Domaći kompozitori prve polovine 20. veka. Veliki ruski kompozitori

20-09-2006

Čim sam se "pridružio" divnom almanahu SWAN ne od samog početka njegovog pojavljivanja na internetu, već pet godina kasnije, nehotice sam se zainteresovao za članke o muzičkim temama koji su objavljivani pre mog dolaska. Zanimao me je članak Dmitrija Gorbatova o Šostakoviču u 194. broju almanaha.

Ono što je napisano u članku o Šostakoviču doživjelo sam kao normalno, a ne svrstavanje ga među najveće kompozitore 20. vijeka, kao ni autorova objašnjenja po tom pitanju, nije izazvala odbijanje.

Ali dodatak 1 članka sadrži listu najvećih kompozitora 20. stoljeća, koji su me iznenadili i nasmijali do grčeva. Istovremeno, ne samo ja, već i moj prijatelj, profesionalni muzičar i kompozitor.

Iz članka D. Gorbatova

Jedan pogled na listu bio je dovoljan da uočite naslov koji se ne poklapa sa listom. Činjenica je da znamo imena kompozitora koji su najveći. I definicija najveći, tj. najveći, ne može se vezati za bilo koje doba. Bach, Mozart, Beethoven bili su i ostali najveći kompozitori, ali su živjeli u različitim vekovima. Dakle, svaki kasniji kompozitor, da bi bio nazvan "najvećim", mora imati zasluge koje bi mu omogućile da bude u rangu sa imenovanim kompozitorima. I svakakvi pigmejski kompozitori dvadesetog veka, koji su našli ili otkrili nešto ^novo^ u muzici, ali nisu napravili revoluciju u njoj, već su samo negde ostavili tragove (ponekad prljave) najveći nazvati apsolutno nezakonitim i nepravednim.

Na gornjoj listi nema ni jednog od navedenih kompozitora za naslov najveći ne vuče, pa se svakom od njih treba pozabaviti i dodijeliti mu odgovarajući status, počevši od super i ispod.

Ali pre nego što uradimo ovu zanimljivost, pokušajmo da se pozabavimo ruskim kompozitorom Modestom Musorgskim, kojeg je autor iz 19. veka premestio u 20. vek za neke posebne zasluge sa dodeljivanjem statusa najveći kompozitor dvadesetog veka.

Počevši od 1908. godine, skoro četvrt veka na Zapadu, vodeće operske kuće u mnogim zemljama postavljale su predstave Borisa Godunova Modesta Musorgskog, sa velikim Šaljapinom u ulozi cara Borisa. Loša orkestracija samog kompozitora bila je neuspešna i operu je u briljantnoj orkestraciji izveo kompozitor Nikolaj Rimski-Korsakov. Uspeh opere svuda i uvek je bio ogroman. A kada je i opera u nekim operskim kućama bila u luksuznoj scenografiji, to je bila senzacija.

U post-šaljapinsko sovjetsko doba bilo je i veličanstvenih predstava „Boris Godunov” u Boljšoj teatru sa Aleksandrom Pirogovim u naslovnoj ulozi i Ivanom Kozlovskim u ulozi Svete budale.

Ali odjednom su u nekim muzičkim sferama, naporima intriganata i špekulanata, počeli da kritikuju odličnu orkestraciju Rimskog-Korsakova, a neki pigmejski kompozitori počeli su da nude svoje verzije. Istovremeno, počeli su da optužuju Rimskog-Korsakova da je svojom orkestracijom okasao prelepu muziku Musogskog: muziku, bolje od koje, navodno, nema ništa bolje u ruskoj muzici.

U prvom planu je, naravno, bio Šostakovič, koji je napravio čak i dve orkestracije Borisa Godunova.

Gurnuo je glavu prema "Borisu" uz orkestraciju -
Bogohulna sovjetska perestrojka
I lepo osakatio operu,
Stavljanje okova na muziku u nizu.

Vrijeme je prošlo i mnogo toga je riješeno. I samo operske figure magarca mogu sebi priuštiti da se obrate Šostakovičevoj verziji tokom sljedeće predstave Borisa. Čak i Rostropovič, uz svu svoju slavnu ličnost, teško da bi uspeo da prođe kroz ovo.

Sada o istinskoj veličini Musorgskog kao ruskog kompozitora.

Nudim svoju verziju.

Bez sumnje, veliki ruski kompozitor Modest Musorgski nije ništa bolji od Glinke, ili Dargomižskog, ili Rimskog-Korsakova, ili Čajkovskog, ili Rahmanjinova. A Čajkovski je, po mom mišljenju, mnogo inferiorniji.

Za muziku u operama "Boris Godunov" i "Khovanshchina" ne treba ga smatrati inovator. U ovim operama, kao što će biti jasno iz daljeg razmišljanja, Musorgski se pokazao kao izvanredan i dobar. kompajler.

Musorgski je dobro znao inovativan opera Aleksandra Dargomyzhskog "Kameni gost", a kada ju je kompozitor komponovao, aktivno je učestvovao kao pevač. Poznavao je i Verdijevu operu Il trovatore, o čemu svedoči N. Rimski-Korsakov u svojoj knjizi Hronika mog muzičkog života. Treba pretpostaviti da je opera Rigoletto bila poznata i Musorgskom.

Veoma dugo poznanstvo (50 godina) i često slušanje opere "Boris Godunov" navelo me je na pomisao da su odlični Godunovovi recitativi kreativna umetnička rusko-italijanska fuzija recitatorskih stilova "Kamenog gosta" i

"Rigoletto". Tako se tragovi Rigoletovog monologa Pari siamo, uz pažljivo ponovljeno slušanje Borisovih recitativa, mogu pronaći u čitavoj operi, počevši od Borisovog monologa „Dostigao sam najveću moć“.

Osvrćući se sličnom analizom na sledeću operu Musorgskog „Hovanščina“, uočava se značajan otklon kompozitora od muzičke strukture Borisa Godunova u pravcu veće arioznosti vokalnog mesa. Istovremeno, neke arije, monolozi, pa čak i pojedinačni fragmenti, čak više nego kod Borisa Godunova, podsjećaju na neke arije iz Verdijevog Trubadura. Na primjer, Martina arija (^proricanje sudbine^) u prvom dijelu podsjeća na Azuceninu ariju Stride la vampa, a u kantileni (^sramota ti prijeti^) po strukturi je bliska Azuceninom solu u posljednjem činu Si; la stanchezza mopprime; a melodija Šaklovitejeve arije ^...ti si nesretna u sudbini, draga Rus'^ bliska je melodiji Manrikove arije Ah! Si, ben mio.

Ali ispostavilo se da nisam jedini tako pametan: u sovjetskom libretu sa punim tekstom "Hovanščine", objavljenom 1929. (sa uvodnim člankom i beleškama Sergeja Bugoslavskog), postoje dve neobične beleške. Jedna je ispred teksta kantilena iz Marfinog ^proricanja sudbine^: ^široka žalosna melodija u rusko-italijanskom stilu^, a druga je fusnota koja se odnosi na tekst Šaklovitejeve arije: ^Arija Talijana -Rusko skladište na način Glinke iz perioda "Ivana Susanina"^.

Uz sve napisano može se dodati i to da je Musorgski bio toliko zainteresovan za komponovanje fraza sa melodijama u italijanskom stilu da je Marta solo u skitu (obraćanje Andreju Khovanskom): ^Jeste li čuli daleko, iza ove šume^ - sjajan primer talijanskog recitativa, koji bi se mogao organski uklopiti u zabavu Azucena u Il trovatore.

U vezi sa gornjom mojom verzijom fenomena Musorgskog, u potpunosti odbacujem tvrdnju autora članka da Muzička nauka i estetika uglavnom razumno pripisuju rad M.P. Musorgskog do 20. veka. kao i svi autorovi argumenti po ovom pitanju, izneseni u članku.

Po mom mišljenju, u jednom trenutku sovjetske muzikologije razvio se patološki nezdrav odnos prema velikom ruskom kompozitoru Musorgskom, pripisujući mu neke posebne muzičke zasluge i inovativni talenat, koje on nije imao. Prema D. Gorbatovu, neki muzikolozi su čak "pronašli" tragove Musorgskog u Verdijevim operama i u Hindemitovoj muzici, kojoj nikako nije bilo potrebno pozajmice.

Analiza muzike "Hovanščine" pokazuje da je u njoj kompozitor oštro odstupio od recitatorskog stila građenja monologa "Borisa Godunova", koji se uspešno približio Puškinovom tekstu. Možda je Musorgski osjetio nesvrsishodnost ponavljanja.

A to potvrđuje odsustvo inovativnog principa kompozicije, u savladavanju kojeg nema potrebe za kardinalnim promjenama pri prelasku na sljedeću kompoziciju istog profila i razmjera.

Zanimljiva definicija koja naglašava razliku između “Hovanščine” i “Borisa Godunova” nalazi se u spomenutom uvodnom članku S. Bugoslavskog uz libreto opere: , početak pjesme ... ^. Takav kompozitorski „korak unazad“ opovrgava i pokušaje da se Musorgski predstavi kao inovativni kompozitor koji je zakoračio iz devetnaestog u dvadeseti vek.

Pozdravljam one muzičke ličnosti koje su u poziciji da budu spremne da se slože sa mojom verzijom, koja takođe sadrži poziv na napuštanje fikcija o prošlosti ruske muzike i apsurdnih pokušaja izopačenja stvarnih kulturnih vrednosti, po analogiji sa pokušajima da se predstavi Rusija kao domovina slonova.

I u skladu s tim, priznanje ogromnog i briljantnog djela velikog ruskog kompozitora Nikolaja Rimskog-Korsakova, kao JEDINO neophodnog za opere Modesta Musorgskog, a ne podložnog nečijem ^kreativnom^-prevarnom miješanju.

Na osnovu prethodno navedenog, uzimam slobodu da isključim Musorgskog sa liste kompozitora dvadesetog veka. Ali u isto vreme, dozvolite mi da primetim da je u devetnaestom veku kompozitor još uvek stvarao, i štaviše, najveći, koji bi, ako treba (?), bio dostojniji od bilo koga drugog, sa svim svojim kompozicijama, da bude među kompozitorima dvadesetog veka. Ovo je Richard Wagner.

Sada dozvoljavam sebi da pregledam listu preostalih 18 ^najvećih^ kompozitora dvadesetog veka kako bih utvrdio nivo njihove razumne veličine: od super i ispod. Pokušaću da procenim nivo usklađenosti svakog od ovih kompozitora sa jednom od tri vrednosti: odlično, posebno izvanredno i izvanredno.

Po mom mišljenju, kada se utvrđuje nivo veličine bilo kog kompozitora, ne može se zanemariti njegova popularnost među ljubiteljima klasične muzike. Pri tome treba biti siguran da kompozitorova popularnost nije izveštačena, preuveličana, srodna Šostakovljevoj, koja će nesumnjivo postepeno nestajati tokom 21. veka. Za istinski velike kompozitore, popularnost bi trebala samo rasti tokom stoljeća.

Odlično kompozitori 20. veka

• Bela Bartok (1881–1945) Mađarska
• Benjamin Britten (1913-1976) Engleska
• Claude Debussy (1862–1918) Francuska
• Maurice Ravel (1875-1937) Francuska
• Aleksandar Skrjabin (1871–1915) Rusija
• Igor Stravinski (1882–1971) Rusija
• Arnold Schoenberg (1874–1951) Austrija
• Richard Strauss (1864-1949) Njemačka

(Uzmio sam slobodu da dodam imena tri velika kompozitora, koje je D. Gobatov izostavio, verovatno zbog necelishodnosti da ih svrstam u „najveće“).

Posebno izvanredan kompozitori 20. veka

• Charles Ives (1874–1954) SAD
• Alban Berg (1885–1935) Austrija
• Anton Webern (1883–1945) Austrija
• Paul Hindemith (1895–1963) Njemačka

(Ovdje sam odlučio da ne širim listu, iako bih im dodao ime Hansa Pfitznera).

Ovi kompozitori koje sam nazvao posebno izvanredan, po mom mišljenju, ne može se nazvati super samo zbog nedostatka popularnosti. Da li je moguće smatrati i nazivati ​​kompozitore velikima kada većina ljubitelja klasične muzike ne zna ni njihova imena ni njihove kompozicije.

Izvanredan kompozitori 20. veka

• Witold Lutosławski (1913–1994) Poljska
• Olivier Messiaen (1908–1992) Francuska
• Sergej Prokofjev (1891–1953) Rusija

(Ovdje sam odlučio da se ograničim na imena sa liste D. Gorbatova, iako bi bilo sasvim moguće dodati još 2-3 tuceta imena).

Muzika Witolda Lutosławskog je zvučna, iako ne blista posebnom originalnošću (nekad se oseća uticaj Debisija, ponekad Bartoka ili Stravinskog).

Posebno za Fischer-Dieskaua napisao je koncert za bariton i orkestar.

Olivier Messiaen, edukator "kreatora" anti-muzike (Xenakis, Stockhausen, Boulez), bio je visoko nadaren muzičar i pronalazač novih tehnoloških sistema zvučne materije. Njegove muzičke kompozicije, uglavnom religiozne prirode, specifične su i veoma popularne u Francuskoj. Za neiskusne ljubitelje klasike, slušanje Messiaenove muzike je težak zadatak. U svojoj operi-oratorijumu „Sv. Franje Asiškog” potpisao je Fischer-Dieskau.

Plodni rusko-sovjetski kompozitor Sergej Prokofjev je, uz ljudske simfonije, klavirske koncerte i drame, komponovao mnogo, po mom mišljenju, bezbojne, dosadne i antivokalne muzike (opere „Ognjeni anđeo“, „Semjon Kotko“, „ Kockar” i Klasična simfonija), kao i sada beskorisno sovjetsko politizirano muzičko smeće.

Sada o preostalim avangardnim kompozitorima na Gorbatovovoj listi:

Edgar Varese, koji je ^ažurirao^ muzički jezik uz pomoć modernih produkcijskih tehnika i muzičkih zvukova;

John Cage, koji je stvorio zvučnu anarhiju;

Yanis Xenakis, koji je koristio. aleatorske tehnike, apstraktnost zvučnih kombinacija (njegova muzika je bila namenjena neobičnoj instrumentalnoj kompoziciji i magnetofonima);

Györde Ligeti, koji je eksperimentisao na polju muzičko-instrumentalnog ^pozorišta apsurda^;

Luiđi Nono, koji je koristio serijsku tehniku ​​i aleatoriju;

Steve Reiche, minimalistički kompozitor koji je ^kreirao^ muziku sa dva diktafona uključena u isto vrijeme - treba li ih uopće svrstati u bilo koju grupu pravi kompozitori 20. veka? (Aleatorika je princip slučajnosti u procesu ^kreativnosti^ i performansa).

Godine 1951. Cage je organizirao koncerte u New Yorku koristeći 12 radija podešenih na 12 različitih radio stanica.

Stravinski je aleatorske kompozitore nazvao "hodećim neprijateljima umjetnosti".

Ovo je vrlo korektna opaska prema kojoj ih, po svoj prilici, ne treba ni smatrati ni kvalifikovati kao kompozitore 20. veka.

Završavajući članak, skreću pažnju čitaocima na jednu značajnu okolnost: pri sastavljanju liste ^najvećih^ kompozitora 20. veka, D. Gorbatov je iz nekog razloga izostavio ime jedinog stvarnog najveći kompozitor ovog veka: Giacomo Puccini (1858-1924).

Giacomo Puccini je daleko najveći od svih kompozitora 20. stoljeća.

Puccini je inovator. Njegov visokoumjetnički princip organske fuzije zvuka orkestra i glasova prije njega nije ostvario nijedan kompozitor.

Pučini je najveći melodista 20. veka. Kompozitor je najlepših melodija veka.

Pučini je tvorac najpopularnijih opera 20. veka, a njegove opere će uvek donositi radost ljudima. Njegova "Toska" je najpopularnija opera među svim operama koje postavljaju najveće operske kuće na svetu.

Pučini je pravi kompozitor 20. veka, a kvartet iz Češke” i terceti iz „Turandota” su harmonska remek dela muzike 20. veka.

Pučini je kompozitor najlepših ansambala u svojim operama.

Puccini je, bolje od svih stranih kompozitora, uspio da uhvati nacionalni šmek i stvori živopisnu muziku u operi Madama Butterfly (u Japanu je podignut spomenik u čast kompozitora u znak zahvalnosti za njeno stvaranje) i svojoj, tipično Puccini, operi. ali apsolutno američka kantri muzika u operi Devojka sa Zapada."

Narodni umetnik SSSR-a,
laureat Lenjinove nagrade
i državne nagrade

Na pitanje o čemu sanja, Rodion Konstantinovič je odgovorio: "Da bi mi Gospod dao još jedan život - toliko zanimljivih i divnih stvari na svetu."

Rođen 16. decembra 1932. u Moskvi. Otac - Ščedrin Konstantin Mihajlovič, teoretski muzičar, učitelj, muzička ličnost. Majka - Shchedrina Concordia Ivanovna (rođena Ivanova). Supruga - Maya Plisetskaya, primabalerina Boljšoj teatra Rusije, Narodna umjetnica SSSR-a, dobitnica Lenjinove nagrade.

Ščedrin je jedan od najvećih i najpoznatijih kompozitora druge polovine 20. veka. Posedujući oštar savremeni muzički jezik, bio je u stanju da stvara dela dostupna širokom krugu slušalaca. Namjeran antiavangardni stav prema slušaocu prožima Ščedrinovo djelo kroz cijeli život: „velika muzika mora imati veliku publiku“. Istovremeno, on je šire od bilo kog od kompozitora svoje generacije u svom stvaralaštvu razvijao ruske teme: njegove opere i baleti napisani su gotovo isključivo na zapletima najvećih ruskih pisaca - N. Gogolja, A. Čehova, L. Tolstoj, V. Nabokov, N. Leskova, autor je horske ruske liturgije "Zapečaćeni anđeo", koncerata za orkestar "Nestašne pjesmice", "Prstene", "Okrugle igre", "Četiri ruske pesme" itd. .

Kao budući muzičar i ruski kompozitor, Rodion Ščedrin je bio pod presudnim uticajem porodice. Njegov deda je bio pravoslavni sveštenik u gradu Aleksinu, Tulska gubernija, a parohijani su stazu do crkve u kojoj je služio prozvali „Ščedrinka“. Otac kompozitora, K. M. Ščedrin, rođen je u selu Vorottsy, provincija Tula, detinjstvo je proveo u Aleksinu. Bio je nadaren rijetkim muzičkim sposobnostima - memorijom na "traci" (pamtio je muziku iz jednog vremena), apsolutnim tonom. Njegove sposobnosti primijetila je glumica V. N. Pashennaya, koja je došla u grad, koja je o svom trošku poslala dječaka u Moskvu, gdje je diplomirao na Moskovskom konzervatoriju.

R. Ščedrin je od detinjstva bio okružen muzikom: čuo je svog oca kako svira violinu, instrumentalni trio koji su činili njegov otac i njegova braća. Godine 1941. upućen je u Centralnu desetogodišnju muzičku školu na Moskovskom konzervatorijumu. U stvarnosti, počeo je privatno da uči klavir kod M. L. Gekhtmana. Ali počeo je Veliki Domovinski rat i mnoge škole u Moskvi su zatvorene. U oktobru 1941. porodica Ščedrin je evakuisana u Kujbišev, grad od visoko poverljivog administrativnog značaja. Tu je bio i D. Šostakovič, koji je završio svoju čuvenu Sedmu simfoniju; mladi Rodion je imao priliku čuti na generalnoj probi koju je vodio S. Samosud. Tamo je evakuisan i Boljšoj teatar. D. Šostakovič i K. Ščedrin su radili u Savezu kompozitora, prvi - kao predsednik, drugi - kao izvršni sekretar. Šostakovič je pažljivo pomagao porodici Ščedrin u teškim kućnim i drugim okolnostima.

Kada se ukazala prilika da se vrati u Moskvu, Rodion je ponovo poslat u Centralnu muzičku školu (1943). Ali dječak je već razvio vlastite ideje o životu: nisu ga zanimale ljestvice u muzičkoj školi, već stvarne, ozbiljne stvari. Dva puta je bježao na front, a drugi put je stigao iz Moskve u Kronštat. Nakon toga, roditelji nisu pronašli ništa bolje nego da svog sina dodijele u Pomorsku školu Nakhimov u Lenjingradu - i tamo su poslali njegova dokumenta.

U međuvremenu se dogodio događaj koji je na kraju doveo do pojave kompozitora Rodiona Ščedrina. Krajem 1944. - početkom 1945. u SSSR-u je otvorena nova obrazovna ustanova - Moskovska horska škola (dječaci). Njegov osnivač i prvi direktor, poznati horovođa A. Svešnjikov, pozvao je oca R. Ščedrina da predaje istoriju muzike i muzičko-teorijske predmete, a on je zauzvrat tražio da odvede sina na studije. Rodion je imao apsolutni ton, prilično prihvatljiv glas, i konačno ga je odredila muzička specijalnost (decembar 1944).

U Horskoj školi, dječaku koji je već nešto vidio, otvorila se sfera u koju nije ni slutio. Kasnije, R. Shchedrin se prisjetio: "Pjevanje u horu me je zarobilo, dotaklo neke duboke unutrašnje žice... I moji prvi komponatorski eksperimenti (kao i eksperimenti mojih drugova) bili su povezani sa horom." (Rodion Ščedrin. Razgovor sa L. Grigorijevim i J. Platekom // Muzički život, 1975, br. 2, str. 6). U klasi hora pevala se cela istorija ove umetnosti: od majstora "strogog stila" iz 16. veka Žoskina de Prea, Palestrine, Orlanda Lasa do ruske duhovne muzike - Česnokova, Grečaninova, Kastalskog, Rahmanjinova.

Muzička kompozicija se nije posebno učila u školi, međutim, visoka ukupna muzička obuka omogućila je učenicima eksperimente u muzičkoj kompoziciji. Kako bi podstakao njihov rad, Svešnjikov je dao priliku da odmah izvede svoje kompozicije. Godine 1947. u Horskoj školi održano je takmičenje za kompozicijska dela. Žiri, na čelu sa A. Hačaturjanom, dodelio je prvu nagradu R. Ščedrinu, što je bio njegov prvi zapaženiji uspeh u ovoj oblasti.

U Horskoj školi. Sjede (s desna na lijevo): I. Kozlovsky, direktor škole, A. V. Sveshnikov sa nastavnicima škole. Krajnje desno (stoji) - otac kompozitora, K. M. Ščedrin. Iza klavira je budući kompozitor. 1947

Učenici Horske škole imali su priliku da se sretnu sa najvećim muzičarima: D. Šostakovičem, A. Hačaturjanom, I. Kozlovskim, G. Ginzburgom, S. Rihterom, E. Gilelsom, J. Flierom. „U našoj školi vladala je zagušljiva strast prema muzici, uključujući i klavir“, priseća se Ščedrin. Njegov učitelj klavira bio je poznati učitelj G. Dinor, koji je svojim učenicima zadavao radove namjerno precijenjene složenosti. Kao rezultat toga, Rodion je na kraju škole imao program dostojan koncertnog pijaniste (Bahove fuge, virtuozne komade Šopena i Lista, Rahmanjinovljeva rapsodija na Paganinijevu temu), ali nije odrađen kako treba. Učitelj, razmišljajući o prijemu svog učenika na Moskovski konzervatorijum, odlučio je da ga pokaže profesoru J. Flieru. Od izvođenja programa nije se oduševio, već je odobravao Ščedrinove kompozicije i pristao da ga uzme za svog učenika.

Godine 1950. Ščedrin je istovremeno upisao Moskovski konzervatorijum na dva fakulteta - klavir, u klasi J. Fliera, i teorijsku kompoziciju, u klasi profesora Ju. Šaporina na kompoziciji.

Časovi sa Jakovom Vladimirovičem Flierom, gdje je vladao "muzički praznik", bili su toliko fascinirani Ščedrinom da je razmišljao da se rastane sa specijalnošću komponovanja, ali učitelj pijaniste to nije savjetovao. U klasi klavira, muzičar u usponu ne samo da je stekao vrhunsku pijanističku umjetnost, već je i značajno napredovao u svom općem muzičkom ukusu i znanju. Ščedrin je toliko vjerovao svom učitelju da je prvi pokazao svoje nove opuse i u studentskim i kasnijim godinama. Prema kompozitoru, Flierov klavir je izdržao "udarce" svih njegovih glavnih dela. Ščedrin je cijeli život ostao profesionalni pijanista, uspješno nastupajući na koncertnoj sceni izvodeći svoja tehnički teška djela.

Na času kompozicije Jurija Aleksandroviča Šaporina privlačna je prije svega bila njegova ljudska ličnost - erudita ruske književnosti i poezije, pripovjedač i duhovit, čovjek koji je komunicirao sa A. Blokom, A. N. Tolstojem, M. Gorkim, K. Fedinom , A. Benois , K. Petrov-Vodkin. Svojim učenicima nije nametao nijedan jedini put, smatrajući da u muzici može i treba da postoji bilo kakva suprotnost.

Intenzivno se razvija na Moskovskom konzervatorijumu i tako temeljno područje Ščedrinovih interesovanja kao što je ruski folklor. Fundamentalno stran etnografskom pristupu, Ščedrin je kroz čitavu svoju stvaralačku karijeru uspeo da iskoristi folklorne elemente na izuzetno originalan način, organski ih stapajući sa najnovijim kompozitorskim nalazima u muzičkom svetu. I u ovoj sintezi nema ravnog u svojoj generaciji. Obavezni predmet za studente-kompozitore "Narodno stvaralaštvo" zahtijevao je učešće u folklornim ekspedicijama, uz samostalno snimanje narodnih pjesama na magnetofon. R. Ščedrin je putovao u regione Vologdske oblasti, za koje se pokazalo da su izuzetno bogate delicijama (vođa ekspedicije ih je zabeležio preko hiljadu). Uostalom, pesma nije samo zabavljala i razvijala sposobnost trenutne improvizacije, već je bila zajedljiv feljton, narodne novine - sve ono što je živjelo u narodu, ne uklapajući se u službene načine izražavanja mišljenja. Ščedrin je svoju ljubav prema častuški nosio kroz život: svoj Prvi koncert za orkestar 1963. nazvao je "Nevaljali častuški", a 1999. je predstavio njegovu verziju - "Čatuški", koncert za klavir solo.

Čitavo zvučno okruženje folklora pokazalo se duboko bliskim Ščedrinu, što je on sagledao kako kroz izlete u Aleksin, grad iznad Oke, tako i kroz razne izlete "u zaleđe", slušajući seljačko pevanje i sviranje lula. „Za mene je narodna umjetnost pastirski krik, jednoglasno drndanje harmonikaša, nadahnute improvizacije seoskih narikača, oštre muške pjesme...“ (Rodion Ščedrin. Razgovor sa L. Grigorijevim i J. Platekom // Muzički život, 1975. 2, str. 54).

Prvi klavirski koncert, koji je Ščedrin stvorio tokom studentskih dana (1954), bio je, zauzvrat, delo koje je stvorilo Ščedrina. Istaknulo je sve ono što je bila ličnost autora u njegovim mlađim godinama i što je kasnije nicalo u njegovom daljem stvaralaštvu, uključujući motoriku ritma i oštre „rusizme“. Na konzervatorijumu je delovao previše "formalistički". Ali jedan od profesora preporučio je Savezu kompozitora da koncert uvrsti u program narednog plenuma. Autor je to sjajno izveo i ubrzo dobio pismo da je on, student 4. godine, primljen u Savez kompozitora (i bez prijave).

Diplomirao je na Moskovskom konzervatorijumu Ščedrin 1955. godine, sa odličnim uspehom, dve specijalnosti - kompozicija i klavir. Dalje, do 1959. godine, završava postdiplomske studije kompozicije kod Y. Shaporina.

Godina 1958. u Ščedrinovom životu naglašena je kao najromantičnija i istinski sudbonosna: oženio se balerinom Majom Mihajlovnom Pliseckajom, koja je u to vreme već stekla slavu. Istorija njihovog poznanstva bila je sljedeća. Kompozitor je posetio kuću Lili Brik, nekadašnje muze Majakovskog, i njenog supruga, pisca i književnog kritičara V. Katanjana, za čiju je dramu "Znali su Majakovskog" napisao muziku. Jednom su mu, kao kuriozitet, vlasnici kuće dali kasetu za slušanje, na kojoj je Pliseckaja pevala (!) muziku Prokofjevljevog baleta Pepeljuga. Kompozitor je bio zadivljen: najteže melodije su reprodukovane tačno i u odgovarajućim tonalima.

Rodion i Maya su se prvi put lično sreli kada je J. Philip primljen u istoj kući. Ščedrin je svirao dosta svoje muzike, što je oduševilo publiku. On, tada rijedak vlasnik vlastitog automobila (kupljenog uz honorar za film "Visina"), imao je galantan zadatak da počasne goste odvede kući. Pliseckaya ga je, opraštajući se, zamolila da zapiše temu iz filma "Svjetla rampe" za baletnu numeru s diska (broj kasnije nije funkcionirao). Konačno ih je spojio balet Mali grbavi konj, koji je 1958. odlučio da ga postavi u Boljšoj teatru. Ovdje je 25-godišnji Ščedrin prvi put vidio Pliseckaju na probi, gdje je ona, sa svoje strane, na njega srušila "uragan frojdovskih motiva". Iako je Pliseckaja već stekla zapaženu umjetničku slavu, bila je pod velikom sumnjom u KGB-u, a automobil za nadzor stalno je pratio Ščedrinovog novog poznanika. Ali nijedna moć nije imala moć da ih razdvoji. Nakon rajskog ljeta u Sortavalu (Kuća stvaralaštva kompozitora) na Ladoškom jezeru, njihovo putovanje na medeni mjesec bilo je putovanje Rodionovim automobilom od Moskve do Sočija preko Tule, Harkova, Rostova na Donu i drugih gradova. Zbog neregistrovanog braka uskraćeni su im svi hoteli, a samo je automobil služio kao sklonište. Brak Pliseckaje i Ščedrina registrovan je u Moskvi 2. oktobra 1958. godine. U ovom braku nije bilo djece - takva je bila velika žrtva velike balerine. Ali jedinstveni "brak u umjetnosti" sačuvan je za cijeli život. Svi Ščedrinovi baleti povezani su sa plesom Plisetske - a ovo je čitava baletska kultura.

Po završetku postdiplomske škole 1959. godine, Ščedrin je u svom stvaralačkom aktivu imao balet Konj grbavac (1955), klavirske kompozicije, horove i Prvu simfoniju (1958). I to nisu samo prekretnice njegove biografije. Mali grbavi konj, u kojem je Pliseckaja plesala Carsku djevu, postala je redovna predstava za djecu i još uvijek se postavlja u Muzičkom pozorištu Stanislavski i Nemirovič-Dančenko. Godine 1999., za predstavu u Boljšoj teatru, autor je napravio novu verziju baleta, koja ga je pretvorila u blistavu rusku ekstravaganciju (umjetnik - B. Messerer). "Humoreska", zaražena čisto ščedrinskom "lukavinkom", skoro pola veka kasnije postaje omiljeni koncertni "bis" (takođe u aranžmanima za razne instrumente). Zahvaljujući takvim predstavama, svojevremeno je čak i slika Ščedrina počela da se oblikuje kao oličenje uzavrele vitalnosti, humora i šale u muzici. U takvom tonu zvučala je i čvrsto ukorijenjena u masovnom sluhu, poznata Ščedrinova pjesma iz muzike za film "Vysota" (1957) - "Veseli marš instalatera visokih zgrada", koja je postala nadaleko poznata. Ove ideje o kompozitoru neočekivano je uništila Prva simfonija, svojim probojom u oštru vojnu tragediju, što je izazvalo veliko negodovanje kritičara („dovoljan nam je jedan Šostakovič“).

Došle su burne 60-e domaće "šezdesete". Tokom ove decenije Ščedrin je stvorio svoje najizvođenije delo - balet "Karmen suita", prvi put okrenut operi ("Ne samo ljubav"), započeo je seriju dela u žanru kojem je dao novo značenje - koncerte za orkestar ( "Nestašne pestice" i "Prsteni"), komponovao dva velika oratorija ("Poetorija" i "Lenjin u srcu naroda") i njegovo najambicioznije delo za klavir solo - 24 preludija i fuge, izvršio je smelu stilsku sintezu u Drugi klavirski koncert. Istovremeno je posebno pažljivo radio na polifoniji, tehnici serijala i kombinacijama mnogih muzičkih tema. Paralelno je nastupao kao pijanista i predavao na Moskovskom konzervatorijumu.

Opera Ne samo ljubav (1961, 2. izdanje - 1971) napisana je prema pričama S. Antonova, uz uvrštavanje pesama u libreto; posvećena M. Plisetskaya. "Pišem kolektivnu farmu "Evgenije Onjegin", rekao je autor i uporedio glavnog lika čak i sa Karmen. Dizajnirajući operu za Boljšoj teatar, nastojao je da se udalji od monumentalnih statista sa transparentima tada prihvaćenim na ovoj sceni. u kamernu sferu, sa iskustvima običnih ljudi.Ali iako je premijernu predstavu osmislio umjetnik A. Tyshler, a dirigirao E. Svetlanov, ipak nije bilo moguće razbiti običaje pozorišta. U Permu i Novosibirsku istovremeno su se održavale produkcije "Ne samo ljubav". Adekvatnost koncepta i oličenja Ščedrinove prve opere postignuta je mnogo kasnije - u kamernim, studijskim, studentskim realizacijama. Važna prekretnica bila je njena pojava u novom pozorištu. scena - Moskovsko kamerno muzičko pozorište u režiji B. Pokrovskog, kao prva predstava ovog pozorišta (1972).

U Ščedrinovom stvaralaštvu nastaje blistava crta humora i satire, njemu svojstvena po prirodi: 1963. iz njegovog pera su objavljeni pomenuti Nestašni častuški (Prvi koncert za orkestar) i Birokratijada (Banja kantata). U "Nestašnim častuškama" autor je simfonijskim sredstvima reproducirao pjesmički način naizmjeničnog uvođenja novog učesnika u pozadini neprekidne melodije harmonike. I to je bila nova muzička forma sa složenom kombinacijom ne dvije ili tri teme, već sedamdesetak. Ne po volji akademskih orkestarskih muzičara, Častuški je izazvao vatreno oduševljenje šire javnosti, posebno na periferiji. Od stranih muzičara svirao ih je američki dirigent i kompozitor L. Bernstein. Kantata "Birokratijada", napisana na tekst "Podsjetnika na odmor", puna svježe duhovitosti, bila je satira na nešto više od restriktivnog reda u pansionu. U isto vrijeme, to je bila enciklopedija moderne kompozicije - upijala je tehnike koje su nove do danas.

Središte kompozitorovog polifonog rada bio je ogroman ciklus za klavir - 24 preludija i fuge (1963-64 - tom 1, 1964-70 - tom 2). Čisto akademski žanr, koji je u svoje vreme uspostavio J. S. Bach, a nastavio D. Šostakovič, Ščedrin je zasićen modernom virtuoznošću i sofisticiranom tehnikom pisanja. On je sam postao njen prvi izvođač.

I kao i ranije, kompozitor je svoju humorističku liniju precrtao čisto tragičnom Drugom simfonijom (1965), s odjecima rata (urlanje aviona, zveckanje gusjenica tenkova, jauci ranjenika), epigrafom iz A. Tvardovski "Na dan završetka rata". Istovremeno je ponovo uveo novu simfonijsku formu: 25 preludija (autorski podnaslov).

Godine 1966. Ščedrin je krenuo u eksperiment koji je hrabrošću nadmašio sve ostalo u sovjetskoj muzici. Posjedujući modernu tehniku ​​dodekafona, odlučio je u Drugom klavirskom koncertu (1966) da je spoji sa dijametralnom suprotnošću - muzikom jazz improvizacije. Sindikat kompozitora nije podržao ni jedno ni drugo, a kombinacija je dala toliko blještavi kontrast da su se oko toga svađale i najljevičarskije kolege. Život je pokazao da je autor u pravu: Drugi koncert je postao klasik koji se proučava u istoriji muzike. Ta ista tehnika polistilistike (i kolaža) koja se koristila tada je postala trend vremena za mnoge ruske autore. Ščedrin je pribjegao tome u budućnosti.

Velika sala Konzervatorijuma. Premijera Drugog klavirskog koncerta. Solista - autor. 1966

1964-69 Ščedrin je predavao kompoziciju na Moskovskom konzervatorijumu. Među njegovim učenicima bili su O. Galakhov (kasnije - predsednik Moskovskog istražnog komiteta), B. Getselev, Bugarin G. Minčev. Nastavnik je umeo da precizno „dijagnostikuje“ kompozicije svojih učenika, učio, između ostalog, da vešto grade dramaturgiju celine. Važno je napomenuti da je smatrao da je brzina kompozicije važna sposobnost. Ščedrin je prestao da radi na konzervatorijumu, jer je došao u sukob sa partijskim vođama teoretskog i kompozitorskog odseka.

Maya Plisetskaya - Carmen Suite (1978)

Balet "Carmen Suite" (1967) spolja je nastao kao rezultat kompozitorove hitne pomoći njegovoj supruzi, kada je ona zapalila neodoljivom željom da utjelovi sliku Carmen u koreografiji kubanskog koreografa A. Alonsa. Za 20 dana Ščedrin je napravio svoju čuvenu transkripciju brojeva iz opere „Karmen“ G. Bizea, koristeći ne simfonijski orkestar, već gudače i 47 udaraljki, postigavši ​​svežu modernu zvučnu boju. Plisetskaya je plesala balet oko 350 puta. "Carmen Suite" i sada vlada širom sveta, izvodi se na bini, koncertima ili na radiju skoro svaki dan.

Ščedrinovo dugogodišnje prijateljstvo sa pesnikom A. Voznesenskim, koji je šezdesetih godina prošlog veka bio idol sovjetske omladine, srodnost njihovog umetničkog pogleda na svet doveli su do pojave "Poetoria" - Koncerta za pesnika, mešovitog hora i simfonije. orkestar na njegove tekstove (1968). Sam pesnik je ovde delovao kao čitalac. Na inovativne, sa bogatim aliteracijama, pesme Voznesenskog ("Ja sam Goja, ja sam jao. Ja sam glas...") odgovarao je Ščedrinov inovativno interpretirani orkestar i hor, metodama bliskim najlevičarskim poljskim nalazima. Ali Ščedrin je produbio stil i koncept rada sa sopstvenim ličnim muzičkim tehnikama, posebno uvođenjem svojevrsnog narodnog lamenta prema čuvenom tekstopiscu L. Zykini. Diskusija u Velikoj Britaniji otkrila je najkontroverznija mišljenja o delu.

Bio je u teškoj situaciji i kao javna ličnost. On je 1968. (kao K. Simonov i A. Tvardovsky) odbio da potpiše pismo podrške ulasku trupa zemalja Varšavskog pakta u Čehoslovačku. Radio stanica "Glas Amerike" počela je redovno da emituje o tome, prozivajući njihova imena. Ščedrin je bio primoran na kompromis - u vidu oratorija "Lenjin u srcu naroda" (1969), kao što je Šostakovič u svoje vreme napisao "Pesmu o šumama". Ali za razliku od Šostakoviča, Ščedrin se nikada nije pridružio KPSS. Izbjegavajući pompezan ton, Ščedrin je u svom oratoriju koristio svakodnevnu prozu - priču o latvijskom strijelcu, fabričkom radniku, uz to - riječi savremene pripovjedačice M. Kryukove. A u muzičkom jeziku nastavio je „Poetoriju“. Talentovani oratorij za 100. godišnjicu V. I. Lenjina toliko je ispravio zvaničnu poziciju nepartijskog autora da je za njega i operu Ne samo ljubav dobio Državnu nagradu SSSR-a (1972). U inostranstvu je imala veliki uspeh u Parizu, Londonu, Berlinu.

Ščedrinovo stvaralaštvo 1970-ih i 1980-ih bilo je obilježeno njegovom stalnom umjetničkom inventivnošću, ali nije sadržavalo one oštre stilske zaokrete u zavisnosti od promjenjive mode koja je postala sudbina mnogih kompozitora na Zapadu i u SSSR-u (skokovi od avangarde do " nova jednostavnost" i na pokušaje sintetiziranja ekstrema). Elementi avangardne sofisticiranosti i narodne jednostavnosti oduvijek su koegzistirali u njegovoj muzici, a on ih je neprestano sintetizovao. Još 60-ih godina formulisao je tezu o sopstvenom putu: "U umetnosti se mora ići svojim putem. Može biti i kratak, i dug, i širok, i uzak, ali mora biti svoj" (sovjetska muzika, 1963, br. 6, str. 12). U skladu sa individualnošću sopstvenog kompozitora, Ščedrin je čvrsto stajao u centru, i dalje se nevidljivo uzdizao iznad uzavrelih bujica suprotstavljenih struja.

Godine 1973. Ščedrin je izabran na važnu rukovodeću poziciju - za predsednika Saveza kompozitora Ruske Federacije, na šta ga je blagoslovio D. Šostakovič, njen osnivač i prvi predsednik. U tom svojstvu radio je do 1990. godine, dobrovoljno ga je napustio, nakon čega je ostavljen u ulozi počasnog predsjednika Ruskog istražnog komiteta. Činjenica da je toliko godina ozbiljan kompozitor inovativne orijentacije bio na čelu ogromne ruske kompozitorske organizacije odigrala je izuzetno progresivnu ulogu. Velika je bila njegova lična pomoć - kompozitorima, muzikolozima, dirigentima. „Dugo vremena Ščedrin je bio na čelu Saveza kompozitora Rusije i malo ljudi zna koliko je mladih talenata, izopćenika, proganjanih od strane vlasti, ova osoba pomogla“, kaže Vladimir Spivakov (Rodion Ščedrin. Autoportret. Knjižica muzički festival povodom 70. godišnjice kompozitora M., 2002.).

Kompozitor piše na desetine književnih djela, otkrivajući živopisan smisao riječi. Kreira libreta za svoja scenska djela: opere Mrtve duše (kasnije i Lolita), balete Galeb (zajedno sa V. Leventhalom), Dama sa psom. Objavljuje na desetine članaka - o J. Flieru, Y. Shaporinu, O. Messiaenu, L. Bernsteinu, A. Sveshnikovu, K. Eliasbergu, A. Borodinu, A. Webernu, I. Stravinskom, predgovor romanu V. Orlova "Violist Danilov".

Nastavlja se njegova saradnja sa M. Pliseckom: njoj su posvećeni baleti Ana Karenjina, Galeb i Dama sa psom. U "Ani Karenjini" po L. Tolstoju (1971) odabrana je samo ljubavna veza i dat je podnaslov "Lirske scene" - kao P. Čajkovski u svojoj operi "Evgenije Onjegin". Ideja Čajkovskog odrazila se i na muzički stil baleta, sve do primjene njegovih kompozicija, napisanih baš u vrijeme kada je Tolstoj radio na ovom romanu. U baletu "Galeb" A. Čehova (1979), Ščedrin se pojavio i kao kompozitor i kao libretista (koautor), a Pliseckaja je plesala glavnu junakinju Ninu Zarečnu i utjelovila simboličnog Galeba, a za prvi put postao jedini koreograf predstave. Koristeći orkestar, kompozitor je stvorio oštro ekspresivan "poklič galeba", koji se pronio kroz cijeli balet, dajući mu pojačanu tragediju. U njemu su se dobro nagađale „streljane“ sudbine likova, a scenska drama je na vreme projektovala „vrisak“. Muzička forma baleta postala je inovativna - ciklus od 24 preludija sa dodatkom tri interludija i jednog postludija. Kada je engleska filmska grupa pripremala televizijski program o razvoju muzičke umjetnosti, snimili su "Galeba" za dio "Muzika budućnosti".

Ana Karenjina - Rodion Ščedrin (baletni film)

Značajna prekretnica u Ščedrinovom muzičkom i pozorišnom stvaralaštvu bila je opera "Mrtve duše" po N. Gogolju (1976, postavljena 1977), na kompozitorov libreto. Autor je u operu uveo takvu inovaciju kao što je zamjena violina orkestra kamernim (drugim) horom, i što je najvažnije, podjela scene na dvije paralelne scene, raslojavanje opere na dvije autonomno vođene opere - "narodnu" i " profesionalno”. Ova paralelna dramaturgija predstave, koja je prvi put izvedena u Boljšoj teatru, činila je srž semantičkog koncepta dela: suprotstavljanje Rusa naroda i „mrtvih duša“ zemljoposednika. U "narodnoj operi" kompozitor je koristio ruske folklorne tekstove, narodni tembre glasova, ali nije citirao prave melodije. Simbolično je dao značenje frazama seljaka, posebno pitanju "Hoće li stići ili ne?" Istovremeno je narodne elemente zasitio najoštrijim modernim disonancama i grozdovima. "Profesionalnu operu" - groteskni svet Gogoljevih veleposednika - Ščedrin je održao u stilu bliskom radu sa vokalom u Rosinijevim operama. Ako je muzika ruskog naroda bila u glatkom, razvučenom legato pevanju, onda je u delovima parodiranih veleposednika prilično primetno korišćen poskakivački stakato. Njihove arije su sofisticirane i izuzetno teške za pevanje: Čičikovljevi virtuozni pasaži, Korobočkin pater, Sobakevičevi brzi melodijski skokovi, itd. Vokalni sastavi su impresivni - u sedam, osam, deset i dvanaest glasova. Pod krinkom dvije opere-antiteze pojavile su se entitete višeg reda: kontrast vječnog, nepromjenjivog i ispraznog, smrtnog.

"Mrtve duše" u Boljšoj teatru u Moskvi 7. juna 1977. bile su remek-delo teatralnosti. Režiser je bio B. Pokrovski, scenograf V. Leventhal, horovođa V. Minin, učestvovali su pevači: A. Vorošilo (Čičikov), L. Avdeeva (Korobočka), V. Piavko (Nozdrev), A. Maslenjikov (Selifan) i dr. Dirigent Y. Temirkanov je vodio 42 probe, nakon čega je operu prebacio u Kirov (Marijinski) teatar u Lenjingradu. Domaću izvedbu pod dirigentskom palicom Temirkanova, koju je snimila Melodija, BMG je objavio u inostranstvu i osvojio nagradu kritike. "On je u muzici sa izuzetnom preciznošću utjelovio jedinstvenu Gogoljevu intonaciju i istovremeno uspio da napiše oštro moderno djelo. Bila je to muzika zemlje u kojoj smo tada živjeli: oštra, uglata i neverovatno beznadežna", piše A. Vorošilo (Rodion Ščedrin. Knjižica muzičkog festivala autoportreta, Moskva, 2002).

Menuhin i Schedrin

Ščedrinova 1981. godina obilježena je stvaranjem maestralno izbrušenih horskih i klavirskih kompozicija: "Stife Jevgenija Onjegina" - šest horova na pjesme A. S. Puškina iz njegovog romana u stihovima "Pogubljenje Pugačova" - pjesma za hor a ca. na reči iz "Pugačovljevih priča" A. S. Puškina, "Beležnica za mlade", 15 komada za klavir. Horske opuse prati i "Koncertino" iz 1982. (bez reči). Kompozitor je još uvek zaronjen u rusku književnost i rusku Konkretno, ideja ruskih zvona se provlači kroz sva dela: na kraju „Onjeginovih strofa“, u epizodama „Pogubljenja Pugačova“, u br. 11 „Ruski zvončići“ iz „Beležnice za Mladost" i u finalu "Concertino" - "Ruska zvona".

Ščedrinovi planovi 1983-84 isticali su se posebnom razmjerom i ozbiljnošću, što je bilo povezano i sa posvetama njegovom svetom imenu - J. S. Bacha na 300. godišnjicu rođenja (1985.). Godine 1983. njemu u čast podiže muzički spomenik u vidu super-dugog djela - u trajanju od 2 sata i 12 minuta - "Muzička ponuda" za orgulje, tri flaute, tri fagota i tri trombona. Ovo je bio inovativan koncept muzičke meditacije, kada su ljudi morali ne samo da slušaju muziku, već i da vrše čin kolektivnog obožavanja onoga kome je ona posvećena. U prvoj verziji, zbog prevelike ekstenzije, rad je daleko prevazišao uobičajene norme percepcije koncerta. U to se uvjerio i sam autor, govoreći kao orguljaš na premijeri u Velikoj dvorani Moskovskog konzervatorija (1983): publika je malo po malo počela da napušta dvoranu. U drugim uslovima, to je adekvatno percipirano (na primjer, na Bachovom maratonu u Njemačkoj). Autor je napravio kompaktnu verziju "Ponude" - u trajanju od sat i po, sa snimkom zvuka djela na disku u Rigi Dome Cathedral (1987). Po naslovu, Ščedrinovo delo se namerno povezivalo sa Bahovom „Muzičkom ponudom“, koju je 1747. napravio pruskom kralju i kompozitoru Fridriku II. Ščedrinovo poštovanje Bacha izražavalo se u mnogim analogijama s velikim kompozitorom i njegovom epohom: direktno citiranje majstorovih dvaju orguljskih preludija, tekstura poput Bachovih preludija, različiti polifoni uređaji, genijalna "školjkasta forma", Bachov motiv-monogram - V-A-S- N. U duhu Bahovog vremena, „Prinošenje“ je prožeto simbolima – kao nijedno drugo Ščedrinovo delo: imena Bah, Berg i Ščedrin šifrovana su u obliku bilješki, čak i datum rođenja i visina kompozitora. , citira se melodija korala R. Alea, koju koriste i Bach i Berg, na određenom mjestu partiture je naznačeno - "poljubi instrument" (za fagote i trombone). Orguljski solo koji se proteže kroz čitavu kompoziciju stvaraju reminiscenciono-molitveno raspoloženje, a tri trija duvačkih instrumenata (3×3 su takođe sveti brojevi) crtaju neke slike religioznog zapleta. Ščedrinova gigantska muzička freska je bez premca među poznatim muzičkim posvetama.

Druga Ščedrinova kompozicija za 300. godišnjicu Baha bila je "Eho sonata" za violinu solo (1984). Pravi odjek ovde je izražen u vidu tehnike sviranja violine, sa tihom zvučnom „senkom“ odvojenom od muzičkog „govora“ violiniste, a kratke aplikacije iz poznatih Bahovih dela pojavile su se kao simbolički eho – kristali harmoničnih klasika. , odvojen od oštro disonantne moderne muzičke zvučnosti. Sonata je postala repertoar za violiniste iz različitih zemalja - izvodili su je U. Hölscher, M. Vengerov, D. Sitkovetsky, S. Stadler i drugi.

Godine 1984. Ščedrin je napisao "Autoportret" za simfonijski orkestar. Psihološki, on je dijametralno suprotan ustaljenoj slici Ščedrina kao nosioca uzbudljive energije, majstora humora i šale. Ovo je autorovo najtmurnije i najtragičnije delo, pa je njegova premijera na svečanom otvaranju II Moskovskog međunarodnog muzičkog festivala (1984) bila u suprotnosti sa atmosferom praznika kompozitora. U naslovu drame, Ščedrin je pošao od iskustva slikarstva: „Inspirisao me je primer slikara. Gotovo svi su slikali svoje portrete: možda je to odražavalo njihovu uočenu potrebu da poznaju sebe. okviri za portret // Muzika u SSSR-u, 1985, april - jun, str. 15). U autorovoj napomeni on govori o „imitaciji turobnih zvukova usamljene balalajke, mrmljanju fagota „u hmelju“ (kao da peva stari napev prolaznika kalika),... beskrajnom, čak i i tužni pejzaž moje zemlje." Ščedrin je reagovao na ono što se oko njega dešavalo svim strunama svoje duše. 1984. je krajnja tačka sovjetske stagnacije, koja se činila nepremostivom. Godinu dana kasnije, generalni sekretar Centralnog komiteta KPSS M. Gorbačov došao je na ideju perestrojke pod pretnjom ekonomskog i opšteg kolapsa zemlje.

Nastao 1985. godine, balet "Dama sa psom" zasnovan na istoimenoj priči A. Čehova inspirisan je 60. godišnjicom M. Plisecke. Libreto su napisali R. Shchedrin i V. Leventhal, M. Pliseckaya je bila i koreograf i glavna dama Ana Sergejevna, za čiju je ulogu kostime kreirao poznati pariski modni dizajner P. Cardin. Čisti lirizam radnje ostvaren je kao jednočinki balet u trajanju od 45-50 minuta, koji se sastoji od pet proširenih plesnih dueta - pas de deux. Muzička struktura baleta, koja oličava igru ​​lirskih osećanja likova, prožeta je zadivljujućom melodijom, orkestar je transparentan - samo gudačka grupa sa dodatkom dve oboe, dva roga i celeste, muzički oblik od celine je harmoničan. Kod Ščedrina je ovo najpoetičnije i najlirskije baletsko djelo.

Gorbačovljeva perestrojka, koja je započela 1985. godine, dramatično je promijenila život cjelokupne sovjetske inteligencije, a posebno je otvorila neviđene mogućnosti za kontakte sa stranim zemljama. Godine 1988. dogodila se nova vrsta događaja - sovjetsko-američki festival "Making Music Together". U početku su Amerikanci htjeli sami održati festival Ščedrina, ali Ministarstvo kulture SSSR-a nije dalo saglasnost za to. Tada je organizovan međunarodni forum sa maksimalnom zastupljenošću SSSR-a. U Masačusets je stiglo oko 300 ljudi, uključujući A. Šnitkea, S. Gubajdulina, A. Petrova, G. Kančelija, B. Tiščenko, V. Laurušasa. Crni pjevači učestvovali su u produkciji Ščedrinove "Mrtve duše". Svjetski odjek festivala, kako umjetnički tako i politički, bio je ogroman.

Talas perestrojke doveo je ljude aktivne poput Ščedrina da dođu na vlast. Kompozitor je takođe postao efikasan političar. Godine 1989. iz Saveza kompozitora izabran je u Vrhovni sovjet SSSR-a. Osim toga, imajući svoj politički program, pridružio se poznatoj Međuregionalnoj grupi narodnih poslanika za perestrojku u SSSR-u, čiji su članovi bili akademik A. Saharov, budući prvi predsjednik Rusije B. Jeljcin, budući gradonačelnik Moskve G. Popov, filozof Y. Afanasjev. Posebno su tražili višestranački sistem i alternativne izbore, što nikako nije odgovaralo partijskoj vlasti. Na televiziji se mogla gledati okršaj između Ščedrina, koji je krenuo prema podijumu, i Gorbačova koji mu nije dao riječ. Ščedrin je učestvovao u rehabilitaciji kod kuće M. Rostropoviča i G. Višnevske, proteranih iz zemlje.

S početkom još jednog značajnog datuma - 1000. godišnjice usvajanja hrišćanstva u Rusiji - Ščedrin je napisao eseje koji su pokazali svo duboko značenje ove teme za njega, unuka sveštenika i njega samog, krštenog u detinjstvu: "Stihera za Milenijum krštenja Rusije" (1987) i "Zapečaćeni anđeo" (1988).

Orkestarska "Stihera za milenijum krštenja Rusije" napisana je na osnovu drevnog primarnog izvora zabeleženog kukicama - stihire za praznik Vladimirske ikone cara Ivana Groznog, koju je kompozitor izneo u svojoj interpretacija. Ščedrin je rekreirao svijet drevnog ruskog pjevanja — njegovu tišinu, neužurbanost i spokoj, njegov odraz ruskog ravnog pejzaža, što je uticalo na uglađenost melodije, koja teče bez pauza, i na promjenjivost pripjeva. Partitura ukazuje na trenutke pjevanja uz glasove muzičara na njihove dijelove. Kompozitor je poslao delo za prvo izvođenje u SAD Rostropoviču, kome ga je i posvetio. On je takav čin smatrao građanskim podvigom i bio je u mogućnosti da održi premijeru u Washington Kennedy centru (1988). Prvi ruski CD objavljen je kod kuće - sa snimkom Ščedrinove Stihire i stihire Ivana Groznog.

Rusku liturgiju "Zapečaćeni anđeo", ili horska muzika po N. Leskovu na kanonske crkvenoslovenske tekstove za mešoviti hor a cappella sa sviralom (flautom) u 9 delova, prvi put su u Moskvi izveli dva hora - Moskovska kamerna. i Akademski ruski hor pod upravom V. Minina. Kompozicija u trajanju od 60 minuta je horsko remek-delo koje ima ne samo muzički, već i duhovni i etički uticaj, poput službe za parohijane. Također je službeno zabilježeno: 1992. za to je dodijeljena Državna nagrada Ruske Federacije, jedna od prvih u novoj Rusiji.

Leskovljeva priča "Zapečaćeni anđeo" nije poslužila kao program za Ščedrinovu muziku, iz nje su uzeti zasebni elementi: naslov, tekst za br. 1 ("Anđeo Gospodnji"), slika flaute, zaplet "krug očišćenja" - ikona je čista, spaljena sa pečatom i opet čista. Na zahtev dirigenta mogli su se ubaciti tekstovi iz Leskova (kao što je snimak na CD-u u SAD). A u odnosu na liturgiju, kompozitor nije imao za cilj da reprodukuje čitav njen niz, već je odabrao samo određeni broj tekstova (iz Svakodnevice, Menaje, Trioda) sa preuređivanjem i skraćenicama. Stilski, u muzici se koriste principi ruskog znamenog pjevanja - glatkoća pjevanja, "ravnomjernost" melodije i odsustvo pauza. Što se tiče horske tehnike, ovo je enciklopedija ruskog horskog pisanja, koja je pored melodije znamenskog tipa uključivala i narodne prizvuke, zvučno skladište akorda, boju bas oktavista, solo tončića, efekat "hramovnog odjeka" i imitacije zvonjave. "Zapečaćeni anđeo" postao je izuzetno horsko delo 20. veka i ruske duhovne muzike.

Od kasnih 1980-ih, Ščedrin je počeo da dobija sve više kreativnih predloga iz inostranstva, odgovarajući na njih stvarajući kompozicije na svoju omiljenu rusku temu, čime je naširoko distribuirao u različitim delovima sveta: postavljen je njegov mjuzikl "Nina i 12 meseci". u Japanu (1988) i izveo "Khorovody" (Četvrti koncert za orkestar, 1989), za 100. godišnjicu Čikaškog simfonijskog orkestra napisana je "Stara muzika ruskih provincijskih cirkusa" (Treći koncert za orkestar, 1989), kamerna djela komponovane su za Finsku i Pariz. Što se tiče „Muzike cirkusa“, Ščedrin je istakao (u anotaciji): „U ovom radu namerno težim šarenilu, muzičkom slikarstvu, humoru, spektakularnom, spoljašnjem, zabavnom.... „Cirkus“ je nastao tokom godine perestrojke, u godinama nade i vere u emancipaciju i reorganizaciju ruskog društva.Možda me je osećaj nade u dobre promene napunio energijom i optimizmom?profesionalci ga nazivaju modernim orkestrom, što znači maksimalnu zvučnu ekspresivnost uz maksimalnu koncentraciju i uštede" - tako M. Rostropovič govori o Ščedrinu (Rodion Ščedrin. Autoportret. Knjižica muzičkog festivala, 2002).

Početak 1990-ih, zajedno s prekidom cjelokupne društvene strukture zemlje - raspadom SSSR-a, formiranjem nove države - Ruske Federacije - donio je značajne promjene u Ščedrinovom životu. Oslabljena ekonomija i ozbiljni materijalni problemi stvorili su tako jasnu prijetnju stvaralaštvu da je kompozitor bio primoran da se preseli u Njemačku, u Minhen (1991-92). Pratila ga je supruga M. Pliseckaya. Obojica su zadržali rusko državljanstvo. Počele su jačati veze sa zapadnim izdavačkim kućama i izvođačima. Istovremeno, kompozitor je zadržao i ojačao najvažnija svojstva svog stila - demokratsku širinu i rusku orijentaciju teme. Ali izbor muzičkih žanrova je postao drugačiji: nisu se pojavili novi baleti (samo timska muzika), pojavila se jedna opera - "Lolita", ali koncerti za soliste sa orkestrom - za klavir, violinu, violu, violončelo, trubu - kao rezultat kontakti sa velikim muzičarima, cvetao je neobično mir. Pokazalo se da je velika većina radova povezana s ruskom temom, a značaj lirskog početka se povećao. U vezi sa Ščedrinovim jubilejima održani su veliki festivali u njegovu čast - kod kuće iu mnogim zemljama svijeta. Postao je priznati klasik ruske i svjetske muzike.

Opera "Lolita" prema istoimenom romanu V. Nabokova na libreto samog kompozitora (1994) nije mogla biti postavljena na glavnim svjetskim jezicima zbog problema s autorskim pravima, a onda se javila ideja o izvođenje u Kraljevskoj švedskoj operi - na švedskom. Premijera je održana u Stokholmu 14. decembra 1994: dirigent - M. Rostropovič, Lolita - L. Gustafson, Humbert Humbert - P.-A. Wahlgren, Quilty - B. Howgan. Skandalozna atmosfera koja je uvijek pratila ovaj Nabokovljev zaplet ovdje je izražena u javnim demonstracijama za otkazivanje performansa i pozivima umjetnicima da odbiju učešće u njemu. Ali produkcija je bila veliki uspjeh, s kritikama u štampi širom svijeta.

Iako je opera ta koja ima sposobnost da otkloni naturalizam svake radnje, Ščedrin je pokušao da produbi moralnu stranu romana i u libretu i u muzici. U Prologu, Humbert već sjedi u zatvorskoj ćeliji, a kroz cijelu operu prolazi hor sudija koji ga okrivljuju, a nasuprot tome, hor dječaka u crkvi pjeva prosvjetljujuću molitvu. Da bi se ublažila tragična napetost drame, u kontrastu su umetnuti živahni dueti Reklame. Visok duh opere vlada u dugim, sporim ljubavnim scenama dvoje glavnih junaka, u uzvišenom muzičkom zvuku scene "Humbertov greh". Ščedrin je stvorio sjajne vokalne dionice - mladu Lolitu, koja pjeva u visokom srebrnom registru, ostarjeli zavodnik Quilty sa svojim falsetom ili životinjskim krikom. Opera se završava katarzičnim epilogom koji produbljuje Nabokovljevo finale. Prema rečima pisčevog sina, D. Nabokova, „da je moj otac video ovo, bio bi srećan“.

Nemir i bol zbog nedaća Rusije oživeli su gudačku muziku „Ruske fotografije“, posvećenu orkestru „Virtuozi Moskve“ pod dirigentskom palicom V. Spivakova (1994). Ovo su slike ruskog života u različitim vremenima. 1 sat - "Stari grad Aleksin", u znak sećanja na dedu i detinjstvo, 2 sata - "Bubašvabe u Moskvi", kada se napad zaista dogodio, iako muzika nije slikovita, 3 sata - "Koktel Staljin", sa slika bubnjeva trilova, stenjanja žrtava, odjeka pogubljenja, sa citatima iz kantate o Staljinu A. Aleksandrova i "Marš entuzijasta" I. Dunajevskog, 4 sata - "Večernja zvona", sa raspoloženjem pustoši, zbunjenost u srcu i pjevanje riječi "Vječna pamjat".

U središtu perioda 90-ih su tri značajna koncerta - za violončelo, violinu i violu, posvećena izuzetnim savremenim muzičarima.

Koncert za violončelo "Sotto voce concerto" (posvećen M. Rostropoviču, 1994) po koncepciji pripada djelima sa vječnom temom - život i smrt. Podnaslov se odnosi na Ščedrinovu omiljenu ideju o drami koja se čuje kroz zid, kao i na poseban klavirski klavir u izvedbi Rostropoviča. U muzici su zapisane živopisne tragične epizode, ali je dato inovativno prevazilaženje ovozemaljske tragedije - kao izlaz u neljudski svijet zahvaljujući upotrebi blok-flauta sa svojim trščanim zvukom, poput ruske frule.

Koncert za violinu i gudački orkestar "Concerto cantabile" (posvećeno M. Vengerovu, 1997) je neoromantično djelo, stilski neslično "ranom" i "srednjem" Ščedrinu. Uporediv je samo sa stihovima njegove "Dame sa psom". "Pod riječju" cantabile "Mislim, prije svega, na ton stanja duše, dijelom - na način zvuka. Kao i na preplitanje, ukrštanje, spajanje, dogovor, spor, protivpokret pjevačkih redova. soliste i orkestra" (iz autorskog sažetka). Kao "moj dnevnik osećanja" kompozitor je opisao svoj koncert u švajcarskom filmu o njemu J. Gachota.
"Concerto dolce", koncert za violu uz pratnju gudačkog orkestra i harfe (1997.), priredili su kako moj otac svira na ovom instrumentu, tako i Ščedrinov predgovor "Violistu Danilovu" V. Orlova i, naravno, jedinstvena vještina Yu.Bashmeta, kome je i posvećena. Iako se koncert zove "Dolče", ne počinje i ne završava se ovim likom. Velika epizoda Dolce nalazi se u centru forme i posebno je rezervisana za reprizu. U muziku su umetnuti čisto ruski elementi, označeni kao "balalajka" i kao "zvona za sanke" - oba su prvi put uključena u delo za violu. Karakteristično je da Ščedrin koncerte "Dolče" i "Kantabile" zatvara energičnim voljnim kodom.

Kamerna dela sredine 90-ih obeležena su Ščedrinovim pronalascima u prirodi muzičkog zvuka: „Muzika izdaleka“ za dve gramofonske ploče i Druga sonata za klavir (1996), „Balalajka“ za solo violinu bez gudala (1997), nastavljajući ideju "Ruskih melodija" za violončelo solo (1990).

1997. godine, povodom 65. rođendana kompozitora, održani su festivali njegove muzike u Finskoj, Francuskoj, Nemačkoj, au Rusiji su se proslave održavale 19 dana u četiri grada: Moskvi, Sankt Peterburgu, Nižnjem Novgorodu, Samari.

Na rubu milenijuma (1999), Ščedrin je dobio počasnu ponudu iz Nemačke: da napiše orkestarski Preludij za Betovenovu Devetu simfoniju, značajno delo za celokupnu nemačku kulturu. Za svoju godišnjicu, Bavarski radio orkestar naručio je esej, koji je postao "Symphonie con-certante" (Treća simfonija) "Lica ruskih bajki" (2000), koji odražava slike "Dvoroge lule", "Aljonuškine sestre i Ivanuškin brat", "Princeza-žabe" i drugi. Ščedrin je 1999. godine stvorio jedan od svojih najimpresivnijih koncerata, Peti klavirski koncert (posvećen finskom pijanisti O. Mustonenu), koji je nakon premijere u Los Anđelesu (1999.) započeo samouveren put kroz svetsku pop muziku. Po nalogu Simfonijskog orkestra iz Pitsburga, rođena je "Lolita Serenade" iz operske muzike (2001).

Kompozitorov 70. rođendan 2002. godine obilježen je veličanstvenim festivalom u Moskvi i Sankt Peterburgu, koji je pokazao vitalnost njegovog stvaralaštva tokom godina i neiscrpni potencijal u stvaranju novih djela (među ruskim premijerama su "Parabola concertante", "Koncert parabola" za violončelo, gudački orkestar i timpane, 2001.). U Karnegi holu održana je premijera simfonijskih studija za orkestar „Dijalozi sa Šostakovičem“ (2002). U Linkoln centru u Njujorku održana je svetska premijera Ščedrinove opere za koncertnu scenu "Začarani lutalica" po romanu N. Leskova (19.12.2002): Njujorški filharmonijski orkestar, hor, pevači - A. Anger , L. Paasikivi, E Akimov, dirigent L. Maazel.

"Ja sam Rus, svi moji koreni su ovde. Čak i da sam negde na Ognjenoj zemlji, ostao bih takav", kaže Ščedrin o sebi (R. Ščedrin. Neko je odlučio da prevaspita Ruse... Razgovor sa S. Biryukov. // Rad, 22.12.95.). Uz veliku domišljatost, umeo je i ume da unese ruske elemente u svoj muzički jezik, reprodukujući stihire, molitve, pesme, pastirske melodije, zvonjavu, glasove ožalošćenih, cirkusku muziku, balalajku, guslanje, cigansku pesmu, aplikacije iz Čajkovskog, itd. Pritom je cela aura njegovih kompozicija tipično moderna: oštrina disonantnih zvučnih parova, igra muzičkih scenskih prostora, tehnika kolaža, izuzetno raznolika artikulacija i inovativni načini izvođenja na svim instrumentima.

Ščedrinova muzika je nabijena tom sunčanom vitalnošću, koja je ljudima u velikoj meri nedostajala umetnosti 20. veka. Zato je ljudski odziv širom sveta na njegovu "muzičku ponudu" tako velik. Kroz svoj život, idući svojim putem, zauzeo je stabilnu poziciju u samom centru muzičke kulture, a po riječima R. W. Emersona, "heroj je onaj koji nepomično stoji u centru".

KOMPOZENTI: Rodion Ščedrin (Video)

Kreativnim zaslugama R. K. Ščedrina dodijeljene su brojne počasne titule i nagrade: Narodni umjetnik SSSR-a (1981), Lenjinova nagrada (1984), Državna nagrada SSSR-a (1972), Državna nagrada Rusije (1992), Orden zasluga za Otadžbina III stepena (2002). Dobitnik nagrade D. D. Šostakoviča (Rusija, 1992), Kristalne nagrade Svetskog ekonomskog foruma (Davos, 1995), počasni profesor Moskovskog konzervatorijuma (1997), "Kompozitor godine" Simfonijskog orkestra iz Pitsburga (2002).

Dopisni član Bavarske akademije likovnih umjetnosti (1976), počasni član Društva F. List (SAD, 1979), počasni član Akademije likovnih umjetnosti DDR-a (1982), počasni član Međunarodnog muzičkog savjeta ( 1985), član Berlinske akademije umjetnosti (1989).

Njemu su posvećene knjige: I. Lihačov. Muzičko pozorište Rodiona Ščedrina (Moskva, 1977); V. Komissinsky. O dramskim principima R. Ščedrina (Moskva, 1978); M. Tarakanov. Kreativnost Rodiona Ščedrina (M., 1980); H. Gerlach. Zum Schaffen von Rodion Schtschedrin (Berlin, 1982); Y. Paisov. Hor u delu Rodiona Ščedrina (Moskva, 1992); V. Kholopova. Centralna staza. Kompozitor Rodion Ščedrin (M., 2000); ona je u njemačkoj verziji - V. Cholopova. Der Weg im Zentrum (Mainz, Schott, 2002) i drugi. Godine 2002. objavljena je knjiga samog kompozitora: R. Shchedrin. Monologi različitih godina (M., 2002).

6. (1872 - 1915)

Aleksandar Nikolajevič Skrjabin je ruski kompozitor i pijanista, jedna od najsjajnijih ličnosti ruske i svetske muzičke kulture. Originalno i duboko poetično Skrjabinovo djelo izdvajalo se svojom inovativnošću čak i na pozadini rađanja mnogih novih tokova u umjetnosti povezanih s promjenama u javnom životu na prijelazu iz 20. stoljeća.
Rođen u Moskvi, majka mu je rano umrla, otac nije mogao da obraća pažnju na sina, jer je bio ambasador u Persiji. Skrjabina su odgajali tetka i djed, od djetinjstva je pokazivao muzičke sposobnosti. U početku je studirao u kadetskom korpusu, uzimao privatne časove klavira, nakon što je diplomirao na korpusu ušao je na Moskovski konzervatorijum, njegov kolega iz razreda bio je S.V. Rakhmaninov. Nakon diplomiranja na konzervatorijumu, Skrjabin se u potpunosti posvetio muzici - kao koncertni pijanista-kompozitor, gostovao je po Evropi i Rusiji, provodeći većinu vremena u inostranstvu.
Vrhunac Skrjabinovog skladateljskog rada bile su godine 1903-1908, kada je nastala Treća simfonija ("Božanska poema"), simfonijska "Poema ekstaze", "Tragične" i "Satanske" klavirske pjesme, 4. i 5. sonate i druga djela. pušten. "Pesma ekstaze", koja se sastoji od nekoliko tema-slika, koncentrisala je Srjabinove kreativne ideje i njegovo je svetlo remek delo. Skladno je spojila ljubav kompozitora prema snazi ​​velikog orkestra i lirskom, prozračnom zvuku solo instrumenata. Kolosalna vitalna energija, vatrena strast, moć snažne volje oličena u "Pesmi ekstaze" ostavlja neodoljiv utisak na slušaoca i do danas zadržava snagu svog uticaja.
Još jedno Skrjabinovo remek-djelo je "Prometej" ("Ognjena pjesma"), u kojem je autor potpuno ažurirao svoj harmonični jezik, odstupajući od tradicionalnog tonskog sistema, a prvi put u istoriji ovo djelo je trebalo da bude praćeno bojom. muziku, ali premijera, iz tehničkih razloga, nije prošla bez svjetlosnih efekata.
Posljednja nedovršena "Misterija" bila je ideja Skrjabina, sanjara, romantičara, filozofa, da se dopadne cijelom čovječanstvu i inspiriše ga da stvori novi fantastični svjetski poredak, sjedinjenje Univerzalnog duha s materijom.

Citat A.N. Skrjabina: „Reći ću im (ljudima) da... ne očekuju ništa od života osim onoga što mogu sami sebi da stvore... Reći ću im da nema za čim tugovati o tome da nema gubitka "Da se ne boje očaja, koji jedini može dovesti do pravog trijumfa. Jak je i moćan onaj koji je doživio očaj i pobijedio ga."

Citat o A.N. Skrjabinu: "Skrjabinovo djelo je bilo njegovo vrijeme, izraženo u zvucima. Ali kada privremeno, prolazno nađe svoj izraz u radu velikog umjetnika, ono dobiva trajno značenje i postaje trajno." G. V. Plekhanov

A.N.Skrjabin "Prometej"

7. (1873 - 1943)

Sergej Vasiljevič Rahmanjinov je najveći svetski kompozitor s početka 20. veka, talentovani pijanista i dirigent. Kreativni imidž Rahmanjinova kao kompozitora često se definiše epitetom „najruskiji kompozitor“, naglašavajući u ovoj kratkoj formulaciji njegove zasluge u objedinjavanju muzičke tradicije moskovske i peterburške kompozitorske škole i stvaranju sopstvenog jedinstvenog stila, koja se izolovano izdvaja u svetskoj muzičkoj kulturi.
Rođen u Novgorodskoj guberniji, od četvrte godine počeo je da uči muziku pod vodstvom majke. Studirao je na Konzervatoriju u Sankt Peterburgu, nakon 3 godine studija prelazi na Moskovski konzervatorijum i diplomira sa velikom zlatnom medaljom. Ubrzo je postao poznat kao dirigent i pijanista, komponujući muziku. Katastrofalna premijera revolucionarne Prve simfonije (1897) u Sankt Peterburgu izazvala je kreativnu kompozitorsku krizu, iz koje je Rahmanjinov izašao ranih 1900-ih sa zrelim stilom koji je kombinovao rusko crkveno pisanje pesama, odlazeći evropski romantizam, moderni impresionizam i neoklasicizam, sve saturirani. sa složenom simbolikom. U tom stvaralačkom periodu rođena su njegova najbolja djela, među kojima su 2 i 3 klavirska koncerta, Druga simfonija i njegovo omiljeno djelo - poema "Zvona" za hor, soliste i orkestar.
Godine 1917. bio je prisiljen napustiti našu zemlju i nastaniti se u Sjedinjenim Državama. Gotovo deset godina nakon odlaska nije komponovao ništa, ali je obilazio Ameriku i Evropu i bio priznat kao jedan od najvećih pijanista tog doba i najveći dirigent. Uz svu burnu aktivnost, Rahmanjinov je ostao ranjiva i nesigurna osoba, koja je težila samoći, pa čak i samoći, izbjegavajući nametljivu pažnju javnosti. Iskreno je volio i čeznuo za domovinom, pitajući se da li je pogriješio što je napustio. Stalno se interesovao za sva dešavanja u Rusiji, čitao knjige, novine i časopise, pomagao finansijski. Njegove posljednje kompozicije - Simfonija br. 3 (1937) i "Simfonijski plesovi" (1940) postale su rezultat njegovog stvaralačkog puta, upijajući sve najbolje od njegovog jedinstvenog stila i turobnog osjećaja nenadoknadivog gubitka i čežnje za domom.

Citat S.V. Rahmanjinova:
"Osjećam se kao duh koji sam luta u svijetu koji mu je stran."
"Najviša kvaliteta svake umjetnosti je njena iskrenost."
„Veliki kompozitori su uvek i iznad svega obraćali pažnju na melodiju kao vodeći princip u muzici. Melodija je muzika, glavna osnova svake muzike... Melodična domišljatost, u najvišem smislu te reči, glavni je životni cilj kompozitora. ... Zbog toga su veliki kompozitori prošlosti pokazivali veliko interesovanje za narodne melodije svojih zemalja.

Citat o S.V. Rahmanjinovu:
"Rahmanjinov je bio napravljen od čelika i zlata: čelik u njegovim rukama, zlato u njegovom srcu. Ne mogu ga misliti bez suza. Ne samo da sam se poklonio velikom umjetniku, nego sam volio čovjeka u njemu." I. Hoffman
"Muzika Rahmanjinova je okean. Njegovi talasi - muzički - počinju tako daleko iza horizonta, podižu te tako visoko i spuštaju tako polako... da osetiš tu Moć i Dah." A. Konchalovsky

Zanimljiva činjenica: tokom Velikog domovinskog rata Rahmanjinov je održao nekoliko dobrotvornih koncerata, a prikupljeni novac poslao je u fond Crvene armije za borbu protiv nacističkih osvajača.

S.V.Rakhmaninov. Koncert za klavir br. 2

8. (1882-1971)
Igor Fjodorovič Stravinski je jedan od najuticajnijih svetskih kompozitora 20. veka, vođa neoklasicizma. Stravinski je postao "ogledalo" muzičke ere, njegov rad odražava mnoštvo stilova, koji se neprestano ukrštaju i teško ih je klasifikovati. On slobodno kombinuje žanrove, forme, stilove, birajući ih iz vekovne muzičke istorije i podređujući ih sopstvenim pravilima.
Rođen u blizini Sankt Peterburga, studirao na Pravnom fakultetu Univerziteta u Sankt Peterburgu, samostalno studirao muzičke discipline, uzimao privatne časove kod N. A. Rimskog-Korsakova, ovo je bila jedina kompozitorska škola Stravinskog, zahvaljujući kojoj je do savršenstva savladao tehniku ​​kompozicije. Profesionalno je počeo da komponuje relativno kasno, ali uspon je bio brz - serija od tri baleta: Žar ptica (1910), Petruška (1911) i Obred proleća (1913) odmah ga je dovela u red kompozitora prve veličine. .
Godine 1914. napustio je Rusiju, ispostavilo se gotovo zauvijek (1962. su bile turneje po SSSR-u). , primoran da promijeni nekoliko zemalja - Rusiju, Švicarsku, Francusku, kao rezultat toga, ostao je živjeti u SAD-u. Njegov rad je podeljen na tri perioda - "ruski", "neoklasični", američka "serijska produkcija", periodi nisu podeljeni po vremenu života u različitim zemljama, već po autorovom "rukopisu".
Stravinski je bio veoma obrazovana, društvena osoba sa divnim smislom za humor. U krugu njegovih poznanika i dopisnika bili su muzičari, pesnici, umetnici, naučnici, biznismeni, državnici.
Posljednje najviše ostvarenje Stravinskog - "Rekvijem" (pjesmi za mrtve) (1966) upilo je i spojilo dosadašnje umjetničko iskustvo kompozitora, postavši prava apoteoza majstorovog djela.
U djelu Stavinskog ističe se jedna jedinstvena osobina - "jedinstvenost", nije ga uzalud nazivao "kompozitorom hiljadu i jednog stila", stalna promjena žanra, stila, smjera radnje - svako njegovo djelo je jedinstven, ali se stalno vraćao dizajnu u kojem je vidljivo rusko porijeklo, čuo ruske korijene.

Citat I.F. Stravinskog: "Cijeli život govorim ruski, imam ruski stil. Možda u mojoj muzici to nije odmah vidljivo, ali joj je inherentno, to je u njenoj skrivenoj prirodi"

Citat o I.F. Stravinskom: "Stravinski je istinski ruski kompozitor... Ruski duh je neuništiv u srcu ovog zaista velikog, mnogostranog talenta, rođenog iz ruske zemlje i vitalno povezan sa njom..." D. Šostakovič

Zanimljiva činjenica (bicikl):
Jednom u Njujorku, Stravinski je uzeo taksi i bio je iznenađen kada je pročitao svoje ime na znaku.
- Niste rođak kompozitora? upitao je vozača.
- Postoji li kompozitor sa takvim prezimenom? - iznenadio se vozač. - Čujem to po prvi put. Međutim, Stravinski je ime vlasnika taksija. Nemam nikakve veze sa muzikom - zovem se Rosini...

I.F. Stravinski. Apartman "Žar ptica"

9. (1891—1953)

Sergej Sergejevič Prokofjev - jedan od najvećih ruskih kompozitora 20. veka, pijanista, dirigent.
Rođen u Donjeckoj oblasti, od detinjstva se pridružio muzici. Prokofjev se može smatrati jednim od retkih (ako ne i jedinim) ruskih muzičkih "vunderkinda", od 5 godina se bavio komponovanjem, sa 9 je napisao dve opere (naravno, ova dela su još nezrela, ali pokazuju želju za stvaranjem), sa 13 godina je položio ispite na Peterburškom konzervatorijumu, među njegovim nastavnicima je bio. Početak njegove profesionalne karijere izazvao je buru kritika i nerazumijevanje njegovog individualnog u osnovi antiromantičnog i krajnje modernističkog stila, paradoks je da je, razorivši akademske kanone, struktura njegovih kompozicija ostala istinita i kasnije postala sputavajuća snaga modernistički sve-negirajući skepticizam. Od samog početka svoje karijere, Prokofjev je mnogo nastupao i gostovao. Godine 1918. otišao je na međunarodnu turneju, uključujući posjetu SSSR-u, da bi se konačno vratio u domovinu 1936. godine.
Zemlja se promenila i Prokofjevljevo "slobodno" stvaralaštvo je prinuđeno da ustupi mesto realnosti novih zahteva. Talenat Prokofjeva procvjetao je novom snagom - piše opere, balete, muziku za filmove - oštra, voljna, izuzetno tačna muzika sa novim slikama i idejama, postavila je temelje sovjetskoj klasičnoj muzici i operi. Godine 1948. tri tragična događaja dogodila su se gotovo istovremeno: zbog sumnje za špijunažu, njegova prva supruga Španjolka je uhapšena i prognana u logore; izdat je dekret Polibiroa Centralnog komiteta Svesavezne komunističke partije boljševika u kojem su Prokofjev, Šostakovič i drugi napadnuti i optuženi za "formalizam" i opasnost njihove muzike; došlo je do naglog pogoršanja kompozitorovog zdravlja, povukao se u zemlju i praktički je nije napustio, već je nastavio da komponuje.
Neka od najsjajnijih djela sovjetskog perioda bile su opere "Rat i mir", "Priča o pravom čovjeku"; baleti "Romeo i Julija", "Pepeljuga", koji su postali novi standard svjetske baletske muzike; "Na straži svijeta"; muzika za filmove "Aleksandar Nevski" i "Ivan Grozni"; simfonije br. 5,6,7; klavirski rad.
Prokofjevljevo stvaralaštvo zadivljuje svojom raznovrsnošću i širinom tematike, originalnošću njegovog muzičkog razmišljanja, svježinom i originalnošću čini čitavu epohu svjetske muzičke kulture 20. vijeka i ima snažan uticaj na mnoge sovjetske i strane kompozitore.

Citat S.S. Prokofjeva:
„Može li umjetnik stajati podalje od života?.. Uvjerena sam da je kompozitor, kao pjesnik, vajar, slikar, pozvan da služi čovjeku i narodu... Prije svega, mora biti građanin u njegova umjetnost opjeva ljudski život i vodi čovjeka u svjetliju budućnost...
"Ja sam manifestacija života, koja mi daje snagu da se oduprem svemu neduhovnom"

Citat o S.S. Prokofjevu: "...svi aspekti njegove muzike su prelepi. Ali ovde postoji jedna potpuno neobična stvar. Očigledno, svi imamo neke neuspehe, sumnje, samo loše raspoloženje. I u takvim trenucima, čak i ako Ne sviram i ne slušam Prokofjeva, ali samo razmišljam o njemu, dobijam neverovatan polet energije, osećam veliku želju da živim, glumim” E. Kissin

Zanimljiva činjenica: Prokofjev je veoma voleo šah, a igru ​​je obogatio svojim idejama i dostignućima, uključujući i šah "devet" koji je izmislio - tablu 24x24 sa devet figura postavljenih na njoj.

S.S. Prokofjev. Koncert br. 3 za klavir i orkestar

10. Dmitrij Dmitrijevič ŠOSTAKOVIČ (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič je jedan od najznačajnijih i najizvođenijih kompozitora na svetu, njegov uticaj na modernu klasičnu muziku je nemerljiv. Njegove kreacije su pravi izraz unutrašnje ljudske drame i anali teških događaja 20. veka, gde je duboko lično isprepleteno sa tragedijom čoveka i čovečanstva, sa sudbinom rodne zemlje.
Rođen u Sankt Peterburgu, prve muzičke lekcije dobio je od majke, diplomirao na Konzervatoriju u Sankt Peterburgu, po ulasku u koji ga je rektor Aleksandar Glazunov uporedio sa Mocartom - impresionirao je sve svojim odličnim muzičkim pamćenjem, oštrim sluhom i kompozitorskim darom . Već početkom 1920-ih, do kraja konzervatorijuma, Šostakovič je imao prtljagu sopstvenih dela i postao jedan od najboljih kompozitora u zemlji. Svjetska slava Šostakoviču je došla nakon njegove pobjede 1927. godine.
Šostakovič je do određenog perioda, odnosno pre produkcije opere "Ledi Magbet iz okruga Mcensk", radio kao slobodni umetnik - "avangarda", eksperimentišući sa stilovima i žanrovima. Oštra denuncijacija ove opere 1936. i represije 1937. postavili su temelj za potonju stalnu Šostakovičevu unutrašnju borbu za želju da svoje stavove izrazi svojim sredstvima, suočeni sa državnim nametanjem trendova u umetnosti. U njegovom životu politika i stvaralaštvo su vrlo usko isprepleteni, bio je hvaljen od vlasti i proganjan od njih, zauzimao je visoke funkcije i bivao s njih smijenjen, nagrađivan i bio na ivici hapšenja sebe i svoje rodbine.
Mek, inteligentan, delikatan čovek, on je svoj oblik izražavanja kreativnih principa pronašao u simfonijama, gde je što otvorenije mogao da kaže istinu o vremenu. Od svih ogromnih Šostakovičevih dela u svim žanrovima, centralno mesto zauzimaju simfonije (15 dela), najdramatičnije su simfonije 5,7,8,10,15, koje su postale vrhunac sovjetske simfonijske muzike. Potpuno drugačiji Šostakovič se otvara u kamernoj muzici.
I pored toga što je sam Šostakovič bio „domaći” kompozitor i praktično nije putovao u inostranstvo, njegova muzika, humanistička po suštini i istinski umetnička po formi, brzo se i naširoko proširila po svetu, u izvođenju najboljih dirigenata. Veličina Šostakovičevog talenta je toliko ogromna da potpuno razumevanje ovog jedinstvenog fenomena svetske umetnosti tek predstoji.

Citat D.D. Šostakoviča: "Prava muzika je sposobna da izrazi samo humana osećanja, samo napredne humane ideje."

D. Šostakovich. Simfonija br. 7 "Lenjingradskaja"

D. Šostakovich. Valcer br. 2

Emtext-align: justifynbsp; title=

Mnogi od nas su uspeli da pređu iz 20. veka u 21. bez vremeplova. Kako kažu, živimo na prelazu dva veka. Stoga, kada govorimo o tome ko su savremeni kompozitori i kom veku pripadaju, moramo to uzeti u obzir. U novije vreme, 20. vek se smatrao modernim. Ali kada je došao 21., prethodni vek je automatski postao prošlost.

Terminologija

Prije nego započnete razgovor o navedenoj temi, treba se odlučiti za potrebnu terminologiju. Prvo, šta je klasična muzika kao takva? Drugo, ko su savremeni kompozitori? Zanimljivo mišljenje Stephena Fryja pomoći će da se razumiju ova pitanja. Njegove knjige o istoriji klasične muzike toliko su divne da je ponekad nemoguće otrgnuti se od njih. On vrlo jasno i krajnje jasno definiše postavljena pitanja.

Klasična muzika. Ako ovaj pojam posmatramo u užem smislu riječi, postaje jasno da se odnosi na prilično kratko razdoblje klasicizma, koje je dominiralo od 1750. do 1830. godine. U širem smislu, klasika je svaka ozbiljna muzika koja zahteva pažnju za slušanje i emocionalni napor.

savremenih kompozitora. Općenito je prihvaćeno da je klasična muzika izdržala test vremena. Shodno tome, kako to može biti moderno? Određena metamorfoza se upravo dogodila kada smo ušli u 21. vijek, ostavljajući 20. u prošlosti. Tako se pokazalo da savremeni klasični kompozitori pripadaju 20. veku. Kako onda biti sa klasičnom muzikom u 21. veku? Ovde to znači da se koristi u širem smislu te reči – kao ozbiljna muzika koja vas tera na razmišljanje i koja zahteva emocionalni napor.

Veliki ruski kompozitori 20. veka. Lista

Lista u nastavku nije poredana hronološki, već po abecednom redu. Naravno, iz toga se može izdvojiti, a posebno istaknuti. Ali pošto su sve ove ličnosti najsjajniji predstavnici svog veka, sa sigurnošću se mogu nazvati - velikim modernim kompozitorima 20. veka. Navedeni nisu samo kompozitori rođeni na prijelazu iz 20. stoljeća. Njihovi radovi u tom periodu bili su već poznati, ili je njihov procvat stvaralaštva pao na 20. vijek.

Strani kompozitori 20. veka. Lista

Ruski kompozitori 21. veka

Nemoguće je neke muzičke stvaraoce pripisati određenom veku. Uostalom, mnoga dela savremenih kompozitora su objavljivana i zasluživala su pažnju kako u 20. veku tako i u 21. To se posebno odnosi na žive kompozitore koji su uspeli da se u prošlom veku proslave svojim visokoumetničkim stvaralaštvom i da nastave da komponuju muziku u trenutni. Govorimo o Rodionu Konstantinoviču Ščedrinu, Sofiji Asgatovni Gubajdulini i drugima.

Međutim, postoje i malo poznati ruski kompozitori 21. stoljeća koji su stvorili prekrasne kompozicije, ali njihova imena nisu imala vremena da postanu popularna.

• Batagov Anton.
• Bakshi Alexander.
• Ekimovskiy Victor.
• Karmanov Pavel.
• Korovitsyn Vladimir.
• Markelov Pavel.
• Martynov Vladimir.
• Pavlova Alla.
• Baker Mark.
• Savalov Yuri.
• Saveliev Yuri.
• Sergeeva Tatiana.

Ova lista se može znatno proširiti.

O savremenim kompozitorima

Pekarski Mark (r. 1940). Postao je poznat po svom ansamblu udaraljki. Atmosfera na njegovim koncertima izaziva smeh, jer kompozitor u procesu izvođenja muzike (i u pauzama) može uspešno da se šali.

Martynov Vladimir (r. 1946) je kompozitor minimalista. Kombinira religioznost i "napredovanje". Savremeni majstor ozbiljne muzike u stanju je da prenese mnogo toga uz minimalna sredstva.

Viktor Yekimovski (r. 1947). Pažnju privlače njegove programske kompozicije sjajnih naslova. To su "B" (muzika pisana za flaute i fonograme), "Siam Concerto" (namijenjen za dva klavira), "Sublimacije" (za simfonijski orkestar), "27 Destructions" (za udaraljke) i mnoge druge.

(r. 1951). U njenim radovima oseća se uticaj muzike A. Skrjabina. Mnogo letova, fluktuacija, požara. Drugi klavirski koncert plijeni pažnju slušalaca svojim dinamičnim razvojem i iznenadnim finalom, koji slušaoca odvodi u srednji vijek, a potom ga vraća nazad.

Pavlova Alla (r. 1952) je kompozitor emigrant. Trenutno živi u Americi. Njena muzika je melodična i istovremeno tužna i žalosna. Napisala je šest simfonija u molu, koje su čitave tragedije.

Kao što vidite, muzika savremenih kompozitora je raznolika, iznenađujuća i privlačna. Mnogi kreatori vole eksperimente, tražeći nove forme. To uključuje Bakshi Alexander (r. 1952). Među njegovim kompozicijama izdvaja se "Poziv bez odgovora" pisan za violinu, 6-7 mobilnih telefona i gudački orkestar.

Markelov Pavel (r. 1967). Jedan od njegovih omiljenih pravaca je sakralna muzika. Napisao je simfonije za orkestar, vers libre sonate za klavir, 20 zvonastih simfonija.

Dečiji savremeni kompozitori

Istaknuti predstavnici su Jurij Savalov, Vladimir Korovicin, Jurij Saveljev.

Jurij Savalov je bio talentovan kompozitor, odličan učitelj i divan aranžer. Sa entuzijazmom je vodio orkestar u Dječijoj muzičkoj školi. Bio je i dobar izvođač. Svirao klavijature i duvačke instrumente. Svaki od njegovih devet komada za klavir ima podnaslov: "Majka", "Ispovijest", "Vjetar lutanja", "Inspiracija", "Bal u prinčevom dvorcu", "Preludij", "Marš", "Valcer", " Uspavanka". Sve su veoma zanimljive, raznovrsne i lepe.

Vladimir Korovicin je rođen 1955. Njegovo djelo se sastoji od muzike pisane u raznim romansama, duhovnih djela pisanih za hor, kamerni i simfonijski orkestar. Za djecu je napisao zbirku dječijih pjesama pod nazivom "Raduj se suncu" i "Dječji album" za klavir. Predstave su odličan dodatak repertoaru učenika. Nazivi predstava tačno odražavaju njihov karakter i raspoloženje: „Palčić“, „Drvene cipele“, „Čovek sa harmonikom varijacije“, „Emelja se vozi na šporetu“, „Tužna princeza“, „Devojački kolo“.

Pjesme za djecu

Dječije pjesme savremenih kompozitora ispunjene su optimizmom i vedrinom. Unatoč činjenici da su neki od njih nastali prije pola stoljeća, ostaju ne samo relevantni, već i prilično moderni. Najviše se smatraju V. Šainski, I. Dunajevski, D. Kabalevski, G. Gladkov. Sa velikim zadovoljstvom slušamo njihove vesele i provokativne pjesme, pjevamo ih sami i zajedno sa djecom.

Ne znaju svi da je G. Gladkov vlasnik melodija iz popularnih filmova i crtanih filmova kao što su "Crvenkapa", "O Fedotu Strijelcu", "Djeca kapetana Granta", "Kod štuke", "Vrana od plastelina" i drugi.

Još jedan legendarni tvorac modernih pesama za decu je V. Šainski. Ima ih preko tri stotine. Dovoljno je poslušati Blue Wagon, Piggy, Chung-Chang, Antoshku i mnoge druge da shvatite koliko je talentovan ovaj kompozitor.

Dakle, savremeni kompozitori se smatraju ne samo živim ili nedavno preminulim kompozitorima 21. veka, već i majstorima 20. veka. Obojica su kreirali višežanrovsku i raznoliku muziku koja zaslužuje pažnju slušalaca i muzikologa.

Melodije i pesme ruskog naroda inspirisale su rad poznatih kompozitora druge polovine 19. veka. Među njima su bili i P.I. Čajkovski, M.P. Musorgsky, M.I. Glinka i A.P. Borodin. Njihovu tradiciju nastavila je čitava plejada izuzetnih muzičkih ličnosti. Ruski kompozitori 20. veka i dalje su popularni.

Aleksandar Nikolajevič Skrjabin

Kreativnost A.N. Skrjabin (1872 - 1915), ruski kompozitor i talentovani pijanista, učitelj, inovator, nikoga ne može ostaviti ravnodušnim. U njegovoj originalnoj i impulsivnoj muzici ponekad se mogu čuti mistični momenti. Kompozitora privlači i privlači slika vatre. Čak iu naslovima svojih djela, Skrjabin često ponavlja riječi poput vatre i svjetlosti. Pokušao je da pronađe način da spoji zvuk i svetlost u svojim radovima.

Otac kompozitora, Nikolaj Aleksandrovič Skrjabin, bio je poznati ruski diplomata, pravi državni savetnik. Majka - Ljubov Petrovna Skrjabina (rođena Ščetinjina), bila je poznata kao veoma talentovana pijanistica. Diplomirala je sa odlikom na Konzervatoriju u Sankt Peterburgu. Njena profesionalna karijera počela je uspješno, ali je ubrzo nakon rođenja sina umrla od konzumacije. Godine 1878. Nikolaj Aleksandrovič je završio studije i bio raspoređen u rusko poslanstvo u Carigradu. Odgoj budućeg kompozitora nastavili su njegovi bliski rođaci - baka Elizaveta Ivanovna, njena sestra Marija Ivanovna i očeva sestra Ljubov Aleksandrovna.

Uprkos činjenici da je Skrjabin sa pet godina savladao sviranje klavira, a nešto kasnije počeo je da uči muzičke kompozicije, prema porodičnoj tradiciji, dobio je vojno obrazovanje. Završio je 2. Moskovski kadetski korpus. Istovremeno je pohađao privatne časove klavira i teorije muzike. Kasnije je upisao Moskovski konzervatorijum i diplomirao sa malom zlatnom medaljom.

Na početku svoje kreativne aktivnosti, Skrjabin je svjesno slijedio Chopina, birajući iste žanrove. Međutim, već tada je njegov vlastiti talenat bio očigledan. Početkom 20. vijeka napisao je tri simfonije, zatim "Pesmu ekstaze" (1907) i "Prometeja" (1910). Zanimljivo je da je kompozitor partituru "Prometeja" dopunio laganim klavijaturnim dijelom. Bio je prvi koji je koristio laganu muziku, čiju svrhu karakteriše otkrivanje muzike metodom vizuelne percepcije.

Kompozitorova nesrećna smrt prekinula je njegov rad. Nikada nije ostvario svoj plan da stvori "Misteriju" - simfoniju zvukova, boja, pokreta, mirisa. U ovom djelu Skrjabin je cijelom čovječanstvu želio reći svoje najdublje misli i inspirisati ga da stvori novi svijet, obilježen sjedinjenjem Univerzalnog Duha i Materije. Njegova najznačajnija djela bila su samo predgovor ovom grandioznom projektu.

Poznati ruski kompozitor, pijanista, dirigent S.V. Rahmanjinov (1873 - 1943) rođen je u bogatoj plemićkoj porodici. Rahmanjinov deda je bio profesionalni muzičar. Prve časove klavira dala mu je majka, a kasnije su pozvali profesora muzike A.D. Ornatskaya. Godine 1885. roditelji su ga rasporedili u privatni internat kod profesora Moskovskog konzervatorijuma N.S. Zverev. Red i disciplina u obrazovnoj ustanovi imali su značajan uticaj na formiranje budućeg karaktera kompozitora. Kasnije je diplomirao na Moskovskom konzervatorijumu sa zlatnom medaljom. Dok je još bio student, Rahmanjinov je bio veoma popularan u moskovskoj javnosti. Već je napravio svoj "Prvi klavirski koncert", kao i neke druge romanse i predstave. A njegova "Preludij u c-molu" postala je veoma popularna kompozicija. Sjajan P.I. Čajkovski je skrenuo pažnju na diplomski rad Sergeja Rahmanjinova - operu "Oleko", koju je napisao pod utiskom A.S. Puškin "Cigani". Pjotr ​​Iljič ga je postavio u Boljšoj teatru, pokušao je pomoći da se ovo djelo uvrsti na repertoar pozorišta, ali je neočekivano umro.

Od dvadesete godine Rahmanjinov je predavao na nekoliko instituta, davao privatne časove. Na poziv poznatog filantropa, pozorišne i muzičke ličnosti Savve Mamontova, sa 24 godine, kompozitor postaje drugi dirigent Moskovske ruske privatne opere. Tamo se sprijateljio sa F.I. Chaliapin.

Rahmanjinovova karijera prekinuta je 15. marta 1897. zbog odbijanja njegove inovativne Prve simfonije od strane javnosti u Sankt Peterburgu. Recenzije za ovo djelo bile su zaista poražavajuće. Ali kompozitora je najviše uznemirila negativna kritika koju je ostavio N.A. Rimski-Korsakov, čije je mišljenje Rahmanjinov veoma cenio. Nakon toga je pao u dugotrajnu depresiju, iz koje je uspio da se izvuče uz pomoć hipnotizera N.V. Dahl.

Godine 1901. Rahmanjinov je završio svoj Drugi klavirski koncert. I od tog trenutka počinje njegov aktivni stvaralački rad kao kompozitor i pijanista. Rahmanjinov jedinstveni stil kombinuje ruske crkvene himne, romantizam i impresionizam. Smatrao je da je melodija glavni vodeći princip u muzici. To je svoj najveći izraz našlo u autorovom omiljenom djelu - pjesmi "Zvona" koju je napisao za orkestar, hor i soliste.

Krajem 1917. Rahmanjinov je sa porodicom napustio Rusiju, radio u Evropi, a potom otišao u Ameriku. Kompozitor je bio veoma uznemiren zbog raskida sa domovinom. Tokom Velikog domovinskog rata davao je dobrotvorne koncerte, čiji su prihodi slani u Fond Crvene armije.

Muzika Stravinskog je prepoznatljiva po svojoj stilskoj raznolikosti. Na samom početku svog stvaralačkog djelovanja, temeljila se na ruskoj muzičkoj tradiciji. A onda se u delima može čuti uticaj neoklasicizma, karakterističan za muziku Francuske tog perioda i dodekafonije.

Igor Stravinski je rođen u Oranijenbaumu (danas grad Lomonosov) 1882. Otac budućeg kompozitora Fjodora Ignjatijeviča je poznati operski pjevač, jedan od solista Marijinskog teatra. Njegova majka bila je pijanistica i pjevačica Anna Kirillovna Kholodovskaya. Od devete godine, učitelji su mu davali časove klavira. Nakon završene gimnazije, na zahtjev roditelja, upisuje se na pravni fakultet Univerziteta. Dvije godine, od 1904. do 1906., držao je lekcije kod N.A. Rimski-Korsakov, pod čijim rukovodstvom je napisao prva djela - skerco, klavirsku sonatu, Faun i Svitu za pastiricu. Sergej Djagiljev je visoko cenio kompozitorov talenat i ponudio mu saradnju. Zajednički rad rezultirao je tri baleta (u postavci S. Djagiljeva) - Žar ptica, Petruška, Obred proleća.

Neposredno prije Prvog svjetskog rata kompozitor odlazi u Švicarsku, a zatim u Francusku. Počinje novi period u njegovom radu. Proučava muzičke stilove 18. veka, piše operu Kralj Edip, muziku za balet Apolon Musagete. Njegov rukopis se mijenjao nekoliko puta tokom vremena. Dugi niz godina kompozitor je živio u SAD. Njegovo posljednje poznato djelo je Requiem. Karakteristika kompozitora Stravinskog je sposobnost stalnog mijenjanja stilova, žanrova i muzičkih pravaca.

Kompozitor Prokofjev rođen je 1891. godine u malom selu u Jekaterinoslavskoj guberniji. Svijet muzike otvorila mu je majka, dobra pijanistica koja je često izvodila djela Šopena i Betovena. Takođe je postala pravi muzički mentor svom sinu, a uz to ga je naučila nemački i francuski.

Početkom 1900. godine mladi Prokofjev je uspeo da prisustvuje baletu Uspavana lepotica i da sluša opere Faust i Knez Igor. Utisak koji je stekao sa predstava moskovskih pozorišta izrazio je u njegovom sopstvenom radu. Piše operu "Div", a potom i uvertiru "Desert Shores". Roditelji ubrzo shvaćaju da sina više ne mogu učiti muzici. Ubrzo, u dobi od jedanaest godina, kompozitor početnik se upoznao sa poznatim ruskim kompozitorom i učiteljem S.I. Tanejev, koji je lično pitao R.M. Gliera da se bavi muzičkom kompozicijom sa Sergejem. S. Prokofjev je sa 13 godina položio prijemne ispite na Konzervatoriju u Sankt Peterburgu. Na početku svoje karijere kompozitor je obilazio i mnogo nastupao. Međutim, njegov rad izazvao je nerazumijevanje u javnosti. To je bilo zbog karakteristika radova koje su se izražavale u sljedećem:

• modernistički stil;
• rušenje ustaljenih muzičkih kanona;
• ekstravagancija i inventivnost tehnika komponovanja

S. Prokofjev je 1918. otišao i vratio se tek 1936. Već u SSSR-u pisao je muziku za filmove, opere, balete. Ali nakon što je, zajedno sa nizom drugih kompozitora, optužen za "formalizam", praktično se preselio da živi u zemlji, ali je nastavio da piše muzička dela. Njegova opera "Rat i mir", baleti "Romeo i Julija", "Pepeljuga" postali su vlasništvo svetske kulture.

Ruski kompozitori 20. stoljeća, koji su živjeli na prijelazu stoljeća, ne samo da su očuvali tradiciju prethodne generacije kreativne inteligencije, već su i stvorili svoju, jedinstvenu umjetnost, za koju su djela P.I. Čajkovski, M.I. Glinka, N.A. Rimski-Korsakov.