, नो ऑप., 1883
डी-मोल, बिना ऑप., 1886, दूसरे संस्करण में - तीसरा, ऑप। 7, 1896
प्रथम, बी माइनर, ऑप. 4, 1890
2रे, सी मेजर, ऑप. 5, 1895
चौथा, एक नाबालिग, ऑप. 11, 1899
5वां, एक प्रमुख, ऑप. 13, 1903
छठा, बी मेजर, ऑप. 19, 1905
जी मेजर, नो ऑप., 1905

ई मेजर में पियानो चौकड़ी (ऑप. 20, 1906)

पंचक
पहली स्ट्रिंग - 2 वायलिन, वाइला और 2 सेलो के लिए, जी मेजर, ऑप। 14.1901
दूसरा तार - 2 वायलिन, 2 वायला और सेलो के लिए, सी मेजर, ऑप। 16, 1904
पियानो, जी-मोल, ऑप. 30, 1911

2 बांसुरी, 2 ओबो, 2 शहनाई, 2 बैसून और 2 हॉर्न के लिए एंडांटे (सं.सं., 1883)

1920 के दशक में वाद्य संगीत की व्यक्तिगत शैलियों का विकास असमान रूप से आगे बढ़ा। इस प्रकार, संगीत कार्यक्रम साहित्य में केवल कुछ ही रचनाएँ प्रस्तुत की गईं। लेकिन उनमें से प्रोकोफ़िएव के पियानो संगीत कार्यक्रम जैसी उत्कृष्ट कृतियाँ हैं, जो 20 और 30 के दशक की शुरुआत के रूसी संगीत की सबसे बड़ी उपलब्धियों से संबंधित हैं। प्रोकोफ़िएव ने कंज़र्वेटरी में अपने अध्ययन के वर्षों के दौरान इस शैली में रुचि दिखाई। पहले दो संगीत कार्यक्रम, संगीतकार द्वारा लिखे गए प्रारंभिक वर्षों, अभी भी युवाओं में निहित अमिट ताजगी और अटूट आविष्कार से मंत्रमुग्ध है। तीसरा संगीत कार्यक्रम निपुणता की परिपक्वता, निपुणता के आत्मविश्वास से चिह्नित एक कार्य है अभिव्यंजक साधन, जो एक अनुभवी कलाकार की विशेषता है।
लेखक के अनुसार, "बड़े और विशाल कोप यर्ट" का विचार 1911 का है। दो साल बाद, एक विषय सामने आया, जिसे तब विविधताओं (दूसरे भाग) के आधार के रूप में इस्तेमाल किया गया था। संगीत कार्यक्रम में अवास्तविक "श्वेत" डायटोनिक चौकड़ी बिगिनिंग के दो विषय भी शामिल थे व्यवस्थित कार्यसंगीत कार्यक्रम पर काम 1917 का है, और यह अंततः 1921 में पूरा हुआ। इस प्रकार, यह काम, जो प्रोकोफ़िएव की रचनात्मकता के शिखर में से एक बन गया, लेखक द्वारा लंबे समय तक पोषित किया गया था।
तीसरे कॉन्सर्टो ने प्रोकोफ़िएव के संगीत के सर्वोत्तम गुणों पर ध्यान केंद्रित किया। इसमें बहुत सारे ऊर्जावान गतिशील तनाव, ब्रावुरा मोटर कौशल और प्रोकोफ़िएव-शैली के उद्देश्यपूर्ण मार्ग शामिल हैं। लेकिन संगीत कार्यक्रम में अपनी सारी भव्यता के साथ अभिव्यक्त गुणी तत्व शेष को दबा कर अपने आप में एक अंत नहीं बन जाता है। संगीत कार्यक्रम अपनी आंतरिक सामग्री से अलग है, खासकर गीतात्मक एपिसोड में, जहां प्रोकोफिव ने खुद को एक रूसी कलाकार के रूप में स्पष्ट रूप से दिखाया। अंत में, इस काम में बहुत कुछ हर्षित नाटकीय प्रदर्शन, कॉमेडी डेल'आर्ट की तीव्र गति से आता है? उसके नकाबपोश किरदारों के साथ. प्रोकोफ़िएव की रचनात्मकता की यह पंक्ति, ओपेरा "द लव फ़ॉर थ्री ऑरेंजेस" में इतनी स्पष्ट रूप से व्यक्त की गई थी, तीसरे कॉन्सर्टो में परिलक्षित हुई थी।
संगीत कार्यक्रम की मुख्य छवियां पहले आंदोलन की शुरुआत में ही दिखाई जाती हैं: प्रोकोफिव के उच्च रजिस्टर में विशिष्ट प्रस्थान के साथ परिचय की प्रबुद्ध धुन का उत्तर मुख्य भाग के अंशों के व्यावसायिक मोटर कौशल द्वारा दिया जाता है। यह कंट्रास्ट पहले भाग के लिए अग्रणी बन जाता है। लेकिन इसकी सीमा के भीतर रंगों की एक विस्तृत विविधता हासिल की गई है। पियानो मार्ग या तो सीधे तौर पर आक्रामक लगते हैं, या अनुग्रह और सूक्ष्म मार्मिकता प्राप्त करते हैं। टोकाटा दबाव के प्रवाह में, व्यक्तिगत एपिसोड क्रिस्टलीकृत हो जाते हैं, जहां प्रमुख मधुर छवियां दिखाई देती हैं। प्रारंभिक विषय के साथ-साथ, गेय शेरज़ो साइड थीम द्वारा एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई जाती है, जिसकी अभिव्यंजक मधुर रेखा अप्रत्याशित से भरी होती है, कभी-कभी तेज स्टैकाटो मापी गई संगत की पृष्ठभूमि के खिलाफ विचित्र मोड़ होता है।
प्रोकोफ़िएव के काम के मोतियों में से एक दूसरा भाग था, जो भिन्न रूप में लिखा गया था। इसके विषय में, जो रूसी गीत से अन्तर्राष्ट्रीय रूप से बहुत दूर है, कोई रूसी गोल नृत्य गीतों की कोमल कोमलता और एक गोल नृत्य की सहज गति को महसूस कर सकता है:

तीव्र विरोधाभास विषय के परिवर्तनशील विकास को अलग करते हैं। हिंसक और चंचल विविधताएं, विदूषक के नृत्य (एफआई) के समान, कोमल, स्वप्निल नृत्य (IV) के साथ वैकल्पिक। सूक्ष्म पारदर्शी प्रस्तुति शानदार कलाप्रवीण तकनीक और सप्तक की ऊर्जावान गति का मार्ग प्रशस्त करती है। विविधताएँ विशेष रूप से बी. असफ़ीव के विचार की स्पष्ट रूप से पुष्टि करती हैं
“तीसरे कॉन्सर्टो की बनावट मेलोस के सहज आधार पर टिकी हुई है - आधार संगीतमय गतिशीलता» *.
रूसी नृत्य का तत्व अपने मूल डायटोनिक विषय के साथ संगीत कार्यक्रम के समापन में प्रबल होता है, जहां लोक नृत्य गीतों की स्वर-शैली को एक विशेष लयबद्ध तीक्ष्णता दी जाती है। लेकिन यहां भी, खुशहाल जीवन, जिसमें एक विलक्षण कॉमेडी की उथल-पुथल महसूस की जाती है, मध्य एपिसोड के व्यापक मधुर विषय से शुरू होती है।
तीसरे कॉन्सर्टो में, प्रोकोफ़िएव ने पियानो तकनीक को समृद्ध किया और वाद्ययंत्र की क्षमताओं का नए तरीके से उपयोग किया। साथ ही, कंसर दृढ़ता से विश्व पियानो साहित्य की परंपराओं पर आधारित है, जो रूसी राष्ट्रीय मूल को विनीज़ के गुणों के साथ जोड़ता है। शास्त्रीय शैली. त्चिकोवस्की के पहले कॉन्सर्टो और राचमानिनोव के दूसरे और तीसरे कॉन्सर्टो के साथ, यह रूसी संगीतकारों के काम में इस शैली की सबसे बड़ी घटना से संबंधित है।
बाद के दो पियानो संगीत कार्यक्रमों की रचना 1930 के दशक की शुरुआत में हुई। चौथा संगीत कार्यक्रम (1931) किसके द्वारा शुरू किया गया था? पियानोवादक विट्गेन्स्टाइन, जिन्होंने युद्ध में अपना दाहिना हाथ खो दिया। शैलीगत रूप से, यह संगीत कार्यक्रम 30 के दशक की शुरुआत के कार्यों के करीब है, विशेष रूप से बैले "प्रोडिगल सन" और फोर्थ सिम्फनी। कलाकार की कलाप्रवीण क्षमताओं की महत्वपूर्ण सीमा के कारण, प्रोकोफ़िएव की पियानो संगीत कार्यक्रम शैली की विशिष्ट विशेषताओं को यहां अधिक मामूली पैमाने पर प्रस्तुत किया गया है। यहां भी, अंशों की जीवंत भीड़ कार्निवल-शेर्ज़ो एपिसोड और भावपूर्ण गीतकारिता के पृष्ठों को रास्ता देती है। कॉन्सर्टो के दूसरे भाग की शुरुआत करने वाला गीतात्मक विषय अपनी प्रस्तुति की अद्भुत सादगी के कारण सामने आता है। हालाँकि, यह संगीत कार्यक्रम कुछ विखंडन के बिना नहीं है। प्रोकोफ़िएव के अन्य संगीत कार्यक्रमों की तुलना में, इसकी विषयगत सामग्री कम आकर्षक है।
बोल्स महत्वपूर्ण पाँचवाँ निकला - अंतिम पियानो संगीत कार्यक्रमप्रोकोफ़िएव। इस काम को एक कॉन्सर्ट-सूट कहा जा सकता है: इसमें पांच शैली-विशेषता आंदोलन हैं, जो विषयगत सामग्री के तीव्र विरोधाभासों से संतृप्त हैं। फिफ्थ कॉन्सर्टो में एक बड़े स्थान पर शिर्ज़ो-नृत्य छवियों का कब्जा है, जो रोमियो और जूलियट के कई अंशों के करीब हैं। प्रस्तुतीकरण के दूसरे भाग में सुंदर बैले नृत्य का तत्व हावी है। प्रोकोफ़िएव के हास्य का एक ज्वलंत अवतार।
प्रोकोफ़िएव की अटूट सरलता को विकसित, उत्कृष्ट ढंग से लिखे गए पियानो भाग में पूरी तरह से प्रदर्शित किया गया था। यह मुझे बिल्कुल समापन (पिउ ट्रैंक्विल 1o) के पूरे कीबोर्ड के अंश की याद दिलाता है। कहाँ बायां हाथसही से आगे निकल जाता है. "पहले तो मैं संगीत कार्यक्रम को कठिन नहीं बनाना चाहता था और यहां तक कि इसे "पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीत" कहने का भी इरादा था... लेकिन अंत में यह टुकड़ा बन गया
जटिल, एक ऐसी घटना जिसने मुझे इस अवधि के कई विरोधों में बुरी तरह परेशान किया। स्पष्टीकरण क्या है? मैं सादगी की तलाश में था, लेकिन सबसे ज्यादा मुझे डर था कि यह सादगी पुराने फॉर्मूलों की पुनरावृत्ति, "पुरानी सादगी" में बदल जाएगी, जिसका नए संगीतकार के लिए बहुत कम उपयोग होता है। सादगी की तलाश में, मैंने निश्चित रूप से "नई सादगी" का पीछा किया, और फिर यह पता चला कि नई तकनीकों के साथ नई सादगी और, सबसे महत्वपूर्ण बात, नए स्वरों को बिल्कुल भी नहीं माना गया था। प्रोकोफ़िएव के इस आलोचनात्मक कथन से 30 के दशक की शुरुआत में उनकी खोज की दिशा का पता चलता है, जिससे पता चलता है कि शैली की एक नई गुणवत्ता प्राप्त करने का मार्ग कितना कठिन था।
प्रोकोफ़िएव के संगीत कार्यक्रमों के अलावा, उन वर्षों में सोवियत संगीतकारों ने इस क्षेत्र में लगभग कोई भी महत्वपूर्ण रचना नहीं की। केवल ए. गोएडिके का कंसर्टो फॉर ऑर्गन एंड ऑर्केस्ट्रा ही उल्लेख के योग्य है।
प्रोकोफ़िएव की कृतियाँ चैम्बर वाद्य रचनात्मकता में सबसे हड़ताली घटनाओं में से एक थीं। इस अवधि में पहली बार, उन्होंने चैम्बर वाद्ययंत्र पहनावा की शैली की ओर रुख किया, जिसने पहले उनका ध्यान आकर्षित नहीं किया था।
शहनाई, वायलिन, वायोला, सेलो और पियानो के लिए यहूदी विषयों पर ओवरचर (1919) अपनी शैली की सादगी और रूप की शास्त्रीय पूर्णता से प्रतिष्ठित है। 1924 में, पांच-आंदोलन पंचक लिखा गया था, जिसे प्रोकोफिव ने अपने कार्यों के "सबसे रंगीन" के बीच दूसरे सिम्फनी और पांचवें पियानो सोनाटा के साथ स्थान दिया था। यह अनुमान अब अतिरंजित लगता है; शैली में, पंचक शायद नवशास्त्रीय रेखा के करीब है, हालाँकि यह उस समय के लिए बहुत ही कट्टरपंथी साधनों का उपयोग करता था। वाशिंगटन में कांग्रेस के पुस्तकालय द्वारा नियुक्त प्रथम चौकड़ी (1930) में शास्त्रीय प्रवृत्तियाँ और भी अधिक स्पष्ट रूप से परिलक्षित हुईं। अंतिम एंडांटे सामने आता है, जिसमें, संगीतकार के अनुसार, इस रचना की सबसे महत्वपूर्ण सामग्री केंद्रित है।
सूचीबद्ध कार्यों की सभी रुचि के बावजूद, प्रोकोफ़िएव के काम में चैम्बर वाद्ययंत्र पहनावा की शैली के विकास की एक विशिष्ट रेखा के बारे में बात करना अभी भी शायद ही वैध है। पियानो के लिए उनका संगीत कहीं अधिक "महत्वपूर्ण" स्थान पर था।
1917 में, "क्षणभंगुरता" का चक्र पूरा हुआ, जिसका नाम बाल्मोंट की एक कविता से पैदा हुआ था:
हर क्षणभंगुर क्षण में मैं संसार देखता हूँ।
"बदलते, इंद्रधनुषी रंग के खेल से भरपूर।
इस चक्र को बनाने वाले बीस लघुचित्र अत्यंत संक्षिप्त हैं, उनमें से कोई भी दो या संगीत पाठ के एक पृष्ठ से अधिक नहीं है; कई शुरुआती पियानो वादों की तुलना में, ये टुकड़े प्रस्तुति में अधिक ग्राफिक हैं, एक शानदार संगीत कार्यक्रम की कमी है, और उनके बनावट डिजाइन की सादगी से अलग हैं। हालाँकि, उनकी भाषा में, जो एक जटिल मोडल आधार पर आधारित है, बोल्ड पूर्ण-हार्मोनिक संयोजन, गहरे पॉलीटोनल और पूर्ण-मोडल प्रभावों का उपयोग किया जाता है। प्रत्येक नाटक में एक शैली वैयक्तिकता होती है: मोटर-टोकाटा के साथ वैकल्पिक रूप से मर्मज्ञ गीतात्मक रेखाचित्र, शेरज़ो या नृत्य लघुचित्र। लैकोनिक स्ट्रोक और उज्ज्वल चित्र, कभी-कभी सचित्र "सुरम्यता" से रहित नहीं होते हैं।
भाषा में और भी सरल चक्र "टेल्स ऑफ़ ए ओल्ड ग्रैंडमदर" (1918) है, जो रूसी धुनों से भरा है, जो बोरोडिन के पियानो काम की परंपरा के करीब है। नियोक्लासिकल लाइन को फोर पीसेस ऑप द्वारा दर्शाया गया है। 32 (1918), जिनमें से यह सामग्री की चमक और फिस-मोल गावोटे आकार की विशुद्ध रूप से प्रोकोफिव-जैसी "फोल्डेबिलिटी" के लिए खड़ा है। बाद के नाटकों में से, दो "थिंग्स इन सेल्फ" (1928) को नोट किया जा सकता है, साथ ही दो सोनाटिनास ऑप को भी नोट किया जा सकता है। 54, 1932 में लिखा गया।
1920 के दशक में प्रोकोफ़िएव का सबसे महत्वपूर्ण एकल पियानो काम हर का बड़ा तीन-आंदोलन वाला पांचवां सोनाटा (1923) था। मुख्य विषय"नई सादगी" के सबसे चमकीले अवतारों में से एक का प्रतिनिधित्व करता है, जो बाद में प्रोकोफिव के काम का मुख्य लेटमोटिफ बन गया:

स्पष्ट प्रमुख, सरल त्रिक, मामूली प्रस्तुति अद्वितीय मौलिकता की विशेषताओं के साथ संयुक्त हैं। संगीतकार की रचनात्मक शैली माधुर्य के प्रवाह की विशेष सहजता, अप्रत्याशित मोड़ों, नरम-ध्वनि वाली छलांगों के साथ-साथ विशिष्ट बदलावों में स्पष्ट रूप से दिखाई देती है जो एक ही नाम के छोटे पैमाने के चरणों का परिचय देते हैं।
आगे के विकास में, अधिक जटिल, यहां तक कि परिष्कृत तकनीकें भी काम में आती हैं। विषय का स्वर धीरे-धीरे तीव्र होता जाता है, जिसमें हार्मोनिक पॉलीटोनैलिटी के साधन महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं। विकास के अंत में प्राप्त तनाव पुनरावर्तन में जारी होता है, जहां विषयवस्तु अपने मूल रूप में आ जाती है।
सोनाटा का मध्य भाग एक गीतात्मक केंद्र और एक शेरज़ो के गुणों को जोड़ता है। तीन-आठवीं बार में रागों की मापी गई पुनरावृत्ति की पृष्ठभूमि के खिलाफ, एक राग सामने आता है, जिसके सूक्ष्म मोड़ हाइलाइट्स के खेल या एक विचित्र लट वाले अरबी की तरह होते हैं। गतिशील समापन में प्रोकोफ़िएव के मोटर-टोकाटा संगीत की विशिष्ट छवियों का प्रभुत्व है, जिसमें सामान्य चरमोत्कर्ष तक इसकी विशेषता का निर्माण होता है। साथ ही, सोनाटा के तीसरे आंदोलन में हल्केपन की विशेषता है, जिसका चरित्र विनीज़ शास्त्रीय शैली के अंतिम रोंडो की याद दिलाता है।
पांचवें सोनाटा ने प्रोकोफ़िएव के संगीत की नवशास्त्रीय प्रवृत्तियों को स्पष्ट रूप से व्यक्त किया: प्रस्तुति की ग्राफिक तपस्या, मधुर पैटर्न और बनावट की स्पष्टता, अंशों की सुंदरता। कई मायनों में, इसने 40 के दशक की शुरुआत में बनाई गई प्रसिद्ध सोनाटा "ट्रायड" की शैली की पूर्व-प्रशंसा की।
समग्र रूप से 20 के दशक का चैम्बर वाद्य कार्य एक बहुत ही विषम और प्रेरक चित्र प्रस्तुत करता है, इसलिए यहां अग्रणी, परिभाषित पंक्तियों को स्थापित करना बहुत मुश्किल है।
स्ट्रिंग चौकड़ी के क्षेत्र में, संगीतकारों की पुरानी पीढ़ी ने रूसी चैम्बर वाद्ययंत्र कलाकारों की टुकड़ी की शास्त्रीय परंपरा को जारी रखा। ये ग्लेज़ुनोव की दो चौकियाँ हैं - छठी और सातवीं (1921 और 1930)। उनमें से दोनों (विशेष रूप से सातवें) एक कार्यक्रम सूट की शैली के करीब आते हैं: संगीत को अभिव्यक्ति की अधिक ठोसता की विशेषता है (व्यक्तिगत भागों के नाम हैं)। यह चैम्बर शैली की सीमाओं का विस्तार करने और चौकड़ी को सहानुभूति देने की संगीतकार की स्पष्ट इच्छा पर ध्यान देने योग्य है। इस संबंध में विशेष रूप से सांकेतिक सातवीं चौकड़ी का समापन है - "रूसी अवकाश"।
महान परिपक्वता और कौशल का एक काम है आर. ग्लेयर की तीसरी चौकड़ी।
एक। अलेक्जेंड्रोव, वी. नेचैव, वी. शेबालिन ने अपनी प्रारंभिक चौकड़ी में खुद को "मॉस्को स्कूल" के योग्य प्रतिनिधि के रूप में दिखाया, जिसने तनयेव परंपरा को स्वीकार किया और विकसित किया। पहली चौकड़ी एन. अलेक्जेंड्रोवा (1921) 1914 में बनाए गए एक काम का पुनर्मूल्यांकन था। चैम्बर शैली के एनफ़ोनिज़ेशन की वही प्रवृत्ति जो हमने ग्लेज़ुनोव की चौकड़ी में देखी थी, इसमें ध्यान देने योग्य है। यह न केवल काम के पैमाने में, ध्वनि की समृद्धि में, बल्कि तुलना की गई छवियों के विपरीत में भी महसूस किया जाता है, जिसका एक उदाहरण एंडांटे एफेटुओसो का तीसरा भाग है: उज्ज्वल, दयनीय पहले भाग की तुलना की जाती है दूसरे की दुखद विस्मयादिबोधक प्रकृति के साथ, विशेष रूप से एक अभिव्यंजक ओस्टिनैटो लयबद्ध आकृति की पृष्ठभूमि के खिलाफ<>चौकड़ी में हल्के गेय स्वरों की प्रधानता होती है। "स्नो मेडेन" स्वरों के साथ पहला विषय पूरे कार्य की उपस्थिति को निर्धारित करता है
संगीतकार के रूप में एक उल्लेखनीय शुरुआत वी. नेचैव चौकड़ी (एनआईएम) थी, जिसने लेखक को न केवल देश में, बल्कि विदेशों में भी प्रसिद्धि दिलाई। 1 इसमें विषय-वस्तु का सुस्पष्ट राष्ट्रीय स्वाद और रूसी स्कूल का समर्थन संयुक्त है रचना और नाट्यशास्त्र में कुछ नया खोजने के साथ। यह काम एक-भाग वाला है और एक प्रकार की "चौकड़ी-कविता" है, जिसमें चमकीले विपरीत विषय हैं, कुछ मामलों में एक-भाग रचना के भीतर एक स्वतंत्र भाग के आकार में विकसित किया गया है।
वी. शेबालिन की पहली चौकड़ी - बाद में महागुरुइस शैली का - 1923 में लिखा गया (जब लेखक अभी भी मॉस्को कंज़र्वेटरी में छात्र था)। चौकड़ी ने तुरंत संगीत समुदाय का ध्यान युवा संगीतकार की ओर आकर्षित किया। चौकड़ी का संगीत युवा ताजगी की सांस लेता है और साथ ही इसमें पर्याप्त परिपक्वता और कौशल भी है। यह पहले से ही शेबालिन की वाद्य शैली की विशिष्ट विशेषताओं को अलग करता है: पॉलीफोनी (फिनाले के कोडा में विषयों का फुगाटो और कंट्रापंटल संयोजन) की ओर प्रवृत्ति, विषयगत सामग्री को दोहराकर चक्र के कुछ हिस्सों को एकजुट करने के लिए, प्राकृतिक मोड के उपयोग के लिए (एक तरफ) समापन का भाग)।
संगीतकार की व्यक्तिगत शैली को थीम* में भी महसूस किया जाता है - बहुत स्पष्ट और लचीला, लेकिन अप्रत्याशित "मोड़" के साथ जो संगीतमय विचार को अधिक "दृढ़" और यादगार बनाता है, उदाहरण के लिए, यह पहले आंदोलन का मुख्य विषय है:

चौकड़ी के रूप की पूर्णता और इसकी संक्षिप्तता (चौकड़ी में तीन गतियाँ हैं, तीसरे में शेरज़ो और समापन की विशेषताएं शामिल हैं) हमें शेबालिन की चौकड़ी को सर्वश्रेष्ठ में से एक मानने की अनुमति देती है चैम्बर कार्य 20s.
20 के दशक की चैम्बर संगीत संवेदनाओं में से एक लेनिनग्राडर जी. पोपोव का सेप्टेट था (बांसुरी, शहनाई, बैसून, तुरही, वायलिन, सेलो और डबल बास के लिए)। यह कार्य, जो सशक्त रूप से प्रयोगात्मक है, उन तत्वों की तुलना पर आधारित है जो विरोधाभास के बिंदु पर विपरीत हैं। रूसी में, पहले भाग का मधुर विषय (मोडेराटो कैनलैबाइल) दूसरे के तीव्र, मोटर विषयों और नाटकीय लार्गो - एक रचनात्मक, कठिन समापन के साथ विपरीत है। इस कार्य की सबसे आकर्षक विशेषता रूप की भावना है, जिसे "रूप-प्रक्रिया" के रूप में समझा जाता है, संगीत विषयों में निहित लयबद्ध ऊर्जा के विकास के रूप में।
20 के दशक के पियानो संगीत में, बेहद अलग, यहां तक कि विपरीत, रुझान एक साथ मौजूद हैं, जिनमें से दो को सबसे अधिक दृढ़ता से महसूस किया जाता है। पहला स्क्रिपियन के पियानो कार्य की पंक्ति की निरंतरता है: आइए इसे "रोमांटिक" प्रवृत्ति कहें। दूसरी प्रवृत्ति - स्पष्ट रूप से और सशक्त रूप से एंटी-रोमांटिक - 20 के दशक के उत्तरार्ध में महसूस की जाने लगी, जब पश्चिमी "नए उत्पाद" मॉस्को और विशेष रूप से लेनिनग्राद के संगीत कार्यक्रम और विशेष रूप से संगीतकारों के कार्यों में प्रवेश करना शुरू कर दिया। जिन्होंने उन वर्षों में संगीत में रूमानियत और प्रभाववाद (फ्रेंच "सिक्स", हिंडेमिथ, आदि) का प्रदर्शनात्मक विरोध किया।
सोवियत संगीतकारों के काम में स्क्रिबिन का प्रभाव अलग-अलग तरीकों से अपवर्तित हुआ। मायस्कॉव्स्की, फीनबर्ग, एन के पियानो सोनाटा में इसका बहुत ही ध्यान देने योग्य प्रभाव था। अलेक्जेंड्रोव, जैसा कि विकास की एक ही गहन रेखा (उस समय के कई सोनाटा एक-आंदोलन थे), विशिष्ट बनावट, परिष्कृत और तंत्रिका लय, और विशिष्ट "स्क्रैबलिज़्म" के साथ पियानो कविताओं के रूप में सोगागा शैली की व्याख्या से प्रमाणित है। सद्भाव।
मायस्कॉव्स्की का तीसरा और चौथा सोनाटा (दोनों सी माइनर में) उनकी छठी सिम्फनी के करीब एक दुखद अवधारणा पर आधारित हैं। यह निकटता तीसरे सोनाटा (एक आंदोलन) में विशेष रूप से स्पष्ट रूप से महसूस की जाती है - तीव्र, आकांक्षी। परंतु आवेग अपने लक्ष्य तक नहीं पहुंच पाता और निरंतर बढ़ते तनाव का समाधान नहीं हो पाता; यही बात इसे सिम्फनी से अलग करती है, जिसमें, जैसा कि ऊपर बताया गया है, उज्ज्वल, गीतात्मक छवियां बहुत महत्वपूर्ण हैं। तीसरे की गीतात्मक छवि! सोनाटा (पार्श्व भाग) केवल एक क्षणभंगुर ज्ञानोदय है।
चौथा सोनाटा स्मारकीय चार-आंदोलन चक्र के पैमाने और छवियों की सीमा की चौड़ाई के संदर्भ में वास्तव में सिम्फोनिक है। सोवियत शोधकर्ता ने सोनाटा के पहले भाग के "बीथोवेनिज़्म" को सही ढंग से इंगित किया, जो लगभग बीथोवेन के सोनाटा ऑप के एक उद्धरण से शुरू होता है। 111. एक नाटकीय पहला आंदोलन, एक सख्त और गंभीर सरबंद, "पेरपेटुम मोबाइल" जैसा समापन - यह इस सोनाटा की "शास्त्रीय" उपस्थिति है। जैसा कि अक्सर मायस्कॉव्स्की की सिम्फनी में होता है, चक्र को केंद्रीय छवियों में से एक की पुनरावृत्ति द्वारा एक साथ रखा जाता है: समापन में पहले आंदोलन का एक पार्श्व भाग होता है।
स्क्रिबिन का प्रभाव सबसे अधिक स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ, शायद, एस. फीनबर्ग के पियानो कार्य में। सबसे जटिल बनावट, विचित्र लय, गति में बार-बार परिवर्तन और गति की प्रकृति - यह सब इसे देगा पियानो काम करता है(सोनाटा सहित) सुधार की विशेषताएं, जो लेखक की व्याख्या में आकर्षक हैं, लेकिन अन्य कलाकारों के लिए भारी कठिनाइयां पैदा करती हैं। 1920 के दशक में फीनबर्ग के काम की खासियत उनकी छठी सोनाटा (1923) है। इसकी शुरुआत एक थीम-एपिग्राफ से होती है - घड़ी के बारह स्ट्रोक। यह प्रतीकवाद बिल्कुल स्पष्ट है: विश्व ऐतिहासिक प्रलय का विषय, जिसने उन वर्षों में कई कलाकारों को चिंतित किया था, यहाँ परिलक्षित होता है। लेकिन इसकी व्याख्या अमूर्त और गहरे व्यक्तिपरक तरीके से की जाती है। परिचय में घड़ी का बजना, एलेग्रो की विद्रोही और बेचैन छवियां, अंतिम शोकपूर्ण प्रकरण - यह सब खतरनाक दुखद संबंधों को उजागर करता है
छवियों का एक अलग चक्र चौथी सोनाटा एन का आधार है। अलेक्जेंड्रोव, जिसमें नाटकीय और कभी-कभी दुखद, गीतात्मक और गंभीर छवियों की तुलना की जाती है। कार्य की विशेषता "व्यापक श्वास", विषयों का मुक्त और उज्ज्वल विकास है। सोनाटा की नाटकीयता पारंपरिक नहीं है: नाटकीय, भावुक पहले भाग से, जिसका मुख्य विषय कोडा में एक विजयी भजन में बदल जाता है, गीतात्मक और विचारशील दूसरे भाग से दुखद समापन तक (में) नामांकित नाबालिग, जो काफी दुर्लभ मामलों का प्रतिनिधित्व करता है)। समापन राष्ट्रगान की थीम के एक नए और और भी अधिक गंभीर प्रदर्शन के साथ समाप्त होता है। इस प्रकार, यह कार्य एन के कार्य के विशिष्ट चरित्र की भी पुष्टि करता है। अलेक्जेंड्रोव का जीवन के आनंद का विषय। सोनाटा में यह "अलेक्जेंड्रियन सॉन्ग्स" की तुलना में अधिक उज्ज्वल, अधिक साहसी लग रहा था, उनमें निहित आत्मनिर्भर सुखवाद के बिना।
मायस्कॉव्स्की, फीनबर्ग और अलेक्जेंड्रोव के सोनाटा में सभी मतभेदों के बावजूद, उनके पास सोवियत चैम्बर संगीत के पूरे आंदोलन के लिए कुछ एकीकृत और विशिष्ट है। यह सोनाटा शैली को ही एक गहन नाटकीय रूप के रूप में समझना है बड़े पैमाने पर, एक संगीतमय कथन का अभिव्यंजक "इम्प्रोवाइज़ेशन", जिसके लिए कलाकार को पूरी तरह से विलय करने की आवश्यकता होती है और, जैसा कि वह था, काम के लेखक के साथ "पहचान"। जो चीज उन्हें एकजुट करती है वह है "अनसुने परिवर्तनों" के समय की लय को प्रतिबिंबित करने की इच्छा, हालांकि बहुत ही व्यक्तिपरक रूप में व्यक्त की गई है। यह वह है (और न केवल रूप या सामंजस्य की व्यक्तिगत विशेषताएं) जो कि पियानो सोनाटा को स्क्रिबिन के काम के साथ और अधिक व्यापक रूप से रोमांटिक सोनाटा की संपूर्ण परंपरा के साथ समान बनाती है, जिसे स्क्रिबिन के काम में इस तरह का व्यक्तिगत रूप से ज्वलंत अवतार प्राप्त हुआ। काम।
युवा संगीतकारों का काम, पश्चिमी पियानो संगीत की नवीनता से मोहित होकर, जो सबसे पहले हम तक पहुंचा, एक अलग और यहां तक कि विपरीत दिशा में विकसित हुआ।
सोवियत संगीत में, "एंटी-रोमांटिक" आंदोलन ने कलात्मक रूप से संतोषजनक कुछ भी उत्पन्न नहीं किया। यह अलग-अलग तरीकों से प्रकट हुआ। कुछ संगीतकारों द्वारा पियानो संगीत में "औद्योगिक" छवियों को प्रतिबिंबित करने का प्रयास वास्तव में आमतौर पर सरल ओनोमेटोपोइया (वी. डेशेवोव द्वारा "रेल्स") तक सीमित हो गया। एन. रोस्लावेट्स द्वारा "संगीत बनाने" का सिद्धांत, जो जानबूझकर गैर-पियानो, ग्राफिक बनावट और कठोर सामंजस्य की तलाश में सामने आया, ने कोई रचनात्मक परिणाम नहीं दिया।
हम इन गुणों को कई युवा लेखकों में पाते हैं जिन्होंने 20 के दशक में अपना काम शुरू किया था (ए. मोसोलोव, एल. पोलोविंकिन)। उन वर्षों में पोलोवनिकिन को अत्यधिक विलक्षणता की विशेषता थी, जो उनके नाटकों के शीर्षकों में भी प्रकट हुई थी। "घटनाएँ", "विद्युतीकरण", "द लास्ट सोनाटा"।
हालाँकि, कभी-कभी, चौंकाने वाले "शहरी" नामों के तहत आम तौर पर काफी मधुर और समृद्ध संगीत छिपा होता था। उदाहरण के लिए, पोलोविंकिन के पियानो टुकड़े ऑप हैं। 9 ("शोकगीत", "विद्युतीकरण", "भूतिया")। समझ से परे शीर्षक "विद्युतीकरण" संगीत के अर्थ और प्रदर्शन तकनीक दोनों के संदर्भ में फॉक्सट्रॉट या रैगटाइम की लय में एक सरल टुकड़े को संदर्भित करता है।
शोस्ताकोविच का चक्र "एफ़ोरिज़्म" (ऑप. 13) रोमांटिक-विरोधी प्रवृत्तियों का सबसे शुद्ध उदाहरण प्रस्तुत करता है। अपने कार्यों को पियानो के टुकड़ों ("रीसिटेटिव", "सेरेनेड", "नोक्टर्न", "एलेगी", "फ्यूनरल मार्च", कैनन", "लीजेंड", "लोरी") के लिए पारंपरिक कार्यक्रम शीर्षक देने के बाद, संगीतकार जानबूझकर अप्रत्याशित रूप से उनकी व्याख्या करता है। , असामान्य (यह बहुत ज़ोरदार और किसी भी तरह से गीतात्मक "नोक्टर्न" नहीं है)। "एफ़ोरिज़्म" में शोस्ताकोविच विचित्र, टूटी हुई मधुर चालों, रैखिक रूप से विकसित होने वाली आवाज़ों की कठोर टक्करों का उपयोग करता है। कई नाटकों में, स्वर की भावना भी गायब हो जाती है, इसलिए संगीतकार इसकी स्वतंत्र रूप से व्याख्या करता है। प्रत्येक टुकड़ा, संक्षेप में, कुछ औपचारिक समस्या का समाधान है जो संगीतकार के लिए रुचिकर है, लेकिन, जाहिर तौर पर, श्रोता की प्रत्यक्ष धारणा के लिए अभिप्रेत नहीं है।
सबसे स्पष्ट उदाहरण इस चक्र से नंबर 8 है, एक जटिल "ऊर्ध्वाधर और क्षैतिज रूप से चलने वाले काउंटरपॉइंट में आवाज प्रविष्टि के बहुत ही अपरंपरागत अंतराल (निचले अंडेसीमा और ऊपरी सेकंड) के साथ एक तीन आवाज वाला कैनन"। सबसे कठिन कार्य ने प्रस्तुति की विधि को भी निर्धारित किया: प्रत्येक आवाज की मधुर रेखा कोणीय होती है, जो विरामों से टूट जाती है (जिसके बिना आवाजों का तेज संयोजन और भी अधिक कठोर लगता है)। सामान्य तौर पर, यह नाटक उस चीज़ का उदाहरण प्रस्तुत करता है जिसे आमतौर पर "आंखों के लिए संगीत" कहा जाता है। और चक्र के केवल एक एपिसोड में - "लोरी" - संगीतकार सरल और स्पष्ट भाषा में बोलता है।
20 के दशक के अधिकांश पियानो कार्यों को कॉन्सर्ट अभ्यास में संरक्षित नहीं किया गया है, इस तथ्य के बावजूद कि उनमें से कुछ (मायास्कोवस्की के तीसरे और चौथे सोनाटा, अलेक्जेंड्रोव के चौथे सोनाटा) को बाद में लेखकों द्वारा संशोधित किया गया था। श्रोताओं के जनसमूह की संगीत चेतना या तो "रोमांटिक" प्रवृत्ति के व्यक्तिपरक रूप से रंगीन दुखद पथों से, या "एंटी-रोमांटिक्स" के तर्कसंगत निर्माणों से अप्रभावित रही। अभिव्यक्ति का एक अलग तरीका और दूसरे साधन ढूंढना जरूरी था. सबसे बड़ी कठिनाइयाँ विषय-वस्तु की समस्या द्वारा प्रस्तुत की गईं, जो दोनों दिशाओं के लिए समान रूप से कठिन थी। स्क्रीएब्लिनिस्टों के बीच विषयवाद की अभिव्यक्ति को अक्सर एगॉगिक्स की अभिव्यक्ति से बदल दिया गया था; उपर्युक्त रचनावादी प्रयोगों में विषयवस्तु अत्यंत शुष्क एवं अस्पष्ट थी।
20 के दशक के कार्य, जो सीधे तौर पर लोक गीत लेखन से संबंधित थे, कहीं अधिक महत्वपूर्ण साबित हुए। रोजमर्रा की शैलियाँया उन्हें रूपांतरित करना शास्त्रीय संगीत. उदाहरण के लिए, हमारा मतलब मायस्कॉव्स्की के पियानो लघुचित्रों के चक्र "व्हिम्स," "येलोड पेजेस," और "मेमोरीज़" से है। इन चक्रों में से दूसरा विशेष रूप से प्रदर्शन और शिक्षण अभ्यास में मजबूती से स्थापित है।
लेखक ने इन नाटकों को "सरल छोटी चीजें" कहा है, और वे वास्तव में प्रदर्शन करने और समझने में बहुत सरल हैं। हालाँकि, यहाँ कोई सरलीकृत सोच नहीं है। "येलोड पेजेस" में हमें 20 के दशक की मायस्कॉव्स्की की सिम्फनी की छवियों के समान कई थीम-छवियां मिलती हैं, लेकिन उस "निष्पक्षता" के साथ व्यक्त की जाती है जिसे संगीतकार ने अपने काम में इतनी तीव्रता से खोजा था। यहां हमें मायस्कॉव्स्की की एक थीम विशेषता मिलेगी, जो एक आग्रहपूर्ण, हताश कॉल की तरह लगती है जो अनुत्तरित रहती है (नंबर जी), और एक घोषणात्मक शैली के विषय (वीके" 1 का मध्य भाग, की 2 का मुख्य विषय), और पाँचवीं और छठी सिम्फनीज़ (मुख्य थीम नंबर 1, मध्य आंदोलन और कोडा नंबर 6) की गीतात्मक छवियों के करीब मधुर मधुर विषय।
इन पियानो टुकड़ों में, अपने शिक्षकों, विशेषकर ल्याडोव के काम के साथ मायस्कॉव्स्की की निरंतरता स्पष्ट रूप से महसूस की जाती है। उदाहरण के लिए, "येलोड पेजेस" के सातवें भाग का कठोर महाकाव्य चरित्र सीधे ल्याडोव के गीत "अबाउट एंटिकिटी" से मिलता जुलता है, और पाँचवाँ भाग "ऑर्केस्ट्रा के लिए आठ गाने" के "लोरी" के बहुत करीब है। यह नाटक लोक गीत सिद्धांतों के एक बहुत ही व्यक्तिगत कार्यान्वयन के उदाहरण के रूप में काम कर सकता है। इसमें लोक लोरी के साथ संबंध स्पष्ट रूप से महसूस किया जाता है, और साथ ही हमें किसी भी संभावित प्रोटोटाइप में बिल्कुल वही स्वर नहीं मिलेंगे। मंत्र, लोरी की विशेषता, "फैले हुए" प्रतीत होते हैं, विस्तारित होते हैं, जो माधुर्य को अधिक पारदर्शी और विशिष्ट वाद्य ध्वनि देता है।
यह ध्यान रखना महत्वपूर्ण है कि इस प्रकार की छवियां न केवल अधिक व्यक्तिगत प्रकृति की छवियों के साथ सह-अस्तित्व में हैं, बल्कि उन्हें प्रभावित भी करती हैं, जिससे उन्हें अभिव्यक्ति की अधिक निष्पक्षता मिलती है।
रूप की स्पष्टता और पूर्णता, विषयों की राहत और अभिव्यक्ति हमें मायास्कोवस्की के चक्र को 20 के दशक के सर्वश्रेष्ठ पियानो कार्यों में से एक के रूप में वर्गीकृत करने की अनुमति देती है।

संभवतः हर व्यक्ति संगीत का पक्षपाती है। यह मानवता के साथ अटूट रूप से जुड़ा हुआ है, यह निर्धारित करना असंभव है कि किसी व्यक्ति ने इसे कब महसूस करना सीखा। सबसे अधिक संभावना है, यह तब हुआ जब हमारे पूर्वज, अपनी भावनाओं को व्यक्त करने की कोशिश कर रहे थे, तब से, मनुष्य और संगीत अटूट रूप से जुड़े हुए हैं, आज इसकी कई शैलियाँ, शैलियाँ और दिशाएँ हैं; यह लोकगीत, आध्यात्मिक और अंत में, शास्त्रीय वाद्ययंत्र - सिम्फोनिक और चैम्बर संगीत है। लगभग हर कोई जानता है कि यह आंदोलन क्या है और चैम्बर संगीत कैसे मौजूद है, लेकिन कम ही लोग जानते हैं कि इसके अंतर और विशेषताएं क्या हैं। आइए लेख में बाद में इसे समझने का प्रयास करें।

चैम्बर संगीत का इतिहास

चैम्बर संगीत का इतिहास मध्य युग का है। 16वीं शताब्दी में, संगीत चर्चों की सीमा से परे जाना शुरू हुआ। कुछ लेखकों ने ऐसी रचनाएँ लिखना शुरू किया जो पारखी लोगों के एक छोटे समूह के लिए चर्च की दीवारों के बाहर प्रदर्शित की गईं। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि सबसे पहले ये केवल मुखर भाग थे, और चैम्बर वाद्य संगीत बहुत बाद में दिखाई दिया। लेकिन सबसे पहले चीज़ें.

चैम्बर संगीत मंत्रमुग्ध कर देने वाला है। शायद सभी को याद होगा कि यह नाम इटालियन शब्द कैमरा ("रूम") से आया है। चर्च के विपरीत और थिएटर संगीत, चैम्बर संगीत मूल रूप से श्रोताओं के एक संकीर्ण समूह के लिए एक छोटे समूह द्वारा घर के अंदर प्रदर्शन करने का इरादा था। एक नियम के रूप में, प्रदर्शन घर पर और बाद में छोटे पैमाने पर हुआ संगीत - कार्यक्रम का सभागृह. चैंबर वाद्य संगीत 18वीं-19वीं शताब्दी में अपनी लोकप्रियता के चरम पर पहुंच गया, जब अमीर घरों के सभी लिविंग रूम में इसी तरह के संगीत कार्यक्रम आयोजित किए गए। बाद में, अभिजात वर्ग ने भी परिचय दिया स्टाफ पदसंगीतकार.

चैम्बर संगीत की छवियाँ

प्रारंभ में, चैम्बर संगीत का उद्देश्य उन लोगों के एक छोटे समूह के सामने प्रदर्शन करना था जो इसके पारखी और विशेषज्ञ थे। और जिस कमरे में संगीत कार्यक्रम हुआ उसका आकार कलाकारों और श्रोताओं को एक-दूसरे के निकट संपर्क में रहने की अनुमति देता था। इस सबने अपनेपन का एक अनोखा माहौल तैयार किया। शायद इसीलिए ऐसी कला में गीतात्मक भावनाओं और मानवीय अनुभवों की विभिन्न बारीकियों को प्रकट करने की उच्च क्षमता होती है।

चैम्बर संगीत की शैलियों को लैकोनिक, लेकिन साथ ही, विस्तृत साधनों का उपयोग करके संप्रेषित करने के लिए अधिक सटीक रूप से डिज़ाइन नहीं किया जा सकता है। इसके विपरीत जहां भागों का प्रदर्शन उपकरणों के समूहों द्वारा किया जाता है, ऐसे कार्यों में प्रत्येक उपकरण के लिए एक अलग भाग लिखा जाता है, और वे सभी व्यावहारिक रूप से एक दूसरे के बराबर होते हैं।

चैम्बर वाद्ययंत्र पहनावा के प्रकार

जैसे-जैसे इतिहास आगे बढ़ा, चैम्बर संगीत भी आगे बढ़ा। इस तरह के निर्देश में निष्पादकों के संबंध में कुछ विशिष्टताएँ होनी चाहिए, इसके लिए प्रमाण की आवश्यकता नहीं है। आधुनिक वाद्ययंत्र समूह हैं:

युगल (दो कलाकार);
तिकड़ी (तीन सदस्य);
चौकड़ी (चार);
पंचक (पांच);
सेक्सेट्स (छह);
सेप्टेट्स (सात);
अष्टक (आठ);
नोनेट (नौ);
डेसीमेटस (दस)।

साथ ही, वाद्य रचना बहुत विविध हो सकती है। इसमें दोनों तार शामिल हो सकते हैं, और एक समूह में केवल तार या केवल हवाएँ शामिल हो सकती हैं। मिश्रित कक्ष पहनावा भी हो सकता है - पियानो विशेष रूप से अक्सर उनमें शामिल होता है। सामान्य तौर पर, उनकी रचना केवल एक चीज़ तक सीमित होती है - संगीतकार की कल्पना, और यह अक्सर असीमित होती है। इसके अलावा, चैम्बर ऑर्केस्ट्रा भी हैं - ऐसे समूह जिनमें 25 से अधिक संगीतकार शामिल नहीं हैं।

वाद्य चैम्बर संगीत की शैलियाँ

चैम्बर संगीत की आधुनिक शैलियों का निर्माण डब्ल्यू. ए. मोजार्ट, एल. बीथोवेन, आई. हेडन जैसे महान संगीतकारों के कार्यों के प्रभाव में हुआ। ये वे विशेषज्ञ थे जिन्होंने विषय-वस्तु के परिष्कार और भावनात्मक गहराई के मामले में नायाब कृतियों का निर्माण किया। 19वीं सदी के सबसे प्रसिद्ध रोमांटिक लोगों ने सोनाटा, युगल, तिकड़ी, चौकड़ी और पंचक को श्रद्धांजलि दी: एफ. मेंडेलसोहन, आर. शुमान, एफ. शुबर्ट, एफ. चोपिन। इसके अलावा, वाद्य लघुचित्रों (निशाचर, इंटरमेज़ोस) की शैली ने भी इस समय काफी लोकप्रियता हासिल की।

यहां चैम्बर कॉन्सर्ट, सुइट्स, फ्यूग्स और कैंटटास भी हैं। 18वीं शताब्दी में भी, चैम्बर संगीत की शैलियाँ बेहद विविध थीं। इसके अलावा, उन्होंने अन्य प्रवृत्तियों और शैलियों की शैलीगत विशेषताओं को अवशोषित किया। उदाहरण के लिए, चैम्बर संगीत जैसी घटना की सीमाओं को आगे बढ़ाने की एल. बीथोवेन की इच्छा इतनी स्पष्ट रूप से दिखाई देती है कि "क्रेट्ज़र सोनाटा" जैसा उनका काम किसी भी तरह से अपनी स्मारकीयता और भावनात्मक तीव्रता में सिम्फोनिक कार्यों से कमतर नहीं है।

वोकल चैम्बर संगीत की शैलियाँ

19वीं शताब्दी में, वोकल चैम्बर संगीत ने अत्यधिक लोकप्रियता हासिल की। आर. शुमान, एफ. शुबर्ट और जे. ब्राह्म्स जैसे लोगों ने कला, गीत और रोमांस की उभरती नई शैलियों को श्रद्धांजलि दी। रूसी संगीतकारों ने चैम्बर संगीत कार्यों के विश्व संग्रह में अमूल्य योगदान दिया है। एम. आई. ग्लिंका, पी. आई. त्चिकोवस्की, एम. पी. मुसॉर्स्की, एम. ए. रिमस्की-कोर्साकोव के शानदार रोमांस आज भी किसी को उदासीन नहीं छोड़ते हैं। अलावा छोटे काम, चैम्बर ओपेरा की भी एक शैली है। इसमें कम संख्या में कलाकार शामिल होते हैं और उत्पादन के लिए बड़े कमरे की आवश्यकता नहीं होती है।

चैम्बर संगीत आज

बेशक, आज व्यावहारिक रूप से ऐसे कोई घर नहीं हैं, जहां पिछली शताब्दियों की तरह, चैम्बर पहनावा लोगों के एक सीमित दायरे से घिरा हुआ हो। हालाँकि, मौजूदा रूढ़ियों के विपरीत, यह दिशा काफी मांग में बनी हुई है। दुनिया भर के ऑर्गन और चैम्बर संगीत हॉल शास्त्रीय संगीतकारों और दोनों के कार्यों के लाखों प्रशंसकों को आकर्षित करते हैं आधुनिक लेखक. उत्सव नियमित रूप से आयोजित किए जाते हैं जहां प्रसिद्ध और उभरते कलाकार अपनी कला साझा करते हैं।

"संगीत पाठ" संख्या 16. मोजार्ट। चैम्बर और वाद्य रचनात्मकता।

नमस्ते। हम फिर से "म्यूजिक लेसन्स" कार्यक्रम के अगले संस्करण को विनीज़ के प्रतिनिधि वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट के काम के लिए समर्पित करते हैं। शास्त्रीय विद्यालय 18वीं शताब्दी, जिसकी उच्चतम अभिव्यक्ति उनके चेहरे पर पाई गई। प्रबुद्धता के युग ने विनीज़ क्लासिक्स - हेडन, मोजार्ट, ग्लक के कार्यों में संगीत विकास का अपना ओलंपस पाया। विनीज़ क्लासिक्स का संगीत सामान्य सौंदर्य और नैतिक विशेषताओं द्वारा प्राचीन कला से संबंधित है: विचारों की गहराई और जीवन शक्ति, छवियों की उदात्तता और संतुलन, रूप की सद्भाव और स्पष्टता, अभिव्यक्ति की स्वाभाविकता और सरलता। प्रबुद्धता के विचारकों ने हेलस कला की सद्भाव और सुंदरता को स्वतंत्र और सामंजस्यपूर्ण मानव दुनिया के कलात्मक प्रतिबिंब के रूप में देखा। मोजार्ट ज्ञानोदय का एक संगीत विश्वकोश है, जो अपनी बहुमुखी प्रतिभा में अद्भुत है। मेरे लिए छोटा जीवन(36 वर्ष से कम आयु) उन्होंने 600 से अधिक रचनाएँ बनाईं।

कोचेल द्वारा संकलित मोजार्ट के कार्यों की विषयगत सूची (यह 1862 में लीपज़िग में प्रकाशित हुई थी) 550 पृष्ठों की मात्रा है। कोचेल की गणना के अनुसार, मोजार्ट ने 68 पवित्र रचनाएँ (मास, ओटोरियो, भजन, आदि), थिएटर के लिए 23 रचनाएँ, हार्पसीकोर्ड के लिए 22 सोनाटा, 45 सोनाटा और वायलिन और हार्पसीकोर्ड के लिए विविधताएँ, 32 स्ट्रिंग चौकड़ी, लगभग 50 सिम्फनी, 55 लिखीं। संगीत कार्यक्रम और आदि, कुल 626 कार्य।

पुश्किन ने छोटी त्रासदी "मोजार्ट और सालिएरी" में मोजार्ट के काम का संक्षेप में और सटीक वर्णन किया: "कितनी गहराई! क्या साहस और क्या सद्भाव!”

आज हम संगीतकार के चैम्बर-वाद्य कार्य पर अधिक ध्यान देंगे, और कार्यक्रम का हमारा संगीत भाग अरेबेस्क क्विंट द्वारा प्रस्तुत लोकप्रिय "लिटिल नाइट सेरेनेड" के एक अंश के साथ खुलता है।

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मोज़ार्ट का जीवन यूरोप में आध्यात्मिक और रहस्यमय शिक्षाओं में अत्यधिक रुचि के जागरण के साथ मेल खाता था। 18वीं शताब्दी के मध्य की अपेक्षाकृत शांत अवधि में, आत्मज्ञान की इच्छा के साथ-साथ, बौद्धिक और सामाजिक-शैक्षणिक व्यवस्था (फ्रांसीसी ज्ञानोदय, विश्वकोश) की खोज, पुरातनता की गूढ़ शिक्षाओं में रुचि पैदा हुई।

14 दिसंबर, 1784 को, मोजार्ट मेसोनिक ऑर्डर में शामिल हो गया, और 1785 तक उसे पहले ही मास्टर मेसन की डिग्री मिल चुकी थी। बाद में जोसेफ हेडन और लियोपोल्ड मोजार्ट (संगीतकार के पिता) के साथ भी यही हुआ, जिन्होंने लॉज में शामिल होने के 16 दिनों के भीतर मास्टर डिग्री हासिल कर ली।

मोज़ार्ट के मेसोनिक बिरादरी में शामिल होने के कई संस्करण हैं। उनमें से एक के अनुसार, "इन द नेम ऑफ चैरिटी" नामक विनीज़ लॉज में प्रवेश के लिए गारंटर उनके मित्र और "द मैजिक फ्लूट" के भावी लिबरेटिस्ट इमैनुएल स्किकानेडर थे। इसके बाद, मोजार्ट की सिफारिश पर, वोल्फगैंग के पिता, लियोपोल्ड मोजार्ट को उसी लॉज में (1787 में) भर्ती कराया गया था।

मास्टर मेसन बनने के बाद, मोजार्ट ने, थोड़े ही समय में, लॉज में काम के लिए सीधे तौर पर ढेर सारा संगीत तैयार किया। जैसा कि अल्बर्ट आइंस्टीन बताते हैं:

"मोजार्ट एक भावुक, आश्वस्त फ्रीमेसन था, हेडन की तरह बिल्कुल नहीं, हालांकि, उसे एक माना जाता था, जिस क्षण से उसे "मुक्त राजमिस्त्री" के भाईचारे में स्वीकार किया गया था, उसने कभी भी लॉज की गतिविधियों में भाग नहीं लिया और लिखा नहीं एक एकल मेसोनिक कार्य। मोज़ार्ट ने न केवल हमें बहुत कुछ छोड़ा महत्वपूर्ण कार्य, विशेष रूप से मेसोनिक संस्कारों और समारोहों के लिए लिखा गया - फ्रीमेसोनरी का विचार ही उनके काम में व्याप्त है।"

संगीतशास्त्री इन कार्यों की विशिष्ट विशेषताओं पर ध्यान देते हैं: "एक सरल, कुछ हद तक भजनात्मक रचना, तीन स्वर वाली तार संरचना, कुछ हद तक अलंकारिक सामान्य चरित्र।"

उनमें से इस तरह के काम हैं: "अंतिम संस्कार मेसोनिक संगीत", पवन कलाकारों की टुकड़ी के लिए एडैगियो (अनुष्ठान मेसोनिक जुलूसों के साथ प्रयोग किया जाता है); 2 शहनाई और 3 हॉर्न के लिए एडैगियो (लॉज के भाइयों के लॉज में प्रवेश के लिए); बांसुरी, ओबो, सेलो और सेलेस्टा और अन्य के लिए एडैगियो और रोंडो।

ओपेरा "द मैजिक फ्लूट" (1791), जिसके लिए लिब्रेट्टो फ्रीमेसन इमैनुएल स्किकानेडर द्वारा लिखा गया था, फ्रीमेसनरी के विचारों, विचारों और प्रतीकों से सबसे अधिक संतृप्त है।

ओपेरा का प्रतीकवाद स्पष्ट रूप से बुनियादी मेसोनिक सिद्धांतों की घोषणा को दर्शाता है। ओपेरा के पहले और दूसरे दोनों कृत्यों में मेसोनिक प्रतीकों की स्पष्ट गूँज है जो दर्शाते हैं: जीवन और मृत्यु, विचार और क्रिया। भीड़ के दृश्य वस्तुतः मेसोनिक अनुष्ठानों को प्रदर्शित करते हुए कथानक में बुने गए हैं।

जैसा कि संगीतज्ञ तामार निकोलायेवना लिवानोवा, कला इतिहास के डॉक्टर, मॉस्को कंज़र्वेटरी और गेन्सिन इंस्टीट्यूट में प्रोफेसर लिखते हैं,

“मोजार्ट ने सारास्त्रो की छवि से जुड़े प्रसंगों को अपने मेसोनिक गीतों और गायकों की संगीत शैली के करीब भी लाया। "द मैजिक फ्लूट" की सभी कल्पनाओं में मुख्य रूप से एक मेसोनिक उपदेश न देखने का अर्थ है मोजार्ट की कला की विविधता, उनकी तत्काल ईमानदारी, उनकी बुद्धि, जो कि किसी भी उपदेश से अलग है, को न समझना।

ऑर्केस्ट्राल ओवरचर की मुख्य कुंजी ई फ्लैट मेजर है। चाबी के तीन फ्लैट सदाचार, बड़प्पन और शांति के प्रतीक हैं। इस स्वर का उपयोग अक्सर मोजार्ट द्वारा मेसोनिक रचनाओं में, बाद की सिम्फनी में और चैम्बर संगीत में किया जाता था, जिसके बारे में हम आज बात कर रहे हैं।

लेकिन, निष्पक्षता में, हम ध्यान दें कि मोजार्ट और फ्रीमेसोनरी के बीच संबंधों पर अन्य दृष्टिकोण भी हैं। 1861 में, मेसोनिक षड्यंत्र सिद्धांत के समर्थक, जर्मन कवि जी.एफ. ड्यूमर द्वारा एक पुस्तक प्रकाशित की गई थी, जिनका मानना था कि द मैजिक फ्लूट में फ्रीमेसन का चित्रण केवल एक व्यंग्य था।