"син" период. Син и розов период в творчеството на П

Лаиците често хвърлят забележки към авангардните художници, че не знаят как да рисуват, затова изобразяват кубове и квадрати. Пикасо може да служи като илюстрация на фалшивостта и примитивността на подобно твърдение. От малък той успява да отразява природата на хартия с максимално сходство с оригинала. Талантът, който за щастие е поставен в творческа среда от раждането си (бащата на най-ярката фигура в живописта на ХХ век е учител по рисуване и декоратор), се развива светкавично. Момчето започна да рисува почти преди да проговори...

"Син" период

„Синият период“ е може би първият етап в творчеството на Пикасо, по отношение на който може да се говори за индивидуалността на майстора, въпреки все още звучащите нотки на влияния. Първото творческо излитане е провокирано от дълга депресия: през февруари 1901 г. в Мадрид Пикасо научава за смъртта на своя близък приятел Карлос Касагемас. На 5 май 1901 г. художникът идва за втори път в живота си в Париж, където всичко му напомня за Касагемас, с когото наскоро откриват френската столица. Пабло се настани в стаята, където Карлос прекара последните си дни, започна афера с Жермен, заради която приятелят му се самоуби, и общува със същия кръг от хора. Човек може да си представи в какъв сложен възел са се сплели за него горчивината от загубата, чувството за вина, усещането за близостта на смъртта... Всичко това в много отношения е послужило като „боклук“, от който произлиза „синият период“ нарасна. По-късно Пикасо каза: „Потънах в синьо, когато разбрах, че Касагемас е мъртъв”...

"Розов" период

„Розовият период“ е сравнително кратък (от есента на 1904 г. до края на 1906 г.) и не е напълно хомогенен. Въпреки това, голям брой картини се отличават със светъл цвят, появата на перлено-сиви, охра и розово-червени тонове; Появяват се и доминират нови теми – актьори, акробати, спортисти. Циркът Медрано, разположен в подножието на хълма Монмартър, със сигурност е предоставил много материал за художника. Театралността в много от нейните проявления (костюми, подчертани жестове), разнообразието от типове хора, красиви и грозни, млади и възрастни, сякаш върнаха художника в света на няколко трансформирани, но реални форми, обеми, пространства; образите отново бяха изпълнени с живот, за разлика от героите от „синия период”...

"африкански" период

Първата работа, която насочва четките на Пикасо към нова фигуративност, е портретът на Гертруд Стайн от 1906 г. След като го пренаписва около 80 пъти, художникът се отчая да въплъти писателя в класически стил. Художникът очевидно беше узрял за нов творчески период и следването на природата престана да го интересува. Това платно може да се счита за първата стъпка към деформация на формата.

През 1907 г. Пикасо за първи път се сблъсква с архаично африканско изкуство на етнографска изложба в музея Трокадеро. Примитивните идоли, фигурки и маски, където обобщената форма е освободена от трепкащите детайли, въплъщават мощните сили на природата, от които първобитният човек не се дистанцира. Идеологията на Пикасо, който неизменно поставя изкуството над всичко останало, съвпада с мощното послание, вложено в тези изображения: за древните хора изкуството не е служило за украса на ежедневието, магьосничеството е опитомило неразбираемите и враждебни духове, които контролират пълния земен живот на опасност...

Кубизъм

Преди кубизма проблемът за подобието на живота винаги е оставал един от основните в европейското изкуство. В продължение на няколко века изкуството се е развивало, без да поставя под въпрос тази задача. Дори импресионистите, които отвориха нова глава в историята на живописта, посветена на светлината, на улавянето на мимолетно впечатление, също решиха въпроса: как да уловим този свят върху платното.

Импулсът за развитието на нов език на изкуството може би беше въпросът: защо рисувате? До началото на 20в. основите на „правилното“ рисуване могат да бъдат научени на почти всеки. Фотографията се развива активно и става ясно, че фиксираните, технически изображения ще станат нейна област. Художниците се изправиха пред въпроса: как може изкуството да остане живо и актуално в свят, в който визуалните образи стават все по-достъпни и по-лесни за възпроизвеждане? Отговорът на Пикасо е изключително прост: в арсенала на живописта има само свои собствени специфични средства - равнината на платното, линията, цвета, светлината и не е задължително те да бъдат поставени в услуга на природата. Външният свят само дава тласък за изява на индивидуалността на твореца. Отказът от правдоподобно имитиране на обективния свят разкри невероятно широки възможности за художниците. Този процес протичаше в няколко посоки. В областта на „освобождаването” на цвета Матис може би е лидер, докато Брак и Пикасо, основателите на кубизма, се интересуват повече от формата...

"Класически" период

1910-те се оказват доста трудни за Пикасо. През 1911 г. изплува история, свързана с покупката и съхранението на фигурки, откраднати от Лувъра, която демонстрира на Пикасо ограниченията на собствената му морална и човешка сила: той се оказа неспособен да устои директно на натиска на властите и да запази преданост към приятелство (при първия разпит той се опита да се отрече дори от самия факт на познанство с Аполинер, „благодарение“ на когото се замеси в този неприятен инцидент). През 1914 г. започва Първата световна война и става ясно, че Пикасо не е готов да се бие за Франция, която става негова втора родина. Това също го отдели от много от приятелите му. Марсел Хумберт умира през 1915 г.

Сюрреализъм

Разделянето на творчеството на периоди е стандартен начин за притискане на изкуството в рамки и сортирането му по рафтове. В случая с Пабло Пикасо, художник без стил или по-точно многостилов художник, този подход е конвенционален, но традиционно прилаган. Периодът на близостта на Пикасо със сюрреализма се вписва хронологично в рамките на 1925 – 1932 г. По правило всеки стилистичен етап в творчеството на художника е доминиран от определена муза. Женен за бившата балерина Олга Хохлова, която копнееше да „разпознае себе си върху платната“, Пикасо се обърна от кубизма, който той изобрети заедно с Жорж Брак, към неокласицизма.

Кога младата блондинка се появи в живота на художника?

Акробатът и младият Арлекин 1905

„Синият“ и „розовият“ период в творчеството на испанския художник Пабло Пикасо са времето на формиране на индивидуалния стил на художника. По това време се наблюдава отклонение от импресионизма, наследяване на стилистиката на Тулуз-Лотрек, Дега и други известни художници.

"Син" период (1901-1904)

Автопортрет. 1901 г

Получава името си поради общата тоналност на картините, изпълнени в сини тонове, обединени от настроение на отчаяние и самота. Някои от първите творби от този период са „Автопортрет“ (1901) и „Пияч на абсент“ (1901). Повечето от героите на картините на Пикасо са представители на долните слоеве на обществото, хора в неравностойно положение, болни или порочни хора. Сред по-късните „сини“ творби си струва да се отбележат картините „Глава на жена“ (1902-1903), „Закуската на слепия“ (1903), „Стар евреин с момче“ (1903), „Гладачът“ ( 1904). Естетически е важно да се премине към нови методи на изобразяване, да се изключат ненужните детайли от композицията и редица други решения, които позволяват на зрителя да се съсредоточи върху емоциите, предизвикани от картината. В същото време тези произведения на Пикасо не могат да се считат напълно за оригинални, т.к частично използват мотиви и техники, характерни за испанската живопис. Формирането на такова емоционално настроение в картините беше силно повлияно от реалностите на живота. Началото на „синия“ период се свързва със самоубийството на близкия приятел на художника Карлос Касагемас през 1901 г. Близостта на смъртта, самотата и принудителното завръщане в Барселона през 1903 г. поради липса на средства повлияха на депресивния характер на картините.

„Момиче на топка“ - баланс между живота и смъртта

Момиче на топката. 1905 г

Тази картина, рисувана през 1905 г., е характерна творба на преходния период. Време, когато болката, отчаянието и страданието постепенно изчезват в картините на художника, те са заменени от интерес към живите човешки радости, олицетворени от циркови артисти и артисти. Съдържанието на тази творба, изградено върху контрасти (движение и статика, момиче и атлет, лекота и тежест и др.), напълно съответства на символиката на прехода между горчивината на смъртта и радостите на живота.

"Розов" период (1904 - 1906)

Постепенният преход към „розовия” период в творчеството му започва през 1904 г., когато започват да настъпват положителни промени в живота на художника: преместване в оживения център на авангардния живот - в хостела на художниците в Монмартър, влюбване в Фернанде Оливие, запознавайки се с много интересни хора, сред които Матис и Гертруд Стайн. Основната тема на творбите от този период, изпълнени в розови, червени и перлени тонове, са комедиантите от цирка Медрано. Картините се отличават с разнообразие от сюжети, динамика и движение. В същото време художникът продължава да развива своя индивидуален стил, формиран още в „синия“ период. От това време датират творбите „Акробатът и младият Арлекин” (1905), „Семейство комедианти” (1905), „Шутът” (1905) и др.. В края на „розовия” период образите вдъхновени от древни митове се появяват в картините на Пикасо: „Момиче с коза“ (1906), „Момче, водещо кон“ (1906) и проявява интерес към изобразяването на голи „Ресане“ (1906), Голо момче (1906).

Едва ли има човек на планетата, който да не е запознат с името Пабло Пикасо. Основателят на кубизма и художник от много стилове оказва влияние върху изобразителното изкуство не само на Европа, но и на целия свят през 20 век.

Художник Пабло Пикасо: детство и години на обучение

Един от най-ярките е роден в Малага, в къща на площад Мерсед, през 1881 г., на 25 октомври. Днес има музей и фондация на името на П. Пикасо. Следвайки испанската традиция при кръщението, родителите дадоха на момчето доста дълго име, което е редуване на имената на светци и най-близките и най-почитаните роднини в семейството. В крайна сметка той се познава по първия и последния. Пабло реши да вземе фамилното име на майка си, тъй като смяташе, че баща му е твърде прост. Талантът и страстта към рисуването на момчето се проявява от ранна детска възраст. Първите и много ценни уроци му дава баща му, който също е художник. Името му беше Хосе Руис. Първата си сериозна картина рисува на осемгодишна възраст - „Пикадор“. Спокойно можем да кажем, че с нея започва работата на Пабло Пикасо. Бащата на бъдещия художник получава предложение да работи като учител в Ла Коруня през 1891 г. и скоро семейството се премества в Северна Испания. Там Пабло учи една година в местно училище по изкуства. След това семейството се мести в един от най-красивите градове – Барселона. Младият Пикасо беше на 14 години по това време и твърде млад, за да учи в La Lonja (училище за изящни изкуства). Баща му обаче успя да осигури разрешението му да се яви на приемни изпити на състезателна основа, с което се справи блестящо. След още четири години родителите му решават да го запишат в най-доброто висше училище по изкуства по това време – „Сан Фернандо” в Мадрид. Обучението в академията бързо омръзна на младия талант, в нейните класически канони и правила той се чувстваше тесен и дори отегчен. Затова той посвещава повече време на музея Прадо и изучава колекциите му, а година по-късно се завръща в Барселона. Ранният период на неговото творчество включва картини, рисувани през 1986 г.: „Автопортрет“ на Пикасо, „Първо причастие“ (изобразява сестрата на художника Лола), „Портрет на майка“ (на снимката по-долу).

По време на престоя си в Мадрид той прави първото си пътуване, където изучава всички музеи и картини на най-големите майстори. Впоследствие той ще идва няколко пъти в този център на световното изкуство, а през 1904 г. ще се премести за постоянно.

"Син" период

Този период от време може да се разглежда като точно по това време, неговата индивидуалност, все още подложена на външно влияние, започва да се проявява в работата на Пикасо. Всеизвестен факт е: талантът на творческите хора се проявява най-ярко в трудни житейски ситуации. Точно това се случи с Пабло Пикасо, чиито творби вече са известни по целия свят. Излитането беше провокирано и се случи след дълга депресия, причинена от смъртта на близък приятел Карлос Касагемас. През 1901 г. на изложба, организирана от Волар, са представени 64 творби на художника, но по това време те все още са пълни с чувственост и яркост, влиянието на импресионистите се усеща ясно. „Синият“ период на неговото творчество постепенно влиза в законните си права, проявявайки се с твърди контури на фигури и загуба на триизмерност на изображението, отклонение от класическите закони на художествената перспектива. Палитрата от цветове на платната му става все по-монотонна, с акцент върху синьото. Началото на периода може да се счита за „Портрет на Хайме Сабартес“ и автопортрет на Пикасо, рисуван през 1901 г.

Картини от "синия" период

Ключовите думи за майстора през този период са самота, страх, вина, болка. През 1902 г. отново се завръща в Барселона, но не може да остане там. Напрегнатата ситуация в столицата на Каталуния, бедността от всички страни и социалната несправедливост водят до народни вълнения, които постепенно обхванаха не само цяла Испания, но и Европа. Вероятно това състояние на нещата е повлияло и на художника, който работи ползотворно и изключително усилено тази година. В родината са създадени шедьоври от „синия“ период: „Две сестри (среща)“, „Стар евреин с момче“, „Трагедия“ (снимка на платното по-горе), „Живот“, където образът на починалият Касагемас отново се появява. През 1901 г. е нарисувана и картината „Пиячът на абсент“. Проследява влиянието на популярното тогава увлечение по „злобните” герои, характерни за френското изкуство. Темата за абсента се появява в много картини. Работата на Пикасо, освен всичко друго, е пълна с драматизъм. Особено впечатление прави хипертрофиралата ръка на жената, с която тя сякаш се опитва да се защити. В момента „Любовникът на абсента“ се съхранява в Ермитажа, след като е попаднал там от частна и много впечатляваща колекция от творби на Пикасо (51 творби) на С. И. Шчукин след революцията.

Веднага щом се появява възможност да отиде отново в Испания, той решава да се възползва от нея и напуска Испания през пролетта на 1904 г. Именно там той ще се сблъска с нови интереси, усещания и впечатления, които ще дадат начало на нов етап в неговото творчество.

"Розов" период

В творчеството на Пикасо този етап продължава сравнително дълго време - от 1904 г. (есента) до края на 1906 г. - и не е напълно хомогенен. Повечето картини от периода са белязани от светла гама от цветове, появата на охра, перлено-сиви, червено-розови тонове. Характерно е появата и последващото доминиране на нови теми за творчеството на художника - актьори, циркови артисти и акробати, спортисти. Разбира се, по-голямата част от материала му беше предоставена от цирка Медрано, който през онези години се намираше в подножието на Монмартър. Ярката театрална обстановка, костюми, поведение, разнообразие от типове сякаш върнаха П. Пикасо в света на, макар и трансформирани, но реални форми и обеми, естествено пространство. Образите в картините му отново стават чувствени и изпълнени с живот и яркост, за разлика от героите от „синия“ етап на творчество.

Пабло Пикасо: произведения от "розовия" период

Картините, които отбелязаха началото на нов период, бяха изложени за първи път в края на зимата на 1905 г. в галерия Serurrier - това са „Седнало голо“ и „Актьор“. Един от признатите шедьоври на „розовия“ период е „Семейство комедианти“ (на снимката по-горе). Платното е с внушителни размери - повече от два метра височина и ширина. Фигурите на циркови артисти са изобразени на фона на синьо небе; общоприето е, че арлекинът от дясната страна е самият Пикасо. Всички герои са статични и между тях няма вътрешна близост, всеки е окован от вътрешна самота - темата на целия "розов" период. Освен това си струва да се отбележат следните произведения на Пабло Пикасо: „Жена в риза“, „Тоалетна“, „Момче, което води кон“, „Акробати. Майка и син“, „Момиче с коза“. Всички те демонстрират на зрителя красота и спокойствие, рядко срещани за картините на художника. Нов тласък за творчество се появява в края на 1906 г., когато Пикасо пътува из Испания и се озовава в малко селце в Пиренеите.

Африкански творчески период

П. Пикасо за първи път се сблъсква с архаичното африканско изкуство на тематична изложба в музея Трокадеро. Той беше впечатлен от езически идоли с примитивна форма, екзотични маски и фигурки, които въплъщаваха великата сила на природата и бяха дистанцирани от най-малките детайли. Идеологията на художника съвпада с това мощно послание и в резултат на това той започва да опростява своите герои, правейки ги като каменни идоли, монументални и остри. Но първата работа в този стил се появява през 1906 г. - това е портрет на писателя от Пабло Пикасо, който пренаписва картината 80 пъти и вече напълно е загубил вяра във възможността да въплъти нейния образ в класически стил. . Този момент с право може да се нарече преходен от следване на природата към деформация на формата. Просто погледнете картини като „Гола жена“, „Танц с воали“, „Дриада“, „Приятелство“, „Бюст на моряк“, „Автопортрет“.

Но може би най-забележителният пример за африканския етап от творчеството на Пикасо е картината „Les Demoiselles d’Avignon“ (на снимката по-горе), върху която майсторът работи около година. Той увенча този етап от творческия път на художника и до голяма степен определи съдбата на изкуството като цяло. Картината е публикувана за първи път само тридесет години след като е нарисувана и се превръща в отворена врата към света на авангарда. Бохемският кръг на Париж буквално се раздели на два лагера: „за” и „против”. В момента картината се съхранява в Музея за модерно изкуство в Ню Йорк.

Кубизмът в творчеството на Пикасо

Проблемът за уникалността и точността на изображението остава на първо място в европейското изобразително изкуство до момента, в който в него нахлува кубизмът. Мнозина смятат, че тласъкът за неговото развитие е въпросът, възникнал сред художниците: „Защо да рисувате?“ В началото на 20-ти век надеждно изображение на това, което виждате, можеше да бъде научено на почти всеки, а фотографията беше буквално по петите му, което заплашваше напълно да измести всичко останало. Визуалните изображения стават не само правдоподобни, но и достъпни и лесно възпроизвеждани. Кубизмът на Пабло Пикасо в този случай отразява индивидуалността на твореца, изоставяйки правдоподобния образ на външния свят и отваряйки напълно нови възможности и граници на възприятие.

Ранните творби включват: „Гърне, чаша и книга“, „Къпане“, „Букет цветя в сива кана“, „Хляб и купа с плодове на масата“ и др. Платната ясно показват как стилът на художника се променя и придобива все по-абстрактни черти към края на периода (1918-1919). Например „Арлекин“, „Трима музиканти“, „Натюрморт с китара“ (на снимката по-горе). Асоциацията на публиката с работата на майстора с абстракционизма изобщо не отговаряше на Пикасо; самото емоционално послание на картините, тяхното скрито значение беше важно за него. В крайна сметка стилът на кубизма, който самият той създава, постепенно престава да вдъхновява и интересува художника, отваряйки пътя за нови тенденции в творчеството.

Класически период

Второто десетилетие на 20 век е доста трудно за Пикасо. Така 1911 г. бе белязана от историята на откраднатите фигурки от Лувъра, които не показаха художника в най-добрата светлина. През 1914 г. става ясно, че дори след като е живял толкова години в страната, Пикасо не е готов да се бие за Франция в Първата световна война, която го разделя от много от приятелите му. А на следващата година почина любимата му Марсел Хумберт.

Завръщането на по-реалистичен Пабло Пикасо в творчеството му, чиито творби отново са изпълнени с четливост, фигуративност и художествена логика, също е повлияно от много външни фактори. Включително пътуване до Рим, където той се пропива с древното изкуство, както и комуникация с балетната трупа на Дягилев и среща с балерината Олга Хохлова, която скоро става втората съпруга на художника. Нейният портрет от 1917 г., който е по някакъв начин експериментален по природа, може да се счита за началото на нов период. Руският балет Пабло Пикасо не само вдъхнови създаването на нови шедьоври, но и даде своя любим и дългоочакван син. Най-известните произведения от периода: „Олга Хохлова“ (на снимката по-горе), „Пиеро“, „Натюрморт с кана и ябълки“, „Спящи селяни“, „Майка и дете“, „Жени, бягащи по плажа“, “Трите грации”.

Сюрреализъм

Разделянето на творчеството не е нищо повече от желанието да го сортирате по рафтове и да го притиснете в определена (стилистична, времева) рамка. Въпреки това, този подход към работата на Пабло Пикасо, който украсява най-добрите музеи и галерии в света, може да се нарече много условен. Ако следваме хронологията, тогава периодът, когато художникът е близо до сюрреализма, пада върху годините 1925-1932. Изобщо не е изненадващо, че на всеки етап от работата на майстора муза посети майстора на четката и когато О. Хохлова искаше да се разпознае в неговите платна, той се обърна към неокласицизма. Творческите хора обаче са непостоянни и скоро младата и много красива Мария Тереза ​​Валтер, която беше само на 17 години по време на запознанството им, влезе в живота на Пикасо. Тя е предназначена за ролята на любовница и през 1930 г. художникът купува замък в Нормандия, който става дом за нея и работилница за него. Мария Тереза ​​беше верен спътник, упорито понасяше творческите и любящи подмятания на твореца, поддържайки приятелска кореспонденция до смъртта на Пабло Пикасо. Творби от периода на сюрреализма: “Танц”, “Жена на стол” (на снимката по-долу), “Къпеща се”, “Гола на плажа”, “Сън” и др.

Период на Втората световна война

Симпатиите на Пикасо по време на войната в Испания през 1937 г. принадлежат на републиканците. Когато през същата година италиански и немски самолети унищожават Герника - политическия и културен център на баските - Пабло Пикасо изобразява града, лежащ в руини, върху огромно платно със същото име само за два месеца. Той буквално беше обхванат от ужас от заплахата, която надвисна над цяла Европа, което не можеше да не се отрази на творчеството му. Емоциите не бяха изразени директно, но бяха въплътени в тона, неговата мрачност, горчивина и сарказъм.

След като войните затихнаха и светът дойде в относително равновесие, възстановявайки всичко, което беше разрушено, работата на Пикасо също придоби по-щастливи и ярки цветове. Неговите платна, рисувани през 1945-1955 г., имат средиземноморски привкус, много атмосферни и отчасти идеалистични. В същото време той започва да работи с керамика, създавайки много декоративни кани, чинии, чинии и фигурки (снимката е показана по-горе). Творбите, създадени през последните 15 години от живота му, са много неравномерни като стил и качество.

Един от най-великите художници на ХХ век Пабло Пикасо почина на 91-годишна възраст във вилата си във Франция. Той е погребан близо до замъка Вовенарт, който му принадлежи.

„Потънах в синьо, когато разбрах, че Касагемас е мъртъв“, признава по-късно Пикасо. „Периодът от 1901 до 1904 г. в творчеството на Пикасо обикновено се нарича „син“ период, тъй като повечето от картините от това време са рисувани в студена синьо-зелена палитра, изостряйки настроението на умора и трагична бедност.“ Това, което по-късно беше наречено "син" период, беше умножено от изображения на тъжни сцени, картини, изпълнени с дълбока меланхолия. На пръв поглед всичко това е несъвместимо с огромната жизненост на самия художник. Но като си спомняме автопортретите на млад мъж с огромни тъжни очи, разбираме, че платната от „синия“ период предават емоциите, които притежават художника по това време. Личната трагедия изостри представата му за живота и мъката на страдащите и онеправданите хора.

Парадоксално е, но вярно: несправедливостта на структурата на живота се усеща остро не само от онези, които от детството са изпитали потисничеството на житейските трудности или, още по-лошо, неприязънта на близките, но и доста проспериращите хора. Пикасо е отличен пример за това. Майка му обожаваше Пабло и тази любов се превърна в непробиваема броня за него до смъртта му. Бащата, който постоянно изпитваше финансови затруднения, знаеше как да направи всичко възможно, за да помогне на сина си, въпреки че понякога се движеше напълно в грешната посока, която Дон Хосе посочи. Любимият и проспериращ млад мъж не е станал егоцентричен, въпреки че атмосферата на упадъчната култура, в която се е формирал в Барселона, изглежда е допринесла за това. Напротив, той усети с голяма сила социалния безпорядък, огромната пропаст между бедни и богати, несправедливостта на структурата на обществото, неговата нехуманност - с една дума всичко, което доведе до революциите и войните на 20 век .

„Нека се обърнем към едно от централните произведения на Пикасо от онова време - картината „Старият просяк с момче“, завършена през 1903 г. и сега се намира в Държавния музей за изящни изкуства. КАТО. Пушкин. На плосък неутрален фон са изобразени две седнали фигури - грохнал сляп старец и малко момче. Образите са представени тук в своето рязко контрастно противопоставяне: лице на старец, набраздено от бръчки, сякаш изваяно от мощна игра на светлосенка, с дълбоки вдлъбнатини на слепи очи, неговата костелива, неестествено ъглова фигура, пречупените линии на краката и ръцете му и, за разлика от него, широко отворени очи върху нежното, нежно моделирано лице на момчето, плавните, плавни линии на дрехите му. Момче, стоящо на прага на живота, и грохнал старец, върху когото смъртта вече е оставила своя отпечатък - тези крайности са обединени в картината от някаква трагична общност. Очите на момчето са широко отворени, но изглеждат невиждащи като ужасните кухини на очните кухини на стареца: той е потопен в същата безрадостна мисъл. Мътният син цвят допълнително засилва настроението на скръб и безнадеждност, което се изразява в тъжно съсредоточените лица на хората. Цветът тук не е цветът на реалните обекти, нито е цветът на истинската светлина, която изпълва пространството на картината. Пикасо предава лицата на хората, техните дрехи и фона, на който са изобразени в еднакво скучни, смъртоносно студени нюанси на синьото.

Изображението е реалистично, но в него има много условности. Пропорциите на тялото на стареца са преувеличени, неудобната поза подчертава неговата счупеност. Тънкостта е неестествена. Чертите на лицето на момчето са предадени твърде просто. „Художникът не ни казва нищо за това кои са тези хора, от коя държава или епоха принадлежат и защо седят сгушени един до друг на тази синя земя. И все пак картината говори много: в контраста между стареца и момчето виждаме тъжното, безрадостно минало на единия и безнадеждното, неизбежно мрачно бъдеще на другия, и трагичното настояще на двамата. Тъжното лице на бедността и самотата ни гледа с тъжните си очи от картината. В произведенията си, създадени през този период, Пикасо избягва фрагментарността и детайлите и се стреми по всякакъв начин да подчертае основната идея на изобразеното. Тази идея остава обща за по-голямата част от ранните му творби; точно както в "Старецът просяк с момчето", тя се крие в разкриването на безпорядъка, тъжната самота на хората в трагичния свят на бедността.

„Синият период“ е може би първият етап в творчеството на Пикасо, по отношение на който можем да говорим за индивидуалността на майстора: въпреки все още звучащите нотки на влияния, ние вече имаме работа с проявлението на неговата истинска индивидуалност.

Първото творческо излитане, колкото и да е странно, беше провокирано от дълга депресия. През февруари 1901 г. в Мадрид Пикасо научава за смъртта на своя близък приятел Карлос Касагемас. На 5 май 1901 г. художникът идва за втори път в живота си в Париж, където всичко му напомня за Касагемас, с когото наскоро откриват френската столица. Пабло се настани в стаята, където Карлос прекара последните си дни, започна далеч не платонична връзка с Жермен, заради която се самоуби, и общува със същия кръг от хора като него. Човек може да си представи в какъв сложен възел са се сплели за него горчивината от загубата, чувството за вина, усещането за близостта на смъртта... Всичко това в много отношения е послужило като „боклук“, от който произлиза „синият период“ нарасна. По-късно Пикасо каза: „Потънах в синьо, когато разбрах, че Касагемас е мъртъв.“

Въпреки това, през юни 1901 г., на първата парижка изложба на Пикасо, открита от Волар, все още нямаше „синя“ специфика: представените 64 творби бяха ярки, чувствени и влиянието на импресионистите беше забележимо в тях.

„Синият период“ постепенно влезе в себе си: в творбите на Пикасо се появиха доста твърди контури на фигури, майсторът спря да се стреми към „триизмерност“ на изображенията и започна да се отдалечава от класическата перспектива. Постепенно палитрата му става все по-малко разнообразна, а акцентите на синьото стават все по-силни. Началото на самия "син период" се счита за "Портрет на Хайме Сабартес", създаден през същата 1901 г.

Самият Сабартес каза за тази работа: „Гледайки себе си на платното, разбрах какво точно е вдъхновило моя приятел - това беше целият спектър на моята самота, погледната отвън.“

Ключовите думи за този период от творчеството на Пикасо наистина са „самота“, „болка“, „страх“, „вина“, пример за това е „Автопортрет“

майстор, създаден няколко дни преди да замине за Барселона.

През януари 1902 г. той ще се върне в Испания, няма да може да остане - испанският кръг е твърде тесен за него, Париж е твърде привлекателен за него, той отново ще отиде във Франция и ще прекара там няколко отчайващо трудни месеца. Творбите не се продаваха, животът беше много труден. Той трябваше отново да се върне в Барселона и да остане там за последен път 15 месеца.

Столицата на Каталуния посрещна Пикасо с голямо напрежение, той беше заобиколен от всички страни от бедност и несправедливост. Социалните вълнения, обхванали Европа в началото на века, засегнаха и Испания. Вероятно това е повлияло и на мислите и настроенията на твореца, работил изключително много и плодотворно в родината си. Такива шедьоври на „синия период“ като „Дата (Две сестри)“,

Образът на Касагемас се появява отново в картината "Живот";

тя е нарисувана върху творбата „Последните мигове“, която беше изложена на Световното изложение в Париж през 1900 г. и стана причина за първото пътуване на Пикасо и Касагемас до столицата на Франция. В периоди на безпаричие художникът неведнъж е рисувал върху старите си платна, но в случая това „варварство“ вероятно е имало някакъв символичен смисъл като знак за сбогуване със старото изкуство и с Карлос, който също остава завинаги в света. минало.

През пролетта на 1904 г. се появи възможност да отиде отново в Париж и Пикасо не се поколеба. Именно в Париж го очакват нови усещания, нови хора, интереси и нов "розов" период, който датира от есента на 1904 г.