Холивуд и неговото влияние върху световната филмова индустрия. История на Холивуд Как започна Холивуд

Раждането на планетата Холивуд

Преди почти сто години, в началото на 1908 г., първите американски филмови продуценти се преместват от люлката на националната филмова индустрия - Ню Йорк на Западния бряг, в Калифорния. Така се появява Холивуд - великата фабрика за мечти и столица на илюзиите. Думата Холивуд произлиза от английските думи holly - падуб и wood - гора. През 1886 г. известна Дейда Уилконс от Канзас Сити, заедно със съпруга си, заложили парцел земя в околностите на Лос Анджелис, наричайки го Холивуд. Няколко години по-късно двойката започва да наема земята и до 1930 г. около ранчото е израснало цяло село, присъединено към Лос Анджелис като предградие. Първият режисьор, стъпил в Холивуд, беше Уилям Зелиг, който KU отряза част от земята, за да помещава клон на неговата филмова компания в Чикаго.

Най-мощният център за производство на филми в света възниква в резултат на така наречената патентна война. Известният изобретател Томас и Едисън (1847-1931) се съсредоточи върху своите открития. Всеки, който използва резултатите от чужди открития, трябва да плати за това. Кината в началото на 20 век. растяха като гъби след дъжд; до края на първото десетилетие в Америка те бяха над десет хиляди - почти повече, отколкото в цяла Европа. Те се наричаха никелови одеони (кина за пет цента) и носеха добри приходи: бизнесмен, който купи никелов одеон за две хиляди долара, получи парите си обратно в рамките на три месеца. Когато компанията на Едисон започва да изпитва финансови затруднения, изобретателят решава да подобри нещата, като принуди онези, които използват устройствата му, да плащат. Собствениците и разпространителите на кина обаче не бързаха да се разделят с парите си. Те отговаряха на всяко от обжалванията на Едисон в съда с насрещни искове. Така започна правната патентна война.

За да бъде сигурна, че ще спечели, компанията на Едисън се обедини с други компании, които също притежаваха редица патенти. Появи се Motion Pictures Patent Company (MPPC) (често тази компания се наричаше просто Patent Trust). Тя се опита да поеме пълен контрол върху производството и разпространението на филми. На 24 декември 1908 г., по искане на тръста, полицията в Ню Йорк затвори повече от петстотин никелови одеона в града, които не плащат почит. Този ден влезе в историята на американското кино като Черната Коледа.

Няколко месеца по-късно доверието. Разшири влиянието си върху по-голямата част от американския филмов пазар. Непокорните филмови предприемачи (те започват да се наричат ​​„независими“) също се обединиха. Между MPPC и „независимите“ започна истинска битка. Агентите на компанията, недоволни от съдебните мерки, счупиха прожекционните устройства, изляха сярна киселина в резервоарите за проявяване на филма, а по време на снимките няколко актьора бяха хоспитализирани със сериозни наранявания .

След това филмовата продукция е съсредоточена в Ню Йорк и Чикаго. За да избегнат преследването от MPK, „независимите“ в края на 1907 г. - началото на 1908 г. започват да се отдалечават от тези градове - към Западния бряг. Те се влюбиха в Холивуд - благодарение на мекия климат, изобилието от слънчеви дни, необходими за снимките, живописните околни пейзажи: планини, гори, пустини, където можеха да се играят голямо разнообразие от сцени. През 1909 г. на Hollywood Misha Road се появяват павилионите на първата стационарна филмова фабрика.

Ерата на нямото кино в Холивуд

През 1907 г. на Дейвид Уорк Грифит е предложено да участва във филма на Едуин Портър „Спасени от гнездото“. И въпреки че първоначално не харесва киното, след това в рамките на една година прави 61 късометражни филма. Грифит беше смятан за един от най-обещаващите американски режисьори. До края на 1913 г. той вече има над 450 филма и не напразно го наричат ​​Шекспир на екрана.

Днес работите му рядко се показват, но Грифит влезе в историята на киното като брилянтен режисьор, създател на нов кинематографичен език, използван от повечето му колеги до 60-те години на миналия век.

Бащата на технологиите за създаване на филми

Надграждайки постиженията на своите пионери в игралното кино, Грифит започва да разделя сцените на няколко кадъра, като променя разстоянието и ъгъла на кадъра, за да създаде по-голяма драма. Освен това, за да създаде максимално напрежение, той постепенно увеличава темпото на паралелния монтаж, докато действието достигне своя емоционален връх. Този метод беше особено ефективен за показване на „чудодейните“ спасявания, които се превърнаха в запазена марка на Грифит.

Грифит също стана новатор в областта на актьорството. Той разбра, че камерата неволно фокусира вниманието върху всеки жест на актьорите, което създава впечатлението, че те постоянно преиграват. В резултат на това много от сцените изглеждаха доста глупави, особено тези, заснети в близък план, които трябваше да изобразят интензивните емоции на героите. Грифит изисква по-фини изпълнения от своите актьори, което прави филмите му по-убедителни.

За да подобри качеството на работата си, Грифит широко използва техники и методи, заимствани от други форми на изкуството. Той изоставя рисуваните фонове, използвани обикновено в ранните филми, в полза на солидни декори, като тези, използвани в театъра. Освен че създават реалистична атмосфера, такива декори позволяват на камерата да се движи по-свободно, което повишава степента на въвличане на публиката в действието. Голям почитател на викторианското изкуство, Грифит също се опита да рамкира всеки кадър, подобно на художник върху платно, изпълвайки екрана с детайли, предназначени да помогнат на зрителя да разбере по-добре личността или действието на героя. Когато Грифит трябваше да подчертае обект или жест, той често използваше специален метод, при който целият екран беше затъмнен, с изключение на областта, където се намираше желаният обект.

Въпреки че Грифит се е специализирал предимно в мелодрами, той е снимал и комедии, исторически филми, трилъри, уестърни, екранизации на Библията, различни литературни произведения, както и редица филми със социално послание.

"Раждането на една нация"

До 1913 г. Грифит е уморен да прави късометражни филми, което не му дава възможност да демонстрира напълно своите филмови умения. Повечето филмови продуценти от онова време вярваха, че зрителят няма да може да гледа шоуто повече от 15 минути, но Грифит имаше различна гледна точка. Година по-рано той има възможност да наблюдава реакцията на публиката на френския филм „Кралица Елизабет“, който продължава около 50 минути, а по-късно и на италианския епос Camo Coming?, който продължава почти два часа. След силен скандал около продължителността на 42-минутния му филм „Джудит от Бетулия“ в 4 части (1913 г.), Грифит напуска компанията American Biograph и започва работа по първия си игрален филм „Раждането на една нация“.

Грифит вложи всичките си познания в областта на режисьорството в този тричасов епос. Раждането на една нация (1915), който проследява връзката между две американски семейства през Гражданската война и последвалия период на национално възстановяване, се превръща в най-значимия филм, правен в Америка по това време. Особено зрелищни бяха бойните сцени, в които дългите кадри бяха монтирани с близки планове, което позволява на зрителя да наблюдава хода на битката сякаш отвътре. Някои сцени са заснети на специално оцветен филм, за да бъдат по-убедителни.

„Раждането на една нация“ имаше такъв огромен успех, че производствените разходи бяха възстановени в рамките на два месеца след излизането на филма. Публиката се състоеше от представители на всички слоеве на обществото и това значително повиши културния статус на киното. В същото време изобразяването на черни герои във филма беше открито расистко, което предизвика буря от протести и доведе до забраната на филма в много американски градове.

По-късните му картини, като Broken Shoots (1919), са приети благосклонно, той всъщност спира да експериментира, работата му става все по-старомодна и сантиментална. През 1948 г., 18 години след излизането на последния му филм, той умира, напълно забравен (както Мелиес и много други) от самата кинематографична среда, за която има толкова безценен принос.

Филмови войни

През 1907 г., когато Грифит започва да се интересува от киното, светът на киното е на ръба на хаоса. Този свят се контролира главно от изобретателите, участващи в създаването на прожекционно оборудване. Много от тях бяха въвлечени във взаимни кавги, известни като „патентна война“, чиято същност бяха спорове за собствеността върху това оборудване. Тази правна война избухна още през 1897 г., но въпреки безбройните съдебни дела не беше възможно да се разреши спорът - твърде много хора допринесоха за развитието на филмовата технология. През 1909 г. обаче Томас Едисън свиква примирие, за да се заеме сериозно с по-големия проблем в американското кино – пиратството.

След това, през 1909 г., проблемът за Едисон и други филмови продуценти беше, че нищо не пречеше на дистрибуторите и собствениците на киносалони да правят незаконни копия на популярни филми и да ги показват на публиката, без да плащат нищо на създателите. За да спрат тази практика, Едисън и осем от неговите конкуренти решават да създадат патентна компания. Тази организация отказа да предостави филми на тези разпространители на филми, които се занимаваха с пирати или закупуваха филми от компании, които не бяха нейни членове.

В отговор на тази стъпка редица киноразпространители обявиха своята независимост и започнаха да произвеждат свои собствени филми. През 1910 г. независимите създават своя собствена организация и съдят Патентната компания, обвинявайки я в незаконен опит да поеме контрол над целия филмов бизнес чрез създаване на монопол или тръст. Последвалата „Война на доверието“ беше един от най-ярките епизоди в историята на американското кино: въоръжени войски на Патентната компания наводниха страната, тероризирайки независимите филмови екипи и конфискувайки оборудването им. Според легендата филмовата индустрия се установява в Холивуд, бивш град, отглеждащ портокали, само защото се намира близо до границата с Мексико и независимите лица могат да напуснат страната, преди наемниците на Патентната компания да ги настигнат.

Всъщност Холивуд имаше много други предимства. Имаше колкото искаш слънце, навсякъде наоколо имаше великолепни пейзажи - планини, долини, острови, езера, плажове, пустини, гори - където можеш да пресъздадеш всяка природа, открита на планетата. Земята тук беше евтина и в околностите имаше много работна ръка за изграждане и поддръжка на филмови студия. До 1915 г. 60% от американската филмова продукция е концентрирана тук, а през следващите пет години се формира система от филмови студия, която позволява на Холивуд да се превърне в световната кино столица.

Появата на жанровете

„Moviemogols” се стремеше да произвежда висококачествени развлекателни продукти, но не искаше да поема рискове, като пускаше филми, чийто търговски успех беше съмнителен. За да минимизират този риск, те започнаха да насочват усилията си към филми от определени жанрове. В такива филми многократно се играят най-популярните сюжети, герои и познати теми, което осигурява приходи от бокс офиси.

Най-популярните жанрове бяха детективски филми, филми на ужасите, комедии, мелодрами, приключенски филми и уестърни. Успехът на най-печелившите филми беше осигурен от умели рекламни компании, в центъра на които бяха филмови звезди.

Най-ярките звезди на нямото кино - Мери Пикфорд и Дъглас Фърнбанкс - бяха сред най-високоплатените актьори в света. След брака им през 1920 г. те са смятани за вид холивудска аристокрация. Мери Пикфорд беше наречена любимата на Америка. Тя обикновено играеше млади, невинни момичета във филми като Ребека от фермата Сънибрук (1917). Въпреки това, веднага щом пое различни роли, популярността й веднага падна. Публиката не искаше да признае, че любимата им просто е узряла. Дъглас Фърнбанкс печели слава като главни роли в няколко социални комедии, но неговата мъжественост и атлетична фигура са най-подходящи за шеметни приключения, като например във филма „Черният пират” (1926). През 1919 г. двойката си партнира с Чарли Чаплин и режисьора Д. У. Грифит и заедно създадоха собствена компания United Artists.

Кино от ерата на джаза

След Първата световна война Америка претърпя драматични промени. Колите, радиото, жълтата преса и новото направление в музиката, наречено джаз, станаха неразделна част от живота й. По-младото поколение американци видяха 20-те години на миналия век като началото на нова ера и бяха решени да се отърват от много от културните традиции, които смятаха за остарели и които са съществували преди войната. В основата на тази социална революция беше по-свободният възглед по въпросите на секса и морала, от който Холивуд бързо се възползва.

Сега актриси като Теда Бари бяха рекламирани като богини на любовта, чийто личен живот беше не по-малко бурен от страстите, бушуващи във филмите им. В крайна сметка, благодарение на бохемския начин на живот на звездите, Холивуд си спечели прозвището „градът на сърмите“. В началото на 20-те години на миналия век всички бяха шокирани от поредица от скандали, в които бяха замесени някои от неговите знаменитости. Политиците започнаха да искат разяснения как се правят нещата във филмовия бизнес. Филмовите студия се опитаха да намерят компромис. За да избегнат разследване от страна на властите, те въведоха свои собствени много строги морални изисквания към морала на своите служители и към цензурата на филмовите продукти. Създаден е специален орган, така нареченият „Офис на Хейс“, чиито функции включват наблюдение на спазването на моралния кодекс и възстановяване на привлекателното име на Холивуд.

Въпреки това продуцентите на филми скоро се научиха умело да заобикалят моралния кодекс с всичките му забрани и ограничения. Сесил Б. Демил, който си е направил име в уестърни и мелодрами, преди да се специализира в еротични комедии, започва да режисира филми като библейския епос Десетте заповеди (1924).

Въпреки многото сцени на похот, разврат и насилие, тези филми щастливо избягаха от цензурата, тъй като неизменно наказваха порока и възнаграждаваха добродетелта.

Силно експресивният стил на Де Мил контрастира рязко с изтънчения стил на немския режисьор Ернст Любич, когото Мери Пикфорд покани в Холивуд. Еднакво изискан стил отличава Ерих фон Щрохайм, австриец по произход, бивш асистент на D.W. Грифит, който става известен по време на Първата световна война като актьор, който често играе ролите на груби и жестоки немски офицери. Той беше наречен човекът, когото обичаш да мразиш. Като режисьор той е известен със задълбочените си изследвания в областта на прелюбодеянието и сатирата на виенското висше общество, използвайки метода на мизансцена.

Буквално думата "мизансцен" означава "поставяне на сцена", а във филма това е по-нататъшно развитие на методите на Грифит за преместване на камерата около снимачната площадка, за да привлече вниманието на публиката към важни или символични детайли.

Стремейки се към максимална автентичност във филмите си, фон Щрохайм настоява всичко в тях да е възможно най-естествено, но продуцентите намират стила му за твърде екстравагантен и някои филми са подложени на цензура. Основният шедьовър на режисьора, филмът „Алчност“ (1923), пострада особено: от 42 части на филма широката публика видя само 10. И въпреки че съкращенията нарушиха хармонията на сюжета, този филм, благодарение на фон Щрохайм режисьорско майсторство, се превръща в едно от най-големите постижения на световната кинематография.

Упадъкът на великия „Мют“.

С появата на звуковото кино през 1927 г. интересът към нямото кино изчезва почти моментално. Подобен внезапен упадък на нямото кино няма аналог в историята на изкуството. Например, появата на рокендрола не доведе до изчезването на други музикални жанрове. Но идолите от епохата на „Великото мълчание“ са почти напълно забравени в наши дни и филмите от онова време, с изключение на комедиите и някои епични филми, много рядко се показват на екрани.

И все пак някои филми, заснети по това време в Холивуд, с право принадлежат към най-големите шедьоври в историята на киното. Въпреки че режисьорите на мълчаливото кино често прибягват до използването на надписи, за да предадат важна информация на публиката, основният акцент е поставен върху визуалните образи не само при разработването на сюжета, но и при предаването на мислите и чувствата на героите. Разбира се, зрителят отне време да разбере езика на „Великият мълчал“, но скоро се научи да разбира значението на определени жестове.

Създаването на игрални филми през 20-те години на миналия век не беше лесно и онези, които го правеха, трябваше да могат не само да забавляват публиката, но и да общуват с нея. Въпреки че системата на филмовите студия предоставя малко възможности за художествено изразяване (за разлика от европейското кино), тя все пак създава много талантливи режисьори. Някои от тях, като Джон Форд и Кинг Видор, заемат видно място в звуковите филми, други, като Джеймс Круз, Рекс Инграм, Луис Уебър и Фред Нибло, потънаха в забрава.

Американските „филмови маголи” оцениха изтънчеността и артистичността на европейското кино и поканиха много режисьори, техници и актьори от Европа в Холивуд. Влиянието на немската кинематография е ясно видимо в класическото осветление, сценография и кинематографски стил на Холивуд от 30-те години. Но не много европейци изобщо останаха там, тъй като им беше трудно да се адаптират към производствения метод на холивудските филмови студия. Те се завърнаха в родината си, за да допринесат за съкровищницата на световното кино.

Изпратете добрата си работа в базата знания е лесно. Използвайте формата по-долу

Студенти, докторанти, млади учени, които използват базата от знания в обучението и работата си, ще ви бъдат много благодарни.

Подобни документи

Холивуд е квартал в Лос Анджелис, Калифорния. Историята на регистрирането на Холивуд като община и развитието на града. Създаване на известния възпоменателен рекламен знак, превърнал се в запазена марка на филмовата индустрия. Основаване на първото студио и издаване на филма.

презентация, добавена на 13.04.2015 г


Периодът на артистична криза в историята на холивудската филмова индустрия от 60-те години. Характеристики на американското кино от седемдесетте години. Холивуд през погледа на зрителя и самият Холивуд, противодействащ на кризата. Раждането и върха на Новия Холивуд, перспективи за бъдещето.

резюме, добавено на 29.08.2011 г


Историята на Холивуд и неговата субкултура. Холивуд като център за пропаганда на буржоазната идеология. Кино в САЩ. Роналд Рейгън като актьор, политик, общественик. Благотворителни дейности на холивудски звезди и известни личности.

резюме, добавено на 23.07.2009 г


Влиянието на киното върху културата и изкуството. Концепцията и видовете филмови студия. Американско независимо кино и модерни холивудски супер студия. Икономическо представяне на холивудските супер студия. Най-големите руски студия и независими компании.

курсова работа, добавена на 24.04.2012 г


Развитие на жанровия спектър в холивудското кино. Характеристики на актьорския състав. Система от основни киножанрове. Нова холивудска стратегия и класическо кино. Периодичност на холивудското кино. Сегашното състояние на киното в САЩ.

курсова работа, добавена на 08.04.2015 г


Понятие за кино изкуство. Разнообразие от жанрове в киното. Преглед на най-известните филми, представящи основните насоки на неговото развитие. Биография и творчество на А.А. Алова и В.Н. Наумов, техният творчески съюз и най-известните режисьорски произведения.

резюме, добавено на 24.02.2014 г


Културно наследство на кинематографията на 20 век. Първите стъпки на световното кино. Образът на природата в киното като символ на високата култура на човечеството. Руското кино в повратни моменти в руската история. Възможностите на киното като културен феномен в началото на 21 век.

Можете да прочетете втората част на лекциите

Холивудските филми и анимационни филми са преди всичко не средство за забавление, а инструмент за управление на обществото, което, както показват, днес е насочено главно към унищожаването на основните ценности и човешката деградация. Тоест, говорим за целенасочената работа на холивудските компании за формиране на дефектен мироглед сред зрителите, внушаване на обществото на погрешни истини и привикване към разрушителни поведенчески модели.

Каним нашите читатели да се запознаят с лекциите, всяка от които разкрива посочената тема по свой начин, разказвайки, наред с други неща, за историята на развитието на „фабриката за мечти“ и собствениците на Холивуд. Гледането на лекциите ще бъде полезно за всички, които не искат да бъдат необмислен консуматор на „развлекателно съдържание“, а се стремят да видят и разберат процесите, протичащи в обществото, значителна част от които се контролират и направляват със средствата на киното. .

Дмитрий Перетолчин. Култ към Холивуд

Дмитрий Перетолчин говори за разнообразието от средства за подсъзнателно въздействие върху зрителя, за скритите закони на формиране на общественото мнение, както и за това как в психофизическата лаборатория на Холивуд е създаден съвременният масов човек.

Теми, засегнати в речта:

• Според Холивуд бъдещето винаги е апокалипсис
• Защо се правят филми на ужасите?
• в киното
• Прозорци на Овъртън и Холивуд
• Сапунени опери и намаляваща раждаемост
• Холивуд е най-големият манипулатор в света
• Вектор с холивудски цели
• Междузвездни войни и ЛГБТ темата
• Понижаване на прага на психологическо възприемане на насилие
• Въздействие върху обществото
• Антирелигиозна тема в холивудските дейности (християнството може да бъде критикувано, юдаизмът не)
• Холивуд и желанието за смърт
• Откъде дойде образът за филма Alien?

Николай Стариков. Лекция за политиката в киното

Лекцията на писателя и публицист Николай Стариков говори за това как различни образи, идеи и ценности се разпространяват в обществото чрез средствата на киното. Кой контролира този процес и с какви средства.

Основни моменти от речта:

• Киното не отразява, а по-скоро формира възгледите на обществото
• Руското кино върви по стъпките на Холивуд (за пример се смята филмът на Бондарчук „Сталинград“)
• 5 принципа на холивудското кино (положителен имидж на САЩ / отрицателен имидж на други страни / налагане на поведенчески и сексуални извращения / открита пропаганда на антисоциален начин на живот / фалшификация на историята)
• Кой и как стимулира?
• Защо повечето семейства са разведени в американските филми?
• Внедряване на технологията Overton Window чрез кинематография
• Създаване на образ на човек, за когото основното нещо в живота са парите
• Защо на главните герои са дадени „глупави“ черти на характера?
• Мерки за противодействие на деструктивната пропаганда във филмите
• „Свободен пазар” като информационно прикритие за информационен саботаж чрез киното
• Кой поръчва и плаща преформатирането на съзнанието на публиката?

Лекцията засяга популярни филми като сериала "Спартак", сериалите "Живите мъртви", "Властелинът на пръстените", "Рамбо", сериалите "Шерлок Холмс", "Доктор Хаус" и др.

Олга Четверикова. Другата страна на Холивуд

Разговор с историка Олга Четверикова за контролираната психологическа мутация на обществото и хората, собствениците, задачите и историята на „Холивуд“. Обхванати теми:

• За сътрудничеството на Холивуд с Хитлер
• и техните еврейски корени
• За кабализма в съвременната филмова индустрия
• Холивуд и църквата на Сатаната

О. Четверикова: „Националното кино в Русия се създава и формира, според което на първо място е търговският успех и определена идеологическа ориентация, а не изкуството, а не събуждането на някакви високи чувства или формирането на морална личност. Всички наши последни уж патриотични филми са създадени по тези холивудски стандарти. В резултат на това виждаме на екрана напълно непознати, които изобщо нямат нищо общо с руснаците и отразяват манталитет, който ни е напълно чужд. Дори на външен вид лицата на тези герои приличат повече на американските. На практика няма разлика между холивудски филм и руски...

Най-важната идея, която зрителите трябва да разберат, е, че американското кино в момента е основният инструмент и оръжие за преструктуриране на съзнанието, за действително разрушаване на традиционната ни ценностна система.“

Арман Бошян. Древен Холивуд.

Холивуд е изобретен преди хиляди години. Историята на управленската мисъл се обсъжда в лекции на Ереванския геополитически клуб.

Главни точки:

• Архитектурата като един от основните инструменти за безструктурно управление на обществото в древността
• Защо са построени храмове в Древен Египет?
• Изкуството винаги е било и ще бъде елемент от политиката
• Съвременни средства за визуално управление на обществото
• . Защо се рекламира?

Във връзка с

Братя Люмиер, смятани за основоположници на киното, направиха първата си публична прожекция на 22 март 1895 гв Париж, въпреки че датата на раждане все още се счита 28 декемврисъщата година, когато се състоя първото рекламно шоу в салона на Гранд Кафе. Обществото беше впечатлено от това нововъведение, движещото се изображение предизвика истински шок сред хората. Има версия, че хората са скочили от местата си от страх, когато е прожектиран късометражният филм „Пристигането на влак“. През следващите две години шоута се проведоха във водещи световни столици и градове. Ню Йорк беше едно от тези места.

Салон "Гранд кафе", 28.12.1895 г

Точно Ню Йорксе превръща в първия център на американското кино. В началото на 20-ти век там вече са разположени малък брой филмови студия. Но, както знаете, по-късно много фигури преместиха центъра на индустрията на Западния бряг. Това се случи поради няколко фактора.

Първо, наемът беше скъп в Ню Йорк. Второ, в допълнение към недостатъчното развитие на осветителното оборудване, Ню Йорк имаше и неподходящи метеорологични условия - облачно и дъждовно време пречеше на филмовата продукция. Трето, Томас Едисън, който през 1909 г. се опита да монополизира филмовото производство, изплаши всички независими „творци на филми“, което доведе до бягството им в покрайнините на Сан Франциско и Лос Анджелис.

Edison Film Trustсъществува до 1913 г., когато е закрит след съдебен процес, тъй като дейността му противоречи на антитръстовите закони. През годините на работата си той, разбира се, имаше не само отрицателен ефект, който се състоеше в възпрепятстване на работата на независимите режисьори, което от своя страна доведе до намаляване на количеството и качеството на продукцията, но и положително - Едисън възпрепятства навлизането на европейското кино, за да избегне конкуренцията, която, струва ми се, е придала на американската идентичност и уникалност.

Селото се превърна в най-популярното място за режисьорите да се установят на Западния бряг. Холивуд, което днес е известно на почти всеки. В края на 19 век това е просто огромно ранчо.



В допълнение към климатичните предимства (повече от 300 слънчеви дни в годината), мястото имаше и географски предимства: наблизо бяха планински вериги и тихоокеанското крайбрежие. Лос Анджелис служи като източник на работна ръка и строителни материали.

Още в началото си американското кино се пресича с политическите теми и открито изразява отношението си към тях. През 1898 г. край бреговете на Хавана е взривен американският крайцер Мейн, което предизвиква Американо-испанската война. В първия ден на конфликта Джеймс Стюарт Блектън направи филма " Събаряне на испанското знаме", а по-късно пусна филма " Издигане на стара слава над замъка Моро". И двата филма изразяват отношението на автора към испанската тирания.

Първият игрален филм, произведен директно в студио в Холивуд - „Съпругът на индийската жена“ от Сесил Б. де Мил. Това е тих уестърн, който е издаден през 1914 г. Продължителността му е 72 минути.

"Човекът от скуо", 1914 г

Първите киносалони в Съединените щати се наричаха " никелодеони„Бяха много евтини, входът беше 5 цента. През 1908 г. има около три хиляди, но всяка година броят им се увеличава, тъй като киното е в голямо търсене. Конкуренцията доведе до колапса на малки студиа и започнаха да се появяват големи филмови тръстове, които се сливаха с дистрибуторски компании.

През 1912 г. се появяват Universal Studios и Paramount Pictures. Такъв гигант в областта на киното като Warner Brothers е основан едва през 1923 г., а година по-късно ще бъдат създадени Metro-Goldwyn-Mayer и Columbia Pictures.


Лого на Warner Brothers, 1923 г

До 20-та година Холивуд най-накрая се превърна в център на американската филмова индустрия. Всяка година там излизаха 800 филма. Броят на големите филмови студия нараства и се появява система от филмови звезди.

За съжаление голямото търсене на кино провокира ориентацията на киното към зрителя, а не към режисьора. Режисьорите бяха изключително ограничени в авторските идеи. На преден план излязоха актьори и филмови продуценти. Резултатът беше „зрелищни“ филми, предназначени да задоволят масовата публика.

Ерата на класическия Холивуд.

Този период започва през 1928 г. със създаването на филмовото студио RKO Pictures. Характеризира се с така наречената студийна система, при която 8-те най-големи филмови тръста контролират 95% от американския филмов пазар. Тези големи студиа се занимаваха не само с производството, но и с пускането на филми, а също така притежаваха цели вериги кина.

Ателиетата имаха пълен контрол и върху творческата сфера. Сключвани са дългосрочни договори с актьори, режисьори и хора от други кинематографични професии, за чието неизпълнение са налагани големи глоби. Нежеланите създатели могат просто да бъдат изтласкани от бизнеса. Отлично характеризира епохата и термина “ звезден конвейер“: Ръководството на студиото взе млади обещаващи актьори и ги популяризира, измисляйки име и биография за тях. Професионалните награди бяха раздадени зад кулисите от водещи филмови магнати.

Монополизацията доведе не само до завишени цени, но и до факта, че на независимите кина беше предложено да купят пет филма наведнъж, от които само един беше хит, а останалите бяха продадени „за количество“.

Епохата обаче е белязана от големи събития и забележителни личности.

Първият звуков филм е издаден през 1927 г. Джаз певица„След това събитие филмовото студио Warner Brothers стана един от водещите „играчи“.


"Джаз певецът", 1927 г

През 1933 г. настъпва най-добрият час за студиото RKO Pictures, което дотогава винаги се е пазило скрито зад гърба на по-могъщите си колеги. За филма " Кинг Конг„Все още се правят римейкове.


"Кинг Конг", 1933 г

Студиото United Artists, един от основателите на което е Чарли Чаплин, стои отделно. Тя често помагаше на независими режисьори. За Чарли Чаплин, разбира се, трябва да направите отделна презентация. Всичко, което бих искал да кажа, е, че хората харесваха немите му филми дори след появата на звуковите през 1927 г. и той продължи да ги прави още десетилетие. Първият му звуков филм е Великият диктатор през 1940 г.




Тази епоха бе белязана и от появата на най-престижната награда в областта на киното днес - “ Оскар". През 1929 г. в хотел „Рузвелт“ се провежда първата церемония по награждаването, която продължава 15 минути, входът струва 5 долара и присъстват 250 души. Най-смешното е, че победителите са известни три месеца по-рано и това продължава до 1945 г., едва тогава се появяват запечатаните пликове. Победител тази година беше филмът " Крила«.

Оскар, 1929 г "Криле", 1927 г

Също така популярни по това време бяха уестърните на Джон Форд, който получи четири Оскара за режисура, мюзикълите с Фред Астер и криминалните трилъри на Хичкок.

От края на 30-те години на миналия век високобюджетните филми се снимат цветно. След войната историческият жанр става популярен пеплум— заснемат се мащабни дълготрайни филми на древни теми. В тях преобладават сцени с внушителен брой екстри и декори. Един пример е филмът " Бен-Хур“, който спечели 11 Оскара. Мюзикълите също остават в тенденция и привличат публика.

Студийната система все още не можеше да се справи. Започнаха да възникват въпроси от антимонополната агенция, която след дълъг процес със студиото Paramount Pictures доказа, че компанията е нарушила закона за свободната конкуренция. Студиото трябваше да продаде своите театри. Скоро студиото RKO Pictures направи същото и до 1954 г. всички студия направиха същото. Така започва ерата на Новия Холивуд.

Ерата на Новия Холивуд.

Студиата започнаха да губят по-голямата част от печалбите си (почти 90%), тъй като плащанията към дистрибуторите нараснаха, които също спряха да купуват филми на партиди (по този начин нехитовите филми не донесоха приходи на студиата). Друг проблем, пред който е изправен филмовият бизнес, е намаляването на посещаемостта на киносалоните поради разпространението на телевизията. Хората не искаха да прекарват вечерите си в кината, когато можеха да гледат нещо вкъщи пред телевизионния екран. Най-слабите компании губеха пари и затова на пазара започнаха да навлизат чужденци. Компанията беше първата Decca Records, която поема контрола върху Universal Pictures през 1951 г.

Друга последица от срива на студията беше увеличението на таксите на звездите. Ако преди това актьорите все още бяха под нивото на студиата и бяха принудени да работят по дългосрочни договори за студиото, сега те излизат на преден план, тъй като само известни актьори могат да осигурят търговския успех на филма. Много агенти започнаха да изискват от студиата не определена заплата за филм за своите актьори, а процент от печалбата. Например Хичкок получи 50 хиляди долара като режисьор за филма си „Да хванеш крадец“, а актьорът, който изигра главната роля, получи хонорар от 700 000 долара.


Хичкок отляво. Кари Грант (актьор) - вдясно

Най-слабите от големите студия (RKO, United Artists и дори MGM) бяха принудени да напуснат пазара. Останалите студиа се насочиха към телевизионни проекти, които бяха много търсени, за да запълнят ефирно време, като понякога инвестираха пари само в надеждни проекти. Благодарение на това през 1957 г. половината от филмите са издадени от независими продуценти.

Шефовете на студиото не можаха да разберат от какво се нуждае зрителят. На загуба започнаха да канят млади режисьори, които не изискваха много пари и които доведоха до експерименти в областта на киното. Често такива хора от филмови училища и малки студия нарушават установените традиции в киното, възприемат определен стил на авторското европейско кино и дават на продукта нещо съвсем ново и откровено.

По това време творят майстори като Стенли Кубрик, Франсис Форд Копола, Мартин Скорсезе, Уди Алън и други.


„Кръстникът“ от Ф.Ф. Копола

Интересът към експериментите избледня в края на 70-те години, когато филмът " Вратите на рая" се провали в касата. Все още се смята за един от най-големите боксофис провали. По това време основните приходи идват от научна фантастика и блокбастъри като „Челюсти“ на Стивън Спилбърг и „Междузвездни войни“ на Джордж Лукас, така че студиата решават да следват доказания път на финансиране на проекти, насочени към комерсиален успех и масова публика.

"Вратата на рая"

Модерен период.

Днес американският филмов пазар е доминиран от шест студия: Paramount Pictures, Warner Bros., Columbia Pictures, 20th Century Fox, Universal Studios и Walt Disney Company.

Но продуктите на независими компании (10-15%) като Lionsgate, Dreamworks, The Weinstein Company и други също заемат своята ниша. За съжаление, най-големи печалби все още носят филми, които се фокусират върху забавлението, тоест с много специални ефекти и компютърна графика. Освен това най-успешни са продълженията, предисториите и римейковете на вече нашумели хитове, което предполага известна стагнация в американското кино.

Има и положителни страни. Това все още е достъп до независимо кино и заличаване на границата между него и комерсиалните проекти. Тенденцията към това започва през 90-те години, когато филмите на Куентин Тарантино и братята Коен печелят повече от средните студийни филми.

Американското кино обаче все още е най-разпространеното и популярно в света. Почти половината от всички филми в света се произвеждат в Америка. Сред характерните черти на американската филмова индустрия можем да отбележим: монополизация, която доведе до „звездния конвейер“ с последваща идеализация на актьорите и увеличаване на техните хонорари, „холивудски клишета“ и стандартизация на предлаганите филми. Именно в САЩ главните актьори започнаха да се показват на филмови плакати. Също така характеристика на холивудските филми са идеални и чисти кадри, които ви позволяват да избягате от реалността. Често филмите се свързват с американските ценности, начин на живот и „американската мечта“.

Кино в Американе е просто развлечение, това е цяла финансова индустрия, която е такава от самото начало. Това обаче е както положителен фактор от гледна точка на по-големи възможности за реализация, така и отрицателен – днес, според мен, всичко за големите студиа се свежда до правенето на блокбастъри, такива атракции за правене на пари.

10 гласа

Холивуд възниква в самото начало на 20 век. Възникна спонтанно и бързо. Точно както всички други градове на американския запад възникнаха. Огромни тълпи от търсачи на злато и приключения се стекоха в земите на Калифорния, последвани от скитащи актьори, собственици на мобилни паноптикони, панаирни будки и игрални зали. Цирковите артисти и музикантите, както всички останали хора, бяха привлечени от златото, субтропичния климат и вечното лято.

Вход към Холивуд

По това време популярността на киното нараства. В Холивуд условията за създаване на филмова продукция бяха най-благоприятни. Идеята за масово и евтино забавление се хареса на местните предприемачи. Инвестираните пари се изплатиха много бързо, тъй като зрителите се тълпяха да гледат различни филми. Така започва историята на Холивуд, която започва през 1909 г.

Но по това време хората, които стояха в началото на киното, дори не мислеха да правят наистина художествени филми и да донесат високото изкуство на масите. Всичко се свеждаше до това как да правя пари чрез киното. Оттук и естеството на произвежданите продукти.

Бизнесът на Холивуд набира скорост и рекламата на продукта представлява значителен дял от печалбите. Различни компании бяха много склонни да плащат на акулите на филмовия бизнес, за да показват техните продукти на киноекраните. Популярните филми също донесоха много пари. Много режисьори се опитаха да намерят алгоритъм за успеха на конкретен филм сред широката публика. Бяха създадени определени догми, чието нарушаване беше равносилно на провал.

Например, същият ръководител на United Artists, Джоузеф Шенк, поиска всички сценарии да показват кариерата на млад мъж, който преминава от беден към богат. Той твърди, че ако това не е така, тогава филмът ще се провали в боксофиса. Шефът не се интересуваше много от качеството на самия сценарий. За него беше важна кариерата и щастливият край с куп зелени банкноти на финала.

Но г-н Майер от Metro-Goldwyn-Meyer беше обсебен от „незаменима загуба“. Той изисква една и съща сцена във всички филми: влюбена двойка седи дълго време на лунна светлина в пълна тишина. Ако сценарият не включваше „незаменима загуба“ и любовници под луната, тогава не беше позволено да продължи.

Сценаристите бяха принудени хора. Те не можеха да диктуват условията си. Поради това филмите бяха поразително монотонни. Хората видяха на екрана или щастливата кариера на млад мъж, или любовници в сребристата светлина на луната, страдащи от „незаменима загуба“.

Историята на Холивуд и неговия бизнес биха били немислими без научни и технологични постижения. Забележителна характеристика на американските филмови фабрики беше високата граница на безопасност или, с други думи, оборудването, съхранявано за бъдеща употреба.

Ако за заснемането на един филм са били нужни 20 прожектора, то са закупени 40. Производственият процес не е трябвало да се спира поради повреда на да речем 2 прожектора. Те веднага бяха заменени с резервни. Ако беше необходим един микрофон, бяха инсталирани три. В края на краищата, повреден микрофон също може да забави снимането, ако няма подмяна.

За да работят непрекъснато 100 микрофона във фабриката на Paramount, те запазиха същия брой в резерв. По този начин нищо не можеше да забави пускането на филми. Производството им вървеше гладко, като на поточна линия. Нямаше дори минута престой, което показва високо ниво на организация на работата и невероятна предвидливост дори в малките неща.

Всеки участник в тълпата криеше под шапката си (по онова време беше толкова неприлично да се ходи без шапка, колкото сега е да се ходи без панталон) малко радио със слушалки. Режисьорът даде команда през микрофона си и всички го чуха перфектно. По време на снимките режисьорът можеше да измисли някакъв вид препланиране, различни думи и статистите веднага изпълняваха нови поръчки. Нямаше суетене, объркване или прекъсване.

Повечето големи филмови компании поддържаха свои собствени работилници за филмово оборудване. Те наеха десетки оператори и техници. Много често тези хора правеха някои подобрения на готови механизми. Изобретението можело веднага да бъде патентовано. Патентът е преди всичко пари и следователно богатство. Едно добро изобретение може да храни създателя си до края на живота му.

Всеки звуков инженер имаше свой собствен звуков паспорт. За целта имаше специални звукови изпити. Те определиха колко вибрации възприема ухото на изследваното лице. Въз основа на тестването беше направено заключение за пригодността на звукорежисьора като отговорен работник за звуково кино.

Специалистът, който получи звуковия паспорт, беше поставен в малко ремарке, което непрекъснато следваше снимачната апаратура по време на снимките. От прозореца на трейлъра звуковият инженер видя всичко, което се случва и коригира звукозаписа.

Чрез голям динамичен високоговорител той слуша звука, който влиза в микрофона, и по този начин забелязва и коригира всички грешки. Той окачи микрофоните на точното разстояние, ъгъл и наклон, за да увеличи максимално идеалния звуков ефект.

Подготовката за снимките винаги е била образцова. Всяко холивудско студио използва не само една звукова сцена по време на снимките, а няколко. Тоест много различни декори бяха готови за заснемане едновременно. Режисьорът имаше възможност по време на работния процес да откаже да заснеме някоя сцена и веднага да започне да снима друга.

Холивудските филмови звезди се ползваха с големи привилегии. Имаше пропаст между тях и обикновените актьори. Звездата получаваше огромни суми пари за всяка минута работа, а всички останали артисти и технически работници бяха напълно зависими от нея.

Ако известна актриса не беше в настроение или изглеждаше зле през този ден, тогава цялата маса работници от филмовото студио трябваше незабавно да премине към заснемането на друга сцена. Предвид непредвидените ситуации никой не се отпусна. Актьорите, участващи във филма, бяха с костюми и грим през целия ден, тъй като всеки момент можеха да бъдат извикани на снимките.

В американските кина екраните бяха огромни. Те съответстваха на размера на завесата на Болшой театър в Москва. Поради това изображенията имаха изключителна изразителност и сила. Ако на обикновен екран епизодът изглеждаше доста обикновен, тогава когато се увеличи няколко пъти, той вече направи съвсем различно впечатление. Погледнете муха на екрана на компютъра си и си представете, че изображението й заема цялата стена на 9-етажна сграда. Ефектът ще е съвсем различен.

Още от първите години на своето съществуване Холивуд представляваше перфектно регулирано филмово производство. Но за истинско изкуство не можеше да се говори. Чарли Чаплин говори много красноречиво за това. Той каза: „Те не правят филми в Холивуд, те правят пари тук. Трябва да учите правене на филми на мястото, където е заснет „Броненосец Потьомкин“. Но Русия е далеч, така че ще продължим да печелим пари, тъй като обучението, като се вземат предвид разходите, ще бъде твърде скъпо.



Уолт Дисни със съветски режисьори, 1930 г. Отляво надясно: Александров, Айзенщайн, Уолт Дисни с Мики Маус и Тисе

Холивудската история би била загубена без него бащата на анимацията Уолт Дисни. Неговите анимационни герои на екрана често са по-хуманни и изразителни от живите герои, изиграни от актьори. Първоначално Дисни имаше много малка филмова фабрика. Започва с късометражни филми. Именно те му донесоха успех и признание.

Дисни базира действията на анимационните си герои върху музикални теми и музикални ритми. Именно музиката характеризира образите на неговите рисувани герои. Хуморът и комичните ефекти много често се постигаха чрез ексцентрични изпълнения на класическа музика.

В механиката ексцентрик е колело, чиято ос не е в центъра на кръга, а е изместена настрани. Ако оста на колелото на количката се измести, количката ще започне да „накуцва“. Всички ще се смеят, защото изглежда много смешно.

Уолт Дисни използва същия принцип. Той поставя танца на смъртта на Григ, а в този забавен анимационен филм комичността на ситуацията се постига от факта, че там танцуват скелети, напуснали гробището. Най-известният герой е Мики Маус. Това е любимото творение на бащата на анимацията.

Дисни имаше свой собствен специален метод на заснемане. Винаги започваше със саундтрак. Тя стана, така да се каже, рамката на филма. И тогава сюжетът беше прикрепен към фонограмата и се роди друг шедьовър.



Чарли Чаплин и съветският режисьор Александров (вляво), 1930 г

И разбира се. Би ли била възможна историята на Холивуд без този велик режисьор и актьор? Той беше познат и обичан навсякъде, където хората имаха възможност да гледат филми.

Каква е тайната на успеха на Чаплин? Тонове книги, написани в различни части на света, се опитват да отговорят на този въпрос в продължение на много десетилетия. Но самият велик майстор каза най-добре за своята тайна на успеха: „В основата на успеха е познаването на човешката природа. Комедията безмилостно разкрива истинската същност на всеки човек. Зрителите много обичат да опознават сложния вътрешен свят на героите по лек и забавен начин. Ако започна да правя сериозни филми със сложни психологически взаимоотношения, щях да загубя две трети от феновете си.”

Този човек, с огромен запас от вътрешна енергия, работи неуморно през целия си живот. В същото време той успя да спортува, за да бъде винаги в добра форма. Чаплин беше отличен плувец и прекарваше много време в гимнастика. Той беше особено добър в тениса. Великият майстор беше левичар. Вероятно това му е помогнало да победи съперниците си.

Холивудският бизнес диктува своите строги закони. Филмовите шефове гледаха на публиката като на невежа маса от хора с лоши вкусове. Сред предприемачите имаше мнение, че е необходимо да се угаждат на долните инстинкти, така че хората да се разделят с парите си възможно най-охотно. Чарли Чаплин беше един от малкото хора в Холивуд, които уважаваха публиката. Успя да запази независимостта си като артист, но му беше много трудно.

Холивуд се промени много в наши дни, изминаха повече от сто години от основаването му. Но въпреки това привлича милиони млади хора. Те пътуват от цяла Америка, за да се пробват в ролята на филмови звезди в най-известния филмов център в света. Но успехът и признанието идват само при малцина. Голямата фабрика за филмови звезди е придирчива и капризна. Тя е създадена не за кино, а за пари и затова подборът е много труден.