گروه های مدرن سازهای محلی. توسعه روش شناختی "ویژگی های کار یک معلم-نوازنده با یک گروه ترکیبی از سنین مختلف (آلات فولکلوریک و نی، آواز، سازهای آرشه ای) در یک موسسه آموزشی اضافی

روندهای مدرن در زمینه اجرای سازهای عامیانه روسی با توسعه فشرده ساخت موسیقی گروه، با عملکرد انواع مختلف گروه ها در انجمن های فیلارمونیک و کاخ های فرهنگ، در موسسات آموزشی مختلف همراه است. این امر مستلزم آموزش هدفمند رهبران گروه های مربوطه در گروه ها و دانشکده های سازهای محلی آموزشگاه ها و دانشگاه های موسیقی کشور است.

با این حال، آموزش یک نوازنده گروه در تمرین آموزشی، به عنوان یک قاعده، با محدودیت های خاصی همراه است. معلمان معمولاً به رهبری گروه‌های همگن منصوب می‌شوند: نوازندگان آکاردئون - گروه‌های آکاردئون، دامریست‌ها یا نوازندگان بالالایکا - گروه‌های سازهای محلی زهی. ترکیبات از این نوع در اجرای حرفه ای گسترده شده اند. کافی است گروه های معروفی مانند سه نفر از نوازندگان آکاردئون A. Kuznetsov، Y. Popkov، A. Danilov، دوئت نوازندگان آکاردئون A. Shalaev - N. Krylov، سه نفر از نوازندگان آکاردئون اورال، کوارتت فیلارمونیک کیف را به خاطر بیاوریم. ، گروه اسکاز و غیره

بدون شک کار با گروه های همگن - دوئت، سه گانه، کوارتت بیان، سه گانه، کوارتت دومرا و پنج نفر، یونیسون های بالالایکا و غیره - بسیار مهم است. با این حال، محدودیت های توصیف شده در فعالیت های معلمان در مدارس و دانشگاه ها مانع از آموزش کامل متخصصان جوان می شود، زیرا در واقع، فارغ التحصیلان مدارس موسیقی اغلب با نیاز به رهبری گروه های مختلط مواجه می شوند. بیشتر اوقات ، دومی از سازهای زهی و آکاردئون دکمه ای تشکیل شده است. کلاس هایی با چنین گروه هایی باید به بخشی ارگانیک از فرآیند آموزشی تبدیل شود.

یک معلم مدرن هنگام شروع کار با مشکلات اجتناب ناپذیری روبرو می شود: اولاً با کمبود شدید ادبیات روش شناختی اختصاص داده شده به گروه های مختلط سازهای عامیانه روسی. ثانیاً، با تعداد محدودی از مجموعه‌های رپرتوار، از جمله آثار اصلی جالب آزمایش شده توسط تمرین کنسرت، رونویسی، رونویسی و در نظر گرفتن سطوح مختلف آموزش و جهت‌های خلاقانه این آهنگ‌ها. بیشتر ادبیات روش شناختی منتشر شده به گروه های مجلسی با مشخصات آکادمیک - با مشارکت سازهای پیانوی آرشه ای - خطاب می شود. محتوای چنین نشریاتی با در نظر گرفتن ویژگی‌های موسیقی‌سازی گروه‌های محلی نیاز به تنظیمات قابل توجهی دارد (برای مثال نگاه کنید به).

این مقاله اصول اولیه کار با یک گروه ترکیبی از سازهای محلی روسی را شرح می دهد. در عین حال، تعدادی از نکات و توصیه های عملی که در زیر بیان شده است، در مورد سایر انواع گروه های ترکیبی نیز اعمال می شود.

مشکل اصلی حل شده در روند کار با این گروه ها، تعیین نسبت بهینه تام، حجم-دینامیک و خط سازهای زهی و آکاردئون دکمه ای (بر اساس عدم تطابق بین منابع صدا، روش های تولید صدا و محیط های مختلف آکوستیک) است. .

صداهاسازها یکی از چشمگیرترین ابزارهای بیان در زرادخانه یک گروه ترکیبی هستند. از روابط متنوعی که در طول فرآیند اجرا بوجود می‌آید، می‌توان ویژگی‌های مستقل سازها (تیمبرهای خالص) و ترکیباتی را که هنگام صدا دادن با هم به وجود می‌آیند (تیمبرهای مختلط) تشخیص داد. زمانی که به یکی از سازها تکنوازی ملودیک اختصاص داده شود، معمولاً از صداهای تمیز استفاده می شود.

باید تاکید کرد که صدای هر ساز دارای بسیاری از تن صدای "داخلی" است. برای سیم، باید پالت تن هر سیم را در نظر گرفت، که بسته به تسیتورا (که دلالت بر ویژگی‌های صوتی بخش خاصی از سیم دارد)، اختلاف در تن صدا در نقاط مختلف تماس با سیم تغییر می‌کند. انتخاب یا انگشت)، مشخصات ماده ای که پین ​​از آن ساخته شده است (نایلون، چرم، پلاستیک و غیره)، و همچنین پتانسیل مربوطه برای انواع تکنیک های اجرا. آکاردئون دکمه ای دارای ناهمگونی بافتی صداها، روابط آنها در صفحه کلید راست و چپ، تغییر صدا با استفاده از سطح معینی از فشار در محفظه دم و روش های مختلف باز کردن دریچه و همچنین تغییر صدا است.

برای برجسته کردن صدای یکی از سازهای زهی - اعضای گروه - توصیه می شود از ترکیبات رجیستر استفاده کنید که در یک آکاردئون دکمه ای چند تایی آماده انتخابی مدرن موجود است. ادغام صدای آکاردئون دکمه ای با سازهای همراه توسط رجیسترهای یکصدایی و دو صدایی تضمین می شود. "تأکید" بر تن آکاردئون، بسته به ویژگی های بافت، با هر ترکیب چند صدایی از رجیسترها تسهیل می شود، که در یک مجموعه با رشته ها، تسکین صدای لازم را فراهم می کند.

این گروه از دانش آموزان 10-14 ساله تشکیل شده است که تعداد آنها 15-20 نفر است. کودکان دبستانی که در تسلط بر ساز خاص پیشرفت می کنند و تمایل به شرکت در گروه را نشان می دهند نیز پذیرفته می شوند. سازهای موجود در این گروه: آکاردئون دکمه ای، پریما بالالایکا، باس دومرا. ocarina، ضبط، kugikly; قاشق، جغجغه، روبل، مثلث، کوکوشنیک و غیره
سرپرست این گروه باید مهارت های اولیه نواختن تمام سازهای تشکیل دهنده گروه را داشته باشد و همچنین مهارت های نوشتن و خواندن موسیقی ارکستر را داشته باشد.
هنگام انتساب هنرجویان به ساز، باید توانایی ها، خواسته ها و ویژگی های خلقی آنها را در نظر گرفت. سازهایی مانند آکاردئون دکمه ای، پریما بالالایکا، باس بالالایکا، باس دومرا و همچنین هورن و ژالهیکا توسط پسران به بهترین وجه تسلط دارند، در حالی که پیپ، اوکارینا، ضبط و کوگیکلی بیشتر برای دختران مناسب هستند. سازهای کوبه ای توسط دانشجویان بخش زیبایی شناسی تسلط دارند، زیرا یادگیری این گروه از سازها بسیار آسان است و نیازی به آموزش اضافی ندارد. تنوع سازهای کوبه ای و تنوع تکنیک های رنگارنگ برای نواختن آنها، علاقه به کلاس های گروهی را حتی در بین دانش آموزان با توانایی های مختلف موسیقی برمی انگیزد. این کلاس ها در یک گروه حرفه ای برای دانش آموزان دپارتمان زیبایی شناسی شرایط اضافی را برای کلاس ها و اجرای کنسرت ایجاد می کند، این میل به مطالعه موسیقی را تحریک می کند و علاقه به موسیقی محلی را افزایش می دهد.
در مرحله اولیه یادگیری یک قطعه، می توان دروس گروهی کوچک (از 2 تا 6 نفر) برگزار کرد و دانش آموزانی را که سازهای مشابه (گروه های بالالایکا، آکاردئون دکمه ای، ژالکا، پیپ) می نوازند گرد هم آورد و کار فردی با دانش آموز انجام می شود. همچنین امکان تجزیه و تحلیل کامل و دقیق قطعات را فراهم می کند. در طول چنین درسی، معلم باید دانش آموزان را با ساز، اصول فرود، کوک و فنون اساسی نوازندگی آشنا کند. توجه ویژه به گروه سازهای کوبه ای بسیار مهم است، زیرا آنها اساس ریتمیک گروه هستند. برای گروهی از سازهای کوبه ای، کار با تمرین هایی برای تسلط بر الگوهای ریتمیک مختلف مفید است.
پس از تمرین‌های گروهی کوچک، کارگردان تمرین‌های تلفیقی را برای کل گروه ترتیب می‌دهد که در آن همه شرکت‌کنندگان بخش‌های خود را اجرا می‌کنند. در اولین تمرینات خلاصه با گروه، توصیه می‌شود کار را با تمرین‌های ساده برای تسلط بر سازها شروع کنید، به عنوان مثال: تمرین‌هایی که در مدت زمان زیاد برای کار بر روی کنترل صدای صاف و تعادل در گروه تنظیم می‌شوند، تمرین‌هایی که از نظر ریتمیک پیچیده نیستند. با استفاده از ضربات مختلف از همان اولین تمرین ها باید به اجرای صحیح ضربات، تمرین گروهی، رسیدن به وحدت اجرا توجه کرد. تمرینات نیز باید به طور جداگانه برای هر ساز انتخاب شوند، با هدف یادگیری یک تکنیک نوازندگی خاص. برای راحتی کار، توصیه می شود آثار را به قسمت های کوچک تقسیم کنید، اغلب این دوره ها هستند، و آنها را با اعداد مشخص کنید تا هنگام کار بر روی قسمت جداگانه ای از نمایشنامه مورد مطالعه، سردرگمی ایجاد نشود.
در طول هر تمرین، رهبر باید بر اساس مرحله ای که کار روی اثر موسیقی در آن است، اهداف خاصی را تعیین کند و از روش های مختلف کار استفاده کند.
کار بر روی یک قطعه موسیقی باید به چند مرحله تقسیم شود: بینایی خوانی، تجزیه، کار بر روی قطعات دشوار، یادگیری و اجرای کنسرت. همچنین باید ویژگی های گروه نوازی را به خاطر بسپارید: اجرای دقیق تکنیک ها و ضربات، یکنواختی ریتمیک، تولید همزمان صدا، تعادل بین سازها یا بین تک نواز و گروه.
برای ساختاردهی صحیح فرآیند آموزشی، لازم است به انتخاب مواد آموزشی مسئولانه برخورد شود.
هنگام انتخاب آثار، باید به دسترسی دانش آموزان، محتوای جذاب و تکنیک های نوازندگی آنها توجه شود؛ همچنین توصیه می شود قطعه ای با تک نواز در برنامه گنجانده شود که به لطف آن توانایی توسعه نوازندگی گروه آوازی-سازمانی وجود دارد. توسعه یافته است. توصیه می شود از آثار ژانرهای مختلف استفاده کنید.
فهرست رپرتوار جامع نیست. کارگردان می تواند آن را با تنظیم های فولکلوریک، آثاری از ژانرهای مختلف در تنظیم خودش تکمیل کند.
در سال آخر تحصیل، یک دوره کوتاه نظری در مورد تاریخچه اجرا در سازهای عامیانه روسی معرفی شد که 0.25 ساعت برای آن در نظر گرفته شده است (این زمان به صلاحدید معلم قابل تغییر است).
بخشی جدایی ناپذیر در پرورش یک نوازنده تمام عیار اجرای کنسرت است. چنین رویدادهایی تیم را بیشتر متحد می کند و احساس مسئولیت را در کودکان القا می کند.
این نوع موسیقی برای کودکان جالب است، به آنها اجازه می دهد تا به روح فرهنگ روسیه نفوذ کنند، کشور خود را دوست داشته باشند و به آنها احترام بگذارند.

توسعه روش شناختی "ویژگی های کار یک معلم-نوازنده با یک گروه ترکیبی در سنین مختلف

(آلات فولکلوریک نوازنده و نی، آواز، سازهای آرشه ای) در یک موسسه آموزشی اضافی"

این پیشرفت ممکن است برای معلمان آموزش تکمیلی، مدیران گروه ها هنگام سازماندهی گروه های هنری جالب و مفید باشد

دانلود:

پیش نمایش:

موسسه آموزشی غیر استاندارد بودجه دولتی

"کاخ خلاقیت جوانان شهر سنت پترزبورگ"

مرکز شهر برای توسعه آموزش بیشتر

دوره های تکمیلی

توسعه روش شناختی

«ویژگی های کار یک معلم-نوازنده با

گروه مختلط در سنین مختلف

(آلات عامیانه کنده شده و نی،

آواز، سازهای آرشه ای)

در یک موسسه آموزشی تکمیلی"

اکیمووا النا ولادیمیروا،

ولادیمیروا والنتینا آلکسیونا

معلمان آموزش تکمیلی

بودجه دولتی

موسسات آموزش بیشتر

کاخ خلاقیت کودکان

منطقه پتروگرادسکی

سنت پترزبورگ

سن پترزبورگ

2015-2016

یادداشت توضیحی

توسعه قرن‌ها فرهنگ موسیقی جهان تأیید می‌کند که اجرا، چه دستگاهی و چه آوازی، بدون موسیقی‌سازی گروهی غیرقابل تصور است.

یکی از روش‌های مؤثر و پرطرفدار برای آشنایی کودکان با هنر موسیقی، موسیقی‌سازی گروهی است که به هر دانش‌آموز این فرصت را می‌دهد تا متناسب با توانایی‌ها و سطح آموزشی خود، توانایی‌های خود را در هم‌آفرینی موسیقی جمعی نشان دهد. مطالعه ادبیات گروهی و تسلط بر مهارت های نوازندگی با هم جزء لاینفک سیستم آموزش نوازندگان جوان است. نوازندگی گروهی در دوره مدرن تقاضا و اهمیت خاصی پیدا کرده است. گواه این امر، تعداد زیادی مسابقات، جشنواره هایی است که به طور خاص به اجرای گروه اختصاص داده شده است، و انتشارات نت، که شامل تعداد زیادی تنظیم های مختلف از آثار محبوب رپرتوار کلاسیک و مدرن برای ترکیب های مختلف گروه است.

این پیشرفت ممکن است برای معلمان آموزش اضافی و رهبران گروه هنگام سازماندهی گروه های هنری جالب و مفید باشد.

این توسعه روش شناختی تجربه سازماندهی فعالیت های گروه مختلط سنی "آوریل" کاخ خلاقیت کودکان منطقه پتروگراد را ارائه می دهد. این تیم از ایده معلمان آموزش اضافی پدید آمد -گروه های مختلفی از سازها را به هم وصل کنید که صداهای زنگی متفاوتی از سازهای ارکسترهای فولک و سمفونیک دارند.

تیم ما در ترکیب خود غیر استاندارد است؛ شامل دانش آموزانی در سنین مختلف است که در برنامه های آموزش عمومی اضافی زیر تحصیل می کنند:

1. "گروه سازهای مردمی"؛
2. "گروه نوازندگان آکاردئون دکمه ای و آکاردئون"؛
3. "یادگیری ویولن"؛
4. "گروه آواز"

هدف سازماندهی یک گروه موسیقی ترکیبی چند سنی توسعه فعالیت اجتماعی و خلاقانه دانش آموزان از طریق گنجاندن آنها در یک فرآیند موسیقی مشترک است.

وظایف:

• آموزشی:

توسعه مهارت های ارتباطی در یک تیم در سنین مختلف؛

تقویت حس مشارکت؛

پرورش تحمل برای نوازندگان دیگر انواع آلات موسیقی، ژانرها و سبک های موسیقی؛

پرورش فرهنگ اجرای موسیقی؛

پرورش فرهنگ رفتار صحنه ای؛

پرورش ادراک عاطفی و اجرای آثار موسیقی؛

• در حال توسعه:

توسعه توانایی های تحلیلی دانش آموزان (توانایی گوش دادن و تجزیه و تحلیل عملکرد خود و همچنین عملکرد سایر گروه ها)؛

رشد گوش موسیقایی، حافظه و حس ریتم دانش آموزان؛

توسعه رویکرد خلاقانه برای اجرای آثار موسیقی؛

توسعه هماهنگی دست و بدن.

• آموزشی:

آشنایی با سازهای زهی، آرشه ای، عامیانه و نی;

شکل گیری مهارت های اجرای گروهی در دانش آموزان؛

شکل گیری مهارت های خواندن بینایی؛

شکل گیری مهارت های اجرای صحنه.

مطالعه سواد موسیقی و تئوری موسیقی ابتدایی.

همه افراد از 6 تا 18 سال در تیم های خلاق برنامه های آموزشی پذیرفته می شوند. در اولین دروس، تست‌هایی برگزار می‌شود که در آن توانایی‌های موسیقایی کودکان آشکار می‌شود و بسته به توانایی‌هایشان به گروه‌هایی از سازها اختصاص می‌یابد.

شرایط سازماندهی یک گروه ترکیبی و ویژگی های کار تمرینی

شرط اصلی سازماندهی چنین تیم خلاقی، اجتماع معلمان آموزش اضافی با هدف یافتن ایده های جدید است.

یک گام مهم برای فعالیت های موفق، برنامه ریزی کار است. معلمان در مورد یک برنامه کاری برای هر انجمن کودکان فکر می کنند و به دنبال نقاط تماس مشترک هستند. برنامه های سالانه کنسرت و مسابقه تهیه می شود.

نقاط تماس:

• رپرتوار عمومی
• تمرینات عمومی
• اجراهای مشترک

کار بر روی آثار در هر انجمن با یادگیری مواد موسیقی در درس های فردی یا تمرین در گروه های کوچک آغاز می شود.

نقش مهمی در این مرحله توسط نوازنده ایفا می شود که به درک کامل اثر موسیقی کمک می کند. دانش‌آموزان بلافاصله یاد می‌گیرند که در کل صدای قطعه به نقش خود گوش دهند و همچنین قطعات صداهای دیگر را بشنوند. علاوه بر مطالعه مواد موسیقایی و ضربات، کار روی تصویر و شخصیت موسیقی آغاز می شود. مهمانی ها برای تسلط بر مشکلات فنی بیشتر با سرعت کم تمرین می شوند.

در کلاس های بدون همراه اول از همه، مکان هایی در قسمت که بیشترین مشکل را ایجاد می کنند شناسایی می شوند - فنی، ملودیک، ریتمیک و کار به طور جداگانه روی مکان های دشوار انجام می شود و با ضربه زدن، انگشت گذاری به اجرای واضح و صحیح آن می رسد. ، و دینامیک.

بعد از اینکه بچه ها به نت نویسی مسلط شدند، تمرینات در هر گروه از سازها شروع می شود. در اینجا دشواری در اجرای همزمان یک صدا یا چندین صدا در صورت وجود تقسیم در یک نوع ساز به وجود می آید. در این مرحله کار بر روی سکته های کلی، پویایی، جستجوی وسایل بیانی و همچنین کار بر روی محتوای فیگوراتیو و احساسی آثار در حال انجام است.

و مرحله بعدی کار در آماده سازی برای اجرا، تمرینات تلفیقی است که در آن همه گروه های سازهای گروه ترکیب می شوند. یک رویکرد متمایز استفاده می شود، تنوع ترکیب آلات موسیقی مختلف:

• دومرا – بالالایکا – سازهای عامیانه نی
• ویولن - آواز
• ویولن – آواز – نی و سازهای محلی و غیره.

هنگام کار با کودکان، برای هر کودک از یک رویکرد فردی استفاده می شود، هر کدام بسته به سطح به دست آمده از مهارت های اجرا، نقش خود را در گروه ایفا می کنند. در تمرینات به کار روی تصویر و فرم هنری آثار توجه ویژه ای می شود. دانش‌آموزان با کار دشواری مواجه می‌شوند که به طور هماهنگ نقش خود را به صدای کلی یک گروه چندتایی وارد کنند و ملودی را که در صداهای مختلف اجرا می‌شود بشنوند.

انتخاب رپرتوار

بسته به الزامات برنامه کنسرت و مسابقه، معلمان رپرتوار مناسبی را برای برنامه آموزش عمومی خود انتخاب می کنند. یک رپرتوار یکپارچه کنسرت به طور مشترک توسط همه معلمان بر اساس توانایی های اجرایی دانش آموزان انتخاب می شود.

یک رپرتوار خوب و باکیفیت اساس فعالیت خلاقانه هر گروه هنری است که باعث رشد مهارت های اجرایی و هنری اعضای گروه می شود و در عین حال به رشد ذائقه هنری مجریان کمک می کند. و همچنین مردم. باید با دقت آثاری را انتخاب کرد که ارزش هنری داشته باشند، محتوای جذاب را با کمال فرم، با ابزارهای بیانی بدیع و متنوع که واقعاً شنوندگان را مجذوب خود کرده و استعدادهای هنری هنرمندان را آشکار کند، ترکیب کرد.

ایجاد نمره

سازهای خوش ساخت یکی از عوامل تعیین کننده برای اجرای موفق گروه است. برای جمع‌آوری دقیق امتیاز، ویژگی‌های هر گروه از سازها را مورد مطالعه قرار دادیم: محدوده عملیاتی، قابلیت‌های دینامیکی، ویژگی‌های صدای تایم و قابلیت‌های خط. بسته به کاراکتر، بافت، تمپو و پویایی کار، کارکردها را تقسیم بندی می کنیم و با توجه به کیفیت خاص سازها و نحوه نواختن هر کدام، مطالب را ارائه می کنیم.

ویژگی های آلات موسیقی

گروه ما شامل گروه های زیر از آلات موسیقی است: دومرا، بالالایکا، آکاردئون، آکاردئون دکمه ای، ویولن و آواز.

هر گروه و همچنین سازهای جداگانه دارای پالت غنی از رنگ های روشن و جداگانه هستند که در اجرای ملودی ها، پژواک ها، قطعات و در ترکیب های مختلف با سازهای دیگر استفاده می شود. اجازه دهید در مورد ویژگی های مختصر آلات موسیقی اصلی گروه خود صحبت کنیم.

محدوده عملکرد استاندارد یک ویولن از ""اکتاو کوچک به"» اکتاو چهارم .

صدای ویولن - ضخیم در رجیستر کم، نرم و لطیف– متوسط ​​و سبک، براق– در بالا. ویولن به دلیل نزدیک بودن صدا به صدای انسان و توانایی ایجاد تاثیر احساسی قوی بر شنوندگان، مناسب ترین ساز برای نواختن یک خط ملودیک است. او همچنین می تواند یک عملکرد همراه را در یک گروه انجام دهد. از آنجایی که صدای ویولن بسیار روشن است، معمولاً از یک لمس پیزیکاتو برای همراهی بخش انفرادی گروهی از دومراها و بالالایکاها استفاده می‌شود، یا بخش همراه با پویایی آرام‌تری نسبت به گروه انفرادی اجرا می‌شود. شباهت طناب ساز با تن صدا، امکان صدای هماهنگ با قسمت آوازی را ایجاد می کند. با در نظر گرفتن این ویژگی، ویولن می تواند صداهای حمایتی یا یکی از صداهای یک اثر آوازی چندصدایی را اجرا کند.

در سن 10 تا 12 سالگی، صدای آواز کودکان به سه دسته (دارای دامنه ای از نت "C" اول تا "A" اکتاو دوم، متحرک، صدادار) و آلتو (یک پایین تر و کمتر) تقسیم می شود. صدای تلفن همراه از سه گانه، از نت G کوچک تا G اکتاو دوم متغیر است).

دومرا کوچک است. دامنه دومرا کوچک از "E" از اکتاو اول تا "A" از اکتاو سوم است. ساخت - mi، la، re. ابزار غیر انتقالی است. رجیستر کم - نرم، آبدار. تکنیک اصلی نواختن "ترمولو" است. ضربه "staccato" با حرکت "P" رو به پایین یا "V" رو به بالا انجام می شود. پیزیکاتو تکنیک بازی با نیشگون گرفتن (انگشت حلقه یا شست) است. domra کوچک دارای صدای یکنواخت و روشن در کل محدوده است. در رجیسترهای پایین و متوسط ​​روی دومرای کوچک، ملودی‌هایی با ماهیت آهنگین به صورت رسا به صدا در می‌آیند. محدوده پریما بالالایکا از "E" از اکتاو اول تا "D" از اکتاو سوم است. در رجیستر پایین صدای ساز خفه تر از رجیستر میانی است. بالالایکا قابلیت های زیادی برای اجرای ملودی هایی با طبیعت ملودیک با نت های دوتایی و سه گانه با استفاده از تکنیک های زیر دارد: جغجغه، پیزیکاتو، ویبراتو.

در گروه ما، بخش دومرا و بالالایکا هم یک عملکرد ملودیک (تکنیک های اصلی: ضربات پایین و بالا، پیزیکاتو، هارمونیک ها) و هم یک عملکرد همراه را انجام می دهند. با توجه به اینکه دومرا و بالالایکا از نظر صدا نسبت به سایر گروه‌های سازهای گروه ما پایین‌تر هستند، هنگام نواختن یک قطعه انفرادی باید به صورت پویا برجسته شوند.

بالالایکا آلتو، مانند دومرا آلتو، یک اکتاو به پایین منتقل می شود. دامنه بالالایکا از نت "E" اکتاو کوچک تا "C" اکتاو دوم و دومرا از نت "E" اکتاو کوچک تا "A" از اکتاو دوم است. آلتو بالالایکا عمدتاً به عنوان همراه اجرا می شود. رجیستر پایین و متوسط ​​آلتو بالالایکا بیشترین استفاده را دارد. آلتو دومرا صدایی ملایم و سینه‌ای در تن صدا دارد. در کارهایمان، بخش‌های آلتو بالالایکا را با ماهیت ساب آوازی، اجرای انواع فیگوراسیون هارمونیک در یک نت می‌دهیم.

آکاردئون و آکاردئون دکمه ای غیبت سازهای بومی بادی در ارکستر سمفونیک را جبران می کند. ما از صفحه کلید سمت راست ساز استفاده می کنیم که دامنه آن از «G» اکتاو اصلی تا «E» اکتاو چهارم است. ما همچنین اغلب از این سازها به عنوان همراه استفاده می کنیم و عملکرد پیانو را انجام می دهیم.

نتیجه

این توسعه روش شناختی تجربه سازماندهی فعالیت های گروه مختلط سنی "آوریل" کاخ خلاقیت کودکان منطقه پتروگراد را ارائه می دهد.

گروه آواز و ساز "آوریل" اخیراً (کمتر از 5 سال) در کاخ خلاقیت کودکان وجود داشته است ، اما نتایج کار معلمان و دانش آموزان قبلاً ظاهر شده است: دیپلم و جوایز در مسابقات (به پیوست 3 مراجعه کنید). تجربه ما همچنین به سایر مدیران گروه های هنری علاقه مند شد که آمادگی خود را برای همکاری با گروه ما اعلام کردند. نتیجه اجرای مشترک در کنسرت ها، مسابقات و جشنواره ها با گروه ها و گروه های کر مختلف بود.

در طول فرآیند یادگیری، طبق برنامه‌های آموزشی عمومی اضافی، بچه‌ها مهارت‌های اجرای موسیقی را در عمل تسلط یافتند، موسیقی بینایی خواندنی، نواختن گروهی و شنیدن یکدیگر را در یک گروه یاد گرفتند.

روش آموزش بازی به صورت گروهی ترکیبی شامل رویکرد فردی به هر کودک با در نظر گرفتن توانایی ها، شخصیت، سلامت جسمانی او است و به صورت بازیگوش ارائه می شود. ما از کودکان دعوت می کنیم دیدگاه خود را بیان کنند، تصویری هنری بیابند و در نتیجه تفکر خلاقانه، تخیل، خلاقیت، حافظه، توجه را توسعه دهند، دایره لغات خود را در اصطلاحات موسیقی افزایش دهند و مهارت های موسیقی و اجرا را توسعه دهند. به اعضای گروه مسئولیت اجرای قطعات در مقابل نوازندگان دیگر آموزش داده می شود، گوش آنها به موسیقی رشد می کند و از نزدیک با آلات موسیقی آشنا می شوند. هنگام کار با یک گروه، معلم باید روند آموزشی را نیز در نظر بگیرد: به کودکان بیاموزد که به یکدیگر احترام بگذارند، حس جمع گرایی، رفاقت، کمک متقابل را القا کنند و از این طریق به رشد شخصیت هر کودک کمک کنند.

علاوه بر توسعه مهارت های آوازی و فنی، کار گروه بر روی آثاری مانند "اسباب بازی" وی. کازما و "آهنگ چیزهای زیبا" اثر آر. راجرز به القای عشق به موسیقی در کودکان کمک می کند که به نظر ما این عشق را در کودکان ایجاد می کند. ، در آموزش دانش آموزان بسیار مهم است. کار تیم بر روی آثار موسیقی، که اجرای آن شامل آلات موسیقی مختلف است، منجر به "رشد" عظیم تیم می شود.

کتابشناسی - فهرست کتب

1. کارگین، A. S. کار با ارکستر آماتور سازهای محلی روسیه // ویرایش سوم، اد. T. Ershova، M.: "موسیقی"، 1987. - 41 ص.
2. چولاکی، M. I. سازهای ارکستر سمفونیک // ویرایش سوم، ویرایش. ک. کندخچان، م.: «موسیقی»، ۱۳۵۱
3. Lebedev, S. N. کتاب روسی درباره FINALE // سن پترزبورگ: "آهنگساز"، 2003.
4. Raeva, O. A. مسائل مربوط به تشکیل رپرتوار برای گروه های سازهای عامیانه روسی. توسعه روش شناختی، جمهوری کریمه، 2014.

تمرین عمومی ارکستر یکی از اشکال اصلی کار آموزشی و خلاقانه گروه است. قرار گرفتن مجریان برای کار موفق تیم مهم است. صندلی ها و کنسول های موسیقی به گونه ای قرار گرفته اند که رهبر ارکستر بتواند هر یک از اعضای ارکستر را به وضوح ببیند و برای آنها قابل مشاهده باشد.
تمرین با کوک دقیق سازها شروع می شود که همیشه برای همان ساز (آکاردئون یا ابوا) انجام می شود. تمرینات دو تا سه ساعت طول می کشد و بعد از هر 45-50 دقیقه کار استراحت می شود.

سرعت تمرین مهم است. توصیه می شود از توقف های غیرضروری که ارکستر را ضعیف و خسته می کند و منجر به از بین رفتن علاقه خلاقانه به کار می شود، خودداری کنید. توقف در حین تمرین همیشه باید موجه باشد. رهبر ارکستر را متوقف کرده و منتظر سکوت است، رهبر ارکستر را خطاب قرار می دهد، از توضیحات پرمخاطب اجتناب می کند، به زبانی در دسترس و کاملاً پرانرژی صحبت می کند.
تجزیه و تحلیل نمایشنامه های دشوار و توسعه قطعات پیچیده فنی معمولاً در نیمه اول تمرین انجام می شود. بهتر است درس را با تکرار مطالب تمام شده پایان دهید، قطعاتی که به خصوص ارکستر آن را دوست دارد. تهیه یک اثر، از اولین آشنایی تا اجرای عمومی، فرآیندی پیچیده و یکپارچه خلاقانه است که تمامی مراحل آن ارتباط تنگاتنگی با یکدیگر دارند.
رهبر ارکستر خیلی قبل از شروع تمرین کار خود را شروع می کند. ابتدا نمره کار را به طور دقیق و عمیق مطالعه می کند و دامنه موضوعات مورد بررسی بسیار گسترده است. این شامل مطالعه بیوگرافی خلاقانه آهنگساز، زمان خلقت، تاریخچه خلق این اثر و سنت اجرا می شود.

حتی در آشنایی اولیه با اثر، درک آن به عنوان یک کل بسیار مهم است: خواندن موسیقی با پیانو یا به زبان آوردن ذهنی آن. در همان زمان، یک ایده کلی از تصاویر اساسی موسیقی، ساختار و دراماتورژی توسعه مواد ایجاد می شود. در مرحله بعد، تجزیه و تحلیل نظری کل نگر از ضروری ترین عناصر زبان موسیقی، هارمونی، ملودی، تمپو، ریتم متر، دینامیک، عبارت بندی مورد نیاز است. بر اساس یک مطالعه جامع و درک نظری دقیق از نمره، رهبر به تدریج ایده ای از برنامه عملکرد ایجاد می کند.
رهبر ارکستر پس از مطالعه تمام جزئیات موسیقی، دوباره کار را به طور کلی پوشش می دهد، اما در یک سطح جدید و بالاتر، و همه جزئیات را در یک ارائه هماهنگ واحد ترکیب می کند. تنها پس از ترسیم یک مفهوم هنری روشن، زمانی که یک برنامه اجرایی مشخص شکل گرفت، می توان به تمرینات با ارکستر ادامه داد.
قبل از شروع تمرین، رهبر باید حضور همه قسمت ها را بررسی کند، آنها را با امتیاز بررسی کند، و نحوه صحیح قرارگیری منابع دیجیتال و دینامیک را روشن کند. لازم است در مورد ضربات هر بخش ارکستر فکر کرد و آنها را بدون استثنا در همه صداها روشن کرد، تمام مشکلات فنی را شناسایی کرد و راه های غلبه بر آنها را با در نظر گرفتن سطح اجرای نوازندگان ترسیم کرد. گاهی اوقات در بازی ها نمایش پیچیده ای از قطعات منفرد، جهش هایی که برای اجراکنندگان ناخوشایند است، تسیتورا بسیار بالا و غیره وجود دارد. در این مورد، ویرایش ویرایشی ضروری است. البته چنین ویرایشی باید با دقت زیادی انجام شود، بدون اینکه به هیچ وجه قصد نویسنده را نقض کند.

تجربه نشان می دهد که کار مثمر ثمر در یک تمرین بدون یک برنامه کاملاً اندیشیده شده غیرممکن است. نتیجه خودآمادگی رهبر باید این باشد: یک تفسیر ثابت از کار، قسمت های اصلاح شده، یک برنامه تمرین واضح. به طور کلی، طرح کار برای تمرین روی یک قطعه به مراحل زیر می رسد: نواختن قطعه به طور کامل (در صورتی که سطح فنی ارکستر اجازه دهد)، کار روی جزئیات، پایان نهایی قطعه. دنباله این مراحل، مانند کار پیش از تمرین رهبر بر روی موسیقی، از اصل پیروی می کند - از کلی به خاص، و پس از آن بازگشت به کلی.

رهبر ارکستر هنگام نواختن یک قطعه این فرصت را دارد که توجه اجراکنندگان را به قسمت‌های دشوار ارکستری جلب کند و به‌طور کلی، ارکستر را با مفهوم اجرا آشنا کند. هنگام نواختن، نامگذاری اعداد مفید است که به ارکسترها کمک می کند تا در قسمت های خود حرکت کنند. اگر اثر در حرکت آرام باشد، می توان آن را با سرعت تعیین شده توسط نویسنده خواند. قطعات از نظر فنی پیچیده باید با سرعت کمتری معرفی شوند تا اعضای ارکستر بتوانند جزئیات فردی قطعه را بهتر درک کنند. لازم است از همان ابتدا به هرگونه مظاهر لحن کاذب یا تحریف متن موسیقی اشاره شود. رهبر ارکستر که موسیقی را به خوبی می داند، حتی یک خطایی را که ممکن است در نت ها ظاهر شود یا به طور تصادفی به دلیل تقصیر ارکستر رخ دهد، از دست نخواهد داد. شنیدن دروغ چندان دشوار نیست؛ تشخیص اینکه کدام ساز آن را دارد دشوارتر است. هر چه رهبر ارکستر تمام صداهای موسیقی را واضح تر تصور کند، زودتر این موضوع را تعیین می کند و بنابراین زمان کمتری را برای تصحیح خطاها از دست می دهد.

اگر در یک قطعه مشکلات ارکستری وجود دارد، مفید است که تمرین را از آنجا شروع کنیم و از گروه های جداگانه بخواهیم تا قسمت سخت را اجرا کنند و سپس دستورات لازم را بدهیم. اگر یک قطعه کار نمی کند، باید برای توضیح فردی علامت گذاری شود. در یک تمرین عمومی، لازم است که کل تیم درگیر باشند و برای مدت طولانی فقط با یک گروه کار نکنند. هادی باید ایده روشنی از آنچه در این مرحله از کار می توان به دست آورد و آنچه که تنها پس از مدتی انجام می شود داشته باشد.

از همان اولین تمرین ها، توجه رهبر ارکستر باید به طور مداوم از درک جنبه فنی اجرا به سمت جنبه هنری معطوف شود. اگر مجری بفهمد که برای غلبه بر آنها به چه هدف هنری نیاز دارد، می توان سریعتر بر همه مشکلات فنی غلبه کرد. کار تمرینی باید او را متقاعد کند که حل مشکلات فنی به خودی خود یک هدف نیست، بلکه وسیله ای برای تجسم روشن و گویا از محتوای اثر است.
کار دقیق در حین تمرین باید به همه ابزارهای بیان مربوط باشد. سایه های پویا یکی از ابزارهای بیانی است که به آشکار شدن تصویر موسیقایی یک اثر کمک می کند. رهبر ارکستر بر اساس تجزیه و تحلیل کامل کار، با در نظر گرفتن الزامات سبک، ظرافت درست ناشی از محتوای موسیقی را پیدا می کند. در عین حال، تعیین نقطه اوج اصلی، که تمام پیشرفت های قبلی به سمت آن گرایش دارد، و اوج های ثانویه، با تأکید بر لحظات تنش پویا در بخش ها و قسمت های جداگانه، مهم است.

به عنوان مثال، برای یک ارکستر، اجرای بلند و پایین های بلند در سونوریتی یک مشکل شناخته شده است. ارکستر با کمال میل کرسندو را اجرا می کند که معمولاً خیلی زود به اوج خود می رسد و در دیمینوندو خیلی زود به پیانیسیمو روی می آورد. می‌توانید با پیروی از تکنیک معروف، به عنوان مثال با کرشندو، از این امر جلوگیری کنید: ساختن را با صدایی آرام‌تر شروع کنید، سپس افزایش تدریجی آن حاصل می‌شود. باید به خاطر داشت که ماهیت و درجه قدرت هر یک از تفاوت های ظریف از ویژگی های سبک کار ناشی می شود. مطلوب است که هرگونه تغییر در تفاوت های ظریف در ژست هادی منعکس شود. دامنه و شدت ژست باید در همان اولین تمرین برای اعضای ارکستر تأیید، واضح و قابل درک باشد.
رهبر ارکستر موظف است از قبل به کل عبارت اثر با جزئیات فکر کند تا ساختار عبارت موسیقی را برای اجراکنندگان در طول تمرین رمزگشایی کند. حتی نوازندگان با تجربه موسیقی را متفاوت احساس می کنند و وظیفه رهبر ارکستر این است که افراد مختلف را متحد کند و آنها را تابع یک مفهوم واحد کند.
هنگام تمرین عبارت، می توانید از روش های مختلفی برای تسلط بر آن استفاده کنید. فقط یک ژست کافی نیست. تجزیه شفاهی عبارت و شناسایی نقاط مرجع آن بسیار مفید است. اغلب اوقات شما مجبورید سولفژ کنید. برای این کار لازم نیست صدایی آموزش دیده و زیبا داشته باشید، بلکه باید واضح، خالص و رسا آواز بخوانید. نوازندگان ارکستر تنها در صورتی از صدای ارکستری منعطف اطمینان حاصل می کنند که همه درک مشترکی از عبارت داشته باشند.

دستیابی به اجرای خوب گروه یکی از سخت ترین کارها در کار با ارکستر است. به خوبی شناخته شده است که اجرای مشترک قبل از هر چیز مستلزم درک یکسانی از هدف هنری اثر است - هم از نظر محتوا و ویژگی های سبکی و هم در هر چیزی که به سرعت، پویایی و ضربه ها مربوط می شود.
بر اساس بافت قطعه، رهبر ارکستر باید به اعضای ارکستر کمک کند تا نقش و اهمیت نقش خود را در هر قسمت به وضوح تصور کنند. اغلب، نوازندگان ارکستر تازه کار تلاش می کنند تا نقش خود را تا حد امکان واضح اجرا کنند، آن را بیش از حد بیرون می رانند، و اهمیتی به این موضوع ندارند که چگونه این کار بر صدای کلی تأثیر می گذارد. از سوی دیگر، اغلب مواردی از عملکرد ترسو به دلیل ترس کاذب وجود دارد. برای رفع این کاستی ها لازم است که نوازندگان ارکستر درک روشنی از نقش نقش خود در کل بافت ارکستری پارتیور داشته باشند. یک اشتباه نسبتاً رایج، بارگذاری بیش از حد صدای طرح "ثانویه" است که با از دست دادن تعادل بین صداهای پیشرو و همراه همراه است. با این حال، نمی توان با درک ابتدایی پرسپکتیو صدا کنار آمد، که در این واقعیت خلاصه می شود که اولین هواپیما باید با صدای بلند پخش شود و هواپیمای دوم باید بی سر و صدا پخش شود. صدای هر دو هواپیما همیشه به هم مرتبط است و شکاف بیش از حد در قدرت صدا نامطلوب است. تعادل صدا باید نه تنها توسط هادی، بلکه توسط خود نوازندگان نیز کنترل شود.

در دستیابی به اجرای یک گروه، صحت و دقت ضربات بسیار مهم است. هادی گاهی اوقات در انتخاب ضربه ها آزادی عمل دارد: همه ضربه ها در امتیازها نشان داده نمی شوند. و نواختن با ضربات مختلف به ویژه بر روی سازهای زهی ماهیت نوشتار موسیقی را مخدوش می کند. از آنجایی که رهبر یک ارکستر محلی باید بر سازهای اصلی تسلط داشته باشد، برای او یا همراه با همنوازان گروه مفید خواهد بود که چندین نوع ضربه را امتحان کند، صحیح ترین آنها را بیابد و به ارکستر ارائه دهد. در دوره اولیه، برای هادی مفید است که به صورت قطعاتی کار کند و به همان ضربه برسد. خطوط مشخص شده در قطعات را معمولاً می توان توسط معمولی ترین نوازنده ارکستر اجرا کرد و وظیفه رهبر این است که به طور مداوم به بیان خط برسد.

در عمل، رهبر ارکستر باید دائماً با یک نقص عملکرد بسیار رایج مبارزه کند: تغییرات در پویایی، اجراکنندگان بی تجربه را تشویق می‌کند تا از سرعت منحرف شوند. با بالا رفتن صدا، به طور معمول، سرعت سرعت بالا می رود و زمانی که کاهش می یابد، سرعت آن کاهش می یابد. همان نقض غیرقانونی تمپو را می توان در هنگام تغییر عباراتی که به شدت در ماهیت موسیقی و بافت متفاوت است مشاهده کرد. رهبر ارکستر باید مرتبا نظم و انضباط ریتمیک مناسب را در ارکستر پرورش دهد. در کار تمرین باید به کیفیت صدا توجه زیادی شود، زیرا اغلب نوازندگان ارکستر بی تجربه نمی دانند چگونه خود را کنترل کنند. هادی باید به دقت بر تولید صدای خوب نظارت داشته باشد که این امر به زاویه صحیح پیک نسبت به سیم بستگی دارد. (به عنوان مثال، در یک گروه domra، ممکن است یک صدای "باز" ​​ناخوشایند ظاهر شود.) اغلب، صدای بی کیفیت نیز به دلیل فشار ضعیف سیم به فرت رخ می دهد. برخی از نوازندگان ارکستر با ترمولوی بد می نوازند و در حرکت از سیم به سیم دیگر در کنتیلنا ​​مشکل دارند و وظیفه رهبر ارکستر این است که به نوازندگان ارکستر تشخیص صدای خوب از بد را آموزش دهد.
هنگام کار بر روی یک گروه اجرا، باید به خاطر داشته باشید که اگر ساز رهبری ملودی به سختی شنیده می شود، نباید آن را مجبور به نواختن با قدرت کنید. این امر همچنین منجر به صدای بی کیفیت خواهد شد. بهتر است با خاموش کردن سازهایی که صدای تکنوازی را می پوشانند، تایم ساز مورد نظر را برجسته کنید.

گاهی اوقات اتفاق می افتد که اعضای ارکستر بلافاصله دستورات رهبر را درک نمی کنند یا به دلیل پیچیدگی فنی نمی توانند نیازهای او را برآورده کنند. سپس رهبر ارکستر، پس از یادآوری وظیفه اجرا، باید عبارت موسیقی را هر چند بار که لازم است تکرار کند. در غیر این صورت، اعضای ارکستر احساس خواهند کرد که رهبر ارکستر به این واقعیت که کیفیت اجرا ثابت می ماند، پاسخ نمی دهد. با این حال، در صورتی که بر مشکل غلبه نشد و مطالعه مستقل قطعه ضروری باشد، رهبر ارکستر با ارائه دستورالعمل های مناسب، به کار بر روی بخش بعدی قطعه ادامه می دهد. به دلیل خطاهای تصادفی کوچک توسط مجریان، نیازی به توقف اجرا نیست. شما می توانید از یک حرکت یا کلمه برای جلب توجه اجرا کننده استفاده کنید و اشتباه را بدون توقف کل ارکستر تصحیح کنید.
در تمرین تمرین، مواقعی وجود دارد که حتی در صورت وجود نقص در اجرا، توسل به توقف توصیه نمی شود. چنین موقعیت هایی به وجود می آیند، برای مثال، اگر مجریان قبلا خسته شده باشند. رهبر باید وضعیت ارکستر را احساس کند و در چنین مواردی، موسیقی بیشتری بنوازد: به اعضای گروه این فرصت را بدهد که از موسیقی لذت ببرند، یا برعکس، گاهی اوقات ارزش دارد که نوازندگی را متوقف کرده و با یک شوخی ارکستر را سرگرم کند. ، داستانی جالب در مورد موسیقی، آهنگساز و غیره.
ساختار تمرین باید به گونه‌ای باشد که همه گروه‌های ارکستر بدون وقفه طولانی در کار شرکت کنند، به طوری که هر اجراکننده در هر لحظه آماده حضور در کار باشد. سایر شرکت کنندگان

پس از تجزیه و تحلیل نمایشنامه و کار دقیق روی جزئیات، مرحله نهایی فرا می رسد. این شامل صیقل دادن و ترکیب جزئیات فردی در یک کل واحد، رساندن ترکیب به سرعت نهایی و ایجاد سهولت و آزادی لازم در اجرا است. موفقیت تمرینات تا حد زیادی به توانایی رهبر در برقراری ارتباط با گروه بستگی دارد. کار با ارکستر مستلزم صداقت، پشتکار، دقت و صبر است. رفتار رهبر ارکستر در حین تمرین باید نمونه ای برای اجراکنندگان باشد - فرد باید باهوش، منظم و جمع باشد. او نباید ناراحتی خود را نشان دهد، وقتی چیزی برای مدت طولانی در ارکستر کار نمی کند عصبی شود و علاوه بر این، غرور شرکت کنندگان را آزار دهد. رهبر تیم باید همیشه درست، در حین تمرین مطالبه گر و در برقراری ارتباط خارج از زمان کلاس ساده و انسانی باشد. در اینجا مناسب است سخنان رهبر ارکستر معروف برونو والتر را نقل کنیم که در مورد این جنبه مهم از ظاهر رهبر ارکستر گفته است: «. رهبر ارکستر خودش موسیقی نمی آفریند، او این کار را با کمک دیگران انجام می دهد که باید بتواند آنها را از طریق حرکات، کلمات و تأثیر شخصیت خود هدایت کند. نتیجه فقط به توانایی او در رهبری مردم بستگی دارد. در اینجا استعداد ذاتی نقش تعیین کننده ای ایفا می کند - ما در مورد توانایی ابراز اراده، تأثیر فردیت فرد صحبت می کنیم - و این ویژگی باید با کار مداوم و با استفاده از تجربه روزمره توسعه یابد. فردی که اقتدار ندارد، از اراده پویا محروم است، حتی اگر استعداد، توانایی و دانش موسیقایی داشته باشد، نمی تواند جایگاهی قوی داشته باشد. او می‌تواند خود و احساساتش را با مهارت زیاد روی پیانو، روی ویولن بیان کند، اما هرگز ارکستر را به ابزاری تبدیل نمی‌کند که از او اطاعت کند.»

رپرتوار اساس فعالیت خلاقانه هر گروه هنری است. یک رپرتوار جامد و با کیفیت برای گروه‌های سازهای عامیانه روسی باعث رشد مهارت‌های اجرایی و هنری شرکت‌کنندگان می‌شود و در عین حال به توسعه ذائقه هنری مردم کمک می‌کند.

لازم است آثاری که ارزش هنری دارند، ترکیبی از محتوای جذاب با کمال فرم، با ابزارهای بیانی بدیع و متنوع که واقعاً شنوندگان را مجذوب خود کرده و استعدادهای هنری هنرمندان را آشکار کند، انتخاب کرد.

در شکل گیری رپرتوار، انتخاب اعضای گروه و میزان مهارت های اجرایی آن ها از اهمیت بالایی برخوردار است. به سختی می توان شنوندگان امروزی را با نواختن قطعات ساده یا غیرقابل قبول هنری جذب کرد. ما به آثار روشن، به یاد ماندنی و احساسی نیاز داریم که رضایت زیبایی شناختی واقعی را ارائه دهند.

هنگام انتخاب رپرتوار برای یک گروه سازهای عامیانه روسی، باید نه تنها وظایف آموزشی را در نظر گرفت، بلکه هدف نهایی کار آن - اجرای کنسرت را نیز تصور کرد. یک تیم خلاق از لحاظ هنری کامل باید آثاری در ژانرها و سبک های مختلف اجرا کند.

رپرتوار اجرای کنسرت باید با در نظر گرفتن آمادگی، سطح درک موسیقایی و سلیقه مخاطب انتخاب و تنظیم شود. مأموریت آموزشی بزرگی که به این گروه سپرده شده است شامل محبوبیت بهترین آثار در گسترده ترین حلقه های شنوندگان است. برای یک کنسرت موفق، لازم است آثار دشوار درک را با آثار محبوب تر، شماره های دستگاهی با اجرای خوانندگان انفرادی ترکیب کرد.

هنگام تنظیم یک برنامه کنسرت، کارگردان باید تمرکز کنسرت (سخنرانی-کنسرت، کنسرت وقت ناهار، کنسرت تعطیلات و غیره) و مکان آن (سالن کنسرت بزرگ، صحنه یک باشگاه روستایی، اردوی صحرایی، و غیره)

در برنامه های کنسرت، ترتیب اعداد از اهمیت بالایی برخوردار است. یکی از اصول طراحی برنامه:

جایگزینی اعداد جدی با اعداد سرگرم کننده تر.

اعدادی که بیشتر مورد پسند مخاطبان هستند باید در انتهای برنامه اجرا شوند.

کنتراست، انتشار و سوئیچ، و تنوع ژانر مورد نیاز است.

وظایف اصلی یک ابزارساز.

سازهای خوش ساخت یکی از عوامل تعیین کننده برای اجرای موفق گروه است. بسته به ماهیت کار، بافت، تمپو، دینامیک و غیره. سازساز باید کارکردها را جدا کرده و با توجه به کیفیت خاص سازها و نحوه نواختن هر یک از آنها مطالب را ارائه دهد.

برای این کار کافی نیست که او فقط ساختار و محدوده سازهای تشکیل دهنده گروه را بداند. برای درک بهتر ویژگی‌های تن، دینامیک و خط صدا، باید مهارت کافی در نواختن این سازها داشته باشد.

یک نوازنده واقعاً پس از مدت طولانی کار با گروه شروع به "شنیدن" گروه می کند. او با ساز برای یک آهنگسازی دائمی، شروع به تصور همه گزینه های ممکن برای رابطه سازها می کند. تغییر در ترکیب حداقل یک ساز (افزودن یا جایگزینی یک ساز با ساز دیگر) باعث توزیع متفاوت عملکردها، صدای متفاوت گروه به عنوان یک کل می شود.

سازساز باید همیشه به یاد داشته باشد که عملکرد سازها در یک گروه با استفاده سنتی از آن سازها در ارکستر متفاوت است. اول از همه، آنها گسترش بیشتری پیدا می کنند: هر ساز، بسته به موقعیت موسیقی در حال ظهور، می تواند عملکردهای انفرادی و همراه را انجام دهد.

علاوه بر این، تفاوت همچنین در استفاده کاملتر از قابلیت های بیانی هر ساز، در استفاده از تکنیک های مختلف نوازندگی است که معمولاً در تمرین تکنوازی استفاده می شود.

سازنده ساز همچنین باید در هنگام نواختن موسیقی ارکسترال برای یک گروه بسیار مراقب باشد. در این صورت نیازی به سرمایه گذاری کامل تمام صداها در نت نیست. کافی است موارد اصلی را برجسته کنیم: ملودی، همراهی هارمونیک، باس و سایر عناصر بافت موسیقی که شخصیت اصلی را تعیین می کنند و بر این اساس سازبندی اثری را ایجاد کنیم که در یک صدای گروهی، نه تنها از دست نمی رود. چهره‌اش، اما از طریق بازاندیشی، ویژگی‌های جدیدی به دست می‌آورد.

سازساز علاوه بر مسائل کلی، نیاز به درک خوبی از ویژگی های ساز برای آهنگسازی ترکیبی دارد.

مختلط گروه هایی هستند که از سازهایی با منابع صوتی مختلف، روش های تولید صدا و محیط های مختلف آکوستیک استفاده می کنند.

هر ساز در یک گروه ترکیبی دارای ابزارهای بیانی متفاوتی است که با صدای طبیعی ذاتی و کیفیت صدای آن مرتبط است: تن صدا، دینامیک و پالت خط.

تمبر چشمگیرترین وسیله بیان است. این رنگ آمیزی تن است که چهره گروه و ویژگی های منحصر به فرد آن را تعیین می کند. نواختن یک گروه ترکیبی با غنا و تنوع رنگ پارچه موسیقی، سایه های صدا، مقایسه صداها در ترکیب های بافتی مختلف و غیره متمایز می شود.

در سیم‌ها، صدای هر سیم در یک تسیتورا متفاوت (ویژگی‌های صدای بخش خاصی از سیم) تغییر می‌کند. تغییر در تن به دلیل نقاط مختلف تماس کلنگ یا انگشت با نخ، به دلیل کیفیت موادی که از آن پین ساخته شده است - نایلون، چرم، پلاستیک و غیره و همچنین به دلیل استفاده رخ می دهد. تکنیک های مختلف اجرا برای نواختن این سازها.

برای آکاردئون دکمه‌ای، این صدای زنگ‌های طبیعی در تسیتورهای مختلف، نسبت صدا هنگام بازی با دست راست و چپ (افکت صدای استریو)، تغییر در صدا هنگام روشن شدن رجیسترها، تفاوت‌های ظریف و البته ، استفاده از تکنیک های مختلف نوازندگی.

هنگام اجرای یک ملودی یا سکانس ملودیک به صورت انفرادی، با همراهی نسبتاً ساده از صداهای ناب استفاده می شود.

تن‌های مختلط از ترکیبی از سازهای «خالص» سازهای غیرمشابه تشکیل می‌شوند.

ترکیبات زیادی دارند. معمولی ترین آنها عبارتند از:

تکثیر ایجاد یک تایم از نظر کیفی متفاوت با ترکیب سازهای غیر مشابه است. هنگام نواختن یک ملودی به صورت هماهنگ یا اکتاو.

پر کردن هارمونیک عمودی - تایم آکورد.

همچنین درجه بندی های ظریف تری از صداها وجود دارد که توسط یک نوازنده که به هنر ساز تسلط دارد به خوبی احساس می شود و به کار می رود. این تأثیر تند یک ساز بر رنگ صدای ساز دیگر، غلبه بر ناسازگاری صدا با کمک تکنیک های بافت، روش های ثبت، وحدت خط و غیره است.

همبستگی ابزارها از نظر دینامیک و ضربه‌ها ارتباط نزدیکی با روابط صدا دارد. حتی جدا کردن آنها از یکدیگر دشوار است، زیرا در وحدت آنها شخصیت صدا را تشکیل می دهند.

پویایی یک گروه همیشه گسترده تر و غنی تر از پویایی یک اجرای انفرادی است. حتی کامل ترین ساز در این زمینه، آکاردئون دکمه ای، هنگامی که با سازهای دیگر ترکیب می شود، قدرت و تنوع بیشتری از صدا دریافت می کند. اما قابلیت های پویای یک ساز با قابلیت های یک گروه ارکستری قابل مقایسه نیست. مکتب پویا، غنا و تراکم صدای گروه‌ها نسبت به ارکسترال پایین‌تر است، بنابراین تعادل پویای سازها، استفاده بسیار دقیق و محتاطانه، اقتصادی از منابع بلندی گروه اهمیت ویژه‌ای پیدا می‌کند.

اجرای یک یا آن ظرافت در هر قسمت به طور جدایی ناپذیری با گروه ساز، با کیفیت سازها، خاص بودن ساز و حتی تسیتورای صدای سایر قطعات مرتبط است، اما از اهمیت معنایی هر فرد ناگفته نماند. صداها و کارکردهای آنها در توسعه کلی موسیقایی کل اثر.

برای اینکه تعادل دینامیکی را از نظر ذهنی در زمانی که قطعات برابر هستند یکسان کند، سازساز باید روی ساز پویا ضعیف‌تر گروه تمرکز کند. در یک ترکیب ترکیبی، مانند پنج نفری از سازهای عامیانه روسی با درام، آن را domra alto، rozho کنترباس (معمولا در قسمت های پلی فونیک، که در آن خط ملودی در کنترباس در ترمولو اجرا می شود) خواهد بود.

تمام انواع دینامیک موجود در عملکرد گروه استفاده می شود:

پایدار

تدریجی

قدم گذاشت

متضاد

تمام انواع ضربه ها را می توان به دو گروه بزرگ از ضربات مشخصه عملکرد گروه تقسیم کرد: مشابه - "سکته های معادل" و "پیچیده" - ترکیبی از ضربات مختلف به طور همزمان.

میل به رساترین اجرای هر عبارت موسیقی منجر به انتخاب طبیعی ترین ضربه ها برای تصویر موسیقی می شود. در این مورد، زمانی که تار و پود موسیقی نیاز به ادغام سازهای مختلف در یک صدا دارد، تضادهای خط باید صاف شود و منجر به یک نتیجه صوتی واحد شود. بنابراین، بیشترین مشکل توسط "ضربه های معادل" ارائه می شود، زیرا در این گروه ضربات می تواند متفاوت باشد، اما نتیجه صدا باید یکسان باشد.

چه چیزی زیربنای درک و سازماندهی مشترک صدای سکته مغزی است؟ اول از همه، شکل صدا و مراحل اصلی توسعه آن: حمله، هدایت، انتشار و اتصال.

حمله صوتیدر این مرحله از صدا، تکنیک های مختلف نواختن تار را می توان به سه روش اصلی تولید صدا تقلیل داد: از سیم - کندن، از تاب - ضربه و ترمولو از سیم.

روش‌های مناسب حمله صدا برای سیم‌ها و آکاردئون دکمه‌ای عبارتند از:

حمله نرم سیم ها دارای ترمولویی از سیم هستند و آکاردئون دکمه ای دارای هوای کشسان و فشار همزمان از صفحه کلید است.

حمله محکم برای رشته ها - کندن دکمه آکاردئون - فشار اولیه با دم در اتاقک دم و فشار دادن کلید.

حمله شدید. برای رشته ها - ضربه، برای آکاردئون دکمه - فشار اولیه با دم در اتاقک دم و ضربه کلید.

در مرحله هدایت صدا، سیم ها دو نوع صدا را تشخیص می دهند: پوسیدگی - پس از کندن یا ضربه زدن و طولانی شدن - به دلیل لرزش. در آکاردئون دکمه ای، نوع اول مرطوب شده است، که با تضعیف فشار در محفظه دم همراه است. نوازنده آکاردئون با شخصیت و سرعت پوسیدگی سیم ها تنظیم می شود. در شکل دوم، هم برای تار و هم برای آکاردئون دکمه ای، تمامی تغییرات صدا در این مرحله از تولید صدا امکان پذیر است. یکی از مشکلات مشخصه در اینجا، ادغام در شدت صدای سازهای زهی خواهد بود (شدت را با فرکانس ترمولو اشتباه نگیرید).

حذف صداسخت ترین مرحله برای هماهنگی صدا، زیرا لازم است مراحل قبلی توسعه صدا را نیز در نظر گرفت. بدین ترتیب هنگام حمله با چنگال و ضربه بدون ادامه این صدا روی ترمولو یا ویبراتو، با برداشتن انگشت دست چپ صدای سیم ها قطع می شود. در آکاردئون دکمه‌ای، بسته به ماهیت صدایی که حذف می‌شود، قطع کردن صدا با برداشتن انگشت و به دنبال آن واکنشی از دم کافی است. هنگام حمله و هدایت صدای سیم بر روی ترمولو، دقیق ترین کار این است که صدای روی دکمه آکاردئون را با متوقف کردن همزمان دم و برداشتن انگشت حذف کنید.

اتصال صداهانقش مهمی در جمله بندی موسیقایی، در فرآیند آهنگسازی دارد.

بسته به ماهیت موسیقی، ارتباط صداها می تواند به وضوح مشخص، نرم و تقریبا نامحسوس باشد. درک دقیق ماهیت پایان یک و آغاز یک صدای دیگر و روابط آنها به سازساز کمک می کند تا کیفیت آهنگ را آگاهانه تر برنامه ریزی کند که بخشی از آن سازماندهی تکنیک های بیان بر روی سازهای مختلف است.

استفاده دقیق و کامل از قابلیت‌های خاص هر ساز، مزیت‌ترین ویژگی‌های آن‌ها، نمایش و شنیدن روابط مورد نظر بین سازها و نت. به ایجاد صدایی روشن و رنگارنگ برای گروه کمک می کند.

کار بر روی مهارت ها

اجرای گروه

هدف اصلی کار تمرینی گروه ایجاد تصویری هنری از اثر در حال اجراست. در روند کار تمرین، شرکت کنندگان عمیق تر و عمیق تر به جوهره موسیقی در حال اجرا نفوذ می کنند، جنبه های جدیدی از آن را آشکار می کنند، در تلاش برای یافتن وسایلی هستند که به آنها اجازه می دهد ایده را به طور کامل و متقاعد کننده در صدایی که مطابق با آن است، تحقق بخشند. شخصیت و حوزه فیگوراتیو موسیقی.

این کار هم بر روی شناسایی ابزارهای بیان عمومی موسیقی و گروه خاص و هم در مورد شکل گیری مهارت های نوازندگی گروه انجام می شود.

بیایید روی توسعه مهارت های لازم در گروه نوازی زیر تمرکز کنیم:

اجرای ملودی و همراهی در یک گروه.

احساس همزمانی زمان (تمپو، متریک، ریتمیک)؛

توانایی تایمبر و برجسته کردن پویا قسمت خود یا برعکس، حل شدن در صدای کلی.

توزیع توجه، شنیدن تمام بخش های گروه به عنوان یک کل و بخش خود شما.

اعضای گروه بلافاصله به یک درک و راه حل برای مشکلات هنری نمی رسند. در این نزدیکی، نقش رهبری متعلق به رهبر گروه است. برای او کافی نیست که یک نوازنده تحصیل کرده و یک مجری عالی باشد که بتواند نقش رهبری را در یک گروه به عهده بگیرد. او باید تمام پیچیدگی های ساز را برای این ترکیب درک کند، ویژگی های بیانی هر ساز و ترکیب آنها، ویژگی های عملکرد فردی بازی و آرزوهای خلاقانه هر شرکت کننده را بیاموزد، تمایلات آموزشی و غیره داشته باشد.

البته این دانش بلافاصله به دست نمی آید. تنها جستجوی مداوم و انتخاب ابزارهای خاص یا کارنامه مشخصه یک گروه معین، شنیدن واقعی صدای گروه را به رهبر خواهد داد.

این گروه در شکل گیری و توسعه خود چندین مرحله را طی می کند. به طور متعارف، آنها را می توان به ابتدایی، متوسط ​​و بالاتر تقسیم کرد.

در مرحله اولیه، گروه گروهی از افراد با سطح آموزش موسیقی برابر است. کارگردان از طریق استدلال خوب انتخاب شده و قابل درک در مورد عناصر بیانی موسیقی، و همچنین انتقال واضح و تخیلی ماهیت اثر، مفهوم اجرایی خود را مجسم می کند.

اما شرکت کنندگان همیشه الزامات رهبر را به وضوح درک نمی کنند و احساس خوبی نسبت به یکدیگر در گروه ندارند.

مرحله بعدی توسعه زمانی است که رهبر به وضوح توانایی های فردی هرکس را درک کند. خواسته های آن مشخص تر و هدفمندتر می شود. برای اعضای گروه، دستورات رهبر، به ویژه پس از اجرای موفق، واضح و طبیعی می شود.

در درک هنری تصنیف‌های در حال اجرا و در احساس ویژگی‌های گروه نوازی فرآیندی همگرایی وجود دارد: ویژگی‌های تکنیک‌های نوازندگی بر روی سازهای دیگر، قابلیت‌های پویا و صدای آن‌ها و غیره.

بالاترین سطح ایده آل اجرای گروه است. شرکت کنندگان درک مشترکی از قوانین توسعه کنش موسیقایی ایجاد کردند، وحدت شنیدن کارکردهای هر بخش، و ارتباط از طریق موسیقی با یکدیگر و با عموم ظاهر می شود.

رهبر به افزایش سطح هنری شرکت کنندگان اعتماد می کند، از ابتکار عمل همه حمایت می کند و در عین حال هدایت می کند. برای همه، نواختن در یک گروه یک کار خلاقانه دوستانه و شاد است.

ادبیات.

1. A. Pozdnyakov "کار یک رهبر ارکستر با ارکستری از مردم روسیه

سازها." مسکو. GMPI به نام. گنسین ها 1964.

2. A. Aleksandrov "روش های استخراج صدا. تکنیک های نوازندگی و لمس

در domra، مواد برای دوره "روش های آموزش به بازی

دومرا سه سیم." مسکو. 1975.

3. A. Ilyukhin، Y. Shishakov "مدرسه بازی جمعی". مسکو.

"موسیقی". 1981.

4. V. Chunin "ارکستر فولکلور مدرن روسیه". مسکو.

"موسیقی". 1981.

5. "توسعه تفکر هنری یک دمیست". روشمند

توسعه برای مدارس موسیقی کودکان و مدارس هنر Comp. وی. چونین. مسکو. 1988.

فدراسیون روسیه

اداره آموزش اداره نووشاختینسک

موسسه بودجه شهرداری آموزش تکمیلی

"مرکز رشد کودکان و نوجوانان" شهر نووشاختینسک

توسعه روشی همراه

شعبه مردمی Dyakonov S.G.

«مسائل تشکیل رپرتوار برای

گروه های فولکلور روسیه».

2012