Strana glazbena literatura 4. izdanje. T

Osnove glazbene literature stranih zemalja dodatak su postojećim udžbenicima glazbene literature. Sadržaj udžbenika odgovara nastavnom planu i programu predmeta PO.02.UP.03. “Glazbena literatura” dopunskih predškolskih programa općeg obrazovanja u području glazbene umjetnosti “Klavir”, “Gudački instrumenti”, “Puhački instrumenti i udaraljke”, “Narodni instrumenti”, “Zborsko pjevanje”, prema preporuci Ministarstva kulture. Ruske Federacije.

Temeljne napomene o glazbenoj literaturi namijenjene su razvoju humanitarnog obrazovanja i posebnih kompetencija učenika, a posebice: “...formirati glazbeno mišljenje, vještine percepcije i analize glazbenih djela, stjecati znanja o zakonitostima glazbenog oblika, specifičnostima glazbenog jezika, izražajnim sredstvima glazbe” 1 .

U udžbeniku se stvaralaštvo skladatelja prikazuje u kontekstu kulturnih i povijesnih razdoblja te se proučava u uskoj vezi s povijesnim događajima i srodnim umjetnostima. Građa bilježaka predstavlja glavne teze istraživanja povijesti glazbe i glazbene literature V. N. Bryanceve, V. S. Galatske, L. V. Kirillina, V. D. Konena, T. N. Livanova, I. D. Prokhorova i drugih poznatih muzikologa, općeniti i sažeti nastavni materijal u obliku tablica, dijagrama i vizualnih potpora. Vizualni nosači (reprodukcije slika poznatih umjetnika, portreti skladatelja, njihovih rođaka i prijatelja, istaknutih kulturnih i umjetničkih ličnosti, povijesnih ličnosti i dr.) ne samo da prate i nadopunjuju verbalne informacije, već su i nositelji informacija u području likovne umjetnosti. , izravno su povezani s razdobljima i trendovima u glazbi, djelima skladatelja, odražavaju povijest, kulturu i umjetnost europskih zemalja.

Sadržaj popratnih bilješki sastoji se od četiri dijela, koji su pak podijeljeni na teme koje pokrivaju razdoblja razvoja europske glazbe od glazbene kulture stare Grčke do djela romantičarskih skladatelja 19. stoljeća. Dakle, prvi dio ispituje glazbenu kulturu antičke Grčke, srednjeg vijeka i renesanse. U drugom dijelu proučava se doba baroka, djelo J. S. Bacha i G. F. Handela. Treća cjelina posvećena je dobu klasicizma, gdje je naglasak na djelu bečkih klasika - J. Haydna, W. A. ​​Mozarta i L. Beethovena. Četvrta cjelina donosi građu o dobu romantizma, stvaralaštvu F. Schuberta i F. Chopina, te daje kratak pregled stvaralaštva romantičarskih skladatelja 19. stoljeća F. Mendelssohna, F. Liszta, R. Schumanna, G. Berlioz, D. Verdi, R. Wagner, I. Brahms, J. Bizet.

Priručnik sadrži i rječnike značenja, izraza i pojmova koji se nalaze u tekstu, kratku analizu i glazbene primjere djela koja se proučavaju.

Uz strogu prezentaciju gradiva u tablicama i dijagramima, priručnik uključuje zanimljivosti iz života skladatelja, prikazane u obliku pripovijesti i popraćene živopisnim likovnim ilustracijama, koje osvježavaju percepciju i pozornost djece.

Osnove glazbene literature stranih zemalja namijenjene su učenicima dječjih umjetničkih škola, dječjih glazbenih škola druge i treće godine studija (5. i 6. razred), koji se školuju u dodatnim predškolskim programima općeg obrazovanja u području glazbene umjetnosti. . Učitelji glazbeno-teorijskih i posebnih disciplina dječjih glazbenih škola i dječjih umjetničkih škola mogu koristiti udžbenik pri proučavanju novog gradiva, ponavljanju i sistematiziranju obrađenih tema, pripremama za srednju i završnu certifikaciju učenika, pripremama za glazbeno-teorijske olimpijade, samostalnom radu učenika, grupna i individualna obuka, djelomično pri provođenju dodatnih programa općeg razvoja u području glazbene umjetnosti, u kulturno-prosvjetnoj djelatnosti.

Uz pomoćne bilješke priložena je radna bilježnica koja je namijenjena za korištenje u nastavi u razredu.

U nastavku se nalaze fragmenti priručnika “Osnovne napomene o glazbenoj literaturi stranih zemalja.”

U vezi s kupnjom priručnika Tatyane Guryevne Savelyeve "Osnovne napomene o glazbenoj literaturi stranih zemalja", obratite se autoru na [e-mail zaštićen]

_____________________________________________

1 Ogledni program za nastavni predmet PO.02. UP.03. Glazbena literatura. - Moskva 2012

______________________________________________________

OD SASTAVLJAČA
Ova je knjiga udžbenik o glazbenoj literaturi toga povijesnoga razdoblja, koje počinje s posljednjim desetljećima 19. stoljeća. Ovo je prvi put da se takav udžbenik pojavljuje: peto izdanje završava, kao što je poznato, djelima K-Debussyja i M. Ravela.
U knjizi su sadržane karakteristike različitih nacionalnih glazbenih škola koje su odredile njenu cjelokupnu strukturu. Prvi odjeljak karakterizira opće procese koji su se na svoj način provodili u glazbenoj umjetnosti različitih zemalja iu stvaralaštvu skladatelja različitih pojedinaca. Svaki sljedeći dio sastoji se od pregleda glazbene kulture pojedine zemlje, kao i monografskog dijela posvećenog stvaralaštvu najznačajnijih skladatelja ove škole. Samo se dio posvećen djelu I. Stravinskog razlikuje po svojoj strukturi: ne sadrži uvodni prikaz. I to je razumljivo: uostalom, budući da je veći dio života zbog posebnih okolnosti proveo izvan Rusije, Stravinski je ostao ruski majstor i nije pripadao nijednoj stranoj školi. Odlučujući utjecaj njegovih stvaralačkih načela na gotovo sve vodeće glazbenike našeg stoljeća ne dopušta da se Stravinski ukloni iz opće slike razvoja glazbene umjetnosti 20. stoljeća. Uvrštavanje ovog monografskog poglavlja u udžbenik strane glazbene literature posljedica je i posebnosti obrazovnih programa u školi: u vrijeme kada su proučavali stranu glazbu 20. stoljeća učenici uopće nisu bili upoznati ni s osobnošću ni s glazba I. Stravinskog. Oni će se ovoj stranici glazbene umjetnosti okrenuti tek na kraju IV tečaja, gdje se razmatra samo prvo, rusko razdoblje skladateljeva rada.

Pozornost sastavljača i autora udžbenika usmjerena je kako na prikaz općih glazbenih i povijesnih procesa promatranog razdoblja, tako i na analizu najistaknutijih djela koja su postala klasici našeg stoljeća. Zbog iznimne složenosti zbivanja u glazbenoj umjetnosti 20. stoljeća, njihove kontradiktornosti, međusobnih presijecanja i brze izmjene, pregledna su poglavlja u ovoj knjizi zauzela znatno veće mjesto nego u prethodnim izdanjima. Ipak, u skladu s metodološkim načelima predmeta, sastavljači su nastojali zadržati fokus na analizama glazbenih djela, kojima se u ovom slučaju želi otkriti raznolikost kreativnih metoda, načina mišljenja, različitosti stilskih rješenja i mnogostrukost kompozicijske tehnike majstora našeg stoljeća.

Budući da knjiga pruža široku panoramu glazbene umjetnosti, a analiza je u mnogim slučajevima vrlo složena (što je umnogome predodređeno samom građom), sastavljači smatraju mogućim ovaj udžbenik uputiti i studentima ne samo izvođačke umjetnosti. , ali i teoretskih odjela glazbenih škola. Sadržaj knjige omogućuje selektivan pristup u odgojno-obrazovnom procesu; Dubinu i detaljnost proučavanja poglavlja određuju sami nastavnici, ovisno o stupnju pripremljenosti učenika, materijalnoj opremljenosti obrazovnog procesa notama i snimkama glazbe te broju sati predviđenih nastavnim planom i programom za ovaj dio tečaja.
Na ovoj knjizi radio je veliki tim autora. Otuda neizbježnost različitih načina prezentiranja gradiva; pritom su u samom pristupu sastavljači nastojali očuvati jedinstvena metodološka načela.

SADRŽAJ
Od sastavljača
Putovi razvoja strane glazbene umjetnosti 20. stoljeća.
Glazbena kultura Austrije
GUSTAV MAHLER
Vokalna kreativnost. "Pjesme šegrta lutalice"
Simfonijsko stvaralaštvo. Prva simfonija
ARNOLD SCHOENBERG
Životni i stvaralački put
"Preživjeli iz Varšave"
ALBAN BERG
Životni i stvaralački put
Glazbena drama "Wozzeck"
Koncert za violinu i orkestar
ANTON WEBERN.
Životni i stvaralački put
Glazbena kultura Njemačke
RICHARD STRAUSS
Životni i stvaralački put
Simfonijsko stvaralaštvo. Simfonijske poeme "Don Juan" i "Till Eulenspiegel"
PAUL HINDEMITH
Životni i stvaralački put
Simfonijsko stvaralaštvo. Simfonija "Umjetnik Mathis".
CARL ORF
Životni i stvaralački put
Glavni žanrovi djela Carla Orffa i njihove značajke.
Opera "Pametna djevojka"
"Carmina Burana"
IGOR STRAVINSKI
Životni i stvaralački put
"Simfonija psalama"
Opera "Car Edip"
Glazbena kultura Francuske.
ARTHUR HONEGGER
Životni i stvaralački put
Kazališno i oratorijsko stvaralaštvo. Oratorij “Ivana Orleanska na lomači”
Simfonijsko stvaralaštvo. Treća simfonija ("Liturgijska")
DARIUS MILLO
Životni i stvaralački put
Vokalno-instrumentalno, kreativnost. "Vatreni dvorac"
FRANJO POULENC
Životni i stvaralački put
Opera "Ljudski glas"
Glazbena kultura Španjolske
MANUEL DE FALLA
Životni i stvaralački put
Balet "Ljubav čarobnica"
Opera "Kratki život"

Fonoteka Drago nam je da ste u našoj fonoteci pronašli i preuzeli materijale koji vas zanimaju. Knjižnica se stalno nadopunjuje novim djelima i materijalima, a sljedeći put ćete sigurno pronaći nešto novo i zanimljivo za vas. Knjižnica projekta sastavljena je na temelju nastavnog plana i programa, kao i materijala preporučenih za obuku i širenje vidika učenika. Ovdje će i učenici i profesori pronaći korisne informacije jer... Knjižnica sadrži i metodičku literaturu. Naši ljubimci Skladatelji i izvođači Suvremeni umjetnici Ovdje ćete pronaći i biografije istaknutih umjetnika, skladatelja, poznatih glazbenika, kao i njihova djela. U rubrici rad objavljujemo snimke izvedbi koje će vam pomoći u učenju; čut ćete kako ovo djelo zvuči, naglaske i nijanse djela. Čekamo vas na classON.ru. V.N. Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 – 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 – 1791 Franz Schubert 1797 – 1828 www.classon.ru Joseph Haydn 1732 – 1809 Ludwig van Beethoven 1770 – 1827 Fryderyk Chopin 1810 – 1 949 Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji Informacije o tome postaje sve obilnije od otprilike 10. stoljeća pr. Razvija se likovna umjetnost - umjetnici prikazuju glazbenike koji pjevanjem i sviranjem na instrumentima prate vjerske obrede, vojne pohode, lov, svečane procesije i plesove. Takve su slike sačuvane posebno na zidovima hramova i keramičkim vazama pronađenim tijekom iskapanja. Pojavljuje se pisanje - a autori rukopisa pjesmama i himnama dodaju poetične tekstove i daju zanimljive podatke o glazbenom životu. S vremenom pisci veliku pozornost posvećuju filozofskim raspravama o glazbi, njezinoj važnoj društvenoj, pa tako i obrazovnoj ulozi, kao i teoretskom proučavanju elemenata njezina jezika. Većina tih podataka sačuvana je o glazbi u nekim zemljama starog svijeta, primjerice u staroj Kini, staroj Indiji, starom Egiptu, a posebno u takozvanim drevnim zemljama - staroj Grčkoj i starom Rimu, gdje su temelji europske kulture položene su2. Uvod Glazba od davnina do J. S. Bacha Dragi momci! Prošle godine ste već imali satove glazbene literature. Razgovaralo se o osnovnim elementima glazbenog jezika, nekim glazbenim oblicima i žanrovima, izražajnim i likovnim mogućnostima glazbe te orkestru. Pritom se slobodno vodio razgovor o raznim epohama - nekada o antici, nekada o suvremenosti, nekada vraćajući se u stoljeća manje ili više od nas. A sada je došlo vrijeme da se upoznamo s glazbenom literaturom u kronološkom slijedu - povijesnom - redu1. O glazbi u staroj Grčkoj Na koji način su do nas doprli podaci o glazbi antičkog svijeta Uvjerljiv dokaz velike kulturno-povijesne uloge antike je činjenica da su se u staroj Grčkoj u 8. st. pr. Kr. održavala javna sportska natjecanja - Olimpijske igre? - su rođeni. A dva stoljeća kasnije tamo su se počela održavati glazbena natjecanja - Pitijske igre, koje se mogu smatrati dalekim precima modernih natjecanja. Pitijske igre održavale su se u hramu izgrađenom u čast zaštitnika umjetnosti, boga sunca i svjetlosti, Apolona. Prema mitovima, on je, nakon što je pobijedio monstruoznu zmiju Python, sam pokrenuo ove igre. Poznato je da je na njima svojedobno pobijedio Sakkad iz Argosa, svirajući na aulosu, puhačkom instrumentu bliskom oboi, programsko djelo o borbi između Apolona i Pitona, starogrčka glazba imala je karakterističnu vezu s poezijom, plesom i kazalištem . Opjevani su junački epovi “Ilijada” i “Odiseja”, koji se pripisuju legendarnom pjesniku Homeru. Pjevači su obično, poput mitološkog Orfeja, bili autori pjesničkog teksta i glazbe, a sami su se pratili na liri. Na svečanostima su se izvodile zborske plesne pjesme s pantomimskim gestama. U starogrčkim tragedijama i komedijama velika je uloga pripadala zboru: komentirao je radnju, izražavao svoj stav prema arheološkim znanstvenicima koji su nalazili najjednostavnije glazbene instrumente (na primjer, puhačke instrumente - životinjske kosti s izbušenim rupama). i utvrdio da su napravljeni prije četrdesetak tisuća godina. Dakle, glazbena umjetnost je već tada postojala. Nakon što je 1877. godine izumljen fonograf, prvi uređaj za mehaničko snimanje i reprodukciju zvuka, glazbenici-istraživači počeli su putovati u one krajeve zemaljske kugle gdje su neka plemena još uvijek sačuvala svoj primitivni način života. Od predstavnika takvih plemena, pomoću fonografa, snimali su uzorke pjevanja i instrumentalnih melodija. Ali takve snimke, naravno, daju samo približnu ideju o tome kakva je glazba bila u ta davna vremena. Riječ "kronologija" (znači "slijed povijesnih događaja u vremenu") dolazi od dvije grčke riječi - "chronos" ("vrijeme") i "logos" ("učenje"). 1 Latinska riječ "antiguus" znači "stari". Definicija "antičko" izvedena iz nje odnosi se na povijest i kulturu Stare Grčke i Starog Rima. 2 2 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji do djela heroja. Suvremeni muzikolozi imaju određene informacije o glazbi u antičkom svijetu, a opet zavide povjesničarima drugih umjetnosti. Za veliki broj veličanstvenih spomenika antičke arhitekture, antičke likovne umjetnosti, osobito skulpture, otkriveni su mnogi rukopisi s tekstovima tragedija i komedija velikih antičkih dramatičara. Ali glazbena djela nastala u istim razdobljima, pa čak i mnogo kasnije, ostaju nam u biti nepoznata. Zašto se to tako dogodilo? Činjenica je da se izmisliti dovoljno točan i prikladan sustav notnog zapisa (notacije), onaj koji je svatko od vas savladao kada je tek počeo učiti glazbu, pokazalo se vrlo teškim zadatkom. Bilo je potrebno mnogo stoljeća da se riješi. Istina, stari Grci su izmislili zapis slova. Oni su stupnjeve glazbenih načina označavali određenim slovima abecede. Ali ritmički simboli (iz crtica) nisu uvijek dodavani. Tek sredinom 19. stoljeća poslije Krista znanstvenici su konačno odgonetnuli tajne ovog zapisa. Međutim, ako su uspjeli točno dešifrirati omjer zvukova u visini u starogrčkim glazbenim rukopisima, onda je omjer u trajanju bio samo približan. I vrlo je malo takvih rukopisa pronađeno, a sadrže snimke samo nekoliko jednoglasnih djela (na primjer, himni) i češće - njihove izvatke. dovoljna vidljivost. Stoga glazbenici dugo vremena koriste ikone pomoćnih savjeta. Te su ikone bile postavljene iznad riječi pjevanja i označavale su pojedinačne zvukove ili njihove male skupine. Nisu ukazali na točan odnos zvukova ni u visini ni u trajanju. No svojim su obrisom podsjećali izvođače na smjer kretanja melodije koji su je znali napamet i prenosili s koljena na koljeno. U zemljama zapadne i srednje Europe, o čijoj će glazbi biti riječi kasnije u ovom udžbeniku, takve su se ikone nazivale neumama. Neuma su korištena pri zapisivanju starokatoličkih liturgijskih napjeva – gregorijanskoga pjevanja. Ovo uobičajeno ime potječe od imena pape Grgura I3. Prema legendi, on je krajem 6. stoljeća sastavio glavnu zbirku tih jednoglasnih napjeva. Namijenjene da ih tijekom crkvenih službi pjevaju samo muškarci i dječaci - solo i zbor unisono, napisane su uz molitvene tekstove na latinskom 4. Rani nepromjenjivi zapisi gregorijanskog pjevanja ne mogu se dešifrirati. Ali u 11. stoljeću, talijanski redovnik Guido d'Arezzo (“iz Arezza”) izumio je novu metodu notnog pisanja u samostanu i želio im je lakše naučiti duhovne napjeve do tog vremena. neume su se počele postavljati na vodoravnu crtu, iznad i ispod nje. Ta je linija odgovarala jednom određenom zvuku i time je utvrdila približnu visinu zapisa. I Guido je došao na ideju crtanja četiri paralelne linije ( “ravnala”) na jednakoj udaljenosti jedan od drugoga i postavljajući neume na njih i između njih - poput strogo iscrtanog platna, što je omogućilo da se točno naznači odnos visina zvukova u tonovima i polutonovima, a na Istodobno, notni zapis postao je vizualniji - poput crteža koji prikazuje kretanje melodije, njezine zavoje, a Guido je označavao zvukove koji odgovaraju linijama latiničnim slovima. koji su se zvali ključevi, a neumi, "sjedeći" na ravnalima i između njih, s vremenom su se pretvorili u pojedinačne note, čije su glave isprva imale oblik kvadrata. Pitanja i zadaci 1. Kada su, prema znanstvenicima, napravljeni najstariji glazbeni instrumenti? Što to znači? 2. Što je fonograf, kada je izumljen i kako su ga istraživači počeli koristiti? 3. O glazbi kojih je zemalja staroga svijeta sačuvano najviše podataka? Na karti odredite oko kojeg su se mora nalazile te tri države. 4. Kada i gdje su se počela održavati antička glazbena natjecanja – Pitijske igre? 5. S kojim je umjetnostima glazba bila usko povezana u staroj Grčkoj? 6. Koju su notaciju izmislili stari Grci? Kako je netočno? Titulu Papa nosi svećenik koji je na čelu Katoličke crkve kao međunarodne duhovne organizacije. Katolicizam je jedna od kršćanskih vjera uz pravoslavlje i protestantizam. 4 Stari Rimljani govorili su latinski. Nakon pada Rimskog Carstva 476. godine latinski se postupno prestao govoriti. Od njega su nastali takozvani romanski jezici - talijanski, francuski, španjolski, portugalski. 3 Kako je nastao zgodni zapis U srednjem vijeku (početkom ovog povijesnog razdoblja smatra se 6. stoljeće nove ere) slovni zapis bio je gotovo zaboravljen. Nije sadržavao 3 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji Glasine o novoj metodi zapisivanja - poput nekakvog čuda - doprle su do pape Ivana XIX. Pozvao je Guida i zapjevao njemu nepoznatu melodiju s izmišljene snimke. Nakon toga, broj paralelnih linija mijenjan je mnogo puta, ponekad čak povećan na osamnaest. Tek potkraj 17. st. “pobijeđuje” dosadašnji peteroredni stavak. Koristili smo mnogo različitih ključeva. Tek su se u 19. stoljeću najčešće koristili visoki i bas ključevi. Nakon izuma Guida d'Arezza, dugo su rješavali još jedan težak problem - kako poboljšati notni zapis tako da pokazuje točan odnos zvukova ne samo u visini, već iu trajanju s idejom da se za to koriste simboli nota, različitog oblika. U početku su tome dodana mnoga konvencionalna pravila, što je otežavalo njihovu primjenu u praksi Postupno se razvijala prikladnija notacija - upravo ona koju sada nastavljamo koristiti nakon početka 17. stoljeća, poboljšana je samo u detaljima koje smo tako dugo tražili, a sada se čini najjednostavnijom. Sastoji se u tome što je cijela nota po trajanju uvijek jednaka dvjema polovicama - druge po stilu, jedna polovica - dvjema četvrtinama, jedna četvrtina - dvjema osminama i tako dalje, da je taktova linija počela odvajati u 16. stoljeću , a veličina na početku notnog zapisa počinje se obavezno označavati od 17. stoljeća. Međutim, u to vrijeme nisu postojali samo notni rukopisi, već i tiskani notni zapisi. Naime, glazbeno tiskanje počelo je ubrzo nakon izuma tiska - potkraj 15. stoljeća. U antičkom svijetu i dugo vremena u srednjem vijeku glazba je u pravilu bila monofona. Bilo je samo nekoliko jednostavnih iznimaka. Na primjer, pjevač je izveo pjesmu i duplicirao je (odnosno, istovremeno je reproducirao) dok je svirao neki instrument. Pritom su se glas i instrument ponekad mogli malo razilaziti, odudarati jedan od drugoga i ubrzo opet konvergirati. Tako su se u jednoglasnom zvukovnom toku pojavljivali i nestajali “otoci” dvoglasja. Ali na prijelazu iz prvog u drugo tisućljeće naše ere, polifoni stil počeo se dosljedno razvijati i kasnije postao dominantan u profesionalnoj glazbenoj umjetnosti. Ova složena i dugotrajna formacija koncentrirana uglavnom na području katoličke crkvene glazbe. Stvar je počela s izumom (tko - nepoznato) sljedeće tehnike. Jedan pjevač (ili više pjevača) pjevao je glavni glas - polaganu, tekuću melodiju gregorijanskog korala. A drugi glas kretao se strogo paralelno - točno u istom ritmu, samo cijelo vrijeme na udaljenosti od oktave, ili kvarte, ili kvinte. Sada našim ušima zvuči vrlo jadno, "prazno". Ali prije tisuću godina takvo je pjevanje, odzvanjajući pod svodovima crkve ili katedrale, zadivilo i oduševilo, otvarajući nove izražajne mogućnosti glazbe. Nakon nekog vremena crkveni glazbenici počeli su tražiti fleksibilnije i raznolikije metode dirigiranja drugog glasa. A onda su počeli sve vještije kombinirati tri, četiri glasa, a kasnije ponekad i više glasova. Pitanja i zadaci 1. Zašto je slovni zapis bio nezgodan u praksi? 2. Što su neumi govorili srednjovjekovnim pjevačima? 3. Što je gregorijansko pjevanje i zašto se tako zove? 4. Objasnite bit izuma Guida d'Arezza 5. Koji je sljedeći problem trebao biti riješen nakon Guidova izuma? jasno različite jedna od druge nastale su početkom 13. stoljeća crkveni glazbenik Perotin Bio je izvanredan predstavnik pjevačkog umijeća - zvučala je pariška “Škola Notre Dame” (“Škola Gospe od Perotina”). u građevini izuzetne ljepote, koju je opisao francuski pisac 19. stoljeća u romanu “Notre Dame de Paris.” Tako se počela razvijati polifonija , ova riječ znači “polifonija.” Ali polifonija je samo vrsta polifonije u kojoj istovremeno zvuče dva ili više jednakih glasova, štoviše, svaki od njih ima svoju vlastitu melodijsku liniju, a ostali jesu podređena tome (pratiti ga, prati ga), onda je to homofonija - dr. Zahvaljujući usavršavanju notnog zapisa, postupno, osobito od 13. st., notni rukopisi postaju sve točniji. To je omogućilo upoznavanje ne samo s informacijama o glazbenoj kulturi, već i sa samom glazbom prošlih razdoblja. Nije slučajnost da su se uspjesi notnog pisma poklopili s početkom razvoja polifonije - važnom etapom u povijesti glazbene umjetnosti. 4 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji je misa postala glavni glazbeni žanr. Redovna misa 5 uključuje šest glavnih pjevanja temeljenih na latinskim molitvenim tekstovima. To su "Kyriyo eleizon" ("Gospodine, smiluj se"), "Gloria" ("Slava"), "Credo" ("Vjerujem"), "Sanctus" ("Sveti"), "Benedictus" ("Blaženi" ) i " Agnus Dei (Jaganjac Božji). U početku je gregorijanski koral zvučao jednoglasno u misama. No oko 15. st. misa se pretvara u ciklus složenih višeglasnih dijelova 6. Istodobno se vrlo vješto počinju koristiti imitacije. Prevedeno s latinskog, "imitatio" znači "imitacija". U glazbi se ponekad mogu oponašati izvanglazbeni zvukovi, na primjer, trzaji slavuja, kukavica kukavice ili šum morskih valova. To se onda naziva onomatopeja ili zvučna slika. A imitacija u glazbi je tehnika kada, prateći melodiju koja završava u jednom glasu, drugi glas točno (ili ne sasvim točno) ponavlja istu iz drugog zvuka. Drugi glasovi tada mogu ući na isti način. U homofonoj glazbi mogu se nakratko pojaviti imitacije. A u polifonoj glazbi ovo je jedna od glavnih razvojnih tehnika. Pomaže da se melodijsko kretanje učini gotovo kontinuiranim: pauze i kadence istovremeno u svim glasovima nalaze se u polifonoj glazbi samo kao rijetki izuzeci7. Kombinirajući imitacije s drugim polifonim tehnikama, skladatelji su svojim misama stvarali velika zborska djela u kojima se četiri ili pet glasova isprepliću u složenu teksturu zvuka. U njemu se već teško razaznaje melodija gregorijanskog korala i jednako se teško čuju molitvene riječi. Bilo je čak i misa na kojima su kao glavne bile melodije popularnih svjetovnih pjesama. Ova situacija zabrinula je najviše katoličke crkvene vlasti. Sredinom 16. stoljeća namjeravala je potpuno zabraniti višeglasno pjevanje tijekom crkvenih službi. Ali do takve zabrane nije došlo zahvaljujući divnom talijanskom skladatelju Palestrini, koji je gotovo cijeli život proveo u Rimu i bio blizak papinskom dvoru (puno ime mu je Giovanni Pierluigi da Palestrina, odnosno "iz Palestrine" - gradić nedaleko od Rima). Palestrina je svojim misama (a napisao ih je više od stotinu) uspio postići svojevrsnu polifoniju. Budući da pratnja ima akordsko-harmonijsku osnovu, homofona struktura glazbene prezentacije naziva se i homofono-harmonijska. Pitanja i zadaci 1. Od kada su se glazbeni rukopisi počeli točnije dešifrirati? 2. S kojom važnom novom etapom u povijesti glazbene umjetnosti koincidiraju uspjesi notnog zapisa? 3. Kada se, u kojoj glazbi i na temelju kojih melodija počela dosljedno oblikovati polifonija? 4. Što je bilo paralelno dvoglasje? Pjevajte zajedno nekoliko paralelnih četvrti, kvinta i oktava. 5. Koja je razlika između polifonije i homofonije? Kako se višeglasje dalje razvijalo Dok se višeglasje počelo razvijati u crkvenom pjevanju, monofonija je nastavila dominirati u svjetovnoj glazbi. Na primjer, dešifrirane su mnoge snimke jednoglasnih pjesama koje su skladali i izvodili srednjovjekovni pjesnici i pjevači u 12. i 14. stoljeću. Na jugu Francuske, u Provansi, zvali su ih trubaduri, na sjeveru Francuske - trouvères, u Njemačkoj - minnesingeri. Mnogi od njih bili su slavni vitezovi, au svojim su pjesmama često opjevali ljepotu i vrlinu “ljepe dame” koju su obožavali. Melodije pjesama ovih pjesnika pjevača često su bile bliske narodnim napjevima, pa tako i plesnim, a ritam je bio podređen ritmu pjesničkoga teksta. Kasnije, u 14.-16. stoljeću, njemački pjesnici-pjevači iz redova obrtnika udružili su se u cehove, nazivajući se Meistersingers ("majstori pjevači"), crkvena polifonija i svjetovna monofonija nisu se pokazale izoliranima jedna od druge glasovima koji su dodani gregorijanskom koralu u duhovnim napjevima, zamjetan je utjecaj svjetovnih pjesama (npr. pjesme trubadura i trouveres). Francuska, gdje su se dijelovi svih glasova temeljili na melodijama, a tekstovi su bili komponirani ne na latinskom, već na francuskom jeziku podsjetimo da je ciklus djelo od nekoliko zasebnih dijelova (ili komada) objedinjenih zajedničkim konceptom 7 Kadenca ) - melodijski i harmonijski obrat koji zaokružuje cjelokupno glazbeno djelo ili njegov dio 5 6 5 www.classon.ru Obrazovanje djece u. području umjetnosti u Rusiji dokazati da polifone skladbe, iako ostaju vrlo vješte, mogu zvučati transparentno i da se liturgijski tekstovi mogu jasno čuti. Palestrinina glazba jedan je od vrhunaca antičke zborske polifonije tzv. strogog stila. Vodi nas u svijet prosvijetljene, uzvišene kontemplacije - kao da zrači ravnomjernim, mirnim sjajem. pjesnici, glazbenici, znanstvenici i ljubitelji umjetnosti. Zanijela ih je ideja da stvore novu vrstu izražajnog solo pjevanja uz pratnju i spoje ga s kazališnom radnjom. Tako su nastale prve opere čiji su zapleti preuzeti iz antičke mitologije. Prva je “Daphne”, koju su skladali skladatelj Jacopo Peri (zajedno s J. Korea) i pjesnik O. Rinuccini. Izvedena je 1597. u Firenci (djelo u cjelini nije sačuvano). U starogrčkoj mitologiji Dafna je kći riječnog božanstva Ladona i božice zemlje Geje. Bježeći od potjere za Apolonom, molila se za pomoć bogovima i pretvorena je u lovor (na grčkom "daphne" - "lovor") - Apolonovo sveto drvo. Budući da se Apolon smatrao bogom zaštitnikom umjetnosti, pobjednici Pitijskih igara, čiji se Apolon smatrao utemeljiteljem, počeli su se kruniti lovorovim vijencem. Lovorov vijenac i zasebna lovorova grana postali su simboli pobjede, slave i nagrade. Dvije druge opere, skladane 1600. (jednu J. Peri, drugu G. Caccini), obje se nazivaju "Euridice" jer obje koriste isti poetski tekst, temeljen na starogrčkom mitu o legendarnom pjevaču Orfeju. Prve talijanske opere izvodile su se u palačama i kućama plemenitih osoba. Orkestar se sastojao od nekoliko starih instrumenata. Vodio ju je glazbenik koji je svirao cimbal (talijanski naziv za čembalo). Uvertira još nije bilo, a početak izvedbe najavile su trubačke fanfare. I u vokalnim dionicama prevladavao je recitativ u kojem je glazbeni razvoj bio podređen poetskom tekstu. Ubrzo je, međutim, glazba u operama počela dobivati ​​sve samostalnije i važnije značenje. Velika zasluga za to je prvi istaknuti operni skladatelj - Claudio Monteverdi. Njegova prva opera, Orfej, postavljena je 1607. u Mantovi. Njegov junak opet je onaj isti legendarni pjevač koji je svojom umjetnošću umilostivio Hada, boga podzemlja mrtvih, a Euridiku, Orfejevu voljenu ženu, pustio na zemlju. Ali Hadov uvjet - da ne pogleda Euridiku ni jednom prije nego što napusti svoje kraljevstvo - Orfej je prekršio i ponovno je, zauvijek, izgubio. Monteverdijeva glazba ovoj je tužnoj priči dala neviđenu lirsku i dramatičnu ekspresivnost. Vokalne dionice, zborovi i orkestralne epizode postale su mnogo raznolikijeg karaktera u Monteverdijevu Orfeju. U tom se djelu počeo oblikovati melodični arijatski stil - najvažnija razlikovna kvaliteta talijanske operne glazbe. Po uzoru na Firenzu, opere su se počele skladati i izvoditi ne samo u Mantovi, već iu takvim talijanskim gradovima kao što su Rim, Venecija i Napulj. Zanimanje za novi žanr počelo se javljati i u drugim europskim zemljama, a njihove Pitanja i zadaci 1. Tko su trubaduri, trouveres, minnesingeri i meistersingeri? 2. Postoji li veza između starog crkvenog višeglasja i svjetovnih napjeva? 3. Navedite glavne dijelove redovne mise. 4. Navedite primjere onomatopeje u glazbi. 5. Što se u glazbi naziva imitacija? 6. Što je Palestrina postigao u svojim misama? Rođenje opere. Oratorij i kantata Neposredno prije početka 17. stoljeća - prvog stoljeća povijesnog razdoblja zvanog novi vijek - dogodio se događaj od iznimne važnosti u glazbenoj umjetnosti: opera je rođena u Italiji. Glazba se od davnina čuje u raznim kazališnim predstavama. U njima su se, uz instrumentalne i zborske točke, mogle izvoditi i pojedine vokalne solaže, primjerice pjesme. A u operi su pjevači i pjevačice postali glumci i glumice. Njihovo pjevanje uz pratnju orkestra, u kombinaciji sa scenskom radnjom, počelo je prenositi glavni sadržaj izvedbe. Dopunjuju ga scenografija, kostimi, a često i plesovi – balet. Tako je u operi glazba vodila blisku suradnju različitih umjetnosti. To joj je otvorilo nove velike umjetničke mogućnosti. Operni pjevači počeli su s neviđenom snagom prenositi osobna emocionalna iskustva ljudi - i radosna i tužna. Pritom je najvažnije izražajno sredstvo u operi bio homofoni spoj solo pjevačkog glasa s orkestralnom pratnjom. I ako se do 17. stoljeća profesionalna glazba u zapadnoj Europi razvijala uglavnom u crkvi, a najveći žanr bila je misa, onda je glazbeno kazalište postalo glavno središte, a najveći žanr bila je opera. Krajem 16. stoljeća u talijanskom gradu Firenci okupio se krug 6 www.classon.ru Obrazovanje djece na području umjetnosti u Rusiji, vladari su uveli običaj pozivati ​​talijanske glazbenike u svoju dvorsku službu. To je pridonijelo činjenici da je talijanska glazba dugo vremena postala najutjecajnija u Europi. U Francuskoj je u 17. stoljeću nastala vlastita nacionalna opera, različita od talijanske. Njegov osnivač, Jean-Baptiste Lyulli, rođen je Talijan. Ipak, ispravno je osjetio posebnosti francuske kulture i stvorio jedinstveni francuski operni stil. U Lullyjevim operama veliko mjesto zauzimaju, s jedne strane, recitativi i male arije recitatorskog karaktera, a s druge strane baletni plesovi, svečane koračnice i monumentalni zborovi. Zajedno s mitološkim zapletima, raskošnim kostimima i prikazom čarobnih čuda uz pomoć kazališnih strojeva, sve je to odgovaralo sjaju i raskoši dvorskog života za vrijeme vladavine francuskog kralja Luja XIV. Prvu operu u Njemačkoj, “Daphne” (1627.), stvorio je najveći njemački skladatelj predbachovog doba, Heinrich Schütz. Ali njezina glazba nije sačuvana. Ali uvjeti za razvoj opernog žanra u zemlji još nisu postojali: oni su se stvarno pojavili tek s početkom 19. stoljeća. I u Schutzovu stvaralaštvu glavno mjesto zauzimaju ekspresivne vokalno-instrumentalne skladbe temeljene na duhovnim tekstovima. Godine 1689. u Londonu je izvedena prva engleska opera “Didona i Eneja” skladatelja izuzetnog talenta Henryja Purcella. Glazba ove opere osvaja svojim iskrenim tekstovima, poetskom fantazijom i živopisnim narodnim slikama. Međutim, nakon Purcellove smrti, gotovo dva stoljeća među engleskim skladateljima nije bilo istaknutih glazbenih stvaratelja. Na prijelazu iz 16. u 17. stoljeće, istodobno s operom, ali iu Italiji, rađa se kantata. Slične su operi po tome što ih također izvode solisti, zbor i orkestar, a sadrže i arije, recitative, vokalne sastave, zborove i orkestralne epizode. Ali u operi o razvoju događaja (zapletu) ne saznajemo samo iz onoga što solisti pjevaju, nego i iz onoga što rade i što se općenito događa na pozornici. Ali u oratoriju i kantati nema scenske radnje. Izvode se u koncertnom ambijentu, bez kostima i dekoracije. Ali postoji i razlika između oratorija i kantate, iako nije uvijek jasna. Obično je oratorij veće djelo s razvijenijom religijskom fabulom. Često ima epsko-dramski karakter. S tim u vezi, oratorij često uključuje narativni recitatorski dio pjevača-pripovjedača. Posebna vrsta duhovnog oratorija je “pasija” ili “pasivna” (u prijevodu s latinskog “patnja”). Muka govori o muci i smrti Isusa Krista raspetoga na križu. 7 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji Kantate se, ovisno o sadržaju govornog teksta, dijele na duhovne i svjetovne. U 17. i početkom 18. stoljeća u Italiji nastaju mnoge male, komorne kantate. Sastojale su se od izmjenjivanja dva ili tri recitativa s dvije ili tri arije. Nakon toga su se raširile kantate pretežno ceremonijalne prirode. Duhovne kantate i "pasije" različitih konstrukcija dobile su najveći razvoj u Njemačkoj. arije, a fascinantno je razviti virtuozni pasažni pokret. U baštini Corellija i Vivaldija veliko mjesto pripada žanru trio sonate. U većini trio sonata dva glavna dijela izvode violine, a treći dio, prateći dio, izvodi čembalo ili orgulje, s basovim glasom udvostručenim violončelom ili fagotom. Nakon trio sonate pojavila se sonata za violinu ili drugi instrument uz pratnju čembala. kao i concerto grosso – koncert za orkestar (prvi gudački). Mnoga djela ovih žanrova karakteriziraju oblici antičke sonate. Obično je to ciklus od četiri dijela s omjerom tempa "sporo-brzo-sporo-brzo". Nešto kasnije, već u 18. stoljeću, Vivaldi počinje skladati solističke koncerte za violinu i neke druge instrumente uz pratnju orkestra. Tu je uspostavljen trodijelni ciklus: “brzo-polako-brzo”. Pitanja i zadaci 1. Gdje i kada je rođena opera? Objasnite po čemu se opera razlikuje od kazališne predstave s glazbom. 2. Koje je najvažnije izražajno sredstvo u opernoj glazbi? 3. Kako se zove prva opera Claudija Monteverdija i koje su kvalitete bile očigledne u njezinoj glazbi? 4. Recite nam o značajkama starih francuskih opera. 5. Navedite prvu operu napisanu u Njemačkoj i prvu operu napisanu u Engleskoj. 6. Koja je glavna razlika između oratorija i kantate od opere? 7. Što su “strasti” (“pasivne”)? Orgulje su započele svoju višestoljetnu povijest još u starom Egiptu. Do 17. stoljeća postao je vrlo složen instrument sa širokim umjetničkim mogućnostima. Mali su se organi tada mogli pronaći čak iu privatnim kućama. Služile su za obrazovne aktivnosti, a na njima su se izvodile varijacije na melodije narodnih pjesama i plesova. A velike orgulje sa svjetlucavim nizovima cijevi, s drvenim tijelima ukrašenim rezbarijama, zvučale su, kao i sada, u crkvama i katedralama. Danas su orgulje također dostupne u mnogim koncertnim dvoranama. Moderne orgulje imaju nekoliko tisuća cijevi i do sedam klavijatura (manuala), smještenih jedna iznad druge - poput stepenica na stubištu. Toliko je cijevi jer su podijeljene u skupine – registre. Registri se uključuju i isključuju posebnim polugama za dobivanje različite boje (timbra) zvuka. Orgulje su opremljene i pedalom. Ovo je cijela nožna tipkovnica s mnogo velikih tipki. Pritišćući ih nogama, orguljaš može proizvesti i dugotrajno održavati zvukove basa (takvi kontinuirani zvukovi nazivaju se i pedalom ili orguljskom točkom). U pogledu bogatstva boja, mogućnosti usporedbe najlakšeg pianissima s gromoglasnim fortissimom, orguljama nema ravnih među glazbenim instrumentima. U 17. stoljeću umjetnost orgulja dosegla je osobito visok vrhunac u Njemačkoj. Kao iu drugim zemljama, njemački crkveni orguljaši bili su i skladatelji i izvođači. Nisu samo pratili duhovne napjeve, već su izvodili i solo. Među njima je bilo mnogo talentiranih virtuoza i improvizatora koji su svojom svirkom privlačili čitava mnoštva ljudi. Jedan od najznačajnijih među njima je Dietrich Buxtehude. Mladi Johann Sebastian Bach došao je pješice iz drugog grada slušati ga kako svira. Buxtehudeov raznovrstan i opsežan opus predstavlja glavne vrste orguljske glazbe toga doba. S jedne strane, to su preludiji, fantazije i O instrumentalnoj glazbi 17. stoljeća, njezinim žanrovima i oblicima Dugo je vremena sviranje na instrumentima najčešće dupliciralo glasovne dionice u vokalnim djelima ili uz pratnju plesova. Uobičajene su bile i instrumentalne transkripcije vokalnih skladbi. Samostalan razvoj instrumentalne glazbe intenzivirao se tek u 17. stoljeću. Istodobno je nastavio razvijati umjetničke tehnike koje su se razvile u vokalnoj polifoniji. Obogaćeni su homofonim elementima temeljenim na pjesmi i plesu. U isto vrijeme instrumentalne skladbe počinju biti pod utjecajem izražajnih dostignuća operne glazbe. Violina, uz briljantne virtuozne sposobnosti, ima i vrlo melodičan glas. A upravo se u domovini opere, Italiji, violinska glazba počela posebno uspješno razvijati. Krajem 17. stoljeća dolazi do procvata rada Arcangela Corellija i počinje stvaralačka djelatnost Antonija Vivaldija. Ovi izvanredni talijanski skladatelji stvorili su mnoga instrumentalna djela uz sudjelovanje i vodeću ulogu violine. U njima violina može pjevati jednako ekspresivno kao ljudski glas u opernoj toccati. U njima se polifone epizode slobodno izmjenjuju s improvizacijskim - odlomcima i akordima. S druge strane, radi se o strože građenim djelima koja su dovela do nastanka fuge, najsloženijeg oblika imitativnog višeglasja. Buxtehude je također napravio mnoge orguljske obrade protestantskih napjeva u obliku zborskih preludija. Za razliku od gregorijanskog korala, ovo je opći naziv za duhovne napjeve ne na latinskom, već na njemačkom jeziku. Javljaju se u 16. stoljeću, kada se od katolicizma odvojio novi tip kršćanskog nauka, protestantizam. Melodijska osnova protestantskog korala bile su njemačke narodne pjesme. U 17. stoljeću protestantski koral počinju zborno izvoditi svi župljani uz podršku orgulja. Za takve koralne obrade tipična je četveroglasna struktura akorda s melodijom u gornjem glasu. Kasnije se takva struktura počela nazivati ​​koralom, čak i ako se pojavljuje u instrumentalnom djelu. Orguljaši su također svirali na gudačkim instrumentima s klavijaturama i skladali za njih. Opći naziv djela za ova glazbala je glazba za klavijature8. Prvi podaci o žičanim instrumentima s tipkama datiraju iz 14.-15. stoljeća. Do 17. stoljeća najčešći od njih bio je čembalo. Tako ga zovu u Francuskoj, u Italiji ga zovu čembalo, u Njemačkoj ga zovu keelflugel, u Engleskoj ga zovu čembalo. Naziv manjih instrumenata u Francuskoj je epinet, u Italiji - spineti u Engleskoj - virginel. Čembalo je predak klavira koji je počeo ulaziti u upotrebu sredinom 18. stoljeća. Kada pritisnete tipke čembala, čini se da pera ili kožni jezici montirani na šipke stežu žice. Rezultat su nagli, zvonki i istovremeno lagano šuštavi zvukovi. Na čembalu snaga zvuka ne ovisi o sili udaranja po tipkama. Stoga je na njemu nemoguće napraviti crescendo i diminuendo - za razliku od klavira, na kojem je to moguće zahvaljujući fleksibilnijoj povezanosti tipki s čekićima koji udaraju po žicama. Čembalo može imati dvije ili tri klavijature i uređaj koji vam omogućuje promjenu boje zvuka. Zvuk drugog malog instrumenta s tipkama - klavikorda - slabiji je od zvuka čembala. Ali na klavikordu je moguće milozvučnije sviranje, jer se njegove žice ne trzaju, nego se na njih pritišću metalne pločice. Jedan od glavnih žanrova drevne glazbe za čembalo je suita od nekoliko cjelovitih stavaka napisanih u istom ključu. Svaki dio obično koristi neku vrstu plesnog pokreta. Osnovu antičke suite čine četiri plesa različitog, ne uvijek jasno identificiranog nacionalnog podrijetla. To su spori allemande (vjerojatno podrijetlom iz Njemačke), aktivniji courante (izvorno iz Francuske), spori sarabande (izvorno iz Španjolske) i brzi gigue (izvorno iz Irske ili Engleske). Od kraja 17. stoljeća, po uzoru na pariške čembaliste, suite su se počele nadopunjavati francuskim plesovima kao što su menuet, gavotte, bourrée i passier. Umetnute su između glavnih plesova, tvoreći dionice interludija ("integ" u prijevodu s latinskog znači "između"). Drevna francuska glazba za čembalo odlikuje se elegancijom, gracioznošću i obiljem malih melodijskih ukrasa, poput mordenta i trilova. Francuski stil čembala procvjetao je u djelu Françoisa Couperina (16 68 - 1733), zvanog Veliki. Stvorio je oko dvjesto i pol drama i objedinio ih u dvadeset i sedam suita. U njima su postupno počeli prevladavati komadi s različitim programskim naslovima. Najčešće su to minijaturni ženski portreti na čembalu - prikladne zvučne skice neke karakterne osobine, izgleda, ponašanja. Takve su, primjerice, predstave “Sumorna”, “Girljiva”, “Okretna”, “Apstraktna”, “Nestašna”. Njegov veliki suvremenik Johann Sebastian Bach pokazao je veliko zanimanje za francusku glazbu za čembalo, uključujući i djela Françoisa Couperina. Pitanja i zadaci 1. Kada se intenzivirao samostalan razvoj instrumentalnih žanrova? 2. Navedi omiljeni instrument Arcangela Corellija i Antonija Vivaldija. 3. Recite nam nešto o građi organa. 4. U kojoj je zemlji orguljska umjetnost doživjela osobito visok vrhunac? Što je protestantski koral? 5. Recite nam nešto o građi čembala. Koji se plesni pokreti koriste u glavnim dijelovima drevne suite za čembalo? Dakle, uvodni dio udžbenika ukratko je predstavio neke važne događaje u svijetu glazbe od antičkih vremena. Bio je to povijesni „izlet“ s ciljem da se dodatno upoznamo s baštinom velikih zapadnoeuropskih glazbenika koji su djelovali u 18. i 19. stoljeću. Neko se vrijeme klavijaturskom glazbom nazivala glazba za sve instrumente s tipkama, uključujući i puhački instrument s tipkama, orgulje. 8 9 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji Životni put Johann Rod, obitelj, djetinjstvo. Johann Sebastian Bach rođen je 1685. godine u Tiringiji, jednoj od regija srednje Njemačke, u malom gradu Eisenachu, okruženom šumama. U Tiringiji su se još uvijek osjećale strašne posljedice Tridesetogodišnjeg rata (1618.-1648.), u kojem su se sukobile dvije velike grupacije europskih sila. Preci Johanna Sebastiana, koji su bili usko povezani s njemačkom obrtničkom i seljačkom sredinom, morali su preživjeti ovaj razorni rat. Njegov prapradjed po imenu Veit bio je pekar, ali je toliko volio glazbu da se nikada nije odvajao od citre, instrumenta sličnog mandolini, pa je čak svirao dok se mljelo brašno tijekom odlaska u mlin. A među njegovim potomcima, koji su se naselili po Tiringiji i susjednim regijama, bilo je toliko glazbenika da su sve koji su se bavili ovim zanimanjem počeli zvati "Bach". Bili su to crkveni orguljaši, violinisti, flautisti, trubači, a neki su se pokazali i kao skladatelji. Bili su u službi gradskih općina i na dvorovima vladara malih kneževina i vojvodstava na koje je Njemačka bila rascjepkana. Sebastian Bach 1685.-1750. Nevjerojatna je sudbina glazbe ovog velikog njemačkog skladatelja, nakon više od tristo godina od njegova rođenja. Za života se proslavio uglavnom kao orguljaš i poznavatelj glazbenih instrumenata, a nakon smrti bio je nekoliko desetljeća gotovo zaboravljen. Ali onda su postupno ponovno počeli otkrivati ​​njegov rad i diviti mu se kao dragocjenom umjetničkom blagu, nenadmašnom u vještini, neiscrpnom u dubini i ljudskosti sadržaja. “Ne potok! "More bi mu trebalo biti ime." Ovo je još jedan glazbeni genij rekao o Bachu - Beethoven9. Bach je uspio sam objaviti samo vrlo mali dio svojih djela. Sada ih je objavljeno više od tisuću (mnogo ih je više izgubljeno). Prva cjelovita zbirka Bachovih djela počela se tiskati u Njemačkoj stotinu godina nakon njegove smrti, a zauzimala je četrdeset šest svezaka. Ali nemoguće je čak ni grubo izračunati koliko je pojedinačnih izdanja Bachove glazbe tiskano i koliko ih se još tiska u različitim zemljama. Tako je velika neprestana potražnja za njim. Jer zauzima opsežno i počasno mjesto ne samo u svjetskom koncertnom repertoaru, nego iu obrazovnom. Johann Sebastian Bach i dalje je učitelj doslovno svima koji se bave glazbom. Ozbiljan je i strog učitelj koji zahtijeva sposobnost koncentracije da bi se ovladalo umijećem izvođenja polifonih djela. Ali oni koji se ne boje poteškoća i pažljivi su na njegove zahtjeve, osjetit će iza njegove strogosti mudru i srdačnu dobrotu koju poučava svojim prekrasnim besmrtnim kreacijama. Kuća u Eisenachu u kojoj je rođen J. S. Bach 9 “Bach” na njemačkom znači “potok”. 10 www.classon.ru Obrazovanje djece u području ruske umjetnosti Otac Johanna Sebastiana bio je violinist, gradski i dvorski glazbenik u Eisenachu. Počeo je podučavati glazbi svog najmlađeg sina i poslao ga u crkvenu školu. Posjedujući prekrasan visok glas, dječak je pjevao u školskom zboru. Kad je imao deset godina umrli su mu roditelji. Stariji brat, crkveni orguljaš u susjednom gradu Ohrdruf, preuzeo je brigu o siročetu. Svog je mlađeg brata poslao u lokalni licej i sam mu davao satove sviranja orgulja. Kasnije je i Johann Sebastian postao čembalist, violinist i violist. I od djetinjstva je sam savladao glazbenu kompoziciju, prepisujući djela raznih autora. Morao je potajno od starijeg brata prepisati jednu bilježnicu koja ga je posebno zanimala za mjesečine. Ali kada je dugi, teški posao bio dovršen, otkrio je to, naljutio se na Johanna Sebastiana zbog njegovog neovlaštenog čina i nemilosrdno mu uzeo rukopis. Početak samostalnog života. Luneburg. S petnaest godina Johann Sebastian poduzima odlučan korak - seli se u daleki sjevernonjemački grad Luneburg, gdje ulazi u školu pri samostanskoj crkvi kao učenik zbora. U školskoj knjižnici mogao se upoznati s velikim brojem rukopisa djela njemačkih glazbenika. U Lüneburgu i Hamburgu, gdje je šetao seoskim cestama, moglo se slušati sviranje talentiranih orguljaša. Moguće je da je u Hamburgu Johann Sebastian posjetio opernu kuću - u to vrijeme jedinu u Njemačkoj koja nije izvodila predstave na talijanskom, već na njemačkom. Tri godine kasnije uspješno je završio školu i počeo tražiti posao bliže rodnom kraju. Weimar. Nakon što je nakratko služio kao violinist i orguljaš u tri grada, Bach se 1708., već oženjen, nastanio u Weimaru (Türingen) na devet godina. Tamo je bio orguljaš na kneževu dvoru, a potom vicekapelmeister (pomoćnik voditelja kapele – skupine pjevača i instrumentalista). Dok je još bio tinejdžer, u Ohrdrufu, Bach je počeo skladati glazbu, posebno izrađujući aranžmane protestantskog korala za orgulje, njegov omiljeni instrument. A u Weimaru su se pojavila brojna njegova divna zrela djela za orgulje, poput Toccate i Fuge u d-molu, Passacaglie10 u c-molu i koralnih preludija. Do tog vremena Bach je postao nenadmašan izvođač i improvizator na orguljama i čembalu. To je uvjerljivo potvrdio i sljedeći slučaj. Jednog dana Bach je otišao u glavni grad Saske, Dresden, gdje su odlučili organizirati natjecanje između njega i Louisa Marchanda, slavnog francuskog orguljaša i čembalista. Ali on je, nakon što je prvi put čuo kako Bach improvizira na čembalu s nevjerojatnom kreativnom domišljatošću, požurio potajno napustiti Dresden. Natjecanje se nije održalo. Na weimarskom dvoru bilo je prilike upoznati se s djelima talijanskih i francuskih skladatelja. Bach je na njihova postignuća reagirao s velikim zanimanjem i umjetničkom inicijativom. Na primjer, napravio je niz besplatnih aranžmana za čembalo i orgulje violinskih koncerata Antonija Vivaldija. Tako su rođeni prvi klavijaturistički koncerti u povijesti glazbene umjetnosti. Tijekom tri godine u Weimaru, Bach je svake četvrte nedjelje morao skladati novu duhovnu kantatu. Ukupno je na taj način nastalo više od trideset radova. Međutim, kada je stariji dvorski dirigent, čije je dužnosti zapravo obavljao Bach, umro, upražnjeno mjesto nije dobio on, već osrednji sin pokojnika. Ogorčen takvom nepravdom, Bach je podnio ostavku. Zbog svog “neučtivog zahtjeva” bio je podvrgnut kućnom pritvoru. No pokazao je hrabru, ponosnu upornost, ustrajao na svome. A mjesec dana kasnije, vojvoda je nevoljko morao izdati "nemilosrdnu naredbu" da se pobunjeni glazbenik oslobodi. Köthen. Krajem 1717. Bach i njegova obitelj preselili su se u Köthen. Mjesto dvorskog kapelnika ponudio mu je princ Leopold od Anhalta od Köthena, vladar male države u susjedstvu Tiringije. Bio je dobar glazbenik - pjevao je, svirao čembalo i violu da gamba 11. Princ je svom novom kapelmaštru pružio dobru financijsku potporu i odnosio se prema njemu s velikim poštovanjem. Bachove dužnosti, koje su mu oduzimale relativno malo vremena, uključivale su vođenje kapele od osamnaest pjevača i instrumentalista, pratnju princu i osobno sviranje čembala. Mnoga Bachova djela za razne instrumente nastala su u Köthenu. Među njima je glazba za klavijature zastupljena vrlo raznoliko. S jedne strane, to su predstave za početnike - Passacaglia je spori tronožni ples španjolskog podrijetla. Na njegovoj osnovi nastala su instrumentalna djela u obliku varijacija s melodijom koja se više puta ponavlja u basu. 10 11 Viola da gamba je drevni instrument koji izgleda kao violončelo. 11 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji mali preludiji, dvoglasne i troglasne invencije. Napisao ih je Bach za poduke sa svojim najstarijim sinom, Wilhelmom Friedemannom. S druge strane, ovo je prvi od dva sveska monumentalnog djela - “Dobro temperirani klavir”, koji ukupno uključuje 48 preludija i fuga, te veliko koncertno djelo - “Kromatska fantazija i fuga”. Razdoblje Köthena također uključuje stvaranje dviju kolekcija klavijaturskih paketa, poznatih kao "francuski" i "engleski". Princ Leopold vodio je Bacha sa sobom na putovanja u susjedne države. Kad se Johann Sebastian vratio s takvog putovanja 1720. godine, obuzela ga je teška tuga - supruga Marija Barbara upravo je umrla, ostavivši za sobom četvero djece (još troje je rano umrlo). Godinu i pol kasnije Bach se ponovno oženio. Njegova druga supruga Anna Magdalena imala je dobar glas i bila je vrlo muzikalna. Učeći s njom, Bach je sastavio dvije klavijaturne “Note Books” iz svojih drama i djelomično iz drama drugih autora. Anna Magdalena bila je ljubazna i brižna životna partnerica Johanna Sebastiana. Rodila mu je trinaestero djece, od kojih je šestero doživjelo odraslu dob. Leipzig. Godine 1723. Bach se preselio u Leipzig, glavno trgovačko i kulturno središte Saske, susjedne Tiringije. S knezom Leopoldom održavao je dobre odnose. Ali u Köthenu su mogućnosti glazbene djelatnosti bile ograničene - nije bilo ni velikih orgulja ni zbora. Osim toga, Bach je imao starije sinove koji su odrasli, kojima je želio dati dobro obrazovanje. U Leipzigu je Bach preuzeo mjesto kantora – ravnatelja dječačkog zbora i učitelja škole pjevanja; u crkvi svetog Tome (Thomaskirche). Morao je prihvatiti niz restriktivnih uvjeta, na primjer, "da ne napušta grad bez dopuštenja burgomestra". Kantor Bach imao je i mnoge druge odgovornosti. Morao je podijeliti na dijelove mali školski zbor i vrlo mali orkestar (ili bolje rečeno ansambl) kako bi se glazba mogla čuti tijekom bogoslužja u dvije crkve, kao i na vjenčanjima, sprovodima i raznim proslavama. Nisu svi dječaci iz zbora imali dobre glazbene sposobnosti. Škola je bila prljava, zapuštena, učenici su bili slabo hranjeni i jadno odjeveni. Bach, koji se smatrao i leipziškim "glazbenim ravnateljem", više je puta skrenuo pozornost crkvenih vlasti i gradskog poglavarstva (magistrata). Ali zauzvrat je dobio malo materijalne pomoći, ali mnogo sitnih službenih prigovaranja i ukora. Svoje je učenike podučavao ne samo pjevanju, nego i sviranju, uz to je za njih angažirao učitelja latinskog jezika o svom trošku. Crkva i škola svetog Tome (lijevo) u Leipzigu. (Iz jedne stare gravire). Unatoč teškim životnim okolnostima, Bach je bio strastven prema stvaralaštvu. U prve tri godine svoje službe skladao je i gotovo svaki tjedan sa zborom uvježbavao novu duhovnu kantatu. Ukupno je preživjelo oko dvjesto Bachovih djela u ovom žanru. Poznato je i nekoliko desetaka njegovih svjetovnih kantata. Bili su to, u pravilu, pozdravi i čestitke, upućeni raznim plemenitim osobama. Ali među njima postoji takva iznimka kao što je komična "Kantata o kavi" napisana u Leipzigu, slična sceni iz komične opere. Govori o tome kako se mlada, živahna Lizhen zainteresira za novu modu kave, protiv volje i upozorenja svog oca, starog gunđala Shlendriana. U Leipzigu je Bach stvorio svoja najistaknutija monumentalna vokalno-instrumentalna djela - “Ivanovsku muku”, “Muku po Mateju”12 te Misu u h-molu koja je srodna po sadržaju, ali i veliki broj djela. razna instrumentalna djela, uključujući drugi svezak "Dobro temperirani klavir", zbirku Ivana i Mateja (kao i Marka i Luke) - sljedbenika učenja Isusa Krista koji su sastavili Evanđelja - priče o njegovom zemaljskom životu, patnji ( “strast”) i smrt. “Evanđelje” u prijevodu s grčkog znači “radosna vijest”. 12 12 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji “Umjetnost fuge”. Putovao je u Dresden, Hamburg, Berlin i druge njemačke gradove, svirao orgulje i isprobavao nove instrumente. Bach je više od deset godina vodio “Glazbeni fakultet” u Leipzigu, društvo koje se sastojalo od studenata i ljubitelja glazbe - instrumentalista i pjevača. Pod Bachovim ravnanjem davali su javne koncerte djela svjetovne naravi. U komunikaciji s glazbenicima bio je stran od svake arogancije, ao svojoj rijetkoj vještini govorio je ovako: "Morao sam marljivo učiti, tko je jednako vrijedan, postići će isto." Njegova brojna obitelj donijela je Bachu mnogo briga, ali i mnogo radosti. U njezinom krugu mogao je organizirati cijele kućne koncerte. Četvorica njegovih sinova postali su poznati skladatelji. To su Wilhelm Friedemann i Carl Philipp Emanuel (djeca Marije Barbare), Johann Christoph Friedrich i Johann Christian (djeca Ane Magdalene). S godinama se Bachovo zdravlje pogoršalo. Vid mu se naglo pogoršao. Početkom 1750. podvrgnut je dvjema neuspješnim operacijama očiju, oslijepio je i umro 28. srpnja. Johann Sebastian Bach živio je težak i naporan život, obasjan briljantnim stvaralačkim nadahnućem. Nije ostavio značajniji imetak, a Ana Magdalena umrla je deset godina kasnije u dobrotvornom domu za siromašne. I Bachova najmlađa kći Regina Susanna, koja je živjela do 19. stoljeća, spasila se od siromaštva privatnim donacijama, u kojima je Beethovenova glazba povezana s kulturom rodne zemlje Njemačke, ali je s oduševljenjem proučavao djela njemačkih i stranih skladatelja ”, misu u h-molu i mnoga druga djela temeljena na duhovnim tekstovima Bach nije jednostavno napisao prema dužnosti ili uobičajenom običaju crkvenog glazbenika, a zagrijana iskrenim religioznim osjećajem, ona su puna suosjećanja s ljudskim bolima. , prožeti razumijevanjem ljudskih radosti, otišli su daleko izvan okvira crkava i nikada ne prestaju duboko impresionirati slušatelje različitih nacionalnosti i vjera, oni su međusobno povezani glazbenih slika. Bachovo nenadmašno polifono majstorstvo obogaćeno je homofono-harmonijskim sredstvima. Njegove vokalne teme organski su prožete instrumentalnim razvojnim tehnikama, a instrumentalne teme često su toliko emocionalno bogate, kao da se nešto važno pjeva i govori bez riječi. Toccata i fuga u d-molu za orgulje13 Ovo djelo, koje je vrlo popularno, počinje alarmantnim, ali hrabrim krikom volje. Zvuči tri puta, spuštajući se iz jedne oktave u drugu, i dovodi do gromoglasnog akordičnog bujanja u donjem registru. Tako se na početku toccate ocrtava sumorno osjenčan, grandiozan zvučni prostor. 1 Adagio Pitanja i zadaci 1 . Zašto je sudbina Bachove glazbe neobična? 2. Recite nam nešto o Bachovoj domovini, njegovim precima i djetinjstvu. 3. Kada i gdje je Bach započeo svoj samostalni život? 4. Kako je tekla i kako završila Bachova aktivnost u Weimaru? 5. Recite nam nešto o Bachovom životu u Köthenu i njegovim djelima tijekom ovih godina. 6. Koje je instrumente Bach svirao i koji mu je bio najdraži instrument? 7. Zašto se Bach odlučio preseliti u Leipzig i na koje je poteškoće ondje naišao? 8. Recite nam nešto o djelovanju Bacha skladatelja i Bacha izvođača u Leipzigu. Navedi djela koja je ondje stvorio. Toccata (na talijanskom "toccata" - "dodir", "puhati" od glagola "toccare" "dodirnuti", "dodirnuti") je virtuozno djelo za instrumente s tipkama. 13 13 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji Zatim se čuju moćni “kovitlajući” virtuozni odlomci i široka akordska “prskanja”. Nekoliko su puta odvojeni pauzama i zastojima na produljenim akordima. Ova jukstapozicija brzog i sporog kretanja podsjeća na oprezne predahe između borbi s nasilnim elementima. A nakon slobodno, improvizacijski građene toccate, zvuči fuga. Usmjerena je na imitacijski razvoj jedne teme, u kojoj voljno načelo kao da obuzdava elementarne sile: 2 Allegro moderato Široko se raširivši, fuga se razvija u kodu - završni, završni dio. Ovdje opet izbija improvizacijski element toccate. Ali konačno je umirena intenzivnim imperativnim primjedbama. A posljednji taktovi cjelokupnog djela doživljavaju se kao stroga i veličanstvena pobjeda nepokolebljive ljudske volje. Posebnu skupinu Bachovih orguljskih djela čine koralni preludiji. Među njima se dubokom ekspresivnošću odlikuje niz relativno malih drama lirske prirode. U njima je zvuk koralne melodije obogaćen slobodno razvijenim pratećim glasovima. Tako je, primjerice, predstavljeno jedno od Bachovih remek-djela - koralni preludij u f-molu. Glazba za klavijature izuma Bach je sastavio nekoliko zbirki jednostavnih skladbi među onima koje je skladao podučavajući svog najstarijeg sina Wilhelma Friedemanna. U jednu od tih zbirki smjestio je petnaest dvoglasnih polifonih djela u petnaest tonaliteta i nazvao ih "izumima". U prijevodu s latinskog, riječ "izum" znači "izum", "izum". Bachove dvoglasne invencije, koje mogu izvoditi glazbenici početnici, doista su izvanredne po svojoj polifonoj inventivnosti, a istodobno i po svojoj umjetničkoj izražajnosti. Tako se prva dvoglasna invencija u C-duru rađa iz kratke, glatke i ležerne teme smirene, razborite naravi. Gornji glas to pjeva i odmah oponaša _ ponavlja u drugoj oktavi - donjoj: 14 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji I uz zvuke osme dvoglasne invencije u F-duru, može se zamisliti vesela, gorljiva igra-natjecanje: čini se da] skaču i kotrljaju se elastične lopte. Tijekom ponavljanja (imitacije) gornji glas nastavlja melodijsko kretanje. To stvara suprotnost temi koja zvuči u basu. Nadalje, ova kontrapozicija - s istim melodijskim uzorkom - ponekad zvuči kada se tema ponovno pojavi u jednom ili drugom glasu (taktovi 2-3, 7-8, 8-9). U takvim se slučajevima kontradodatak naziva zadržanim (za razliku od nezadržanih, koji se pri svakoj obradi teme sastavljaju iznova). Kao i u drugim polifonim djelima, iu ovom izumu postoje dionice u kojima se tema ne čuje u punom obliku, već se koriste samo neki njezini tokovi. Takvi se dijelovi nalaze između tema i nazivaju se interludiji. Ukupnu cjelovitost C-dur invencije daje razvoj temeljen na jednoj temi, što je tipično za polifonu glazbu. U sredini predstave dolazi do odlaska od glavnog tonaliteta, a pred kraj se vraća. Slušajući ovaj uvod, može se zamisliti kako dva učenika marljivo ponavljaju lekciju, nastojeći jedni drugima ispričati što bolje, izrazitije. U ovom djelu, po strukturi sličnom C-dur invenciji, veliku ulogu ima posebna tehnika. Nakon početnog uvoda teme u gornjem glasu, donji glas oponaša ne samo nju, već i njezin nastavak (opreku). Tako kroz neko vrijeme nastaje kontinuirano kanonsko nasljedovanje ili likanon. Usporedno s dvoglasnim invencijama, Bach je skladao petnaest troglasnih polifonih djela u istim tonalitetima. Imenovao ih je! “simfonije” (prevedeno s grčkog kao “suzvučja”). Jer u stara vremena to je često bio naziv za polifona instrumentalna djela. Ali kasnije se uvriježilo da se te predstave nazivaju trodijelnim invencijama. Koriste se složenijim tehnikama polifonog razvoja. Najupečatljiviji primjer je troglasna invencija u f-molu (deveta). Započinje predstavljanjem dviju suprotnih tema istovremeno. Osnova jednog od njih, koji zvuči u basu, je odmjereno, intenzivno spuštanje kroz kromatske polutonove. Slični potezi česti su u tragičnim arijama iz antičkih opera. To je kao sumoran glas zle kobi, sudbine. Druga tema u srednjem, altovskom glasu prožeta je tugaljivim motivima-uzdasima: Naknadno se te dvije teme tijesno isprepliću s trećom temom s još srdačnijim molećivim usklicima. Do samog kraja predstave glas zle sudbine ostaje neumoljiv. Ali glasovi ljudske tuge ne prestaju. One sadrže neugasivu iskru ljudske nade. I na trenutak se čini da se rasplamsava u posljednjem F-dur akordu. Bachova "simfonija" u h-molu Čembalo u Bachovoj kući u Eisenachu 15 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji (troglasna invencija br. 15) također se ističe lirskom prodornošću. U predgovoru rukopisa svojih izuma i "simfonija", Bach je naznačio da bi one trebale pomoći u razvoju "pjevačkog načina sviranja". To je bilo teško postići na čembalu. Stoga je Bach radije koristio još jedan gudački instrument s klavijaturom kod kuće, uključujući klavikord u nastavi sa studentima. Njegov slab zvuk je neprikladan za koncertnu izvedbu. Ali, kao što je već spomenuto, za razliku od čembala, žice klavikorda se ne trzaju, već su nježno stegnute metalnim pločicama. To doprinosi melodičnosti zvuka i omogućuje dinamične nijanse. Tako je Bach, takoreći, predvidio mogućnosti melodične i koherentne izvedbe glasa na glasoviru - instrumentu koji je u njegovo vrijeme još bio nesavršen u dizajnu. I tu želju velikog glazbenika trebali bi zapamtiti svi moderni pijanisti. Courant je ples u tri takta francuskog porijekla. No zvona francuskog čembala karakterizirala je određena ritmička sofisticiranost i manirizam. Courant u Bachovoj suiti u c-molu srodan je talijanskoj verziji ovog plesnog žanra - življi i pokretljiviji. Ovo je olakšano fleksibilnom kombinacijom dvaju glasova, koji kao da se međusobno podstiču: “Francuska suita” u c-molu Tri zbirke Bachovih svita za klavijature imaju različita imena. Šest suita uvrštenih u treću zbirku sam je nazvao “partitama” (naziv suite “partita” ne nalazimo samo u njegovim djelima14). A druge dvije zbirke - po šest komada - počele su se zvati "Francuske suite" i "Engleske suite" nakon Bachove smrti iz razloga koji nisu baš jasni. Druga od “Francuskih suita” napisana je u tonalitetu c-mol. Prema tradiciji utvrđenoj u antičkim suitama, sadrži četiri glavna dijela - Allemande, Courante, Sarabande i Gigue, kao i još dva interludijska dijela - Ariju i Menuet, umetnuta između Sarabande i Gigue. Allemande je ples koji se formirao u 16.-17. stoljeću u nekoliko europskih zemalja – Engleskoj, Nizozemskoj, Njemačkoj, Francuskoj i Italiji. Na primjer, stari njemački allemande bio je malo teži grupni ples. No, ušavši u klavirske suite, allemande je do 18. stoljeća gotovo izgubio svoje plesne značajke. Od svojih "predaka" zadržala je samo ležeran, staložen hod veličine četiri ili dvije četvrtine. Na kraju se to pretvorilo u labavo strukturiranu predigru. Allemande iz Bachove c-mol suite također je slična promišljenom lirskom preludiju. Ovdje najčešće vode svoje replike tri glasa. Ali ponekad im se pridruži i četvrti glas. Istovremeno, najmelodičniji glas je onaj gornji: Sarabanda je španjolski ples u tri takta. Nekad je bio brz i temperamentan, a kasnije je postao spor, svečan, često blizak pogrebnoj povorci. Sarabanda iz Bachove suite izvedena je od početka do kraja u trodijelnoj strukturi. Kretanje srednjih i nižih glasova uvijek je strogo i koncentrirano (prevladavaju četvrtinke i osmine). I kretanje gornjeg glasa puno je slobodnije i pokretnije, vrlo izražajno. Ovdje prevladavaju šesnaestine, često se nalaze potezi na širokim intervalima (kvinta, šestina, septima). Ovo stvara dva kontrastna sloja glazbene prezentacije, stvarajući lirski intenzivan zvuk15: “Podijeljeno na dijelove” - riječ “partita” prevedena je s talijanskog (od glagola “partire” - “dijeliti”). U sarabandi, vodeći gornji glas nije toliko u suprotnosti s ostalima koliko ih nadopunjuje. 14 15 16 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti Rusije Preludij i fuga u c-molu iz prvog sveska “Dobro temperiranog klavira” Preludij i fuga u C-duru, Preludij i fuga u c-molu, Preludij i Fuga u C-duru, Preludij i Fuga C-mol - i tako dalje kroz svih dvanaest polutonova uključenih u oktavu. Rezultat su ukupno 24 dvodijelna ciklusa “preludija i fuge” u svim durskim i molskim tonalitetima. Ovako su strukturirana oba sveska (ukupno 48 preludija i fuga) Bachova Dobro temperiranog klavira. Ovo grandiozno djelo prepoznato je kao jedno od najvećih u svjetskoj glazbenoj umjetnosti. Preludiji i fuge iz ova dva sveska uključeni su u obrazovni i koncertni repertoar svih profesionalnih pijanista. U Bachovo vrijeme postupno se konačno uspostavlja ravnomjernost u ugađanju instrumenata s tipkama - podjela oktave na dvanaest jednakih polutonova. Ranije je sustav postavljanja bio složeniji. Kod njega su u ključevima s više od tri ili četiri predznaka neki intervali i akordi zvučali lažno. Stoga su skladatelji izbjegavali korištenje takvih tonaliteta. Bach je prvi briljantno dokazao u Dobro temperiranom klaviru da se s jednakom temperamentom mogu jednako uspješno koristiti sve 24 tipke. To je otvorilo nove horizonte skladateljima, povećavši, primjerice, mogućnost modulacije (prijelaza) s jedne tonaliteta na drugu. U Dobro temperiranom klaviru Bach je uspostavio tip dvodijelnog ciklusa "preludij i fuga". Preludij se gradi slobodno. U njemu značajnu ulogu može imati homofono-harmonijska priroda i improvizacija. Time se stvara kontrast fugi kao strogo polifonom djelu. Istodobno, dijelove ciklusa "Preludij i fuga" ujedinjuje ne samo zajednički tonalitet. Između njih, u svakom slučaju, suptilne unutarnje veze manifestiraju se na svoj način. Ove opće tipične značajke mogu se pratiti u Preludiju i fugi u c-molu iz prvog sveska Dobro temperiranog klavira. Preludij se sastoji od dva glavna dijela. Prostraniji prvi u cijelosti je ispunjen brzim, ujednačenim kretanjem šesnaestina u obje ruke. Iznutra je prožet izražajnim melodijskim i harmonijskim elementima. Čini se kao da, sputan obalama, ključa nemirni potok: Giga je brz, razigran ples koji potječe iz Irske i Engleske16. Nekada su engleski mornari voljeli plesati jig. U suitama je giga obično završni, završni stavak. U svom Giguetu u c-molu Bach često koristi tehniku ​​kanonske imitacije između dvaju glasova (kao u Invenciji u F-duru). Prikaz ovog djela temeljito je prožet “poskakujućim” točkastim ritmom: u usporedbi s kontrastom između Allemande i Couranta, kontrast između Sarabande i Gigue je oštriji. Ali to je omekšano s dva dodatna dijela umetnuta između njih. Komad, nazvan "Aria", zvuči manje kao solo vokalna točka u operi, a više kao mirna, jednostavna pjesma. Sljedeći menuet francuski je ples koji kombinira pokretljivost s gracioznošću. Tako se u ovoj suiti, s jednim općim tonalitetom, svi dijelovi uspoređuju na različite načine u prenesenom smislu. Veličine šablone su pretežno trostruke. U 18. stoljeću to je uglavnom bilo 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classon.ru Obrazovanje djece u području ruske umjetnosti srednjim glasom, jasnom, istaknutom, dobro zapamćenom temom s elastičnim plesnim ritmom: 11 Moderato Energična ustrajnost kombinirana je u temi s gracioznošću, lukavim nestašlukom proviruje kroz snažnu pribranost. Time se otvaraju mogućnosti daljnjeg raznolikog i dinamičnog razvoja. Na početku razvoja tema zvuči lagano – jedini put kada se izvodi u duru (Es-dur). U reprizi, od tri glavna prikaza teme u glavnom tonalitetu (c-mol), drugi, u basu, poprima tako snažan razmah da nas tjera na sjećanje na bijes prirodnih sila u preludiju. I još jedna, završna izvedba teme fuge završava prosvijetljenim durskim akordom. Ova sličnost između završetaka preludija i fuge otkriva unutarnju emocionalnu srodnost suprotnih dijelova ciklusa. Akumulirajući moćnu energiju, ovaj tok na kraju prve dionice kao da se prelijeva, a na početku sljedeće dionice postaje još brži, prijeteći da pomesti sve što mu se nađe na putu. Ovaj vrhunac preludija obilježen je promjenom tempa na najbrži (Presto) i uporabom višeglasne tehnike – dvoglasnog kanona. Ali razularenu stihiju naglo zaustavljaju imperativni udarci akorda i smislene fraze recitativa. Tu dolazi do druge promjene tempa - do najsporijeg (Adagio). A nakon treće promjene tempa u umjereno brzi A11ego u posljednjim taktovima preludija, tonička točka orgulja u basu postupno usporava kretanje šesnaestine u desnoj ruci. Postaje tiho šireći se i zamrzava na akordu C-dura. Zavlada smiraj i mir. Nakon takvog slobodnog, improvizacijskog završetka preludija, pozornost se prebacuje na drugu, kontrastnu ravan. Počinje troglasna fuga. Ova riječ na latinskom i talijanskom znači "trčanje", "bijeg", "brz tok". U glazbi, fuga je složeno polifono djelo u kojem se čini da glasovi odjekuju jedan drugoga, sustižući jedan drugoga. Većina fuga temelji se na jednoj temi. Rjeđe su fuge s dvije teme, a još rjeđe s tri i četiri teme. A prema broju glasova fuge su dvoglasne, troglasne, četveroglasne i peteroglasne. Jednotematske fuge počinju prezentacijom teme u glavnom tonalitetu u jednom glasu. Temu potom redom oponašaju drugi glasovi. Tako nastaje prvi dio fuge – ekspozicija. U drugom odjeljku - razvoj - tema se pojavljuje samo u drugim ključevima. A u trećoj i posljednjoj dionici - reprizi9 - opet se izvodi u glavnom tonalitetu, ali se više ne prikazuje jednoglasno. Izložba se ovdje sigurno neće ponoviti. Fuge se intenzivno koriste trajnim protupozicijama i interludijama. Dotična Bachova fuga u c-molu počinje, pojavljujući se u Fugi – najvišem obliku polifone glazbe – dostigla je punu zrelost i najsjajniji procvat u Bachovu djelu. Čuveni ruski skladatelj i pijanist 19. stoljeća, Anton Grigorjevič Rubinstein, u svojoj knjizi “Glazba i njeni predstavnici”, diveći se “Dobro temperiranom klaviru” napisao je da se u njemu mogu pronaći “fuge religioznog, herojskog, melankoličnog , veličanstven, žaloban, šaljiv, pastoralni, dramatičan karakter; samo u jednom su svi slični - u ljepoti...” Istih godina s Johannom Sebastianom Bachom bio je veliki njemački skladatelj Georg Friedrich Handel (1685.-1759.) - divan majstor polifonije, virtuozni orguljaš. Njegova se sudbina okrenula drugačije. Veći dio života proveo je izvan Njemačke, seleći se iz jedne zemlje u drugu (više desetljeća živio je u Engleskoj). 18 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji Handel je autor mnogih opera, oratorija i raznih instrumentalnih djela. O formiranju klasičnog stila u glazbi. Pitanja i zadaci 1. Što je zajedničko Bachovim duhovnim i svjetovnim djelima? 2. Recite nam nešto o figurativnosti Toccate i fuge u d-molu za orgulje. 3. Pjevajte teme Bachovih invencija koje poznajete. Što je zbrajanje brojača kada se zove zadržano? 4. Što je interludij u višeglasnom djelu? Koja se imitacija naziva kanonskom ili kanonskom? 5. Navedite i okarakterizirajte glavne dijelove “Francuske suite” u c-molu. 6. Kako je konstruiran Bachov dobro temperirani klavir? 7. Koja je glavna razlika između preludija i fuge? Ilustrirajte to primjerom Preludija i fuge u c-molu iz prvog sveska Dobro temperiranog klavira. Ima li među njima sličnosti? Glazbeno kazalište 18. stoljeća, posebice njegova sredina i druga polovica, vrijeme je velikih promjena na svim područjima europske glazbene umjetnosti. S početkom ovog stoljeća u talijanskoj operi postupno su se pojavila dva žanra - opera seria (ozbiljna) i opera buffa (komična). Opera seria nastavila je dominirati mitološkim i povijesnim temama, koje su prikazivale takozvane "visoke" heroje - mitološka božanstva, kraljeve starih država i legendarne vojskovođe. A u buffa operama zapleti su postali pretežno moderni, svakodnevni. Ovdje su junaci bili obični ljudi koji su djelovali energično i realno. Prvi upečatljivi primjer opere buffa bila je Sluškinja i gospođa Giovannija Battiste Pergolesija, koja se pojavila pred publikom 1733. u Napulju. Junakinja, poduzetna služavka Serpina, lukavo se udaje za svog mrzovoljnog gospodara Uberta i sama postaje gospodarica. Poput mnogih ranih talijanskih buffa opera, “Sluškinja-gospodarica” izvorno se izvodila kao scenski interludij u intervalima između činova Pergolesijeve opere seria “Ponosna zarobljenica” (sjetite se da je riječ “interludij” latinskog podrijetla i znači “interakcija ”). Ubrzo je “Sluškinja-gazdarica” stekla veliku popularnost u mnogim zemljama kao samostalno djelo. U Francuskoj se komična opera rađa u drugoj polovici 18. stoljeća. Nastao je iz smiješnih, duhovitih komedija s glazbom koje su se izvodile u kinima na pariškim sajmovima. A primjer talijanske opere buffa pomogao je francuskim sajamskim komedijama da se pretvore u komičnu operu, gdje su glavna karakteristika likova bili vokalni brojevi. Za to su od iznimne važnosti bile pariške predstave talijanske operne trupe “buffon”, kada je glavni grad Francuske doslovno očarala Pergolesijeva “Sluškinja i gospodarica”. Za razliku od talijanskih opera buffa, u francuskim komičnim operama arije se ne izmjenjuju s recitativima, već s govornim dijalozima. Konstruiran je i Singspiel - njemačka i austrijska vrsta komične opere, koja se pojavila u 2. Glavnim djelima “Muka po Ivanu”, “Muka po Mateju” Svete kantate u h-molu (sačuvano oko 200) i. svjetovne kantate (sačuvano preko 20) Orkestralna djela 4 suite (“uvertire”) 6 “Brandenburških koncerata” Koncerti za solističke instrumente uz komorni orkestar 7 koncerata za čembalo 3 koncerta za dva, 2 za tri čembala 2 violinska koncerta Koncert za dvije violine Djela za gudala instrumenti 3 sonate i 3 partite za solo violinu 6 sonata za violinu i čembalo 6 suita (“sonata”) za solo violončelo Djela za orgulje 70 koralnih preludija Preludiji i fuge Toccata i fuga u d-molu Passacaglia u c-molu Djela za klavijature Zbirka “Mali preludiji i Fuge” 15 dvoglasnih invencija i 15 troglasnih invencija (“simfonija”) 48 preludija i fuga “Dobro temperirani klavir” 6 “francuskih” i 6 “engleskih” suita 6 suita (partita) “Talijanski koncert” za solo čembalo “Kromatska fantazija i fuga” “Umjetničke” fuge" 19 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji u polovici 18. stoljeća17. Glazbeni jezik svih varijanti komične opere karakterizira uska povezanost s narodnim pjesmama i plesnim melodijama. U drugoj polovici 18. stoljeća ozbiljne operne žanrove radikalno je reformirao veliki njemački skladatelj Christoph Willibald Gluck (1714.-1787.). Napisao je svoju prvu reformnu operu “Orfej i Euridika” (1762.), temeljenu na radnji o legendarnom starogrčkom pjevaču, koja je već više puta korištena u operama od najranijih (o tome je bilo riječi u Uvodu). Gluckov put reforme u operi nije bio lak. Imao je priliku posjetiti mnoge europske zemlje - Njemačku, Austriju, Dansku, kao i Češku naseljenu Slavenima, uz Italiju - Englesku. Prije nego što se čvrsto nastanio u Beču, Gluck je postavio 17 svojih opera seria na pozornice kazališta u Milanu, Veneciji, Napulju, Londonu, Kopenhagenu, Pragu i drugim gradovima. Opere ovog žanra izvodile su se u dvorskim kazalištima mnogih europskih zemalja. Izuzetak je bila Francuska. Ondje su sredinom 18. stoljeća nastavili skladati i postavljati ozbiljne opere samo u tradicionalnom francuskom stilu. No Gluck je pažljivo proučavao operne partiture poznatih francuskih skladatelja Jean-Baptistea Lullyja i Jean-Philippea Rameaua. Osim toga, Gluck je napisao i uspješno postavio osam djela u Beču u novom žanru francuske komične opere. Nedvojbeno je dobro poznavao talijanske buffa opere te njemačke i austrijske Singspiele. Sva ta znanja omogućila su Glucku da odlučno ažurira već zastarjela skladateljska načela za ozbiljne opere. U svojim reformskim operama, postavljenim najprije u Beču, a zatim u Parizu, Gluck je počeo prenositi emotivna iskustva likova s ​​puno većom istinitošću i dramatičnom napetošću i djelotvornošću. Napustio je gomilanje virtuoznih odlomaka u arijama i pojačao izražajnost recitativa. Njegove su opere postale svrhovitije u glazbeno-scenskom razvoju, skladnije u kompoziciji. Tako su se u glazbenom jeziku i u izgradnji novih komičnih i reformiranih ozbiljnih opera pojavile bitne distinktivne značajke novog, klasičnog stila - aktivna djelotvornost razvoja, jednostavnost i jasnoća izražajnih sredstava, kompozicijski sklad, opća plemenitost i uzvišeni karakter glazbe. Taj se stil postupno oblikovao u europskoj glazbi kroz 18. stoljeće, sazrijevao do 1770.-1780. i dominirao do sredine drugog desetljeća 19. stoljeća. Potrebno je uzeti u obzir da definicija "klasične" može imati drugo, šire značenje. “Klasičnom” (ili “klasikom”) nazivaju se i glazbena i druga umjetnička djela koja su prepoznata kao uzorna, savršena, nenadmašna – bez obzira na vrijeme nastanka. U tom smislu, mise talijanskog skladatelja Palestrine iz 16. stoljeća, opere Prokofjeva i simfonije Šostakoviča - ruskih skladatelja 20. stoljeća - mogu se nazvati klasičnim, odnosno klasicima. Instrumentalna glazba Na istoj širokoj međunarodnoj osnovi kao Gluckova operna reforma, u 18. stoljeću dolazi do intenzivnog razvoja instrumentalne glazbe. Ostvaren je zajedničkim snagama skladatelja iz mnogih europskih zemalja. Oslanjajući se na pjesmu i ples, razvijajući klasičnu jasnoću i dinamičnost glazbenog jezika, postupno su oblikovali nove žanrove cikličkih instrumentalnih djela - kao što su klasična simfonija, klasična sonata, klasični gudački kvartet. Veliku važnost u njima je dobio sonatni oblik. Stoga se instrumentalni ciklusi nazivaju sonatnim ili sonatnim simfonijskim. Sonatni oblik. Već znate da je najviši oblik polifone glazbe fuga. A sonatni oblik je najviši oblik homofono-harmonijske glazbe, gdje se samo ponekad mogu koristiti polifone tehnike. Po svojoj su konstrukciji ova dva oblika slična jedan drugome. Kao iu fugi, sonatni oblik ima tri glavna dijela: ekspoziciju, razvoj i reprizu. Ali među njima postoje i značajne razlike. Glavna razlika između sonatnog oblika i fuge pojavljuje se odmah u izložbi 18. Velika većina fuga u potpunosti je izgrađena na jednoj temi, koja se na izložbi izvodi naizmjenično u svakoj. Ova njemačka riječ dolazi od "singen" ("singen “) i „Spiel” („predstava”). 18 Riječ je latinskog podrijetla i znači “predstavljanje”, “pokazivanje”. 20 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji glas. I u izlaganju sonatnog oblika u pravilu se pojavljuju dvije glavne teme, više ili manje različite naravi. Prvo zvuči tema glavnog dijela, a kasnije se javlja tema sporednog dijela. Samo se ni pod kojim okolnostima definicija "strane" ne smije shvatiti kao "sporedna". Jer zapravo, tema sporednog dijela ne igra ništa manje važnu ulogu u sonatnom obliku od teme glavnog dijela. Ovdje se koristi riječ “sporedna” jer, za razliku od prve, na izložbi nužno ne zvuči u glavnom tonalitetu, nego u nekom drugom, odnosno kao u sporednom. U glazbi klasičnog stila, ako je glavni dio u izlaganju dur, tada je sporedni dio postavljen u tonalitetu dominante (na primjer, ako je tonaliteta glavnog dijela C-dur, onda je tonaliteta sporednog dijela je G-dur). Ako je glavni dio u izlaganju mol, tada se sporedni dio izvodi u paralelnom duru (na primjer, ako je ključ glavnog dijela C-mol, tada je ključ sporednog dijela Es-dur). Između glavnog i sporednog dijela stavlja se ili mali svežanj ili ždrijeb za vezivanje. Ovdje se može pojaviti samostalna, melodijski istaknuta tema, ali se češće koriste intonacije teme glavnog dijela. Spojni dio djeluje kao prijelaz na bočni dio; modulira se u ključ bočnog dijela. Dakle, tonska stabilnost je povrijeđena. Uho počinje očekivati ​​početak nekog novog "glazbenog događaja". Ispada da je to pojava teme sporedne igre. Ponekad izlaganju može prethoditi uvod. A nakon sporednog dijela slijedi ili kratki završetak ili cijeli završni dio, često sa samostalnom temom. Time završava ekspozicija uspostavljajući ton bočnog dijela. Po uputama skladatelja, cjelokupno izlaganje može se ponoviti. Razvoj je drugi dio sonatnog oblika. U njoj se teme poznate s izložbe pojavljuju u novim verzijama, izmjenjuju se i uspoređuju na različite načine. Takva interakcija često ne uključuje cijele teme, već motive i fraze izdvojene iz njih. To jest, čini se da su teme u razvoju podijeljene u zasebne elemente, otkrivajući energiju sadržanu u njima. U ovom slučaju postoji česta promjena tipki (glavna tipka je ovdje rijetko pogođena i to ne dugo). Pojavljujući se u različitim ključevima, teme i njihovi elementi kao da su osvijetljeni na nov način, prikazani s novih gledišta. Nakon što razvoj u razvoju dosegne značajnu napetost na vrhuncu, njegov tijek mijenja smjer. Na kraju ovog dijela priprema se povratak na glavni tonalitet i dolazi do zaokreta u reprizu. Repriza je treći dio sonatnog oblika. Počinje povratkom glavnog dijela u glavnom tonalitetu. Spojni dio ne vodi u novi ključ. Naprotiv, popravlja glavni ključ, u kojem se sada ponavljaju i sekundarni i završni dijelovi. Dakle, repriza svojom tonskom stabilnošću uravnotežuje nestabilnu prirodu razvoja i daje cjelini klasičnu harmoniju. Repriza se ponekad može nadopuniti završnom strukturom - kodom (potječe od latinske riječi koja znači "rep"). Dakle, kad zvuči fuga, naša je pozornost usmjerena na slušanje, razmišljanje i osjećanje u jednu glazbenu misao, utjelovljenu jednom temom. Kada djelo zvuči u sonatnom obliku, naš sluh prati usporedbu i interakciju dviju glavnih (i komplementarnih) tema – kao razvoj različitih glazbenih događaja, glazbene radnje. To je glavna razlika između umjetničkih mogućnosti ova dva glazbena oblika. Klasični sonatni (sonatno-simfonijski) ciklus. Otprilike u zadnjoj trećini 18. stoljeća u glazbi se konačno uobličio klasični sonatni ciklus. Prethodno je u instrumentalnim djelima dominirao oblik suite, u kojem su se izmjenjivali spori i brzi stavci, i bliski oblik antičke sonate. Sada je u klasičnom sonatnom ciklusu broj dijelova (obično tri ili četiri) točno određen, ali je njihov sadržaj postao složeniji. Prvi je dio obično napisan u sonatnom obliku, o čemu je bilo riječi u prethodnom odlomku. Hoda brzim ili umjereno brzim tempom. Najčešće je to A11e§go. Stoga se takav stavak obično naziva sonatni alegro. Glazba u njemu često je energičnog, efektnog karaktera, često napeta i dramatična. Drugi dio uvijek je u kontrastu s prvim u tempu i općem karakteru. Često je spor, najlirskiji i najpjevniji. Ali može biti i drugačiji, na primjer, sličan ležernoj pripovijesti ili plesno-gracioznoj U trodijelnom ciklusu, posljednji, treći dio, finale je opet brzo, obično brže, ali manje intenzivno u razvoju. usporedba s prvim. Završnice klasičnih sonatnih ciklusa (osobito simfonija) često slikaju prepunu svečanu zabavu, a tematikom su bliske narodnim pjesmama i plesovima. U ovom slučaju često se koristi rondo oblik (od francuskog "ronde" - "krug"). Kao što znate, ovdje se prvi dio (refren) ponavlja nekoliko puta, izmjenjujući se s novim dijelovima (epizodama). 21 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji Vaša prva opera? 3. U koje vrijeme je u glazbi dominirao klasični stil i do kada je sazrijevao? Objasnite razliku između dva značenja "klasične". 4. Koje su sličnosti u općoj konstrukciji između fuge i sonatnog oblika? Koja je glavna razlika između njih? 5. Navedite glavne i dopunske dionice sonatnog oblika. Nacrtajte njegov dijagram. 6. U kakvom su odnosu glavni i sporedni dijelovi sonatnog oblika u ekspoziciji iu reprizi? 7. Što je karakteristično za razvoj u sonatnom obliku? 8. Opišite dijelove klasičnog sonatnog ciklusa. 9. Navedite glavne vrste klasičnih sonatnih ciklusa ovisno o sastavu izvođača. Sve to odlikuje mnoga finala četverodijelnih ciklusa. Ali u njima su između vanjskih dijelova (prvog i četvrtog) smještena dva srednja dijela. Jedan – spori – obično je drugi u simfoniji, a treći u kvartetu. Treći stavak klasičnih simfonija 18. stoljeća je Menuet, koji zauzima drugo mjesto u kvartetu. Dakle, spomenuli smo riječi "sonata", "kvartet", "simfonija". Razlika između ovih ciklusa ovisi o sastavu izvođača. Posebno mjesto zauzima simfonija - djelo za orkestar, namijenjeno sviranju u velikoj prostoriji pred brojnim slušateljima. U tom smislu simfonija je bliska koncertu – trodijelnoj skladbi za solo instrument uz pratnju orkestra. Najčešći komorni instrumentalni ciklusi su sonata (za jedan ili dva instrumenta), trio (za tri instrumenta), kvartet (za četiri instrumenta), kvintet (za pet instrumenta)19. Sonatni oblik i sonatno-simfonijski ciklus, kao i cijeli klasični stil u glazbi, formiraju se u 18. stoljeću, koje se naziva “Doba prosvjetiteljstva” (ili “Doba prosvjetiteljstva”), kao i “Doba razuma”. U ovom stoljeću, osobito u njegovoj drugoj polovici, u mnogim su se europskim zemljama pojavili predstavnici tzv. “trećeg staleža”. To su bili ljudi koji nisu imali ni plemićke ni duhovne titule. Svoj uspjeh zahvalili su vlastitom radu i inicijativi. Proklamirali su ideal “prirodnog čovjeka”, kojeg je sama priroda obdarila kreativnom energijom, bistrim umom i dubokim osjećajima. Ovaj optimistični demokratski ideal na svoj su način odražavali glazba, drugi oblici umjetnosti i književnost. Primjerice, pobjedu ljudskog uma i neumornih ruku na početku prosvjetiteljstva proslavio je slavni roman engleskog pisca Daniela Defoea “Život i nevjerojatne avanture Robinsona Crusoea” objavljen 1719. godine. Joseph Haydn 1732.-1809. Klasični stil u glazbi dosegao je svoju zrelost i visoki procvat u djelima Josepha Haydna, Wolfganga Amadeusa Mozarta i Ludwiga van Beethovena. Život i rad svakoga od njih dugo je trajao u glavnom gradu Austrije, Beču. Zato se Haydna, Mozarta i Beethovena naziva bečkim klasicima. Austrija je bila multinacionalno carstvo. Uz Austrijance, kojima je njemački materinji jezik, živjeli su Mađari i razni slavenski narodi, uključujući Čehe, Srbe i Hrvate. Njihove pjesme i Pitanja i zadaci 1. Navedite nacionalne varijante komičnih opera 18. stoljeća. Po čemu se struktura talijanske opere buffa razlikuje od strukture francuske komične opere? 2. Uz koje je zemlje i gradove bila vezana djelatnost velikog reformatora opere Christopha Willibalda Glucka? O kojoj temi je pisao nazivi ostalih instrumentalnih ciklusa komornog ansambla su sekstet (6), septet (8), nonet (9), decimet (10). Definicija "komorne glazbe" dolazi od talijanske riječi "camera" - "soba". Jer do 19. stoljeća djela za više instrumenata često su se izvodila u kući, odnosno shvaćala su se kao “sobna glazba”. 19 22 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji Plesne melodije mogle su se čuti iu selima iu gradovima. U Beču je narodna glazba zvučala posvuda - u centru i na periferiji, na raskrižjima ulica, u javnim vrtovima i parkovima, u restoranima i tavernama, u bogatim i siromašnim privatnim kućama. Beč je također bio glavno središte profesionalne glazbene kulture, usredotočeno oko carskog dvora, plemićkih kapela 1 i aristokratskih salona, ​​katedrala i crkava. Talijanska opera seria dugo se njegovala u glavnom gradu Austrije; ovdje je, kao što je već spomenuto, Gluck započeo svoju opernu reformu. Glazba je obilato pratila dvorske svečanosti. No, Bečani su rado posjećivali i vesele farse s glazbom, iz kojih je nastao Singspiel, a voljeli su i plesati. Od tri velika bečka glazbena klasika, Haydn je najstariji. Imao je 24 godine kada se rodio Mozart i 38 godina kada se rodio Beethoven. Haydn je živio dug život. Nadživio je rano preminulog Mozarta za gotovo dva desetljeća i još je bio živ kad je Beethoven već stvorio većinu svojih zrelih djela. Za privatno kneževsko kazalište napisao je više od dva tuceta opera u žanrovima seria, buffa, kao i nekoliko "lutkarskih" opera za predstave koje izvode lutke. No, područje njegovih glavnih kreativnih interesa i postignuća je simfonijska i komorna2 instrumentalna glazba. Ukupno je to više od 800 eseja3. Među njima je posebno značajno više od 100 simfonija, više od 80 gudačkih kvarteta i više od 60 sonata za klavijature. U njihovim se zrelim primjerima s najvećom cjelovitošću, svjetlinom i originalnošću otkrio optimistički stav velikog austrijskog skladatelja. Samo ponekad ovaj svijetli svjetonazor zasjeni sumornije raspoloženje. Uvijek ih pobjeđuje Haydnova neiscrpna ljubav prema životu, oštroumno zapažanje, vedar humor, jednostavno, zdravo i ujedno poetično poimanje okolne stvarnosti. Životni put Rano djetinjstvo. Rohrau i Hainburg. Franz Joseph Haydn rođen je 1732. godine u selu Rohrau, smještenom u istočnoj Austriji, blizu mađarske granice i nedaleko od Beča. Haydnov otac bio je vješti izrađivač kočija, majka je služila kao kuharica na imanju grofa, vlasnika Rohraua. Njegovi su roditelji rano počeli učiti svog najstarijeg sina Josepha, kojeg su u obitelji od milja zvali Zepperlem, da bude vrijedan, uredan i čist. Haydnov otac uopće nije poznavao glazbu, ali je volio pjevati, prateći se na harfi, posebno kada je svirao svoju. gosti su se okupljali u maloj kući. Zepperl je pjevao čistim srebrnim glasom, otkrivajući prekrasan sluh za glazbu. A kad je dječaku bilo samo pet godina, poslan je u susjedni grad Hainburg da živi kod daljnjeg rođaka koji je vodio crkvenu školu i zbor. U Hainburgu je Sepperl naučio čitati, pisati, brojati, pjevati u zboru, a počeo je svladavati i vještine sviranja klavikorda i violine. Ali život mu nije bio lak u tuđoj obitelji. Mnogo godina kasnije prisjetio se da je tada dobio “više batina nego hrane”. Čim je Sepperl stigao u Hainburg, naređeno mu je da nauči udarati u timpane kako bi sudjelovao u istoj crkvenoj procesiji uz glazbu. Dječak je uzeo sito, navukao na njega komad tkanine i počeo marljivo vježbati. Uspješno je izvršio svoj zadatak. Samo je prilikom organiziranja procesije bilo potrebno instrument objesiti na leđa vrlo niskog čovjeka. I on je bio grbav, što je nasmijalo publiku. U kapeli bečke katedrale sv. Stjepana. Prolazeći kroz Hainburg, bečki katedralni dirigent i dvorski skladatelj Georg Reuther skrenuo je pozornost na njegove izuzetne glazbene sposobnosti. Haydn je bio iskreno religiozan čovjek. Autor je niza misa i drugih vokalnih i instrumentalnih djela na duhovne tekstove. 23 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti Rusije Zepperl. Tako se 1740. godine osmogodišnji Haydn našao u glavnom gradu Austrije, gdje je primljen kao pjevač u kapeli katedrale (glavne) katedrale Svetog Stjepana. sam to radim. Težak početak samostalnog života. Kad je do osamnaeste godine mladićev glas počeo pucati - privremeno je promukao i izgubio fleksibilnost, grubo je i nemilosrdno izbačen iz kapele. Budući da se našao kao beskućnik i bez sredstava, mogao je umrijeti od gladi i hladnoće da ga neko vrijeme nije sklonio pjevač kojeg je poznavao, a koji je sa ženom i djetetom živio u sobičku pod krovom. Haydn je počeo preuzimati svaki glazbeni rad koji bi mu se našao na putu: kopirao je note, davao satove pjevanja i sviranja klavira za novčane novčiće i sudjelovao kao violinist u uličnim instrumentalnim ansamblima koji su noću izvodili serenade u čast jednog od stanovnika grada. Napokon je uspio iznajmiti sobicu na šestom, posljednjem katu kuće u središtu Beča. Sobu je probadao vjetar, u njoj nije bilo peći, a zimi se voda često smrzavala. U takvoj teškoj situaciji Haydn je živio deset godina. Ali nije klonuo duhom i s entuzijazmom se bavio svojom omiljenom umjetnošću. "Kad sam sjedio za svojim starim, crvotočnim klavirom", prisjećao se u starosti, "nisam zavidio nijednom kralju na sreći." Haydnu je u svladavanju svakodnevnih poteškoća pomagao njegov živahan, vedar karakter. Jednom je, primjerice, noću smjestio svoje kolege glazbenike u skrovite kutke na jednoj od bečkih ulica, a na njegov znak svi su počeli svirati što su htjeli. Rezultat je bio “mačji koncert” koji je izazvao oduševljenje okolnih stanovnika. Dvojica glazbenika završila su u policiji, no poticatelj skandalozne “serenade” nije izručen. Upoznavši popularnog komičnog glumca, Haydn je u suradnji s njim skladao singspiel “The Lame Demon” i zaradio malu svotu novca 20. A kako bi iskoristio stručne upute slavnog talijanskog skladatelja i vokalnog pedagoga Nicole Antonio Porpora, Haydn je pratio svoje učenike na satovima pjevanja i, osim toga, služio mu je kao lakaj. Postupno je Haydn počeo stjecati slavu u Beču i kao učitelj i kao skladatelj. Upoznao je poznate ljude; glazbenici i ljubitelji glazbe. U kući uglednog dužnosnika počinje sudjelovati u izvođenju komornih ansambala i stvara svoje prve gudačke kvartete za koncerte na svom seoskom imanju. A Haydn je svoju prvu simfoniju napisao 1759. godine, kada je dobio mali orkestar na raspolaganje, postavši šefom kapele grofa Morcina. Grof je držao samo pojedine glazbenike. Haydn, koji je oženio kćer bečkog frizera, bio je prisiljen to držati u tajnosti. Ali to je trajalo samo do 1760., kada je u Beču, velikom lijepom gradu s veličanstvenim zgradama i arhitektonskim ansamblima, val novih živih dojmova zapljusnuo dječaka. Multinacionalna narodna glazba zvučala je posvuda. Svečana vokalno-instrumentalna djela izvedena su u katedrali i na carskom dvoru, gdje je nastupila i kapela. Ali uvjeti postojanja opet su se pokazali teškima. Za vrijeme nastave, proba i nastupa zboraši su bili jako umorni. Hranili su ih oskudno; stalno su bili polugladni. Za podvalu su bili oštro kažnjeni. Mali Haydn nastavio je marljivo učiti umjetnost pjevanja, svirajući klavir i violinu, a silno je želio skladati glazbu. Međutim, Reuther se na to nije obazirao. Prezauzet vlastitim poslovima, tijekom svih devet godina Haydnova boravka u kapeli, dao mu je samo dva sata kompozicije. Ali Joseph je ustrajno postigao svoj cilj, nekoliko godina kasnije napisao je još jedan singspiel pod nazivom "The New Lame Demon". 20 24 www.classon.ru Obrazovanje djece na polju umjetnosti u Rusiji grofova materijalna situacija bila je uzdrmana i on je raspustio svoju kapelu. Haydnov brak bio je neuspješan. Njegov odabranik odlikovao se teškim, mrzovoljnim karakterom. Muževljevi skladateljski poslovi uopće je nisu zanimali - do te mjere da je od rukopisa njegovih djela izrađivala uvijače i obloge za paštetu. Nekoliko godina kasnije, Haydn je počeo živjeti odvojeno od svoje žene. Nisu imali djece. U kapeli knezova Esterházyja. 1761. bogati Mađar; Princ Pal Antal Esterházy pozvao je Haydna u Eisenstadt kao vicekapellmeistera. Od tog trenutka počinje njegova služba kod obitelji Esterhazy, koja je trajala puna tri desetljeća. Pet godina kasnije postao je kapelmaš - nakon što je stariji glazbenik koji je obnašao tu dužnost umro. Nasljednik Pala Antala, koji je preminuo 1762., isticao se predanošću luksuzu i skupoj zabavi - njegov brat Miklos 1, zvani Veličanstveni. Nekoliko godina kasnije preselio je svoju rezidenciju iz Eisenstadta u novu ladanjsku palaču od 126 soba, okružio je golemim parkom, u blizini sagradio operu s 400 sjedala i lutkarsko kazalište te znatno povećao broj glazbenika u kapeli. . Rad tamo dao je Haydnu dobru financijsku potporu, a uz to i priliku da mnogo sklada i odmah se okuša u praksi, ravnajući orkestralnim izvođenjem svojih novih djela. U Eszterhazi (ime nove kneževske rezidencije) često su se održavali prepuni prijemi, često uz sudjelovanje visokih stranih gostiju. Zahvaljujući tome, Haydnovo djelo postupno postaje poznato i izvan Austrije. Ali u svemu tome postojala je, kako kažu, i druga strana medalje. Ulaskom u službu, Haydn je potpisao ugovor, prema kojem je postao neka vrsta glazbenog sluge. Morao se pojaviti svaki dan, prije i poslije ručka, ispred palače u napudranoj perici i bijelim čarapama kako bi slušao prinčeve naredbe. Ugovor je obvezivao Haydna da hitno napiše “svaku glazbu koju njegovo gospodstvo želi, da nikome ne pokazuje nove skladbe, a još manje dopušta da ih itko kopira, već da ih čuva isključivo za svoje gospodstvo i da ne sklada ništa ni za koga bez njegova znanja i milostivo dopuštenje.” Osim toga, Haydn je bio dužan pratiti red u kapeli i ponašanje glazbenika, podučavati pjevače i biti odgovoran za sigurnost instrumenata i nota. Nije živio u palači, nego u susjednom selu, u maloj kući. Iz Eisenstadta se kneževski dvor prethodno zimi preselio u Beč. A iz Eszterhazyja Haydn je u prijestolnicu mogao doći samo povremeno s princem ili uz posebno dopuštenje. Tijekom godina provedenih u Eisenstadtu i Eszterhazi, Haydn je prošao put od glazbenika početnika do velikog skladatelja, čije je djelo doseglo visoko umjetničko savršenstvo i dobilo priznanje ne samo u Austriji, već i daleko izvan njezinih granica. Tako je šest “Pariških simfonija” (br. 82-87) napisao po narudžbi iz glavnog grada Francuske, gdje su s uspjehom izvedene 1786. godine. Haydnovi susreti s Wolfgangom Amadeusom Mozartom u Beču datiraju iz 1780-ih. Prijateljsko zbližavanje imalo je blagotvoran učinak na rad obojice velikih glazbenika. S vremenom je Haydn sve oštrije počeo osjećati svoj ovisan položaj. Njegova pisma prijateljima iz Esterhazyja u Beču, napisana u prvoj polovici 1790. godine, sadrže sljedeće fraze: “Sada - sjedim u svojoj pustinji - napušten - poput siročeta - gotovo bez društva - tužan... posljednji prinčevi od Esterhazyja posjedovali su ogromna imanja, imali mnogo slugu i vodili život sličan kraljevskom u svojim palačama. Posebna 25 www.classon.ru Školovanje djece u području umjetnosti u Rusiji danima nisam znao jesam li kapelnik ili dirigent... Tužno je stalno biti rob...” Novi zaokret u sudbina. Putovanja u Englesku. U jesen 1790. umire Miklós Esterházy. Bio je prosvijećeni ljubitelj glazbe, svirao je gudačke instrumente i nije mogao ne cijeniti na svoj način takvog “glazbenog slugu” kakav je bio Haydn. Knez mu je ostavio veliku doživotnu mirovinu. Nasljednik Miklos Antal, ravnodušan prema glazbi, raspustio je kapelu. No, želeći da slavni skladatelj i dalje bude naveden kao njegov dvorski dirigent, čak je povećao novčane isplate Haydnu, koji je tako postao oslobođen službenih dužnosti i mogao se potpuno kontrolirati. Haydn se preselio u Beč s namjerom da sklada, a isprva je odbijao ponude da posjeti druge zemlje. Ali tada je pristao na ponudu da poduzme dugo putovanje u Englesku i stigao je u London početkom 1791. godine. Tako je Haydn, približavajući se šezdesetom rođendanu, prvi put svojim očima ugledao more i prvi put se našao u drugoj zemlji. Za razliku od Austrije, koja je po svom poretku još uvijek bila feudalno-aristokratska, Engleska je dugo bila buržoaska zemlja, a društveni, pa tako i glazbeni, život Londona uvelike se razlikovao od Beča. U Londonu, golemom gradu s mnogim industrijskim i trgovačkim poduzećima, prevladavali su koncerti ne za odabrane osobe pozvane u palače i salone plemstva, već organizirani u javnim dvoranama, gdje su svi dolazili uz naknadu. Ime Haydna u Engleskoj je već bilo okruženo aurom slave. I poznati glazbenici i uglednici odnosili su se prema njemu ne samo kao ravnopravnom, nego i s posebnim poštovanjem. Njegova nova djela, u kojima je djelovao kao dirigent, bila su oduševljeno primljena i izdašno plaćena. Haydn je dirigirao velikim orkestrom od 40-50 ljudi, dakle dvostruko većim od Esterhazyjeve kapele. Sveučilište Oxford dodijelilo mu je titulu počasnog doktora glazbe. Haydn se vratio u Beč godinu i pol kasnije. Usput je posjetio njemački grad Bonn. Tamo je prvi put upoznao mladog Ludwiga van Beethovena, koji se ubrzo preselio u Beč s namjerom da studira kod Haydna. Ali Beethoven ga nije dugo učio. Dva glazbena genija, previše različita po dobi i temperamentu, tada nisu naišla na pravo međusobno razumijevanje. Međutim, Beethoven je svoje tri klavirske sonate (br. 1-3) posvetio Haydnu tijekom objavljivanja. Haydnovo drugo putovanje u Englesku započelo je 1794. i čak je trajalo nešto više od godinu i pol. Uspjeh je ponovno bio trijumfalan. Od brojnih nastalih djela; Tijekom tih putovanja iu vezi s njima posebno je značajno dvanaest tzv. “Londonskih simfonija”. Posljednje godine života i stvaralaštva. Sljedeći knez Esterházyja, Miklós II., bio je više zainteresiran za glazbu od svog prethodnika. Stoga je Haydn počeo ponekad putovati iz Beča u Eisenstadt i napisao nekoliko misa koje je naručio princ. Skladateljeva glavna djela posljednjih godina - dva monumentalna oratorija "Stvaranje svijeta" i "Godišnja doba" - izvedena su u Beču s velikim uspjehom (jedan 1799., drugi 1801.). Prikaz drevnog kaosa iz kojeg potom nastaje svijet, nastanak Zemlje, rađanje života na Zemlji i stvaranje čovjeka – to je sadržaj prvog od ovih oratorija. Četiri dijela drugog oratorija (“Proljeće”, “Ljeto”, “Jesen”, “Zima”) sačinjena su od prikladnih glazbenih skečeva seoske prirode i seljačkog života. 26 www.classon.ru Obrazovanje djece u području ruske umjetnosti Nakon 1803. Haydn nije skladao ništa drugo. Proživio je život tiho, okružen slavom i čašću. Haydn je umro u proljeće 1809., na vrhuncu Napoleonovih ratova, kada su Francuzi ušli u Beč. violončela i kontrabasa. Skupinu drvenih puhačkih instrumenata čine flaute, oboe, klarineti i fagoti 21. Haydnovu skupinu limenih instrumenata čine rogovi i trube, a od udaraljki koristio je samo timpane i tek u posljednjoj, dvanaestoj “Londonskoj simfoniji” dodao je trokut, činele i bubanj. Pitanja i zadaci 1. Koja se tri velika skladatelja nazivaju bečkim glazbenim klasicima? Što objašnjava ovu definiciju? 2. Recite nam nešto o glazbenom životu Beča u 18. stoljeću. 3. Navedite glavne glazbene žanrove u Haydnovu djelu. 4. Gdje je i kako Haydn proveo djetinjstvo i mladost? 5. Kako je Haydn započeo svoje samostalno putovanje? 6..Kako je tekao Haydnov život i rad tijekom njegove službe u kapeli knezova Esterházyja? 7. Recite nam nešto o Haydnovom putovanju u Englesku i njegovim posljednjim godinama života. Simfonijsko stvaralaštvo Kad je Haydn napisao svoju prvu simfoniju 1759. godine, mnoga su djela u ovom žanru već postojala i nastavila se stvarati. Nastali su u Italiji, Njemačkoj, Austriji i drugim europskim zemljama. Sredinom 18. stoljeća, primjerice, simfonije koje su skladane i izvođene u njemačkom gradu Mannheimu, koji je imao najbolji orkestar tog vremena, postale su općepoznate. Među skladateljima takozvane “mannheimske škole” bilo je mnogo Čeha. Jedan od predaka simfonije je trodijelna talijanska operna uvertira (s omjerom dijelova u tempu: “brzo-sporo-brzo.”). U ranim („pretklasičnim“) simfonijama tek se krčio put budućoj klasičnoj simfoniji čija su obilježja bila značajnost figurativnog sadržaja i savršenstvo forme. Idući tim putem, Haydn je 1780-ih godina stvorio svoje zrele simfonije. A onda su se pojavile zrele simfonije još vrlo mladog Mozarta, koji je nevjerojatno brzo došao do vrhunaca umjetničkog majstorstva. Haydn je svoje Londonske simfonije, koje su okrunile njegova postignuća u ovom žanru, stvorio nakon Mozartove prerane smrti, koja ga je duboko potresla. U Haydnovim zrelim simfonijama ustalila se sljedeća tipična kompozicija četverostavačnog ciklusa: sonatni alegro, polagani stavak, menuet i finale (obično u obliku ronda ili sonatnog alegra). Istodobno je u glavnim crtama određen klasični sastav orkestra koji se sastoji od četiri skupine instrumenata. Vodeća skupina su žice. Uključuje violine, viole, a Haydn nije uvijek koristio klarinete. Čak se iu njegovim Londonskim simfonijama čuju u samo pet (od dvanaest). 21 27 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji Ova je simfonija poznata kao “Vojna”. Neke druge Haydnove simfonije također imaju naslove. U većini slučajeva ne daje ih sam skladatelj i obilježavaju samo jedan određeni detalj, često figurativan, na primjer, imitacija kokodakanja u usporenom stavku simfonije “Pile” ili “kucanje” u sporom pokretu “Sata”. ” simfonija. Posebna je povijest povezana sa simfonijom u fis-molu, kojoj je dodijeljen naziv "Oprostaj". Ima dodatni peti dio (točnije kodu tipa Adagio). Tijekom njegove izvedbe članovi orkestra, jedan po jedan, gase svijeće na svojim konzolama, uzimaju instrumente i odlaze. Ostaju samo dva violinista, koji tiho i tužno završe odsvirane posljednje taktove i također odu. Za to postoji sljedeće objašnjenje. Kao da je jednog ljeta knez Miklós I. zadržao glazbenike svoje kapele u Eszterházi duže nego inače. I htjeli su brzo otići na godišnji odmor kako bi vidjeli svoje obitelji koje su živjele u Eisenstadtu. A neobično drugo finale Oproštajne simfonije poslužilo je kao nagovještaj tih okolnosti. Osim simfonija, Haydn je napisao mnoga druga djela za orkestar, uključujući više od stotinu pojedinačnih menueta. I odjednom se sve radosno preobrazi: počinje izlaganje sonatnog alegra. Umjesto sporog tempa - brzi (Allegro con spirito - “Brzo, s entuzijazmom”), umjesto teških basovskih unisona - iz istih zvukova G i A-flama u visokom registru, prvi motiv pokreta, zarazno vesela, rađa se plesna tema glavnog dijela. Svi motivi ove teme, postavljeni u glavnom tonalitetu, započinju ponavljanjem prvog zvuka - kao žarkim pečatom: Simfonija u Es-duru Ovo je jedanaesta od Haydnovih dvanaest "Londonskih simfonija". Njegov glavni ključ je Es-dur. Poznata je kao "simfonija s tremolo timpanima" 22. Simfonija se sastoji od četiri stavka. Prvi dio počinje polaganim uvodom. Tremolo ("kotrljanje") timpana ugođenog na toniku zvuči tiho. To je poput daleke grmljavine. Zatim se sama tema uvoda razvija u glatkim, širokim "izbočinama". Najprije je unisono sviraju violončela, kontrabasi i fagoti. Čini se kao da neke tajanstvene sjene tiho lebde, ponekad zastaju. Stoga oklijevaju i zamrzavaju se: u posljednjim taktovima uvoda, nekoliko se puta izmjenjuju jednoglasi na susjednim zvukovima G i A-flat, tjerajući uho da očekuje - što će se sljedeće dogoditi? Dvostruka izvedba teme od strane žičanih klavirskih instrumenata nadopunjena je razuzdanom melodijom plesne zabave, koja zvuči snažno kroz cijeli orkestar. Ovaj bum brzo projuri, a dašak tajanstvenosti ponovno se pojavljuje u spojnom dijelu. Tonska stabilnost je narušena. Postoji modulacija u B-dur (dominanta Es-dura) - tonalitet sporednog dijela. U spojnom dijelu nema nove teme, ali se čuje izvorni motiv teme Timpani - polukugle preko kojih je nategnuta koža po kojoj se udara s dva štapića. Svaka hemisfera može proizvesti zvuk na samo jednoj visini. Klasične simfonije obično koriste dvije polutke, ugođene na toniku i dominantu. 22 28 www.classon.ru Obrazovanje djece u području ruske umjetnosti glavnog dijela i daleki podsjetnik na uvodnu temu: Izlaganje završava izjavom o tonalitetu sporednog dijela (B-dur). Izlaganje se ponavlja, a zatim slijedi razvoj. Puna je polifonog imitativnog i tonsko-harmonijskog razvoja motiva izdvojenih iz teme glavnog dijela. Tema sporedne igre pojavljuje se pri kraju razvoja. Dirigirana je u potpunosti u tonalitetu D-dura, daleko od glavnoga, odnosno pojavljuje se kao u novom, neobičnom svjetlu. I jednog dana (nakon opće stanke s fermatom) u basu se javljaju intonacije tajanstvene uvodne teme. Razvoj zvuči pretežno glasovir i pianissimo i samo povremeno forte i fortissimo s pojedinačnim naglascima sforzanda. To pojačava dojam tajanstvenosti. Motivi iz teme glavne dionice u svom razvoju ponekad nalikuju fantastičnom plesu. Može se zamisliti da je to ples nekih tajanstvenih svjetala, koja ponekad jako bljeskaju. U reprizi u Es-duru ponavlja se ne samo glavni dio, već i sporedni dio, a vezni dio se preskače. Neki misterij se pojavljuje u kodu. Počinje, poput uvoda, tempom Adagia, tihim tremolom timpana i polaganim unisonim tokovima. No ubrzo, na samom kraju prvoga stavka, vraćaju se brzi tempo, glasna zvučnost i veseli plesni “topovi”. Drugi dio simfonije - Andante - varijacija je na dvije teme - pjesmu u c-molu i pjesmu-koračnicu u C-duru. Struktura tih takozvanih dvostrukih varijacija je sljedeća: prikazane su prva i druga tema, zatim slijede: prva varijacija prve teme, prva varijacija druge teme, druga varijacija prve teme, druga varijacija druge teme i koda, na temelju materijala druge teme. Do danas se istraživači prepiru o nacionalnosti prve teme. Hrvatski glazbenici smatraju da je po svojim karakteristikama hrvatska narodna pjesma, a mađarski da je riječ o mađarskoj pjesmi. I Srbi, Bugari i Poljaci u njoj nalaze svoja nacionalna obilježja. Ovaj spor se ne može sa sigurnošću razriješiti, jer je tema sporedne pjesme opet zabavna. Ali u usporedbi s glavnom strankom, ona nije tako energična, već gracioznija i ženstvenija. Melodija zvuči iz violine i oboe. Tipična pratnja valcera približava ovu temu landeru - austrijskom i južnonjemačkom plesu, jednom od predaka valcera: 29 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti Rusije drevna melodija i njezine riječi nisu bile pronađeno. Očigledno je spojio značajke nekoliko slavenskih i mađarskih napjeva; takav je, osobito, osebujan potez za produženu sekundu (E-flat - fadieuse): varijacije druge teme nastavljaju herojski marširajući hod, ukrašen virtuoznim odlomcima - cvjetanjem flaute. I u velikom kodu dolazi do neočekivanih zaokreta u razvoju “glazbenih događaja”. Najprije se tema marša pretvara u nježnu, prozirnu zvučnu. Zatim se intenzivno razvija motiv izdvojen iz njega točkastim ritmom. To dovodi do iznenadne pojave ključa Es-dura, nakon čega završno izvođenje teme koračnice zvuči vedro i svečano u C-duru. Treći dio simfonije - Menuet - izvorno spaja staloženi hod plesa visokog društva s kapricioznim širokim skokovima i sinkopama u melodiji: napjev i druga, marširajuća glavna tema. Za razliku od prve, ona u isto vrijeme ima neku srodnost s njom - kvartni ritam, uzlazni, a zatim silazni smjer melodije i povišeni IV stupanj (fadieuse): Ova hirovita tema naglašena je glatkim, smirenim pokretom u Trio - središnji dio Menueta, smješten između prvoga dijela i svojim točnim ponavljanjem23: Prikaz prve teme uz gudačke instrumente klavir i pianissimo nalikuje ležernoj pripovijesti, početku priče o nekim neobičnim događajima. Prva od njih može biti iznenada glasna prezentacija druge, koračničke teme, u kojoj se gudačkoj skupini dodaju puhački instrumenti. Narativni ton nastavlja se u prvoj varijanti prve teme. Ali njegovu zvuku pridružuju se žalosni i oprezni odjeci. U prvoj varijanti druge teme, solo violina boji melodiju hirovitim uzorcima. U drugoj varijanti prve teme pripovijest iznenada poprima buran, uzbuđen karakter (u upotrebi su svi instrumenti, uključujući i timpane). U drugom, Menuet (točnije, njegovi ekstremni, sofisticirani i hiroviti odsjeci) suprotstavlja se narodno-svakodnevnim temama, s jedne strane, prvog i drugog dijela simfonije, as druge, njezinog posljednjeg, četvrtog. dio - finale. Ovdje je, kako i priliči klasičnom sonatnom allegru, u ekspoziciji glavni dio postavljen u glavnom tonalitetu Es-dura, sporedni dio u dominantnom tonalitetu B-dura, a u reprizi oba zvuče u Es-duru. No, u bočnom dijelu nije dugo vremena središnji dio orkestralnih djela izvodio obično tri instrumenta. Odatle dolazi naziv “trio”. 23 30 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji, pojavljuje se potpuno nova tema. Temelji se na temi glavnog dijela. potječe od francuske riječi "ronde", što znači "krug" ili "ples". Pitanja i zadaci 1. Kada su Haydn i Mozart počeli stvarati svoje zrele simfonije? 2. Od kojih se dijelova obično sastoji Haydnova simfonija? Navedi skupine instrumenata u Haydnovu orkestru. 3. Koje nazive Haydnovih simfonija znaš? 4. Zašto se Haydnova simfonija u Es-duru zove "s tremolom ili markom"? Kojim dijelom počinje? 5. Opišite glavne teme sonatnog oblika u prvom stavku ove simfonije. 6. U kojem obliku i na koje teme je napisan drugi dio simfonije? 7. Opišite glavne teme i dijelove trećeg dijela. 8. U čemu je osobitost odnosa tema glavnog i sporednog dijela u finalu? Kakva je veza između karaktera glazbe u prvom dijelu simfonije i u njezinu finalu? Tako ispada da je cijeli kraj baziran na jednoj temi. Skladatelj, kao u zamršenoj igri, ili nastavlja temu u cijelosti, ili vješto kombinira njezine varijacije i pojedine elemente. I ona sama je zamršena. Uostalom, u njemu se prvi put pojavljuje harmonijska osnova - takozvani "zlatni potez" dva roga - tipičan signal lovačkih rogova. I tek onda se na tu osnovu nadograđuje plesna melodija, bliska hrvatskim narodnim pjesmama. Započinje "gaženjem" na jednom zvuku, a zatim se taj motiv više puta ponavlja, oponaša, prelazi s jednog glasa na drugi. Ovo podsjeća na uvodni motiv glavne teme prvog dijela i kako se ona tamo razvija. Osim toga, skladatelj je naznačio isti tempo u finalu - Allegro con spirito. Tako u završnici napokon zavlada element vesele narodne igre. Ali ovdje ima poseban karakter - podsjeća na zamršeno kolo, grupni ples u kojem se ples kombinira s pjesmom i razigranom radnjom. To potvrđuje i činjenica da se u ekspoziciji glavni dio ponavlja u glavnom tonalitetu još dva puta - nakon male prijelazne epizode i nakon sporedne. Odnosno, čini se da se nastavlja, krećući se u krug. A to u sonatni oblik unosi značajke rondo forme. Sama riječ "rondo", kao što je već spomenuto, kreativnost klavijature Kad je Haydn stvarao svoja djela za klavijature, klavir je postupno iz glazbene prakse zamijenio čembalo i klavikord. Haydn je svoja rana djela napisao za te drevne instrumente s tipkama, au izdanjima kasnijih godina počeo je označavati "za čembalo ili klavir" i, konačno, ponekad samo "za klavir". Među njegovim klavijaturskim djelima najznačajnije mjesto zauzimaju solističke sonate. Ranije se vjerovalo da ih je Haydn imao samo 52, no onda je, zahvaljujući pretragama istraživača, taj broj porastao na 62. Najpoznatije od njih su sonate u D-duru i E-molu24. Sonata u D-duru Tema glavnoga dijela, kojim započinje prvi dio ove sonate, je ples koji pršti zabavom i vedrinom s dječački nestašnim oktavnim skokovima, gracioznim notama, mordentima i ponavljanjima zvukova. Takva glazba može se zamisliti iu operebuffa: u ranijim izdanjima ove sonate su tiskane kao “No 34” i “No. 24 31 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji Ali u razvoj teme sporednog dijela prodiru vragolasti skokovi iz glavnog dijela, a zatim nemirni odlomak Pokret iz spojnog dijela. Postaje intenzivniji, zamašniji i odjednom se brzo smiri - kao po nekoj trenutno donesenoj odluci. Nakon toga izlaganje završava veselo rasplesanim završnim dijelom. Opet ima puno aktivnosti u razvoju. Ovdje oktava odskače od teme glavnog dijela, prelazeći u lijevu ruku, postaje još nestašnija, a prolazni stavak doseže još veću napetost i širi opseg nego u razvoju teme sporednog dijela u izlaganju. U reprizi zvuk sporednih i završnih dijelova u glavnom tonalitetu (D-dur) čvrsto uspostavlja dominaciju radosnog raspoloženja. Najjači kontrast unosi u sonatu kratki drugi stavak, spor i suzdržan karakter. Napisana je u istoimenom tonalitetu u d-molu. U glazbi se čuje teški korak sarabane, drevnog plesa koji je često poprimio karakter pogrebne povorke. I u izražajnim melodijskim uzvicima s tripletima i točkastim ritmičkim figurama postoji sličnost sa žalosnim napjevima mađarskih Roma: Veseli, nemirni odlomci šesnaesterca ispunjavaju vezni dio. I tema sporednog dijela (u tonalitetu A-dura) također je plesna, samo suzdržanija i elegantnija: 32 www.classon.ru Obrazovanje djece na području ruske umjetnosti Sonata u e-molu Početkom 1780-ih Haydn je prvi dobio poziv za koncertno putovanje u London . Marljivo se za to pripremao, ali ga tada nije mogao izvesti zbog službenih obaveza u kapeli Esterhazy. Moguće je da su se snovi o dalekom "prekomorskom" putovanju i s njima povezanim iskustvima odrazili u sonati E-mol koja se pojavila u to vrijeme. Ovo je jedina od rijetkih Haydnovih molskih sonata u kojoj se u prvom stavku kombinira naglašeni lirski karakter s vrlo brzim tempom. Osebujna je i sama tema glavnoga dijela ovoga stavka, kojim sonata počinje: Ali u Haydnovoj optimističnoj umjetnosti tamne slike smrti uvijek su pobijeđene svijetlim slikama života. A D-mol drugi dio ove sonate, koji ne završava na tonici, već na dominantnom akordu, izravno nastavlja na brzi D-dur finale 25. Finale je izgrađeno u obliku ronda, gdje je glavna tema - refren (u glavnom tonalitetu D-dura) - ponavlja se tri puta, a između njegovih ponavljanja se mijenjaju dionice - epizode: prva epizoda u D-molu, a druga u G-duru. Ovdje se samo u prvoj, d-mol epizodi, provlače tužna sjećanja - odjek središnjeg dijela. Druga, G-dur epizoda već je bezbrižno vesela i dovodi do komične “prozivke” desne i lijeve ruke na isti ton. A leteće-plesna glavna tema finala (refren ronda) jedna je od najveselijih kod Haydna: Početne fraze teme sastavljene su od kombinacije dva elementa. U basu, u lijevoj ruci, klavir, kreće se na zvuk molskog toničkog trozvuka - poput poziva da se juri nekamo u daljinu. I odmah u desnoj ruci slijede drhtavi, kao da sumnjaju, kolebljivi motivi-odgovori. Opće kretanje teme je mekano, valovito, lelujavo. Osim toga, veličina prvog dijela - 6/8 - tipična je za žanr barkarole - "pjesme na vodi"26. U veznom dijelu je modulacija u G-dur paralelno s E-molom - tonalitet sporednih i završnih dijelova. Spojni i završni dijelovi, ispunjeni dirljivim odlomcima šesnaestina, uokviruju sporedni dio - lagan, sanjiv. Na to ukazuju talijanske riječi “attacca subito il Finale”, što znači “odmah započeti finale”. Izvorno su se pjesme venecijanskih gondolijera nazivale barcarolles. Sam naziv žanra dolazi od talijanske riječi “barca” - “čamac”. 25 26 33 www.classon.ru Obrazovanje djece na polju umjetnosti u Rusiji, kao da se vinulo uvis: priroda, kad su se oglasili signali, kao da je zvala da se vrati, srce kao da je zatreperilo u radosnom alarmu! I tu se, nakon prijelaza akorda, pojavljuje glavna tema trećeg stavka (finale). Ovo je refren forme ronda u kojoj je napisano Finale. Izgleda kao nadahnuta popratna pjesma koja vam pomaže da hrlite „punim jedrima“ u rodni kraj: Dakle, dijagram oblika ronda u finalu je sljedeći: refren (E-mol), prva epizoda (E-dur), refren (E-mol), druga epizoda (E-dur), refren (E-mol). Obje su epizode povezane s refrenom i jedna s drugom melodijskom srodnošću. Kad se odigraju spojni, sporedni i završni dio, mašta iscrtava primamljive slike - kako slobodno puše vjetar u repu, kako vas radosno brzo kretanje nosi naprijed. Nadalje, u razvoju, izgrađenom na materijalu glavnih, spojnih i završnih dijelova, prevladavaju odstupanja u molskim tonalitetima. U glavnom, dakle ne u duru, nego u molu, u reprizi se čuju sporedni i završni dijelovi koji su postali opširniji. Ipak, tuga i duhovne sumnje na kraju se pobjeđuju težnjom u nepoznato. To je značenje posljednjih taktova prvoga stavka, gdje se znakovito ponavlja zazivni početak teme glavnoga dijela. Drugi dio sonate, polagani, u G-duru, svojevrsna je instrumentalna arija, prožeta vedrim kontemplativnim ugođajem. Njezine lagane kolorature prožete su odjecima cvrkuta ptica i žubora potoka: Pitanja i zadaci 1. Navedite glavni žanr Haydnove glazbe za klavijature. Koliko je njegovih sonata poznato? 2. Opišite glavne dijelove prvog stavka sonate u D-duru. Postoji li u ovom dijelu veza između glavne i sporedne stranke? 3. Kakav kontrast drugi dio unosi u glazbu sonate u D-duru? Kakav je njegov odnos sa završetkom? 4. Recite nam o strukturnim značajkama i prirodi teme glavnog dijela prvog stavka sonate u e-molu. Sazrijeti i okarakterizirati preostale teme i dijelove ovog dijela. 5. Kakav je karakter drugog stavka sonate u e-molu? 6. Recite nam o obliku finala sonate u e-molu i prirodi njezine glavne teme. Glavna djela Preko 100 simfonija (104) Niz koncerata za razne instrumente s orkestrom Preko 80 kvarteta (za dvije violine, violu i violončelo) (83) 62 sonate za klavijature Oratoriji “Stvaranje svijeta” i “Godišnja doba” 24 opere Obrade škotskih i irskih pjesama No, bez obzira na to koliko je sladak miran odmor negdje daleko, u krilu 34 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti Rusije napisano u mnogim žanrovima - njegove simfonije, instrumentalni koncerti, razni komorni sastavi, klavirske sonate, Requiem za zbor, soliste i orkestar. Mozartov fenomenalni talent, koji se neobično rano očitovao i brzo razvio, stvorio je krug oko njegova imena; oreol legendarnog “glazbenog čuda”. Živopisne karakteristike; A. S. Puškin ga je dao kao nadahnutog umjetnika u drami (“mala tragedija”) “Mozart i Salieri”. Po njoj je napisana istoimena opera N. A. Rimskog-Korsakova 27. Mozart je bio omiljeni skladatelj P. I. Čajkovski 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756.-1791. Životni put Obitelj. Rano djetinjstvo. Rodno mjesto Wolfganga Amadeusa Mozarta, koji je rođen u siječnju 1756., austrijski je grad Salzburg. Slikovito leži na brežuljkastim obalama brze rijeke Salzach, koja teče u istočnom podnožju Alpa. Salzburg je bio glavni grad male kneževine, čiji je vladar imao crkveni rang nadbiskupa. Otac Wolfganga Amadeusa, Leopold Mozart, služio je u njegovoj kapeli. Bio je ozbiljan i visoko obrazovan glazbenik - plodan skladatelj, violinist, orguljaš i pedagog. Škola sviranja violine, koju je objavio, postala je raširena u nekoliko zemalja, uključujući Rusiju. Od sedmero djece Leopolda i njegove žene Anne Marije, samo je dvoje preživjelo - najmlađi sin Wolfgang Amadeus i kći Maria Anna (Nannerl), koja je bila starija! brat četiri i pol godine. Kada je njegov otac počeo podučavati Nannerla, koji je imao izvrsne sposobnosti, svirati čembalo, ubrzo je počeo učiti s trogodišnjim Wolfgangom, primijetivši njegov izvrstan sluh i nevjerojatnu glazbenu memoriju, dječak je već četiri godine pokušavao skladati glazbe, a njegova prva sačuvana djela za čembalo snimio je njegov otac kad je autoru bilo samo pet godina. Poznata je priča o tome kako je četverogodišnji Wolfgang pokušao skladati koncert za klavijature. Zajedno s perom umočio je prste u tintarnicu i napravio mrlje na notnom papiru. Tek kad je moj otac pomno pogledao tu djetinjastu snimku, kroz mrlje je u njoj otkrio nedvojbeno glazbeno značenje. Jedan od najvećih glazbenih genija, austrijski skladatelj Wolfgang Amadeus Mozart živio je samo 35 godina. Od toga je trideset godina skladao glazbu i, ostavivši nasljeđe od više od 600 djela, dao neprocjenjiv doprinos zlatnom fondu svjetske umjetnosti. Najistinitiju, najvišu ocjenu Mozartova stvaralačkog dara za njegova života dao je njegov stariji suvremenik Joseph Haydn. “...Vaš je sin”, rekao je jednom ocu Wolfganga Amadeusa, “najveći je skladatelj kojeg poznajem osobno i po imenu; ima ukusa i, štoviše, najveće znanje o kompoziciji.” Glazbu Haydna i Mozarta, nazvanu bečkom klasikom, povezuje optimistično, aktivno poimanje svijeta, spoj jednostavnosti i prirodnosti u izražavanju osjećaja s njihovom poetskom uzvišenošću i dubinom. Pritom postoji značajna razlika između njihovih umjetničkih interesa. Haydnu su bliže narodne i lirsko-epske slike, a Mozartu lirske i lirsko-dramske slike. Mozartova umjetnost posebno plijeni svojom osjetljivošću na ljudske emotivne doživljaje, te preciznošću i živošću u utjelovljenju različitih ljudskih karaktera. To ga je učinilo prekrasnim opernim skladateljem. Njegove opere, prije svega “Figarova svadba”, “Don Giovanni” i “Čarobna frula”, već treće stoljeće ostvaruju stalan uspjeh, postavljajući se na pozornice svih glazbenih kazališta. Jedno od najčasnijih mjesta u svjetskom koncertnom repertoaru zauzimaju Mozartova djela. Verzija da je Salieri otrovao Mozarta iz zavisti samo je legenda. Čajkovski je orkestrirao četiri Mozartova klavirska djela i skladao ih u suitu Mozartiana. 27 28 35 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji izvest će koncert violine... svirati na klavijaturi prekriven šalom kao i da mu je pred očima, zatim iz daljine on imenovati će sve zvukove koji su pojedinačno ili će akorde preuzeti na klaviru ili nekom drugom instrumentu ili proizvesti predmete - zvono, čaša, sat. Na kraju će improvizirati ne samo na čembalu, nego i na orguljama koliko god slušatelji žele, i to u bilo kojim, pa i najtežim tipkama koje mu se pozovu...” Prva koncertna putovanja. Leopold Mozart odlučio je sa svojom nadarenom djecom krenuti na koncertna putovanja u velika glazbena središta. Prvo putovanje - u njemački grad München - dogodilo se početkom 1762. godine, kada je Wolfgang imao jedva šest godina. Šest mjeseci kasnije obitelj Mozart odlazi u Beč. Tamo su Wolfgang i Nannerl nastupali na carskom dvoru, imali veliki uspjeh i bili obasuti darovima. U ljeto 1763. Mozarti su otišli na dugo putovanje u Pariz i London. No, najprije su posjetili brojne njemačke gradove, au povratku - ponovno Pariz, te Amsterdam, Den Haag, Ženevu i još nekoliko gradova. Izvedbe malih Mozarta, posebice Wolfganga, izazivale su iznenađenje i divljenje posvuda, pa i na najveličanstvenijim kraljevskim dvorovima. Prema običaju tog vremena, Wolfgang se pojavio pred plemićkom publikom u odijelu izvezenom zlatom i napudranom perikom, ali se pritom ponašao čisto djetinje spontano; mogao je, na primjer, skočiti carici u krilo . Koncerti koji su trajali 4-5 sati u nizu bili su vrlo naporni za male glazbenike, ali su se za publiku pretvorili u svojevrsnu zabavu. Ovako je stajalo u jednom od oglasa: “...Djevojčica u dvanaestoj godini i dječak u sedmoj godini svirat će koncert na čembalu. .. Osim toga, dječak 36 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji Koncertna turneja trajala je više od tri godine i donijela je Wolfgangu mnogo različitih dojmova. Čuo je velik broj instrumentalnih i vokalnih djela, upoznao neke vrsne glazbenike (u Londonu - s najmlađim sinom Johanna Sebastiana Bacha, Johannom Christianom). Između nastupa, Wolfgang je s entuzijazmom proučavao kompoziciju. U Parizu su objavljene četiri njegove sonate za violinu i čembalo, s naznakom da su to djela sedmogodišnjeg dječaka. U Londonu je napisao svoje prve simfonije. Povratak u Salzburg i boravak u Beču. Prva opera. Potkraj 1766. cijela se obitelj vratila u Salzburg. Wolfgang je počeo sustavno proučavati skladateljsku tehniku ​​pod vodstvom svog oca. Mozarti su cijelu 1768. godinu proveli u Beču. Prema ugovoru s kazalištem, dvanaestogodišnji Wolfgang je u tri mjeseca napisao operu buffu “Uobraženi prostak” po talijanskim uzorima. Probe su počele, ali se nastup počeo odgađati, a potom i potpuno otkazati (vjerojatno zbog intriga zavidnih ljudi). To se dogodilo tek sljedeće godine u Salzburgu. U Beču je Wolfgang skladao još mnogo glazbe, uključujući pet simfonija, te je uspješno dirigirao svojom svečanom misom na posvećenju nove crkve. Putovanja u Italiju. Od kraja 1769. do početka 1773. Wolfgang Amadeus je sa svojim ocem tri puta putovao po Italiji. U ovoj “zemlji glazbe” mladi Mozart je s velikim uspjehom nastupao u više od desetak gradova, uključujući Rim, Napulj, Milano i Firencu. Dirigirao je svojim simfonijama, svirao čembalo, violinu i orgulje, improvizirao sonate i fuge na zadane teme, arije na zadane tekstove, izvrsno svirao teška djela iz vida i ponavljao ih u drugim tonalitetima. Dvaput je posjetio Bolognu, gdje je neko vrijeme pohađao poduku kod poznatog učitelja – teoretičara i skladatelja Padre Martinija. Sjajno položivši težak test (pisanje polifone skladbe složenom polifonom tehnikom), četrnaestogodišnji Mozart je, kao posebna iznimka, izabran za člana Filharmonijske akademije u Bologni. A prema povelji, u nju su dopušteni samo glazbenici koji su navršili dvadeset godina i prethodnog iskustva u ovoj autoritativnoj instituciji. U Rimu, posjećujući Sikstinsku kapelu u Vatikanu (papinsku rezidenciju) 29, Mozart je jednom čuo veliko polifono duhovno djelo za dva zbora talijanskog skladatelja Gregorija Allegrija iz 17. stoljeća. Ovo se djelo smatralo papinim vlasništvom i nije se smjelo prepisivati ​​niti distribuirati. No Mozart je cijelu složenu zborsku partituru zapisao po sjećanju, a član papinskog zbora potvrdio je točnost snimke. Italija, velika zemlja ne samo glazbe, nego i likovne umjetnosti i arhitekture, dala je Mozartu obilje umjetničkih dojmova. Posebno su ga fascinirali posjeti opernim kućama. Mladić je toliko ovladao talijanskim opernim stilom da je u kratkom vremenu napisao tri opere, koje su potom s velikim uspjehom postavljene u Milanu. Riječ je o dvije opere seria - “Mitridat, pontski kralj” i “Lucije Sula” - i pastoralnoj operi na mitološki zaplet “Ascanio in Alba”30. Izleti u Beč, München, Mannheim, Pariz. Unatoč briljantnim stvaralačkim i koncertnim uspjesima, Wolfgang Amadeus nije uspio dobiti službu na dvoru nijednog vladara talijanskih država. Morao sam se vratiti u Salzburg. Ovdje je umjesto umrlog nadbiskupa zavladao novi, despotskiji i grublji vladar. Ocu i sinu Mozartu koji su bili u njegovoj službi postalo je teže dobivati ​​dopust za nova putovanja. Ali operna kuća za koju je Mozart želio skladati nije bila dostupna u Salzburgu, a ostale mogućnosti za glazbenu aktivnost bile su ograničene. Putovanje dvojice glazbenika u Beč bilo je moguće samo zato što je sam salzburški nadbiskup želio posjetiti glavni grad Austrije. Nevoljko je također dao dozvolu Mozartovima da putuju u; München, gdje je postavljena nova opera buffa mladog skladatelja. A za sljedeće putovanje samo je Wolfgang Amadeus teškom mukom uspio dobiti dopuštenje. Otac mu je bio prisiljen ostati u Salzburgu, a majka je otišla ispratiti sina. Prvo duže zaustavljanje dogodilo se u njemačkom gradu Mannheimu. Ovdje je Wolfganga Amadeusa i Annu Mariju u svom domu srdačno primio jedan od vođa tada slavnog simfonijskog orkestra, predstavnik pretklasične mannheimske skladateljske škole. U Mannheimu su Mozarta skladali talijanski umjetnici, uključujući Michelangela. 30 Pontsko kraljevstvo je antička država na Crnom moru, uglavnom današnjoj turskoj obali (“Pont Euxine”, odnosno “gostoljubivo more”, starogrčki naziv za Crno more). Lucije Sula je starogrčka vojna i politička ličnost. Pastorala (od talijanske riječi "pastore" - pastir) radnja je koja idealizira život u krilu prirode. Sikstinska kapela je domaća crkva papa u Vatikanu; sagrađena je u 15. stoljeću za vrijeme pape Siksta IV. Zidovi i strop kapele oslikani su velikim 29 37 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji nizom djela, ponajviše instrumentalnih, obilježenih već zrelim glazbenim stilom. Ali ni ovdje nije bilo stalnog natječaja za Wolfganga Amadeusa. U proljeće 1778. Mozart i njegova majka stigli su u Pariz. Međutim, nade da će ondje steći pravo priznanje i zauzeti istaknuti položaj nisu se ostvarile. U glavnom gradu Francuske već su zaboravili na čudo od djeteta, ovu naizgled živu igračku, i nisu prepoznali procvjetali talent mladog glazbenika. Mozart nije imao sreće ni u organiziranju koncerata ni u dobivanju narudžbe za operu. Živio je od skromne zarade od satova; za kazalište je mogao pisati samo glazbu za mali balet “Drangulije”. Iz njegova su pera nastala nova divna djela, ali tada nisu privukla ozbiljnu pozornost. A u ljeto je Wolfgang Amadeus pretrpio tešku tugu: majka mu se razboljela i umrla. Početkom iduće godine Mozart se vraća u Salzburg. Opera "Idomeneo". Raskinuo s nadbiskupom i preselio se u Beč. Najvažniji događaji sljedećih nekoliko godina za Mozarta bili su stvaranje i produkcija opere “Idomeneo, kralj Krete” u Münchenu, njezin veliki uspjeh. Ovdje su spojene najbolje kvalitete talijanske opere seria s načelima Gluckove operne reforme. To je pripremilo put za pojavu Mozartovih briljantno originalnih opernih remek-djela. ...Bila je godina 1781. Mozart je napunio 25 godina. Autor je tri i pol stotine radova, punih novih kreativnih ideja. A za salzburškog nadbiskupa on je samo glazbeni sluga, kojega bahati i despotski vlasnik sve više tlači i ponižava, tjera ga da sjedi za stolom u narodnoj sobi “iznad kuhara, ali ispod lakaja” i ne dopustiti mu da ide bilo gdje ili nastupa bilo gdje bez dopuštenja. Mozartu je sve to postalo nepodnošljivo i on je podnio ostavku. Nadbiskup ga je dva puta odbio uz psovke i uvrede, a njegov bliski suradnik glazbenika je grubo izbacio kroz vrata. Ali on je, nakon što je doživio psihički šok, ostao čvrst u svojoj odluci. Mozart je postao prvi veliki skladatelj koji je ponosno prekinuo financijski siguran, ali ovisan položaj dvorskog glazbenika. Beč: posljednje desetljeće. Mozart se nastanio u Beču. Tek je povremeno nakratko napuštao austrijsku prijestolnicu, primjerice u vezi s praprodukcijom svoje opere Don Giovanni u Pragu ili tijekom dviju koncertnih turneja po Njemačkoj. Godine 1782. oženio se Constance Weber, koja se odlikovala vedrim raspoloženjem i muzikalnošću. Jedno za drugim rađala su se djeca (ali od njih šest, četvero je umrlo kao dojenčad). Mozartove zarade od koncertnih nastupa kao izvođača njegove klavirske glazbe, od objavljivanja djela i postavljanja opera bile su neredovite. Osim toga, Mozart, kao ljubazna, povjerljiva i nepraktična osoba, nije znao kako razborito upravljati novčanim stvarima. Imenovanje potkraj 1787. na slabo plaćeno mjesto dvorskog komornog glazbenika, koji je imao zadatak samo skladati glazbu za ples, nije ga spasilo od često iskusene potrebe za novcem. Uz sve to, u deset bečkih godina Mozart je stvorio više od dvije i pol stotine novih djela. Među njima su zablistala njegova najmarkantnija umjetnička ostvarenja u mnogim žanrovima. U godini Mozartove ženidbe, njegov iskričavi singspiel "Otmica iz seralja" postavljen je u Beču s velikim uspjehom; humor31. I opera buffa “Figarova ženidba”, original; U žanru “smiješne drame” “Don Juan” i operna priča “Čarobna frula”, nastale u posljednjim bečkim godinama, među najvišim su vrhuncima koje je glazbeno kazalište postiglo u svojoj cjelokupnoj povijesti! njegova priča. Mozart je napisao svoje tri najbolje simfonije, za koje se pokazalo da su mu posljednje, uključujući g-mol (br. 40) u ljeto 1788. godine. U istom desetljeću pojavila su se mnoga druga skladateljeva instrumentalna djela - četveroglasna orkestralna "Mala noćna serenada", niz klavirskih koncerata, sonata i raznih komornih sastava. Mozart je posvetio šest svojih gudačkih kvarteta Haydnu, s kojim je razvio topao i prijateljski odnos. Tijekom tih godina Mozart je s velikim zanimanjem proučavao djela Bacha i Handela. Najnovije Mozartovo djelo je Requiem, misa zadušnica za zbor, soliste i orkestar32. U srpnju 1791. od skladatelja ju je naručio čovjek koji nije želio otkriti svoje ime. To je djelovalo tajanstveno i moglo je pobuditi turobne slutnje. Tek nekoliko godina kasnije postalo je jasno da je narudžba stigla od bečkog grofa koji je želio kupiti tuđe djelo i predstaviti ga kao svoje. Nakon što se teško razbolio, Mozart nije mogao u potpunosti dovršiti Requiem. Iz nacrta ga je dovršio jedan od skladateljevih učenika. Postoji priča da su uoči smrti velikog glazbenika, koja je uslijedila u noći 5. prosinca 1791., prijatelji s njim pjevali dijelove nedovršenog djela. U skladu s tugaljivim konceptom u Requiemu, nadahnuta lirska i dramska izražajnost Mozartove glazbe dobiva posebnu uzvišenost i ozbiljnost. Zbog nedostatka sredstava Mozart je pokopan u zajedničkoj grobnici za 31 32 Seraglio – ženska polovica u kućama bogatih istočnjačkih plemića. Latinska riječ "requiem" znači "odmor". 38 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji je slabo, a točno mjesto njegova pokopa ostaje nepoznato. za Suzanne odjevenu kao grofica u svojoj haljini. Stideći se svoje žene, Almaviva je prisiljen više ne sprječavati Figara i Suzanne da proslave svoje vjenčanje, čime veselo i radosno završava "ludi dan", pun svakakvih neočekivanih događaja. Opera počinje uvertirom, koja je stekla veliku popularnost i često se izvodi na simfonijskim koncertima. 34 Za razliku od mnogih drugih uvertira, ova uvertira ne koristi teme koje se nalaze u samoj operi. Opće raspoloženje akcije koja je uslijedila, njezina fascinantna brzina i uzavrela vedrina ovdje su živopisno preneseni. Uvertira je napisana u sonatnom obliku, ali bez razvoja, koji je zamijenjen kratkim spojem ekspozicije i reprize. Istodobno se jasno ističe pet tema koje brzo zamjenjuju jedna drugu. Prvi i drugi od njih čine glavnu seriju, treći i četvrti - sporednu seriju, peti - konačnu seriju. Svi su energični, ali u isto vrijeme svaki ima svoj poseban karakter. Brzo, nestašnom okretnošću kreće se prva tema glavnoga dijela koju izvode gudački instrumenti i fagoti uglas: Pitanja i zadaci 1. Što Mozartova glazba ima zajedničko s Haydnovom glazbom? Koja je razlika između umjetničkih interesa ova dva bečka klasika? 2. Recite nam nešto o obitelji i ranom djetinjstvu Wolfganga Amadeusa Mozarta. 3. U kojim je zemljama i gradovima Mozart nastupao kao mali dječak? Kakvi su bili ti nastupi? 4. U kojoj je dobi Mozart napisao svoju prvu operu buffa? Kako se zvao i gdje je postavljen? 5. Recite nam nešto o putovanjima mladog Mozarta u Italiju. 6. Koje je gradove Mozart kasnije posjetio? Je li njegov put u Pariz bio uspješan? 7. Recite nam o Mozartovu raskidu s nadbiskupom Salzburga. 8. Opišite posljednje desetljeće Mozartova života i rada. Navedite glavna djela koja je stvorio u tom razdoblju. Opera "Figarova ženidba" Praizvedba Mozartove opere "Figarova ženidba" održana je u Beču 1786. godine. Prvim dvjema izvedbama dirigirao je sam skladatelj za čembalom. Uspjeh je bio golem, mnogi su se brojevi ponavljali kao bisevi. Libreto (verbalni tekst) ove opere u četiri čina napisao je na talijanskom jeziku Lorenzo da Ponte prema komediji francuskog pisca Beaumarchaisa “Ludi dan, ili Figarova ženidba”. Godine 1875. P. I. Čajkovski preveo je ovaj libreto na ruski, a u njegovom prijevodu opera se izvodi i kod nas. Mozart je Figarovu ženidbu nazvao opera buffa. Ali to nije samo zabavna komedija sa smiješnim situacijama. Glavni likovi u glazbi su prikazani kao različiti živi ljudski likovi. A glavna ideja Beaumarchaisove igre bila je bliska Mozartu. Jer ona se sastoji u tome što se sluga grofa Almavive Figaro i njegova nevjesta, sluškinja Suzanne, pokažu pametnijima i pristojnijima od svoga tituliranoga gospodara čije spletke vješto razotkrivaju. Samom grofu se Suzanne svidjela i on pokušava odgoditi njezino vjenčanje. No Figaro i Susanna snalažljivo svladavaju sve prepreke koje se pojavljuju, privlačeći na svoju stranu grofovu ženu i mladog paža Cherubina 33. Na kraju se poslože tako da navečer u vrtu grof prihvati Drugi, fanfarni zamah: Nakon stranice - dječak ili mladić plemenitog podrijetla, koji služi u službi plemenite osobe. Povezujuća tema glavnog i ispunjenog dijela uglavnom se razlikuje. Podsjetimo, riječ “uvertira” potječe od francuskog glagola “ouvrir”, što znači “otvoriti”, “započeti”. 33 34 39 www.classon.ru podebljano Obrazovanje djece na području ruske umjetnosti u ljestvicama se pojavljuje prva tema sporednog dijela, čiju melodiju sviraju violine. Tema je ritmički ćudljiva, pomalo hirovita, ali ustrajna: vokalni brojevi. Tako prva solo točka u dijelu Figara (povjerena je baritonu) - mala arija (kavatina) - zvuči odmah nakon što je Suzanne obavijestila svog zaručnika da ju je grof počeo progoniti svojim udvaranjima. S tim u vezi Figaro podrugljivo pjevuši melodiju u stavku menueta - galantnog plesa visokog društva (krajnji odsječci trodijelne reprizne forme kavatine): Druga tema sporednog dijela nalikuje odlučnim uzvicima: I tema završnog dijela je najujednačenija, kao da je sve riješeno: U reprizi se sporedni i završni dio ponavljaju u glavnom tonalitetu D-dura. Prati ih koda koja dodatno naglašava vedar i živahan karakter uvertire. U ovoj Mozartovoj operi veliko mjesto zauzimaju vokalni ansambli, uglavnom dueti (za dva lika) i terzeti (za tri lika). Rastavljeni su recitativima uz pratnju čembala. A drugi, treći i posljednji, četvrti, čin završavaju finalima - velikim ansamblima u kojima sudjeluje šest do jedanaest likova. Solature se na različite načine uključuju u dinamički razvoj radnje, au središnjem dijelu kavatine suzdržani pokret zamjenjuje se brzim, graciozna trotaktna melodija zamjenjuje se asertivnom dvotaktnom melodijom. Tu Figaro već odlučno izražava svoju namjeru da pod svaku cijenu spriječi podmukle planove svoga gospodara: 40 www.classon.ru Obrazovanje djece na polju umjetnosti u Rusiji Najpoznatija numera u ulozi Figara je njegova arija „Žestar dječak. , kovrčava, zaljubljena.” Upućena je mladom pažu Cherubinu. Slučajno je čuo kako grof pokušava izjaviti ljubav Suzanne, a takav neželjeni svjedok dobio je naredbu da ode na odsluženje vojnog roka. Figaro u svojoj ariji vedro i duhovito ismijava aktualnu situaciju, slikajući mladiću, razmaženom dvorskim životom, surovi vojnički život. To se u glazbi odražava vještom kombinacijom živahne plesnosti s “militantnim” fanfarama. Ovo je trostruko zvučni refren u formi ronda: Druga je mala arija pjesničke naravi, “Srce vrela krv uskomeša”. Ovo je suzdržanija ispovijest nježnih osjećaja, stidljivo upućena samoj grofici: Suzanne (sopran) u mnogim je ansamblima okarakterizirana kao energična, spretna i snalažljiva, u tome ne zaostaje za Figarom. Istovremeno, njezina je slika suptilno poetizirana u vedroj, snenoj ariji iz četvrtog čina. U njoj se Suzanne mentalno nježno obraća Figaru: Što se tiče samog Cherubina (njegovu ulogu izvodi tihi ženski glas - mezzosopran), on je u dvije arije prikazan kao gorljivi mladić, koji još uvijek ne može razumjeti vlastitu osjećaja, spreman zaljubiti se na svakom koraku. Jedna od njih je i radosna i puna poštovanja arija "Ne mogu reći, ne mogu objasniti." U njemu se melodičnost spaja s ritmom, kao da povremeno pulsira od uzbuđenja: 41 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji Pitanja i zadaci 1. Kada i gdje je održana praizvedba Mozartove opere “Figarova ženidba”? 2. Na kojoj se komediji temelji njegov libreto? 3. Koja je glavna ideja ovog djela? 4. Kako je građena uvertira u operu? 5. Recite nam o značajkama dvaju solo brojeva u ulozi Figara. 6. Koji je glas dodijeljen Cherubinovoj partiji? Pjevajte melodije njegovih arija. 7. Kako je Suzanne karakterizirana u cjelinama, a kako u ariji iz četvrtog čina? Četvrta varijanta (s lijevom rukom prebačenom preko desne), naprotiv, hrabrije je zamašna. Peta varijacija, gdje početni ležerni tempo Andante grazioso ustupa mjesto vrlo sporom - Adagiu, je melodična instrumentalna arija, obojena koloraturama. A zatim promjena tempa u brzi (Allegro) odgovara veselom plesnom karakteru posljednje, šeste varijacije. Drugi dio sonate je Menuet. Kao i obično, izgrađena je u trodijelnom repriznom obliku s točnim ponavljanjem glazbe prvog stavka u reprizi. Između njih je središnji dio (Trio) 35. U svim dijelovima Menueta uspoređuju se muške, odlučne i zapovjedne zamašne intonacije sa ženskim intonacijama, nježnim i uglađenim, sličnim ekspresivnim lirskim usklicima i apelima. Sonata u A-duru za claviera Mozarta Nadaleko poznata sonata u A-duru, koja se obično naziva “Sonata s turskim koračem”, neobično je konstruiran ciklus. Prvi stavak ovdje nije sonatni allegro, već šest varijacija na laganu i mirnu, nevino gracioznu temu. Izgleda kao pjesma koja bi se mogla pjevati u dobrom, mirnom raspoloženju u bečkom glazbenom životu. Njegov nježno njihajući ritam sličan je pokretu siciliane - drevnog talijanskog plesa ili plesne pjesme: Skladatelj je treći dio sonate (finale) nazvao “A11a Turca” - “U turskom stilu”. Kasnije je ovom finalu dodijeljen naziv "Turski marš". Ovdje nema ničeg zajedničkog s intonacijskom strukturom turske narodne i profesionalne glazbe, neobičnom za europsko uho. Ali u 18. stoljeću, u europskoj, uglavnom kazališnoj glazbi, pojavila se moda za marševe, konvencionalno nazvane "turskim". Koriste boju boje janjičarskog orkestra, u kojem su dominirali puhački i udarački instrumenti - veliki i mali bubnjevi, činele, trokut. Janjičarima su se nazivali vojnici u pješačkim postrojbama turske vojske. Europljani su glazbu njihovih marševa doživljavali kao divlju, bučnu i "barbarsku". Nema oštrih kontrasta između varijacija, ali sve imaju drugačiji karakter. U prvoj varijanti prevladava graciozno hirovito melodijsko kretanje, u drugoj je graciozna razigranost spojena s duhovitim štihom (istaknute su „nestašne“ gracioznosti u dijelu lijeve ruke). Treća varijacija - jedina koja nije napisana u A-duru, već u A-molu - ispunjena je pomalo tužnim melodijskim figurama, koje se kreću ravnomjerno, kao s nježnom sramežljivošću: Na kraju Tria nalazi se oznaka “Minuetto da capo” . Talijanski - "iz glave", "od početka". 35 “Da capo” prevedeno s 42 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji Finale je napisano u neobičnom obliku. Može se definirati kao trodijelna pjesma s pripjevom (u A-duru). Ponovljeno držanje pripjeva daje strukturi finala obilježja ronda36. Prvi dio - s lako "vrtložnim" motivima (a-mol) - i srednji dio - s melodioznim pasažnim stavkom (f-mol) - prirodno spajaju gracioznu plesnost s jasnim marševskim hodom: Dugo se vremena vjerovalo da Mozart je skladao sonatu u A-duru u ljeto 1778. godine u Parizu. No, onda su otkrili informaciju da se to dogodilo nekoliko godina kasnije, u Beču. Takva je informacija tim vjerojatnija jer je ondje 1782. godine održana praizvedba Mozartova Singspiela “Otmica iz Seraglia”. U njemu se radnja odvija u Turskoj, au glazbi uvertire, te u dva koračnička zbora zamjetna je imitacija “janjičarske” glazbe. Osim toga, bučan je; Mozart je kovanu “janjičarsku” kodu u A-duru finalu senata dodao tek 1784., prilikom objave djela. Također je vrijedno pažnje da u sonati, kao iu "Otmici iz seralja", velika uloga pripada žanrovima pjesme i marša. U svemu tome otkrila se veza instrumentalne glazbe i kazališne glazbe, vrlo karakteristična za Mozarta. Pitanja i zadaci 1. Što je neobično u ciklusu Mozartove sonate u A-duru? Objasnite prirodu teme i šest varijacija na nju u prvom dijelu ovog rada. 2. Koja je plesna vrsta korištena u drugom dijelu sonate? 3. Objasnite zašto se finale sonate u A-duru naziva “Turski korač”. Što je posebno u njegovoj konstrukciji? Pjevajte njegove glavne teme. 4. Na koje Mozartovo glazbeno-scensko djelo odjekuje glazba njegove “Turske koračnice”? Simfonija u g-molu Napisana u Beču 1788. godine, Simfonija u g-molu! (br. 40) jedno je od najnadahnutijih djela velikoga skladatelja. Prvi stavak simfonije je sonatni allegro u vrlo brzom tempu. Započinje temom glavnog dijela, koja odmah plijeni kao povjerljiva, iskrena lirska ispovijest. Pjevaju je violine uz nježnu lelujavu pratnju drugih gudačkih instrumenata. U njezinoj melodiji prepoznaje se isti uzbuđeni ritam kao na početku prve Cherubinove arije iz opere “Figarova ženidba” (vidi primjer 37). Ali sada su to „odrasliji“, ozbiljniji i hrabriji tekstovi: Zbor (u A-duru) zvuči tri puta, sličan je svojevrsnom „janjičarskom bučnom zboru“, u dijelu lijeve ruke čuje se imitacija bubnjanje: U tom smislu, "Turski marš" se ponekad naziva "Rondo u turskom stilu" ("Rondo alla Turca"). 36 43 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji Mali razvoj). Ali u njemu nema kontrasta, sve se pokorava općem vedrom ugođaju, koji se od samog početka određuje u glavnom dijelu, ozvučenom gudačkim instrumentima: Muškost karaktera pojačava se u veznom dijelu, u koji se razvija glavni dio. Postoji modulacija u paralelni g-mol B-dur - tonalitet bočnog dijela. Njegova je tema svjetlija, gracioznija i ženstvenija u usporedbi s glavnom temom. Obojen je kromatskim intonacijama, kao i izmjeničnim bojama gudačkih i drvenih puhačkih instrumenata: U sedmom taktu pojavljuje se lagano “lepršava” figura od dva tona od trideset sekundi. Nakon toga, ili prodire kroz melodijske linije svih tema, ili kao da se obavija oko njih, pojavljujući se u različitim registrima za različite instrumente. To su kao odjeci glasova mirne prirode. Tek na trenutke malo zabrinuti, čuju se ili izbliza ili izdaleka. Prema ustaljenoj tradiciji, treći dio simfonije je Menuet. Ali samo središnji dio - Trio - jasno je tradicionalan u njemu. Svojim glatkim pokretom, melodioznošću glasova i tonalitetom G-dura, Trio pokreće glavne, krajnje dionice g-mola ovog Menueta, općenito neobičnog po svojoj lirskoj i dramskoj napetosti. Čini se da smo se nakon tihe kontemplacije prirode utjelovljene u Andanteu sada morali vratiti u svijet duhovnih tjeskoba i nemira koji su dominirali prvim dijelom simfonije. To odgovara povratku glavnog tonaliteta simfonije - g-mola: novi val energije javlja se u završnom dijelu. Ovdje vodeću ulogu ima opetovano i ustrajno razvijanje prvog – troglasnog – motiva teme glavnog dijela. S početkom prilično čudnog razvoja, čini se da se oblaci alarmantno skupljaju. Iz svijetlog B-dura dolazi do oštrog zaokreta u sumorni, daleki tonalitet F-mola. Tema glavnog dijela dramatično se razvija u razvoju. Prolazi kroz niz tonaliteta, dijeli se na zasebne fraze i motive, a često se imitiraju u različitim glasovima orkestra. Prvi motiv ove teme pulsira vrlo intenzivno. Ali konačno njegovo pulsiranje slabi, obuzdava strepnju i počinje repriza. No, utjecaj visokog dramskog intenziteta postignutog u razvoju osjeća se iu ovom dijelu prvog dijela. Ovdje se duljina spojnog dijela značajno povećava, što dovodi do prezentacije sporednih i završnih dijelova ne u duru, već u glavnom tonalitetu g-mola, što njihov zvuk čini dramatičnijim. Drugi stavak simfonije je Andante u Es-duru. Svojom mekom i nježnom mirnoćom suprotstavlja lirsko-dramski prvi dio. Forma Andante također je sonata (g-mol je glavni tonalitet četvrtog stavka simfonije - finala, koji teče vrlo brzim tempom. Finale je napisano u sonatnom obliku. Vodeća tema u ovom dijelu simfonije je je tema glavnog dijela, zajedno s temom glavnog dijela prvog stavka pripada najsjajnijim Mozartovim instrumentalnim temama. Ali ako tema u prvom dijelu zvuči kao nježna i puna poštovanja lirska ispovijest, onda je tema finala strastveni lirsko-dramski apel, pun hrabrosti i odlučit ćemo 44 www.classon.ru Odgoj djece u području umjetnost u Rusiji 2. Recite nam koje su glavne teme prvog dijela simfonije i njihov razvoj. 3. Kakva je priroda glazbe u drugom i trećem dijelu simfonije? 4. Koja je glavna tema u finalu simfonije? Po čemu se njegov karakter razlikuje od karaktera teme glavnoga dijela prvoga dijela? 5. Kako je strukturirana tema glavne igre finala? Na čemu se temelji razvoj? Glavna djela Ovaj vatreni zov nastaje brzim usponom melodije uz zvukove akorda; na njegov impuls kao da odgovaraju energične melodijske figure koje kruže oko jednog zvuka. Kao iu prvom stavku simfonije, graciozna tema sporednog dijela finala zvuči posebno jarko na izložbi kada se izvodi u B-duru: 19 opera Requiem Oko 50 simfonija 27 koncerata za klavir i orkestar 5 koncerata za violinu i orkestar Koncerti uz pratnju orkestra flaute, klarinet, fagot, rog, flauta i harfa Gudački kvarteti (više od 20) i kvinteti Sonate za klavir, violinu i klavir Varijacije, fantazije, ronda, menueti za klavir Završni dio temelji se na klaviru drugi element teme glavnog dijela. U razvoju finala posebno se intenzivno razvija prvi, invocirajući element teme glavnoga dijela. Visoka dramska napetost postiže se koncentracijom harmonijskih i polifonih razvojnih tehnika - dirigiranjem u više tonaliteta i oponašanjem prozivki. U reprizi je vođenje sporedne dionice u glavnom tonalitetu g-mola blago zasjenjeno sjetom. A drugi element teme glavnog dijela (afirmativne, energične figure), kao iu ekspoziciji, zvuči u središtu završnog dijela u reprizi. Kao rezultat toga, finale u ovoj briljantnoj mazartovskoj kreaciji čini svijetli lirsko-dramski vrhunac cjelokupnog sonatno-simfonijskog ciklusa, bez presedana u svojoj svrhovitosti figurativnog razvoja od kraja do kraja. Ludwig van Beethoven 1770.-1827. Veliki njemački skladatelj Ludwig van Beethoven najmlađi je od trojice briljantnih glazbenika koji se nazivaju bečkim klasicima. Beethoven je imao priliku živjeti i stvarati na prijelazu iz 17. u 19. stoljeće, u doba golemih društvenih promjena i preokreta. Njegova mladost poklopila se s vremenom, Pitanja i zadaci 1. Kada i gdje je Mozart stvorio Simfoniju br. 40 u g-molu? 45 www.classon.ru Obrazovanje djece u području umjetnosti u Rusiji