Publicaciones en la sección Teatros

Ballets rusos famosos. 5 mejores

El ballet clásico es una forma de arte asombrosa que nació en Italia durante el Renacimiento maduro y se “trasladó” a Francia, donde el mérito de su desarrollo, incluida la fundación de la Academia de Danza y la codificación de muchos movimientos, perteneció al rey Luis XIV. . Francia exportó el arte de la danza teatral a todos los países europeos, incluida Rusia. A mediados del siglo XIX, la capital del ballet europeo ya no era París, que dio al mundo las obras maestras del romanticismo La Sílfide y Giselle, sino San Petersburgo. Fue en la capital del Norte donde trabajó durante casi 60 años el gran coreógrafo Marius Petipa, creador del sistema de danza clásica y autor de obras maestras que aún no abandonan los escenarios. Después de la Revolución de Octubre quisieron “arrojar el ballet del barco de la modernidad”, pero lograron defenderlo. La época soviética estuvo marcada por la creación de un número considerable de obras maestras. Presentamos cinco ballets rusos importantes, en orden cronológico.

"Don Quixote"

Escena del ballet Don Quijote. Una de las primeras producciones de Marius Petipa.

Estreno del ballet de L.F. Minkus "Don Quijote" en el Teatro Bolshoi. 1869 Del álbum del arquitecto Albert Kavos.

Escenas del ballet Don Quijote. Kitri - Lyubov Roslavleva (centro). Organizado por A.A. Gorski. Moscú, Teatro Bolshoi. 1900

Música de L. Minkus, libreto de M. Petipa. Primera producción: Moscú, Teatro Bolshoi, 1869, coreografía de M. Petipa. Producciones posteriores: San Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1871, coreografía de M. Petipa; Moscú, Teatro Bolshoi, 1900, San Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1902, Moscú, Teatro Bolshoi, 1906, todos - coreografía de A. Gorsky.

El ballet de Don Quijote es una representación teatral llena de vida y alegría, una eterna celebración de la danza que nunca cansa a los adultos y a la que los padres están felices de llevar a sus hijos. Aunque lleva el nombre del héroe de la famosa novela de Cervantes, está basada en uno de sus episodios, “La boda de Quiteria y Basilio”, y cuenta las aventuras de jóvenes héroes, cuyo amor finalmente triunfa, a pesar de la oposición de el testarudo padre de la heroína, que quería casarla con el rico Gamache.

Entonces Don Quijote casi no tiene nada que ver con eso. Durante toda la representación, un artista alto y delgado, acompañado por un colega bajo y barrigón que interpreta a Sancho Panza, camina por el escenario, dificultando en ocasiones la observación de las bellas danzas compuestas por Petipa y Gorsky. El ballet, en esencia, es un concierto disfrazado, una celebración de la danza clásica y de carácter, donde todos los bailarines de cualquier compañía de ballet tienen un trabajo.

La primera producción del ballet tuvo lugar en Moscú, donde Petipa visitaba de vez en cuando para elevar el nivel de la compañía local, que no podía compararse con la brillante compañía del Teatro Mariinsky. Pero en Moscú había más libertad para respirar, por lo que el coreógrafo, de hecho, puso en escena un ballet que recuerda los maravillosos años de su juventud que pasó en un país soleado.

El ballet fue un éxito y dos años más tarde Petipa lo trasladó a San Petersburgo, lo que requirió modificaciones. Allí les interesaban mucho menos los bailes característicos que los clásicos puros. Petipa amplió "Don Quijote" a cinco actos, compuso el "acto blanco", el llamado "El sueño de Don Quijote", un verdadero paraíso para los amantes de las bailarinas con tutús y las dueñas de bonitas piernas. El número de cupidos en el “Sueño” llegó a cincuenta y dos...

“Don Quijote” nos llegó en una reelaboración del coreógrafo moscovita Alexander Gorsky, quien estaba interesado en las ideas de Konstantin Stanislavsky y quería hacer que el antiguo ballet fuera más lógico y dramáticamente convincente. Gorsky destruyó las composiciones simétricas de Petipa, abolió los tutús en la escena "Dream" e insistió en el uso de maquillaje oscuro para las bailarinas que representaban a mujeres españolas. Petipa lo llamó "cerdo", pero ya en la primera adaptación de Gorsky el ballet se representó en el escenario del Teatro Bolshoi 225 veces.

"Lago de los cisnes"

Escenografía para la primera representación. Gran teatro. Moscú. 1877

Escena del ballet “El lago de los cisnes” de P.I. Tchaikovsky (coreógrafos Marius Petipa y Lev Ivanov). 1895

Música de P. Tchaikovsky, libreto de V. Begichev y V. Geltser. Primera producción: Moscú, Teatro Bolshoi, 1877, coreografía de V. Reisinger. Producción posterior: San Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1895, coreografía de M. Petipa, L. Ivanov.

El querido ballet, cuya versión clásica se representó en 1895, en realidad nació dieciocho años antes en el Teatro Bolshoi de Moscú. La partitura de Tchaikovsky, cuya fama mundial aún estaba por llegar, era una especie de colección de “canciones sin letra” y parecía demasiado compleja para aquella época. El ballet se representó unas 40 veces y cayó en el olvido.

Después de la muerte de Tchaikovsky, el Lago de los Cisnes se representó en el Teatro Mariinsky, y todas las producciones posteriores del ballet se basaron en esta versión, que se convirtió en un clásico. La acción recibió mayor claridad y lógica: el ballet hablaba del destino de la bella princesa Odette, que fue convertida en cisne por voluntad del genio malvado Rothbart, de cómo Rothbart engañó al príncipe Siegfried, quien se enamoró de ella. recurriendo a los encantos de su hija Odile, y sobre la muerte de los héroes. La partitura de Tchaikovsky fue recortada en aproximadamente un tercio por el director Riccardo Drigo y reorquestada. Petipa creó la coreografía del primer y tercer acto, Lev Ivanov, del segundo y cuarto. Esta división respondió idealmente a la vocación de ambos brillantes coreógrafos, el segundo de los cuales tuvo que vivir y morir a la sombra del primero. Petipa es el padre del ballet clásico, creador de composiciones impecablemente armoniosas y cantante de la mujer hada, la mujer juguete. Ivanov es un coreógrafo innovador con un sentido inusualmente sensible para la música. El papel de Odette-Odile fue interpretado por Pierina Legnani, “la reina de las bailarinas milanesas”, también es la primera Raymonda y la inventora de la 32ª fouette, el tipo de giro más difícil de las zapatillas de punta.

Quizás no sepas nada de ballet, pero todo el mundo conoce el Lago de los Cisnes. En los últimos años de la Unión Soviética, cuando los líderes ancianos a menudo se reemplazaban entre sí, la conmovedora melodía del dúo "blanco" de los personajes principales del ballet y el chapoteo de las manos aladas en la pantalla del televisor anunciaban una triste evento. Los japoneses aman tanto "El lago de los cisnes" que están dispuestos a verlo por la mañana y por la noche, interpretado por cualquier compañía. Ni una sola compañía de gira, de las cuales hay muchas en Rusia y especialmente en Moscú, puede prescindir de "Swan".

"Cascanueces"

Escena del ballet "El Cascanueces". Primera producción. Marianna - Lydia Rubtsova, Klara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. Ópera Mariinskii. 1892

Escena del ballet "El Cascanueces". Primera producción. Ópera Mariinskii. 1892

Música de P. Tchaikovsky, libreto de M. Petipa. Primera producción: San Petersburgo, Teatro Mariinsky, 1892, coreografía de L. Ivanov.

Todavía hay información errónea en libros y sitios web de que “El Cascanueces” fue puesta en escena por el padre del ballet clásico, Marius Petipa. De hecho, Petipa solo escribió el guión y la primera producción del ballet estuvo a cargo de su subordinado, Lev Ivanov. Ivanov se enfrentó a una tarea imposible: el guión, creado al estilo del ballet de extravagancia entonces de moda con la participación indispensable de un artista invitado italiano, estaba en evidente contradicción con la música de Tchaikovsky, que, aunque fue escrita en estricta conformidad con Petipa. instrucciones, se distinguió por un gran sentimiento y riqueza dramática y un complejo desarrollo sinfónico. Además, la heroína del ballet era una adolescente, y la bailarina estrella estaba destinada únicamente al pas de deux final (un dúo con una pareja, que consta de un adagio - una parte lenta, variaciones - bailes en solitario y una coda ( final virtuoso)). La primera producción de El Cascanueces, donde el primer acto fue predominantemente un acto de pantomima, se diferenciaba marcadamente del segundo acto, un acto de diversión, no fue un gran éxito, los críticos solo notaron el Vals de los copos de nieve (en él participaron 64 bailarines); y el Pas de deux del Hada de Azúcar y el Príncipe de la Tos Ferina, cuya fuente de inspiración fue el Adagio con una rosa de La Bella Durmiente de Ivanov, donde Aurora baila con cuatro caballeros.

Pero en el siglo XX, que supo penetrar en las profundidades de la música de Tchaikovsky, "El Cascanueces" estaba destinado a un futuro verdaderamente fantástico. Hay innumerables producciones de ballet en la Unión Soviética, los países europeos y Estados Unidos. En Rusia, las producciones de Vasily Vainonen en el Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet de Leningrado (ahora Teatro Mariinsky de San Petersburgo) y Yuri Grigorovich en el Teatro Bolshoi de Moscú son especialmente populares.

"Romeo y Julieta"

Ballet "Romeo y Julieta". Julieta - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. 1939

La señora Patrick Campbell como Julieta en Romeo y Julieta de Shakespeare. 1895

Final del ballet "Romeo y Julieta". 1940

Música de S. Prokofiev, libreto de S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky. Primera producción: Brno, Teatro de Ópera y Ballet, 1938, coreografía de V. Psota. Producción posterior: Leningrado, Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet que lleva el nombre. S. Kirov, 1940, coreografía de L. Lavrovsky.

Si una frase de Shakespeare en una famosa traducción rusa dice “No hay historia más triste en el mundo que la historia de Romeo y Julieta”, luego dijeron sobre el ballet escrito por el gran Sergei Prokofiev sobre esta trama: “No hay historia más triste en el mundo que la música de ballet de Prokofiev”. Verdaderamente asombrosa por su belleza, riqueza de colores y expresividad, la partitura de "Romeo y Julieta" en el momento de su aparición parecía demasiado compleja e inadecuada para el ballet. Los bailarines de ballet simplemente se negaron a bailarlo.

Prokofiev escribió la partitura en 1934 y originalmente no estaba destinada al teatro, sino a la famosa Escuela Coreográfica Académica de Leningrado para celebrar su 200 aniversario. El proyecto no se llevó a cabo debido al asesinato de Sergei Kirov en Leningrado en 1934, se produjeron cambios en el principal teatro musical de la segunda capital. El plan de representar "Romeo y Julieta" en el Bolshoi de Moscú tampoco se hizo realidad. En 1938, el teatro de Brno se estrenó y sólo dos años después el ballet de Prokofiev finalmente se representó en la tierra natal del autor, en el entonces Teatro Kirov.

El coreógrafo Leonid Lavrovsky, en el marco del género "dram ballet", muy bien recibido por las autoridades soviéticas (una forma de drama coreográfico característico del ballet de los años 1930-50), creó un espectáculo impresionante y emocionante con escenas de multitudes cuidadosamente esculpidas. y sutilmente perfiladas las características psicológicas de los personajes. A su disposición estaba Galina Ulanova, la bailarina y actriz más sofisticada, que se mantuvo insuperable en el papel de Julieta.

La partitura de Prokofiev fue rápidamente apreciada por los coreógrafos occidentales. Las primeras versiones del ballet aparecieron ya en los años 40 del siglo XX. Sus creadoras fueron Birgit Kullberg (Estocolmo, 1944) y Margarita Froman (Zagreb, 1949). Las famosas producciones de “Romeo y Julieta” pertenecen a Frederick Ashton (Copenhague, 1955), John Cranko (Milán, 1958), Kenneth MacMillan (Londres, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburgo, 1973).I. Moiseeva, 1958, coreografía de Yu Grigorovich, 1968.

Sin Spartak, el concepto de “ballet soviético” es impensable. Este es un verdadero éxito, un símbolo de la época. El período soviético desarrolló temas e imágenes diferentes, profundamente diferentes del ballet clásico tradicional heredado de Marius Petipa y los Teatros Imperiales de Moscú y San Petersburgo. Los cuentos de hadas con finales felices fueron archivados y reemplazados por historias heroicas.

Ya en 1941, uno de los principales compositores soviéticos, Aram Khachaturian, habló de su intención de escribir música para una actuación monumental y heroica que se representaría en el escenario del Teatro Bolshoi. El tema fue un episodio de la antigua historia romana, un levantamiento de esclavos liderado por Espartaco. Khachaturian creó una partitura colorida, utilizando motivos armenios, georgianos y rusos y llena de hermosas melodías y ritmos ardientes. La producción correría a cargo de Igor Moiseev.

Su obra tardó muchos años en llegar al público y no se presentó en el Teatro Bolshoi, sino en el Teatro. Kírov. El coreógrafo Leonid Yakobson creó una actuación impresionante e innovadora, abandonando los atributos tradicionales del ballet clásico, incluido el baile con zapatillas de punta, el uso de plasticidad libre y las bailarinas con sandalias.

Pero el ballet “Spartacus” se convirtió en un éxito y un símbolo de la época en manos del coreógrafo Yuri Grigorovich en 1968. Grigorovich asombró al espectador con su dramaturgia perfectamente construida, sutil interpretación de los personajes de los personajes principales, su hábil puesta en escena de escenas de multitudes y la pureza y belleza de los adagios líricos. Llamó a su obra “una actuación para cuatro solistas con un cuerpo de ballet” (los cuerpos de ballet son artistas que participan en episodios de danza masiva). El papel de Espartaco fue desempeñado por Vladimir Vasiliev, Craso - Maris Liepa, Frigia - Ekaterina Maksimova y Egina - Nina Timofeeva. El ballet era predominantemente masculino, lo que hace que el ballet “Spartacus” sea único en su tipo.

Además de las famosas lecturas de Spartacus de Jacobson y Grigorovich, hay alrededor de 20 producciones más del ballet. Entre ellos se encuentran la versión de Jiří Blazek para el Ballet de Praga, László Szeregi para el Ballet de Budapest (1968), Jüri Vamos para la Arena di Verona (1999), Renato Zanella para el Ballet de la Ópera Estatal de Viena (2002), Natalia Kasatkina y Vladimir Vasiliev para el Teatro Académico Estatal dirigido por ellos ballet clásico en Moscú (2002).

El ballet es una forma de arte escénico; Se trata de una emoción plasmada en imágenes musicales y coreográficas.

El ballet, el nivel más alto de coreografía, en el que el arte de la danza se eleva al nivel de la interpretación musical en el escenario, surgió como un arte aristocrático cortesano mucho más tarde que la danza, en los siglos XV y XVI.

El término "ballet" apareció en la Italia del Renacimiento en el siglo XVI y no significaba una representación, sino un episodio de danza. El ballet es un arte en el que la danza, principal medio expresivo del ballet, está estrechamente relacionada con la música, con una base dramática: libreto, con escenografía, con el trabajo de un diseñador de vestuario, diseñador de iluminación, etc.

El ballet es diverso: trama: ballet narrativo clásico en múltiples actos, ballet dramático; sin trama: ballet sinfónico, ballet de humor, miniatura.

Los escenarios mundiales han visto muchas representaciones de ballet basadas en obras maestras literarias con música de brillantes compositores. Es por eso que el recurso en línea británico Listverse decidió elaborar su ranking de las mejores representaciones de ballet de la historia.

"Lago de los cisnes"
Compositor: Piotr Tchaikovsky

La primera producción moscovita de El lago de los cisnes no tuvo éxito: su gloriosa historia comenzó casi veinte años después en San Petersburgo. Pero fue el Teatro Bolshoi el que contribuyó a que el mundo recibiera esta obra maestra. Pyotr Ilyich Tchaikovsky escribió su primer ballet a petición del Teatro Bolshoi.
"El lago de los cisnes" recibió una feliz vida escénica gracias al famoso Marius Petipa y su asistente Lev Ivanov, quienes pasaron a la historia principalmente gracias a la puesta en escena de las escenas estándar del "cisne".

La versión Petipa-Ivanov se ha convertido en un clásico. Es la base de la mayoría de las producciones posteriores de El lago de los cisnes, excepto las extremadamente modernistas.

El prototipo del lago de los cisnes fue el lago de la Economía de los Cisnes de Davydov (ahora región de Cherkasy, Ucrania), que Tchaikovsky visitó poco antes de escribir el ballet. Mientras se relajaba allí, el autor pasó más de un día en su orilla, observando pájaros blancos como la nieve.
La trama se basa en muchos motivos folclóricos, incluida una antigua leyenda alemana que cuenta la historia de la bella princesa Odette, que fue convertida en cisne por la maldición de un malvado hechicero, el caballero Rothbart.

"Romeo y Julieta"

Romeo y Julieta de Prokofiev es uno de los ballets más populares del siglo XX. El ballet se estrenó en 1938 en Brno (Checoslovaquia). Sin embargo, la edición del ballet, que se presentó en el Teatro Kirov de Leningrado en 1940, se hizo ampliamente conocida.

“Romeo y Julieta” es un ballet en 3 actos, 13 escenas con prólogo y epílogo basado en la tragedia homónima de William Shakespeare. Este ballet es una obra maestra del arte mundial, plasmada a través de música y coreografías asombrosas. La producción en sí es tan impresionante que vale la pena verla al menos una vez en la vida.

"Giselle"
Compositor: Adolf Adam

“Giselle” es un “ballet fantástico” en dos actos del compositor francés Adolphe Adam con libreto de Henri de Saint-Georges, Théophile Gautier y Jean Coralli, basado en una leyenda contada por Heinrich Heine. En su libro "Sobre Alemania", Heine escribe sobre las Wilis, chicas que murieron por un amor infeliz y que, habiéndose convertido en criaturas mágicas, bailan hasta la muerte de los jóvenes que conocen por la noche, vengándose de ellos por sus vidas arruinadas.

El ballet se estrenó el 28 de junio de 1841 en la Gran Ópera, con coreografía de J. Coralli y J. Perrault. La producción fue un gran éxito y recibió buenas críticas en la prensa. El escritor Jules Janin escribió: “Hay mucho que encontrar en esta obra. Y ficción, y poesía, y música, y la composición de nuevos pasos, y hermosas bailarinas, y armonía, llena de vida, gracia, energía. Eso es lo que llaman ballet."

"Cascanueces"
Compositor: Piotr Tchaikovsky

La historia de las producciones teatrales del ballet "El cascanueces" de P. I. Tchaikovsky, cuya base literaria fue el cuento de hadas "El cascanueces y el rey ratón" de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, conoce muchas ediciones de autor. El ballet se estrenó en el Teatro Mariinsky el 6 de diciembre de 1892.
El estreno del ballet fue un gran éxito. El ballet "El Cascanueces" continúa y completa la serie de ballets de P. I. Tchaikovsky, que se han convertido en clásicos, en los que se escucha el tema de la lucha entre el bien y el mal, iniciado en "El lago de los cisnes" y continuado en "La bella durmiente". .

El cuento de Navidad sobre un noble y apuesto príncipe encantado, transformado en un muñeco Cascanueces, sobre una niña amable y desinteresada y su oponente, el malvado Rey Ratón, siempre ha sido amado por adultos y niños. A pesar de la trama de cuento de hadas, se trata de una obra de verdadera maestría del ballet con elementos de misticismo y filosofía.

"La Bayadère"
Compositor: Ludwig Minkus

“La Bayadère” es un ballet en cuatro actos y siete escenas con apoteosis del coreógrafo Marius Petipa con música de Ludwig Fedorovich Minkus.
La fuente literaria del ballet "La Bayadere" es el drama del clásico indio Kalidasa "Shakuntala" y la balada de V. Goethe "God and the Bayadère". La trama se basa en una romántica leyenda oriental sobre el infeliz amor de una bayadera y un valiente guerrero. “La Bayadère” es una obra ejemplar de una de las corrientes estilísticas del siglo XIX: el eclecticismo. En “La Bayadère” hay misticismo y simbolismo: la sensación de que desde la primera escena una “espada castigadora del cielo” se alza sobre los héroes.

"Primavera sagrada"
Compositor: Ígor Stravinski

La Consagración de la Primavera es un ballet del compositor ruso Igor Stravinsky, que se estrenó el 29 de mayo de 1913 en el Théâtre des Champs-Élysées de París.

El concepto de "La Consagración de la Primavera" se basó en el sueño de Stravinsky, en el que vio un antiguo ritual: una joven, rodeada de ancianos, baila hasta el cansancio para despertar la primavera y muere. Stravinsky trabajó en la música al mismo tiempo que Roerich, quien escribió bocetos para la escenografía y el vestuario.

No existe una trama como tal en el ballet. El compositor expone el contenido de "La consagración de la primavera" de la siguiente manera: "La brillante resurrección de la naturaleza, que renace a una nueva vida, una resurrección completa, una resurrección espontánea de la concepción del mundo".

"Bella Durmiente"
Compositor: Piotr Tchaikovsky

El ballet "La Bella Durmiente" de P.I. Tchaikovsky - Marius Petipa se llama la "enciclopedia de la danza clásica". El ballet cuidadosamente construido sorprende por la magnificencia de sus variados colores coreográficos. Pero como siempre, en el centro de cada actuación de Petipa está la bailarina. En el primer acto, Aurora es una joven que percibe el mundo que la rodea de manera brillante e ingenua; en el segundo, es un fantasma seductor, convocado de un largo sueño por el Hada Lila; en el final, es una persona feliz; princesa que ha encontrado a su prometido.

El genio inventivo de Petipa deslumbra al público con un extraño patrón de danzas diversas, cuyo pináculo es el solemne pas de deux de los amantes, la princesa Aurora y el príncipe Désiré. Gracias a la música de P.I. Tchaikovsky, el cuento de hadas para niños se convirtió en un poema sobre la lucha entre el bien (el hada Lila) y el mal (el hada Carabosse). “La Bella Durmiente” es una auténtica sinfonía musical y coreográfica en la que se fusionan música y danza.

"Don Quixote"
Compositor: Ludwig Minkus

“Don Quijote” es una de las obras de teatro de ballet más vibrantes, vibrantes y festivas. Es interesante que, a pesar de su nombre, este brillante ballet no sea en modo alguno una dramatización de la famosa novela de Miguel de Cervantes, sino una obra coreográfica independiente de Marius Petipa basada en Don Quijote.

En la novela de Cervantes, la imagen del triste caballero Don Quijote, dispuesto a cualquier hazaña y hazaña noble, es la base de la trama. En el ballet de Petipa con música de Ludwig Minkus, que se estrenó en 1869 en el Teatro Bolshoi de Moscú, Don Quijote es un personaje secundario y la trama se centra en la historia de amor de Kitri y Basil.

"Cenicienta"
Compositor: Serguéi Prokofiev

"Cenicienta" es un ballet en tres actos de Sergei Prokofiev basado en la historia del cuento de hadas del mismo nombre de Charles Perrault.
La música del ballet fue escrita entre 1940 y 1944. “Cenicienta” con música de Prokofiev se representó por primera vez el 21 de noviembre de 1945 en el Teatro Bolshoi. Su director fue Rostislav Zakharov.
Así escribió Prokofiev sobre el ballet Cenicienta: "Creé a Cenicienta siguiendo las mejores tradiciones del ballet clásico", lo que hace que el espectador sienta empatía y no permanezca indiferente ante las alegrías y problemas del Príncipe y Cenicienta.

Cuando hablamos de ballet, siempre nos referimos a la creatividad, ya que fue él quien llevó este género escénico a la categoría de representaciones musicales serias y de gran escala. Tiene sólo tres ballets y los tres: "El lago de los cisnes", "El cascanueces", "La bella durmiente", son famosos por su excelente dramaturgia y su maravillosa música.

La obra de ballet más popular de Piotr Tchaikovsky, que casi todo el mundo escucha, es "", escrita en 1877. Muchos fragmentos de este espectáculo de danza, "La danza de los pequeños cisnes", "Vals" y otros, han vivido durante mucho tiempo sus propias vidas separadas, como composiciones musicales populares. Sin embargo, toda la actuación, que cuenta una historia de amor, merece la atención de los amantes de la música. Tchaikovsky, conocido en vida por su asombroso talento compositivo, recompensó generosamente el ballet con innumerables melodías encantadoras y memorables.

Otro de los mejores ballets de la historia de la música es el de Tchaikovsky. Este fue el segundo giro del compositor hacia el género de la danza, y si el público no apreció "El lago de los cisnes" al principio, "La belleza" fue inmediatamente reconocida como una obra maestra y se proyectó en casi todos los teatros del Imperio ruso y Europa.

El ballet se basa en la trama que conocemos desde la infancia, el cuento de hadas de Charles Perrault sobre la Bella Durmiente, el hada malvada y el amor que todo lo conquista. Tchaikovsky complementó esta historia con maravillosas danzas de personajes de cuentos de hadas y Marius Petipa con increíbles coreografías, que se convirtieron en una enciclopedia del arte del ballet.

"" es el tercer y último ballet de Piotr Tchaikovsky, una de las cumbres reconocidas de su obra, que seguramente se proyectará en todos los teatros de Europa en Navidad y Nochevieja. El cuento de hadas de Hoffmann "El cascanueces y el rey ratón" continúa el tema de la lucha entre el mal y el bien iniciado por Tchaikovsky en "El lago de los cisnes", completándolo con elementos de fantasía y, naturalmente, amor y autosacrificio. Una historia filosófica, numerosas hermosas melodías de números de baile y coreografías hacen de este ballet una de las mejores y más buscadas obras musicales clásicas de la música mundial.

Hubo un tiempo en que fue uno de los ballets más escandalosos. Ahora “Romeo y Julieta” es una de las producciones de danza clásica en muchos teatros de todo el mundo. La nueva música del compositor, en gran medida revolucionaria, requería nuevas escenografías y estilos de movimiento por parte de la compañía. Antes del estreno, el compositor tuvo que convencer literalmente a directores y bailarines para que participaran en la producción. Sin embargo, esto no ayudó, los principales teatros del país, los teatros Bolshoi y Kirov, se negaron a presentar esta representación. Sólo después del inesperado y sorprendente éxito de Romeo y Julieta en Checoslovaquia, el ballet se representó en San Petersburgo y Moscú, y el propio Prokofiev recibió el Premio Stalin.

La actuación clásica de todas las compañías de danza del mundo es “Giselle”. El ballet se basa en la leyenda de los Willis, los espíritus de las novias que murieron de amor infeliz y, por lo tanto, perseguían a todos los jóvenes en un baile frenético. Desde su estreno en 1841, “Giselle” no ha perdido su popularidad entre los amantes del arte de la danza y ha contado con numerosas producciones.

Ballet como forma musical evolucionó desde un simple complemento de la danza, hasta una forma compositiva específica que muchas veces tenía el mismo significado que la danza que la acompañaba. Originaria de Francia en el siglo XVII, esta forma de danza comenzó como una danza teatral. Formalmente, el ballet no recibió el estatus de "clásico" hasta el siglo XIX. En ballet, los términos "clásico" y "romántico" evolucionaron cronológicamente a partir del uso musical. Así, en el siglo XIX, el período clásico del ballet coincidió con la era del romanticismo en la música. Los compositores de música de ballet de los siglos XVII al XIX, incluidos Jean-Baptiste Lully y Pyotr Ilyich Tchaikovsky, estuvieron principalmente en Francia y Rusia. Sin embargo, con su creciente fama internacional, Tchaikovsky durante su vida vio la difusión de la composición musical de ballet, y del ballet en general, por todo el mundo occidental.

YouTube enciclopédico

1 / 3

✪ Rumor absoluto sobre el ballet "La Bella Durmiente"

✪ Dona nobis pacem Danos la paz I S Bach Misa h-moll Teatro Tártaro de Ópera y Ballet 2015

✪ ♫ Música clásica para niños.

Subtítulos

Historia

• Hasta aproximadamente la segunda mitad del siglo XIX, el papel de la música en el ballet era secundario, con el énfasis principal en la danza, mientras que la música en sí simplemente se tomaba prestada de melodías de danza. Escribir "música de ballet" solía ser obra de artesanos musicales, no de maestros. Por ejemplo, los críticos del compositor ruso Pyotr Ilyich Tchaikovsky percibieron su escritura de música de ballet como algo básico.
  Desde los primeros ballets hasta la época de Jean-Baptiste Lully (1632-1687), la música del ballet era indistinguible de la música de baile de salón. Lully creó un estilo separado en el que la música contaría la historia. El primer "Ballet de acción" se representó en 1717. Era una historia contada sin palabras. El pionero fue John Weaver (1673-1760). Tanto Lully como Jean-Philippe Rameau escribieron una "ópera-ballet" donde se representaba la acción. en parte bailando, en parte cantando, pero la música de ballet fue perdiendo importancia gradualmente.
  El siguiente gran paso tuvo lugar en los primeros años del siglo XIX, cuando los solistas comenzaron a utilizar zapatillas de ballet rígidas especiales: las zapatillas de punta. Esto permitió un estilo de música más fraccionado. En 1832, la famosa bailarina María Taglioni (1804-1884) demostró por primera vez bailando con zapatillas de punta. Fue en La Sílfide. Ahora la música pudo volverse más expresiva. Poco a poco, el baile se volvió más atrevido y los hombres levantaban a las bailarinas en el aire.
  Hasta la época de Tchaikovsky, el compositor de ballet no estaba separado del compositor de sinfonías. La música de ballet sirvió de acompañamiento para la danza solista y en conjunto. El ballet El lago de los cisnes de Tchaikovsky fue la primera obra de ballet musical creada por un compositor sinfónico. Por iniciativa de Tchaikovsky, los compositores de ballet ya no escribieron piezas de danza sencillas y fáciles. Ahora el foco principal del ballet no era sólo la danza; la composición, después de las danzas, cobró igual importancia. A finales del siglo XIX, Marius Petipa, coreógrafo de ballet y danza rusos, trabajó con compositores como Cesar Pugni en la creación de obras maestras del ballet que contaban tanto con danza como con música complejas. Petipa trabajó con Tchaikovsky, colaborando con el compositor en sus obras La Bella Durmiente y El Cascanueces, o indirectamente a través de una nueva edición de El lago de los cisnes de Tchaikovsky tras la muerte del compositor.
  En muchos casos, en las óperas todavía se utilizaban escenas cortas de ballet para cambiar de escenario o de vestuario. Quizás el ejemplo más famoso de música de ballet como parte de una ópera sea la Danza de las Horas de la ópera La Gioconda (1876) de Amilcare Ponchielli.
  Se produjo un cambio fundamental de humor cuando se creó el ballet La consagración de la primavera (1913) de Igor Stravinsky.

La música era expresionista y discordante y los movimientos muy estilizados. En 1924, George Antheil escribió Ballet Mecánica. Era adecuado para una película de objetos en movimiento, pero no para bailarines, aunque fue innovador en el uso de la música jazz. A partir de este punto de partida, la música del ballet se divide en dos direcciones: el modernismo y la danza jazz. George Gershwin intentó llenar este vacío con su ambiciosa partitura para Shall We Dance (1937), más de una hora de música que abarcaba jazz y rumba cerebrales y técnicamente con los pies caídos. Una de las escenas fue compuesta especialmente para la bailarina Harriet Hoctor.
Muchos dicen que la danza jazz está mejor representada por el coreógrafo Jerome Robbins, quien trabajó con Leonard Bernstein en West Side Story (1957). En algunos aspectos es un regreso a la "ópera-ballet", ya que la trama se cuenta principalmente con palabras. El modernismo está mejor representado por Sergei Prokofiev en el ballet "Romeo y Julieta". Este es un ejemplo de ballet puro, y lo hay. Sin influencia del jazz ni de ningún otro tipo de música popular. Otra tendencia en la historia de la música de ballet es la tendencia a la adaptación creativa de la música antigua. Ottorino Respighi organizó las obras de Gioachino Rossini (1792-1868) y sus series conjuntas en el ballet. llamado “The Magic Shop”, que se estrenó en 1919 en el Ballet Auditorium, prefiere la música romántica, por lo que nuevos ballets se combinan con obras antiguas a través de nuevas coreografías. Un ejemplo famoso es "The Dream", música de Felix Mendelssohn, adaptada por John. Lanzamiento.

Compositores de ballet

A principios del siglo XIX, los coreógrafos representaban representaciones con música recopilada, compuesta en su mayoría por fragmentos de ópera y melodías de canciones populares y conocidas. El primero que intentó cambiar la práctica existente fue el compositor Jean-Madeleine Schneizhoffer. Por ello fue objeto de considerables críticas, a partir de su primera obra, el ballet “Proserpina” (1818):

La música pertenece a un joven que, a juzgar por la obertura y algunos motivos del ballet, merece aliento. Pero creo firmemente (y la experiencia respalda mi opinión) que los motivos hábilmente seleccionados para las situaciones siempre sirven mejor a las intenciones del coreógrafo y revelan su intención más claramente que la música casi completamente nueva, que, en lugar de explicar la pantomima, espera ella misma explicación.

A pesar de los ataques de los críticos, siguiendo a Schneitzhoffer, otros compositores comenzaron a alejarse de la tradición de crear partituras de ballet recopiladas a partir de fragmentos musicales basadas en motivos de otras obras famosas (la mayoría de las veces operísticas): Ferdinand Herold, Fromental Halévy y, en primer lugar, - y luego, fructíferamente, quien trabajó con Marius Petipa, al crear sus partituras, siguió estrictamente las instrucciones del coreógrafo y su plan, hasta el número de compases de cada número. En el caso de Saint-Leon, incluso tuvo que utilizar melodías asignadas por el coreógrafo: según las memorias de Karl Waltz, Saint-Leon, él mismo violinista y músico, más de una vez silbó melodías a Minkus, que “tradujo febrilmente en notaciones musicales”.

Esta práctica no correspondía a los principios del mismo Schneitzhoffer, quien valoraba su reputación como autor independiente y siempre trabajaba por separado del coreógrafo al crear partituras (solo se hizo una excepción al crear el ballet La Sylphide junto con

Digan lo que digan, no se puede ignorar la famosa obra maestra del compositor ruso en cuatro actos, gracias a la cual la leyenda alemana de la bella cisne quedó inmortalizada a los ojos de los conocedores del arte. Según la trama, el príncipe, enamorado de la reina cisne, la traiciona, pero ni siquiera la comprensión del error lo salva ni a él ni a su amada de los elementos furiosos.

La imagen de la protagonista, Odette, parece complementar la galería de símbolos femeninos creada por el compositor durante su vida. Es de destacar que el autor del argumento del ballet sigue siendo desconocido y los nombres de los libretistas nunca han aparecido en ningún cartel. El ballet se presentó por primera vez en 1877 en el escenario del Teatro Bolshoi, pero la primera versión se consideró infructuosa. La producción más famosa es la de Petipa-Ivanov, que se convirtió en el estándar para todas las representaciones posteriores.

Los mejores ballets del mundo: “El Cascanueces” de Tchaikovsky

Popular en la víspera de Año Nuevo, el ballet infantil El Cascanueces se presentó por primera vez al público en 1892 en el escenario del famoso Teatro Mariinsky. Su trama está basada en el cuento de hadas de Hoffmann "El cascanueces y el rey ratón". La lucha de generaciones, el enfrentamiento entre el bien y el mal, la sabiduría escondida detrás de la máscara: el profundo significado filosófico del cuento de hadas está revestido de brillantes imágenes musicales que son comprensibles para los espectadores más jóvenes.

La acción tiene lugar en invierno, en Nochebuena, cuando todos los deseos pueden hacerse realidad, y esto le da un encanto adicional a la mágica historia. En este cuento de hadas todo es posible: los deseos más preciados se harán realidad, las máscaras de hipocresía caerán y la injusticia definitivamente será derrotada.

************************************************************************

Los mejores ballets del mundo: “Giselle” de Adana

“Un amor más fuerte que la muerte” es quizás la descripción más precisa del famoso ballet en cuatro actos “Giselle”. La historia de una niña que muere de amor ardiente y que entregó su corazón a un joven noble comprometido con otra novia se transmite tan vívidamente en el elegante paso de las esbeltas wilis, novias que murieron antes de la boda.

El ballet fue un gran éxito desde su primera representación en 1841 y, a lo largo de 18 años, se representaron 150 representaciones teatrales de la obra del famoso compositor francés en el escenario de la Ópera de París. Esta historia cautivó tanto los corazones de los conocedores del arte que un asteroide descubierto a finales del siglo XIX incluso recibió el nombre del personaje principal de la historia. Y hoy nuestros contemporáneos se han ocupado de preservar una de las mayores perlas de la obra clásica en las versiones cinematográficas de la producción clásica.

************************************************************************

Los mejores ballets del mundo: “Don Quijote” de Minkus

La era de los grandes caballeros ya pasó, pero esto no impide en absoluto que las jóvenes modernas sueñen con conocer a Don Quijote del siglo XXI. El ballet transmite con precisión todos los detalles del folclore de los habitantes de España; y muchos maestros intentaron escenificar la trama de la noble caballería en una interpretación moderna, pero es la producción clásica la que adorna el escenario ruso durante ciento treinta años.

El coreógrafo Marius Petipa supo encarnar hábilmente en la danza todo el sabor de la cultura española mediante el uso de elementos de danzas nacionales, y algunos gestos y poses indican directamente el lugar donde se desarrolla la trama. La historia no ha perdido su significado hoy: incluso en el siglo XXI, Don Quijote inspira hábilmente a jóvenes de buen corazón capaces de cometer actos desesperados en nombre del bien y la justicia.

************************************************************************

Los mejores ballets del mundo: Romeo y Julieta de Prokofiev

La historia inmortal de dos corazones amorosos, unidos para siempre sólo después de la muerte, se materializa en el escenario gracias a la música de Prokofiev. La producción tuvo lugar poco antes de la Segunda Guerra Mundial, y hay que rendir homenaje a los dedicados artesanos que resistieron el orden habitual de aquella época, que también reinaba en la esfera creativa del país estalinista: el compositor conservó el tradicional final trágico de la trama.

Después del primer gran éxito, que otorgó a la obra el Premio Stalin, hubo muchas versiones, pero literalmente en 2008 tuvo lugar en Nueva York la tradicional producción de 1935 con un final feliz para la famosa historia, desconocida para el público hasta ese momento. .

************************************************************************

¡Disfruto ver!