แนวดนตรีหลัก การประพันธ์ดนตรี

ในความหมายกว้างๆ งานดนตรีคือผลงาน (เครื่องดนตรีหรือเสียงร้อง) ที่เป็นผลมาจากกิจกรรมของนักแต่งเพลง โดดเด่นด้วยความสมบูรณ์ภายใน การแยกรูปแบบและเนื้อหาเป็นรายบุคคล และการยึดโน้ตดนตรีเพื่อจุดประสงค์ในการแสดงครั้งต่อไป

อาจเป็นเสียงเดียว (ทำนองและดนตรีประกอบ) หรือหลายเสียง (โพลีโฟนี, โฮโมโฟนี) อาจเป็นตัวเลขอิสระหรือเป็นส่วนหนึ่งของภาพยนตร์แอ็คชั่นหรือดราม่าก็ได้ ความแปลกประหลาดและเอกลักษณ์ของการสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงแต่ละคนนั้นเกิดขึ้นได้ด้วยวิธีการแสดงออกหลายอย่าง เช่น ความสามัคคี จังหวะ ความสามัคคี มิเตอร์ ไดนามิก จังหวะ ทำนอง

แนวคิดของ "แนวดนตรี" ใช้เพื่อกำหนดลักษณะของงานต่างๆ ขึ้นอยู่กับต้นกำเนิดและวิธีการแสดง

ตั้งแต่สมัยโบราณ เพลงต่างๆ (การเต้นรำ พิธีกรรม การใช้แรงงาน ฯลฯ) ได้ติดตามชีวิตของผู้คนและเป็นแรงบันดาลใจให้ทหารไปสู่ชัยชนะ นี่คือจำนวนแนวเสียงที่ปรากฏ คุณลักษณะที่เป็นลักษณะเฉพาะของเพลงคือการทำซ้ำเพลงซ้ำ ๆ ซึ่งเป็นทำนองหลัก

โรมานซ์เป็นแนวเพลงร้องที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 19 เป็นผลงานสำหรับนักร้องที่มีเครื่องดนตรีประกอบ

งานร้องเพลงประสานเสียงต่างจากงานโรแมนติกตรงที่จะแสดงโดยกลุ่มนักร้องขนาดใหญ่ที่ร้องคลอหรือแคปเปลลา (ไม่มีดนตรีประกอบ)

แคนทาทาเป็นเพลงที่ค่อนข้างใหญ่โตซึ่งมีไว้สำหรับนักร้อง - นักร้องเดี่ยว (หรือคณะนักร้องประสานเสียง) และวงออเคสตรา เป็นเวลานานที่ผลงานประเภทนี้เขียนขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่วันสำคัญและมีลักษณะเคร่งขรึม อย่างไรก็ตาม ยังมีบทร้องที่เป็นโคลงสั้น ๆ และเล่าเรื่องด้วย

oratorio เป็นการประพันธ์ดนตรีและละครขนาดใหญ่ ไม่เกี่ยวข้องกับการแสดงบนเวที และตั้งใจให้คณะนักร้องประสานเสียง นักร้องเดี่ยว และวงออเคสตราเป็นผู้แสดง

โอเปร่าเป็นองค์ประกอบทางดนตรีและละครที่ผสมผสานการแสดงละครและดนตรีเข้าด้วยกัน คุณสมบัติหลักของประเภทนี้คือตัวละครจะถูกแทนที่ด้วยการร้องเพลง

แนวเพลงบรรเลงเกิดขึ้นช้ากว่าแนวร้อง พวกเขามีคุณค่าทางปฏิบัติ ดนตรีบรรเลงประกอบขบวนพาเหรด การเดินขบวน ขบวนแห่ทางศาสนา และงานเต้นรำในเมือง ในศตวรรษที่ 17 แนวเพลงใหม่ๆ ปรากฏขึ้นในความหมายและเนื้อหาที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น

โซนาตาเป็นเครื่องดนตรีที่มักประกอบด้วยจังหวะที่ตัดกันสามจังหวะ (เร็ว-ช้า-เร็ว) หลังจากนั้นไม่นานผลงานสี่ส่วนของประเภทนี้ก็ปรากฏในผลงานของ L. Beethoven

ซิมโฟนีคือการประพันธ์ดนตรีที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อแสดงโดยวงดุริยางค์ซิมโฟนีทั้งหมด เช่นเดียวกับโซนาตา งานในเวอร์ชันคลาสสิกประกอบด้วยสามส่วน โดดเด่นด้วยปริมาณที่มาก เนื้อหาที่หลากหลาย และภาษาไพเราะที่เข้าถึงได้

คอนเสิร์ตเป็นงานดนตรีที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อแสดงโดยวงออเคสตราและเครื่องดนตรีเดี่ยว ส่วนใหญ่แล้วผลงานประเภทนี้จะเขียนในรูปแบบสามส่วนแบบวนรอบ แต่บางครั้งก็สามารถพบคอนเสิร์ตแบบส่วนเดียวได้เช่นกัน

แบบฟอร์มดนตรี

แนวคิดนี้แสดงถึงความสัมพันธ์ของส่วนต่างๆ ในงาน ดังนั้นรูปแบบสองส่วนจึงประกอบด้วยสองส่วนซึ่งมักจะขัดแย้งกันในธรรมชาติ สามส่วน - ของสามส่วน โดยส่วนที่หนึ่งและสามมีความคล้ายคลึงกันในภาษาและอารมณ์อันไพเราะ และส่วนตรงกลางนั้นตัดกันเมื่อสัมพันธ์กับพวกเขา รูปแบบต่างๆ เป็นการทำซ้ำแรงจูงใจหลัก (ธีม) ที่ได้รับการแก้ไข

มีรูปแบบดนตรีอื่นๆ เช่น rondo (ธีมจะทำซ้ำเป็นระยะๆ ไม่มีการเปลี่ยนแปลง), cyclic (ประกอบด้วยหลายท่อนอิสระที่รวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยแนวคิดเดียว) และฟรี (พบได้ในดนตรีสมัยใหม่)

โพสต์ของวันนี้เน้นไปที่หัวข้อ - แนวดนตรีหลัก ขั้นแรก มากำหนดสิ่งที่เราพิจารณาว่าเป็นแนวดนตรี หลังจากนี้ แนวเพลงที่แท้จริงจะถูกตั้งชื่อ และในตอนท้าย คุณจะได้เรียนรู้ที่จะไม่สับสนระหว่าง "แนวเพลง" กับปรากฏการณ์อื่น ๆ ในดนตรี

ดังนั้นคำว่า "ประเภท"มีต้นกำเนิดจากภาษาฝรั่งเศสและมักแปลจากภาษานี้ว่า "สายพันธุ์" หรือสกุล เพราะฉะนั้น, แนวดนตรี- นี่คือประเภทหรือประเภทผลงานดนตรีถ้าคุณต้องการ แค่.

แนวดนตรีแตกต่างกันอย่างไร?

ประเภทหนึ่งแตกต่างจากประเภทอื่นอย่างไร แน่นอนว่าไม่ใช่แค่ชื่อเท่านั้น จำพารามิเตอร์หลักสี่ประการที่ช่วยให้คุณระบุประเภทใดประเภทหนึ่งและไม่สับสนกับองค์ประกอบประเภทอื่นที่คล้ายคลึงกัน นี้:

1. ประเภทของเนื้อหาทางศิลปะและดนตรี
2. คุณสมบัติโวหารของประเภทนี้
3. วัตถุประสงค์สำคัญของงานประเภทนี้และบทบาทที่พวกเขาเล่นในสังคม
4. เงื่อนไขที่สามารถแสดงและฟัง (ดู) ผลงานดนตรีประเภทใดประเภทหนึ่งได้

ทั้งหมดนี้หมายความว่าอย่างไร? ตัวอย่างเช่น เรามาดูตัวอย่างประเภทเพลงอย่าง "เพลงวอลทซ์" กัน เพลงวอลทซ์เป็นการเต้นรำและนั่นก็บอกอะไรได้หลายอย่างแล้ว เนื่องจากนี่คือการเต้นรำ หมายความว่าเพลงวอลทซ์ไม่ได้เล่นทุกครั้ง แต่จะต้องเต้นเมื่อคุณต้องการเต้นเท่านั้น (นี่เป็นคำถามเกี่ยวกับเงื่อนไขในการแสดง) ทำไมพวกเขาถึงเต้นรำเพลงวอลทซ์? บางครั้งเพื่อความสนุกสนาน บางครั้งเพียงเพลิดเพลินไปกับความงามของความเป็นพลาสติก บางครั้งเพราะว่าการเต้นรำวอลทซ์เป็นประเพณีวันหยุด (ซึ่งเกี่ยวข้องกับวิทยานิพนธ์เกี่ยวกับจุดประสงค์ของชีวิต) เพลงวอลทซ์ในฐานะการเต้นรำมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการหมุนวนเบาดังนั้นในดนตรีของมันจึงมีการหมุนวนที่ไพเราะเหมือนกันและมีจังหวะสามจังหวะที่สง่างามซึ่งจังหวะแรกนั้นแข็งแกร่งเหมือนการผลักและทั้งสองก็อ่อนแอกำลังบิน (สิ่งนี้ เกี่ยวข้องกับช่วงเวลาโวหารและสาระสำคัญ )

แนวเพลงหลัก

ทุกสิ่งที่มีการประชุมใหญ่สามารถแบ่งออกเป็นสี่ประเภท: ละคร คอนเสิร์ต มวลชนในชีวิตประจำวัน และพิธีกรรมลัทธิ มาดูแต่ละหมวดหมู่แยกกันและแสดงรายการแนวดนตรีหลักที่รวมอยู่ในนั้น

1. ประเภทละคร (สิ่งสำคัญที่นี่คือโอเปร่าและบัลเล่ต์ นอกจากนี้ยังมีการแสดงโอเปร่า ละครเพลง ละครเพลง เพลงและละครเพลงตลก ละครเพลง ฯลฯ บนเวที)
2. ประเภทของคอนเสิร์ต (ได้แก่ ซิมโฟนี, โซนาตา, ออราทอรีโอ, แคนทาทาส, ทริโอ, ควอร์เตตและควินเตต, ห้องสวีท, คอนแชร์โต ฯลฯ)
3. ประเภทมวลชน (ในที่นี้เราจะพูดถึงเพลง การเต้นรำ และการเดินขบวนเป็นหลัก)
4. ประเภทพิธีกรรมทางศาสนา (ประเภทที่เกี่ยวข้องกับพิธีกรรมทางศาสนาหรือวันหยุด - ตัวอย่างเช่น เพลง Maslenitsa การคร่ำครวญในงานแต่งงานและงานศพ คาถา เสียงกริ่ง ฯลฯ)

เราได้ตั้งชื่อแนวดนตรีหลักๆ เกือบทั้งหมดแล้ว (โอเปร่า, บัลเล่ต์, ออราโตริโอ, แคนทาทา, ซิมโฟนี, คอนเสิร์ต, โซนาต้า - แนวเหล่านี้ใหญ่ที่สุด) พวกมันเป็นประเภทหลักจริงๆ ดังนั้นจึงไม่น่าแปลกใจที่แต่ละประเภทเหล่านี้จะมีหลายประเภท

และอีกอย่างหนึ่ง... เราต้องไม่ลืมว่าการแบ่งประเภทระหว่างสี่คลาสนี้เป็นไปตามอำเภอใจมาก มันเกิดขึ้นที่ประเภทต่างๆ ย้ายจากหมวดหมู่หนึ่งไปอีกหมวดหมู่หนึ่ง ตัวอย่างเช่น สิ่งนี้เกิดขึ้นเมื่อผู้แต่งสร้างของจริงขึ้นใหม่บนเวทีโอเปร่า (เช่นในโอเปร่า "The Snow Maiden" ของริมสกี-คอร์ซาคอฟ) หรือในคอนเสิร์ตบางประเภท - ตัวอย่างเช่นในตอนจบของซิมโฟนีที่ 4 ของไชคอฟสกี มีการอ้างอิงถึงเพลงพื้นบ้านที่มีชื่อเสียง ดูด้วยตัวคุณเอง! หากคุณรู้ว่าเพลงนี้คืออะไร เขียนชื่อมันลงในความคิดเห็น!

พี.ไอ. Tchaikovsky Symphony No. 4 – ตอนจบ

ลักษณะทั่วไปที่สุดของแนวเพลงที่กล่าวถึงเนื้อหาโดยตรงนั้นมีอยู่ในชื่อแล้ว: เพลงแนวโคลงสั้น ๆ ดราม่า และมหากาพย์ รวมถึงโปรแกรมเพลงด้วย

สำหรับลักษณะเฉพาะของประเภทที่เฉพาะเจาะจงมากขึ้น ชื่อพิเศษจำนวนมากได้รับการพัฒนาในอดีต โซนาต้า, ซิมโฟนี, ทาบทาม, ชุด, คอนแชร์โต, บทกวี, แฟนตาซี, เพลงบัลลาด - ทั้งหมดนี้เป็นชื่อประเภทของผลงานขนาดใหญ่ไม่มากก็น้อย

Opera, Cantata, Oratorio, Symphony - ในที่นี้เราหมายถึงไม่เพียงแต่การแสดงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงแก่นแท้ของแนวเพลงเหล่านี้ด้วย

ลักษณะประเภทที่เฉพาะเจาะจงมากขึ้นจะได้รับจากชื่อคู่ ตัวอย่างเช่น โคลงสั้น ๆ-จิตวิทยา มหากาพย์ โอเปร่า หรือซิมโฟนี โซนาตาอภิบาลหรือบทกวีละคร

มีชื่อประเภทมากมายสำหรับงานที่มีขนาดเล็กกว่า ตัวอย่างเช่น เพลงที่ไม่มีคำพูดของ Mendelssohn; โหมโรง, etudes, nocturnes, เพลงบัลลาดโดยโชแปง; แรปโซดีส์ โดย Liszt; ภาพวาด etudes โดย Rachmaninov เทพนิยายโดย Medtner และ Prokofiev

ชื่อเหล่านี้บางชื่อมีลักษณะทั่วไป ในขณะที่บางชื่อมีประเภทเฉพาะเจาะจงมากกว่า ตัวอย่างเช่น ห้องสวีทภาษาฝรั่งเศสและอังกฤษของ Bach, “Norwegian Dances” โดย Grieg, “Italian Capriccio” โดย Tchaikovsky, “Aragonese Jota” โดย Glinka

ในงานแนวโรแมนติกก็มีหลากหลาย ซอฟต์แวร์ชื่อที่มีลักษณะประเภทที่เป็นเอกเทศมากขึ้น การเขียนโปรแกรมเป็นคุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของยุคโรแมนติก ความน่าดึงดูดใจในการเขียนโปรแกรมมีสาเหตุมาจากความปรารถนาของนักประพันธ์โรแมนติกที่จะแสดงความคิด รูปภาพ ลักษณะเฉพาะในภาษาดนตรีโดยตรง และนำดนตรีให้เข้าใกล้ศิลปะ วรรณกรรม และภาพวาดอื่นๆ มากขึ้น ความซับซ้อนของปรากฏการณ์ที่สะท้อน ความแปลกใหม่ของวิธีการและรูปแบบ - ทั้งหมดนี้จำเป็นต้องมีคำแนะนำของผู้เขียนที่จะดึงดูดความสนใจและช่วยให้เข้าใจความหมายของงานได้อย่างถูกต้อง นักประพันธ์เพลงได้รวบรวมความปรารถนาร่วมกันนี้ในรูปแบบต่างๆ Berlioz เองก็เขียนโปรแกรมมากมายสำหรับซิมโฟนีของเขาเหมือนกับบทโอเปร่า ผลงานของ Liszt ได้รับแรงบันดาลใจจากภาพวรรณกรรมโลกและใช้ชื่อของพวกเขา ตัวอย่างเช่นซิมโฟนี "Faust" (แต่ละส่วนมีชื่อ: "Faust", "Gretchen", "หัวหน้าปีศาจ"), "Dante" ที่สร้างจาก "Divine Comedy" ของ Dante; บทกวีไพเราะ "Orpheus" - ตำนานโบราณ "Hamlet" ตามเช็คสเปียร์ "Battle of the Huns" ตามจิตรกรรมฝาผนังโดยศิลปินชาวเยอรมัน Katzlbach ชูมันน์มาพร้อมกับลักษณะของชื่อเรื่องของบทละครที่กำหนด โดยระบุเนื้อหาเฉพาะ หรือแสดงความคิดหรือเจตนาเชิงกวีทั่วไปในชื่อเรื่อง ตัวอย่างเช่น เปียโนวน "ผีเสื้อ", "ดอกไม้" และบางครั้ง เขาให้รายละเอียดการเล่นในแต่ละรอบโดยระบุชื่อเป็นรายบุคคลโดยให้รายละเอียดเกี่ยวกับเนื้อหา สิ่งนี้ใช้กับภาพย่อ "Pierrot", "การประชุมที่น่ารื่นรมย์", "คำสารภาพอันอ่อนโยน", "Coquette" ฯลฯ ที่รวมอยู่ในวงจรเปียโน "Carnival"

ในเพลงที่ไม่ได้ตั้งโปรแกรม ชื่อของแนวเพลงเต้นรำจะถูกกำหนดไว้มากที่สุด โชแปงในงานเปียโนของเขาจำกัดตัวเองอยู่เพียงการกำหนดประเภทของงาน: น็อคเทิร์น, บัลลาด, โปโลเนส, มาซูร์กา, เพลงวอลทซ์

แนวเพลงถือเป็นแนวทางปฏิบัติที่สำคัญในการแสดงภาพลักษณ์ทางศิลปะในวรรณกรรมดนตรี ตัวอย่างเช่น:

การเดินขบวนได้รับความสำคัญอย่างยิ่งในงานของเบโธเฟนและชูเบิร์ต – ประเภทที่เกี่ยวข้องกับยุคการปฏิวัติฝรั่งเศส การเคลื่อนไหวปฏิวัติของมวลชน และยุคของสงครามนโปเลียน

แนวเพลงพื้นบ้านและการเต้นรำในผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19-20 ตัวอย่างเช่น: การเต้นรำ "mazurka" - เพื่อสร้างสีสันประจำชาติ - Glinka โอเปร่า "อีวานซูซานิน" องก์ที่ 2; ditties - เป็นวิธีการแสดงลักษณะทางดนตรีของภาพที่เชื่อมโยงกับข้อความในเพลง - Sviridov บทกวี "ในความทรงจำของ S. Yesenin" ตอนที่ 7 "เด็กชาวนา"

เมื่อเนื้อหาของความคิดทางสังคมเปลี่ยนไป แนวดนตรีตามแบบฉบับของช่วงเวลาหนึ่งๆ ก็เปลี่ยนไปเช่นกัน บ้างก็หายไป (เช่น บทสวดเกรโกเรียน ไรเซอร์คาร์) และแนวเพลงอื่นๆ ปรากฏขึ้น (เพลงศิลปะ โอเปร่าร็อค)

งานดนตรีก็เหมือนกับงานศิลปะรูปแบบอื่นๆ ความสามัคคีของเนื้อหาและรูปแบบ

ตัวเลือกที่ 1

เนื้อหาเพลง– การแสดงความเป็นจริงในภาพดนตรีเฉพาะ ศิลปะ ฯลฯ ภาพดนตรีปรากฏในจินตนาการที่สร้างสรรค์ไม่ใช่ด้วยตัวมันเอง แต่ด้วยเหตุนี้ การรับรู้ความเป็นจริง การรับรู้นี้ไม่ได้ถ่ายโอนปรากฏการณ์แห่งความเป็นจริงมาสู่งานศิลปะโดยอัตโนมัติ (ลัทธิธรรมชาตินิยม) แต่เปลี่ยนสิ่งเหล่านั้นให้เป็นภาพศิลปะผ่านการประมวลผลความประทับใจในชีวิตอย่างสร้างสรรค์ ดังนั้นการสะท้อนความเป็นจริงทางศิลปะ (แม้แต่ในวิจิตรศิลป์) จึงเป็นภาพสะท้อนของทัศนคติโดยทั่วไปของศิลปินต่อความเป็นจริงโลกทัศน์ของเขา

ภาพดนตรี- ผลลัพธ์ของการรับรู้ทั่วไปทางประสาทสัมผัสประเภทนี้ซึ่งเกิดขึ้นในโลกจิตวิญญาณของมนุษย์และสร้างพื้นฐานสำหรับทั้งจินตนาการที่สร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงและการรับรู้ทางจริยธรรมของผู้ฟัง ดนตรี ภาพเกิดในรูปแบบดนตรีและถูกมองว่าเป็นปรากฏการณ์ของลำดับดนตรี ดังนั้น รูปภาพดนตรีจึงไม่เพียงแต่เป็นผลจากความเป็นจริงเท่านั้น แต่ยังเป็นผลจากวัฒนธรรมทางดนตรีด้วย ซึ่งการพัฒนารูปแบบทางดนตรีที่พัฒนาไปในอดีตทั้งหมดซึ่งก่อให้เกิด “ภาษาดนตรี”

ตัวเลือกที่สอง

ความเป็นจริงสะท้อนให้เห็นในงานศิลปะในรูปแบบ ภาพศิลปะ. ลักษณะสำคัญของภาพศิลปะมักจะระบุไว้ในช่วงเริ่มต้นของงาน แต่ภาพศิลปะจะถูกเปิดเผยอย่างเต็มที่ในกระบวนการพัฒนาเนื้อหา การนำเสนอภาพศิลปะทางดนตรีเบื้องต้นเรียกว่า บทเพลง(การก่อสร้างที่ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับกระบวนการพัฒนาต่อไป)

แนวคิด รูปแบบดนตรีมีสองความหมาย: กว้าง, สุนทรียศาสตร์ทั่วไป และแคบ, เทคโนโลยี

ในความหมายกว้างๆ– รูปแบบนี้เป็นระบบองค์รวมที่จัดระเบียบของการแสดงออกทางดนตรีด้วยความช่วยเหลือในการรวบรวมเนื้อหาของงาน (ชุดของการแสดงออกทางดนตรีที่เปิดเผยเนื้อหาทางอุดมการณ์และเป็นรูปเป็นร่างของงาน) องค์ประกอบของรูปแบบดนตรีในความหมายนี้ไม่เพียงแต่เป็นโครงสร้าง (ประเภทของการเรียบเรียง) ของงานโดยรวมและส่วนต่างๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงเนื้อสัมผัส - วิธีการนำเสนอเนื้อหาทางดนตรี - (ทำนอง ความสามัคคี จังหวะ - ในความสามัคคี) จังหวะของเสียงและรีจิสเตอร์ เฉดสีไดนามิก จังหวะ วิธีการผลิตเสียง ฯลฯ

ในความหมายที่แคบ- โครงสร้างของงาน (ประเภทการเรียบเรียง - โครงสร้างของงานดนตรีหรืองานศิลปะอื่น ๆ ที่เกิดขึ้นบนพื้นฐานของความสัมพันธ์ขององค์ประกอบที่สำคัญที่สุด องค์ประกอบของงานมีวัตถุประสงค์และช่วยในการแสดงเจตนาของผู้แต่ง) การสร้างงานดนตรี ความสัมพันธ์ของส่วนต่างๆ

ตัวเลือกที่ 1

การพัฒนาทางดนตรีในการทำงาน อย่างต่อเนื่อง. ความต่อเนื่องถูกรักษาไว้โดยพลวัตภายใน ทำให้เกิดความคาดหวังอย่างต่อเนื่องในการพัฒนาต่อไปจนกว่าจะเสร็จสมบูรณ์ในขั้นสุดท้าย

ขณะเดียวกันดนตรีก็มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ข้อต่อ, การแยกส่วนผ่านจังหวะ, หยุดในระยะเวลานาน, หยุดชั่วคราว เครื่องหมายวรรคตอนทางดนตรีเหล่านี้ก่อให้เกิดความกลมและความสมบูรณ์ของโครงสร้างแต่ละส่วน เรียกว่า caesuras (ช่วงเวลาของการแยกระหว่างส่วนต่างๆ ของแบบฟอร์ม)

เนื่องจากความคล้ายคลึงกันในส่วนนี้กับคำพูด (บท ย่อหน้า วลี และแม้แต่คำพูด) พัฒนาการทางดนตรีจึงถูกเรียกว่า สุนทรพจน์ทางดนตรี(วลีประโยคช่วงเวลา)

สัญญาณหลักของ caesura:

หยุดเสียงยาว;

การทำซ้ำตัวเลขอันไพเราะเป็นจังหวะ

การเปลี่ยนเฉดสีไดนามิก รีจิสเตอร์ ฯลฯ

Caesura มักจะแสดงออกมาอย่างชัดเจนที่สุดในเสียงหลัก

ส่วนของแบบฟอร์มที่คั่นด้วย caesurae เรียกว่า การก่อสร้าง(โดยไม่คำนึงถึงระยะเวลา - จากจังหวะไปจนถึงหลายร้อยจังหวะ) ส่วนของแบบฟอร์มเช่น สิ่งปลูกสร้างที่แยกจากกันโดย caesuras ในเวลาเดียวกันก็มีเอกภาพซึ่งต้องขอบคุณที่พวกเขารวมตัวกัน ดนตรีทั้งหมด.

การแบ่งความคิดทางดนตรีที่ค่อนข้างสมบูรณ์ออกเป็นส่วน ๆ และการอยู่ใต้บังคับบัญชาซึ่งกันและกัน (ความสามัคคี) - ไวยากรณ์ดนตรี

ตัวเลือกที่สอง

ไวยากรณ์(กรีก - การเรียบเรียง) เป็นพื้นที่ในไวยากรณ์ที่อุทิศให้กับการศึกษาความเชื่อมโยงทางความหมายในการพูดด้วยวาจาการศึกษาวลีและประโยค

ในดนตรียังมีความเชื่อมโยงระหว่างเสียงแต่ละเสียงที่ประกอบเป็นวลีดนตรี และระหว่างวลีเหล่านั้นด้วย การเชื่อมต่อเหล่านี้เกิดขึ้นบนพื้นฐานของรูปแบบ จังหวะของมิเตอร์ รูปแบบของการเคลื่อนไหวอันไพเราะ ฯลฯ - ทั้งหมดนี้พูดถึง ไวยากรณ์ของคำพูดทางดนตรี

งานดนตรีสามารถเปรียบเทียบได้กับงานวรรณกรรม เรื่องราว นวนิยาย มีแผน แนวคิด และเนื้อหา ซึ่งจะชัดเจนในระหว่างการนำเสนอทีละน้อย ยิ่งไปกว่านั้น ความคิดแต่ละอย่างยังแสดงออกมาเป็นประโยคที่สมบูรณ์ซึ่งแยกจากกันด้วยจุด ส่วนของประโยคคั่นด้วยเครื่องหมายจุลภาค

ในส่วนของเพลงนั้นเนื้อหาก็ไม่ได้ถูกนำเสนอเป็นเสียงต่อเนื่องกัน เมื่อฟังเพลงเรารับรู้ถึงช่วงเวลาแห่งการแบ่งแยก - ซีซูร่า Caesura คือช่วงเวลาที่เกิดการแยกสิ่งก่อสร้างหนึ่งออกจากอีกสิ่งหนึ่ง Caesuras มีคุณสมบัติลักษณะ:

การเปลี่ยนรีจิสเตอร์ พื้นผิว การเคลื่อนไหวอันไพเราะ จังหวะ จังหวะ;

การเกิดขึ้นของสิ่งใหม่ เนื้อหาที่ไพเราะหรือการทำซ้ำ

caesura ระหว่างการก่อสร้างกับการก่อสร้างตามตัวอักษรหรือที่หลากหลาย

เช่นเดียวกับคำพูดในภาษาพูด ความคิดจะแสดงออกมาเป็นประโยคที่ประกอบด้วยคำแต่ละคำ ดังนั้นในประโยคทำนองจึงถูกแบ่งออกเป็นโครงสร้างที่เล็กลง - วลีและ แรงจูงใจ(องค์ประกอบของรูปแบบดนตรี เซลล์ที่เป็นพื้นฐานของทำนอง)

แรงจูงใจ- ส่วนที่เล็กที่สุดของทำนองซึ่งเป็นเซลล์คำพูดทางดนตรีที่แบ่งแยกไม่ได้ซึ่งมีความหมายที่แสดงออกบางอย่างและสามารถจดจำได้เมื่อปรากฏ

โมสาร์ท. ซิมโฟนีหมายเลข 40 บท;

ไชคอฟสกี “เพลงเยอรมัน” (d.a.);

ไชคอฟสกี้. อาจ. “ White Nights” (d.a.);

ไฮเดน. มินูเอต;

โมสาร์ท. มินูเอต;

เพอร์เซลล์. อาเรีย;

มอร์ดาซอฟ แรงจูงใจเก่า

ลำดับของแรงจูงใจ 2-3 ก่อให้เกิดโครงสร้างที่ค่อนข้างปิด - วลีดนตรีในทางกลับกันวลีจะรวมกันและลำดับของ 2 วลีจะรวมกันเป็นโครงสร้างที่ใหญ่กว่าเรียกว่า เสนอ. ลำดับของ 2 ประโยคประกอบกันเป็นภาคที่สมบูรณ์ซึ่งเรียกว่า ระยะเวลา - รูปแบบส่วนเดียวที่เรียบง่าย.

ชิ้นเล็กๆ หลายชิ้นเป็นชิ้นย้อนยุค แต่ผลงานดนตรีส่วนใหญ่ประกอบด้วยช่วงเวลาหลายช่วง

ดังนั้นการต่อเนื่องกันของสองช่วงจึงเป็นเรื่องง่าย รูปแบบสองส่วน (A+A 1, A+B)ในดนตรีร้องเรียกรูปแบบนี้ กลอน.

- ไชคอฟสกี้. อาจ. “คืนสีขาว” (d.a.) - เอ+บี;

เมย์กาปาร์. ที่โรงเรียนอนุบาล - เอ+บี;

ชูมันน์. มีนาคม - เอ+บี;

- ชูลกิน. เดือนมีนาคมของเดือนตุลาคม - เอ+บี;

- ฮันเดล มินูเอต - เอ+เอ 1;

- เพอร์เซลล์. อาเรีย - เอ+เอ 1 ;

- บาค. อาเรีย - เอ+เอ 1

แบบฟอร์มไตรภาคีประกอบด้วยสามส่วน (ส่วนใหญ่มักเป็นสามช่วง): ส่วนที่ 1 และ 3 เหมือนกัน กลาง - ยังคงพัฒนาเนื้อหาเฉพาะเรื่องของส่วนที่ 1 ต่อไปหรือสร้างขึ้นจากวัสดุใหม่ที่มักจะตัดกัน (เอ+เอ 1 +เอ, เอ+บี+เอ)

ไชคอฟสกี้. “การเดินขบวนของทหารไม้” (d.a.) - เอ+เอ 1 +เอ;

ไชคอฟสกี้. “ตุ๊กตาใหม่” (d.a.) - เอ+เอ 1 +เอ;

ไชคอฟสกี้. "สนุกสนาน" (d.a.) - เอ+เอ 1 +เอ;

- โมสาร์ท. มินูเอต - เอ+เอ 1 +เอ;

ไชคอฟสกี้. “ฝันหวาน” (d.a.) - เอ+บี+เอ;

- รูบินสไตน์. "เมโลดี้"- เอ+บี+เอ;

- มุสซอร์กสกี้. “Baba Yaga”, “Ballet of the Unhatched Chicks” (“รูปภาพในนิทรรศการ”) – สล. 3 ส่วนที่มีตรงกลางตัดกัน

กริก. "ขบวนคนแคระ" - คำ 3 ส่วนที่มีตรงกลางตัดกัน

- โปรโคเฟียฟ. การเต้นรำของอัศวิน - เนื้อเพลง 3 ส่วนที่มีตรงกลางตัดกัน

- โมสาร์ท. ซิมโฟนีหมายเลข 40 ตอนที่ 3 - เนื้อเพลง 3 ส่วนกับทั้งสาม

รูปแบบต่างๆ- รูปแบบดนตรีที่ประกอบด้วยธีมและการทำซ้ำหลายครั้งในรูปแบบที่แก้ไข ( ก + ก 1 + ก 2 + ก 3 ...)

- ฮันเดล Passacaglia g moll – 2957 (บาสโซ ออสตินาโต);

โมสาร์ท. การเปลี่ยนแปลงในธีมภาษาฝรั่งเศส เพลง. – 572;

กริก. ในถ้ำราชาแห่งขุนเขา – 3641 (นักร้องเสียงโซปราโน ostinato);

ราเวล. Bolero – 3139 (รูปแบบสองเท่า);

กลินกา. Kamarinskaya - 3578 (รูปแบบคู่)

โชสตาโควิช. Symphony No. 7 ตอนที่ 1 ตอนบุกรุก – รูปแบบอิสระในธีมคงที่

รอนโด้(ฝรั่งเศส – เต้นรำกลม เดินเป็นวงกลม) – รูปแบบดนตรีที่ประกอบด้วยหัวข้อเดียวซ้ำ ๆ – กลั้น(หัวข้อสอนอย่างน้อย 3 ครั้ง) โดยมีเนื้อหาส่วนอื่นสลับกัน - ตอน. รูปแบบรอนโด้เริ่มต้นและสิ้นสุดด้วยการละเว้น ก่อให้เกิดวงจรอุบาทว์ (เอ+บี+เอ+ซี+ดี+เอ)

คูเปริน. Chaconne "ที่รัก" - 2874;

โมสาร์ท. Arioso Figaro “Frisky Boy...”, ฉันชื่อ “การแต่งงานของ Figaro” -

กลินกา. โรแมนติก “ไนท์มาร์ชแมลโลว์” -

กลินกา. Rondo Farlafa อาคารที่ 2 “Ruslan และ Lyudmila” –

โบโรดิน. ความคร่ำครวญของ Yaroslavna, IV d. “ เจ้าชายอิกอร์” -

โปรโคเฟียฟ. "จูเลียตเป็นเด็กผู้หญิง" -

มุสซอร์กสกี้. “ภาพถ่ายในนิทรรศการ” - rondo พร้อมคุณสมบัติสวีท

งานขนาดใหญ่ที่ประกอบด้วยชิ้นส่วนแยกจากกันที่มีแนวคิดร่วมกันจัดอยู่ในประเภท แบบฟอร์มวงจร

ดนตรีถือกำเนิดขึ้นในสมัยโบราณโดยเป็นหนึ่งในวิธีแสดงความรู้สึกของมนุษย์ทางศิลปะ การพัฒนามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับความต้องการของสังคมมนุษย์มาโดยตลอด ในตอนแรก ดนตรียังไม่ค่อยดีนักและไร้ความหมาย แต่ตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา ดนตรีได้กลายเป็นหนึ่งในศิลปะที่ซับซ้อนและแสดงออกมากที่สุด โดยมีพลังพิเศษในการมีอิทธิพลต่อผู้คน

ดนตรีคลาสสิกอุดมไปด้วยผลงานหลายประเภท ซึ่งแต่ละงานมีลักษณะเฉพาะ เนื้อหา และจุดประสงค์ของตัวเอง ผลงานดนตรีประเภทต่างๆ เช่น เพลง การเต้นรำ การทาบทาม ซิมโฟนี และอื่นๆ เรียกว่าแนวเพลง

แนวดนตรีประกอบด้วยสองกลุ่มใหญ่ แตกต่างกันตามวิธีการแสดง: เสียงร้อง และ เครื่องมือ

ดนตรีแกนนำมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับข้อความบทกวีและคำพูด แนวเพลง - เพลง, โรแมนติก, คอรัส, เพลงโอเปร่า - เป็นผลงานที่เข้าถึงได้และเป็นที่นิยมมากที่สุดสำหรับผู้ฟังทุกคน ดำเนินการโดยนักร้องพร้อมด้วยเครื่องดนตรี และมักแสดงเพลงและคณะนักร้องประสานเสียงโดยไม่มีนักดนตรีร่วมด้วย

เพลงพื้นบ้านเป็นรูปแบบศิลปะดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดที่มีต้นกำเนิด นานมาแล้วก่อนที่ดนตรีระดับมืออาชีพจะพัฒนาขึ้น ภาพดนตรีและบทกวีที่สดใสก็ปรากฏอยู่ในเพลงพื้นบ้าน ซึ่งสะท้อนชีวิตของผู้คนได้อย่างน่าเชื่อถือและมีเชิงศิลปะ สิ่งนี้ยังปรากฏให้เห็นในลักษณะของเพลงด้วยความคิดริเริ่มอันสดใสของโครงสร้างอันไพเราะ ด้วยเหตุนี้นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่จึงให้ความสำคัญกับเพลงพื้นบ้านเป็นที่มาของการพัฒนาศิลปะดนตรีของชาติ “เราไม่ได้สร้าง แต่เป็นคนที่สร้าง” M. I. Glinka ผู้ก่อตั้งโอเปร่าและดนตรีไพเราะของรัสเซียกล่าว “แต่เราจัดเตรียมเท่านั้น” (กระบวนการ)

คุณลักษณะที่สำคัญของเพลงใดๆ คือการทำซ้ำทำนองซ้ำด้วยคำที่ต่างกัน ในขณะเดียวกัน ทำนองหลักของเพลงยังคงอยู่ในรูปแบบเดิม แต่แต่ละครั้งข้อความบทกวีที่เปลี่ยนแปลงเล็กน้อยจะทำให้มีเฉดสีที่แสดงออกใหม่

แม้แต่ดนตรีประกอบที่ง่ายที่สุด - ดนตรีประกอบ - ช่วยเพิ่มการแสดงออกทางอารมณ์ของทำนองเพลง ให้ความสมบูรณ์และสีสันพิเศษแก่เสียงของมัน และ "เติมเต็ม" ด้วยความช่วยเหลือของดนตรีบรรเลง รูปภาพของข้อความบทกวีที่ไม่สามารถถ่ายทอดในทำนองเพลงได้ ดังนั้นการเล่นเปียโนประกอบในเพลงโรแมนติกอันโด่งดังของ Glinka "Night Zephyr" และ "The Blues Fell Asleep" จึงสร้างการเคลื่อนไหวของคลื่นที่กลิ้งเป็นจังหวะและในเพลง "Lark" ของเขา - เสียงร้องของนก สำหรับการร้องเพลงบัลลาดของ Franz Schubert เรื่อง "The King of the Forest" เราจะได้ยินเสียงควบม้าอย่างบ้าคลั่ง

ในผลงานของนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 19 นอกจากเพลงแล้ว ความโรแมนติกก็กลายเป็นแนวเพลงยอดนิยมอีกด้วย เป็นบทเพลงสั้นพร้อมดนตรีประกอบ

ความรักมักจะซับซ้อนกว่าเพลงมาก ท่วงทำนองโรแมนติกไม่เพียงแต่เป็นเพลงประเภทกว้างเท่านั้น แต่ยังเป็นประเภทที่ไพเราะและประจบประแจง (“ฉันไม่โกรธ” โดย Robert Schumann) ในความรักคุณจะพบการเปรียบเทียบภาพดนตรีที่ตัดกัน (“ Night Zephyr” โดย M. I. Glinka และ A. S. Dargomyzhsky, “ The Sleeping Princess” โดย A. P. Borodin) และการพัฒนาละครที่เข้มข้น (“ ฉันจำช่วงเวลาที่ยอดเยี่ยม” โดย Glinka บน Pushkin's บทกวี)

แนวเพลงร้องบางประเภทมีไว้สำหรับกลุ่มนักแสดง: ดูเอต (นักร้องสองคน), ทรีโอ (สามคน), ควอร์เตต (สี่), ควินเตต (ห้า) ฯลฯ และนอกจากนี้ - นักร้องประสานเสียง (กลุ่มร้องเพลงขนาดใหญ่) แนวเพลงประสานเสียงอาจเป็นอิสระหรือเป็นส่วนหนึ่งของงานดนตรีและละครขนาดใหญ่ เช่น โอเปร่า ออราโตริโอ แคนทาตา นั่นคือการประพันธ์เพลงของคีตกวีชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ Georg Friedrich Handel และ Johann Sebastian Bach คณะนักร้องประสานเสียงในโอเปร่าที่กล้าหาญของ Christophe Gluck ในมหากาพย์อันยิ่งใหญ่และโอเปร่าดราม่าที่กล้าหาญของนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย M. I. Glinka, A. N. Serov, A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, S. I. Taneyev การร้องเพลงประสานเสียงตอนจบอันโด่งดังของซิมโฟนีที่เก้าของลุดวิก ฟาน เบโธเฟน เชิดชูอิสรภาพ (ตามคำพูดของบทกวี To Joy ของฟรีดริช ชิลเลอร์) จำลองภาพการเฉลิมฉลองอันยิ่งใหญ่ของผู้คนนับล้าน ("Embrace, Millions")

นักร้องประสานเสียงที่ยอดเยี่ยมถูกสร้างขึ้นโดยนักแต่งเพลงชาวโซเวียต D. D. Shostakovich, M. V. Koval, A. A. Davidenko คณะนักร้องประสานเสียงของ Davidenko“ ห่างจากเมืองหลวงสิบไมล์” อุทิศให้กับเหยื่อของการประหารชีวิตเมื่อวันที่ 9 มกราคม พ.ศ. 2448 นักร้องประสานเสียงอื่น ๆ ของเขาที่เต็มไปด้วยความกระตือรือร้น "The Street is Excited" แสดงให้เห็นถึงความชื่นชมยินดีของผู้คนที่โค่นล้มระบอบเผด็จการในปี 2460

Oratorio เป็นงานสำคัญของคณะนักร้องประสานเสียง นักร้องเดี่ยว และวงซิมโฟนีออร์เคสตรา มันดูคล้ายกับโอเปร่า แต่แสดงในคอนเสิร์ตที่ไม่มีฉาก เครื่องแต่งกาย และการแสดงบนเวที (บทเพลง "On Guard of the World" โดยนักแต่งเพลงชาวโซเวียต S. S. Prokofiev)

แคนทาทามีเนื้อหาง่ายกว่าและมีขนาดเล็กกว่าออราทอริโอ มีบทเพลงโคลงสั้น ๆ เคร่งขรึมต้อนรับและแสดงความยินดีที่สร้างขึ้นเพื่อเป็นเกียรติแก่วันครบรอบหรืองานสาธารณะ (เช่น "Cantata สำหรับการเปิดนิทรรศการโพลีเทคนิค" โดย Tchaikovsky) นักแต่งเพลงชาวโซเวียตหันมาใช้แนวเพลงนี้เช่นกัน โดยสร้างบทเพลงในธีมสมัยใหม่และประวัติศาสตร์ (“The Sun Shines Over Our Motherland” โดย Shostakovich, “Alexander Nevsky” โดย Prokofiev)

แนวเพลงร้องที่เข้มข้นและซับซ้อนที่สุดคือโอเปร่า โดยผสมผสานบทกวีและการแสดงละคร เสียงร้องและเครื่องดนตรี การแสดงออกทางสีหน้า ท่าทาง การเต้นรำ การวาดภาพ และเอฟเฟกต์แสงเข้าไว้ด้วยกัน แต่ทั้งหมดนี้อยู่ภายใต้หลักการทางดนตรีในโอเปร่า

บทบาทของภาษาพูดธรรมดาในละครโอเปร่าส่วนใหญ่จะเล่นโดยการร้องเพลงหรือท่องบท ในประเภทโอเปร่าเช่นโอเปร่าละครเพลงและละครการ์ตูนการร้องเพลงสลับกับภาษาพูดธรรมดา (“ White Acacia” โดย I. O. Dunaevsky, “ Arshin Mal Alan” โดย Uzeir Gadzhibekov, “ The Tales of Hoffmann” โดย Jacques Offenbach)

การแสดงโอเปร่าเปิดเผยในฉากร้องเป็นหลัก: อาเรีย คาวาตินา เพลง วงดนตรี และคณะนักร้องประสานเสียง ในเพลงเดี่ยวพร้อมด้วยเสียงอันทรงพลังของวงซิมโฟนีออร์เคสตราเฉดสีที่ละเอียดอ่อนที่สุดของประสบการณ์ทางอารมณ์ของฮีโร่หรือลักษณะแนวตั้งของพวกเขาจะถูกทำซ้ำ (ตัวอย่างเช่นเพลงของ Ruslan ในโอเปร่า "Ruslan และ Lyudmila" โดย Glinka เพลงของ Igor และ Konchak ใน "เจ้าชายอิกอร์" โดย Borodin) การปะทะกันทางผลประโยชน์ของตัวละครแต่ละตัวถูกเปิดเผยในวงดนตรี - ร้องคู่, terzets, วงสี่ (เพลงคู่ของ Yaroslavna และ Galitsky ในโอเปร่า "Prince Igor" โดย Borodin)

ในโอเปร่าคลาสสิกของรัสเซียเราพบตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของวงดนตรี: การแสดงละครของนาตาชาและเจ้าชาย (จากการแสดงครั้งแรกของโอเปร่า "Rusalka" โดย Dargomyzhsky) ทั้งสามผู้เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ "Don't Tomi, Darling" (จาก โอเปร่า "Ivan Susanin" โดย Glinka) คณะนักร้องประสานเสียงผู้ยิ่งใหญ่ในโอเปร่าของ Glinka, Mussorgsky, Borodin สร้างภาพลักษณ์ของฝูงชนขึ้นมาใหม่ตามความเป็นจริง

ตอนที่บรรเลงมีความสำคัญอย่างมากในโอเปร่า: การเดินขบวน การเต้นรำ และบางครั้งฉากดนตรีทั้งหมด มักจะอยู่ระหว่างการแสดง ตัวอย่างเช่นในโอเปร่าของ Rimsky-Korsakov เรื่อง "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia" มีการแสดงภาพไพเราะของการสู้รบของกองทัพรัสเซียเก่ากับฝูงตาตาร์ - มองโกล ("The Battle of Kerzhenets") เกือบทุกโอเปร่าเริ่มต้นด้วยการทาบทาม - บทนำไพเราะซึ่งโดยทั่วไปจะเปิดเผยเนื้อหาของการแสดงละครของโอเปร่า

ดนตรีบรรเลงที่พัฒนาบนพื้นฐานของดนตรีร้อง มันเติบโตมาจากการร้องเพลงและการเต้น ดนตรีบรรเลงที่เก่าแก่ที่สุดรูปแบบหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับศิลปะพื้นบ้านคือ แก่นเรื่องและรูปแบบต่างๆ

บทละครดังกล่าวสร้างขึ้นจากการพัฒนาและดัดแปลงแนวคิดทางดนตรีหลัก - ธีม ในเวลาเดียวกัน การเปลี่ยนทำนอง การร้อง จังหวะ และลักษณะของดนตรีประกอบแต่ละเพลงจะเปลี่ยนไป (หลากหลาย) ให้เรานึกถึงรูปแบบเปียโนในธีมของเพลงรัสเซีย "ฉันจะออกไปที่แม่น้ำ" โดยนักดนตรีชาวรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 18 I. E. Khandoshkina (ดูบทความ "ดนตรี Gussian แห่งศตวรรษที่ 18") ในแฟนตาซีไพเราะของ Glinka "Kamarinskaya" เพลงแรกในงานแต่งงานที่ไหลลื่นอันงดงาม "เพราะภูเขา ภูเขาสูง" แตกต่างกันไป จากนั้นเพลงเต้นรำเร็ว "Kamarinskaya"

ดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดอีกรูปแบบหนึ่งคือชุด ซึ่งเป็นการสลับการเต้นรำและการแสดงต่างๆ ในห้องเต้นรำโบราณแห่งศตวรรษที่ 17 การเต้นรำที่ตรงกันข้ามกับตัวละคร จังหวะและจังหวะเข้ามาแทนที่กัน: ช้าปานกลาง (อัลเลมองด์ของเยอรมัน) เร็ว (เสียงระฆังฝรั่งเศส) ช้ามาก เคร่งขรึม (Sarabande ของสเปน) และรวดเร็ว (Giga เป็นที่รู้จักในหลายประเทศ) ในศตวรรษที่ 18 ระหว่าง sarabande และ gigue มีการแทรกการเต้นรำตลก ๆ เช่น gavotte, bourrée, minuet และอื่น ๆ นักแต่งเพลงบางคน (เช่น Bach) มักจะเปิดห้องสวีทที่มีท่อนเกริ่นนำที่ไม่มีรูปแบบของการเต้นรำ: โหมโรง, การทาบทาม

ผลงานดนตรีที่ต่อเนื่องกันเป็นชุดเดียวเรียกว่าวงจร ให้เรานึกถึงวงจรเพลงของ Schubert เรื่อง "The Miller's Love" และ "Winter Reise" ซึ่งเป็นวงจรเสียงร้องของ Schumann เรื่อง "The Poet's Love" ไปจนถึงคำพูดของ Heinrich Heine แนวเครื่องดนตรีหลายประเภท ได้แก่ วงรอบ: รูปแบบต่างๆ ชุดเพลงเซเรเนด ซิมโฟนี โซนาตา คอนแชร์โต

ในตอนแรก คำว่า โซนาตา (จากภาษาอิตาลี "ถึงเสียง") หมายถึงเครื่องดนตรีใดๆ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 เท่านั้น ในผลงานของนักไวโอลินชาวอิตาลี Corelli ได้มีการพัฒนาแนวโซนาต้าที่เป็นเอกลักษณ์ของการเคลื่อนไหว 4-6 ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุด ตัวอย่างคลาสสิกของโซนาตาของการเคลื่อนไหวสองหรือสามการเคลื่อนไหวในศตวรรษที่ 18 สร้างโดยนักแต่งเพลง Carl Philipp Emmanuel Bach (ลูกชายของ J. S. Bach), Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, I. E. Handoshkin โซนาต้าของพวกเขาประกอบด้วยหลายส่วน ต่างกันในรูปดนตรี ท่อนแรกที่เต็มไปด้วยพลังและดำเนินไปอย่างรวดเร็ว มักจะสร้างขึ้นจากการผสมผสานระหว่างธีมดนตรีสองธีมที่ตัดกัน ถูกแทนที่ด้วยส่วนที่สองซึ่งเป็นท่อนโคลงสั้น ๆ ที่ไพเราะและช้า โซนาต้าจบลงด้วยตอนจบ - ดนตรีในจังหวะเร็ว แต่มีบุคลิกที่แตกต่างจากการเคลื่อนไหวครั้งแรก บางครั้งส่วนที่ช้าก็ถูกแทนที่ด้วยท่อนเต้นรำ - เพลงประกอบ บีโธเฟน นักแต่งเพลงชาวเยอรมันได้เขียนโซนาตาของเขาหลายบทในสี่การเคลื่อนไหว โดยวางระหว่างการเคลื่อนไหวช้าๆ และตอนจบซึ่งเป็นท่อนที่มีลักษณะมีชีวิตชีวา - มินูเอตหรือเชอร์โซ (จาก "เรื่องตลก" ของอิตาลี)

บทเพลงสำหรับเครื่องดนตรีโซโล (โซนาต้า เวอรชั่น สวีท โหมโรง ทันควัน น็อคเทิร์น) ร่วมกับวงดนตรีต่างๆ (ทรีโอ ควอเต็ต) ถือเป็นสาขาดนตรีแชมเบอร์ (แปลว่า "ดนตรีเฮาส์") ซึ่งออกแบบมาเพื่อการแสดงต่อหน้าวงดนตรีที่มีขนาดค่อนข้างเล็ก แวดวงผู้ฟัง ในชุดแชมเบอร์ออร์ม ชิ้นส่วนของเครื่องดนตรีทั้งหมดมีความสำคัญเท่าเทียมกัน และต้องมีการตกแต่งอย่างระมัดระวังเป็นพิเศษจากผู้แต่ง

ดนตรีไพเราะเป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ที่สดใสที่สุดของวัฒนธรรมดนตรีโลก ผลงานที่ดีที่สุดสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตรานั้นโดดเด่นด้วยความลึกและความสมบูรณ์ของการสะท้อนความเป็นจริง ความยิ่งใหญ่ของขนาด และในขณะเดียวกัน ความเรียบง่ายและการเข้าถึงของภาษาดนตรี ซึ่งบางครั้งได้รับการแสดงออกและสีสันของภาพ ภาพ ผลงานไพเราะที่ยอดเยี่ยมของนักแต่งเพลง Haydn, Mozart, Beethoven, Liszt, Glinka, Balakirev, Borodin, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky และคนอื่น ๆ ถูกสร้างขึ้นเพื่อผู้ชมที่เป็นประชาธิปไตยจำนวนมากในคอนเสิร์ตฮอลล์ขนาดใหญ่

แนวเพลงไพเราะที่สำคัญคือการทาบทาม (เช่น การทาบทามของเบโธเฟนต่อโศกนาฏกรรม "Egmont" โดยเกอเธ่) จินตนาการไพเราะ ("Francesca da Rimini" โดย Tchaikovsky) บทกวีไพเราะ ("Tamara" โดย Balakirev) ห้องสวีทไพเราะ (" Scheherazade" โดย Rimsky-Korsakov) และซิมโฟนี

ซิมโฟนีก็เหมือนกับโซนาตาที่ประกอบด้วยการเคลื่อนไหวที่แตกต่างกันอย่างชัดเจนหลายอย่าง ซึ่งโดยปกติจะมี 4 การเคลื่อนไหว สามารถเปรียบเทียบได้กับการแสดงละครแต่ละบทหรือบทของนวนิยาย ในการผสมผสานภาพดนตรีที่หลากหลายอย่างไม่สิ้นสุดและการสลับการเคลื่อนไหวที่ตัดกัน - รวดเร็ว ช้า การเต้นรำเบา ๆ และอีกครั้งอย่างรวดเร็ว - ผู้แต่งสร้างแง่มุมต่าง ๆ ของความเป็นจริงขึ้นมาใหม่

นักแต่งเพลงซิมโฟนีสะท้อนถึงดนตรีของพวกเขาถึงธรรมชาติที่กระตือรือร้นและกระตือรือร้นของมนุษย์ การต่อสู้กับความทุกข์ยากและอุปสรรคในชีวิต ความรู้สึกที่สดใส ความฝันถึงความสุขและความทรงจำที่น่าเศร้า ความงามอันน่าหลงใหลของธรรมชาติ และควบคู่ไปกับสิ่งนี้ - ขบวนการปลดปล่อยอันทรงพลังของ มวลชน ภาพวิถีชีวิตชาวบ้าน และเทศกาลพื้นบ้าน

คอนเสิร์ตบรรเลงในรูปแบบคล้ายกับซิมโฟนีและโซนาต้า นี่เป็นการเรียบเรียงที่ซับซ้อนมากสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยว (เปียโน ไวโอลิน คลาริเน็ต ฯลฯ) พร้อมวงดนตรีออเคสตรา ดูเหมือนว่านักร้องเดี่ยวและวงออเคสตราจะแข่งขันกันเอง วงออเคสตราเงียบงัน หลงใหลในความรู้สึกและความสง่างามของรูปแบบเสียงในส่วนของเครื่องดนตรีเดี่ยว หรือขัดจังหวะเขา โต้เถียงกับเขา หรือหยิบยกอย่างทรงพลัง เพิ่มธีมของเขา

คอนแชร์โตประพันธ์โดยนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นหลายคนในศตวรรษที่ 17 และ 18 (โคเรลลี่, วิวัลดี, ฮันเดล, บาค, ไฮเดิน) อย่างไรก็ตาม ผู้สร้างคอนแชร์โตคลาสสิกคือโมซาร์ท นักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่ คอนแชร์โตที่ยอดเยี่ยมสำหรับเครื่องดนตรีต่าง ๆ (ส่วนใหญ่ใช้สำหรับเปียโนหรือไวโอลิน) เขียนโดย Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Dvorak, Grieg, Tchaikovsky, Glazunov, Rachmaninov และนักแต่งเพลงชาวโซเวียต A. Khachaturian, D. Kabalevsky

ประวัติศาสตร์ดนตรีที่มีอายุหลายศตวรรษบอกเราว่ารูปแบบและแนวเพลงต่างๆ เกิดขึ้นและพัฒนาได้อย่างไรตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา บางส่วนดำรงอยู่ในช่วงเวลาอันสั้น บางส่วนยืนหยัดผ่านการทดสอบของเวลา ตัวอย่างเช่น ในประเทศค่ายสังคมนิยม แนวเพลงของคริสตจักรกำลังจะหมดไป แต่ผู้แต่งในประเทศเหล่านี้สร้างแนวเพลงใหม่เช่นเพลงผู้บุกเบิกและเพลง Komsomol เพลงเดินขบวนของนักสู้สันติภาพ

หากคุณพบข้อผิดพลาด โปรดเน้นข้อความและคลิก Ctrl+ป้อน.

จากบทความต่อเนื่องเกี่ยวกับทฤษฎีดนตรี เราอยากจะบอกคุณเกี่ยวกับวิธีการสร้างและพัฒนาแนวเพลงในดนตรี หลังจากบทความนี้ คุณจะไม่สับสนระหว่างแนวดนตรีกับสไตล์ดนตรีอีกต่อไป

ก่อนอื่น เรามาดูกันว่าแนวคิดของ "ประเภท" และ "สไตล์" แตกต่างกันอย่างไร ประเภท- นี่คืองานประเภทหนึ่งที่มีการพัฒนาในอดีต บ่งบอกถึงรูปแบบ เนื้อหา และจุดประสงค์ของดนตรี แนวดนตรีเริ่มก่อตัวตั้งแต่ระยะเริ่มแรกในการพัฒนาดนตรีในโครงสร้างของชุมชนดึกดำบรรพ์ จากนั้นดนตรีก็เข้ามามีส่วนร่วมกับทุกย่างก้าวของกิจกรรมของมนุษย์: ชีวิตประจำวัน การทำงาน คำพูด และอื่นๆ ดังนั้นจึงมีการสร้างหลักการประเภทหลักขึ้นซึ่งเราจะตรวจสอบเพิ่มเติม

สไตล์ยังหมายถึงผลรวมของวัสดุ (ฮาร์โมนี ทำนอง จังหวะ โพลีโฟนี) วิธีการใช้วัสดุเหล่านั้นในงานดนตรี โดยทั่วไปแล้ว สไตล์จะขึ้นอยู่กับยุคสมัยใดยุคหนึ่งหรือจำแนกตามผู้แต่ง กล่าวอีกนัยหนึ่งสไตล์คือชุดของการแสดงออกทางดนตรีที่กำหนดภาพลักษณ์และแนวคิดของดนตรี อาจขึ้นอยู่กับบุคลิกลักษณะของผู้แต่ง โลกทัศน์ รสนิยม และแนวทางดนตรีของเขา สไตล์ยังเป็นตัวกำหนดแนวโน้มของดนตรี เช่น แจ๊ส ป๊อป ร็อค สไตล์โฟล์ก และอื่นๆ

ตอนนี้เรากลับมาที่แนวเพลงกันดีกว่า มีหลักการประเภทหลักอยู่ห้าประการ ซึ่งดังที่เราได้กล่าวไปแล้ว มีต้นกำเนิดในชุมชนดึกดำบรรพ์:

• ทักษะยนต์
• ปาฐกถา
• สวดมนต์
• การส่งสัญญาณ
• เสียง-ภาพ

พวกเขากลายเป็นพื้นฐานของแนวเพลงที่ตามมาทั้งหมดที่ปรากฏพร้อมกับการพัฒนาทางดนตรี

ไม่นานหลังจากการก่อตัวของหลักการประเภทพื้นฐาน ประเภทและสไตล์เริ่มที่จะรวมเข้าด้วยกันเป็นระบบเดียว ระบบสไตล์แนวเพลงดังกล่าวถูกสร้างขึ้นขึ้นอยู่กับโอกาสที่ดนตรีถูกสร้างขึ้น นี่คือลักษณะที่ระบบสไตล์ประเภทปรากฏขึ้น ซึ่งใช้ในลัทธิโบราณบางลัทธิ สำหรับพิธีกรรมโบราณและในชีวิตประจำวัน แนวเพลงมีลักษณะที่ประยุกต์ใช้มากกว่า ซึ่งสร้างภาพลักษณ์ สไตล์ และคุณลักษณะการเรียบเรียงบางอย่างของดนตรีโบราณ

บนผนังปิรามิดของอียิปต์และในปาปิรุสโบราณที่ยังมีชีวิตรอดพบบทเพลงประกอบพิธีกรรมและศาสนาซึ่งส่วนใหญ่มักเล่าเกี่ยวกับเทพเจ้าอียิปต์โบราณ

เชื่อกันว่าดนตรีโบราณถึงจุดสูงสุดของการพัฒนาในสมัยกรีกโบราณ ในดนตรีกรีกโบราณมีการค้นพบรูปแบบบางอย่างซึ่งเป็นพื้นฐานของโครงสร้างของเพลง

เมื่อสังคมพัฒนา ดนตรีก็พัฒนาเช่นกัน แนวเสียงร้องและเครื่องดนตรีแนวใหม่ได้ก่อตัวขึ้นแล้วในวัฒนธรรมยุคกลาง ในยุคนี้ประเภทเช่น:

• Organum เป็นดนตรีแนวโพลีโฟนิกรูปแบบแรกสุดในยุโรป ประเภทนี้ใช้ในโบสถ์ และแพร่หลายในโรงเรียนน็อทร์-ดามในปารีส
• โอเปร่าเป็นงานดนตรีและละคร
• Chorale เป็นการร้องเพลงแบบพิธีกรรมคาทอลิกหรือโปรเตสแตนต์
• โมเทตเป็นแนวเสียงร้องที่ใช้ทั้งในโบสถ์และในงานทางโลก สไตล์ของเขาขึ้นอยู่กับข้อความ
• ความประพฤติเป็นเพลงในยุคกลางซึ่งเนื้อหาส่วนใหญ่มักเป็นเพลงเกี่ยวกับจิตวิญญาณและศีลธรรม พวกเขายังคงไม่สามารถถอดรหัสบันทึกของตัวนำในยุคกลางได้อย่างแม่นยำเนื่องจากพวกเขาไม่มีจังหวะที่เฉพาะเจาะจง
• พิธีมิสซาเป็นพิธีพิธีกรรมในโบสถ์คาทอลิก บังสุกุลยังอยู่ในประเภทนี้
• Madrigal เป็นผลงานสั้นเกี่ยวกับธีมโคลงสั้น ๆ และความรัก ประเภทนี้มีต้นกำเนิดในประเทศอิตาลี
• Chanson - ประเภทนี้ปรากฏในฝรั่งเศสและในตอนแรกเพลงชาวนาประสานเสียงเป็นของมัน
• Pavana - การเต้นรำที่ราบรื่นซึ่งเปิดวันหยุดพักผ่อนในอิตาลี
• Galliarda เป็นการเต้นรำที่ร่าเริงและเป็นจังหวะซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากประเทศอิตาลี
• Allemande เป็นการเต้นรำขบวนที่มีต้นกำเนิดในประเทศเยอรมนี

ใน XVII-XVIIIตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา ดนตรีชนบทหรือเพลงคันทรี่ได้พัฒนาไปอย่างมากในอเมริกาเหนือ แนวเพลงนี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากดนตรีพื้นบ้านของชาวไอริชและสก็อตแลนด์ เนื้อเพลงของเพลงดังกล่าวมักพูดถึงความรัก ชีวิตในชนบท และชีวิตคาวบอย

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 นิทานพื้นบ้านได้พัฒนาอย่างแข็งขันในละตินอเมริกาและแอฟริกา ในชุมชนแอฟริกันอเมริกัน เพลงบลูส์ถือกำเนิดขึ้น ซึ่งแต่เดิมเป็น "เพลงทำงาน" ที่มาพร้อมกับการทำงานในทุ่งนา เพลงบลูส์มีพื้นฐานมาจากเพลงบัลลาดและบทสวดทางศาสนา บลูส์เป็นพื้นฐานของแนวเพลงใหม่ - แจ๊ส ซึ่งเป็นผลมาจากการผสมผสานระหว่างวัฒนธรรมแอฟริกันและยุโรป ดนตรีแจ๊สค่อนข้างแพร่หลายและเป็นที่ยอมรับในระดับสากล

จากดนตรีแจ๊สและบลูส์ ริธึมแอนด์บลูส์ (R'n'B) ซึ่งเป็นแนวเพลงและการเต้นปรากฏในช่วงปลายยุค 40 เขาค่อนข้างเป็นที่นิยมในหมู่คนหนุ่มสาว ต่อมาแนวฟังก์และโซลก็ปรากฏตัวขึ้นในประเภทนี้

เป็นเรื่องที่น่าแปลกใจที่นอกเหนือจากแนวเพลงแอฟริกันอเมริกันแล้ว แนวเพลงป๊อปก็ปรากฏในยุค 20 ของศตวรรษที่ยี่สิบ รากฐานของประเภทนี้มาจากดนตรีโฟล์ก แนวโรแมนติกริมถนน และเพลงบัลลาด เพลงป๊อปมักจะผสมกับแนวเพลงอื่นๆ เพื่อสร้างแนวดนตรีที่น่าสนใจทีเดียว ในยุค 70 ภายในกรอบของเพลงป๊อปสไตล์ "ดิสโก้" ปรากฏขึ้นซึ่งต่อมาได้กลายเป็นเพลงเต้นรำที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในเวลานั้นโดยผลักดันร็อกแอนด์โรลเป็นฉากหลัง

ในช่วงทศวรรษที่ 50 ร็อคระเบิดเข้าสู่แนวเพลงที่มีอยู่แล้วซึ่งมีต้นกำเนิดมาจากเพลงบลูส์โฟล์คและคันทรี่ ได้รับความนิยมอย่างรวดเร็วและขยายออกเป็นหลายสไตล์ โดยผสมผสานกับแนวเพลงอื่นๆ

สิบปีต่อมา แนวเพลงเร้กเก้ได้ก่อตั้งขึ้นในจาเมกา ซึ่งแพร่หลายในช่วงทศวรรษที่ 70 เร้กเก้มีพื้นฐานมาจากเมนโต ซึ่งเป็นแนวหนึ่งของดนตรีพื้นบ้านจาเมกา

ในปี 1970 แร็พปรากฏขึ้นซึ่งดีเจจาเมกา "ส่งออก" ไปยังบรองซ์ DJ Kool Herc ถือเป็นผู้ก่อตั้งแร็พ ในตอนแรกอ่านแร็พเพื่อความสนุกสนานเพื่อระบายอารมณ์ พื้นฐานของแนวเพลงนี้คือจังหวะซึ่งกำหนดจังหวะของการบรรยาย

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ได้สถาปนาตัวเองเป็นแนวเพลง เป็นเรื่องแปลกที่ไม่ได้รับการยอมรับเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 เมื่อมีเครื่องมืออิเล็กทรอนิกส์ชิ้นแรกปรากฏขึ้น แนวเพลงนี้เกี่ยวข้องกับการสร้างดนตรีโดยใช้เครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ เทคโนโลยี และโปรแกรมคอมพิวเตอร์

แนวเพลงที่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 20 มีหลายสไตล์ ตัวอย่างเช่น:

แจ๊ส:

• แจ๊สนิวออร์ลีนส์
• ดิกซีแลนด์
• แกว่ง
• ชิงช้าตะวันตก
• ตะบัน
• ฮาร์ดป็อบ
• บูกี้ วูกี้
• แจ๊สเท่หรือเท่
• ดนตรีแจ๊สหรือกิริยาช่วย
• แจ๊สเปรี้ยวจี๊ด
• โซลแจ๊ส
• แจ๊สฟรี
• Bossa Nova หรือแจ๊สละตินอเมริกา
• ซิมโฟนิกแจ๊ส
• ความก้าวหน้า
• ฟิวชั่นหรือแจ๊สร็อค
• แจ๊สไฟฟ้า
• แจ๊สแอซิด
• ครอสโอเวอร์
• แจ๊สสมูท

• คาบาเร่ต์
• การแสดงของนักร้อง
• ห้องดนตรี
• ดนตรี
• แร็กไทม์
• ห้องนั่งเล่น
• ครอสโอเวอร์แบบคลาสสิก
• ป๊อปประสาทหลอน
• อิตาโลดิสโก้
• ยูโรดิสโก้
• พลังงานสูง
• นูดิสโก้
• ดิสโก้อวกาศ
• เย่
• เคป๊อป
• ยูโรป็อป
• เพลงป๊อปอาหรับ
• เพลงป๊อปรัสเซีย
• ริกซาร์
• ไลก้า
• เพลงป๊อปละติน
• เจป๊อป

• ร็อคแอนด์โรล
• บิ๊กบิต
• ร็อกอะบิลลี
• โรคจิต
• Neorocabilly
• สคิฟเฟิล
• ดูวอป
• บิด
• อัลเทอร์เนทีฟร็อก (อินดี้ร็อก/คอลเลจร็อก)
• ร็อคคณิตศาสตร์
• แมดเชสเตอร์
• กรันจ์
• การแข่งรองเท้า
• บริทป็อป
• เสียงรบกวนหิน
• เสียงรบกวนป๊อป
• โพสต์กรันจ์
• โล-ไฟ
• อินดี้ป๊อป
• ทวิ-ป๊อป
• อาร์ตร็อค (โปรเกรสซีฟร็อค)
• แจ๊สร็อค
• เคราท์ร็อค
• โรงรถร็อค
• ประหลาดบีท
• แกลมร็อค
• ร็อคคันทรี่
• เมอร์ซีย์บีท
• เมทัล (ฮาร์ดร็อค)
• โลหะล้ำสมัย
• โลหะทางเลือก
• โลหะดำ
• โลหะสีดำอันไพเราะ
• โลหะสีดำซิมโฟนิก
• โลหะสีดำที่แท้จริง
• ไวกิ้งเมทัล
• โลหะแบบกอธิค
• ดูมเมทัล
• โลหะแห่งความตาย
• เมโลดิกเดธเมทัล
• เมทัลคอร์
• โลหะใหม่
• พาวเวอร์เมทัล
• โลหะก้าวหน้า
• โลหะความเร็ว
• สโตนเนอร์ร็อค
• แทรชเมทัล
• โลหะพื้นบ้าน
• โลหะหนัก
• คลื่นลูกใหม่
• ร็อครัสเซีย
• ผับร็อค
• พังค์ร็อก
• สกาพังค์
• ป๊อปพังค์
• ครัสต์พังค์
• ฮาร์ดคอร์
• ครอสโอเวอร์
• ชาวจลาจล
• ป๊อปร็อค
• โพสต์พังค์
• ร็อคกอธิค
• ไม่มีเวฟ
• โพสไลน์
• หินประสาทหลอน
• ร็อคนุ่ม
• โฟล์คร็อค
• เทคโนร็อค

อย่างที่คุณเห็นมีหลายสไตล์ อาจต้องใช้เวลามากในการแสดงรายการทั้งหมด ดังนั้นเราจึงไม่ทำเช่นนั้น สิ่งสำคัญคือตอนนี้คุณรู้แล้วว่าแนวเพลงยอดนิยมสมัยใหม่ปรากฏขึ้นอย่างไรและคุณจะไม่สับสนกับแนวเพลงและสไตล์อีกต่อไป