ballet olvidado

Te mudaste de San Petersburgo a Corea del Sur para trabajar. ¿Qué tan popular es Asia ahora entre nuestros bailarines de ballet?

Sinceramente, mis compañeros se mudan a Europa y a Estados Unidos con mucha más frecuencia. En Corea del Sur, el ballet tiene sólo 50 años, y la compañía Universal Ballet (la compañía de ballet más grande de Corea del Sur, con sede en Seúl - Ed.), donde trabajo ahora, tiene 33 años. Además de ella, el país también cuenta con el Ballet Nacional de Corea, donde sólo pueden trabajar los coreanos. Sin discriminación: existen empresas similares en otros países, por ejemplo en Francia. Sólo los franceses también bailan allí.

- ¿Por qué decidiste dejar el Teatro Mariinsky?

Todo empezó cuando mi colega consiguió un trabajo en Universal Ballet. Un día le pregunté si necesitaban bailarines allí. Envié un vídeo de mis actuaciones a la empresa y pronto me llamaron a trabajar. Acepté de inmediato, porque hacía tiempo que quería mejorar mi vida en el ballet. Y la compañía Universal Ballet tiene un repertorio muy rico: hay algo para bailar.

El problema es que en el Teatro Mariinski actualmente se presta más atención a la ópera y a la música que al ballet, que parece haber quedado olvidado. Al principio, el Teatro Mariinsky todavía presentaba nuevas representaciones e invitaba a coreógrafos, incluidos extranjeros. Pero luego todo esto de alguna manera se detuvo gradualmente.

El último de los coreógrafos icónicos llegó hace dos años, Alexei Ratmansky (coreógrafo permanente del American Ballet Theatre - Ed.), quien puso en escena el ballet Concierto DSCH con música de Dmitry Shostakovich en el Teatro Mariinsky. Durante mucho tiempo bailé en las mismas producciones clásicas. Pero también quería un repertorio nuevo, una coreografía moderna.

Pero si tenemos clásicos maravillosos: "El cascanueces", "La fuente Bakhchisarai", "El lago de los cisnes", ¿tal vez no sea necesaria la coreografía moderna?

Sin nuevas representaciones no habrá desarrollo del teatro y de los artistas. La gente en el extranjero lo entiende. Por ejemplo, en Corea del Sur bailamos recientemente “Little Death” de Jiri Kylian (bailarín y coreógrafo checo - Ed.). Este es un clásico moderno que se proyecta en cines de todo el mundo. Pero por alguna razón no en el Teatro Mariinsky. Y aquí está, entre otras cosas, el ballet "Romeo y Julieta" de Kenneth MacMillan (coreógrafo británico, director del Royal Ballet en 1970-1977 - Ed.), "Eugene Onegin" de John Neumeier (coreógrafo, director de Ballet de Hamburgo desde 1973 - Ed.), In the Middle, Somewhat Elevated (“En el medio, algo se levantó”) de William Forsyth (coreógrafo estadounidense, su compañía de ballet “Forsyth Company” se dedica a experimentos en el campo de la modernidad danza.- Ed.).

Fábrica de Gergiev

- ¿Nos estamos convirtiendo en una provincia del ballet?

Yo no diría eso. Lo que pasa es que el Teatro Mariinsky se está convirtiendo en una especie de fábrica. Un artista puede realizar allí entre 30 y 35 representaciones de ballet al mes. Por ejemplo, a veces tenía que actuar incluso dos veces al día. Al principio, la gente, al abrir un cartel tan intenso con un mes de antelación, abrió los ojos de sorpresa. Pero una persona se acostumbra a todo. Así que con el tiempo nos acostumbramos. Todos los días trabajaban, subían al escenario, hacían lo que tenían que hacer. Pero nadie tuvo suficiente tiempo ni energía para preparar nuevas actuaciones, porque también hay que ensayar cosas viejas, el repertorio actual. Muchos bailarines de ballet se marcharon precisamente por este trabajo rutinario y monótono.

Aquí se realizan entre 6 y 7 funciones al mes. Y nos preparamos cuidadosamente para cada uno de ellos, porque el tiempo lo permite. Por ejemplo, recientemente bailamos un programa moderno, y de cada coreógrafo extranjero (cuyas actuaciones se incluyeron en este programa - Ed.) vino un asistente con el que trabajamos juntos: nos explicó algunos matices y detalles. ¡Desde enero que estoy aquí ya he recibido tantas emociones y he bailado tanto!

- ¿Por qué crees que el Teatro Mariinsky tiene esa cinta transportadora?

Lo que pasa es que la persona que dirige el teatro (Valery Gergiev - Ed.) es la misma. Es muy eficiente. Un día está en Moscú para una reunión, tres horas después vuela a Munich para dirigir una orquesta sinfónica y cinco horas después regresa a Moscú para una recepción. Al parecer, decidió que su teatro debería funcionar de forma muy activa. Por supuesto que eso no está mal. Pero a veces me sentía como un minero en el Teatro Mariinsky: trabajaba desde la mañana hasta la noche. Por ejemplo, a menudo salía de casa a las 10 de la mañana y regresaba a medianoche. Por supuesto, fue muy difícil. Por otro lado, cada teatro del mundo tiene sus propios problemas.

“Aquí no temen las bombas norcoreanas”

¿Cómo fuiste recibido por tus compañeros bailarines en Corea del Sur? ¿Hubo un mayor interés en ti ya que eres del Teatro Mariinsky?

No noté ninguna emoción especial. Quizás antes los europeos eran una novedad en el mundo del ballet de Corea, pero ahora todo el mundo está acostumbrado a nosotros desde hace mucho tiempo. Por ejemplo, en el Ballet Universal, aproximadamente la mitad de todos los bailarines procedían de Europa. También hay estadounidenses. Por cierto, en el ballet coreano se toma mucho del ballet ruso. En particular, aquí se presentan muchas producciones del Teatro Mariinsky. Por eso aquí es muy fácil para mí: así como bailé “El Cascanueces” o “Don Quijote” en el Teatro Mariinsky, bailo aquí.

- ¿Qué condiciones ofrecen los coreanos a nuestros bailarines?

Las condiciones son muy buenas, en este sentido son geniales. Por ejemplo, inmediatamente me proporcionaron vivienda: un apartamento pequeño, un buen salario, muchas veces mayor que en San Petersburgo (sin embargo, aquí los precios son más altos) y seguro médico. Por cierto, en el Teatro Mariinsky también se hizo para bailarines de ballet. Por ejemplo, hace unos años me operaron de la rodilla usándolo.

- ¿La competencia en el mundo del ballet es mayor en Rusia o en Corea del Sur?

La competencia está en todas partes, sin ella simplemente no se puede crecer. Pero ella es adecuada y saludable. Ni en San Petersburgo ni en Seúl sentí miradas de soslayo ni conversaciones a mis espaldas. Pero aunque digan algo de mí, estoy tan inmerso en el trabajo que no me doy cuenta. En general, las historias sobre fragmentos de vidrio en zapatillas de punta y trajes manchados son un mito. En toda mi carrera de ballet nunca me había encontrado con esto. Y nunca había oído hablar de esto. Sin configuraciones.

- Asia es un mundo completamente diferente. ¿Qué fue lo que más te costó acostumbrarte en Corea del Sur?

Cuando mis compañeros del Teatro Mariinsky se enteraron de mi partida, dijeron que psicológicamente sería muy difícil para mí vivir allí. Pero en Seúl estaba tan inmerso en mi profesión que no sentí absolutamente nada. Simplemente bailo sin esta carrera de San Petersburgo y me siento absolutamente feliz. A menos que necesites aprender el idioma. Pero puedes vivir sin él en Corea. El caso es que la gente local es muy amigable. Si me pierdo en el metro o en la calle, inmediatamente vienen y me ofrecen ayuda en inglés, preguntándome dónde tengo que ir.

- ¿Qué opinan de Corea del Norte? ¿Sientes tensión por parte de un vecino tan difícil?

No. Me parece que nadie piensa siquiera en esto y no teme a las bombas coreanas. Aquí todo está muy tranquilo y parece que no pasa nada. No hay ataques terroristas, ni desastres, ni siquiera escándalos importantes. Pero, a pesar de que aquí es tan cómodo, todavía extraño San Petersburgo, mi familia y el Teatro Mariinsky. Este teatro realmente me dio mucho. Allí estudié, gané experiencia, formé mi gusto, allí bailé. Y esto quedará para siempre en mi memoria.

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Bailarinas rusas modernas. 5 mejores

Las cinco principales bailarinas propuestas incluyen artistas que comenzaron su carrera en los principales teatros musicales de nuestro país, el Mariinsky y el Bolshoi, en los años 90, cuando la situación en la política, y luego en la cultura, cambiaba rápidamente. El teatro de ballet se volvió más abierto debido a la expansión del repertorio, la llegada de nuevos coreógrafos, la aparición de oportunidades adicionales en Occidente y, al mismo tiempo, más exigente en cuanto a habilidades interpretativas.

Esta breve lista de estrellas de la nueva generación comienza con Ulyana Lopatkina, que llegó al Teatro Mariinsky en 1991 y ahora casi está terminando su carrera. Al final de la lista está Victoria Tereshkina, quien también comenzó a trabajar en la era de la perestroika en el arte del ballet. Y justo detrás de ella viene la próxima generación de bailarines, para quienes el legado soviético es sólo una de muchas direcciones. Estas son Ekaterina Kondaurova, Ekaterina Krysanova, Olesya Novikova, Natalya Osipova, Oksana Kardash, pero hablaremos de ellas en otro momento.

Ulyana Lopatkina

Los medios de comunicación actuales llaman a la alumna de Natalia Dudinskaya, Ulyana Lopatkina (nacida en 1973), un “icono de estilo” del ballet ruso. Hay una pizca de verdad en esta pegadiza definición. Ella es la Odette-Odile ideal, la verdadera heroína de "dos caras" del "Lago de los cisnes" en la fría y refinada versión soviética de Konstantin Sergeev, quien también logró desarrollar y encarnar de manera convincente en el escenario otra imagen del cisne en la decadente miniatura de Mikhail Fokine " El cisne moribundo” de Camille Saint-Saëns. A partir de estas dos obras suyas, grabadas en vídeo, Lopatkina es reconocida en la calle por miles de fans de todo el mundo, y cientos de jóvenes estudiantes de ballet intentan dominar el oficio y desentrañar el misterio de la transformación. La refinada y sensual Swan es Ulyana, y durante mucho tiempo, incluso cuando la nueva generación de bailarinas eclipse a la brillante galaxia de bailarinas de los años 1990-2000, Odetta-Lopatkina hechizará. También fue inalcanzable, técnicamente precisa y expresiva en “Raymond” de Alexander Glazunov, “La leyenda del amor” de Arif Melikov. No habría sido llamada un “icono de estilo” sin su contribución a los ballets de George Balanchine, cuya herencia estadounidense, imbuida de la cultura del Ballet Imperial Ruso, fue dominada por el Teatro Mariinsky cuando Lopatkina estaba en la cima de su carrera. carrera (1999-2010). Sus mejores papeles, es decir, roles, no papeles, ya que Lopatkina sabe cómo llenar dramáticamente composiciones sin trama, fueron trabajos en solitario en "Diamonds", "Piano Concerto No. 2", "Theme and Variations" con la música de Pyotr Tchaikovsky, "Waltz ”por Maurice Ravel. La bailarina participó en todos los proyectos de teatro de vanguardia y, a partir de los resultados de la colaboración con coreógrafos modernos, dará una ventaja a muchos.

Ulyana Lopatkina en la miniatura coreográfica "El cisne moribundo"

Película documental “Ulyana Lopatkina, o bailar entre semana y días festivos”

Diana Vishneva

Segunda por nacimiento, sólo tres años menor que Lopatkina, alumna de la legendaria Lyudmila Kovaleva Diana Vishneva (nacida en 1976), en realidad nunca “llegó” en segundo lugar, sino sólo en primer lugar. Sucedió que Lopatkina, Vishneva y Zakharova, separadas por tres años, caminaron juntas en el Teatro Mariinsky, llenas de sana rivalidad y al mismo tiempo admiración por las enormes, pero completamente diferentes, capacidades de cada una. Mientras Lopatkina reinaba como el lánguido y elegante cisne, y Zakharova formaba una nueva imagen, urbana, de la romántica Giselle, Vishneva desempeñaba la función de la diosa del viento. Aún sin graduarse de la Academia de Ballet Ruso, ya bailaba en el escenario del Teatro Mariinsky Kitri, el personaje principal de Don Quijote, y unos meses después mostró sus logros en Moscú en el escenario del Teatro Bolshoi. Y a los 20 años se convirtió en primera bailarina del Teatro Mariinsky, aunque muchas tienen que esperar hasta los 30 o más años para ascender a este estatus. A los 18 (!), Vishneva probó el papel de Carmen en un número compuesto especialmente para ella por Igor Belsky. A finales de los 90, Vishneva era considerada, con razón, la mejor Julieta en la versión canónica de Leonid Lavrovsky, y también se convirtió en la Manon Lescaut más elegante en el ballet del mismo nombre de Kenneth MacMillan. Desde principios de la década de 2000, paralelamente a San Petersburgo, donde participó en numerosas producciones de coreógrafos como George Balanchine, Jerome Robbins, William Forsythe, Alexei Ratmansky, Angelen Preljocaj, comenzó a actuar en el extranjero como estrella invitada del ballet. ). Ahora Vishneva trabaja a menudo en sus propios proyectos, encargando ballets a coreógrafos famosos (John Neumeier, Alexei Ratmansky, Caroline Carlson, Moses Pendleton, Dwight Rhoden, Jean-Christophe Maillot). La bailarina baila regularmente en los estrenos de los teatros de Moscú. Vishneva disfrutó de un enorme éxito en el ballet del Teatro Bolshoi coreografiado por Mats Ek “The Apartment” (2013) y en la obra de John Neumeier “Tatyana” basada en “Eugene Onegin” de Alexander Pushkin en el Teatro Musical de Moscú Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko en 2014. En 2013, se convirtió en una de las organizadoras del festival de danza contemporánea Context de noviembre, que desde 2016 se celebra no solo en Moscú, sino también en San Petersburgo.

Película documental “Siempre en movimiento. Diana Vishneva"

Svetlana Zakharova

La más joven de las tres chicas famosas de la Academia A. Vaganova de los años 90, Svetlana Zakharova (nacida en 1979) instantáneamente alcanzó a sus rivales y en cierto modo las superó, actuando como las otrora grandes bailarinas de Leningrado Marina Semyonova y Galina Ulanova. “Para servir” en el Teatro Bolshoi de Moscú en 2003. Tenía a sus espaldas sus estudios con la excelente profesora de la ARB Elena Evteeva, experiencia trabajando con Olga Moiseeva, la estrella del Ballet Kirov de los años 70, y una trayectoria gigantesca. En cualquiera de las actuaciones del período de San Petersburgo, Zakharova se destacó claramente. Su punto fuerte, por un lado, fue la interpretación de heroínas en ballets antiguos de Marius Petipa, restaurados por Sergei Vikharev, y solistas en producciones de vanguardia de destacados coreógrafos, por el otro. En términos de datos naturales y “características técnicas”, Zakharova no sólo superó a sus colegas en el Teatro Mariinsky y luego en el Bolshoi, sino que entró en la cohorte de las bailarinas más buscadas del mundo que bailan en todas partes en calidad de invitada. Y la compañía de ballet más importante de Italia, La Scala Ballet, le ofreció un contrato permanente en 2008. Zakharova admitió en algún momento que bailó “El lago de los cisnes”, “La Bayadère” y “La bella durmiente” en todas las versiones escénicas posibles, desde Hamburgo hasta París y Milán. En el Teatro Bolshoi, poco después de que Zakharova se mudara a Moscú, John Neumeier presentó su programa de ballet El sueño de una noche de verano, y la bailarina brilló en él en el doble papel de Hippolyta-Titania junto a Oberon de Nikolai Tsiskaridze. También participó en la producción de “La dama de las camelias” de Neumeier en el Bolshoi. Zakharova colabora con éxito con Yuri Posokhov: bailó en el estreno de su "Cenicienta" en el Teatro Bolshoi en 2006 y en 2015 interpretó el papel de la princesa María en "Un héroe de nuestro tiempo".

Película documental “Prima bailarina del Teatro Bolshoi Svetlana Zakharova. Revelación"

María Alexandrova

Al mismo tiempo, cuando la tríada de bailarines de San Petersburgo conquistó el norte de Palmira, en Moscú surgió la estrella María Alexandrova (nacida en 1978). Su carrera se desarrolló con un ligero retraso: cuando llegó al teatro, las bailarinas de la generación anterior ya habían terminado su tiempo de baile: Nina Ananiashvili, Nadezhda Gracheva, Galina Stepanenko. En los ballets con su participación, Alexandrova, brillante, temperamental, incluso exótica, actuó en papeles secundarios, pero fue ella quien recibió todos los estrenos experimentales del teatro. Los críticos vieron a la joven bailarina en el ballet "Sueños de Japón" de Alexei Ratmansky; pronto interpretó a Catalina II en el ballet "Russian Hamlet" de Boris Eifman y otros. Y debuta en los papeles principales de ballets como "El lago de los cisnes", "La bella durmiente". ” ", "Raymonda", "La leyenda del amor", esperó pacientemente durante años.

El año 2003 se volvió fatídico cuando Alexandrova fue elegida como Julieta por el coreógrafo de la nueva ola Radu Poklitaru. Fue una actuación importante que abrió el camino a nuevas coreografías (sin zapatillas de punta, sin posiciones clásicas) en el Teatro Bolshoi, y Alexandrova portaba el estandarte revolucionario. En 2014, repitió su éxito en otro ballet de Shakespeare: La fierecilla domada, con coreografía de Mayo. En 2015, Alexandrova comenzó a colaborar con el coreógrafo Vyacheslav Samodurov. Organizó un ballet sobre el teatro detrás de escena, "El telón", en Ekaterimburgo, y en el verano de 2016 la eligió para el papel de Ondina en el ballet del mismo nombre en el Teatro Bolshoi. La bailarina supo aprovechar el forzado tiempo de espera para perfeccionar el lado dramático del papel. La fuente secreta de su energía creativa destinada a la actuación no se agota y Alexandrova está siempre alerta.

Película documental “Monólogos sobre mí mismo. María Alexandrova"

Victoria Tereshkina

Al igual que Alexandrova en el Bolshoi, Victoria Tereshkina (nacida en 1983) estuvo a la sombra del mencionado trío de bailarinas. Pero no esperó a que nadie se retirara; comenzó a capturar enérgicamente espacios paralelos: experimentó con coreógrafos novatos, no se perdió en los difíciles ballets de William Forsythe (Sonata aproximada, por ejemplo). A menudo hizo lo que otros no emprendieron o intentaron, pero no pudieron hacer frente, pero Tereshkina tuvo éxito y tiene éxito en absolutamente todo. Su principal fortaleza era el impecable dominio de la técnica, ayudado por la resistencia y la presencia cercana de un maestro confiable: Lyubov Kunakova. Es curioso que, a diferencia de Alexandrova, que se dedicó al drama genuino, que sólo es posible en el escenario del ballet, Tereshkina "se centró" en mejorar la técnica y erigió una triunfante falta de trama en un culto. Su argumento favorito, que siempre representa en el escenario, surge del sentido de la forma.

Película documental “El Palco Real. Victoria Tereshkina"

El Teatro Estatal Académico Mariinsky existe desde hace más de dos siglos. Su repertorio incluye óperas y ballets clásicos y modernos.

Historia del Teatro de Ópera y Ballet Mariinsky

El Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet Mariinsky se inauguró en 1783. A lo largo de los años, aquí trabajaron grandes artistas como Fyodor Chaliapin, Mikhail Baryshnikov, Vaslav Nijinsky, Nikolai Figner, Matilda Kshesinskaya, Ivan Ershov, Rudolf Nureyev, Anna Pavlova y muchos otros. El repertorio incluía no sólo ballets, óperas y conciertos, sino también representaciones dramáticas.

El edificio del teatro fue construido según el diseño del arquitecto Antonio Rinaldi. En el siglo XIX fue objeto de reconstrucción. La importante reconstrucción del Teatro Mariinsky estuvo a cargo del arquitecto y dibujante Thomas de Thomon. En 1818, el teatro sufrió graves daños por un incendio y fue objeto de una nueva reconstrucción.

En ese momento actuaron en su escenario tres compañías: rusa, italiana y francesa.

En 1936, el auditorio fue reconstruido para lograr una mejor acústica y visibilidad. En 1859, el edificio se quemó y en su lugar se construyó uno nuevo, donde todavía se encuentra el Teatro Académico Mariinsky. Fue diseñado por Alberto Cavos. El teatro recibió su nombre en honor a la emperatriz María, esposa de Alejandro II.

En 1869, la compañía de ballet estaba dirigida por el gran Marius Petipa.

En 1885, el teatro tuvo que sufrir otra reconstrucción. Se realizó una ampliación de tres pisos en el ala izquierda del edificio, que albergaba talleres, salas de ensayo, sala de calderas y planta eléctrica. Otros 10 años después, se amplió el vestíbulo y se reconstruyó la fachada principal.

En 1917, el Teatro Mariinsky recibió el estatus de estado, en 1920, académico, y en 1935 recibió el nombre de S. M. Kirov.

En esos años, además de obras clásicas, el repertorio incluía óperas y ballets de compositores soviéticos.

En los años de la posguerra, el teatro presentó al público tales producciones: "La leyenda del amor", "Espartaco", "Flor de piedra", "Los Doce", "Sinfonía de Leningrado". Además de G. Verdi, P.I. Tchaikovsky, J. Bizet, M. Mussorgsky, N.A. El repertorio de Rimsky-Korsakov incluía obras de compositores como Dmitry Shostakovich, Sergei Prokofiev, Tikhon Khrennikov, etc.

En 1968-1970, el teatro fue reconstruido nuevamente. El proyecto del edificio renovado fue desarrollado por la arquitecta Salomé Gelfer. Después de esta reconstrucción, el teatro pasó a ser lo que vemos ahora.

En los años 80 llegó al Mariinsky una nueva generación de artistas de ópera. Se expresaron claramente en las producciones de "La dama de espadas" y "Eugene Onegin". El director de estas actuaciones fue Yuri Temirkanov.

En 1988, Valery Gergiev fue nombrado director titular, quien pronto se convirtió en director artístico. Gracias a sus esfuerzos, en 1992 el teatro volvió a ser conocido como Mariinsky.

Hace varios años se inauguró Mariinsky-2. El equipamiento técnico de su escenario permite crear producciones modernas e innovadoras con las que antes solo se podía soñar. Este complejo único le permitirá implementar los proyectos más atrevidos. La sala Mariinsky-2 está diseñada para 2000 espectadores. La superficie total del edificio es de casi 80 mil metros cuadrados.

repertorio de ópera

El Teatro Académico Mariinsky ofrece a su público las siguientes producciones de ópera:

• "Idomeneo, rey de Creta";
• "Lady Macbeth de Mtsensk";
• "Nochebuena";
• "Pelleas y Mélisande";
• "Sirena";
• "Hermana Angélica";
• "Khovanshchina";
• "Hora Española";
• "El holandés errante";
• "Esponsales en un monasterio";
• "Gira el tornillo";
• "La leyenda de la ciudad invisible de Kitezh";
• "Tristán e Isolda";
• "Lohengrin";
• "El vagabundo encantado";
• "Viaje a Reims";
• "Troyanos";
• "Electra".

Y otros.

repertorio de ballet

El Teatro Académico Mariinsky incluyó en su repertorio las siguientes representaciones de ballet:

• "Apolo";
• "En la jungla";
• "Joyas";
• "El caballito jorobado";
• "Nuez mágica"
• "Sinfónica de Leningrado";
• "Cinco Tangos";
• "La señorita y el gamberro";
• "La Sílfide";
• "Infra";
• "Shurale";
• "Margarita y Armán";
• "Donde cuelgan las cerezas doradas";
• "El despertar de Flora";
• "Adagio Hammerklavier";
• "Arcilla";
• "Romeo y Julieta";
• "Sinfonía en tres movimientos".

Y otros.

Compañía de Teatro Mariinsky

El Teatro Académico Mariinsky reunió en su escenario a maravillosos solistas de ópera, bailarines de ballet, coros y músicos. Aquí trabaja un gran equipo.

Compañía de Teatro Mariinski:

• Irina Gordey;
• María Maksakova;
• Mijaíl Vekua;
• Vasili Gerello;
• Diana Vishneva;
• Antón Korsakov;
• Alexandra Iosifidi;
• Elena Bazhenova;
• Iliá Zhivoy;
• Anna Netrebko;
• Irina Bogacheva;
• Dmitri Voropaev;
• Evgeny Ulanov;
• Ildar Abdrazakov;
• Vladimir Felyauer;
• Ulyana Lopatkina;
• Irina Golub;
• Máximo Zyuzin;
• Andréi Yakovlev;
• Victoria Krasnokutskaya;
• Danila Korsuntsev.

El Teatro Mariinsky trajo el ballet "Anna Karenina" a Moscú. Competirá por el prestigioso premio Máscara Dorada. Hace 40 años, Rodion Shchedrin escribió la música y le regaló el ballet a Maya Plisetskaya. Ella fue la primera en bailar Karenina. Ahora el papel principal lo desempeñan tres estrellas. Casi no hay escenario en el escenario. Lo principal es el baile, brillante y apasionado.

Ella admite que soñaría con vivir en el siglo XIX, aunque sólo fuera por esos vestidos y sombreros. En un bolso enorme, la estrella en ascenso del Teatro Mariinsky, Ekaterina Kondaurova, lleva zapatillas de ballet, 6 pares, tantos como podría necesitar para esta actuación trepidante, y un volumen gastado de Tolstoi. Su Karenina es sensual y egoísta.

Anna Karenina para el Teatro Mariinsky prima Diana Vishneva es una mujer al borde de un ataque de nervios.

"Está atormentada entre el amor por su familia, su hijo y los Vronsky; es una mujer que está al límite", dice la primera bailarina del grupo de ballet del Teatro Mariinsky, la artista popular de Rusia Diana Vishneva.

Sola en el silencio de la clase de ballet, Ulyana Lopatkina está concentrada y pensativa. Estoy seguro de que mujeres fuertes como Karenina todavía viven hoy en día y, aunque usan jeans y conducen autos, todavía sueñan con el amor verdadero.

Incluso en el estreno en San Petersburgo, su baile fue admirado por aquel para quien Shchedrin escribió este ballet hace 40 años. La primera Anna Karenina - Maya Plisetskaya.

El coreógrafo Alexei Ratmansky decidió bailar la novela de Tolstoi desde el final. Anna ya no está viva. Y Vronsky recuerda su pasión devoradora, que comenzó con un encuentro fatal en el andén. Hay un mínimo de decorado en el escenario y el mundo en el que existen Anna y otros personajes se recrea mediante proyecciones de vídeo: la estación, la casa de los Karenin, el hipódromo. Y los propios acontecimientos transcurren a gran velocidad, acompañados del sonido de las ruedas.

Un vagón de ferrocarril de tamaño natural es un personaje de pleno derecho de la tragedia y una de las imágenes más impresionantes. Se volverá hacia el público con las ventanas cubiertas de escarcha o hacia el acogedor mundo de un compartimento de primera clase. Y es como vivir tu propia vida.

El maestro Valery Gergiev está en la tribuna del director. Después de todo, fue su idea poner en escena la moderna "Anna Karenina" en el escenario del Teatro Mariinsky, un ballet que instantáneamente se convirtió en un éxito en toda Europa.

"Me parece que para el teatro de Moscú esto también es, hasta cierto punto, un viaje interesante a través de tres representaciones, si alguien tiene la suerte de ver las tres", dijo el Artista del Pueblo de Rusia, director artístico del Teatro Mariinsky, Valery Gergiev. "Tal vez para los aficionados el ballet sea un viaje interesante y, quizás, en cierto modo, incluso fascinante, a través de la misma actuación tres veces".

Tres Anás. Impulsiva - Diana Vishneva, apasionada - Ekaterina Kandaurova, majestuosa - Ulyana Lopatkina - en el escenario del Teatro Stanislavsky durante tres noches seguidas, la historia de amor de una mujer será contada por tres Marinka primas, brillantes y absolutamente diferentes.

Uno de los teatros musicales más antiguos y destacados de Rusia. La historia del teatro se remonta a 1783, cuando se inauguró el Teatro Stone, en el que actuaron compañías de teatro, ópera y ballet. Departamento de compañías de ópera (cantantes P.V. Zlov, A.M. Krutitsky, E.S. Sandunova, etc.) y ballet (bailarines E.I. Andreyanova, I.I. Valberkh (Lesogorov), A.P. Glushkovsky, A.I. Istomina, E.I. Kolosova, etc.) de las compañías dramáticas surgieron en 1803. Se representaron en el escenario óperas extranjeras, así como las primeras obras de compositores rusos. En 1836 se representó la ópera "La vida para el zar" de M.I. Glinka, que abrió el período clásico de la ópera rusa. En la compañía de ópera cantaron destacados cantantes rusos O.A. Petrov, A.Ya Petrova, así como M.M. Stepanova, E.A. En la década de 1840. La compañía de ópera rusa fue apartada por la italiana, que estaba bajo el patrocinio de la corte, y trasladada a Moscú. Sus actuaciones se reanudaron en San Petersburgo sólo a mediados de la década de 1850. en el escenario del Teatro Circo, que después del incendio de 1859 fue reconstruido (arquitecto A.K. Kavos) e inaugurado en 1860 con el nombre de Teatro Mariinsky (en 1883-1896 el edificio fue reconstruido bajo la dirección del arquitecto V.A. Schröter). El desarrollo creativo y la formación del teatro están asociados con la representación de óperas (así como ballets) de A.P. Borodin, A.S. Dargomyzhsky, M.P. Mussorgsky, N.A. Rimsky-Korsakov, P.I. La alta cultura musical del grupo fue promovida por las actividades del director y compositor E.F. Napravnik (1863-1916). Los coreógrafos M.I. Petipa y L.I Ivanov hicieron una gran contribución al desarrollo del arte del ballet. En el escenario del Teatro Mariinsky actuaron los cantantes E.A. y N.N. Figner, F.I. Chaliapin, los bailarines T.P. Karsavina, M.F. Kshesinskaya, V.F. Nizhinsky, A.P. Pavlova, M.M. Fokin y otros, entre ellos A.Ya.

Después de la Revolución de Octubre, el teatro pasó a ser estatal y, desde 1919, académico. Desde 1920 se llamó Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet, desde 1935 lleva el nombre de Kirov. Además de los clásicos, el teatro representó óperas y ballets de compositores soviéticos. Los cantantes I.V. Ershov, S.I. Migai, S.P. Preobrazhenskaya, N.K. Pechkovsky, los bailarines de ballet T.M. Vecheslova, N.M. Dudinskaya, A. V. Lopukhov, K. M. Sergeev, G. S. Ulanova, V. M. Chabukiani, A. Ya. Shelest, directores V. A. Dranishnikov, A. M. Pazovsky, B. E. Khaikin, directores V. A. Lossky, S. E. Radlov, N. V. Smolich, I. Yu Shlepyanov, coreógrafos A. Ya. Durante la Gran Guerra Patria, el teatro estuvo ubicado en Perm y continuó funcionando activamente (se realizaron varios estrenos, incluida la ópera "Emelyan Pugachev" de M.V. Koval, 1942). Algunos artistas de teatro que permanecieron en la sitiada Leningrado, incluido Preobrazhenskaya, P.Z. Andreev, actuaron en conciertos, en la radio y participaron en representaciones de ópera. En los años de la posguerra, el teatro prestó gran atención a la música soviética. Los logros artísticos del teatro están asociados con las actividades de los directores principales S.V. Yeltsin, E.P.Grikurov, A.I.Klimov, K.A.Simeonov, Yu.X.Temirkanov, los directores E.N.Sokovnin, R.I.Tikhomirov, los coreógrafos I.A. Belsky, K.M. L.V. Yakobson, artistas V.V. Dmitriev, I.V. Sevastyanov, S.B. Virsaladze y otros (1990): director principal V.A. Kovaleva, S.P. Leiferkus, Yu.M. . , V.M. Morozov, N.P. Okhotnikov, K.I. Pluzhnikov, L.P. Filatova, B.G. de La Revolución de Octubre (1983). Periódico de gran circulación “Por el arte soviético” (desde 1933).