Картины в стиле Укиё-э (японская живопись). Искусство японской гравюры укиё-э

Основоположником укиё-э считается японский живописец и график Хисикава Моронобу.

Изначально гравюры были чёрно-белыми - использовалась лишь тушь , с начала XVIII века некоторые работы затем раскрашивались вручную с помощью кисти. В XVIII веке Судзуки Харунобу внедрил технику многоцветной печати для изготовления нисики-э («парчовые картинки»).

Гравюры укиё-э были доступны по цене из-за возможности их массового производства. Они предназначались в основном для городских жителей, которые не могли позволить себе потратить деньги на картины. Для укиё-э характерны картины обыденной жизни, созвучные городской литературе этого периода. На гравюрах изображались прекрасные гейши (бидзин-га ), массивные борцы сумо и популярные актёры театра кабуки (якуся-э ). Позднее стала популярной пейзажная гравюра.

История

Стиль укиё-э зародился на волне урбанизации конца XVI века , что привёло к появлению класса торговцев и мелких ремесленников, которые начали писать рассказы или повести и оформлять их рисунками. Подобные сборники носили название эхон (яп. 絵本 - «книга картинок» ?). Одним из примеров подобного искусства является издание 1608 года «Исэ-моногатари » («Повесть об Исэ») Хонами Коэцу. В подобных книгах широко использовались укиё-э в качестве иллюстраций. Позднее гравюры стали печатать как самостоятельные произведения - какемоно (яп. 掛け物 - свиток с картиной или изречением ?) и афиши для театра кабуки .

Процесс создания

Вырезанная печатная форма

Для создания укиё-э требовались художник, резчик и печатник. Укиё-э изготовлялись следующим образом. Художник тушью делал на тонкой бумаге прототип гравюры, резчик приклеивал этот рисунок лицевой стороной на доску из вишни , груши или самшита и вырезал из неё области, на которых бумага была белой, получая таким образом первую печатную форму, но уничтожая сам рисунок. Потом делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник, обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения на получившийся набор форм и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру.

Известные художники

• Хисикава Моронобу
• Тории Киёнага
• Кунитика
• Кунисида
• Тосюсай Сяраку
• Тоёкуни

Примечания

Ссылки

• Картины ускользающего мира - укиё-э - статья Галины Щедриной на сайте Artgalery.ru

Литература

• А. Савельева Мировое искусство. Мастера японской гравюры. - «Кристалл», 2007. - 208 с. - 10 000 экз. - ISBN 5-9603-0033-8
• М. В. Успенский Японская гравюра. - Санкт-Петербург: «Аврора», «Янтарный сказ», 2004. - 64 с. - («Библиотека Авроры»). - 5000 экз. - ISBN 5-7300-0699-3

Wikimedia Foundation . 2010 .

Смотреть что такое "Укие-э" в других словарях:

- (японское образы повседневного мира) школа японской живописи и ксилографии 17 19 вв. Наследовала традиции жанровой живописи 15 16 вв. Отличается демократизмом сюжетов, созвучных городской литературе периода Эдо (нач. 17 2 я пол. 19 вв.).… … Большой Энциклопедический словарь

Укиё-э - Укие э УКИЁ Э (японское образы повседневного мира), школа японской живописи и гравюры на дереве (17 19 вв.). Для укие э характерны портреты актеров и красавиц из “веселых кварталов”, сюжеты из обыденной жизни, созвучные городской литературе… … Иллюстрированный энциклопедический словарь

- (япон. образы повседневного мира), направление в японской живописи и ксилографии XVII XIX вв., отразившее демократические тенденции в искусстве, возникшие в связи с бурным развитием городской жизни. Распространение получили сюжеты из жизни… … Энциклопедический словарь

- (Хисикава Моронобу) , японский художник, самый известный мастер укие э (см. УКИЕ Э) раннего периода. Сын известного мастера декоративных тканей Хисикавы Китидзаэмона. Спустя… … Энциклопедический словарь

- (1753/1754 1806), японский мастер цветной ксилографии и живописец. Представитель школы укиё э.Портретные и жанровые изысканно поэтические женские образы, созданные с помощью плавной текучей линии, применения слюдяного порошка, дающего эффект… … Энциклопедический словарь

- (1760 1849), японский живописец и рисовальщик, мастер цветной ксилографии. Представитель направления укиё э. В главных графических произведениях (серии «36 видов горы Фудзи», 1823 29, «Путешествие по водопадам различных провинций», 1827 33),… … Энциклопедический словарь

- (Судзуки Харунобу) (1725?, Эдо, ныне Токио 8 июля 1770, там же), японский художник, мастер укие э (см. УКИЕ Э). О его жизни (как и о жизни большинства мастеров укие э) известно мало, но его место в истории японского искусства четко определено его … Энциклопедический словарь

- (японское образы повседневного мира), школа японской живописи и гравюры на дереве (17 19 вв.). Для укие э характерны портреты актеров и красавиц из веселых кварталов, сюжеты из обыденной жизни, созвучные городской литературе начала 17 2 й… … Современная энциклопедия

Фиолетова Татьяна, ученица 10 класса СОШ № 32 г. Рыбинск

Актуальность темы исследования связана с изучением особенностей японской гравюры. Пожалуй, это одно из немногих произведений искусства, увидев которые в лучших музеях мира, невозможно ошибиться по поводу происхождения которых. Японскими гравюрами можно любоваться часами, поражаясь их изяществу и совершенству линий, простоте композиции и замысловатости проработки деталей.

Скачать:

Предварительный просмотр:

Муниципальное образовательное учреждение

средняя общеобразовательная школа № 32 им. академика А.А. Ухтомского

РЕФЕРАТ

на тему

«Особенности японской гравюры Укиё-э

и её влияние на европейскую живопись»

Выполнен

ученицей 10 класса

Фиолетовой Татьяной

Научный руководитель

Щербак Эллина Юрьевна

Рыбинск

2012 г.

Введение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .3

1. Непонятный термин Укиё-э. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .4

1.1. История происхождения Укиё-э. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .4

1.2. Процесс создания Укиё-э. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5

2. Жанры гравюры Укиё-э. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6

3. Влияние Укиё-э на европейскую живопись. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .9

3.1. Влияние Укиё-э на творчество художников Америки и Западной Европы. . . . . . . . . .10

3.2. Влияние Укиё-э на творчество русских художников. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13

Заключение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16

Литература. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17

Введение

Актуальность темы исследования связана с изучением особенностей японской гравюры. Пожалуй, это одно из немногих произведений искусства, увидев которые в лучших музеях мира, невозможно ошибиться по поводу происхождения которых. Японскими гравюрами можно любоваться часами, поражаясь их изяществу и совершенству линий, простоте композиции и замысловатости проработки деталей.

История Японии насчитывает уже более 8000 лет. По причине удалённости от остального мира в ней сформировалась своя, отличная от других цивилизация. Традиционная японская живопись, как и вся культура Японии, уникальна.

Возникшая в XVII веке в среде набиравшего силу третьего сословия, менее скованная канонами, чем живопись, гравюра была наиболее массовым и доступным для горожан видом искусства. Темами для гравюр Укиё-э зачастую являлись сюжеты жанровых рассказов Укиё-дзоси, пьес театра Кабуки, классической и современной поэзии.

Гравюры созданы великими художниками, которые довели это искусство практически до совершенства. Такие мастера как Утагава Тоёхару, Кацусика Хокусай и многие другие смогли запечатлеть на своих творениях самые прекрасные моменты этого быстротечного мира.

Знакомство с японским искусством оказалось плодотворным для европейских и русских художников не только на пути создания нового пластического языка, но и послужило обогащению визуального опыта мастеров, открыло им существование другого типа творческой фантазии, возможность принципиально новых точек зрения на привычное и повседневное.

Цель исследования: описание особенностей японской гравюры Укие-э.

Задачи исследования:

1. Изучить происхождение термина Укиё-э.
2. Выявить жанры японской гравюры Укиё-э.
3. Определить влияние Укиё-э на европейскую живопись

Практическая значимость. Результаты исследования могут быть использованы на уроках по искусству и мировой художественной культуре.

1. Непонятный термин Укиё-э

1.1. Происхождение Укиё-э

Укиё-э – это один из популярнейших стилей японского изобразительного искусства периода Эдо. Он появился в первой половине XVII века, во второй половине XIX в. пришел в упадок. Расцветом Укиё-э считается XVIII век. Обычно под Укиё-э понимают популярные и широко распространенные в период Эдо жанровые произведения – живопись и, в особенности, гравюру. Термин Укиё, заимствованный из буддийской философии, означает буквально «мир скорби» – так именуется мир сансары, мир преходящих иллюзий, где удел человека – скорбь, страдания, болезни и смерть. Этот мир, с точки зрения традиционно мыслящих японцев, такой же иллюзорный и преходящий, как сновидение, и его обитатели не более реальны, чем существа из мира грез. В XVII веке представления об изменчивости и иллюзорности этого мира, будучи несколько переосмыслены, породили особого рода эстетику: непостоянство бытия воспринималось не только и не столько как источник страдания, а, скорее, как призыв к удовольствиям, которые дарует это непостоянство. Мир преходящих наслаждений также стал именоваться укиё, только записывался он уже другим иероглифом с тем же звучанием, буквально означавшим «плывущий», «проплывающий мимо». Укиё-э и означает «картинки плывущего мира». Есть и другой оттенок смысла: художники, работавшие в стиле укиё-э. были знакомы с принципами западного искусства и нередко использовали в своих произведениях знание законов перспективы, что было нетипично для традиционной японской живописи ямато-э («японская картина») или кара-э («китайская картина»). Поэтому для японских зрителей, привыкших к плоским изображениям, мир на картинках Укиё-э воспринимался как объемный, «всплывающий» на поверхности листа или, наоборот, «тонущий» в его глубине.

Стиль Укиё-э зародился на волне урбанизации конца XVI века , что привёло к появлению класса торговцев и мелких ремесленников, которые начали писать рассказы или повести и оформлять их рисунками. Подобные сборники носили название эхон («книга картинок»). Одним из примеров подобного искусства является издание 1608 года « Исэ-моногатари » («Повесть об Исэ») Хонами Коэцу . В подобных книгах широко использовались Укиё-э в качестве иллюстраций. Позднее гравюры стали печатать как самостоятельные произведения – какемоно (свиток с картиной или изречением) и афиши для театра кабуки .

В середине XVIII века была разработана технология получения многоцветных отпечатков, которые получили название нисики-э («парчовые картинки», также известны как эдо-э). После революции Мэйдзи в 1868 году и открытия границ в Японию завозились достижения западной цивилизации.

Укиё-э постепенно выходит из моды, заменяясь фотографией . В то же время гравюры в стиле Укиё-э стали очень популярны в западной Европе и Америке , их начинают массово скупать искусствоведы. Следует также отметить, что в токугавской Японии Укиё-э долгое время считался «низким» жанром; поэтому огромное количество работ было утеряно.

1.2. Процесс создания гравюры Укиё-э

В процессе создания гравюры Укиё-э участвовали художник, резчик и печатник. Важную роль играл издатель, изучавший спрос и определявший тираж. Зачастую именно он задавал тему гравюры и влиял на характер издания.

Процесс создания гравюры выглядел следующим образом. Художник делал контурный рисунок прототип гравюры тушью на тонкой, прозрачной бумаге. Резчик, наклеив рисунок лицевой стороной на доску из вишни, груши или самшита, и вырезал из неё области, на которых бумага была белой, получая, таким образом, первую печатную форму, но уничтожая сам рисунок. Затем делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник, обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру.

Коллективный метод работы художника, резчика и печатника, узкая специализация мастеров, цеховая организация процесса обусловили своеобразие японской ксилографии.

2. Жанры гравюры Укиё-э

Бидзин-га – общее название для произведений живописи и графики, изображающих женскую красоту в традиционном искусстве Японии , например – в печати с деревянных досок художественного направления укиё-э , являвшегося своего рода предшественником фотографии. Обозначение «бидзинга» может, таким образом, использоваться и для современных средств искусства, представляющих классический образ прекрасной японской женщины, как правило, одетой в кимоно .

Практически все мастера укиё-э создавали картины в жанре бидзинга, бывшие одной из центральных тем этого направления японского искусства. Среди художников, создававших бидзинга, следует упомянуть таких мастеров формы и новаторов в японской живописи, как Хисикава Моронобу , Китагава Утамаро , Судзуки Харунобу , Тоёхара Тиканобу , Тории Киёнага , Нисикава Сукэнобу , Ито Синсуй .

Якуся-э – (яп. - изображение актеров), жанр японской гравюры направления укиё-э, отражающий жизнь актеров театра Кабуки. Возник в кон. XII в. как оформление плаката, афиши, театральной программы. Ранние произведения якуся-э (конец XII – середина XIII в.), выполненные в технике ксилографии с яркой подкраской оттисков, создавали героический образ актера-исполнителя остродраматических ролей. Они привлекали захватывающей стремительностью действия и роскошью театральных одежд (гравюры Тории Киёнобу с фигурой обращенного к зрителям актера, как бы летящего в танце, жонглируя оружием). Во 2-й половине XIII века в гравюрах якуся-э появляются лирические сцены, портреты актеров в процессе работы, в артистической уборной. Высший этап развития жанра якуся-э – творчество Тёсюсая Сяраку (кон. XIII – нач. XIX в.). Он создал галерею портретов, в которых актер предстает в образе страдающего, ненавидящего, алчущего, сжигаемого страстями человека. В произведениях XIX в. усиливается тяга к декоративности, снижается интерес к внутреннему миру персонажей.

Японская театральная гравюра в процессе своего развития стала самоценным и самостоятельным искусством, расцвет которого пришелся на XVII – XIX вв.

Катё-э (яп. Катё-э, или катё-га «картины о цветах и птицах») – поджанр японской гравюры Укиё-э , ведущий свое происхождение из традиционного жанра китайской живописи, посвященного тому же предмету. Существовали мастера, специализирующиеся исключительно на этом жанре, хотя крупные мастера укиё-э, например, Хиросигэ , также иногда его использовали.

Охара Косон является одним из самых известных художников в жанре «Катё-э» двадцатого века .

Фукэй-га – пейзажная гравюра, получившая широкое распространение в первой половине XIX в. Расцвет пейзажного жанра в японской классической ксилографии связан с именами двух великих художников – Кацусика Хокусая (1760–1849) и Андо (Утагава) Хиросигэ (1797-1858).

В Японии много замечательных мест и великолепных пейзажей. Но всемирную известность приобрела гора Фудзияма – символ страны Восходящего Солнца. Японцы восхищаются Фудзиямой и считают её национальной святыней

Фудзияма великолепна во все времена года, она меняет свои краски в зависимости от погоды. Когда бы вы ни увидели этот действующий вулкан, он вызовет у вас особые чувства, не только открывающейся взору красотой, но и своим величием.

Японская легенда гласит, что боги сотворили «гору Фудзи» за одну ночь. Земля была взята неподалёку от Киото, на месте, где затем возникло самое большое в Японии естественное озеро Бива. Происходили эти события в 286 году до нашей эры.

Японцы во всём видят неповторимую красоту. Священный трепет и восхищение вызывает у жителей Японии вершина Фудзи, покрытая снегом. Вулкан имеет классическую коническую форму и поражает своим совершенством. На фоне голубого неба вырисовываются слегка усечённые и симметричные склоны Фудзиямы. Всё это приносит в душу покой, говорит об упорядоченности мироздания и гармонии в природе.

Высота Фудзи – 3776 метров. Гора возвышается над окружающей местностью и притягивает к себе взоры всей Японии. Является Фудзи и одной из святынь древней религии Японии – синтоизма. Японцы традиционно придерживаются веры предков и поэтому у них очень популярны паломничества к горе. Японцы считают, что хотя бы один раз в жизни каждый должен подняться на гору.

Муся-э – историко-героический жанр; изображение прославившихся в истории Японии самураев, сцен сражений. Традиционный жанр укиё-э.

3. Влияние Укиё-э на европейскую живопись

Примечательно, что самим японцам взглянуть на Укиё-э как на полноправные художественные произведения помогли иностранцы. После открытия Японии в 1855 г. для внешнего мира японские товары и произведения искусства в большом количестве завозятся в Европу и быстро находят в ней ценителей. Во время Всемирной выставки в Лондоне и Всемирной выставки в Париже были продемонстрированы японская цветная гравюра и различные кустарные изделия: фарфор, кимоно, ширмы, лаковые изделия.

В конце XIX в. многие дизайнеры ар нуво обратили свои взгляды на Восток, в особенности на Японию, в поисках вдохновения. После 200 лет изоляции Япония открыла двери Западу, а японские ремесла – от керамики и работ по металлу до архитектуры, живописи и графики – оказали огромное влияние на западных коллекционеров. На всемирной выставке в Париже в 1867 г. японское искусство и культура были представлены западному зрителю во всем разнообразии. Французский критик Филипп Бюрти описал новый стиль, возникший под влиянием японского искусства, который назвал японизмом.

Японизм (от франц. Japonisme) – направление в европейском искусстве XIX столетия, сложившееся под влиянием японской цветной ксилографии Укиё-э и художественных ремёсел. Мотивы, техника и подача цвета в японском искусстве отразились на творчестве художников импрессионистов. Значительное влияние японизм оказал также на искусство стиля модерн и на кубизм.

Основными чертами японизма являются природные темы (животные, насекомые, растения), двухмерные сложные узоры на поверхностях, простая цветовая гамма.

Интерес западной публики к японскому декоративному и прикладному искусству, особенно к японской гравюре, подогревали магазины, торгующие предметами искусства, музейные выставки, международные ярмарки и, безусловно, многочисленные дискуссии в прессе. Благодаря растущему вниманию к гравюре на дереве, фарфору и другим предметам искусства из Японии, в изделиях европейских мастеров росло количество природных мотивов, включая животных, насекомых и растения. Двухмерные сложные узоры, свойственные гравюре на дереве японских художников, например, Хиросигэ, впечатлили немало западных дизайнеров того времени. Их влияние можно заметить также в извилистых линиях и природных мотивах ар нуво.

3.1. Влияние Укиё-э на творчество художников Америки и

Западной Европы

Американцев Джеймс Уистлера и Мэри Кассат привлекли сдержанность линии и яркие колористические пятна гравюр и живописи Укиё-э.

Первым среди европейских художников Дж. Уистлер испытал увлечение искусством Японии. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, радостные краски. Увлечение экзотическим Востоком он стремится передать в своих произведениях «Принцесса страны фарфора», «Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма», «Деревня».

Экспериментирование Мэри Кассат с разнообразными методами часто приводило к неожиданным результатам. Например, черпая вдохновение у японского мастера гравера, в 1891 г. Мэри Кассат выпускает серию из десяти цветных офортов в японском стиле, которые выставляются в галерее Дюран-Рюэля, включая «Умывающаяся женщина» и «Визит».

Графический стиль иллюстратора детских книг Уолтера Крейна явился отражением его интереса к искусству японской гравюры с ее линеарностью и локальным цветовым решением. Изящество четких черных контуров и нежных цветовых сочетаний, по мнению художника, абсолютно соответствовало особенностям детского восприятия. У. Крейн старался понять, что именно привлекает детей в иллюстрациях и в искусстве в целом. Он считал, что дети предпочитают видеть точные линии, четко обозначенные формы и фигуры, а также яркие насыщенные цвета. Художник придерживался мнения, что дети не обращают особого внимания на светотень и трехмерное отображение объектов. Своими иллюстрациями он стремился поражать и всячески поощрять воображение детей, используя яркие цветовые решения и четкие рисунки.

Известно, что многие постимпрессионисты черпали вдохновение в японских гравюрах. Начиная с копирования в ранний период творчества, и заканчивая постоянными отголосками и реминисценциями в самых известных работах. Пример тому картина «Портрет папаши Танги» Ван Гога и гравюры Хиросигэ.

Андо Хиросигэ – выдающийся японский график, крупнейший представитель направления Укиё-э, мастер цветной ксилографии, разработавший новый для японского искусства тип камерного, проникнутого тонким лирическим чувством пейзажа. Многие его приемы были позже взяты на вооружение европейскими импрессионистами и постимпрессионистами, а также предвосхитили авангардистскую фотографию XX века. Для передачи пространства Хиросигэ часто изображал на первом плане резко выступающую деталь, мягко трактуя при этом дальние планы; применял также линейную перспективу. Пейзажи Хиросигэ, отмеченные изысканным лиризмом образов, обычно включают в себя изображения людей, погруженных в свои повседневные дела.

Композиционные и колористические приемы, примененные Хиросигэ в этой серии, оказали огромное влияние на таких художников, как Э. Дега, Ван Гог, Джеймс Тиссо.

В творчестве Винсента Ван Гога влияние японской графики огромно. В своих трёх картинах Ван Гог копирует японские цветные гравюры, или воспроизводит их в масляной живописи. Эти работы демонстрируют желание художника проникнуть в тайны японского искусства. На основе японской гравюры пером Ван Гог, изучив 15-томную манга (собрание эскизов) Хокусая, развил свою ритмическую «точка-тире» структуру живописи, перенесённую им затем на масляную живопись.

Однако ещё и до Ван Гога импрессионисты искали в японской цветной гравюре необходимые средства изображения. Они переняли различные формы композиции, например, отдельно стоящего изображения, как бы «обрезанного» рамкой картины объекта; фигуру, стоящую на переднем плане полотна; асимметричное построение картины; экстремально углублённые вдаль диагонали; «зарешеченность» картины при помощи деревьев. Серии цветной графики Хокусая были образцом для серийных работ Поля Сезанна и Клода Моне.

Наиболее характерный прием, воспринятый из японской гравюры и непосредственно из серии Хиросигэ «Сто знаменитых видов Эдо», состоит в неожиданных срезах предметов и фигур первого плана. Это придает фрагментированность всей картине. Он применялся французскими художниками всех направлений. Известно, что Винсент Ван Гог копировал гравюры «Сливовый сад в Камэйдо» и «Ливень у моста в Охаси» из серии «Сто видов Эдо», изучая композиционные приемы и структуру японской гравюры. Подчеркивая истоки заимствования, Ван Гог обрамляет свои композиции японскими иероглифами, скопированными им с листов других серий Хиросигэ. Он создает произведения, в которых использует приемы, свойственные японской гравюре: высокую точку зрения, явное деление на два плана, кажущуюся случайность композиционного построения, фрагментарность. В использовании европейскими художниками конца XIX – начала XX века мотивов ирисов, цветущей сливы, хризантем, водопадов, в линеарности, а также в ряде других приемов изображения можно найти прямые аналогии с японской гравюрой, с произведениями Хиросигэ. Графический язык Хиросигэ уникален – он динамичен и лиричен одновременно. Композиция, линия, цвет, ритм гравюр находятся в гармонии. Знание и владение различными техниками предполагало необходимость такого же владения и мастерства со стороны печатника и резчика. В связи с этим необходимо отметить, что японская цветная гравюра создавалась особым методом, который принципиально отличался от европейской техники.

Анри де Тулуз-Лотрек блистательно переосмыслил стиль гравюры на дереве и создал собственный стиль, свободный от западных представлений о перспективе и композиции.

Художники-графики, включая Тулуз-Лотрека, особенно увлекались Укиё-э, ее же изучал Кристофер Дрессер в ходе своего путешествия по Японии, куда он отправился на закупку товаров для лондонского магазина «Либерти». Этот магазин открылся в 1875 г., там продавались ткани, украшения и предметы искусства, импортированные с Востока, в частности из Японии. Магазин также заказывал у западных дизайнеров предметы домашнего обихода в японском стиле. С 1860-х гг. Дрессер испытывал глубокий интерес к японскому искусству и прикладывал немалые усилия к его популяризации, как в Великобритании, так и в США. Увлечение Запада японским искусством и дизайном выразилось в развитии японского стиля, ставшего важным течением в западном искусстве. Оно, в свою очередь, также оказало влияние на японских художников и зрителей.

3.2. Влияние японской гравюры на творчество русских художников

Влияние японской культурной традиции на культуру России в конце XIX – начала XX вв. – яркий пример диалога культур, когда «иная» культура творчески перерабатывается, преломляется через призму собственной культурной традиции и приводит к обогащению последней, дает толчок для ее дальнейшего плодотворного развития.

«Японизмы» в русском искусстве конца XIX – начала XX вв. могут быть представлены в творчестве Я. Добужинского гравюрами «Обводный канал в Петербурге», И. Билибина, В. Борисова-Мусатова и П. Кузнецова. Приметы «японизма» в европейском варианте можно найти и в работах К. Сомова, Е. Лансере, Л. Бакста, М. Врубеля. Увлечение японской живописью послужило толчком для изучения японской театральной традиции для новатора русского театра В.Э. Мейерхольда. Для овладения вниманием зрителей, для выражения гротеска, он использовал принципы японского театра Но.

Характер японского влияния в этой сфере может быть представлен в виде стилизации, когда художники обращались к творческим приемам японцев в изображении действительности. В этом случае заимствования сводятся к приемам изображения неба, волн, подцветке контуров рисунка, декоративным качествам японской гравюры. Среди мотивов японского происхождения более значительную роль, чем все прочие, сыграла тема воды. Изображение воды, волны было связано с идеей роста, развития, перехода из одного состояния в другое, то есть с представлением о непрерывности. Многочисленные вариации волны в гравюрах Хокусая, Хиросигэ заворожили воображение художников. Волна не только появилась в «натуральном» виде у И. Билибина, но и стала важнейшей частью орнаментальных построений, что выразилось в ритмической организации пространства особняка Рябушинского в Москве, архитектора Шехтеля.

Особенно сильно влияние японской гравюры на русскую графику этого периода. Это можно проследить на примере иллюстраций художника Ивана Яковлевича Билибина.

И.Я. Билибин разработал систему графических приемов, которые дали возможность объединять иллюстрации и оформление в одном стиле, подчинив их плоскости книжной страницы. Характерные черты билибинского стиля: красота узорного рисунка, изысканная декоративность цветовых сочетаний, тонкое зрительное воплощение мира. Художник стремился к ансамблевому решению. Плоскость книжной страницы он подчеркивал контурной линией, отсутствием освещения, колористическим единством, условным делением пространства на планы и объединением различных точек зрения в композиции.

Одной из значительных работ И. Билибина были иллюстрации к «Сказке о царе Салтане» А. С. Пушкина. Между листами серии заметны различные источники стилизации. Иллюстрация с изображением Салтана, заглядывающего в светлицу, напоминает зимние пейзажи И.Я. Билибина с натуры. Сцены приема гостей, пира насыщены мотивами русского орнамента. Лист с плывущей по морю бочкой напоминает знаменитую «Волну» Хокусая.

В иллюстрациях композиция, как правило, развертывается параллельно плоскости листа. Крупные фигуры предстают в величавых застывших позах. Условное деление пространства на планы и объединение различных точек зрения в одной композиции позволяют сохранить плоскостность. Совершенно исчезает освещение, цвет становится условнее, важную роль приобретает незакрашенная поверхность бумаги, усложняется способ обозначения контурной линии, складывается строгая система штрихов и точек.

Процесс выполнения художником графического рисунка напоминал труд гравера. Набросав на бумаге эскиз, он уточнял композицию во всех деталях на кальке, а затем переводил на ватман. После этого колонковой кистью с обрезанным концом, уподобляя ее резцу, проводил по карандашному рисунку четкий проволочный контур тушью. В зрелый период творчества И. Билибин отказался от употребления пера, к которому иногда прибегал в ранних иллюстрациях. За безукоризненную твердость линии товарищи шутливо прозвали его «Иван – твердая рука».

Творчество Виктора Борисова-Мусатова было успешным опытом самостоятельной и плодотворной интерпретации новых живописных исканий европейского и русского искусства. Художник сопоставим с японскими мастерами органическим соответствием всех элементов композиции его картин друг другу, фигур и природного фона, нарядов героинь. Молчаливые, погруженные в мечтания, и почти неподвижные фигуры женщин в картине «Изумрудное ожерелье», напоминают импрессионистов и одновременно образы японского художника Утамаро. Лица женщин у В. Мусатова в «Изумрудном ожерелье» похожи друг на друга, как и лица красавиц Утамаро. Содержательность его произведений определяется не глубиной отдельных человеческих образов, а их соотношениями в образной системе картины.

Особенное значение приобрели живописные открытия В. Борисова-Мусатова для Павла Кузнецова. Работа Павла Варфоломеевича Кузнецова «Натюрморт с японской гравюрой» – открытие японского искусства. В натюрморте Кузнецов раскрывает суть не только личного опыта восприятия японского искусства, но и историю его открытия целым поколением русских художников. Для Кузнецова «Натюрморт» и гравюра Утамаро – это и предмет изображения, и предмет живописной интерпретации. Кузнецов не делал попыток в «Натюрморте с японской гравюрой» воспроизвести приемы и методы работы японских мастеров, к которым прибегали многие его современники. Не копируя гравюры Утамаро, а стараясь проникнуть в его искусство изнутри, Кузнецов дает живописное истолкование графическому произведению. Можно сказать, что творчество двух русских художников В.Э. Борисова-Мусатова и П. Кузнецова, также было посвящено поиску новых способов выразительности средств искусства. Творчество японских мастеров оказало влияние на художественные методы и приемы этих художников, в изображении человека в неразрывной связи с природой.

Яркий пример своеобразного «японизма» Георгия Богдановича Якулова – общее оформление и афиша кафе «Питтореск» (1917 г.). Главный зал кафе, и общей композицией, и деталями оформления напоминает старый японский театр. В этом легко убедиться, взглянув на японскую гравюру конца XV века, которая изображает интерьер театра.

На афише дана в рост женская фигура европейского облика и в европейской одежде, окруженная справа и слева надписью с названием, адресом и датой открытия кафе. Сравним афишу с гравюрой японского художника XV в. Судзуки Харунобу «Гейша». Трудно сказать, знал ли он о существовании этой гравюры, которую так напоминает его афиша – и постановкой фигуры, и надписями, как бы висящими в воздухе. Но это не свидетельствует о копировании или стилизации. Речь идет о сходстве художественного мышления. Сам Якулов говорил, что ему ближе восточная – символическая система, чем европейская – реалистическая. Перед русскими художниками вставала задача сохранить все обретенное на протяжении веков богатство русской культуры, и в то же время вернуть себе непосредственность восприятия и на этой основе достигнуть нового эстетического совершенства.

Заключение

Опираясь на материалы исследования, можно отметить:

1. Термин Укиё, заимствованный из буддийской философии, означает буквально «мир скорби». Мир преходящих наслаждений также стал именоваться укиё, буквально означавшим «плывущий», «проплывающий мимо». Укиё-э и означает «картинки плывущего мира».
2. Особенностью гравюры является различие по жанрам: изображение женской красоты, отражение жизни актеров театра Кабуки, картины о цветах и птицах, пейзажи, историко-героические события. Другой особенностью являются двухмерные сложные узоры на поверхностях, простая цветовая гамма, идея гармонии между небом, землей и человеком, в постижении миросозерцания и печального очарования проходящей жизни.
3. Характер японского влияния может быть представлен в виде двух основных приемов использования японской художественной традиции:

1) прием стилизации, когда художники обращались к творческим приемам японцев в изображении действительности. В этих случаях заимствования сводятся к приемам изображения неба, волн, подцветке контуров рисунка, декоративным качествам японской гравюры. Прием стилизации четко проявился в творчестве русских художников И. Билибина, А. Остроумовой-Лебедевой, М. Кассат, Я. Добужинского, У. Крейна.

2) использование японских мотивов в рамках своего собственного творчества, когда художник трансформирует японскую культуру применительно к своим задачам, интерпретируют язык японского искусства, вплетая его в ткань собственного художественного метода в творчестве В. Борисова-Мусатова, П. Кузнецова, В. Ван Гога.

Впитывая в себя западную стилизацию Востока, художники на ее основе искали и создавали свой образ Востока – образ, основанный на способности человека видеть мир непосредственно. Знакомство с японским искусством оказалось плодотворным для европейских и русских художников не только на пути создания нового пластического языка, но и послужило обогащению визуального опыта мастеров, открыло им существование другого типа творческой фантазии, возможность принципиально новых точек зрения на привычное и повседневное.

Сопоставление западных и русских мастеров с японскими графиками дает нам полное основание говорить о свободном диалоге различных культур, о соприкосновении с духовной культурой Японии в XX веке, существенно обогатившей культурный фонд, повлиявший на круг его интересов.

Литература

1. Ukiyoe-Gallery [Электронный ресурс] // Fine Japanese Woodblock Prints. - http://www.ukiyoe-gallery.com/index.htm

Японская ксилография получила распространение в Эдо (Токио). В течение XVII - XIX веков Эдо был основной резиденцией сёгунов, сюда привлекались учёные, писатели и художники, что обеспечило городу мощный экономический и культурный подъём. В 1868 году после свержения сёгуната и восстановления императорской власти столица Японии была перенесена из Киото именно в Эдо. Здесь зародилось направление изобразительного искусства, которое обозначают термином "укиё-э" (в переводе с японского - "картины меняющегося мира"). Это понятие было заимствовано из философии дзэн-буддизма, для которого важно осознание бренности человеческого бытия по сравнению с Вечностью. Поэтому в школе дзэн на первый план выдвигалось постижение жизни "здесь и сейчас". Любование мимолётными мгновениями настоящего стало неотъемлемой частью японской эстетики и одним из способов естественной близости к природе и медитации в духе дзэн-буддизма.

"... Жить лишь дарованным тебе мгновением, наслаждаться, любуясь луной, цветением вишен, осенними листьями клёнов, петь песни, пить вино и развлекаться, ничуть не заботясь о нищете, вызывающе глядящей нам в лицо, бездумно отдаваться потоку, подобно тыкве, бесстрастно влекомой течением реки. Это то, что мы называем укиё-э..." (Асаи Рёи, писатель XVII века)

Изобразительное искусство укиё-э было связано с поэзией танка и хайку (хокку), которая также стремилась в предельно простой форме передать миг настоящего и при этом вместить всё пространство и весь мир.

В чашечке цветка
Дремлет шмель. Не тронь его,
Воробей-дружок!

Цветные оттиски укиё-э были доступнее живописных свитков по стоимости и приобретались самыми разными слоями городского населения для украшения жилища. С появлением фотоаппаратов феномен укиё-э начал исчезать, поскольку фотография предстала более совершенным способом фиксации мгновения.

В японской ксилографии существовало разделение на жанры:
КАТЁ-ГА - изображения цветов и птиц
ФУКЭЙ-ГА - природные пейзажи и городские виды
БИДЗИН-ГА - изображения красивых людей
ЯКУСЯ-Э - портреты популярных актёров театра кабуки
МУСЯ-Э - изображения знаменитых самураев
СЮН-ГА ("весенние картинки") - эротические гравюры

КАТЁ-ГА
Практически все виды садовых цветов проникли в Японию из Китая, включая хризантему (по-японски "кику" - "цветок солнца"), которая вскоре стала национальным цветком страны. Названия оттенков японских хризантем носили поэтический характер: "утренняя заря", "вечерний заход солнца", "северный ливень", "туманное утро", "львиная грива", "блеск меча"".
В 1496 году в Киото вышла книга с ботаническим описанием более 10 разновидностей хризантем, резко отличавшихся друг от друга по форме цветка и окраске. Цветной печати в то время ещё не было, поэтому оттенки сортов описывали словами. С повлением цветной гравюры начали выходить многотомные альбомы-сборники, в которых на первый план выходил не описательный, а художественно-изобразительный аспект.
В XVIII веке в Киото на "улице художников" Сидзё была основана школа японской классической натуралистической живописи Маруяма-Сидзё. Её основатель, художник Маруяма Окё объединил натурализм, светотень и перспективу западной школы с традиционными восточными техниками изображения.

Одним из учеников Маруяма-Сидзё стал Коно Байрэй - прославленный мастер катё-га. Он создал огромное количество станковых гравюр, несколько книг и альбомов. Особое место в его творчестве занимает "Альбом птиц и цветов" (1883), в котором художник изображает птиц и цветы в определённое время года. Гравюры выходили как отдельными изданиями, так и комбинировались блоками: весна-лето, осень-зима. Альбом с гравюрами "Сто птиц" выдержал три издания в 1891, 1892 и 1896 годах. Альбом "Сто цветущих растений" впервые был издан посмертно в 1901 году.

БИДЗИН-ГА
С развитием крупных городских центров Эдо и Осаки на свитках и ширмах появляются сцены с традиционными праздниками и развлечениями горожан. Центральными персонажами этих картин становятся молодые столичные модницы и щёголи в броских нарядах. Большое распространение получили портреты куртизанок, которые служили рекламой для "весёлого" квартала Ёсивара. Несмотря на рекламный характер, бидзин-га редко позволяли оценить истинный облик конкретной красавицы. Скорее это был собирательный портрет, отражающий веяния моды в костюме, гриме и причёске.

Затянут узкий пояс.
От взора юной красавицы
Сквозит холодком.
Признанным мастером жанра считается Китагава Утамаро. Женский образ в его работах подвергался усиленной типизации. Идеалом женской красоты в произведениях мастера становятся вытянутые овал лица и пропорции тела, традиционная высокая причёска, глаза, очерченные минимальным количеством штрихов, тонкие линии губ и прямой нос. При этом для изображения одной детали Утамаро мог употреблять несколько десятков досок! Благодаря постоянным поискам мастера, палитра укиё-э обогатилась множеством нюансных тонов. Так, например, художник впервые стал смешивать золотой и серебряный порошок для достижения эффекта мерцания фона.

На гравюре изображены три красавицы Эдо - Нанбая О-Кита, Такасима О-Хиса и Томимото Тоёхина. О-Кита работала официанткой в чайном доме, который располагался перед воротами Дзуйсинмон в Асакуса, Тоёхина была гейшей в Ёсивара. Такасима О-Хиса (рисунок справа) происходила из богатой семьи, она была дочерью владельца нескольких чайных домов в районе Рёгоку Ягэнбори. В книге "Мидзутяя хякунин иссё" (1793), где сравнивались сто девушек из чайных домов, О-Кита была на 16-м, а О-Хиса на 17 месте.

Соревнование в аранжировке цветов между Такасимой О-Хисой и О-Китой

Созданный Утамаро идеал женской красоты вдохновлял как современников, так и более молодых художников. Среди последователей мастера стоит упомянуть Эйсё Тёкасая . Наиболее значимая серия его гравюр - "Состязание красавиц весёлых кварталов" - демонстрирует постепенное усложнение жанра: развитие многофигурных композиций и наполнение портретов многочисленными деталями.

Утагава Кунисада

Тоёхара Кунитика , ученик Утагавы Кунисады, изображает куртизанок высшего ранга, отличительным умением которых было создание впечатления роскоши и неприступности. Таю (так их называли в Осаке и Киото) и ойран (в Эдо) мастерили очень сложные причёски с большим количеством украшений, надевали кимоно в три и более слоёв с длинным шлейфом и огромным декоративным бантом спереди. В работах Кунитики композиция становится сложной и многослойной, подобно одеяниям и прическам гейш, пронзёнными десятками шпилек - "канзаси".
"Три знаменитые куртизанки"

МУСЯ-Э
На протяжении многих тысячелетий история Японии - это история непримиримых межклановых войн и борьбы за власть между сёгунами. Согласно легендарным "Записям о делах древности" (708 г.) и "Анналам Японии" (720 г.), императоры являются прямыми потомками богини солнца Аматэрасу. Династия не прерывалась с VI века до н.э.до нынешнего правящего императора Акихито. С XII века родовым гербом ("мон") является 16-листная хризантема.
Чтобы удержать власть, императорский род заключал союзы с другими крупными кланами. Вследствие этого, в 1192 году Минамото Ёритомо стал первым военным правителем страны - сёгуном. Титул появился как сокращение от временного звания сэйи-тайсёгун ("главнокомандующий"). В отличие от императора, его фигура не была сакральной, однако он стал фактическим главой правительства - бакуфу.
Самураи ("буси") - не просто воины, но чиновники, а также телохранители и слуги своего сюзерена. "Золотой век" для самураев наступил в эпоху Эдо, когда они получили множество привилегий. И было разрешено носить два меча, большой и малый, тогда как остальные могли носить только один малый меч. Токугава Иэясу назвал меч "душой" самурая. Он являлся фамильным достоянием и сакральным предметом.
Каждый самурай развивал силу духа с помощью практики дзэн-буддизма, руководствуясь сводом этических правил и норм поведения в обществе и дома - Бусидо или "Путь воина".
В 1868 году власть императора была восстановлена. Началась стремительная модернизация страны по образцу Англии и США, в 1873 году в самурайские войска были распущены. В 1876 году вышел закон, запрещавший ношение мечей и упразднивший само сословие.

Летние травы
Там, где исчезли герои,
Как сновиденье.
(Мацуо Басё)

Утагава Ёсикацу
Такэда Сингэн (серия "Знаменитые полководцы нашей страны")
Утагава Куниёси
Ямамото Кансукэ (Харуюки) в битве при Каванакадзима (серия "Отважные полководцы провинции Каи и Этиго - 24 полководца клана Такэда")

Такэда Сама-но-сукэ Нобусигэ (серия "Сто отважных полководцев битвы при Каванакадзима в провинции Синано")

ФУКЭЙ-ГА

Хокусай (1760 - 1849)
Выдающийся мастер ксилографии, по его собственным дневниковым признаниям, до 70 лет не создал ничего значительного и только позже начал непрерывно развиваться. На протяжении своей долгой жизни он использовал не менее 30 псевдонимов, существенно превзойдя в этом отношении других авторов. Сейчас эти псевдонимы рассматриваются исследователями для периодизации этапов творчества мастера. В 1800 году, в возрасте 41 года, он стал называть себя Гакэдзин Хокусай - "Одержимый рисунком Хокусай".
Художник обращался к различным жанрам ксилографии: среди них портреты актёров, поздравительные открытки "суримоно", манга. Но именно в пейзажном жанре "фукэй-га" соединились все находки мастера. Классический дальневосточный пейзаж игнорировал реальный облик объекта, стремясь посредством природных форм воплотить философские идеи бытия, в то время как у Хокусая он всегда связан с конкретной местностью, топографические особенности которой нередко уточняются с помощью надписей. Также он впервые соединил в гармоничном единстве законы перспективного построения пространства и линеарный ритм укиё-э, пейзажные виды и бытовые мотивы, активно встраивая жизнь людей в единый вселенский порядок.

Хокусай создал свою самую известную серию работ в зрелый период творчества с 1823 по 1831 годы. Серия имела такой небывалый успех, что издатель Нисимура Ёхати вскоре анонсировал планы по её расширению до 100 гравюр. Однако свет увидели только 10 новых работ в 1831 - 32 гг.
В первых 36 видах священная гора Фудзи изображена со стороны Эдо, поэтому эти гравюры называются "омотэ Фудзи" ("Фудзи с лицевой стороны"). Вопреки сложившейся традиции, изначальные контуры работ отпечатаны не черным цветом, а синим - индиго, что усиливает контраст холодных и тёплых тонов неба, воды и горного камня. На последующих 10 гравюрах изображение представлено преимущественно с западной стороны, поэтому они называются "ура Фудзи" ("Фудзи с обратной стороны").

Тихо, тихо ползи,
Улитка, по склону Фудзи
Вверх, до самых высот!
(Кобаяси Исса)

1. "Большая волна в Канагаве"

Хиросигэ (1787 - 1858)
Андо Хиросигэ - самый успешный последователь Хокусая. В знак почтения к творчеству учителя Хиросигэ создал после его смерти одноимённую серию "36 видов горы Фудзи". Хиросигэ активно совершенствовал технические приёмы ксилографии. Отличительными чертами его гравюр стало использование тиснения и метода градации цветовых тонов, "бокаси", для передачи тумана, сумерек или леса за пеленой дождя.
Родившись и большую половину жизни прожив в Эдо, мастер практически пятую часть из всех созданных листов посвятил видам родного города. Последняя серия работ носила название "100 известных видов Эдо" и была выполнена мастером в период, когда он уже удалился от мира в буддийский монастырь в 1856 году.
Хиросигэ много путешествовал по Японии и создал несколько альбомов зарисовок с видами провинций.

Серия "53 станции Токайдо"
Токайдо или "Путь восточного моря" - одна из главных дорог Японии протяжённостью около 514 км соединяла столицу сёгуната Эдо с императорским городом Киото и далее с Осакой. Ни один из сюжетов, за исключением Фудзи, не был так популярен, как изображение этого древнего тракта. Хиросигэ преодолел его в 1832 году в составе торжественной процессии, направлявшейся в Киото с подарками императору. Серия состоит из 55 гравюр, т.к. к 53 станциям добавлены виды Эдо и Киото.

Переносной очаг.
Так, сердце странствий, и для тебя
Нет покоя нигде.
(Мацуо Басё)

15 станция - Камбара

ФУДЗОКУ-ГА
Фудзоку-га ("картины нравов и обычаев") в западной традиции принято называть бытовым жанром. Оживлённые пристани, торговые и ремесленные районы изображались в разное время суток в разные сезоны. Первые 10 листов своей серии "36 видов Фудзи", а также позднюю серию "100 знаменитых видов Эдо" Хиросигэ посвятил видам восточной столицы и её жителям.

С треском шелка разрывают
В лавке Этигоя...
Летнее время настало!
(Такараи Кикаку)

Хиросигэ "Вечерний вид Сарувакачо" (серия "100 знаменитых видов Эдо и его окрестностей")

Хиросигэ "Район Суруга в Эдо" (серия "36 видов горы Фудзи")

Хиросигэ "Цветение сакуры в Асукаяма в Эдо" (серия "36 видов горы Фудзи")

Хиросигэ "Зимний вид со стороны Сукиягаси в Эдо" (серия "36 видов горы Фудзи")

Городские пейзажи в рисунках мастеров укиё-э подчёркнуто реалистичны, впрочем нередко в них встречаются мотивы мистики и народных поверий. Например, изображение огненных лисиц, которые, согласно легенде, владеют волшебством и служат синтоистской богине Инари, а также собираются стаей в новогоднюю ночь под деревом эноки.
Андо Хиросигэ "Лисьи огни" у Железного дерева переодеваний в Одзи" (серия "100 знаменитых видов Эдо и его окрестностей")

Встречаются и просто юмористические сюжеты. У Хиросигэ для таких листов был даже отдельный псевдоним - "Хиросигэ с игривой кистью". Работы самого Хиросигэ стали предметом иронии его же ученика Утагавы Хирокагэ . Его серия "Комические виды знаменитых мест в Эдо" напрямую отсылает к знаменитой серии учителя, с той лишь раздницей, что в ней городские жители попадают во всевозможные неловкие ситуации, чем вызывают смех у зрителя.

ЯКУСЯ-Э

Слово "кабуки" складывается из трёх иероглифов "песня", "танец" и "мастерство", это один из видов традиционного театра Японии, который представляет собой сложный синтез пения, музыки, танца и драмы.
В отличие от аристократического театра НО, кабуки считается искусством для горожан и простого народа. Театр, в котором все женские роли исполняются исключительно мужчинами, был создан женщиной. Основательницей кабуки считается легендарная храмовая танцовщица Идзумо-но Окуни, которая впервые начала показывать ритуальные танцы под аккомпанимент музыкальных инструментов за пределами святилища. В 1629 году правительство третьего сёгуната Иэмицу запретило любые представления с участием женщин, как подрывающие моральные устои общества.
В кабуки все элементы, начиная с грима актёров, костюмов, заканчивая позами, несут большую смысловую нагрузку. Пьеса гораздо длиннее, чем европейские постановки: отдельные представления могут длиться весь день! Декорации постановок часто меняются в середине акта: их меняют рабочие, облачённые в черные костюмы, что означает их "невидимость".
Кабуки имеет тесную взаимосвязь с традиционным кукольным театром бунраку. Куклы изготавливаются в размере 1/2 и 2/3 человеческого роста и управляются тремя операторами. Практически все части тела куклы очень подвижны, включая голову, у которой моргают и двигаются глаза, шевелятся брови и губы, высовывается язык. Две самые известные пьесы японского театра - "47 верных ронинов" и "Ёсицунэ и тысяча ветвей сакуры" - изначально были написаны для бунраку и лишь затем адаптированы для театра кабуки.

Утагава Кунисада
Сцены театра Кабуки

Появление и развитие укиё-э

Одним из самых известных видов японского искусства является гравюра, получившая название укиё-э (浮世絵). Дословно «укиё-э» переводится как «плывущий мир», что отсылает нас к буддийской философии, в которой словом «укиё» обозначался «бренный мир». Но с появлением в эпоху Эдо «веселых кварталов» (публичных домов), понятие было переосмыслено и стало обозначать «мир мимолётных явлений». Впервые слово «укиё-э» было упомянуто писателем Асай Рёи в 1661 г.

Стиль укиё-э относится с ксилографии, печатной графике на дереве или оттиске на бумаге. Создателем укиё-э считается живописец и график Хисикава Моронобу (菱川 師宣).

Предшественниками укиё-э стали эхон (絵本) – сборники рассказов с сопровождающими их картинками. Затем гравюры обрели самостоятельность и использовались в качестве афиш к постановкам театра кабуки или свитков с изречениями какэмоно (掛け物), помещаемых в нишах токонома (床の間), своеобразных домашних святилищах.

Первоначально картины укиё-э возникли в конце 17 века. Первые гравюры были черно-белыми, так как для их создания использовалась тушь, а с 18 века картинки стали цветными, так как мастера начали раскрашивать их киноварью вручную, используя кисть. Затем появилась техника полихромной печати, получившая название нисики-э (錦絵) — «парчовые картинки».

Гравюры были очень дешёвыми, так как техника была достаточно проста и позволяла выпускать большие «тиражи», и предназначались для широких слоёв, в основном, городского населения. И лишь когда европейцы начали массово скупать картины, японцы поняли всю ценность этих произведений, и им пришлось выкупать картины производства своей же страны у иноземцев. Из-за того, что оттиском можно было создать не одну сотню одинаковых картин, можно увидеть одну и ту же работу в нескольких точках земного шара, и все они будут подлинными.

Так как основными потребителями картин были горожане, сюжеты отражали типичный образ жизни японского города: прекрасные дамы, ежедневные бытовые ситуации, сумоисты, актёры театра кабуки, сюжеты легенд. Позже стали изображаться пейзажи и военная тематика. Соответственно, картины укиё-э являются не только произведениями искусства, но и важными историческими источниками, из которых мы можем узнать многое о жизни эпохи Эдо.

Гравюры предназначались для того, чтобы любоваться ими в горизонтальном положении, поэтому их не вешали на стену, кроме какэмоно. Из-за этого некоторые произведения имеют свой «секрет». Например, кимоно героя могло быть с рисунком, который возможно было разглядеть, только когда картина лежала горизонтально или при взгляде на неё снизу, если она висела на стене.

Техника выполнения

Для создания японской гравюры требовалось три человека: художник, резчик и печатник. Качество и красота работы зависели от всех трёх мастеров. Первый тушью наносил прототип картины на прозрачную бумагу, резчик приклеивал его на деревянную дощечку из вишни, груши или самшита и вырезал области, оставшиеся белыми. Это была первая печатная форма, а рисунок фактически уничтожался. Затем делалось несколько оттисков с разными цветами (для каждого цвета или тона своя форма), и печатник, заранее обговорив с художником цветовую гамму, наносил на набор форм краску и печатал гравюру на рисовой бумаге.

Основные жанры

Бидзин-га (美人が) - изображение красавиц. Как понятно из названия, основным предметом изображения этого жанра являлись прекрасные женщины. Чаще всего на гравюрах можно было увидеть обитательниц весёлого квартала Ёсивара: гейш, куртизанок и просто известных прекрасных женщин. Типичная красавица тех времён имела овальную форму лица, изогнутую шею и маленький рот. Сюжеты, в которых фигурировали красавицы, были повседневными: чайная церемония, туалет, прогулки, игры. В этом жанре возник стиль окуби-э (お首絵) — «большие головы», где изображалась крупным планом голова девушки.

Мастера: Судзуки Харунобу, Тории Киёнага, Китагава Утамаро.

Якуся-э (役者絵)- портреты популярных актёров театра. Художник должен был придерживаться определённых строгих правил в изображении: например, косые глаза, собранные в кучу, обозначали гнев; если герой закусывал платок, то это показывало безудержную страсть, а волосатость отсылала к дикости и животной необузданности. Гравюры якуся-э имеют интересную особенность: на головах героев можно заметить фиолетовое пятно. На самом деле, это пятно обозначало шапочку, символизирующую высоко выбритый лоб, как у всех мужчин Эдо, которую надевали на голову актёры, изображающие женщин (а как известно, в кабуки все роли, в том числе женские, изображали мужчины).

Мастера: Тории Киёнобу, Кацукава Сюнсё, Тосюсай Сяраку, Утагава Тоёкуни.

Сюнга (春画 «весенние картинки») - эротические гравюры.

При слове «укиё-э» у японца, прежде всего, всплывает в голове образ картины в жанре сюнга, а затем уже и всех остальных. Сюнга представляет собой жанр, в котором изображались очень откровенные интимные сцены с преувеличенными анатомическими подробностями, шокирующие европейцев, воспитанных в строгих христианских обычаях. Но шок сменился популярностью — на Западе таких изображений быть никогда не могло, и иностранцы скупали их очень активно.

Опять же не обо всем сразу, а конкретно о гравюрах укиё-э . Красивое слово, а что оно означает-то? Почитаем специальные сайты. Например, энциклопедия Японии от, А до Я
— и узнаем, что:

Техника ксилографии, или печать с деревянных досок , появилась в Японии еще в период Хэйан (794−1185) вместе с приходом буддизма. Начало ХVII в. характеризуется появлением иллюстрированных ксилографических книг, издававшихся массовыми тиражами. В этих изданиях текст и иллюстрации печатались черным цветом.

Первые станковые гравюры были также черно-белыми, потом их начали слегка подкрашивать от руки киноварью (тан-э), позднее гравюры подкрашивались тёмно-красной краской (бэни-э) или оттенялись черной плотной краской, что создавало эффект покрытия черным лаком (уруси-э).

Первые оттиски с использованием красного цвета (бэнидзури-э) появились в середине XVIII в. Постепенно число досок для цветной печати увеличивалось, и в 1765 г. появились первые многоцветные гравюры, получившие название «парчовые картины» (нисики-э).

Укиё-э (что в буквальном переводе с японского обозначает «картины бренного мира») вобрало в себя философскую созерцательность и эмоциональную полноту любования полнотой бренного существования.

В техническом отношении искусство укиё-э — сложный процесс, требующий высочайшего профессионализма на всех стадиях исполнения. Конечный результат работы зависел не только от мастерства художников, рисовавших эскизы, но и от виртуозного умения граверов и печатников. Для создания многоцветного изображения требовалось награвировать от двух-трех до восьми досок. Печать выполнялась вручную, что позволяло создать живописный эффект полутонов. Доски раскрашивали от руки, лощили, задували золотым или серебряным порошком.

Японская гравюра стала синонимом изысканности и хорошего вкуса. В конце XIX века гравюры укиё-э приобрели популярность во всем мире, их коллекционировали Уистлер, Мане, Дега, Гонкур, Золя. В Петербурге первая выставка гравюр укиё-э прошла в 1898 г. Богатые коллекции таких гравюр существуют в Государственном Эрмитаже и Кунсткамере.

Слово «укиё» в древности обозначало одну из буддийских категорий и могло переводиться как «бренный изменчивый мир». В конце ХVII в. укиё стало обозначать мир земных радостей и наслаждений. Укиё-э — картины повседневной жизни городского сословия периода Эдо.

Возникшая в XVII в. в среде набиравшего силу третьего сословия, менее скованная канонами, чем живопись, гравюра была наиболее массовым и доступным для горожан видом искусства. Темами для гравюр укиё-э зачастую являлись сюжеты жанровых рассказов укиё-дзоси, пьес театра Кабуки, классической и современной поэзии.
В процессе создания гравюры укиё-э участвовали художник, резчик и печатник. Важную роль играл издатель, изучавший спрос и определявший тираж. Зачастую именно он задавал тему гравюры и влиял на характер издания.

Процесс создания гравюры выглядел следующим образом. Художник делал контурный рисунок тушью на тонкой, прозрачной бумаге. Гравер , наклеив рисунок лицевой стороной на доску из вишни, груши или самшита, вырезал первую печатную форму. Затем делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник , обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру.

Коллективный метод работы художника, резчика и печатника, узкая специализация мастеров, цеховая организация процесса обусловили своеобразие японской ксилографии.

Основателем направления считается Моронобу Хисикава, Китибэ (около 1618 — около 1694; по другим источникам 1625 — около 1694, 1638−1714 гг.), японский живописец и график. Жил в Эдо. Ещё крупнейшими представителями укиё-э были Кацусика Хокусай, который известен также как основатель пейзажного жанра в японской гравюре, Андо Хиросигэ (1797−1858 гг.) — один из крупнейших японских графиков.
Хиросигэ родился в Эдо в семье мелкого самурая Андо Гэнэмона. Благодаря раннему обучению иероглифической письменности Токутаро (первое детское имя художника) также хорошо разбирался в свойствах бумаги, кисти и туши — основных материалов восточной живописи.

Первая картина «Гора Фудзи в снегу», сохранившаяся до наших дней (Музей Сантори, Токио), написана художником в десятилетнем возрасте. Ему было четырнадцать лет, когда он стал учеником Тоёхиро , основателя школы Утагава . В основе ранних работ Хиросигэ — реальные события, сценки, подсмотренные на улицах.

Второй этап творчества ознаменован появлением пейзажных гравюр. Первую выпущенную в 1825 г. серию «Восемь видов Оми», посвященную красоте озера Бива, расположенного в провинции Оми, Хиросигэ изображает, не покидая Эдо. Следующая серия «Десять видов Восточной столицы», выпущенная через два года, посвящена родному городу художника — Эдо.

Затем художник полностью сосредотачивает свое внимание на пейзажах и сериях жанра катёга («цветы и птицы»). Одним из наиболее известных является лист «Воробьи над покрытой снегом камелией» из серии в 25 гравюр.

В августе 1832 г. художник проходит всю восточно-приморскую дорогу — Токайдо. Результатом путешествия явилась выпущенная им большая серия пейзажных гравюр «Пятьдесят три станции дороги Токайдо», положившая начало расцвету его творчества.
Следующий период творчества Хиросигэ во многом отличен от предыдущего. Он часто меняет место жительства, совершает неоднократные, довольно длительные путешествия по стране, но при этом совсем не создает больших пейзажных серий. Большую часть времени он посвящает иллюстрированию книг с сатирическими стихами.

В последнее десятилетие своей жизни художник не расстается с любимыми темами пейзажей Токайдо и Эдо, изображая их на отдельных гравюрах, веерах, в книгах. Хиросигэ создает серию «Тридцать шесть видов горы Фудзи». В эти же годы художник обращается к изображению причудливых скал, пещер, водопадов, ущелий и переправ через них. Своей последней пейзажной серии, состоящей из трех триптихов, Хиросигэ дал старое поэтическое наименование «Снег, луна, цветы». В течение трех последних лет жизни Хиросигэ постепенно выходили гравюры его самой большой серии — «Сто видов Эдо».

Пейзажи Хиросигэ наряду с произведениями Хокусая сделали гравюру укиё-э ведущим видом искусства первой половины ХIХ в.

Много работ Хиросигэ и Хокусая, а также других разных авторов можно помотреть на сайте Ukiyoe Japanese Prints Но будьте осторожны — там 9 галерей картин по 500 в каждой. Можно засидеться надолго!