Annie luz. Barnett Newman - querido artista abstracto

Barnett Newman es el representante más destacado de la división estadounidense del arte abstracto. Nació en 1905 en Nueva York. Otra ortografía común de su apellido es Newman. En fuentes de habla inglesa se le conoce como Barnett Newman.

¿Cuántas pinturas han sobrevivido?

Por cierto, el artista Barnett Newman destruyó absolutamente todos sus primeros lienzos; fueron tachados cerca de cuarenta años de trabajo y, lamentablemente, no de un solo trazo. Por lo tanto, hoy, hablando de la obra de Newman, los investigadores analizan exclusivamente las pinturas “supervivientes” del período tardío, un total de 120 piezas, que se produjeron en un período de casi veinticinco años.

Etapas de formación

Sus padres eran inmigrantes de Polonia, de origen judío. El joven Barnett Newman estudió pintura en la Art Students League, también conocida como Art Student League. Este período de creatividad se caracteriza por experimentos en el estilo automatismo de Jackson Pollock, luego Barnett Newman se fascina por los gráficos y se lanza de lleno al plano del dibujo con tendencias surrealistas. Es de destacar que al mismo tiempo creó una escuela de arte junto con figuras de la pintura estadounidense del siglo XX como Rothko, Motherwell y Baziotis.

Es hora de abrirse

La primera exposición individual, que presentaba exclusivamente pinturas de Barnett Newman, fue literalmente destruida por los críticos de arte en sus artículos de revisión. El resultado fue una depresión prolongada y una renuencia a mostrar sus obras al público, que el artista pudo afrontar sólo ocho años después, cuando decidió exponer una retrospectiva de sus obras existentes. Además, fue durante este período que Newman destruyó todas sus primeras obras, por lo que podemos decir con seguridad que no sólo era un maestro exigente del pincel, sino también vulnerable.

Las obras más famosas de Barnett Newman son pinturas pintadas entre 1947 y 1970. Se trata de lienzos programáticos, con nombres patéticos, que hablan del mundo sin objetos únicamente con el movimiento del pincel. "Mandamiento", "Unidad", "El abismo de Euclides", "Azul medianoche" y otras obras del artista abstracto forman hoy colecciones privadas, incluida la colección de la familia del artista, y también se exhiben en varios museos del país. Estados Unidos. El Museo de Arte Moderno de Nueva York tiene quizás la colección más completa, que abarca varios períodos de la vida del artista.

Los modales de Newman

Los críticos lo consideran uno de los representantes del americano Un teórico tan destacado como Clement Greenberg le dio a esta pintura la definición de pintura de campo que literalmente se adhirió a ella, lo que muestra claramente la diferencia entre los grandes planos de Rothko y Newman creados de manera lineal. de automatismo y chispeantes con colores vivos. “Field Painting” no insinúa en absoluto paisajes pastorales, pero caracteriza el amor de los dos maestros por los grandes planos horizontales monocromáticos en sus obras. Los investigadores consideraron que este estilo tiene un tono filosófico pronunciado, y los límites de los tonos presentados en el lienzo en realidad no separan nada, lo que significa que se trata de una pintura que proclama uno de los principales principios estadounidenses: la libertad.

Inspiración

Barnett Newman (el artista) se inspiró en valores filosóficos. En 1947, proclamó el alto objetivo de cualquier arte: no ser momentáneo, sino recurrir a conceptos que hicieron época: la vida, la muerte, el hombre y la naturaleza. Los complejos nombres dados a los lienzos enfatizaron la paleta de sentimientos y emociones que el artista intentó transmitir sólo con color en un mundo no objetivo. Desafortunadamente, los críticos de arte pudieron apreciar este enfoque mucho más tarde.

Cómo mirar las pinturas de Newman

Entre los artistas y amantes del arte existe una regla tácita: para tener una impresión general del lienzo, es necesario alejarse de él a una distancia igual a su altura. Un principio similar operó desde la Edad Media hasta el Renacimiento y mucho después, pero Barnett Newman insistió en que sus pinturas debían verse exclusivamente desde una distancia cercana. ¿Qué aporta este enfoque? El efecto de sumergir al espectador en el mundo de los campos coloridos. Más tarde, el maestro neoyorquino incluso empezó a publicar instrucciones sobre cómo mirar sus cuadros directamente en las exposiciones.

Compra cara

Lo que no fue aceptado por sus contemporáneos hasta la última etapa de su obra fue apreciado más tarde y especialmente en nuestro tiempo. Los lienzos del maestro estadounidense del arte abstracto aparecen periódicamente en subastas destacadas, incluida la famosa subasta de Sotheby's. Uno de ellos, que fue subastado recientemente, estaba valorado en 30 millones de dólares.

Y al mismo tiempo, la obra del artista no evoca en todos emociones exclusivamente positivas. Onement VI de Barnett Newman ha sido calificado por algunos como una de las obras de arte más desagradables y sin valor que jamás se haya subastado. El precio de la pintura en la última venta en 2013 en Sotheby's fue de más de 43 millones de dólares. La obra era un lienzo a gran escala lleno de pintura azul con una raya vertical bastante uniforme.

La creación se atribuye a los llamados relámpagos, a diferencia de los “campos” horizontales. Las dimensiones totales de la obra son 2,6 x 3 m.

Barnett Newman dedicó "Anna's Light" a su difunta madre. Estrictamente hablando, se trata de un lienzo horizontal de tamaño impresionante, lleno de pintura rojo carmín. En 2013, la “obra maestra” también fue subastada y se vendió por 106 (!) millones de dólares.

Desde un punto de vista técnico, el lienzo destaca porque Newman tuvo que luchar contra el poder luminífero del rojo, que quita brillo adicional al lienzo imprimado blanco translúcido. Varias capas de pintura roja privaron al color de esta cualidad y lo volvieron “opaco” y “de luto”, como debería ser, en opinión del artista, en esta situación.

Barnett Newman, también Newman (inglés Barnett Newman; 29 de enero de 1905, Nueva York - 4 de julio de 1970, Nueva York): artista estadounidense, destacado representante del expresionismo abstracto.

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA

Newman nació en una familia de inmigrantes judíos de Polonia. Después de estudiar pintura en la Art Students League con Duncan Smith, no pudo dedicarse por completo al arte hasta 1937.

Al principio trabajó de forma automática, creando una serie de dibujos caligráficos-surrealistas en 1944-1945 y fundando una escuela de arte tres años más tarde junto con William Baziotis y Robert Motherwell. En esta época, el artista pintó sus cuadros expresionistas abstractos.

Sólo en 1950 Barnett Newman organizó su primera exposición individual, que fue recibida con duras críticas. Posteriormente, el artista se toma un descanso de 8 años, que dedicó a desarrollar sus habilidades. El resultado fue una retrospectiva de su obra en 1958, que presentó al público. Sus pinturas son en su mayoría superficies monocromáticas, como “cosidas” con líneas de colores que contrastan con el tono principal.

En 1966, Lawrence Alloway organizó una exposición en el Museo Solomon Guggenheim de Nueva York titulada “Vía Crucis”. Ella disipó las últimas dudas incluso entre aquellos artistas que valoraban las cualidades técnicas de Newman (brillo de color, gran formato) más que el verdadero significado metafísico de su obra.

“El taller es un santuario”, declaró el artista.

Las últimas obras de Newman son composiciones en forma de triángulo isósceles. En 1972 se realizaron exposiciones retrospectivas de la obra de Newman en Nueva York, y luego en Londres, Ámsterdam y París. Sus pinturas están representadas en numerosas colecciones públicas y privadas en Nueva York (Museo de Arte Moderno), Los Ángeles (“Onement VI”, 1953, colección Weisman), Basilea (“El día antes del uno”, 1951), Londres (“Adam” , 1951-1952, Gal. Tate), Estocolmo (“Terzia”, 1964, Museo Nacional) y Houston (colección Mennil). en el nacional Museo de Arte Moderno. El Centro Pompidou de París alberga el cuadro “Shining Forth” (1961) y una colección de grabados.

CREACIÓN

Clement Greenberg escribió: “Los límites de los grandes lienzos de Newman desempeñan el mismo papel que las líneas interiores de las formas. Dividen, pero no separan, cierran ni aíslan nada. Ellos ponen límites pero no limitan nada”.

Newman ha sido llamado un ejemplo del alto modernismo, un precursor del minimalismo, un existencialista y un artista espiritual que se inspiró en el misticismo judío. El propio Newman declaró en 1947, cuando alcanzó la mayoría de edad, que cualquier arte digno de ese nombre debe abordar "la vida", el "hombre", la "naturaleza", la "muerte" y la "tragedia". Newman siempre insistió en el rico contenido emocional de su obra, aunque durante su vida su obra provocó malentendidos y acusaciones de “vacío”.

Newman es uno de los principales representantes del arte estadounidense de posguerra. Junto con Rothko y Still, representa una parte de la escuela neoyorquina hostil a la pintura de acción. Hasta 1960 desempeñó un papel bastante modesto. Sin embargo, las formas estrictas y las amplias superficies de Newman tuvieron una influencia particularmente notable en quienes el principal problema eran los campos verticales de color y su disposición en el espacio.

Luego el artista comenzó a trabajar en gran formato y en colores vivos, de modo que los campos verticales de color adquirieron relieve y su extensión en el espacio absorbió por completo la atención del público (“Abraham”, 1949, Nueva York, Museo de Arte Moderno) . Así se rompió el primitivo rectángulo del cuadro. La división vertical inscrita en el rectángulo se convirtió en el siguiente factor entre las partes; confirma el esquema original dentro del plano: cada parte del cuadro está en otra en una relación de analogía formal, así como el cuadro completo está relacionado con la pared (“¿Quién tiene miedo al rojo, al amarillo, al azul?”, 1966- 1967, Ámsterdam, Museo de la Ciudad).

Pero esta dirección no puede considerarse desde un punto de vista puramente formal. El propio artista considera sus obras casi simbólicas. Como otros maestros de esa generación, los títulos de sus pinturas son a menudo metafóricos y polisemánticos, al mismo tiempo intelectuales y poéticos.

SERIE “ONEMENTO”

“Onement” (seis pinturas llevan este título) refleja armonía, totalidad, plenitud. El biógrafo del artista Thomas Hess señala que la palabra "onement" no existe en inglés; proviene de "atonement", que significa "redención".

La serie “Onement” es uno de los proyectos fundamentales de la obra de Newman. Los lienzos de esta serie, sin entrar en detalles, demuestran el método creativo característico del artista: un fondo multicolor o de textura uniforme con rayas verticales. El propio artista los llamó relámpagos (zip). Dijo que este término era más apropiado: asociado con el movimiento y lo incompleto. Newman consideró charlatánica la frase “trabajo terminado”. “Onement1” (1948) es el primer cuadro en el que se expresa claramente la dirección de la búsqueda: una gran cinta naranja que corre descentrada del cuadro crea el efecto de dinamismo constante.

Además, el artista también trabajó en escultura, principalmente en acero (“Aquí 1”, 1962; “Aquí II”, 1965; “Aquí III”, ibíd.; “Broken Obelisk”, 1963-1967; “ZimZum”, 1962 ), sobre la maqueta de la sinagoga (1963) y litografías (“Cantos”, 1963-1964, París, Museo Nacional de Arte Moderno. Centro Pompidou). La obra de este artista original, que en ocasiones alcanzó verdadera profundidad y rara vez cayó en la superficialidad y la pomposidad, permanecerá en la memoria durante mucho tiempo.

Artista, escultor, filósofo y ensayista estadounidense. Barnett Newman (1905-1970) pensé que “la creatividad no es sólo el estado más elevado, sino también el primario de la conciencia humana”.

Pero para demostrarlo al mundo, el representante del expresionismo abstracto tuvo que soportar una avalancha de descontento y malentendidos por parte de los críticos, destruir sus obras creadas durante 40 años, tomarse un descanso de ocho años, y solo después de todo lo que había experimentado, convertirse en un ejemplo del alto modernismo.

Ahora hablemos de todo en orden.

Nueva York, Estados Unidos. 29 de enero de 1905 El futuro artista Barnett Newman nació en una familia de emigrantes judíos de Polonia. El interés del niño por la pintura se desarrolló cuando aún estaba en la escuela. Poco a poco, esto se convirtió en el trabajo de toda su vida, y el título filosófico recibido solo intensificó el deseo de demostrarle al mundo que "¡El primer hombre fue un artista!", porque “Adán, después de haber comido del Árbol del Conocimiento, buscó obtener una vida creativa para ser como Dios, el “creador de mundos”..

Las primeras obras del pintor son asociaciones libres, sueños o, en otras palabras, una especie de automatismo. Al estilo de Jackson Pollock, Newman creó en 1944-1945 una serie de dibujos caligráficos-surrealistas Sin título, La bendición.

Las pinturas, presentadas en una exposición personal en 1950, se distinguen por el uso de alusiones y una combinación paradójica de formas. Significar mucho o no significar nada es el principio del surrealismo, razón por la cual cada uno entiende al primer Newman a su manera. El propio artista afirmó que sus obras son ricas en contenido emocional. Se fijó un objetivo elevado: recurrir a conceptos que marcaron época: el hombre, la naturaleza, la vida, la muerte.

Los títulos de las pinturas de Newman están diseñados para evocar esos sentimientos y emociones que el autor transmite solo con color en un mundo no objetivo. Lamentablemente, los críticos acusaron su obra de estar vacía. A su vez, las críticas poco halagadoras obligaron a Newman a abandonar el ámbito del arte por un tiempo, pero resultó que no se fue, sino que se escondió. Una pausa de ocho años llevó al artista al expresionismo abstracto.

El punto de partida de una nueva ronda de creatividad expresionista fue una retrospectiva de sus obras. Las obras de Barnett Newman, presentadas al público en 1858, fueron ejecutadas de una manera completamente nueva. Sus lienzos adquirieron mayor formato y se realizaron en colores vivos. Aparecieron con la llamada "cremallera" o raya vertical: la tarjeta de presentación de Newman.

La serie Onement (“Redención”), compuesta por seis pinturas, refleja la armonía y plenitud de la vida. El artista se inspiró en valores filosóficos, por lo que todas las obras pueden considerarse simbólicas y sus nombres son metafóricos. Los límites tonales en ellos en realidad no separan nada, sino que proclaman uno de los principales principios estadounidenses: la libertad. El crítico de arte estadounidense Clement Greenberg escribió:

“Los límites de los grandes lienzos de Newman juegan el mismo papel que las líneas internas de las formas. Dividen, pero no separan, cierran ni aíslan nada. Ellos ponen límites, pero no limitan nada."

Además de pintar, Newman también trabajó en escultura. El Obelisco Roto impresiona por su monumentalidad. Se trata de un obelisco invertido que parece flotar en el aire. Las pirámides y los obeliscos han sido considerados durante mucho tiempo un símbolo de la muerte, pero el artista reinterpreta este concepto, convirtiendo la muerte en vida sin fin.

Mientras creaba pinturas abstractas, Barnett Newman creó sus propias instrucciones para comprender su trabajo. Insistió en que sus lienzos, contrariamente al principio vigente, deben verse no desde una distancia igual a la altura del lienzo, sino ubicados exclusivamente cerca de él. Esto crea el efecto de inmersión en el mundo de los campos coloridos.

Un poco más tarde, el gran representante del expresionismo abstracto comenzó a colocar carteles con instrucciones directamente en las exposiciones, creyendo que cerca de su obra podrían apelar a la autoconciencia de una persona.

1. Pablo Picasso. Sueño: 155 millones de dólares

El maestro pintó esta obra en 1932 en su castillo de Boisgeloup, situado a 63 km de París. Para él posó Maria-Thérèse Walter, que en aquel momento era su única modelo, heroína y musa. "El Sueño" fue creado durante el llamado "período del surrealismo", uno de los períodos más difíciles y desiguales de la obra de Picasso. El lienzo de tamaño mediano (130 x 97 cm) se puso a la venta por primera vez en la subasta de Christie's el 11 de septiembre de 1997 y se vendió por 48,4 millones de dólares. Nueve años después, la pintura reapareció en el mercado del arte, pero con un valor de 139 dólares. millones Sin embargo, justo antes de la venta, ocurrió un incidente imprevisto: el día antes del cambio por la cantidad ya acordada, de espaldas al cuadro, estaba contando a sus invitados sobre la vida del artista, tan entusiasmado. Con su historia y tan cargada de emociones que gesticulaba todo el tiempo en otro impulso, Steve Wynn inesperadamente golpeó la pintura con su codo derecho y la rompió. Naturalmente, el trato se canceló y la pintura fue enviada a restauración. En marzo de 2013 se supo que el anterior contendiente por el cuadro era Steven Cohen, el mismo que “dañado” “el cuadro se negó a comprarlo, volvió a manifestar su deseo de comprar la obra maestra restaurada”. y el "Sueño" de Picasso se vendió por la cifra récord de 155 millones de dólares para este pintor (Stephen Cohen expresó la opinión de que después de la restauración la pintura mejoró y él mismo añadió 16 millones de dólares). Nadie ha comprado jamás algo más caro que Picasso.

2. Francisco Bacon. Tres estudios de un retrato de Lucian Freud: 142,4 millones de dólares

Esta obra fue pintada por el artista en 1969 en el Royal College of Art de Londres. Representa a otro pintor británico y amigo cercano de Bacon en ese momento, Lucian Freud. Cada parte del tríptico tiene el mismo tamaño 198x147,5 cm. Se mostró por primera vez en una exposición en Turín, en la Galleria d'Arte Galatea. A mediados de los años 70 del siglo pasado, tres partes del tríptico, después de una exposición en el Grand Palais, tomaron diferentes direcciones: Roma, París y Japón, y sólo a finales de los 80, gracias a los esfuerzos de un coleccionista italiano de Roma, Francesco de Simone Niques, se reunieron nuevamente y se exhibieron en 1999 en el Centro Americano de Arte Británico de Yale. El 12 de noviembre de 2013, en 6 minutos, el tríptico se vendió en Christie's por un precio récord en subastas públicas: 142,4 millones de dólares. Inicialmente no se informó el nombre del comprador, pero después de un tiempo se supo, al contrario de lo que se decía. Presuntos rumores de que la obra del artista inglés fue comprada por la hermana del emir de Qatar Al-Mayassa bint Hamad bin Khalifa al-Tan y, de hecho, el feliz propietario del tríptico de Francis Bacon “Tres estudios para un retrato de Lucian Freud”. ” era Elaine Wynne, de 70 años, ex esposa del magnate estadounidense Steve Wynn, el mismo que le dio un codazo a Picasso.

3. Barnett Newman. La luz de Anna: 106 millones de dólares

Barnett Newman tiene sólo nueve ventas públicas (a diferencia de Picasso, que ya tuvo 359), lo que no impide que este estadounidense esté en la élite de los artistas más caros. En realidad, Barnett Newman no tiene muchas obras a la venta: sólo 120, ya que él personalmente destruyó todas sus primeras obras en 1940. El cuadro “La luz de Anna”, pintado por Newman en 1968 y nombrado en memoria de su madre, fallecida en 1965, es el más grande de todo el patrimonio creativo del artista. Sus dimensiones son realmente impresionantes: 610,5 x 275 cm. Para Newman esto era muy importante y concedía especial importancia al tamaño como componente principal de la experiencia visual. Y, por supuesto, no debemos olvidarnos de la variedad de color rojo, que el artista enrolló en varias capas para lograr la saturación deseada y hacerlo físicamente tangible para el espectador, dominándolo. El artista se encontró con un hombre con una ola de color indivisible que, en su opinión, debería haberse convertido en el comienzo constructivo de un mundo nuevo, porque, en palabras del propio Newman, “el hombre es una criatura trágica, y la esencia de esta la tragedia radica en el problema metafísico de la parte y el todo”.

4. Andy Warhol. Accidente de coche plateado (doble accidente): 105,4 millones de dólares

Esta obra del rey del pop art, fechada en 1963, es un lienzo de 250x400 cm sobre el que se transfirió y reprodujo mediante serigrafía (la técnica favorita de Warhol) una fotografía extraída de un periódico de un coche chocando contra un árbol. Para esta obra, Warhol utilizó pintura reflectante plateada. Esta es una de las cuatro obras en dos partes de Warhol de 1963 que representan accidentes automovilísticos, donde la mitad representa un accidente de tráfico y la otra es una superficie plateada monocromática. Las tres obras restantes de la serie, bajo el título general “Muerte y desastre”, se conservan en colecciones de museos de Estados Unidos, Suiza y Austria. En mi opinión, a Warhol se le ocurrió una excelente metáfora de la vida y la muerte, cuando la tragedia linda con un vacío que lo abarca todo. El cuadro ya ha pasado por las colecciones de Gunter Sachs, Charles Saatchi y Thomas Ammann, lo que no hace más que aumentar su peso de coleccionista y aumentar su precio.

5. Jeff Koons. Perro globo: 58,4 millones de dólares

Heredero de Duchamp y destacado representante del simulacionismo en el arte contemporáneo, Jeff Koons creó en los años 90 toda una serie de esculturas que imitaban juguetes hechos con globos alargados. Se eligieron cinco ejemplares de perros. Todos ellos están hechos de acero brillante y pulido a espejo y se diferencian entre sí sólo por el color. Además del “Balloon Dog” naranja que se vendió por 58,4 millones de dólares, también hay modelos morados, rojos, amarillos y azules. La altura de los perros gigantes alcanza los tres metros y cada uno pesa una tonelada. Las esculturas de esta serie están incluidas en las colecciones de los famosos coleccionistas Steven Cohen, Eli Broad y Francois Pinault. Después de la venta en 2013, Jeff Koons adquirió el estatus de artista vivo más caro.

6. Jackson Pollock. Número 19: 58,4 millones de dólares

Jackson Pollock, que trabajó con la técnica del goteo que inventó, creó el "Número 19" en 1948, cuando el expresionismo abstracto apenas estaba surgiendo en Estados Unidos. Debe entenderse que el expresionismo abstracto no fue un movimiento único con sus propias características estilísticas, sino más bien un punto de vista general sobre la naturaleza misma del arte: una expresión espontánea del mundo interior, asociaciones subjetivas del subconsciente en formas abstractas no organizadas por pensamiento lógico. Y en este sentido, Pollock es el predicador más influyente de este movimiento y un clásico absoluto. Su “pintura de acción” dio un poderoso impulso al nuevo arte emergente. Con un tamaño pequeño (78,4 x 57,4 cm), el cuadro "Número 19" de Jackson Pollock fue pintado durante el período más productivo de la vida del maestro, poco antes de su primera exposición individual en la Galería Betty Parsons, que se convirtió en una sensación y fue un éxito financiero. éxito. Como puede verse ahora, este éxito acompaña el trabajo de Pollock hasta el día de hoy.

7. Andy Warhol. Coca-Cola (3): 57,3 millones de dólares

Una vez más en la lista está el hombre que inventó la bola de espejos de discoteca: Andy Warhol. Esta vez con la imagen original en blanco y negro de una botella de Coca-Cola de tamaño natural (176,2 x 137,2 cm), creada en 1962. Se cree que fue con esta obra que comenzó la marcha del arte pop por todo el planeta. Mucha gente dice que Warhol creó un “retrato de una generación” eligiendo un símbolo universal para representarla en el lienzo. El propio maestro explica su elección de la siguiente manera: “Lo que hace grande a Estados Unidos es que los más ricos compran exactamente los mismos bienes que los más pobres. Ya sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor está encantada con la Coca-Cola y tú, imagínate, ¡tú también puedes beber Coca-Cola! Coca-Cola es siempre la misma Coca-Cola, no importa cuánto dinero pagues." Para ser justos, Andy Warhol no fue el primer artista que se inspiró en una botella de Coca-Cola. Se sabe que Salvador Dalí y Marisol Escobar también sentían ternura por ella, pero fue Warhol quien logró crear a partir de ella la obra maestra final.

8. Roy Lichtenstein. Mujer con sombrero y flores: 56,1 millones de dólares

Esta famosa pequeña obra de arte pop (127x101,6 cm) está basada en la pintura homónima de 1940 de Pablo Picasso. Según Lichtenstein, el maestro español se convirtió en vida en un objeto de la cultura pop y, por tanto, ahora debería pertenecer a todos. Picasso, por cierto, no fue el único artista a quien Lichtenstein “tradujo” de esta manera al lenguaje simplificado de la cultura pop. También estaban Monet, Matisse, Léger, Mondrian. Pero si la idea principal del arte pop era la transformación de bienes en arte, entonces toda la ironía aquí estaba en el movimiento opuesto. Así, Roy Lichtenstein, que recibió una educación clásica en el campo de las bellas artes, "se deshizo" de la influencia de sus venerables predecesores, bajo los cuales cayó en su juventud, transfiriendo irónicamente sus obras al registro de la conciencia de masas estereotipada con la ayuda de colores llamativos, imitación de impresión industrial y estética de cómic. Pero resultó que las obras maestras convertidas en “falsas” por la mano de Lichtenstein ahora regresan a nosotros como nuevas obras maestras.

9. Alberto Giacometti. Big Thin Head (Big Head Diego) – 50 millones de dólares

La escultura de Alberto Giacometti, creada en 1955, es un busto de 65 centímetros de altura del hermano menor del escultor, que fue su modelo favorito durante toda su vida. Fundido en bronce, estaba destinado a ser instalado en una plaza callejera de Nueva York, pero nunca llegó allí. Junto con su legendario Walking Man, esta escultura también se considera icónica de la obra de Giacometti. “El cabezón de Diego” es una de las obras más radicales y emotivas del autor. Su técnica única crea la impresión de lo incompleto y simboliza la imperfección del mundo, y la vulnerabilidad, fragilidad e indefensión del hombre en las imágenes del maestro encarnan las ideas del existencialismo: el medio ambiente, como el ácido, corroe y deforma la superficie del cuerpo, obligando a una persona a vivir con valentía su vida en perpetuo movimiento y una eterna búsqueda de un destino mejor. Lamentablemente, el trabajo sobre El Cabezón de Diego quedó en suspenso debido a la muerte del autor. De hecho, este es uno de los últimos trabajos de Giacometti.

10. Jean-Michel Basquiat. Cabezas de niebla: 48,8 millones de dólares

Se diga lo que se diga, el neoexpresionista Jean-Michel Basquiat, el cantante del underground neoyorquino de la primera mitad de los años 80, que nos abrió el mundo del graffiti y murió a los 27 años por una sobredosis de heroína, es influenciado por su brillante y corta historia de vida. El artista finalmente ha sido “probado” y ahora está a la par de Warhol y Pollock, dos colosos del arte americano del siglo XX. Esto lo confirman elocuentemente las ventas en subasta. El máximo anterior para la venta de pinturas de este artista se registró en 28,97 millones de dólares. Ahora ya se ha superado y, a juzgar por los expertos, este no es el límite: el precio sólo aumentará. El cuadro “Cabezas nubladas” (182,8 x 213,3 cm) es la primera obra del artista, pintada en 1982, justo en el momento en que estaba fascinado por las máscaras rituales, los esqueletos y los temas haitianos, y cuando conoció a Andy Warhol, con quien, Por cierto, posteriormente creó varias obras conjuntas.