Основные музыкальные жанры эпохи возрождения. Музыкальная культура эпохи возрождения

Назад Вперёд

Внимание! Предварительный просмотр слайдов используется исключительно в ознакомительных целях и может не давать представления о всех возможностях презентации. Если вас заинтересовала данная работа, пожалуйста, загрузите полную версию.

Урок проводится для учащихся 5-го класса во 2-й год обучения музыкальной литературе.

Цель урока: воспитание эстетической культуры учащихся через знакомство с музыкой эпохи Возрождения.

Задачи урока:

• Дать представление о роли музыки и музицирования в жизни людей эпохи Ренессанса;
• Знакомство с музыкальными инструментами, жанрами, композиторами эпохи Возрождения;
• Знакомство с музыкальными произведениями европейского Ренессанса;
• Развитие навыков элементарного слухового разбора музыки;
• Формирование понимания взаимосвязи разных видов искусств;
• Воспитание эмоционального восприятия произведений искусства;
• Развитие мышления и речи учащихся;
• Расширение кругозора.

Тип урока: урок изучения новой темы.

Оборудование урока: мультимедийная презентация, компьютер.

Музыкальный материал:

• У. Бёрд пьеса для вёрджинела «Вольта»;
• Ф. да Милано «Фантазия» №6 для лютни;
• Сцена из фильма «Елизавета»: Королева танцует вольту (видео);
• И. Альберти «Павана и гальярда» (видео);
• Английская народная песня «Зелёные рукава»;
• Дж.П. Палестрина «Месса Папы Марчелло», часть «Agnus Dei»;
• О. Лассо «Эхо»;
• Дж. ди Веноза мадригал «Moro, lasso, al mio duolo»;
• Я. Пери Сцена из оперы «Эвридика».

Ход урока

I. Организационный момент

II. Актуализация знаний

На прошлом уроке мы с вами говорили о культуре и живописи эпохи Возрождения.

– Как ещё называют эту эпоху («Возрождение» по-французски)?
– Какие века охватывает Возрождение? Какую эпоху оно сменило?

– Откуда такое название эпохи? Что хотели «возродить»?

– В какой стране Возрождение началось раньше, чем в других?

– Какой итальянский город называют «колыбелью эпохи Возрождения»? Почему?

– Какие великие художники жили во Флоренции? Вспомните их работы.

– Чем отличаются их творения от средневекового искусства?

III. Изучение новой темы

Сегодня мы с вами опять отправляемся в эпоху Ренессанса. Мы узнаем, какой была музыка в это время. Познакомимся с музыкальными инструментами эпохи Возрождения, увидим их и услышим их аутентичное звучание. А так же нас ждёт встреча с выдающимися композиторами эпохи Возрождения и их шедеврами.

IV. Работа с презентацией

Слайд 1. Титульный лист.

Слайд 2. Тема нашего урока «Музыка эпохи Возрождения». Временные рамки – XIV–XVI века.

Слайд 3. Эпиграф урока. Как вы понимаете эти слова?

… Нет на земле живого существа
Столь жёсткого, крутого, адски-злого,
Чтоб не могла хотя на час один
В нем музыка свершить переворота.
(Уильям Шекспир)

Слайд 4. В эпоху Возрождения возрастает роль искусства в культурной жизни общества. Художественная образованность признаётся важной стороной развития знатного человека, условием хорошего воспитания.

Ослабляется церковный контроль над обществом, музыканты получают бо́льшую свободу. Все ярче проявляется в сочинениях личность автора, творческая индивидуальность. В эпоху Возрождения впервые появляется само понятие «композитор ».

Очень важным для развития музыки стало изобретение нотопечатания в конце XV века. В 1501 году итальянский издатель Оттавиано Петруччи опубликовал первый сборник для домашнего музицирования. Новые сочинения издавались и распространялись очень быстро. Теперь купить себе ноты мог любой горожанин среднего достатка. В результате, городское музицирование начинает бурно развиваться, охватывая всё большее количество людей.

Слайд 5. Музыкальные инструменты эпохи Возрождения. Духовые, струнные, клавишные.

Слайд 6. Лютня – самый любимый инструмент эпохи Возрождения. Относится к струнным щипковым инструментам. Вначале на лютне играли плектром, но к XV веку стали играть пальцами.

Слайд 7. Корпус её похож на разрезанную пополам грушу. У лютни короткий гриф с ладами, согнутый под прямым углом.

Слайд 8. Лютня произошла от арабского инструмента под названием Аль-уд (по-арабски «дерево»). В VIII веке уд проник в Европу из Северной Африки при завоевания арабами Испании и прижился при дворе многих испанских вельмож. Со временем европейцы добавили к уду лады (деления на грифе) и назвали его “лютня”.

Слайд 9. На лютне играли и мужчины, и женщины.

Слайд 10. Лютня была компактной, лёгкой, её везде можно было брать с собой.

Слайд 11. Лютневая музыка записывалась не нотами, а с помощью табулатуры. Посмотрите: лютневая табулатура состоит из 6 линеек, обозначающих струны. Цифрами обозначены лады, длительности – сверху.

Слайд 12. Струнные смычковые инструменты . Если на лютне играли люди разных сословий, то инструмент из семейства виол мог себе позволить только очень богатый человек. Виолы стоили дорого, их мастерили из ценных пород дерева, украшали изящными рисунками и драгоценностями. Виолы были разного размера. На этой картине ангелы играют на самых популярных разновидностях виол – да гамба и да брачча.

Слайд 13. Виола по-итальянски – «фиалка». Звук виолы был очень приятным: мягким, нежным и негромким.

Слайды 14, 15. Название виолы да брачча переводится с итальянского языка «ручная, плечевая». Так называли небольшие виолы, которые при игре держали у плеча.

Слайд 16. Виола да гамба – «ножная». Она была крупного размера, её приходилось держать между коленями или класть при игре на бедро. Играли на таких виолах обычно мужчины.

Слайд 17. А вы заметили, на какие классические инструменты очень похожи виолы? На скрипки, виолончели. Давайте сравним виолу да гамба с виолончелью.

Звучание виол мы услышим чуть позже.

Слайд 18. Вёрджинел . Клавишный инструмент прямоугольной формы, обычно без ножек. По принципу устройства был одним из предшественников фортепиано. Но по качеству звука скорее приближался к арфе и лютне. Его тембр отличался мягкостью и нежностью.

Слайд 19. Кто знает, что значит английское словоvirgin ? Дева, девушка. Догадайтесь, почему так назвали этот инструмент – «девичий»? Чаще всего на вёрджинеле играли молодые девицы благородного происхождения. Известно, что даже королева Англии Елизавета I очень любила вёрджинел и хорошо на нём играла.

Слайд 20. Уильям Бёрд – крупнейший английский композитор, органист и клавесинист времени Елизаветы. Родился в 1543 г., умер в 1623 г. Служил придворным органистом. Сочинил много духовных произведений, мадригалы и пьесы для вёрджинела.

Слушаем: У.Бёрд пьеса для вёрджинела «Вольта»

Слайд 21- 24. Художники эпохи Возрождения часто изображали на своих полотнах музицирующих ангелов. Почему? Что это означает? Зачем ангелам музыка? А людям?

Слайд 25. Посмотрите, какая большая компания музыкантов. На чём они играют? Что они чувствуют? Им хорошо вместе? Подходят слова У.Шекспира к этой картине? Какое ключевое слово в этих стихах? Единение, согласие.

Прислушайся, как дружественно струны
Вступают в строй и голос подают, –
Как будто мать, отец и отрок юный
В счастливом единении поют.
Нам говорит согласье струн в концерте,
Что одинокий путь подобен смерти.

Слайд 26. Инструментальные жанры эпохи Возрождения делились на 3 типа: переложения вокальных произведений, виртуозные пьесы импровизационного склада (ричеркар, прелюдия, фантазия), танцевальные пьесы (павана, гальярда, вольта, мореска, сальтарелла).

Слайд 27. Франческо да Милано – прославленный итальянский лютнист и композитор XVI века, которого современники звали «Божественным». Ему принадлежат многочисленные пьесы для лютни, объединённые в три сборника.

Слушаем: Ф. да Милано «Фантазия» для лютни

Слайд 28. Танцы эпохи Возрождения . В эпоху Возрождения изменяется само отношение к танцу. Из греховного, недостойного занятия танец превращается в обязательную принадлежность светской жизни и становится одним из самых необходимых навыков благородного человека. Балы прочно входят в быт европейской аристократии. Какие же танцы были в моде?

Слайд 29. Вольта – Популярный танец XVI века итальянского происхождения. Название вольты происходит от итальянского слова voltare, что значит "поворот". Темп вольты быстрый, размер трехдольный. Основное движение танца: кавалер резко высоко поднимает и поворачивает в воздухе танцующую с ним даму. Причём, движение это должно быть выполнено чётко и изящно. И только тренированные мужчины могли с этим танцем справиться.

Смотрим: фрагмент видеофильма «Елизавета»

Слайд 30. Павана – торжественный медленный танец испанского происхождения. Название паваны происходит от латинского pavo - павлин. Размер паваны – двухдольный, темп медленный. Танцевали ее, чтобы продемонстрировать окружающим своё величие и роскошный костюм. Народ и буржуазия этот танец не исполняли.

Слайд 31. Гальярда (с итальянского языка – веселая, бодрая) – подвижный танец. В характере гальярды сохранилась память о простонародном происхождении танца. Ей свойственны прыжки и резкие движения.

Павана и гальярда часто исполнялись друг за другом, составляя своего рода сюиту.

Сейчас вы увидите фрагмент концерта ансамбля старинной музыки «Гесперион XXI». Его руководитель – Жорди Саваль – испанский виолончелист, гамбист и дирижёр, один из самых авторитетных на сегодня музыкантов, исполняющих старинную музыку аутентично (так как она звучала во времена своего создания).

Слайд 32. Смотрим: И.Альберти «Павана и гальярда».

Исполняет ансамбль старинной музыки «Hespèrion XXI», рук. Ж.Саваль.

Слайд 33. Вокальные жанры эпохи Возрождения делились на церковные и светские. Что значит «светские»? В церкви звучали месса и мотет. Вне церкви – качча, баллата, фроттола, вилланелла, шансо́н, мадригал.

Слайд 34. Церковное пение достигает вершины своего развития. Это время полифонии «строгого письма».

Самым выдающимся композитором-полифонистом эпохи Возрождения был итальянец Джованни Пьерлуиджи да Палестрина . Прозвище свое – Палестрина – получил по названию города, в котором родился. Он работал в Ватикане, занимал высокие музыкальные должности при папском престоле.

Месса – музыкальное произведение, состоящее из молитв на латинском языке, звучащее во время службы в католической церкви.

Слушаем: Дж. П. да Палестрина «Месса Папы Марчелло», часть «Agnus Dei»

Слайд 35. Светские песни. Английская баллада «Зелёные рукава» – очень популярна и в наши дни. Слова этой песни приписывают английскому королю Генриху VIII. Он адресовал эти стихи своей возлюбленной Анне Болейн, ставшей впоследствии его второй женой. А вы знаете, о чём эта песня?

Слайд 36. Слова песни «Зелёные рукава» в переводе С.Я.Маршака.

Слушаем: Английская баллада «Зелёные рукава»

Слайд 37. Орландо Лассо – один из самых выдающихся представителей нидерландской полифонической школы. Родился в Бельгии, жил в Италии, Англии и Франции. Последние 37 лет жизни, когда имя его было известно уже во всей Европе, руководил придворной капеллой в Мюнхене. Он создал более 2000 вокальных произведений как культового, так и светского характера.

Слайд 38. Шансон «Эхо» написан для двух четырёхголосных хора. Первый хор задаёт вопросы, второй хор отвечает ему словно эхо.

Слушаем: О.Лассо Шансон «Эхо»

Слайд 39. Мадригал (от итальянского слова madre – «мать») - песня на родном, материнском языке. Мадригал – многоголосная (для 4 или 5 голосов) песня лирического содержания в возвышенном характере. Расцвет этого вокального жанра наступает в XVI веке.

Слайд 40. Джезуальдо ди Веноза – итальянский композитор XVI века, один из крупнейших мастеров светского мадригала. Он был загадочной личностью. Богатым князем, правителем города Веноза. Уличив красавицу-жену в измене, Джезуальдо в порыве ревности лишил её жизни. Периодически впадал в меланхолию и скрывался от всех в своём замке. Умер в 47 лет, в помутившемся рассудке…

При жизни опубликовал 6 сборников пятиголосных мадригалов. Особенность стиля Дж. ди Веноза - уникальная для его времени насыщенность музыки хроматизмами, красочными сопоставлениями диссонирующих аккордов. Так Джезуальдо претворил в музыке свою ужасную душевную боль и муки совести.

Современники его музыку не понимали, считали ужасной, резкой. Музыканты XX века его оценили, про Дж. ди Веноза снят фильм, пишут книги, а композитор А. Шнитке посвятил ему оперу «Джезуальдо»

Слайд 41. Мадригал «Moro, lasso, al mio duolo» – одно из последних творений Дж. ди Веноза. Ему принадлежат и музыка, и текст:

Ах! От скорби умираю,
Та, что сулила счастье,
Меня своею убивает властью!
О, скорби злая круговерть!
Та, что сулила жизнь,
Дала мне смерть.

Слушаем: Дж. ди Веноза «Moro, lasso, al mio duolo»

Слайд 42. В конце XVI века во Флоренции возникла Флорентийская камерата – кружок музыкантов и поэтов, которые хотели возродить древнегреческую трагедию с присущей ей особой манерой произнесения текста (нечто среднее между речью и пением).

Слайд 43. Рождение оперы. В результате этих экспериментов родилась опера. 6 октября 1600 года во Флоренции состоялась премьера первой из сохранившихся до наших дней оперы “Эвридика”. Её автор – композитор и певец Якопо Пери.

Слушаем: Я. Пери Сцена из оперы «Эвридика»

V. Итоги урока

– Что нового вы узнали сегодня про эпоху Возрождения?

– Звучание какого инструмента вам понравилось? Чем?

– На какие современные инструменты похожи лютня, виола, вёрджинал?

– Что пели люди в эпоху Возрождения? Где? Как?

– Почему художники Ренессанса так часто изображали музыкантов?

– Какая музыка, звучавшая сегодня на уроке, вам понравилась, запомнилась?

VI. Домашнее задание (на выбор):

• Петь по нотам песню «Зелёные рукава», желающие могут подобрать к ней аккомпанемент;
• Найти музыкальные картины художников эпохи Возрождения и рассказать о них.

Эпоха Высокого Возрождения.

(Из истории итальянской музыки с 1500 г.)

Эпоха Возрождения является периодом перемен во всех областях искусства - живописи, архитектуре, скульптуре, музыке. Этот период ознаменовал переход от средневековья к современности. Период между 1500 и 1600, называемый Высоким Возрождением, является наиболее революционным периодом в истории европейской музыки, это век, в котором была разработана гармония и родилась опера.

В 16 веке впервые распространилось нотопечатанье, в 1501 году венецианский книгопечатник Оттавиано Петруччи издал "Harmonice Musices Odhecaton" - первый крупный сборник светской музыки. Это была революция в распространении музыки, а также способствовало тому, что франко-фламандский стиль стал доминирующим музыкальным языком Европы в следующем столетии, поскольку будучи итальянцем Петруччи в свой сборник, главным образом, включил музыку франко-фламандских композиторов. Впоследствии он опубликовал множество произведений и итальянских композиторов, как светских, так и духовных.

Италия становится центром создания клавесинов и скрипок. Открывается множество мастерских по созданию скрипок. Одним из первых мастеров был знаменитый Андреа Амати из Кремоны, положивший начало династии скрипичных мастеров. Он внес существенные изменения в конструкцию существовавших скрипок, что улучшило звучание, и приблизил её к современному виду.
Франческо Канова да Милано (1497 - 1543) - выдающийся итальянский лютнист и композитор эпохи Ренессанса, создал репутацию Италии как страны виртуозных музыкантов. Он до сих пор считается лучшим лютнистом всех времён. После упадка конца средневековья музыка стала важным элементом культуры.
В эпоху Возрождения достиг вершины своего развития мадригал и стал самым популярным музыкальным жанром эпохи. Мадригалисты стремились создавать высокое искусство, часто используя переработанную поэзию великих итальянских поэтов позднего средневековья: Франческо Петрарки, Джованни Боккаччо и других. Характернейшей чертой мадригала стало отсутствие строгих структурных канонов, основным принципом было свободное выражение мыслей и чувств.
Такие композиторы, как представитель венецианской школы Киприано де Роре и представитель франко-фламандской школы Ролан де Лассю, экспериментировали с увеличивающимся хроматизмом, гармонией, ритмом, фактурой и другими средствами музыкальной выразительности. Их опыт продолжит и доведёт до кульминации во времена маньеризма Карло Джезуальдо.
В 1558 году Джозеффо Царлино (1517-1590), крупнейший теоретик музыки со времён Аристотеля и до эпохи Барокко, создал "Основы гармоники", в этом крупнейшем творении музыкальной науки 16 века он возродил античную концепцию звучащего числа, обосновал теоретическое и эстетическое оправдание большого и малого трезвучий. Его учение о музыке оказало значительное влияние на западноевропейскую музыкальную науку и легло в основу многочисленных позднейших характеристик мажора и минора.

Рождение оперы (флорентийская камерата)

Конец эпохи Возрождения ознаменовался важнейшим событием в музыкальной истории - рождением оперы.
Во Флоренции собралась группа гуманистов, музыкантов, поэтов под покровительством своего лидера графа Джовани Де Барди (1534 - 1612). Группа называлась "камерата", её основными членами были Джулио Каччини, Пьетро Строцци, Винченцо Галилей (отец астронома Галилео Галилея), Джилорамо Мей, Эмилио де Кавальери и Оттавио Ринуччини в молодые годы.
Первое задокументированное собрание группы состоялось в 1573 году, а самыми активными годами работы "Флорентийской камераты" были 1577 - 1582 гг.
Они верили, что музыка "испортилась", и стремились вернуться к форме и стилю античной Греции, считая, что музыкальное искусство может быть улучшено и соответственно общество также улучшится. Камерата критиковала существующую музыку за чрезмерное использование полифонии в ущерб разборчивости текста и потерю поэтической составляющей произведения и предложила создать новый музыкальный стиль, в котором текст в монодическом стиле сопровождался инструментальной музыкой. Их эксперименты привели к созданию новой вокально-музыкальной формы - речитатива, впервые использованного Эмилио де Кавальери, впоследствии напрямую связанным с развитием оперы.
В конце 16 века композиторы начали раздвигать границы стилей эпохи Возрождения, на смену приходила эпоха Барокко со своими особенностями и новыми открытиями в музыке. Одним из них был Клаудио Монтеверди.

Монтеверди. Presso in Fiume Tranquillo.

Клаудио Джованни Антонио Монтеверди (15.05.1567 - 29.11.1643) - итальянский композитор, музыкант, певец. Наиважнейший композитор Барокко, его работы часто рассматриваются как революционные, отмечающие переход в музыке от Возрождения к Барокко. Он жил в эпоху великих перемен в музыке и сам был человеком, изменившим её.

Монтеверди.Venite, Venite.

Монтеверди. Из оперы "Орфей"

Первой официально признанной оперой, соответствующей современным стандартам, стала опера "Дафна" (Daphne), впервые представленная в 1598 г. Авторами "Дафны" были Якопо Пери и Якопо Корси, либретто Оттавио Ринуччини. Эта опера не сохранилась. Первой сохранившейся оперой является "Эвридика" (1600 г.) этих же авторов - Якопо Пери и Оттавио Ринуччини. Этот творческий союз ещё создал немало произведений, большинство из которых утеряны.

Якопо Пери. Tu dormi, e I dolce sonno.

Якопо Пери. Hor che gli augelli.

Церковная музыка 16 века.

16 век характеризуется очень сильным влиянием Католической Церкви и её инквизиции на развитие искусства и науки Европы. В 1545 году собрался Тридентский собор, один из важнейших соборов в истории Католической Церкви, целью которого было дать ответ реформационному движению. В том числе, на этом соборе рассматривалась церковная музыка.
Некоторые делегаты стремились возвратиться к одноголосому григорианскому пению и исключить из песнопений контрапункт, негласно уже существовал запрет на использование полифонического стиля в духовной музыке, в том числе, были запрещены почти все секвенции. Причиной такой позиции было убеждение, что многоголосая музыка из-за контрапунктических сплетений оттесняет текст на второй план, при этом нарушается и музыкальное благозвучие произведения.
Для разрешения спора была создана специальная комиссия. Эта комиссия поручила Джованни Пьерлуиджи да Палестрина (1514-1594), одному из величайших композиторов церковной музыки, создать пробные мессы, с учетом всех требований сторон. Палестрина создал три шестиголосые мессы, в том числе, и свою самую знаменитую "Месса Папы Марцелла", посвященную Папе Марцеллу II, своему покровителю в юношеские годы. Эти произведения оказали сильное влияние на духовенство и поставили точку в споре, выступления против использования в церковной музыке контрапункта прекратились.
Творчество Джованни Пьерлуиджи Палестрины является вершиной развития контрапунктической духовной музыки a capella, сочетая в себе всевозможные комбинации полифонии и ясность текстов.

Палестрина. Sicut Cervus.

Палестрина. Gloria

В музыкальной культуре Возрождения можно выделить несколько определяющих новаторских черт.

Во-первых, бурное развитие светского искусства, выразившееся в повсеместном распространении множества светских песенных и танцевальных жанров. Это итальянские фроттолы («народные песняи, от слова frottola - толпа), вилланеллы («деревенские песни»), каччии , канцоны (буквально - песни) и мадригалы, испанские вильянсико (от villa - деревня), французские песни шансон, немецкие Lied , английские баллады и другие. Все эти жанры, воспевающие радость бытия, интересующиеся внутренним миром человека, стремящиеся к жизненной правде, непосредственно отразили чисто ренессансное мироощущение. Для их выразительных средств типично широкое использование интонаций и ритмов народной музыки.

Кульминация светской линии в искусстве Возрождения - мадригал . Название жанра означает «песнь на материнском (то есть итальян-ском) языке». Оно подчеркивает отличие мадригала от духовной музыки, исполнявшейся на латыни. Развитие жанра шло от незатейливой одноголосной пастушеской песенки к 5-6-голосной вокально-инструментальной пьесе с утонченно-изысканным лирическим текстом. В числе поэтов, об-ращавшихся к жанру мадригала, - Петрарка, Боккаччо, Тассо. Замеча-тельными мастерами мадригала были композиторы А. Вилларт, Я. Аркадельт, Палестрина, О. Лассо, Л. Маренцио, К. Джезуальдо, К. Монтеверди. Возникнув в Италии, мадригал быстро распространился в других западноевропейских странах.

Французская разновидность полифонической песни носит название шансон . От мадригала ее отличает бóльшая близость к реальному, быто-вому, то есть жанровость. Среди создателей шансон - Клеман Жаннекен , один из самых знаменитых французских композиторов эпохи Возрождения.

Во-вторых, высочайший расцвет хоровой полифонии, которая стала ведущим музыкальным стилем эпохи. Величавая и благо-звучная, она как нельзя лучше соответствовала торжественности церков-ной службы. В то же время полифоническое многоголосие было господст-вующей формой высказывания не только в духовных жанрах, но и в светских.

Развитие хоровой полифонии было связано, прежде всего, с творчест-вом композиторов нидерландской (франко-фламандской) школы: Гийома Дюфаи, Йоханнеса Окегема, Якоба Обрехта, Жоскена Депре, Орландо Лассо.

Орландо Лассо (около 1532-1594) работал во многих европейских странах. Дарование его, поистине феноменальное, покоряло и восхищало всех. В необъятном творчестве Орландо Лассо представлены все музыкальные жанры эпохи Возрождения (с пре-обладанием светской музыки над духовной). К самым популярным его произведениям относится «Эхо», написанное в жанре итальянской быто-вой песни. Сочинение построено на красочном сопоставлении двух хоров, создающем эффект эха. Текст его принадлежит самому композитору.

Наряду с Орландо Лассо крупнейшим представителем Высокого Возрождения в музыке был итальянец Палестрина (полное имя Джованни Пьерлуи-джи да Палестрина, около 1525-1594). Бóльшая часть жизни Палестрины прошла в Риме, где он постоянно был связан с работой в церкви, в частности, возглавлял капеллу собора св. Петра. Основная часть его музыки - это духовные произведения, прежде всего мессы (их более ста, среди которых особенно выделяется знаменитая «Месса папы Марчелло») и мотеты. Однако Палестрина охотно сочинял также и светскую музыку - мадригалы, канцонетты. Сочинения Палестрины для хора а сарре lla стали классическим образцом ренессансной полифонии.

Творчество композиторов-полифонистов сыграло ведущую роль в развитии главного жанра музыки эпохи Возрождения - мессы . Возникнув в эпоху Средневековья, жанр мессы в XIV - XVI веках стремительно преобразуется, продвигаясь от образцов, представленных отдельными, разрозненными частями, до сочинений стройной циклической формы.

В зависимости от церковного календаря в музыке мессы пропускались одни и вставлялись другие части. Обязательных же частей, постоянно присутствующих в церковной службе, пять. В I и V - « Kyrie eleison » («Господи, помилуй») и « Agnus Dei » (« Агнец божий») - выражалась мольба о прощении и помиловании. Во II и IV - « Gloria » (« Слава») и « Sanctus » (« Свят») - хвала и благодарность. В центральной же части, « Credo » (« Верую»), излагались основные догматы христианского вероучения.

В-третьих, возрастание роли инструментальной музыки (при явном преобладании вокальных жанров). Если европейское Средневековье почти не знало профессионального инструментализма, то в эпоху Возрождения создается множество произведений для лютни (са-мый распространенный музыкальный инструмент того времени), органа, виолы, виуэлы, верджинала, продольных флейт. Они еще следуют вокаль-ным образцам, но интерес к инструментальной игре уже определился.

В-четвертых, в эпоху Возрождения происходило активное формирова-ние национальных музыкальных школ (нидерландских полифонистов, английских верджиналистов, испанских виуэлистов и других), творчество которых опиралось на фольклор своей страны.

Наконец, далеко вперед шагнула теория музыки, выдви-нувшая целый ряд замечательных теоретиков. Это француз Филипп де Витри , автор трактата « Ars nova » (« Новое искусство», где дано теоре-тическое обоснование нового полифонического стиля); итальянец Джозеффо Царлино , один из создателей науки о гармонии; швейцарец Глареан , основоположник учения о мелодии.

Министерство образования Российской Федерации

Московский государственный открытый педагогический университет

им. М.А.Шолохова

Кафедра эстетического воспитания

Р Е Ф Е Р А Т

«Музыка эпохи Возрождения»

Студентки 5(кол) курса

Очно - заочного отделения

Полегаевой Любови Павловны

Преподаватель:

Зацепина Мария Борисовна

Москва 2005г.

Возрождение – эпоха расцвета культуры стран Западной и Центральной Европы в период перехода от средних веков к новому времени (XV- XVII вв.). Культура Возрождения не носит узкоклассовый характер и часто отражает настроения широких народных масс, в музыкальной культуре представляет несколько новых влиятельных творческих школ. Основным идейным стержнем всей культуры этого периода стал гуманизм – новое, невиданное прежде представление о человеке как о свободном и всесторонне развитом существе, способном к безграничному прогрессу. Человек – главный предмет искусства и литературы, творчества величайших представителей культуры Возрождения – Ф. Петрарки и Д.Боккачио, Леонардо да Винчи и Микеланджело, Рафаэля и Тициана. Большинство деятелей культуры этой эпохи сами были разносторонне одаренными людьми. Так, Леонардо да Винчи был не только выдающимся художником, но и скульптором, ученым, писателем, архитектором, композитором; Микеланджело известен не только как скульптор, но и как живописец, поэт, музыкант.

На развитие мировоззрения и всей культуры этого периода наложило отпечаток следование античным образцам. В музыке наряду с новым содержанием также развиваются новые формы и жанры (песни, мадригалы, баллады, оперы, кантаты, оратории).

При всей цельности и законченности культуры Возрождения в главном, ей свойственны черты противоречивости, связанные с переплетением элементов новой культуры со старой. Религиозная тематика в искусстве этого периода продолжает не только существовать, но и развиваться. Вместе с тем она настолько преображается, что созданные на ее основе произведения воспринимаются как жанровые сцены из жизни знатных и простых людей.

Итальянская культура эпохи Возрождения прошла определенные этапы развития: возникнув в конце XIV в., она достигла своего расцвета в середине XV - начале XVI в. Во второй половине XVI в. наступает длительная феодальная реакция, обусловленная экономическим и политическим упадком страны. Гуманизм переживает кризис. Однако упадок в искусстве обозначается отнюдь не сразу: еще десятилетия итальянские художники и поэты, скульпторы и архитекторы создавали произведения высочайшего художественного значения, развитие связей между различными творческими школами, обмен опытом между музыкантами, переезжающими из страны в страну, работавшими в разных капеллах, становится знамением времени и позволяет говорить о тенденциях, общих для всей эпохи.

Эпоха Возрождения – одна из блистательных страниц истории европейской музыкальной культуры. Созвездие великих имен Жоскена, Обрехта, Палестрины, О.Лассо, Джезуальдо, открывшие музыкальному творчеству новые горизонты в средствах выразительности, богатстве многоголосия, масштабности форм; расцвет и качественное обновление традиционных жанров – мотета, мессы; утверждение новой образности, новых интонаций в сфере песенных многоголосных композиций, стремительное развитие инструментальной музыки, вышедшей на передний план после почти пятивекового подчиненного положения: иные формы музицирования, рост профессионализма во всех областях музыкального творчества: изменение взглядов на роль и возможности музыкального искусства, формирование новых критериев красоты: гуманизм как реально проявляющаяся тенденция во всех сферах искусства – все это связано с нашими представлениями об эпохе Возрождения. Художественная культура Ренессанса – это личностное начало с опорой на науку. Необычайно сложное мастерство полифонистов XV – XVI веков, их виртуозная техника уживалась вместе с ярким искусством бытовых танцев, изысканностью светских жанров. Все большее выражение в произведениях получает лирико-драматизм. Кроме того, в них ярче проявляется личность автора, творческая индивидуальность художника (это характерно не только для музыкального искусства), что позволяет говорить о гумманизации как о ведущем принципе ренессансного искусства. В то же время церковная музыка, представленная такими крупными жанрами, как месса и мотет, в известной мере продолжает «готическую» линию в искусстве Возрождения, направленную, прежде всего, на воссоздание уже существующего канона и через это на прославление Божественного.

Произведения почти всех основных жанров как светских, так и духовных строятся на основе какого-либо предварительно известного музыкального материала. Это мог быть одноголосный источник в мотетах и разных светских жанрах, инструментальных обработках; это могли быть два голоса, заимствованные из трехголосной композиции и включаемые в новое произведение того же или другого жанра и, наконец, полное трех - или четырехголосие (мотет, мадригал, исполняющее роль своего рода предварительной «модели» произведения более крупной формы (мессы).

Первоисточником выступает в равной мере и популярный, широко известный напев (хорал или светская песня) и какое –либо авторское сочинение (или голоса из него), перерабатываемое другими композиторами и соответственно наделяемое иными особенностями звучания, иной художественной идеей.

В жанре мотета, например, почти не существует произведений, не имеющих какого-либо исходного оригинала. Большая часть месс композиторов XV – XVI веков также имеет первоисточники: так, у Палистрины из общего числа свыше ста месс мы находим всего шесть написанных на свободной от заимствований основе. О. Лассо не написал ни одной мессы (из 58) на авторском материале.

Можно заметить при этом, что довольно четко обозначается круг первоисточников, на материал которых опираются авторы. Г. Дюфаи, И. Окегем, Я. Обрехт, Палестрина, О. Лассо и др. будто соревнуются между собой, вновь и вновь обращаясь к одним мелодиям, черпая из них всякий раз, новые художественные импульсы для своих произведений, по-новому осмысливая напевы как исходные интонационные первообразы для многоголосных форм.

При исполнении произведения использовался прием – полифонии. Полифония – это многоголосие, в котором все голоса равноправны. Все голоса повторяют одну мелодию, но в разное время, как эхо. Называется этот прием имитационная полифония.

К XV веку складывается так называемая полифония «строгого письма», правила (нормы голосоведения, формообразования и др.) которой были зафиксированы в теоретических трактатах того времени и являлись непреложным законом создания церковной музыки.

Другое соединение, когда исполняющие произносили одновременно разные мелодии и разные тексты, называется контрастная полифония. Вообще «строгий» стиль обязательно предполагает полифонию одного из двух типов: имитационную или контрастную. Именно имитационная и контрастная полифония позволяли сочинять многоголосные мотеты и месс для церковных служб.

Мотет - это небольшая хоровая песня, которую обычно сочиняли на какую-либо популярную мелодию, чаще всего на один из старинных церковных напевов («григорианских хоралов» и других канонических источников, а также народно-бытовой музыки).

С началом века XV века в музыкальной культуре ряда европейских стран все отчетливее проступают черты, присущие эпохе Ренессанса. Виднейший среди ранних полифонистов нидерландского Возрождения, Гийом Дюфэ (Дюфаи) родился во Фландрии около 1400 года. Его произведения, по сути, являются более чем полувековым этапом в истории нидерландской школы музыки, сложившейся во второй четверти XV века.

Дюфаи руководил несколькими капеллами, в том числе папской в Риме, работал во Флоренции и Болонье, а последние годы жизни провел в родном Камбрэ. Наследие Дюфаи богато и обильно: оно включает около 80 песен (камерные жанры – виреле, баллады, рондо), около 30 мотетов (как духовного содержания, так и светских, «песенных»), 9 полных месс и их отдельные части.

Превосходный мелодист, достигавший лирической теплоты и экспрессии мелоса, редкостной в эпоху строгого стиля, он охотно обращался к народным мелодиям, подвергая их искуснейшей обработке. Дюфаи вносит в мессу много нового: шире разворачивает композицию целого, свободнее пользуется контрастами хорового звучания. Одними из лучших его сочинений являются мессы «Бледное лицо», «Вооруженный человек», в которых использованы заимствованные одноименные мелодии песенного происхождения. Эти песни в разнообразных вариантах составляют интонационно-тематическую широко протяженную основу, скрепляющую единство больших хоровых циклов. В полифонической разработке замечательного контрапунктиста они раскрывают таящиеся в их глубине, неведомые ранее красоты и выразительные возможности. Мелодика Дюфаи гармонично сочетает терпкую свежесть нидерландской песни со смягчающей ее итальянской певучестью и французским изяществом. Имитационная полифония его лишена искусственности и нагромождений. Порою разреженность становится чрезмерной, возникают пустоты. Здесь сказывается не только молодость искусства, еще не нашедшего идеальное равновесие структуры, но и характерное для камбрийского мастера стремление достигнуть художественно-выразительного результата самыми скромными средствами.

Творчество младших современников Дюфаи – Иоханнеса Окегема и Якоба Обрехта – относят уже к так называемой второй нидерландской школе. Оба композитора являются крупнейшими фигурами своего времени, определившими развитие нидерландской полифонии во второй половине XV века.

Иоханнес Окегем (1425 – 1497) большую часть жизни работал при капелле французских королей. В лице Окегема перед Европой, очарованной мягким, певучим песенным лиризмом Дюфаи, наивно-кротким и архаически светлым благозвучием его месс и мотетов, явился совсем иной художник – «рационалист с бесстрастным оком» и изощренно-техничным пером, порою избегавший лиризма и стремившийся скорее запечатлеть в музыке некие предельно общие закономерности объективного бытия. Он обнаружил потрясающее мастерство развития мелодических линий в полифонических ансамблях. Его музыке присущи некоторые готические черты: образность, внеиндивидуальный характер выразительности и т.д. Он создал 11 полных месс (и ряд их частей), в том числе и на тему «Вооруженный человек», 13 мотетов и 22 песни. Именно крупные полифонические жанры стоят у него на первом месте. Некоторые песни Окегема приобрели популярность у современников и неоднократно служили первоосновой для полифонических обработок в более крупных формах.

Творческий пример Окегема как крупнейшего мастера и чистого полифониста имел огромное значение для современников и последователей: его бескомпромиссная сосредоточенность на специальных проблемах полифонии внушала уважение, если не преклонение, она породила легенду и окружила его имя ореолом.

Среди тех, кто связал XV столетие со следующим не только хронологически, но и по существу творческого развития, первое место, вне сомнений, принадлежит Якобу Обрехту. Он родился в 1450 году в Бергене-оп-Зом. Работал Обрехт в капеллах Антверпена, Камбрэ, Брюге и др., служил также в Италии.

В творческом наследии Обрехта – 25 месс, около 20 мотетов, 30 полифонических песен. От своих предшественников и старших современников он унаследовал высокоразвитую, даже виртуозную полифоническую технику, имитационно-канонические приемы многоголосия. В музыке Обрехта, всецело полифонической, мы слышим порой особую крепость хотя бы и неличностных эмоций, смелость контрастов в больших и малых пределах, вполне “земные”, чуть ли не бытовые связи в характере звучаний и частностях формообразования. Его мировосприятие перестает быть готическим. Он движется по направлению к Жоскену Депре – подлинному представителю Ренессанса в музыкальном искусстве.

Для стиля Обрехта характерны индивидуальные черты, в том числе отход от готической отрешенности, вызывающие противопоставления, сила эмоций, связь с бытовыми жанрами.

Первая треть XVI века в Италии – период Высокого Ренесссанса, время творческого подъема и небывалого совершенства, воплотившихся в великих произведениях Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело. Складывается определенная общественная прослойка, силами которой устраиваются театральные спектакли, музыкальные праздники. Развивается деятельность различных академий искусств.

Чуть позже период высокого расцвета наступает и в музыкальном искусстве, причем не только Италии, но и Германии, Франции, других стран. Огромное значение для распространения музыкальных произведений имеет изобретение нотопечатания.

Традиции полифонической школы остаются по-прежнему сильными (в частности, имеет прежнее значение опора на образец), но отношение к выбору тем меняется, увеличивается эмоционально-образная насыщенность произведений, усиливается личностное, авторское начало. Все эти черты проявляются уже в творчестве итальянского композитора Жоскена Депре, родившегося около 1450 года в Бургундии и бывшего одним из величайших композиторов нидерландской школы конца XV - начала XVI века. Одаренный прекрасным голосом и слухом, он с отроческих лет служил певчим в церковных хорах у себя на родине и в других странах. Это ранне и тесное соприкосновение с высоким хоровым искусством, активно-практическое усвоение великих художественных сокровищ культовой музыки во многом определили направление, в котором складывалась тогда индивидуальность будущего гениального мастера, его стиль и жанровые интересы.

В молодые годы Депре учился искусству композиции у И. Окегема, у которого он тоже солвершенствовался и в игре на различных музыкальных инструментах.

В дальнейшем Жоскен Депре попробовал свои силы во всех существоваших в то время музыкальных жанрах, создавая псалмы, мотеты, мессы, музыку на Страсти Господни, сочинения в честь святой Марии и светские песни.

Первое, что бросается в глаза в сочинениях Депре, - это поразительная контрапунктическая техника, позволяющая считать автора настоящим контрапунктом-виртуозом. Однако, несмотря на полное владение материалом, Депре писал очень медленно, очень критично рассматривая свои произведения. Во время пробного исполнения сочинений он вносил в них массу изменений, стремясь достигнуть безукоризненного благозвучия, которое никогда не приносил в жертву контропунктическим сплетениям.

Используя только полифонические формы, композитор в некоторых случаях придает верхнему голосу необыкновенно красиво льющуюся мелодию, благодаря чему его произведение отличается не только благозвучием, но и мелодичностью.

Не желая выходить за рамки строгого контропункта, Депре для смягчения диссонансов как бы подготавливает их, употребляя диссонирующую ноту в предыдущем созвучии в виде консонса. Весьма удачно в качестве средства для усиления музыкальной экспрессии Депре использует и диссонансы.

Нужно ометить, что Ж. Депре с полным правом можно считать не только талантливым контрапунктистом и чутким музыкантом, но и великолепным художником, способным передать в своих произведениях самые тонкие оттенки чувств и различные настроения.

Жоскен был технически и эстетически сильнее итальянских и французских полифонистов XV столетия. Вот почему в области чисто музыкальной он гораздо больше повлиял на них, нежели испытал на себе их влияние. До своей смерти Депре руководил лучшими капеллами в Риме, Флоренции, Париже. Всегда был одинаково предан своему делу, способствуя распространению и признанию музыки. Он оставался нидерландцем, «мастером из Кондэ». И как ни блистательны были заграничные достижения и почести, еще при жизненно оказанные «властелину музыки» (так называли его современники), он, подчиняясь непреодолимому «зову земли», уже на склоне лет вновь вернулся на берега Шельды и скромно окончил свой жизненный путь каноником.

В Италии в эпоху Высокого Ренессанса наблюдается расцвет светских жанров. Вокальные жанры развиваются по двум главным направлениям – одно из них близко к бытовой песне и танцу (фротолы, вилланеллы и др.), другое же связано с полифонической традицией (мадригал).

Мадригал как особая музыкально-поэтическая форма давал необыкновенные возможности для проявления композиторской индивидуальности. Основным содержанием его лирика, жанровые сцены. В венецианской школе расцветали жанры сценической музыки (попытка возрождения античной трагедии). Обретали самостоятельность инструментальные формы (пьесы для лютни, виуэлы, органа и других инструментов).

Список литературы:

Ефремова Т.Ф. Новый словарь русского языка. Толково - словообразовательный.- М.: Рус. яз.., 2000 –Т. 1: А-О – 1209 с.

Краткий словарь по эстетике. М., Политиздат, 1964. 543 с.

Популярная история Музыки.

Тихонова А. И. Возрождение и барокко: Книга для чтения – М.: ООО «Издательство «РОСМЭН – ПРЕСС», 2003.- 109 с.

Возрождение, или Ренессанс, - период в истории культуры Западной и Центральной Европы, охватывающий примерно XIV-XVI вв. Свое название этот период получил в связи с возрождением интереса к античному искусству, ставшему идеалом для деятелей культуры нового времени. Композиторы и музыкальные теоретики - Й. Тинкторис, Дж. Царлино и другие - изучали древнегреческие музыкальные трактаты; в произведениях Жоскена Депре, которого сравнивали с Микеланджело, по словам современников, «возродилось утерянное совершенство музыки древних греков»: появившаяся в конце XVI- начале XVII в. опера ориентировалась на законы античной драмы.

Занятия теорией музыки. С гравюры XVI в.

Дж. П. Палестрина.

Развитие культуры Возрождения связано с подъемом всех сторон жизни общества. Родилось новое мировоззрение - гуманизм (от латинского humanus - «человечный»). Раскрепощение творческих сил привело к бурному развитию науки, торговли, ремесел, в экономике складывались новые, капиталистические отношения. Изобретение книгопечатания способствовало распространению образования. Великие географические открытия и гелиоцентрическая система мира Н. Коперника изменили представления о Земле и Вселенной.

Небывалого расцвета достигли изобразительное искусство, архитектура, литература. Новое мироощущение отразилось в музыке и преобразило ее облик. Она постепенно отходит от норм средневекового канона, индивидуализируется стиль, впервые появляется само понятие «композитор». Изменяется фактура произведений, число голосов увеличивается до четырех, шести и более (известен, например, 36-голосный канон, приписываемый крупнейшему представителю нидерландской школы Й. Окегему). В гармонии господствуют консонирующие созвучия, употребление диссонансов строго ограничивается специальными правилами (см. Консонанс и диссонанс). Складываются мажорный и минорный лады и тактовая система ритмики, характерные для более поздней музыки.

Все эти новые средства использовались композиторами для передачи особого строя чувств человека эпохи Возрождения - возвышенного, гармоничного, спокойного и величественного. Более тесной становится связь текста и музыки, музыка начинает передавать настроение, или, как тогда говорили, аффекты текста, нередко особыми музыкальными средствами иллюстрируются отдельные слова, такие, как «жизнь», «смерть», «любовь» и др.

Музыка эпохи Возрождения развивалась в двух направлениях - церковном и светском. Основные жанры церковной музыки - месса и мотет - многоголосные полифонические произведения для хора без сопровождения или в сопровождении инструментального ансамбля (см. Хоровая музыка , Полифония). Из инструментов предпочтение отдавалось органу .

Развитию светской музыки способствовал рост любительского музицирования. Музыка звучала всюду: на улицах, в домах горожан, во дворцах знатных вельмож. Появились первые концертирующие исполнители-виртуозы на лютне, клавесине, органе, виоле , различных видах продольных флейт . В полифонических песнях (мадригале - в Италии, шансон - во Франции) композиторы рассказывали о любви, обо всем, что встречается в жизни. Вот названия некоторых песен: «Охота на оленя», «Эхо», «Битва при Мариньяно».

В XV-XVI вв. возрастает значение искусства танца, появляются многочисленные трактаты и практические руководства по хореографии, сборники танцевальной музыки, в которые включаются популярные танцы того времени - бас-данс, бранль, павана, гальярда.

В эпоху Возрождения формируются национальные музыкальные школы. Самая крупная из них - нидерландская (франко-фламандская) полифоническая школа. Ее представители - Г. Дюфаи, К. Жанекен, Й. Окегем, Я. Обрехт, Жоскен Депре, О. Лассо. Среди других национальных школ - итальянская (Дж. П. Палестрина), испанская (Т. Л. де Виктория), английская (У. Берд), немецкая (Л. Зенфль).