Retrato íntimo (de cámara) (Rokotov, Levitsky). Retratos íntimos de Masha Kushnir

La fotógrafa Masha Kushnir no fotografía modelos ni celebridades. Sus héroes suelen ser gente corriente, vecinos, amigos y familiares, y sus herramientas son la luz natural y una cámara de cine de medio formato, que cada vez más acaba donde está su dueño.

Así son los baños Széchenyi en Budapest. A pesar de que es una de las atracciones más famosas de la ciudad, los lugareños también van allí. Y todo el tiempo. Llegamos casi a la inauguración, y entre los visitantes nos encontramos con húngaros jugando al ajedrez en la piscina, ancianos leyendo los últimos periódicos, mujeres pintadas con perlas y este hombre que, como veis, incluso cerró los ojos de placer.

Estos son mis amigos más cercanos, los fotografié a ambos mucho y con frecuencia. Pero por alguna razón nunca juntos. Al parecer, en vano.

Rara vez conozco personas que puedan moverse con tanta fluidez y gracia, como si hubieran pasado los últimos diez años en una escuela de ballet. Sin embargo, Vika es una de ellas. Cualquier cosa que haga (sentarse en el suelo esperando un vuelo, correr una maratón o tomar té en su casa de campo) lo hace con tanta gracia y naturalidad que uno no puede dejar de admirar. Nunca le pido que pose y lo único que puede escuchar de mí es la orden "¡No te muevas!".

Una amiga diseñadora de moda cosió esta chaqueta como proyecto de graduación, para lo cual comenzó la sesión de fotos. Es muy complejo y muy bonito; lo cosió durante casi seis meses. Esta foto fue tomada unos diez minutos antes del final de la sesión, cuando la chaqueta ya había sido fotografiada desde todos los ángulos y finalmente era posible enfocar a la modelo.

Cada vez que vengo a Tel Aviv, voy a Siciliana, una cafetería que vende el helado de pistacho más delicioso. En la foto está mi amigo Ira, tomada a través del escaparate del establecimiento con la bocina que hice famosa.

Hace muchos años, estábamos sentados con amigos en un restaurante y pasó corriendo una niña armenia de unos cinco años, de pelo largo. Agarré la cámara y traté de tomarle una foto, cuando inmediatamente apareció su papá. No a todos los padres les gusta que fotografíen a sus hijos, y además sin preguntar, así que estaba preparado para un diálogo desagradable. Pero no, al contrario, el padre de la niña pidió que le enviara fotografías, le gustaron y quería una sesión de fotos. Así comenzó nuestra amistad con Maryana y sus padres.

Es bastante difícil capturar el momento con una cámara pesada de formato medio con enfoque manual y a menudo escucho que mis fotografías parecen pinturas. Pero aquí no sólo quería fotografiar a una chica hermosa, sino fotografiar a Vika. La dejé en el pasillo, me paré frente a ella, me concentré y comencé a charlar, tratando de hacerla reír. Cuando finalmente lo logré, tuve esta oportunidad.

Fotografiar a niños con una cámara de cine con enfoque manual es toda una aventura. Especialmente cuando son tres y dos cámaras. Sin embargo, esta foto resultó muy atemporal y seria. Pero no es por eso que la amo. El verdadero carácter de esta chica se evidencia mejor en el dedo gordo de su pie izquierdo, que está tan conmovedoramente enterrado en la alfombra.

El vendedor de quioscos fue filmado con una cámara que le prestó un amigo hace muchos años. No conocía a ningún fotógrafo en aquella época; creo que ni siquiera había oído hablar de Cartier-Bresson. Sin embargo, al igual que él (pido disculpas por la comparación), filmé mucho en París. Fue en esta ciudad donde empezó todo.

​Esta foto fue tomada en la Antigua Galería Nacional de Berlín. Ese día había poca gente y mi amigo y yo caminamos durante mucho tiempo por los pasillos, estudiando atentamente los cuadros. Este hombre estaba sentado en uno de ellos, completamente solo, miraba hacia un punto y, al parecer, escuchaba una audioguía. Parecería que no había nada inusual en la situación en sí, pero en su pose y mirada, en la forma en que se sentaba en el borde del banco, había tanta soledad y tristeza que era imposible no fotografiarla.

Esto es Londres, 2012. Hay muchos coches por ahí, la gente corre a algún lado, se adelantan con impaciencia, algunos miran nerviosamente sus relojes, otros miran los semáforos. Y entonces se enciende la luz verde, todo esto se disipa, y estas novias aparecen de la nada. Cruzan la calle tranquilamente, tomados del brazo y discutiendo algunos temas importantes para su edad. Probablemente así es como me gustaría afrontar mi vejez.

Realmente no quiero contar nada sobre esta foto; me parece que cualquier detalle destruirá su magia.

Fotografié al actor Yuri Kolokolnikov para Afisha en relación con el lanzamiento de la nueva temporada de Juego de Tronos, donde protagonizó. Para prepararme para el rodaje, recuerdo que tuve que llegar casi una hora y media antes de la reunión. Probablemente, a juzgar por el vaso de whisky y el contexto general, parezca que se trataba de una conversación tranquila sobre la vida, pero en realidad la entrevista y la sesión de fotos duraron unos quince minutos, y detrás de nosotros estaba esperando a Kolokolnikov una multitud de periodistas.

Nunca fotografié a niñas embarazadas y, hasta que tuve mis propios hijos, generalmente traté de evitar esas órdenes. Pero no podía rechazar a esta chica. Estaba a punto de dar a luz y yo estaba muy preocupada, porque entendí que ella se encontraba en ese estado por primera y tal vez la última vez en su vida. Tenía muchas ganas de transmitir toda la importancia y belleza del próximo evento.

Creo que este es el parque del Palais Royal en París. Una trama completamente normal para esta ciudad.

Fui a Petra con dos o tres cámaras, y parece que en mi mochila no cabe nada más. Pasamos un total de once horas, no las más agradables de mi vida, en el camino sólo para ver esta antigua ciudad. ¿Quién hubiera pensado que la fotografía favorita de allí no serían retratos de beduinos, ni criptas o templos, ni siquiera una vista de postal del mundialmente famoso mausoleo de Al-Khazneh, sino este burro jordano?

Sin duda, todas las direcciones están dadas para simplificar y catalogar la creatividad. Por un lado, esto es cierto: para no ahogarse en el océano del arte, es necesario construir “piscinas infantiles”. Tal definición obliga inconscientemente al autor a ciertos marcos y restricciones, porque la gente se acostumbra al hecho de que un artista trabaja en una tonalidad, y cuando el vector de su desarrollo cambia un poco, esto provoca cierta resonancia de malentendido y el público exige una volver a las raíces. Esto le facilita las cosas: ya tiene cierta comprensión. Las cosas nuevas siempre se aceptan con miedo y hostilidad, pero solo al principio, con el tiempo se acostumbran.

Fotografío chicas y no puedo determinar claramente en qué dirección lo hago. Lo que me da algo de paz es que no tengo decorados locos, pabellones enormes ni siquiera accesorios. Tengo gente y luz, solar o pulsada. En este sentido estoy absolutamente tranquilo: no hay preparación, nos encontramos a una hora determinada en un lugar determinado y trabajamos. Estoy tomando fotos, pero la chica... no, no está posando en absoluto: cree que está posando.

Y, sin embargo, ¿por qué un retrato íntimo? "¿Dónde está la intimidad?" - me preguntó una vez mi amigo. ¿Realmente donde? Las chicas no están medio desnudas, sus poses no son nada divertidas y se comportan de forma bastante comedida. Sólo los ciegos pueden discernir aquí una franca intimidad. ¿Engañado?

Le daré una definición seca: "Un retrato íntimo es un retrato sobre un fondo íntimo y uniforme, que muestra una relación de confianza entre la persona retratada y el artista". ¡Bingo!

Las personas (en mi caso, las niñas) son una fuente inagotable de investigación. Cada uno de los modelos es increíblemente único: carácter individual, comportamiento, apariencia, estilo de comunicación: nada se repite. Lo más importante es verlo y registrarlo en el tiempo, y para verlo es necesario acercarse a él. Chica individual: enfoque individual. Todo es sencillo, incluso demasiado sencillo.

A finales del siglo XIX, Van Gogh quedó fascinado por el tema de los campesinos. Vivió entre ellos durante algún tiempo y pintó cuadros. Pero una cosa es simplemente observar a los campesinos trabajar y luego transferir sus impresiones al lienzo, y otra muy distinta convertirse en uno de ellos, pensar como uno de ellos y sentirse absolutamente igual, es decir, integrarse completamente en el entorno.

Tengo un enfoque muy similar. Intento estar en pie de igualdad con las chicas, reducir al mínimo todas las diferencias entre nosotras, comprender su estilo de pensamiento, conocer sus experiencias y preocupaciones. Por supuesto, la tarea es muy difícil, ya que la cosmovisión de las mujeres es completamente diferente y a veces es imposible entenderla. ¡Qué podemos decir de meternos en sus cabezas! Esta es una gran tarea, pero este es exactamente el objetivo que me propuse durante el rodaje. Si quiero sacar a una chica en una foto, y no la imagen de una chica que he desarrollado durante mi trabajo, necesito estar de su lado, mirar el mundo a través de sus ojos y tratar de sentir lo que ella siente. Es muy importante mirarse a sí mismo a través de los ojos de la persona que está fotografiando, para convertirse en uno más de los campesinos.

Da la casualidad de que me resulta mucho más fácil llegar a un acuerdo con las chicas que con la población masculina. Los primeros son demasiado ilógicos y los segundos demasiado tercos. Eligiendo el menor de dos males, me decidí por el primero y acerté.

Cada toma es una aventura durante la cual intentas descubrir qué preocupa al sujeto, sentir el hilo de sus pensamientos y capturar el estado que surge entre ustedes. ¡Y todo esto de alguna manera debe conservarse en la fotografía! Y no olvides dejar una parte de ti como autor. En otras palabras, trabajar con un modelo es similar a modelar con plastilina: al principio el material es bastante duro e inflexible, pero una vez que lo calientas un poco, te acostumbras a la textura y lo amasas en tus manos, comienzan a surgir formas. . Y solo queda decidir en qué dirección avanzar: comenzar con algo familiar, modificándolo gradualmente, o avanzar intuitivamente desde el principio, al tacto, sin pensar en el resultado. El último camino es muy intrigante: o se abrirá algo nuevo o te toparás con un patrón. ¡Pero vale la pena!

Lo más peligroso que puede acechar durante un rodaje son tus pensamientos, pensamientos monstruosos, contradictorios e inquietos. Alguna pregunta estará constantemente dando vueltas en tu cabeza: ¿merece la pena el modelo? ¿Son correctas las configuraciones de la cámara? ¿Qué debería decirle? ¿Por qué me mira así? Este ruido es increíblemente peligroso, por eso es posible que no consigas el fotograma final, porque te gritará: “¡Está bien, termínalo! Obtuvimos lo que queríamos, ¡procesémoslo rápidamente! Este ruido le proporcionará constantemente una nueva porción de pensamientos, impidiéndole concentrarse en lo principal: trabajar con el modelo, el estado de ánimo psicológico y el retorno emocional. A veces es muy difícil dejar todos los problemas cotidianos en casa. Si no cierras de golpe la puerta adecuada en tu cabeza a tiempo, estarás perdido. Una fotografía se construye en tu mente y la cámara actúa como intermediaria entre tu cabeza, tu corazón y tu modelo. Libera tu mente antes de hacer una declaración, deja que tu corazón te guíe. Discutirás y rechazarás más tarde, estaría bien.

Trabajar con un modelo recuerda un poco a trabajar como domador. ¡Sí, sí exactamente! Hay dos tipos de modelos: activos y pasivos. Los primeros son extremadamente proactivos y, si no la calmas a tiempo, puedes perder el timón del capitán del proceso de filmación. Cuando digo "sentarse", por supuesto, exagero un poco: la modelo debe sentir tu confianza y conocimiento de lo que quieres obtener de ella, incluso si guardas silencio. De lo contrario, pensará que no sabes lo que quieres lograr con ella, dándole así la oportunidad de gestionar ella misma el proceso de filmación. Este camino conduce a un resultado completamente diferente al que pretendía. Sea lo suficientemente audaz en su trabajo y no permita que otros controlen sus pensamientos.

Los modelos pasivos son algo diferentes. Recuerdan un poco a la soja: sin su relleno es imposible comerlo. Estas chicas claramente cumplen con todos tus requisitos, saben quién manda. Párese estáticamente, salte cien veces, cinco pasos hacia adelante y párese sobre su cabeza, siempre y cuando le diga qué hacer. Es poco probable que una chica discuta contigo: sabe que ese es su trabajo.

El tema de la luz no se puede ignorar, y aquí siempre recuerdo a Yuri Norshtein, un maravilloso animador y director. ¡Una persona que está constantemente limitada por el arte crea arte ilimitado!

Una vez contó cómo, algún tiempo después del lanzamiento de Hedgehog in the Fog, lo invitaron a Pixar. La gente de California realmente quería saber cómo Norshtein hace sus dibujos animados, qué equipo utiliza y cuánto dinero invierte en ello. Contó, mostró e incluso reprodujo un fragmento de la caricatura ante sus ojos. ¿Te imaginas los ojos de estas personas, los gigantes de la animación por computadora que crearon Toy Story, cuando Yuri Norshtein sacó de su maleta unas tenazas, papel de calco y un erizo recortado de cartón y empezó a moverlo todo sobre la mesa? El erizo no sólo se movía, sino que también estaba en la niebla: el papel de calco creaba ese efecto. No había límite para la sorpresa, porque esperaban de él algo diferente, definitivamente no una artesanía. Norstein fue el artista rupestre prehistórico de la era informática de Pixar, un artista artesanal.

Norshtein no tenía computadoras caras, ni grandes estudios de cine ni súper equipos; solo tenía pinzas, papel de calco y cartón; Estas son las limitaciones. Pero él tenía un sueño: crear una caricatura de la que pudiera enamorarse, y una vez que te enamoras, haces que otros se enamoren de ella. Esto es arte.

Para concluir, me gustaría citar a un crítico de arte, Francesco Bonami: “El arte existe para aquellos (y sobre todo para aquellos) que no tienen dinero, pero que saben soñar y que no necesitan nada más para ello. "

Sobre el Autor

Nombre, apellido, edad:Mijail Ryzhov, 22 años.

Técnica: Nikon D7000.

Exposiciones, premios, logros:

Recibió un diploma de grado III del Centro Internacional de Fotografía;

Los retratos se incluyeron en el libro “100 fotógrafos rusos. Retratos en blanco y negro”;

Se graduó de cursos en el departamento de cámara de VGIK.

Inspiración: películas y literatura.

Mejor consejo:¡viajar más! El viaje es la recompensa. La fotografía es un viaje.

Llegué a esta conclusión hace relativamente poco tiempo, cuando comencé a sistematizar todo mi metraje. Clasifiqué las fotografías, las guardé en carpetas, las coloqué en el orden correcto, las miré durante un tiempo interminable, las recorté, las roté, pensé... Hasta ahora no he caracterizado mis fotografías de ninguna manera. . ¿Cuadro psicológico? Quién sabe, estas chicas no tienen más de 16 años. No son estrellas de rock, ni actores ni figuras públicas. Chicas comunes y corrientes que van a la escuela. Caminan, hacen los deberes y vuelven a caminar. Estos se pueden ver en la calle todos los días. Pero sin un filtro de Instagram y un desenfoque de Photoshop, no los reconocerás. Ni siquiera prestes atención. En las redes sociales todos lucen diferentes que en la vida real. En la vida cotidiana, todo es más sencillo. Es escandalosamente más simple. Y a la gente moderna eso no le interesa. Aburrido. ¡Y es genial para mí! Estoy feliz. Porque soy el único allí.

Tuve suerte: hace unos años llegué a una de las maravillosas agencias de modelos de Moscú y me pedí que hiciera pruebas. Me sonrieron y al día siguiente trabajé con la niña. Estos se llaman "cara nueva". Nueva cara. Las niñas provienen de diversas regiones. De Nizhni Taguil a Samara. Hacen varias sesiones con diferentes fotógrafos y luego evalúan si puede tener demanda en Occidente. Si el modelo tiene demanda, se envía, por ejemplo, a Japón. La chica está constantemente bajo la supervisión de la agencia, sin acompañantes ni servicios, sólo filmaciones o proyecciones. Al cabo de un par de meses regresa con dinero, una cartera increíble e impresiones inolvidables. ¡Hurra!

Mis modelos no tienen más de 16 años. Tuve suerte: las pillé en ese momento cuando aún no tenían idea de cómo iba el rodaje y no estaban estropeadas por los movimientos y la mirada "coreografiados". Los pillé completamente limpios. Tanto por dentro como por fuera. Hablé con algunas chicas, me interesé por sus vidas, aficiones y esperanzas. Estaba filmando al mismo tiempo. También hubo aquellos con quienes no pude pronunciar una palabra. Simplemente nos sentamos y nos miramos. Y volví a filmar. No hay trucos, excepto uno: siempre estuvimos juntos.

Casi siempre estoy insatisfecho con lo que estoy filmando mientras filmo. Internamente, por supuesto. La modelo no debería sospechar nada. De lo contrario, nada funcionará en absoluto. Mirando hacia atrás, quiero señalar que esta es una señal segura de un trabajo exitoso. Estoy constantemente en un estado de lucha interna. Con qué exactamente, no lo sé. Pero me siento muy bien por eso. Estoy enojado conmigo mismo, con la modelo, con la luz, con la cámara, con todo. Maldigo cada pequeña cosa. En cualquier momento puedo estallar y entonces todo es catarsis.

Por extraño que parezca, la pregunta “cómo trabajar con el modelo” sigue siendo relevante. Te diré. Escuchar. Es muy simple: déjala hacer lo que quiera. Sin excepción. Quiere pasar la pierna por encima de la cabeza, ¡adelante! Siéntate en las divisiones entre las ramas de un árbol: ¡empieza, estoy filmando! ¿Se retuerce y nunca llega a la posición correcta? Así debe ser, créanme. ¿Por qué luchar contra la modelo y obligarla a hacer algo? A nadie le gusta que lo obliguen. Simplemente hay energía hirviendo dentro de ella, la abruma y le pide salir. Así que déjala ir tranquilamente. Tan pronto como esto suceda, y lo comprenderás inmediatamente, ella será tuya. Completamente. Sin dejar rastro. Haz lo que quieras con ella. Ahora sólo absorberá lo que tú emitas. ¡Entrégate a ella! No seas codicioso. Al final del trabajo estarás vacío. No tengas miedo. Así es como debería ser. ¿Disparaste lo que querías? Estoy seguro que sí.

Cuando comencé a dedicarme a la fotografía, me atormentaba mucho el tema de la tecnología. No sabía qué lente elegir para lograr la nitidez requerida, pensé en la cantidad de megapíxeles de la cámara e intenté disparar solo en el estudio para controlar la luz. Creía en el botón mágico de la cámara más cara. La estaba buscando. Eh... Ahora soy completamente diferente. Tengo una lente estándar que vino con mi DSLR amateur y me olvidé del problema de los megapíxeles. Porque todo es una tontería. Completo. Si eres artista, ¿qué te importa un pincel? Tu imagen está escrita en tu cabeza y el pincel es solo una herramienta que te permite transferir tus fantasías al lienzo. Si todavía no me crees, aquí tienes una cita de Francesco Bonami: “El arte existe para aquellos (y sobre todo para aquellos) que no tienen dinero, pero que saben soñar y que no necesitan nada más para vivir. este."

Lo más difícil para mí después del rodaje es la selección. Las impresiones residuales demasiado fuertes pueden estorbar y es posible que no notes el rostro detrás de una hermosa fotografía. En este caso, veo una buena película, preparo la cena o salgo a caminar. Es necesario interrumpir las viejas impresiones con una parte de las nuevas. Es muy importante. No me gusta dejar 10 fotos. Una, máximo dos fotografías tienen sentido. Es en ellos donde debería haber un descubrimiento. Si no está, sigo buscándolo por duplicado o pospongo el rodaje hasta tiempos mejores. Quizás necesito crecer con estas fotos.

Me gustaría estar solo. Cuando las personas se juntan, se vuelven increíblemente aburridas. Comienza un intercambio de nimiedades y problemas. No me interesa discutir problemas. Los significados, las ideas, los descubrimientos me importan. Necesitas quedarte solo, en silencio. Desarrollar los rasgos individuales de una persona. Ellos son los que crean la personalidad. Y silencio. Silencio.

Existe la opinión de que es necesario mantener un diálogo con una persona durante el rodaje, de lo contrario no podrá relajarse. Será capaz. Sin querer. Lo sé muy bien. Apunta la lente hacia él. Si mas. Y ver. Silenciosamente. Al principio se pondrá nervioso y tal vez incluso empiece a posar. Pero tú, el fotógrafo, estás inmóvil y esto te confunde aún más. ¿Cómo es eso? ¿Dónde está el equipo? ¿A dónde acudir? Ahora la persona ya no sabe qué hacer. Lo principal aquí es no soltar la mirada. Él debe estar mirándote. Él cree que tiene control sobre ti. Constantemente. Su mirada está fija en ti. Dentro de la lente. Lo estás esperando. ¡Adelante! ¿Qué? ¡Hacer clic! Gracias, estuviste genial.

¡Por supuesto que uso Photoshop! No hay ningún secreto en esto, así como en el hecho de que todo el mundo lo utiliza. Incluso los enemigos empedernidos de los programas gráficos y los idealistas de la fotografía "pura" recurren a su ayuda. Pero toda la pista está oculta en esta palabra: "ayuda". No es una nueva versión de la foto. No volver a dibujar con luz. No es un cambio de plástico. El toque final, la floritura del autor, un autógrafo. Llámalo como quieras. Me parece que si Leonardo tuviera Photoshop, le habría llevado mucho menos tiempo terminar la sonrisa de Gioconda, en lugar de 13 años. Plazo serio. Photoshop me ayuda a identificar esos rasgos faciales que nuestros ojos, y más aún la cámara, no notan. Para mí un rostro no son dos ojos y una boca, es toda una arquitectura, un paisaje. Me parece que un rostro no es sólo un retrato del alma, sino el alma misma, al revés. Y me alegro infinitamente de que no sepa posar.

Me parece que un retrato en fotografía es algo mágico. Esto no es sólo una cara capturada de manera confiable en un archivo de diez megabytes, no es un montón de arrugas o ojos cerrados, ni siquiera sus impresiones de la persona. Esto es algo tercero. Estás tú, tu retrato y él, el tercero. Una determinada sustancia que absorbió una parte de ti, el modelo, tu estado de ánimo, la atmósfera externa, y luego la digirió durante un tiempo y la liberó para imprimir. ¡El procedimiento es peor que cualquier fotosíntesis! Un tipo de soja que vas llenando de aditivos mientras trabajas. ¿Pelea durante el rodaje? ¡Un poco de pimienta por favor! ¿Problemas con la luz? ¡Hoja de laurel y un poco de sal! ¿No hay contacto entre modelo y fotógrafo? ¡Y agrega más mariscos! Estas no son "100 mejores recetas". Ésta ya es una cocina original. Experimento. Agrega el tuyo, toma prestado el de otra persona. Eres un artista, lo que significa que eres un poco un ladrón. en el buen sentido, claro.

Me di cuenta demasiado tarde de lo que quería ser.
Como cualquier joven diligente, después de la escuela fui a la universidad. Un evento emocionante, ¿no? Fue lo mismo para mi. Como un año. Dos docenas de excelentes exámenes, mayor beca y tranquilidad. Y luego eso es todo. No, no, no abandoné la escuela como lo hicieron todos los chicos geniales de Silicon Valley. Terminé mis estudios. Con pena.

¿Porqué es eso? Foto. Ella me consumió. Me poseyó. Firmemente. Marta. Ya no podía asistir a conferencias aburridas. Deambulé por las calles. Filmado. Todos estarán de acuerdo. Y luego miré. Comparar. Repetido. Lo intenté mejor. Casi sin pensar. Casi.

Esta es mi escuela. Escuela de fotografía. Es poco probable que te enseñen en tu escritorio. Necesito encontrar. Mí mismo. Repensar y probar. Y entonces todo saldrá bien para ti. Déjalo reposar.

La composición es la base para crear una imagen. Ésta es la relación espacial entre todas las partes de la imagen. En general, como dijo uno de mis magníficos artistas: "Todo debe estar en su lugar". Cómo entenderlo, si todo está en su lugar, es una cuestión de tiempo o de instinto. Si tiene tiempo, mire fotografías, películas, lea literatura y observe la vida. Y quien no tiene tiempo suele tener instinto. Lo sé. A veces lo siento.

Un artista no tiene que explicar su trabajo. Estoy convencido de esto. Me parece que no es del todo correcto imponer al espectador el significado que usted, como artista, le aportó. Después de todo, esto es lo mejor: ver cómo el espectador descifra tu trabajo. Busca conexiones, metáforas, compara, da vueltas, entrecierra los ojos, admira o no comprende. Pero más a menudo el espectador decide si puede repetirlo de la misma manera o no. Si entiende que puede hacerlo, felizmente pasa al siguiente trabajo, y si no, apaga la luz; comenzará a preguntarse en qué tipo de sartén se cocinó, cuánta pimienta agregaron y por qué no le puse sal. ¿Quizás en lugar de la firma del autor, dejar una receta debajo del trabajo? Ya sabes, como en los viejos calendarios arrancables. Todos los días. Bastante agradable.

Hago retratos íntimos.
Este no es siempre un retrato elogioso, porque no me esfuerzo por adornar a la persona; esto es todo lo contrario de un retrato psicológico, ya que no muestro a una persona “como él mismo”; y finalmente, ésta no es una imagen individualizada de una persona, ya que no me preocupa el momento de la similitud. Este es un estado absolutamente personal y desconocido de una persona, en el que penetro con el pretexto de fotografiarlo, y durante un tiempo miro el mundo con otros ojos. Esto es lo que es un retrato íntimo. Aquí es cuando puedes insertarte descaradamente en otra persona y mirarte a través de sus ojos.

La cuestión de la luz sigue siendo invariablemente importante. ¿Cuántas fuentes utilizas en tu trabajo? ¿Cambias a menudo la luz mientras disparas? ¿Qué esquemas de iluminación utilizas?

En febrero, RIA Novosti ofreció una conferencia abierta a cargo de Yuri Norshtein (“El erizo en la niebla”). El tema del discurso fue “El arte de la libertad, libertad en el arte”. Habló de su trabajo, de cómo iba el rodaje, de éxitos y fracasos. Pero su idea más importante, con la que encontré intersecciones más adelante, era que cuando el arte te impone ciertas restricciones, tu trabajo se vuelve más productivo. Eso es todo en pocas palabras.

Volvamos al tema de la luz. Sucede que vienes a un rodaje y parece que está todo super chulo. Estás de muy buen humor, la cámara está enfocada en una obra maestra, la modelo es hermosa, pero... No hay luz. Esas fuentes de luz que estaban destinadas a ti las tomó otro cliente más importante (puede pasar cualquier cosa), o se quemó la luz pulsada, y de la constante solo se quemó la luz piloto. Es triste, ¿no? Pero, afortunadamente, en este momento comprendes que estas son precisamente las limitaciones a través de las cuales el arte quiere poner a prueba tu resistencia. ¡Y en este momento el entusiasmo es aún mayor! En tales casos, cogí una lámpara de modelado, una lámpara de mesa o cualquier cosa más o menos luminosa y fotografié. ¡Atención! - filmado. Y funcionó. Y muchas veces mucho mejor que en condiciones ideales. Deseo lo mismo para ti.

No es necesario convertir el estudio en un culto. Es sólo una herramienta. Aunque no está mal.

La fotografía es un placer caro. Como en los bailes de salón. Aunque todavía no se sabe cuál es mejor. Cuando comencé a trabajar, siempre me esforcé por obtener un gran resultado. Y para lograrlo, necesitas un equipo de personas maravillosas. ¡El maquillador y el estilista se consideran personas cuya participación ni siquiera se discute! Todos saben que son necesarios. Si es áspero, el maquillador lo maquillará y el estilista lo vestirá. Todo lo que tienes que hacer es disparar. ¡Milagro!

Día de rodaje. El modelo se está moviendo y parte del equipo descrito anteriormente ha caído al abismo de la zona inaccesible. No hay ninguno de ellos. Y no se espera. Emergencia, nada menos. Pero no son sólo las cualidades personales las que impiden que la gente cancele una sesión fotográfica. Entonces tomo el modelo y nos vamos con él desde Metrópolis. Ya sabes, el de Voykovskaya. Centro comercial grande. ¡Hermoso lugar! Después de pasear un poco, puedes pintar fácilmente el modelo allí. Pero lo más importante es el motivo por el que fuimos allí: para fotografiar. Hay un montón de ropa allí. Montones. Ve a cualquier tienda, recoge la ropa y quítatela. ¿Dónde? En probadores. Créame, hay suficiente espacio. ¿Es posible? Dios sabe. No pregunté porque solo soy fotógrafo.

Me adhiero constantemente y todos los días a un principio: haz lo que amas. No me importan en absoluto todas las objeciones y protestas: sólo existen en nuestras cabezas. Si aún no has encontrado lo que amas, sigue buscando. Incansablemente. Cada día. En cada rincón. Sólo sabrás que esto es cuando lo encuentres. No seas complaciente. Lo más importante -y esto es incluso más de la mitad de la batalla- es dar algunos pasos. Todo esto es infinitamente banal y todo el mundo lo sabe, pero… Aún quedan “peros”, ¿no? Sé lo suficientemente valiente para encontrar tu pasión. Esto puede ser... ¡y la mayoría de las veces sucede! - Para nada lo que estudiaste. Nadie puede decirte qué es, sólo tú.

Hago retratos íntimos.
Nunca he disparado a tiempo. No tengo un cronómetro que suena después de tres horas y dice: "¡Para! Nos hemos quitado el nuestro. Es hora de volver a casa". Disparo exactamente tanto como me dice mi instinto. Si siento que me faltan 300 fotogramas, elimino la parte original de la sesión y sigo adelante. Si veo que me estoy volviendo loco por una chica en el cuadro 30, ya terminé. Nunca intento llenar toda la tarjeta de memoria. Funcionó, estoy feliz. Si no entonces...

Cuando estaba filmando a una chica, ella y yo nos reímos locamente durante todo el rodaje. Yo no sé por qué. No la hice reír. Charlamos, reímos y parecieron volvernos tan cercanos que estaba listo para algo más que filmar. Pero todo resultó mucho mejor. Ella dejó de reír, me miró y dijo: “¡Ya está! ¡Dame la cámara!”. Y yo tuve que ocupar su lugar. Ahora ella me estaba filmando. No sabía adónde ir. Apretó, sonrió e incluso intentó bailar. Y ella estaba filmando.

Esta es una experiencia muy gratificante. A veces es necesario ponerse en el lugar de otra persona para comprenderla. No se puede mirar el mundo desde un punto de vista, hay que intentar adoptar la experiencia y el punto de vista de otra persona. Como dicen, abre tu mente. En ese momento tomé algunos de mis mejores retratos.

Nunca me preparo para un rodaje. En el sentido de que no construyo el escenario, no selecciono el fondo, no llevo un montón de cosas conmigo. No. Sólo uso lo que tengo a mano. Hay un rincón de la habitación: ¡maravilloso! Filmaremos allí. Hay una silla raída: ¡es solo un cuento de hadas! Fondo negro, pared mate, linóleo: no importa en absoluto. El interior no tiene ninguna importancia. Absolutamente. La gente se adapta a cualquier cosa. Entonces cucarachas. Así las chicas y yo nos acostumbramos a cualquier ambiente. Y ella nos gusta. Y ya no es importante para nosotros. Nos olvidamos de nosotros mismos. Y simplemente miramos. Uno encima del otro, por la ventana, en la pared. Al vacío. Pongamos a trabajar tu imaginación. Soñamos. Descansemos. No hay ningún otro lugar. Hay mucho alboroto por ahí. Y nosotros dos. Nos quedamos en silencio y observamos. Nos quedamos en silencio y soñamos. Y nuevamente guardamos silencio.

Nunca se sabe lo que pasa por la mente de estas mujeres.
Siempre me ha fascinado la cosmovisión de las mujeres. Este increíble mundo interior que no se puede resolver. Un misterio envuelto en un cuento de hadas. Muchos pensamientos se esconden detrás de una apariencia mágica. La colisión de la belleza interior y exterior. Coquetas natas, siguiendo sus deseos. Autoconfianza inquebrantable. Sentimientos absolutamente abiertos, pasión absolutamente fascinante. Impresionante y simpleza. Ojos despejados y un gran corazón. Maravilloso.

¿Cómo no notar esto? ¡Está todo a la vista! Constantemente. ¡Justo delante de tus narices! ¡Abre ya los ojos! Y mira. Mirar. Una vez que vi todo esto, no pude parar. Y comencé a mirar una y otra vez. Sólo a través de la cámara. Es más confiable.

Como dijo una vez Zhvanetsky: "Necesitas escribir cuando no puedes evitar escribir".
Sigo exactamente el mismo principio en fotografía. No filmo sólo por filmar. Este no es el enfoque correcto. Fundamentalmente no es cierto. Algún tipo de engaño. Primero que nada, tú mismo. Y la fotografía castiga a los engañadores. Ella lo siente. Necesitas ser sincero en tus deseos y en tus acciones. No hay necesidad de hablar si no hay nada que decir. No estaría de más escuchar primero. Y luego piensa un poco más. Y no sólo por lo dicho. Soy demasiado escéptico con esos conversadores. Y desconfío por completo de los que dicen: “¿Por qué callas?” ¿Cómo es ese “algo”? No sé cómo hablar de esto. Y no sé cómo. Por eso estoy en silencio. Estoy escuchando lo que tienes que decir. Es mucho más interesante. Y más educativo. Aunque muy raro.

Sinceramente, no sé cuántos pasos hay que dar para llegar a un buen retrato.
Ángulo, trasfondo, emoción, momento... Hoy en día hay bastante literatura, lecciones, ejemplos de “cómo hacerlo para ser bueno”. Realmente hay muchos de ellos. Es la era digital. Absolutamente cualquier conocimiento se puede obtener en el dominio público. Y aplicarlos. Y consigue algo. De hecho, no hace falta mucho para convertirse en artista. Alguien dijo que para hacer esto necesitas hacer lo mismo que todos los demás o convencer a los demás de que eres un artista a través de tu trabajo. La primera forma es increíblemente sencilla. Y accesible. Todos. El segundo es completamente desconocido. Y adónde conduce, nadie lo sabe. Lotería. ¿Eres suertudo?

El ejemplo más evidente son los artistas de Arbat. ¿Cuántas veces pasé junto a ellos y observé? Todos saben dibujar. Algunas son mejores, otras son un poco peores. Pero todos pueden hacerlo. Tienen formación académica. Colocado a mano. Firme e inquebrantable.

Un verdadero artista debe romper estos cimientos. Le enseñaron, pero está reaprendiendo. Mí mismo. Como él quiera. Y no te preocupes por las reglas. Y luego hay esperanza. Y a veces una obra maestra. Pero eso es más tarde.

No pienso demasiado en nada en mis obras.
Me parece que el arte fue elevado deliberadamente a algún tipo de estatus mágico. Parecería un cuadrado negro. Pues sí, un cuadrado. Y yo dibujaría uno como este. Y luego miras: sí, no es del todo cuadrado. Las proporciones no son geométricamente exactas. Hmm... Y piensas. Lo miras de nuevo. Pero de una forma completamente diferente, no como un cuadrado, sino como un sacramento. ¿Qué escondes ahí? Recuerdas, analizas, comparas... Mira de nuevo. ¡Seguramente! Todo es muy sencillo. Te diré. Por secreto. Oscar Wilde me habló de esto. Más precisamente, no dijo nada, dejó una nota. Y no sólo lo dejé: lo escondí. Y lo encontré. Entonces: "La vida imita al arte en mucha mayor medida que el arte imita a la vida".
Eso es todo.

¿Qué me guía en mi trabajo?
Tengo varios principios a los que me adhiero. ¡Sorprendentemente, la gran Apple también los conoce y los aplica invariablemente! Es cierto, en Cupertino. Y estoy aquí, a tu lado.

Asi que aqui esta:
"Haz lo que amas." Se necesita mucho coraje para seguir adelante pase lo que pase.
"Sacude tu mente". La creatividad es el proceso de juntar cosas. Una amplia gama de experiencias amplía la comprensión de la experiencia humana.
"Di no a mil cosas." La simplicidad es lo más difícil.
¿Conoces personas que siguen su pasión? ¿Tiene pasatiempos e intereses fuera del trabajo? ¿Qué tan alto estableces tu objetivo? Parecen preguntas sencillas, pero dan muchas respuestas.
¡Buena suerte!

¿Cómo se puede distinguir una buena foto de una mala? Tenía la misma pregunta. Y es correcto. Debería ser. El objetivo de la fotografía y de la fotografía misma es encontrar respuestas. ¡Y esto es infinitamente importante! Esta es una de las cosas de la fotografía que amo apasionadamente. Nada en el mundo dará una respuesta más precisa que el propio proceso de búsqueda. La simplicidad es lo más difícil. ¿Recordar? Cuando has analizado mil opciones, tienes mucho a lo que renunciar. Cuando sólo tengas una opción, te apegarás a ella. Pero es poco probable que sea exactamente lo que estabas buscando.

Volvamos a la pregunta. Alexey Brodovich me interrumpe... Bueno, démosle la palabra. "Mira miles de fotografías y guárdalas en tu memoria. Más tarde, si ves algo en el visor que te recuerda las fotografías que viste, no lo hagas".
Gracias.

No soy uno de esos fotógrafos a los que se les ocurre un tema de antemano y luego empiezan a trabajar en él. No. Para mí es al revés: primero trabajo, fotografío. Lo estoy posponiendo. Estoy acumulando. Lo estoy recopilando poco a poco. Y luego me siento y empiezo a pensar en este material. Y todo sale bien por sí solo. Por supuesto, esto no sucede de inmediato. Toma tiempo. Un pensamiento da paso a otro, una afirmación se convierte en otra. Esto es muy importante: la forma en que imaginaste tu trabajo al comienzo de tu viaje debería cambiar drásticamente al final. Obtenga un vector de desarrollo completamente diferente. Al final deberías llegar a un resultado completamente diferente. Inconscientemente. Intuitivamente. Es muy difícil abrirse camino al tacto. Pero esto es lo más intrigante: definitivamente llegarás a algo. Y cómo llegues a esto dependerá en gran medida de lo que hayas visto en el camino. Es como los frascos de conservas de pepinos: nunca se sabe si alguno de ellos explotará.

Me siento muy feliz cuando las chicas vienen de buen o mal humor. En el primer caso, al final del rodaje, todo cambiará radicalmente para ellos, en el segundo, dirán quién les arruinó todo. Esto no significa que quiera arruinar deliberadamente su experiencia. De nada. Para mí es importante analizar todo el espectro de la condición femenina y seleccionar aquel que sea más característico en un caso particular.

Lo más interesante de esto es que no existe ningún esquema. ¡No existe un único patrón perfecto para ninguna chica! Cada niña requiere un enfoque diferente. El truco que te permitió obtener una gran foto la última vez no funcionará esta vez. Necesitamos reinventar las tácticas. Olvídate de todo lo que usaste antes y busca algo nuevo. Sólo allí podrás descubrir algo y no repetirlo. Y esta es la principal tarea del artista.

El apetito viene con la comida.
Esta regla también se aplica a la fotografía. En serio. No se me ocurre nada por adelantado. Exactamente hasta el primer disparo, no sé cómo voy a disparar. Pero tan pronto como se toma el primer cuadro, es importante no reprimir la imaginación y la inspiración. Necesitas seguir tu intuición e instinto. Dispara al tacto, cambia la ubicación (si es posible), sigue tu corazón, él te dirá dónde moverte.

Al mismo tiempo, es importante no volverse esclavo del modelo, porque en ese momento eres como un niño pionero que no sabe adónde ir y un modelo decidido puede tomar tu iniciativa. Toma lo que ella te da, pero procésalo a tu manera. Estudia tu modelo, presta atención a la plasticidad, las emociones y la condición. Y no olvides darle consejos. Dirija sus pensamientos en la dirección que desee.

Sin duda, el artista debería analizarlo todo.
Y esta es una de las cualidades que debes entrenar en ti mismo. Y la mejor parte es que no necesita comprar, pedir prestado, recolectar ni construir nada para hacer esto. Todo lo que tienes que hacer es sentarte y mirar. Y poco a poco se irá revelando aquello que tan obstinadamente pasamos por alto todos los días. Pero hay tanta belleza a nuestro alrededor.

Boudoir es una habitación de una mujer, un armario o dormitorio, en general, algo a lo que no todo el mundo tiene acceso, algo muy íntimo. Fotografía del lado privado e íntimo de la vida. se está convirtiendo ahora en uno de los mercados fotográficos de mayor crecimiento en el segmento de retratos del negocio de la fotografía moderna. La gente quiere mostrar lo que les importa, cómo trabajan, viven y quieren que todo luzca hermoso y elegante. Al mismo tiempo, los días en que las fotografías brillantes y brillantes tomadas en tono alto se están desvaneciendo en un segundo plano. Las mujeres empezaron a comprender cómo eran las fotografías impresas en revistas de moda, publicadas en blogs de moda y en recursos en línea como Pinterest. Si se mantiene al día, ahora debería estar listo para ingresar a este mercado y alejarse gradualmente del brillo.

¿Con qué frecuencia fotografías modelos profesionales? ¿Con qué frecuencia pasan por tu estudio? Así es, no tan a menudo. La mayor parte de nuestros clientes son personas corrientes que quieren tener fotografías profesionales en sus álbumes, pero al mismo tiempo no saben posar delante de una cámara. La tarea del fotógrafo es liberarlos y hacerlos sentir en su lugar. Como hombre de mediana edad, entiendo que este proceso requiere mucho tiempo. Después de 25 años en la industria de la moda, puedo decir honestamente que he visto una gran variedad de tipos de cuerpos y rostros y, lo más importante, de personalidades de las personas.

Y lo primero que hago antes de empezar una sesión de fotos es conocer gente, hablar de mí, mostrar mi trabajo. Al mismo tiempo, trato de parecer lo más torpe e incluso un poco idiota posible. Esto resuelve dos problemas. Los clientes dejan de estar nerviosos, empiezan a comportarse con tranquilidad y, lo más importante, dejan de tener miedo de parecer estúpidos. En algún lugar, a nivel subconsciente, entienden que no existen las personas ideales y que para obtener fotografías de alta calidad solo necesitas relajarte y ser tú mismo. Recuerde esto, su comportamiento ayudará a relajar a su cliente.

Ahora intentemos ver los principales errores al fotografiar cualquier retrato de un "modelo" desprevenido.

En esta foto, el blanco de los ojos se destaca fuertemente y la mano se encuentra algo incómoda. La niña se ve tensa y en estado de malestar. Además, las caderas están demasiado llenas. Personalmente no estoy contento con esta foto.

En el siguiente cuadro, la niña bajó un poco las manos, giró la cabeza y los ojos hacia la cámara, sacó las caderas del cuadro y esto es lo que sucedió. Parecen pequeños cambios, pero cómo la cultura de la fotografía sube y cómo se vuelve más atractiva.

Elige el ángulo correcto, porque puede mejorar tu foto o arruinarla.

Muy a menudo, los clientes intentan levantar más la barbilla para estirar la piel, eliminar la papada y, en general, lucir más impresionante. Pero como suele ocurrir, el resultado es completamente opuesto. En la siguiente foto, la modelo simplemente levantó un poco la barbilla e inmediatamente aparece tensión en su figura y mirada, para el espectador queda absolutamente claro que la niña se siente completamente incómoda en esta posición;

Intentemos bajar un poco la barbilla. Como puedes ver en la siguiente foto, no pasó nada con la belleza de la niña, pero fue este pequeño matiz el que le dio un poco de misterio a la foto e hizo que la modelo pareciera relajada.

Observe la posición de sus manos.

Las manos son otro detalle importante que puede arruinar una foto. El siguiente tiro es bueno hasta que empiezas a mirar las manos. Se colocan como un portero de fútbol antes de ejecutar un penalti. En este caso, la mano de arriba parece más grande que la mano de abajo.

La siguiente foto parece ser mejor. Pero la modelo todavía parece incómoda y antiestética en esta pose. Se siente como si una mano creciera en la dirección equivocada, mientras que la otra sólo estorba y está completamente fuera de lugar.

Cambiemos de posición, liberando la mano cercana colocándola sobre el reposabrazos del sofá, que también ocultará algunos detalles. Y colocaremos el segundero a lo largo del cuerpo, lo que solo enfatizará las suaves líneas de la figura del modelo.

Pensar fuera de la caja.

A veces nos fascina tanto la modelo que tenemos delante que nos olvidamos de todo y pulsamos sin pensar el botón del obturador de la cámara. Pero, ¿qué podría ser más sencillo que ir más allá del pensamiento normal? Sólo mira a tu alrededor. Busque ángulos favorables, utilice los objetos circundantes.

Al realizar la siguiente toma, utilicé una ventana, o mejor dicho, fotografié de pie fuera de la ventana. Sinceramente, me quedé mucho tiempo junto a esta ventana, pensando en cómo podría utilizarla de forma rentable. Quería crear algo inusual. Después de configurar la exposición, “desarrollé” los reflejos en el vidrio y luego emparejé el modelo y los reflejos para crear una imagen impresionante.

Sé que ahora muchos de vosotros estáis pensando: “...todo está bien, pero es fácil enseñar trabajando con un modelo profesional...”. Sí, ella es una modelo real, pero a menudo los modelos no son perfectos cuando los ves por primera vez. Así es exactamente como se ve mi heroína en la vida cotidiana.

Fotógrafo Kevin Focht

Si desde mediados del siglo XVIII los tipos de retratos más comunes fueron los de cámara y semiformales, a partir de la segunda mitad del siglo XVIII se hicieron populares los siguientes tipos de retratos:

· Retrato ceremonial (representativo)

Un tipo de retrato cuyo objetivo principal es glorificar, exaltar y expresar el reconocimiento de los méritos de la persona retratada. Un retrato ceremonial, por regla general, implica mostrar a una persona en pleno crecimiento (a caballo, de pie, sentada) en un interior, paisaje o sobre un fondo de cortinas; Un rasgo distintivo es el énfasis en la posición pública y social del modelo, representado en un entorno oficial, con premios, objetos de actividad profesional o atributos de poder. En Rusia, el retrato ceremonial se generalizó a mediados del siglo XVIII y el primer tercio del siglo XIX.

• · Medio vestido (la persona no fue representada en toda su altura, sino hasta la cintura o hasta las rodillas);
• · Cámara (imagen pop de hombros, hasta el pecho, hasta la cintura máxima, a menudo sobre un fondo neutro);
• · Íntimo (ignorando el fondo, centrándose en el mundo interior de la persona)

Desarrollo del género del retrato. Pasando a la historia inmediata de las bellas artes rusas de la segunda mitad del siglo XVIII, debemos detenernos primero en el nacimiento del llamado retrato íntimo.

Para comprender las características de este último, es importante señalar que todos, incluidos los grandes maestros de la primera mitad del siglo, también trabajaron con retratos ceremoniales.

Los artistas se esforzaron, en primer lugar, por mostrar a un digno representante de la clase predominantemente noble. Por lo tanto, la persona representada fue pintada con ropas ceremoniales, con insignias por servicios al estado y, a menudo, en una pose teatral, revelando la alta posición social de la persona retratada.

El retrato ceremonial estaba dictado a principios de siglo por la atmósfera general de la época y, posteriormente, por los gustos establecidos de los clientes. Sin embargo, muy rápidamente se convirtió, estrictamente hablando, en oficial. El teórico del arte de esa época A.M. Ivanov afirmó: “Los retratos deben parecer como si hablaran de sí mismos y como si anunciaran: “mírame, soy este rey invencible, rodeado de majestad”.

A diferencia del retrato ceremonial, un retrato íntimo buscaba capturar a una persona tal como aparece ante los ojos de un amigo cercano. Además, la tarea del artista era, junto con la apariencia exacta de la persona representada, revelar sus rasgos de carácter y dar una evaluación de su personalidad.

El inicio de un nuevo período en la historia del retrato ruso estuvo marcado por las pinturas de Fyodor Stepanovich Rokotov (n. 1736 - m. 1808 o 1809).

Creatividad F.S. Rokotová. La escasez de información biográfica no nos permite establecer de manera confiable con quién estudió. Hubo largos debates incluso sobre el origen del pintor. El reconocimiento temprano del artista estuvo garantizado por su talento genuino, que se manifestó en los retratos de V.I. Maykov (1765), desconocido vestido de rosa (década de 1770), joven con sombrero de tres picos (década de 1770), V.E. Novosiltseva (1780), P.N. Lanskoi (década de 1780).

El retrato de la desconocida vestida de rosa muestra a una bonita muchacha de rasgos delicados, casi infantiles. La gama pastel de tonos rosados ​​y grises plateados confiere una casta pureza a la imagen. La expresión del rostro de la mujer desconocida es inolvidable: una media sonrisa deslizándose por sus labios, la mirada de sus ojos almendrados y sombreados. Hay credulidad aquí y una especie de reticencia, tal vez un secreto del corazón. El retrato de Rokotov despierta en una persona la necesidad de comunicación espiritual y habla de la fascinación de conocer a las personas que le rodean. Sin embargo, a pesar de todos los méritos artísticos de la pintura de Rokotov, uno no puede dejar de notar que la misteriosa media sonrisa, la mirada enigmática de sus ojos alargados pasan de retrato en retrato, sin revelar, sino solo como si invitaran al espectador a desentrañar la naturaleza. escondido detrás de ellos. Da la impresión de que el autor crea una especie de máscara teatral de un misterioso personaje humano y se la pone a todos los que posan para él.

El mayor desarrollo del retrato íntimo se asoció con el nombre de Dmitry.

Grigorievich Levitsky (1735-1822).

Creatividad D.G. Levitski. Recibió su educación artística inicial estudiando bajo la dirección de su padre, un grabador en Kiev Pechersk Lavra.

Participación en la pintura de la Catedral de San Andrés de Kiev, realizada por A.P. Antropov, le llevó a un aprendizaje posterior de cuatro años con este maestro y a una pasión por el género del retrato. En las primeras pinturas de Levitsky hay una clara conexión con el tradicional retrato ceremonial. Un punto de inflexión en su obra estuvo marcado por una serie de retratos de doncellas nobles encargadas por el Instituto Smolny, compuesta por siete obras de gran formato, realizadas en 1773-1776. La orden implicaba, por supuesto, retratos ceremoniales. Se planeó representar a niñas en toda su altura con trajes de teatro en el contexto de la escenografía de representaciones de aficionados que se realizaban en la pensión. En la temporada de invierno de 1773-1773, los alumnos habían tenido tanto éxito en las artes escénicas que la corte imperial y el cuerpo diplomático estaban presentes en las representaciones).

La clienta era la propia Emperatriz en relación con la próxima primera graduación de la institución educativa. Intentó dejar para la posteridad un recuerdo claro del cumplimiento de su preciado sueño: criar en Rusia una generación de nobles que, no sólo por derecho de nacimiento, sino también por educación e ilustración, se elevarían por encima de las clases bajas.

Sin embargo, cómo el pintor abordó la tarea se revela, por ejemplo, en “Retrato de E.I. Nelidova" (1773). Se cree que la niña está representada en su mejor papel: la doncella Serbina de la dramatización de la ópera.

"La sirvienta-ama" de Giovanni Pergolesi, que hablaba de una doncella inteligente que logró ganarse el afecto de su amo y luego casarse con él. Levantando con gracia su ligero delantal de encaje con los dedos e inclinando la cabeza con picardía, Nelidova se encuentra en la llamada tercera posición, esperando el movimiento de la batuta del director. (Por cierto, la “actriz” de quince años gozó de tal cariño por parte del público que su actuación fue mencionada en los periódicos y se le dedicaron poemas). Se siente que para ella una representación teatral no es un motivo para demostrar los “modales elegantes” inculcados en el internado, sino una oportunidad para revelar el entusiasmo juvenil, limitado por las estrictas reglas cotidianas del Instituto Smolny. La artista transmite en la acción escénica la completa disolución espiritual de Nelidova. Tonos gris verdosos de tono similar, en los que se crea el telón de fondo teatral del paisaje, colores perlados del vestido de la niña.

Todo está subordinado a esta tarea. Levitsky también muestra la espontaneidad de la propia naturaleza de Nelidova. El pintor hizo deliberadamente más apagados los tonos del fondo y al mismo tiempo los hizo brillar en el primer plano, en la ropa de la heroína. La gama se basa en la combinación de tonos gris verdoso y perla, ricos en cualidades decorativas, con el rosa en el color de la cara, el cuello, las manos y las cintas que adornan el traje. Además, en el segundo caso, el artista se adhiere al color local, lo que obliga a recordar el estilo de su maestro Antropov.