Kratka poruka o izuzetnim holandskim umjetnicima. Holandski umjetnici i njihova istorija

Holandija je jedinstvena zemlja koja je svetu dala desetine izuzetnih umetnika. Poznati dizajneri, umjetnici i jednostavno talentirani izvođači - ovo je mala lista kojom se ova mala država može pohvaliti.

Uspon holandske umjetnosti

Era prosperiteta umjetnosti realizma nije dugo trajala u Holandiji. Ovaj period obuhvata čitav 17. vek, ali razmere njegovog značaja uveliko prevazilaze ovaj hronološki okvir. Holandski umjetnici tog vremena postali su uzori za posljednju generaciju slikara. Kako ove riječi ne bi zvučale neutemeljeno, vrijedi spomenuti imena Rembrandta i Halsa, Pottera i Ruisdaela, koji su zauvijek učvrstili svoj status nenadmašnih majstora realističkog prikaza.

Vrlo značajan predstavnik Holanđanina Jan Vermeer. Smatra se najmisterioznijim likom na vrhuncu holandskog slikarstva, jer je, iako poznat za života, izgubio interesovanje za svoju ličnost manje od pola veka kasnije. Malo se zna o Vermeerovim biografskim podacima, uglavnom su historičari umjetnosti istraživali njegovu povijest proučavajući njegova djela, ali i tu je bilo poteškoća - umjetnik praktično nije datirao svoje slike. Najvrednijim sa estetske tačke gledišta smatraju se Janovi radovi "Sluškinja sa vrčem mlijeka" i "Djevojka sa pismom".

Ništa manje poznati i ugledni umjetnici bili su Hans Memling, Hijeronim Boš i briljantni Jan van Eyck. Sve stvaraoce odlikuje privlačnost svakodnevnom životu, koja se ogleda u mrtvim prirodama, pejzažima i portretima.

Ostavila je traga na kasnijem razvoju francuske umetnosti u drugoj polovini 17. veka i postala uzor za realistične pejzaže nastale tokom renesanse. Ruski umjetnici realisti također su obraćali pažnju na Holanđane. Možemo sa sigurnošću reći da je umjetnost Holandije postala progresivna i uzorna i uspjela se odraziti na platnima svakog istaknutog umjetnika koji je slikao prirodne skice.

Rembrandt i njegovo naslijeđe

Puno ime umjetnika je Rembrandt van Rijn. Rođen je nezaboravne 1606. godine u porodici koja je bila prilično prosperitetna za ono vrijeme. Kao četvrto dijete, ipak je dobio dobro obrazovanje. Otac je želio da njegov sin diplomira na fakultetu i postane izvanredna figura, ali njegova očekivanja nisu ispunjena zbog dječakovog slabog akademskog uspjeha, pa je, kako sav trud ne bi bio uzaludan, bio primoran da se prepusti momku. i slaže se sa njegovom željom da postane umjetnik.

Rembrandtovi učitelji bili su holandski umjetnici Jacob van Swanenburch i Pieter Lastman. Prvi je imao prilično osrednje vještine slikanja, ali je uspio steći poštovanje za svoju ličnost, budući da je dugo vremena proveo u Italiji, komunicirajući i radeći sa lokalnim umjetnicima. Rembrandt se nije dugo zadržao kod Jacoba i otišao je u potragu za drugim učiteljem u Amsterdam. Tamo je učio kod Petera Lastmana, koji mu je postao pravi mentor. Upravo je on naučio mladića umijeću graviranja u mjeri u kojoj je mogu promatrati njegovi savremenici.

Kao što svjedoče radovi majstora, izvedeni u ogromnim količinama, Rembrandt je postao potpuno formiran umjetnik do 1628. Njegove skice su bile zasnovane na bilo kojim predmetima, a ljudska lica nisu bila izuzetak. Kada se govori o portretima holandskih umjetnika, ne može se ne spomenuti ime Rembrandta, koji se od malih nogu proslavio svojim izuzetnim talentom u ovoj oblasti. Naslikao je dosta oca i majke, koji se danas čuvaju u galerijama.

Rembrandt je brzo stekao popularnost u Amsterdamu, ali nije prestao da se usavršava. Tridesetih godina 17. veka nastala su njegova čuvena remek-dela „Lekcija anatomije” i „Portret Kopenola”.

Zanimljiva činjenica je da se u to vrijeme Rembrandt oženio prelijepom Saxiom, a u njegovom životu je počelo plodno vrijeme obilja i slave. Mlada Saxia postala je umjetnikova muza i bila je oličena u više od jedne slike, međutim, kako svjedoče istoričari umjetnosti, njene crte se više puta nalaze na drugim portretima majstora.

Umjetnik je umro u siromaštvu, ne izgubivši slavu koju je stekao za života. Njegova remek-djela su koncentrisana u svim većim galerijama u svijetu. S pravom se može nazvati majstorom čija djela predstavljaju sintezu cjelokupnog srednjovjekovnog realističkog slikarstva. Tehnički, njegov rad se ne može nazvati idealnim, jer nije težio preciznosti u konstrukciji crteža. Najvažniji umjetnički aspekt koji ga je razlikovao od predstavnika slikarskih škola bila je njegova nenadmašna igra chiaroscura.

Vincent Van Gogh - genijalni grumen

Čuvši frazu "veliki holandski umjetnici", mnogi ljudi odmah u svojim glavama zamišljaju sliku Vincenta Van Gogha, njegove nesumnjivo lijepe i bujne slike, koje su bile cijenjene tek nakon umjetnikove smrti.

Ova osoba se može nazvati jedinstvenom i briljantnom osobom. Kao sin pastora, Van Gog je, kao i njegov brat, krenuo očevim stopama. Vincent je studirao teologiju i čak je bio propovjednik u belgijskom gradu Borinage. Radi i kao komisionar i razne selidbe. Međutim, služba u župi i blizak kontakt sa surovim svakodnevnim životom rudara oživjeli su u mladom geniju unutrašnji osjećaj nepravde. Svakodnevno razmišljajući o poljima i životu radnih ljudi, Vincent je bio toliko inspirisan da je počeo da crta.

Holandski umjetnici su prvenstveno poznati po svojim portretima i pejzažima. Vincent Van Gogh nije bio izuzetak. Do svoje tridesete godine odustaje od svega i počinje se aktivno baviti slikarstvom. U ovom periodu nastaju njegova čuvena djela “Krompirožderi” i “Seljanka”. Sva njegova djela prožeta su mahnitom simpatijom prema običnim ljudima koji hrane cijelu zemlju, ali u isto vrijeme jedva mogu prehraniti vlastite porodice.

Kasnije, Vincent odlazi u Pariz, a fokus njegovog rada se donekle mijenja. Pojavljuju se intenzivne slike i nove teme za empatiju. Poluzatvorski način života i brak s prostitutkom odrazio se i na njegovu umjetnost, što je jasno vidljivo na slikama “Noćni kafić” i “Šetnja zatvorenika”.

Prijateljstvo sa Gauguinom

Počevši od 1886. Van Gogh se zainteresovao za proučavanje plenerskog slikarstva impresionista i razvio interesovanje za japanske grafike. Od tog trenutka u djelima umjetnika vidljive su karakteristične crte Gauguina i Toulouse-Lautreka. Prije svega, to se može vidjeti u promjeni u prijenosu raspoloženja boja. Radovima počinju da dominiraju potezi kista bogate žute boje, kao i plava „iskrica“. Prve skice u karakterističnoj shemi boja bile su: “Most preko Sene” i “Portret oca Tanguya”. Potonji zasljepljuje svojom svjetlinom i hrabrim potezima.

Prijateljstvo između Gauguina i Van Gogha bilo je korelacijske prirode: međusobno su utjecali na kreativnost, iako su koristili različita izražajna sredstva, aktivno razmjenjivali poklone u obliku vlastitih slika i neumorno se svađali. Razlika između likova, nesigurna pozicija Vincenta, koji je smatrao da su njegovi likovni maniri „seoski zvjerski“, izazvali su kontroverze. Na neki način, Gauguin je bio prizemljenija ličnost od V an Gogha. Strasti u njihovoj vezi postale su toliko intenzivne da su se jednog dana posvađali u svom omiljenom kafiću, a Vincent je Gauguina bacio čašu apsinta. Svađa se tu nije završila, a sutradan je uslijedila duga serija optužbi na račun Gauguina, koji je, prema Van Goghu, bio kriv za sve. Na kraju ove priče Holanđanin je bio toliko bijesan i depresivan odsjekao mu je dio uha koje je ljubazno poklonio jednoj prostitutki.

Holandski umjetnici, bez obzira na doba svog života, više puta su dokazali društvu svoj nenadmašan način prenošenja trenutaka života na platno. Međutim, možda još niko na svijetu nije uspio steći titulu genija, a da nije imao ni najmanje razumijevanja u crtačke tehnike, kompoziciju i metode likovnog izražavanja. Vincent Van Gogh je jedinstveni genije koji je uspio postići svjetsko priznanje zahvaljujući svojoj upornosti, čistoći duha i pretjeranoj žeđi za životom.

Sve do kraja 16. veka holandsko slikarstvo je bilo neraskidivo povezano sa flamanskim slikarstvom i nosilo je opšti naziv „holandska škola“. Obojica, kao grana njemačkog slikarstva, braću van Eyck smatraju svojim precima i dugo su se kretali u istom smjeru, razvijajući istu tehniku, tako da se umjetnici Holandije ne razlikuju od svoje Flandrije. i braća Brabant.

Kada su se Holanđani oslobodili ugnjetavanja Španije, holandsko slikarstvo je dobilo nacionalni karakter. Holandski umjetnici odlikuju se reprodukcijom prirode s posebnom ljubavlju u svoj njenoj jednostavnosti i istini i suptilnom osjećaju za boje.

Holanđani su prvi shvatili da čak i u neživoj prirodi sve diše život, sve je privlačno, sve je sposobno da izazove misao i potakne pokrete srca.

Među pejzažnim slikarima koji tumače svoju zavičajnu prirodu posebno je cijenjen Jan van Goyen (1595-1656), koji se, zajedno s Ezaiasom van de Veldeom (oko 1590-1630) i Pieterom Moleynom Starijim (1595-1661), smatra osnivač holandskog pejzaža.

Ali umetnici Holandije se ne mogu podeliti na škole. Izraz “holandska škola slikarstva” je vrlo proizvoljan. U Holandiji su postojala organizovana društva umetnika, koja su bila slobodne korporacije koje su štitile prava svojih članova i nisu uticale na stvaralačku aktivnost.

Ime Rembrandta (1606-1669) posebno blista u istoriji, u čijoj ličnosti su bile koncentrisane sve najbolje osobine holandskog slikarstva i njegov uticaj se ogledao u svim njegovim vrstama - u portretima, istorijskim slikama, svakodnevnim scenama i pejzažima.

U 17. vijeku se uspješno razvija svakodnevno slikarstvo, čiji su prvi eksperimenti zabilježeni u staroj holandskoj školi. U ovom žanru najpoznatija imena su Cornelis Beg (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), Cornelis Dusart (1660-1704), Henrik Roques, zvani Sorg (1621-82),

Umjetnici koji su slikali scene vojnog života mogu se svrstati u žanr slikare. Glavni predstavnik ove grane slikarstva je čuveni i izuzetno plodan Philips Wouwerman (1619-68)

U posebnu kategoriju izdvajamo majstore koji su u svojim slikama kombinovali pejzaže sa slikama životinja. Najpoznatiji među takvim slikarima seoske idile je Paulus Potter (1625-54); Albert Cuyp (1620-91).

Holandski umjetnici su najveću pažnju posvetili moru.

U djelu Willema van de Veldea Starijeg (1611. ili 1612.-93.), njegovog slavnog sina Willema van de Veldea mlađeg (1633.-1707.), Ludolfa Backhuisena (1631.-1708.), slikanje pogleda na more je bila njihova specijalnost.

U oblasti mrtve prirode najpoznatiji su bili Jan-Davids de Gem (1606-83), njegov sin Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630-93) .

Briljantni period holandskog slikarstva nije trajao dugo - samo jedno stoljeće.

Od početka 18. vijeka. njegov pad dolazi, razlog tome su ukusi i pogledi na pompezno doba Luja XIV. Umjesto direktnog odnosa prema prirodi, ljubavi prema izvornom i iskrenosti, uspostavlja se dominacija unaprijed stvorenih teorija, konvencija i imitacije svjetiljki francuske škole. Glavni propagator ovog žalosnog trenda bio je Flamanac Gerard de Leresse (1641-1711), koji se nastanio u Amsterdamu.

Propadanje škole doprinio je i slavni Adrian van de Werff (1659-1722), čija se dosadna boja njegovih slika nekada činila vrhuncem savršenstva.

Strani uticaj je imao veliku težinu na holandskom slikarstvu sve do dvadesetih godina 19. veka.

Nakon toga, holandski umjetnici su se okrenuli svojoj antici - strogom promatranju prirode.

Posebno je bogata najnovija holandska slika pejzažista. Tu spadaju Andreas Schelfhout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (r. 1837), Johannes Weissenbruch (1822-1880) i drugi.

Među najnovijim marinskim slikarima u Holandiji, palma pripada Johanesu Schotelu (1787-1838).

Wouters Verschoor (1812-74) pokazao je veliku vještinu u slikanju životinja.

U našoj online prodavnici možete kupiti reprodukcije slika holandskih umjetnika.

Rano holandsko slikarstvo(retko Staro holandsko slikarstvo) - jedna od faza sjeverne renesanse, doba u holandskom i posebno flamanskom slikarstvu, koja pokriva otprilike jedan vek u istoriji evropske umetnosti, počev od druge četvrtine 15. veka. Umjetnost kasne gotike u to je vrijeme zamijenjena ranom renesansom. Ako je kasna gotika, pojavivši se u Francuskoj, stvorila univerzalni jezik umjetničke forme, čemu su doprinijeli mnogi holandski majstori slikarstva, onda se u periodu opisanom u Holandiji formirala jasno prepoznatljiva samostalna slikarska škola, koju je karakterizirao realistički stil. slikarstva, koje je svoj izraz našlo prvenstveno u žanru portreta.

Enciklopedijski YouTube

• 1 / 5

  Od 14. stoljeća, ove teritorije su doživjele kulturne i sociološke promjene: svjetovni zaštitnici su zamijenili crkvu kao glavni kupac umjetničkih djela. Holandija je kao centar umetnosti počela da zasenjuje kasnu gotičku umetnost na francuskom dvoru.

  Holandiju je sa Francuskom povezivala i zajednička burgundska dinastija, pa su flamanski, valonski i holandski umetnici lako našli posao u Francuskoj na dvorovima Anžua, Orleana, Berija i samog francuskog kralja. Izvanredni majstori internacionalne gotike, braća Limburg iz Gelderna bili su u suštini francuski umjetnici. Uz rijetke izuzetke u liku Melkiora Bruderlama, u svojoj domovini, Holandiji, ostali su samo slikari nižeg ranga.

  U počecima ranog holandskog slikarstva, shvaćenog u užem smislu, nalazi se Jan van Eyck, koji je 1432. godine završio rad na svom glavnom remek-djelu, Gentskom oltaru. Čak su i savremenici smatrali radove Jana van Ejka i drugih flamanskih umetnika „novom umetnošću“, nečim potpuno novim. Hronološki, staro holandsko slikarstvo razvilo se otprilike u isto vrijeme kada i italijanska renesansa.

  Pojavom portreta, svjetovna, individualizirana tema je prvi put postala glavni motiv slikarstva. Žanrovske slike i mrtve prirode su svoj proboj u umjetnosti ostvarile tek u periodu holandskog baroka 17. stoljeća. Građanski karakter ranog holandskog slikarstva govori o nastupu Novog vremena. Sve češće su klijenti, pored plemstva i klera, bili bogato plemstvo i trgovci. Čovjek na slikama više nije bio idealiziran. Pred gledaocem se pojavljuju stvarni ljudi sa svim svojim ljudskim nedostacima. Bore, vrećice ispod očiju - sve je na slici prikazano prirodno bez ukrasa. Sveci više nisu živjeli isključivo u crkvama, ulazili su i u domove građana.

  Umetnici

  Jedan od prvih predstavnika novih umjetničkih pogleda, uz Jana van Eycka, smatra se Flemalovim majstorom, koji je trenutno identificiran kao Robert Campin. Njegovo glavno djelo je oltarna slika (ili triptih) Blagovijesti (drugi naziv: oltarna slika porodice Merode; oko 1425.), koja se sada čuva u Cloisters muzeju u New Yorku.

  Sama činjenica da je Jan van Eyck imao brata Huberta, dugo se dovodi u pitanje. Nedavna istraživanja su pokazala da je Hubert van Eyck, spomenut u samo nekoliko izvora, bio samo osrednji umjetnik gentske škole, koji nije imao nikakve porodične ili bilo kakve druge veze sa Janom van Eyckom.

  Kampenovim učenikom se smatra Rogier van der Weyden, koji je vjerovatno učestvovao u radu na triptihu Merode. Zauzvrat, on je uticao na Dirka Boutsa i Hansa Memlinga. Memlingov savremenik bio je Hugo van der Hus, koji se prvi put spominje 1465. godine.

  Iz ove serije izdvaja se najmisteriozniji umjetnik ovog vremena Hieronymus Bosch, čiji rad još nije dobio jednoznačnu interpretaciju.

  Pored ovih velikih majstora, zaslužuju spomenuti rani holandski umjetnici kao što su Petrus Christus, Jan Provost, Colin de Cauter, Albert Bouts, Goswin van der Weyden i Quentin Massys.

  Upečatljiv fenomen bio je rad umjetnika iz Leidena: Cornelis Engelbrechtsen i njegovi učenici Artgen van Leyden i Lucas van Leyden.

  Samo mali dio radova ranih holandskih umjetnika preživio je do danas. Bezbrojne slike i crteži postali su žrtve ikonoklazma tokom reformacije i ratova. Osim toga, mnoga djela su ozbiljno oštećena i zahtijevaju skupu restauraciju. Neka djela su sačuvana samo u kopijama, dok je većina zauvijek izgubljena.

  Radovi ranih Holanđana i Flamanaca predstavljeni su u najvećim muzejima umjetnosti na svijetu. Ali neki oltari i slike su još uvijek na svojim starim mjestima - u crkvama, katedralama i dvorcima, kao što je Gentska oltarna pala u katedrali Svetog Bava u Gentu. Međutim, sada ga možete gledati samo kroz debelo oklopno staklo.

  Uticaj

  Italija

  U rodnom mjestu renesanse, Italiji, Jan van Eyck je bio veoma poštovan. Nekoliko godina nakon umjetnikove smrti, humanista Bartolomeo Fazio je čak nazvao van Eycka "princ među slikarima veka".

  Dok su italijanski majstori koristili složena matematička i geometrijska sredstva, posebno sistem perspektive, Flamanci su bili u stanju da ispravno prikažu "stvarnost" bez, kako se čini, velikih poteškoća. Radnja na slikama se više nije odvijala, kao u gotici, istovremeno na jednoj pozornici. Prostorije su prikazane u skladu sa zakonima perspektive, a pejzaži više nisu shematska pozadina. Široka, detaljna pozadina vodi pogled u beskonačnost. Odjeća, namještaj i namještaj prikazani su s fotografskom preciznošću.

  Španija

  Prvi dokazi širenja sjevernih slikarskih tehnika u Španjolskoj nalaze se u kraljevstvu Aragon, koje je uključivalo Valensiju, Kataloniju i Balearska ostrva. Kralj Alfonso V poslao je svog dvorskog umjetnika Louisa Dalmaua u Flandriju 1431. godine. Godine 1439., umjetnik iz Briža Louis Alimbrot preselio se u Valensiju sa svojom radionicom ( Luis Alimbrot, Lodewijk Allyncbrood). Jan van Eyck je vjerovatno posjetio Valensiju još 1427. godine kao dio burgundske delegacije.

  Valensija, u to vrijeme jedan od najznačajnijih centara Mediterana, privlačila je umjetnike iz cijele Evrope. Pored tradicionalnih umjetničkih škola „međunarodnog stila“, postojale su i radionice u flamanskom i italijanskom stilu. Ovdje se razvio takozvani “špansko-flamanski” umjetnički pravac, čiji su glavni predstavnici Bartolome Bermejo.

  Kastiljski kraljevi posjedovali su nekoliko poznatih djela Rogiera van der Weydena, Hansa Memlinga i Jana van Eycka. Osim toga, gostujući umjetnik Huan de Flandes („Jan od Flandrije“, prezime nepoznato) postao je dvorski portretista kraljice Izabele, koji je postavio temelje realističke škole španskog dvorskog portreta.

  Portugal

  Samostalna slikarska škola nastala je u Portugalu u drugoj polovini 15. stoljeća u lisabonskoj radionici dvorskog umjetnika Nuna Gonçalvesa. Rad ovog umjetnika je u potpunoj izolaciji: čini se da nije imao ni prethodnika ni sljedbenika. Flamanski uticaj se posebno oseća u njegovom poliptihu "Saint Vincent" Jan van Eyck und seine Zeit. Flämische Meister und der Süden 1430-1530. Ausstellungskatalog Brügge, Stuttgart 2002. Darmstadt 2002.

• Bodo Brinkmann: Die flämische Buchmalerei am Ende des Burgunderreichs. Der Meister des Dresdner Gebetbuchs und die Miniaturisten seiner Zeit. Turnhout 1997. ISBN 2-503-50565-1
• Birgit Franke, Barbara Welzel (Hg.): Die Kunst der burgundischen Niederlande. Eine Einführung. Berlin 1997. ISBN 3-496-01170-X
• Max Jakob Friedlander: Altniederländische Malerei. 14 Bde. Berlin 1924-1937.
• Erwin Panofsky: Die altniederländische Malerei. Ihr Ursprung und Wesen.Übersetzt und hrsg. von Jochen Sander i Stephan Kemperdick. Köln 2001. ISBN 3-7701-3857-0 (Original: Rano holandsko slikarstvo. 2 Bde. Cambridge (Mass.) 1953.)
• Otto Pächt: Van Eyck, die Begründer der altniederländischen Malerei. München 1989. ISBN 3-7913-1389-4
• Otto Pächt: Altniederländische Malerei. Von Rogier van der Weyden od Gerarda Davida. Hrsg. von Monika Rosenauer. München 1994. ISBN 3-7913-1389-4
• Jochen Sander, Stephan Kemperdick: Der Meister von Flémalle und Rogier van der Weyden: Die Geburt der neuzeitlichen Malerei: Eine Ausstellung des Städel Museums, Frankfurt na Majni i Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin, Ostfildern: Hatje Cantz Verlag, 2008
• Norbert Wolf: Trecento und Altniederländische Malerei. Kunst-Epochen, Bd. 5 (Reclams Universal Bibliothek 18172).

Holandski umjetnici dali su veliki doprinos stvaralaštvu majstora koji su započeli svoju djelatnost u 17. vijeku i nisu prestali sve do danas. Međutim, oni su uticali ne samo na svoje kolege, već i na profesionalce u književnosti (Valentin Prust, Donna Tartt) i fotografiji (Ellen Kooi, Bill Gekas i drugi).

Početak razvoja

Godine 1648. Holandija je stekla nezavisnost, ali je za formiranje nove države Holandija morala da podnese čin osvete Španije, koja je tada u flamanskom gradu Antverpenu ubila oko 10 hiljada ljudi. Kao rezultat masakra, stanovnici Flandrije su emigrirali sa teritorija pod kontrolom španskih vlasti.

Na osnovu toga, logično bi bilo prepoznati da je poticaj za samostalne holandske umjetnike došao upravo iz flamanskog stvaralaštva.

Od 17. stoljeća javljaju se i državne i umjetničke grane, što je dovelo do formiranja dvije umjetničke škole, odvojene po nacionalnosti. Imali su zajedničko porijeklo, ali su se prilično razlikovali po svojim karakteristikama. Dok je Flandrija ostala pod okriljem katolicizma, Holandija je doživjela potpuno novi procvat, počevši od 17. stoljeća.

Holandska kultura

U 17. veku nova država je tek krenula putem svog razvoja, potpuno prekinuvši veze sa umetnošću prošlog vremena.

Borba sa Španijom je postepeno jenjavala. Nacionalno raspoloženje počelo se pratiti u narodnim krugovima kako su se udaljavali od katoličke vjere koju su prethodno nametale vlasti.

Protestantska vladavina imala je kontradiktoran pogled na dekoraciju, što je dovelo do smanjenja radova na vjerske teme, a u budućnosti je samo išlo na ruku svjetovnoj umjetnosti.

Nikada do sada stvarna okolna stvarnost nije bila tako često prikazana na slikama. U svojim radovima holandski umjetnici željeli su prikazati običnu svakodnevicu bez uljepšavanja, istančanog ukusa i plemenitosti.

Sekularna umjetnička eksplozija iznjedrila je tako brojne pravce kao što su pejzaž, portret, svakodnevni žanr i mrtva priroda (čije postojanje nisu znali ni najrazvijeniji centri Italije i Francuske).

Vlastita vizija realizma holandskih umjetnika, izražena u portretima, pejzažima, unutrašnjim radovima i mrtvim prirodama, izazvala je interesovanje za ovu vještinu na svim nivoima društva.

Tako je holandska umjetnost 17. vijeka dobila nadimak "Zlatno doba holandskog slikarstva", čime je osigurala status najistaknutije ere u slikarstvu u Holandiji.

Važno je znati: postoji zabluda da je holandska škola opisivala samo osrednjost ljudskog postojanja, ali su majstori tog vremena drsko uništili okvir uz pomoć svojih fantastičnih djela (na primjer, „Pejzaž s Ivanom Krstiteljem“ od Bloemaert).

Holandski umetnici 17. veka. Rembrandt

Rembrandt Harmensz van Rijn se smatra jednom od najvećih umjetničkih ličnosti u Holandiji. Pored umjetničkih aktivnosti, bavio se i graviranjem i s pravom se smatrao majstorom chiaroscura.

Njegova zaostavština je bogata individualnom raznolikošću: portreti, žanrovske scene, mrtve prirode, pejzaži, kao i slike na teme iz istorije, religije i mitologije.

Njegova sposobnost da savlada chiaroscuro omogućila mu je da poboljša emocionalnu ekspresivnost i duhovnost osobe.

Radeći na portretima, radio je na ljudskim izrazima lica.

U vezi sa srceparajućim tragičnim događajima, njegova kasnija djela bila su ispunjena prigušenim svjetlom koje je razotkrivalo duboka iskustva ljudi, zbog čega njegova briljantna djela nisu nikoga zanimala.

U to vrijeme moda je bila za vanjsku ljepotu bez pokušaja zarona u dubinu, kao i naturalizam koji je bio u suprotnosti sa iskrenim realizmom.

Svaki ruski ljubitelj likovne umjetnosti može svojim očima vidjeti sliku „Povratak izgubljenog sina“, budući da se ovo djelo nalazi u Muzeju Ermitaž u Sankt Peterburgu.



Frans Hals

Frans Hals je veliki holandski umjetnik i veliki slikar portreta koji je pomogao da se žanr slobodnog pisanja uvede u rusku umjetnost.

Djelo koje mu je donijelo slavu je slika pod naslovom „Gozba oficira streljačke čete Svetog Đorđa“, naslikana 1616. godine.



Njegovi portretni radovi bili su previše prirodni za ono vrijeme, što je bilo u suprotnosti sa današnjim danom. Zbog činjenice da je umjetnik ostao neshvaćen, on je, kao i veliki Rembrandt, završio svoj život u siromaštvu. "Ciganin" (1625-1630) jedno je od njegovih najpoznatijih djela.



Jan Steen

Jan Steen je na prvi pogled jedan od najduhovitijih i najveselijih holandskih umjetnika. Rugajući se društvenim porocima, volio je pribjeći umijeću satire društva. Dok je zabavljao gledaoca bezazlenim, smiješnim slikama veseljaka i dama lake vrline, zapravo je upozoravao na takav način života.



Umjetnik je imao i mirnije slike, na primjer, rad "Jutarnji toalet", koji je na prvi pogled izgledao kao apsolutno nevina akcija. Ali ako pažljivo pogledate detalje, možete biti prilično iznenađeni njihovim otkrićima: to su tragovi čarapa koje su prethodno stezale noge, i lonac napunjen nečim nepristojnim noću, kao i pas koji sebi dozvoljava da bude u pravu. na jastuku vlasnika.



U svojim najboljim radovima umjetnik je bio ispred svojih kolega u elegantno vještoj kombinaciji paleta boja i majstorstvu sjena.

Drugi holandski umjetnici

Ovaj članak navodi samo tri bistre osobe od desetina koji zaslužuju da budu na istoj listi s njima:




Dakle, u ovom članku ste se upoznali sa holandskim umjetnicima 17. stoljeća i njihovim radovima.

Bilješka. Pored umetnika iz Holandije, na listi su i slikari iz Flandrije.

Holandska umjetnost 15. stoljeća
Prve manifestacije renesansne umetnosti u Holandiji datiraju iz ranog 15. veka. Prve slike koje se već mogu svrstati u ranorenesansne spomenike stvorila su braća Hubert i Jan van Eyck. Obojica - Hubert (umro 1426) i Jan (oko 1390-1441) - odigrali su odlučujuću ulogu u formiranju holandske renesanse. O Hubertu se gotovo ništa ne zna. Jan je očigledno bio veoma obrazovan čovek, studirao je geometriju, hemiju, kartografiju, a obavljao je i neke diplomatske poslove za vojvodu od Burgundije Filipa Dobrog, u čijoj je službi, inače, i putovao u Portugal. O prvim koracima renesanse u Holandiji mogu se suditi po slikama braće, izvedenim 20-ih godina 15. veka, a među njima i „Žene smirnonosice na grobu“ (verovatno deo poliptiha; Roterdam , Muzej Boijmans van Beyningen), „Madona u crkvi“ (Berlin), „Sveti Jeronim“ (Detroit, Institut za umjetnost).

Braća Van Eyck zauzimaju izuzetno mjesto u savremenoj umjetnosti. Ali nisu bili sami. Istovremeno, s njima su radili i drugi slikari koji su bili stilski i problematično vezani za njih. Među njima, prvo mjesto nesumnjivo pripada takozvanom Flemal majstoru. Učinjeno je mnogo genijalnih pokušaja da se utvrdi njegovo pravo ime i porijeklo. Od njih je najuvjerljivija verzija da ovaj umjetnik dobiva ime Robert Campin i prilično razvijenu biografiju. Ranije se zvao Majstor oltara (ili "Navještenje") Merode. Postoji i neuvjerljivo gledište koje pripisuje djela koja mu se pripisuju mladom Rogieru van der Weydenu.

Za Campina se zna da je rođen 1378. ili 1379. godine u Valenciennesu, dobio titulu majstora 1406. u Tournaiu, tamo živio, obavljao, osim slikarstva, mnoge dekorativne radove, bio učitelj niza slikara (uključujući Rogier van der Weyden, o kojem će biti riječi u nastavku - od 1426., i Jacques Darais - od 1427.) i umro je 1444. godine. Kampenova umjetnost zadržala je svakodnevna obilježja u općoj „panteističkoj“ shemi i tako se pokazala vrlo bliskom sljedećoj generaciji holandskih slikara. Rani radovi Rogiera van der Weydena i Jacquesa Daraisa, autora koji je bio izuzetno ovisan o Campinu (na primjer, njegova “Obožavanje magova” i “Susret Marije i Elizabete”, 1434–1435; Berlin), jasno otkrivaju zanimanje za umjetnost ovog majstora, u kojem se nesumnjivo pojavljuje trend vremena.

Rogier van der Weyden rođen je 1399. ili 1400. godine, školovan kod Campina (tj. u Tournaiju), dobio je titulu majstora 1432., a 1435. preselio se u Brisel, gdje je bio službeni slikar grada: 1449.– 1450. otputovao je u Italiju i umro 1464. Kod njega su studirali neki od najvećih umjetnika holandske renesanse (npr. Memling), a uživao je široku slavu ne samo u svojoj domovini, već i u Italiji (poznati naučnik i filozof Nikola Kuzanski ga je nazvao najvećim umjetnikom, kasnije je zabilježio njegov rad). Rad Rogiera van der Weydena poslužio je kao hranjiva osnova za širok spektar slikara sljedeće generacije. Dovoljno je reći da je njegova radionica - prva tako široko organizovana radionica u Holandiji - imala snažan uticaj na neviđeno širenje stila jednog majstora u 15. veku, na kraju svela ovaj stil na zbir tehnika šablona i čak svirala. uloga kočnice slikarstva na kraju veka. Pa ipak, umjetnost sredine 15. stoljeća ne može se svesti na tradiciju Rohira, iako je s njom usko povezana. Drugi put oličenje je prvenstveno u radovima Dirika Boutsa i Alberta Ouwatera. Njima je, poput Rogiera, pomalo strano panteističko divljenje životu, a njihova slika čovjeka sve više gubi dodir s pitanjima svemira – filozofskim, teološkim i umjetničkim pitanjima, poprimajući sve više konkretnosti i psihološku sigurnost. Ali Rogier van der Weyden, majstor pojačanog dramskog zvuka, umjetnik koji je težio individualnim i istovremeno uzvišenim slikama, uglavnom je bio zainteresiran za sferu ljudskih duhovnih svojstava. Dostignuća Boutsa i Ouwatera leže u području povećanja svakodnevne autentičnosti slike. Od formalnih problema, više su ih zanimala pitanja koja se odnose na rješavanje ne toliko ekspresivnih koliko vizualnih problema (ne oštrine crteža i izraza boje, već prostorne organizacije slike i prirodnosti svjetlosno-zračnog okruženja) .

Portret mlade žene, 1445, Umjetnička galerija, Berlin


Sveti Ivo, 1450, Nacionalna galerija, London


Sveti Luka slika lik Madone, 1450, Muzej Groningen, Briž

Ali prije nego što pređemo na razmatranje rada ove dvojice slikara, vrijedi se zadržati na fenomenu u manjem obimu, koji pokazuje da su otkrića umjetnosti srednjeg vijeka, kao nastavak tradicije Van Eyck-Campena i odmak od njih, bili u oba ova kvaliteta duboko opravdani. Konzervativniji slikar Petrus Christus jasno pokazuje istorijsku neizbježnost ovog otpadništva, čak i za umjetnike koji nisu skloni radikalnim otkrićima. Od 1444. godine Christus je postao građanin Briža (tamo je umro 1472/1473.) - to jest, vidio je najbolja van Eyckova djela i bio je pod utjecajem njegove tradicije. Ne pribjegavajući oštrom aforizmu Rogiera van der Weydena, Christus je postigao individualiziraniju i diferenciraniju karakterizaciju nego van Eyck. Međutim, njegovi portreti (E. Grimston - 1446, London, Nacionalna galerija; kartuzijanski monah - 1446, New York, Metropolitan Museum of Art) u isto vrijeme ukazuju na izvjestan pad slikovitosti u njegovom radu. U umjetnosti je žudnja za konkretnim, individualnim i posebnim postajala sve očiglednija. Možda su se ove tendencije najjasnije očitovale u Boutsovom radu. Mlađi od Rogiera van der Weydena (rođen između 1400. i 1410.), bio je daleko od dramatičnosti i analitičnosti ovog majstora. Ipak, rani mečevi uglavnom dolaze od Rogiera. Oltar sa “Silazak s križa” (Granada, Katedrala) i niz drugih slika, na primjer “Pogreb” (London, Nacionalna galerija), ukazuju na duboko proučavanje rada ovog umjetnika. Ali originalnost je već tu uočljiva - Bouts svojim likovima daje više prostora, zanima ga ne toliko emocionalno okruženje koliko radnja, sam proces, njegovi likovi su aktivniji. Isto važi i za portrete. Na izvrsnom portretu čovjeka (1462; London, Nacionalna galerija), molitveno podignutih - iako bez ikakve egzaltacije - oči, posebna usta i uredno sklopljene ruke imaju tako individualnu boju koju van Eyck nije poznavao. Čak iu detaljima možete osjetiti ovaj lični dodir. Pomalo prozaičan, ali nevino stvaran odraz leži u svim radovima majstora. To je najuočljivije u njegovim višefiguralnim kompozicijama. A posebno u njegovom najpoznatijem djelu - oltaru luvenske crkve sv. Petra (između 1464. i 1467.). Ako gledatelj uvijek doživljava van Eyckov rad kao čudo kreativnosti, onda se pred Boutsovim djelima javljaju različiti osjećaji. Boutsov kompozitorski rad dovoljno govori o njemu kao režiseru. Imajući u vidu uspehe ovakvog „rediteljskog“ metoda (odnosno metode u kojoj je zadatak umetnika da rasporedi karakteristične likove, kao izvučene iz prirode, da organizuje scenu) u narednim vekovima, treba obratiti pažnju na ovo. fenomen u radu Dirka Boutsa.

Sljedeća faza holandske umjetnosti pokriva posljednje tri ili četiri decenije 15. vijeka - izuzetno teško vrijeme za život zemlje i njene kulture. Ovaj period otvara rad Jos van Wassenhovea (ili Jos van Genta; između 1435.–1440. - poslije 1476.), umjetnika koji je odigrao značajnu ulogu u razvoju novog slikarstva, ali koji je otišao u Italiju 1472., tamo se aklimatizirao i organski se uključio u italijansku umjetnost. Njegov oltar sa “Raspećem” (Gent, crkva Sv. Bava) svjedoči o želji za naracijom, ali istovremeno i o želji da se priča liši hladne bestrasnosti. Ovo drugo želi postići uz pomoć gracioznosti i dekorativnosti. Njegov oltar je svjetovno djelo u prirodi sa svijetlom shemom boja zasnovanom na prefinjenim prelivim tonovima.
Ovaj period nastavlja se radom majstora izuzetnog talenta - Huga van der Goesa. Rođen je oko 1435. godine, postao je majstor u Gentu 1467. i umro 1482. Husovi najraniji radovi uključuju nekoliko slika Madone s Djetetom, koje se izdvajaju po lirskom aspektu slike (Philadelphia, Muzej umjetnosti, i Brisel, Muzej), te sliku „Sv , Muzej). Razvijajući otkrića Rogiera van der Weydena, Hus u kompoziciji vidi ne toliko način da se harmonično organizira ono što je prikazano, koliko sredstvo za koncentriranje i identifikaciju emocionalnog sadržaja scene. Osoba je za Husa izuzetna samo po snazi ​​svojih ličnih osjećanja. Istovremeno, Gusa privlače tragična osjećanja. Međutim, slika svete Ženevijeve (na poleđini Lamentacije) ukazuje da je Hugo van der Goes, u potrazi za golom emocijom, počeo obraćati pažnju na njen etički značaj. U oltaru Portinari Hus pokušava izraziti svoju vjeru u duhovne sposobnosti čovjeka. Ali njegova umjetnost postaje nervozna i napeta. Husove umjetničke tehnike su raznolike – posebno kada treba da rekreira duhovni svijet osobe. Ponekad, kao u prenošenju reakcije pastira, on upoređuje bliska osjećanja u određenom nizu. Ponekad, kao na slici Marije, umjetnik ocrtava opća obilježja doživljaja, prema kojima gledalac upotpunjuje osjećaj u cjelini. Ponekad - u slikama anđela uskog oka ili Margarite - pribjegava kompozicijskim ili ritmičkim tehnikama da bi dešifrirao sliku. Ponekad se sama neuhvatljivost psihološkog izraza za njega pretvori u sredstvo karakterizacije - tako odsjaj osmijeha igra na suhom, bezbojnom licu Marije Baroncelli. I pauze igraju ogromnu ulogu - u prostornoj odluci iu akciji. Pružaju priliku da se mentalno razvije i upotpuni osjećaj koji je umjetnik ocrtao na slici. Karakter slika Huga van der Goesa uvijek zavisi od uloge koju u cjelini treba da imaju. Treći pastir je zaista prirodan, Josip je potpuno psihološki, anđeo s njegove desne strane je gotovo nestvaran, a slike Margarete i Magdalene su složene, sintetičke i izgrađene na izuzetno suptilnim psihološkim gradacijama.

Hugo van der Goes je oduvijek želio izraziti i utjeloviti u svojim slikama duhovnu blagost osobe, njegovu unutrašnju toplinu. Ali u suštini, najnoviji umetnikovi portreti ukazuju na rastuću krizu u Husovom stvaralaštvu, jer je njegov duhovni ustroj generisan ne toliko svešću o individualnim kvalitetima ličnosti, koliko tragičnim gubitkom jedinstva čoveka i sveta za umjetnik. U posljednjem djelu – “Marijina smrt” (Briž, Muzej) – ova kriza rezultira slomom svih umjetnikovih stvaralačkih težnji. Očaj apostola je beznadežan. Njihovi gestovi su besmisleni. Lebdeći u sjaju, Hristos svojom patnjom kao da opravdava njihovu patnju, a njegovi probodeni dlanovi okrenuti su prema posmatraču, a lik neodređene veličine narušava strukturu velikih razmera i osećaj stvarnosti. Takođe je nemoguće razumjeti obim stvarnosti iskustva apostola, jer su svi imali isti osjećaj. I nije toliko njihov koliko umjetnikov. Ali njegovi nosioci su još uvijek fizički stvarni i psihički uvjerljivi. Slične slike će biti oživljene kasnije, kada je krajem 15. veka u holandskoj kulturi došla do kraja stogodišnja tradicija (u Boschu). Čudan cik-cak čini osnovu kompozicije slike i organizira je: sjedi apostol, jedini nepomičan, gleda u promatrača, nagnut s lijeva na desno, prostrta Marija s desna na lijevo, Krist lebdi s lijeva na desno . I isti cik-cak u shemi boja: lik osobe koja sjedi asocira na Mariju u boji, onu koja leži na zagasito plavoj tkanini, u haljini također plave, ali krajnje, ekstremno plave, zatim - eterične, nematerijalno plavo Hristovo. A svuda okolo su boje apostolskih haljina: žuta, zelena, plava - beskrajno hladne, jasne, neprirodne. Osjećaj u “Uznesenju” je ogoljen. Ne ostavlja mjesta nadi ili ljudskosti. Na kraju svog života, Hugo van der Goes je ušao u samostan. Očigledno, u ovim biografskim činjenicama može se vidjeti odraz tragičnih kontradiktornosti koje su definirale umjetnost majstora. Husov rad bio je poznat i cijenjen, a privlačio je pažnju i izvan Holandije. Jean Clouet Stariji (majstor iz Moulinsa) bio je pod velikim utjecajem njegove umjetnosti, Domenico Ghirlandaio je poznavao i proučavao oltarnu sliku Portinari. Međutim, savremenici ga nisu razumeli. Holandska umjetnost je stalno naginjala drugom putu, a izolirani tragovi utjecaja Husovog rada samo naglašavaju snagu i rasprostranjenost ovih drugih trendova. Najpotpunije i najdosljednije su se pojavljivali u djelima Hansa Memlinga.


Zemaljska taština, triptih, centralni panel,



Pakao, lijevi panel triptiha "Zemaljska taština",
1485, Muzej likovnih umjetnosti, Strastbourg

Hans Memling, navodno rođen u Seligenstadtu, blizu Frankfurta na Majni, 1433. (umro 1494.), umjetnik je dobio odličnu obuku od Rogiera i, preselivši se u Briž, tamo je stekao široku slavu. Već relativno rani radovi otkrivaju smjer njegove potrage. Načela svjetlosti i uzvišenog od njega su dobila mnogo svjetovnije i zemaljsko značenje, a sve zemaljsko - određeno idealno ushićenje. Primjer je oltar s Bogorodicom, svecima i donatorima (London, Nacionalna galerija). Memling nastoji da sačuva svakodnevni izgled svojih pravih heroja i da im približi svoje idealne heroje. Uzvišeno načelo prestaje biti izraz određenih panteistički shvaćenih općih svjetskih sila i pretvara se u prirodno duhovno svojstvo čovjeka. Principi Memlingovog rada jasnije se pojavljuju u takozvanom Floreins-Altaru (1479; Briž, Memlingov muzej), čija su glavna pozornica i desno krilo u suštini slobodne kopije odgovarajućih dijelova Rogierovog minhenskog oltara. On odlučno smanjuje veličinu oltara, odsijeca gornji i bočni dio Rogierove kompozicije, smanjuje broj figura i, takoreći, približava radnju gledaocu. Događaj gubi svoj veličanstveni obim. Slike učesnika gube reprezentativnost i dobijaju privatne crte, kompozicija je nijansa mekog sklada, a boja, zadržavajući čistoću i prozirnost, potpuno gubi Rogirovljevu hladnu, oštru zvučnost. Čini se da treperi od svijetlih, jasnih nijansi. Još karakterističnije je Blagovijesti (oko 1482; New York, Lehman zbirka), gdje se koristi Rogierova shema; Liku Marije date su crte meke idealizacije, anđeo je značajno žanrovski odjeven, a predmeti interijera oslikani su ljubavlju poput Van Eycka. Istovremeno, u Memlingovo stvaralaštvo sve više prodiru motivi italijanske renesanse — vijenci, puti i dr., a kompoziciona struktura postaje odmjerenija i jasnija (triptih sa „Madonom s djetetom, anđelom i donatorom“, Beč). Umjetnik nastoji da izbriše granicu između konkretnog, građanskog svjetovnog principa i idealizirajućeg, harmoničnog.

Memlingova umjetnost privukla je veliku pažnju majstora sjevernih provincija. Ali njih su zanimale i druge karakteristike - one koje su bile povezane s utjecajem Husa. Sjeverne provincije, uključujući Holandiju, zaostajale su u tom periodu za južnim i ekonomski i duhovno. Rano holandsko slikarstvo obično nije išlo dalje od kasnog srednjeg vijeka i provincijskog predloška, ​​a nivo njegovog zanata nikada se nije popeo do umjetnosti flamanskih umjetnika. Tek u posljednjoj četvrtini 15. stoljeća situacija se promijenila zahvaljujući umjetnosti Hertgen tot sint Jans. Živeo je u Harlemu, sa monasima Johanita (kojima duguje svoj nadimak - sint Jans znači Sveti Jovan) i umro je mlad - dvadeset osam godina (rođen u Leidenu (?) oko 1460/65, umro u Harlemu 1490- 1495 ). Hertgen je nejasno osjetio tjeskobu koja je zabrinjavala Husa. Ali, ne dižući se do svojih tragičnih uvida, otkrio je meki šarm jednostavnog ljudskog osjećaja. On je blizak Husu po interesovanju za unutrašnji, duhovni svet čoveka. Među glavnim Hertgenovim djelima je oltarna slika naslikana za Harlem Johannites. Od nje je preživjelo desno krilo, sada izrezano s obje strane. Njegova unutrašnja strana predstavlja veliku višefiguralnu scenu žalosti. Gertgen ostvaruje oba zadatka postavljena vremenom: prenošenje topline, humanosti osjećaja i stvaranje vitalno uvjerljivog narativa. Ovo posljednje je posebno uočljivo na vanjskoj strani vrata, gdje je prikazano spaljivanje posmrtnih ostataka Ivana Krstitelja Julijana Otpadnika. Učesnici radnje su obdareni prenaglašenim karakterom, a radnja je podeljena na više nezavisnih scena, od kojih je svaka prikazana živopisno. Usput, majstor stvara, možda, jedan od prvih grupnih portreta u evropskoj umjetnosti modernog doba: izgrađen na principu jednostavne kombinacije portretnih karakteristika, anticipira djela 16. stoljeća. Njegova „Porodica Hristova“ (Amsterdam, Rijksmuseum), predstavljena u unutrašnjosti crkve, interpretirana kao realno prostorno okruženje, pruža mnogo za razumevanje Geertgenovog dela. Figure u prvom planu ostaju značajne, ne pokazuju nikakva osećanja, održavajući svoj svakodnevni izgled sa smirenim dostojanstvom. Umjetnik stvara slike koje su možda i najgrađanskije prirode u umjetnosti Holandije. Pritom je značajno da Gertgen nježnost, slatkoću i neku naivnost shvaća ne kao vanjske karakteristične znakove, već kao određena svojstva čovjekovog duhovnog svijeta. A ovo stapanje građanskog smisla za život sa dubokom emocionalnošću važna je karakteristika Gertgenovog rada. Nije slučajno što duhovnim pokretima svojih junaka nije dao uzvišen, univerzalan karakter. Kao da namjerno sprečava svoje heroje da postanu izuzetni. Zbog toga ne izgledaju individualno. Oni imaju nježnost i nemaju drugih osjećaja ili stranih misli, sama jasnoća i čistoća njihovih iskustava čini ih daleko od svakodnevnog života. Međutim, rezultirajuća idealnost slike nikada se ne čini apstraktnom ili umjetnom. Ove karakteristike izdvajaju i jedno od najboljih umjetnikovih djela, “Božić” (London, Nacionalna galerija), malu sliku koja krije osjećaj uzbuđenja i iznenađenja.
Gertgen je rano umro, ali principi njegove umjetnosti nisu ostali u mraku. Međutim, majstor Braunšvajškog diptiha (“Sveti Bavo”, Braunšvajg, Muzej; “Božić”, Amsterdam, Rijksmuseum) i neki drugi njemu najbliži, njemu najbliži anonimni majstori, nisu toliko razvijali Hertgenove principe. jer im daju karakter široko rasprostranjenog standarda. Možda najznačajniji među njima je Gospodar Virgo inter virgines (nazvan po slici amsterdamskog Rijksmuseuma koja prikazuje Mariju među svetim djevicama), koji je težio ne toliko psihološkom opravdanju emocija, koliko oštrini njihovog izražavanja u male, prilično svakodnevne i ponekad gotovo namjerno ružne figure ("Entombment", St. Louis, Muzej; "Lamentation", Liverpool; "Anunciation", Rotterdam). Ali takođe. njegov rad je više dokaz iscrpljenosti stoljetne tradicije nego izraz njenog razvoja.

Oštar pad umjetničkog nivoa primjetan je i u umjetnosti južnih provincija, čiji su majstori bili sve skloniji da se zanose beznačajnim svakodnevnim detaljima. Zanimljiviji od ostalih je sam narativni Majstor legende o sv. Uršuli, koji je radio u Brižu 80-90-ih godina 15. veka („Legenda o sv. Uršuli“; Briž, samostan crnih sestara), nepoznati autor portreta supružnika Baroncelli koji nisu lišeni vještina (Firenca, Uffizi), a također i vrlo tradicionalni brižski majstor legende o Svetoj Luci (oltar Sv. Lucije, 1480, Briž, crkva sv. James, također poliptih, Talin, Muzej). Formiranje prazne, sitne umjetnosti na kraju 15. stoljeća neizbježna je antiteza traganja Husa i Hertgena. Čovjek je izgubio glavni oslonac svog pogleda na svijet - vjeru u skladan i povoljan poredak svemira. Ali ako je zajednička posljedica ovoga bila samo osiromašenje prethodnog koncepta, onda je pažljiviji pogled otkrio prijeteće i misteriozne karakteristike svijeta. Da bi se odgovorilo na nerješiva ​​pitanja tog vremena, korištene su kasnosrednjovjekovne alegorije, demonologija i sumorna predviđanja Svetog pisma. U uslovima rastućih akutnih društvenih kontradikcija i teških sukoba, Boschova umjetnost je nastala.

Hijeronim van Aken, zvani Bosch, rođen je u Hertogenbošu (tamo je umro 1516.), odnosno daleko od glavnih umetničkih centara Holandije. Njegovi rani radovi nisu bez nagoveštaja primitivnosti. Ali oni već na čudan način spajaju oštar i uznemirujući osjećaj za život prirode s hladnom grotesknošću u prikazu ljudi. Bosch odgovara na trend moderne umjetnosti - svojom željom za stvarnim, konkretizacijom slike osobe, a zatim - smanjenjem njene uloge i značaja. On ovu tendenciju dovodi do određene granice. U Boschevoj umjetnosti pojavljuju se satirične ili, bolje rečeno, sarkastične slike ljudskog roda. Ovo je njegova “Operacija uklanjanja kamenja gluposti” (Madrid, Prado). Operaciju izvodi monah - i ovdje se pojavljuje zao osmeh sveštenstvu. Ali onaj kome se to radi, pozorno gleda u gledaoca i taj pogled nas čini uključenim u radnju. Sarkazam se povećava u Boschovom radu, on zamišlja ljude kao putnike na brodu budala (slika i njen crtež nalaze se u Luvru). Okreće se narodnom humoru - i pod njegovim rukama poprima tamnu i gorku nijansu.
Bosch dolazi da afirmiše sumornu, iracionalnu i nisku prirodu života. On ne samo da izražava svoj pogled na svijet, svoj smisao za život, već mu daje moralnu i etičku ocjenu. "Pog sijena" jedno je od Boschovih najznačajnijih djela. U ovom oltaru ogoljeni osjećaj stvarnosti spojen je s alegorijom. Plast sijena aludira na staru flamansku poslovicu: “Svijet je plast sijena: i svako uzima iz njega ono što može zgrabiti”; ljudi se ljube naočigled i puštaju muziku između anđela i nekog đavolskog stvorenja; fantastična stvorenja vuku kola, a papa, car i obični ljudi radosno i poslušno ga prate: neki trče naprijed, jure među kotače i umiru zgnječeni. Pejzaž u daljini nije fantastičan ili nevjerojatan. A iznad svega - na oblaku - je mali Hristos sa podignutim rukama. Međutim, bilo bi pogrešno misliti da Bosch gravitira metodi alegorijskih usporedbi. Naprotiv, on nastoji osigurati da njegova ideja bude utjelovljena u samoj suštini umjetničkih odluka, tako da se pred gledateljem ne pojavi kao šifrirana poslovica ili parabola, već kao generalizirajući bezuvjetni način života. Sa sofisticiranošću mašte nepoznatom srednjem vijeku, Bosch svoje slike naseljava stvorenjima koja bizarno kombinuju različite životinjske forme, ili životinjske oblike s predmetima neživog svijeta, stavljajući ih u očigledno nevjerovatne odnose. Nebo postaje crveno, ptice opremljene jedrima lete kroz vazduh, monstruozna stvorenja puze po licu zemlje. Ribe s konjskim nogama otvaraju usta, a pored njih su pacovi, koji na leđima nose žive drvene čamce iz kojih se izlegu ljudi. Sapi konja pretvaraju se u džinovski vrč, a repana glava šunja se negdje na tanke gole noge. Sve puzi i sve je obdareno oštrim, grebućim oblicima. I sve je zaraženo energijom: svako stvorenje - malo, varljivo, uporno - zahvaćeno je zlim i ishitrenim pokretom. Bosch ovim fantazmagoričnim prizorima daje najveću uvjerljivost. On napušta sliku radnje koja se odvija u prvom planu i širi je na cijeli svijet. On svojim višefiguralnim dramskim ekstravagancijama daje jeziv ton u njihovoj univerzalnosti. Ponekad u sliku unese dramatizaciju neke poslovice - ali u njoj nema više humora. A u centar postavlja malu bespomoćnu figuricu sv. Antuna. Takav je, na primjer, oltar sa “Iskušenjem svetog Antuna” na centralnim vratima iz lisabonskog muzeja. Ali tada Bosch pokazuje neviđeno oštar, ogoljen osjećaj stvarnosti (naročito u scenama na vanjskim vratima spomenutog oltara). U Boschovim zrelim radovima svijet je neograničen, ali je njegova prostornost drugačija - manje brza. Vazduh se čini čistijim i vlažnijim. Ovako piše “Jovan na Patmosu”. Na poleđini ove slike, gde su u krugu prikazane scene Hristovog mučeništva, predstavljeni su zadivljujući pejzaži: prozirni, čisti, sa širokim rečnim prostorima, visokim nebom i drugim - tragični i intenzivni („Raspeće“). Ali što upornije Bosch razmišlja o ljudima. Pokušava da nađe adekvatan izraz njihovog života. On pribjegava obliku velikog oltara i stvara čudan, fantazmagoričan grandiozan spektakl grešnog života ljudi - „Vrt naslada“.

Najnoviji umjetnikovi radovi na čudan način spajaju fantaziju i stvarnost njegovih prethodnih radova, ali ih istovremeno karakteriše osjećaj tužnog pomirenja. Razbacani su ugrušci zlih stvorenja koja su se prije trijumfalno širila po cijelom polju slike. Pojedinačne, male, još se kriju ispod drveta, pojavljuju se iz tihih riječnih potoka ili trče duž pustih travnatih brda. Ali smanjile su se u veličini i izgubile aktivnost. Više ne napadaju ljude. A on (još sveti Antun) sjedi između njih - čita, razmišlja („Sveti Antun“, Prado). Bosch nije zanimao položaj jedne osobe u svijetu. Sveti Antun je u svojim prethodnim djelima bespomoćan, jadan, ali ne i usamljen – u stvari, lišen je onog dijela samostalnosti koji bi mu omogućio da se osjeća usamljeno. Sada se pejzaž posebno odnosi na jednu osobu, a u Boschovom radu javlja se tema čovjekove usamljenosti u svijetu. Sa Boschom se završava umjetnost 15. stoljeća. Boschov rad dovršava ovu fazu čistih uvida, zatim intenzivnih traganja i tragičnih razočaranja.
Ali trend koji je personificirala njegova umjetnost nije bio jedini. Ništa manje simptomatičan nije još jedan trend povezan s radom majstora nemjerljivo manjeg obima - Gerarda Davida. Umro je kasno - 1523. (rođen oko 1460.). Ali, kao i Bosch, zatvorio je 15. vijek. Već su njegova rana djela („Navještenje“; Detroit) prozaično realistična; djela sa samog kraja 1480-ih (dvije slike o zapletu suđenja Kambizu; Briž, Muzej) otkrivaju blisku vezu s Boutsom; bolje od drugih su kompozicije lirske prirode sa razvijenim, aktivnim pejzažnim okruženjem („Odmor na letu u Egipat“; Washington, Nacionalna galerija). Ali nemogućnost da majstor izađe van granica veka najjasnije se vidi u njegovom triptihu sa „Krštenjem Hristovim“ (početak 16. veka; Briž, Muzej). Čini se da je bliskost i minijaturnost slike u direktnom sukobu s velikim razmjerom slike. Realnost u njegovoj viziji je lišena života, opasna. Iza intenziteta boja nema ni duhovne napetosti ni osjećaja dragocjenosti univerzuma. Stil emajla slike je hladan, samostalan i lišen emocionalne svrhe.

15. vijek u Holandiji bio je vrijeme velike umjetnosti. Do kraja vijeka se iscrpio. Novi istorijski uslovi i prelazak društva u drugu fazu razvoja uslovili su novu etapu u evoluciji umetnosti. Nastao je s početka 16. vijeka. Ali u Holandiji, sa originalnom kombinacijom sekularnog principa sa religioznim kriterijumima u proceni životnih pojava, karakterističnim za njihovu umetnost, koja dolazi od van Eycksa, sa nemogućnošću da se sagleda osoba u njenoj samodovoljnoj veličini, van pitanja duhovnog zajedništva sa svijetom ili sa Bogom - u Holandiji je nova era neminovno morala nastupiti tek nakon najjače i najteže krize cjelokupnog dosadašnjeg pogleda na svijet. Ako je u Italiji visoka renesansa bila logična posljedica umjetnosti Quattrocenta, onda u Nizozemskoj takve veze nije bilo. Prijelaz u novu eru pokazao se posebno bolnim, jer je u velikoj mjeri podrazumijevao poricanje prethodne umjetnosti. U Italiji se raskid sa srednjovjekovnom tradicijom dogodio već u 14. stoljeću, a umjetnost italijanske renesanse zadržala je cjelovitost svog razvoja kroz cijelu renesansu. U Holandiji je situacija bila drugačija. Korišćenje srednjovekovnog nasleđa u 15. veku otežavalo je primenu ustaljenih tradicija u 16. veku. Za holandske slikare ispostavilo se da je linija između 15. i 16. stoljeća povezana s radikalnom promjenom njihovog pogleda na svijet.