¿Cuál es el poder mágico del arte? Este poder mágico del arte.

Secciones: Literatura

Sujeto: El poder mágico del arte.

Epígrafes:

Acepto notas altas de celebración,
Altos sentimientos de amor e inspiración,
Santa fe de la atemporalidad
Y dominio del arte de la luz.

P. Tijonov.

Los sonidos del violín siguen vivos,
La parte dormida de ti se despertará...
Todo está en esta música,
Sólo cógelo.

A. Romanov (gr. “domingo”)

Objetivos de la lección:

Equipo:

1. Ilustraciones de la Iglesia de la Intercesión en Nerl, la Catedral de San Basilio, la estatua de Venus de Milo...
2. Reproducciones de pinturas de artistas rusos: “Retrato de A.P. Struyskaya" del artista F.S. Rokotová
   "La Gioconda" de Leonardo da Vinci
3. Multimedia

durante las clases

I.Organizar el tiempo.

II. Introducción a la lección.

La literatura es una forma de arte, por eso decidí ampliar el tema de la lección del epígrafe para todo el curso de literatura de décimo grado y hoy quiero ofrecerles una conversación sobre el "poder mágico del arte".
- ¿Qué significa la palabra “arte”? Hagamos series sinónimas y asociativas.

(En la pantalla se muestran series sinónimas, asociativas y significados de palabras propuestos por los estudiantes según el diccionario de S.I. Ozhegov
arte, creatividad, artesanía, creación, actividad artística; inspiración, música, teatro, escultura, literatura, belleza, deleite, admiración, imaginería, armonía; Arte: 1. Reflexión creativa, reproducción de la realidad en imágenes artísticas. 2. Habilidad, destreza, conocimiento de la materia. 3. Lo que requiere tal habilidad, dominio.)

Según lo escrito, dime, ¿qué impacto debe tener el arte en una persona?

(El arte nos deleita con la armonía de la belleza, evoca sentimientos entusiastas, sacude el alma, despierta la inspiración).

Este año conoceremos las obras de I.S. Turgenev, I.A. Goncharov, N.A. Nekrasov, M.E. Saltykov-Shchedrin, F.M. Dostoievski, L.N. Tolstoi y A.P. Chejov, cuyas obras siguen siendo de interés en todo el mundo. Hay casos en que los extranjeros aprenden ruso para poder leer en el original las creaciones de nuestros maestros que les han asombrado. Y una estudiante de la Universidad de Berna en Suiza aprendió el idioma cuando vio ardientes danzas folclóricas rusas en el escenario. Probablemente por eso vale la pena hablar del poder mágico del arte. Intentemos probar esta afirmación hoy.

III. Trabajar en el tema de la lección.

Escuchemos la canción "Musician" de A. Romanov, el líder del grupo "Resurrection", interpretada por Konstantin Nikolsky. ( Letra de la canción en cada escritorio)

Tenga en cuenta las palabras y expresiones que le afectan.
(“...los sonidos del violín despertarán todo lo que vive y duerme en ti...", "...si aún no estás demasiado borracho..." "...sobre los infelices y los felices, sobre los el bien y el mal, sobre el odio feroz y el amor santo..." "...lo que está pasando, lo que estaba pasando en tu tierra, todo en esta música - sólo captalo..." "el violín está cansado" "el mudo caso" "la melodía permanece.")

¿Qué imágenes, asociaciones, pensamientos evocan estas líneas?

(La música talentosa, la voz conmovedora de un violín, comparable a la humana, puede despertar sentimientos latentes, hacerte pensar no solo en tu propio destino, sino en todo “lo que está sucediendo en tu tierra”, convertirte en un “co- obrero."
Da miedo si el violín se cansa, se vuelve silencioso y deja de “quemar el corazón de la gente”. Un "caso tonto" se parecerá con reproche a un "recipiente en el que hay vacío". Pero según la ley de la física, la energía de la voz de un violín no puede desaparecer; sólo es inaudible debido al ruido humano; la vanidad impide a una persona sentir su maravilloso toque en las cuerdas del alma).

¿Por qué estas imágenes inquietantes, incrustadas en la memoria, se recuerdan?

(El hombre, el más insensible, impasible, es creado armonioso, lo que significa que en su alma debe vivir y brillar la llama del Amor, que, incluso ardiendo, puedes intentar avivar para volver a los que están perdiendo la cara, imagen y semejanza del Creador.)

¿Qué líneas de la canción dicen lo más importante? ¿Qué preguntas importantes plantea el autor en la vida de una persona?

(“Por qué naciste…”
¿Todos son capaces de comprender las obras de arte?
¿Cuál es el propósito del arte y cuál es el poder de su impacto en las personas?
El hombre es responsable de lo que sucede a su alrededor. "Simplemente cógelo", insta el autor. Atrapar significa intentar escuchar lo principal, no aislarse de la vida. Siempre habrá alguien cerca que te recordará “...de los infelices y de los felices, del bien y del mal, del odio feroz y del amor santo...”. Su nombre es Maestros.)

¿Cuál es la fuerza del talento de un violinista y cómo se manifiesta?
- ¿Cuál es tu actitud hacia la música?
- ¿Qué puedes decir sobre el autor de la canción?

2. Pasemos al ensayo literario de G.I. Uspensky "Enderezado", escrito en 1885.

(El trabajo fue leído por los alumnos de la lección)

¿Quién es el héroe de la obra?

(El héroe del ensayo es "el maestro rural Tyapushkin, abrumado por el "tedioso trabajo escolar", "una masa de insignificantes ... preocupaciones y tormentos cotidianos", pero no exento de manifestaciones del alma humana sedienta de perfección").

¿Cuál es el estado de ánimo de Tiapushkin? ¿Cómo es su estilo de vida?

("Todo esto continuó...", "me impactó...", "una conspiración deliberada", "un sentimiento de algún tipo de desgracia sin límites..." "Estoy sentado en el frío...", " Voy a comer...”, “Habiendo regresado a mi rincón...”, “deprimido...” “En la ciudad de provincias... estaba exhausto en el alma...” “Profundamente retorcido.. .”, “Absolutamente nada cariñoso...” “Abrigo de piel de oveja desgarrado, cama casera, almohadas de paja...”, “La desgracia taladra el cerebro...”, “Den "(no es una habitación), "El dolor de mi vida...")

¿Qué le da fuerza, “alienta”, “revive”?

(Un sueño, “algo bueno”, Tyapushkin recuerda “cómo hace 12 años en París, en el Louvre, vio la Venus de Milo”).

¿Qué impresión le causó la estatua de la diosa y por qué?

(“¿Qué me pasó?”, “¿Cuál es el secreto?” Que vino aquí “sin la menor necesidad moral”,
“como un guante arrugado”, sintió de repente: “...me enderezó”).

¿Cómo vio la Venus de Milo? ¿Se corresponde su idea de la belleza femenina con la belleza de la diosa femenina?

(...No, no coincide.)

¿Por qué la impresión del héroe no dependía de la inconsistencia externa con su ideal?

(Una obra de arte atrae con algo diferente.)

Pero lo que ocurrió fue que “se dejó arrugar de nuevo”. ¿Significa esto que Tyapushkin “se rindió”, que la influencia de la obra de arte duró poco? ¿Cómo responderías a esta pregunta y cómo responde el autor?

(La vida es compleja, lo que obliga a Tyapushkin a resolver problemas apremiantes diarios, borró una fuerte impresión emocional de la memoria del héroe. Pero incluso el recuerdo de una obra de arte puede cambiar a una persona. Así es como cambia la percepción del mundo por parte del maestro, él se da cuenta de su importancia, de su necesidad de la gente: “... una gran obra de arte me fortalece en mi entonces deseo de ir a la masa oscura del pueblo... Yo, según mis fuerzas, puedo y debo ir allí. . Iré allí y me esforzaré para que las personas que empiezan a vivir no se dejen humillar.")

¿Por qué el ensayo se llama “Enderezado”?

(Este es exactamente el efecto que tuvo la estatua en el héroe. Para Tyapushkin da miedo “... perder la felicidad de sentirse como un ser humano”, y está seguro de que una gran obra de arte tiene una fuerza vivificante. que tiene un efecto limpiador en el alma y da energía a un ser humillado, ayudándolo a mejorar espiritual y físicamente.)

3. Conozcamos la breve obra "Competición" de V. Veresaev.

(El profesor lee un cuento sobre un concurso entre dos artistas (un profesor y su alumno) hasta el epílogo, cuando el pueblo toma su decisión y determina el ganador).

¿Cuál de los dos cuadros preferirías, el cuadro del famoso artista Dos veces coronado o el cuadro del Unicornio? ¿Por qué?

(Trabajo en grupos. Terminar de leer la historia e intercambiar opiniones entre grupos.)
.
- ¿Por qué crees que preferiste el cuadro del Unicornio? ¿Por qué el alumno derrotó al maestro en una disputa sobre la belleza?

(El maestro estaba atormentado, buscando el ideal de la belleza femenina, lo encontró y, usando su habilidad insuperable, creó una imagen asombrosa. Despertó admiración por una mujer extraordinaria y sobrenatural. Junto a esta belleza, todo a su alrededor se desvaneció, parecía imperfecto. , bajo, insignificante El unicornio, al parecer, no podía superar al maestro en la habilidad de ejecución, pero su "Amanecer" completamente terrenal estaba inspirado en el amor. El alumno superó al maestro en la fuerza de los sentimientos invertidos en el trabajo. La imagen le permitió ver y recordar la belleza que lo rodeaba).

(El autor demostró que la belleza exterior cautiva y encanta, pero la interior es superior. Los ojos de un enamorado ven belleza y esplendor en todo lo que le rodea. El amado es siempre el más bello, el mejor. Y no importa cuántos Pasan los años, ella siempre sigue siendo ella, aunque cambie de apariencia.

Recuerdo las palabras de W. Shakespeare:

Sus ojos no parecen estrellas
No puedes llamar coral a tu boca...
No sé como caminan las diosas,
Pero el querido pisa el suelo.

El cuadro Unicornio está iluminado con amor. Es este tipo de luz, similar a la luz de una estrella brillante en un cielo oscuro, la que realmente calienta los corazones de las personas (recuerde a la anciana y al anciano de la historia).

Al parecer, entre las obras de arte, el propio escritor da preferencia a aquellas que aportan alegría, liberación espiritual, amor y luz, y "abren los ojos" a la belleza del mundo).

¿Qué puedes decir sobre la interacción entre el Creador, el artista y el individuo, conociendo la historia de V. Veresaev?

(El espectador es el objeto de la influencia del artista; es hacia él hacia donde se dirige la energía de la obra de arte, positiva o negativa, elevando el alma o esclavizándola).

4. Ahora les traigo el poema de Nikolai Zabolotsky “Amo la pintura, poetas...” y el retrato de A.P. Pincel azabache del artista ruso F.S Rokotov.

(Los textos se copian en cada escritorio, en la pantalla hay un retrato de A.P. Struyskaya)

- ¿Qué tiene de inusual la imagen femenina del retrato?
- Veamos si tu impresión coincide con la opinión del poeta N. Zabolotsky.

(Profesor leyendo un poema)

¿Por qué la percepción es tan diferente o qué indica la similitud de percepción entre la suya y la del poeta?

(Trabajo de preguntas en grupos seguido de discusión en clase)

a) ¿De qué rasgos del lenguaje de la pintura habla N. Zabolotsky?
b) ¿En qué medida valoraron el poeta y su héroe lírico la creación del artista?
c) ¿Se puede hablar de la influencia de la pintura en el alma humana sólo leyendo a N. Zabolotsky? ¿Qué puedes decir del poeta?
d) ¿Qué medios de lenguaje expresivo, qué técnicas de creación de una imagen utiliza el poeta para transmitir su admiración?
e) ¿Es posible, a partir de estos trabajos, confirmar o refutar lo afirmado en el título de la lección?

(N.A. Zabolotsky cree que solo la pintura tiene la oportunidad de capturar hermosos momentos en el lienzo, capturar cambios espirituales, encontrar una respuesta en el corazón del espectador, por lo tanto, la habilidad del artista es mágica, con la ayuda de la cual es posible influir una persona. Pero también vimos la habilidad de un poeta que es capaz de transmitir sus sentimientos: sorpresa, admiración, encantamiento, al contemplar una pintura. La influencia de cualquier obra maestra en el alma humana es innegable).

5. Para concluir, les contaré una historia sobre el Cazador.

Érase una vez, cuando la gente todavía vestía pieles de animales y vivía en cuevas, el Cazador regresaba a su hogar natal. Tuvo mucha mala suerte ese día. Ni un solo pájaro le permitió acercarse a él para poder alcanzarlo con una flecha de su arco, ni un solo ciervo le permitió golpearse con una lanza. El cazador sabía que la presa estaba esperando en la cueva. Imaginó qué tipo de abuso le infligirían las mujeres hambrientas, recordó la mirada desdeñosa del Líder y se sintió amargado.

Entró en la cueva con las manos vacías, se paró cerca del fuego moribundo y habló. El cazador comenzó a contar cómo en un denso bosque se encontró con un animal blanco como la nieve sin precedentes con un solo cuerno y lo persiguió, cómo hirió a este animal. Ante sus ojos, la bestia se convirtió en un hombre hermoso y comenzó a reprochar al Cazador que hubiera atacado al mismísimo Dios del Bosque. El cazador contó cómo suplicó clemencia y pidió matarlo, pero no enojarse con la tribu que lo envió a cazar. Dios perdonó al Cazador, pero le prohibió matar a ninguno de los animales ese día.

Cuando el Cazador terminó su historia y miró con miedo a la gente de su tribu, no vio reproche ni ira en sus ojos. La gente lo miraba con admiración y el Líder se levantó de su asiento, cortó un gran trozo de panal y se lo entregó al cazador.

¿Por qué crees que el Cazador recibió el premio?

(El cazador merecía su recompensa por una historia vívida. No le mintió a la gente. Les contó uno de los primeros cuentos de hadas. Y fue alimentado precisamente por el cuento de hadas. En la cueva ocurrió una gran magia: la gente escuchó las palabras , y ante sus ojos aparecieron imágenes completas de incidentes asombrosos que causaron miedo al Cazador. La historia del Cazador no fue una petición de perdón o una queja, sino poesía.)

IV. Resumiendo.

¿Cuál es el poder mágico del arte?

Ivan Bunin, en un ensayo al poeta I.S Nikitin, respondió: “No sé a quién se le llama buena persona. Es cierto que es bueno aquel que tiene alma, tiene un sentimiento cálido y un corazón que inexplicablemente estalla desde lo más profundo. No sé qué se llama arte, belleza en el arte, sus reglas. Así es, es que una persona, no importa las palabras, en qué forma me hable, me haría ver personas vivas frente a mí, sentir el aliento de la naturaleza viva, haciendo temblar las mejores cuerdas de mi corazón”.

¿Cómo responderías?

V. Tarea.

Trabajo creativo a elección de los estudiantes:

A) Trabajo escrito:

1. ¿Qué veo como el poder mágico del arte?
2. Una historia (ensayo) sobre sentimientos que alguna vez experimentó (mientras miraba una obra de teatro, una película), impresiones (de una pintura, escultura, estructura arquitectónica o pieza musical que escuchó).

B) Crea tu propia obra de arte (cuento, poemas, pinturas, manualidades, bordados, talla en madera...)

Lista de literatura usada

1. V.G.Marantsman. Libro de texto de literatura para 9º de secundaria (pág. 6)
   "Ilustración" de Moscú 1992.
2. Literatura. 5to grado. Un libro de texto para escuelas y clases con un estudio en profundidad de la literatura, gimnasios y liceos. Compilado por M. B. Ladygin y T. G. Trenina. Editorial de Moscú "Drofa" 1995.

Hace 30 años falleció la leyenda rusa Charlie Chaplin, maestro de la sátira y la personificación: Arkady Raikin, comediante, actor y director inimitable, Raikin fue la persona más popular en la URSS desde principios de los años 60 hasta finales de los 80. El público se aprendió instantáneamente de memoria los monólogos y miniaturas que interpretó. Y hasta el día de hoy se repiten los aforismos promulgados por Raikin. Varios autores han escrito sobre él a lo largo de los años, a veces brillantes, a veces bastante mediocres. Pero Raikin sabía cómo hacer que el texto más aburrido fuera expresivo y divertido. Al mismo tiempo, sus modales se caracterizaban bastante por la conocida moderación de San Petersburgo. Hoy en día, cuando el llamado escenario coloquial se ha convertido en un desfile de vulgaridad ejemplar, la habilidad y el gusto sutil de las actuaciones de Arkady Raikin se valoran casi más que durante la vida del actor. Raikin padre fue adorado y regañado, aceptado y prohibido, tolerado, pero citado en todo el país, tanto en reuniones en las oficinas del partido como entre la gente corriente. Cuando hace 30 años, el 17 de diciembre de 1987, la vida del actor se truncó, parecía que la realidad de la que se reía sin piedad se estaba desvaneciendo en la historia y el país estaba al borde de grandes cambios. Hoy, los monólogos de un artista que creía sinceramente que el arte puede mejorar la vida suenan más relevantes que nunca.

El estilo de Raikin se convirtió en la comidilla de la ciudad. Sencillo a primera vista y con principios en esencia, ridiculizó irónica, inteligente y al mismo tiempo con dureza y dureza en sus monólogos y feuilletons los vicios de la gente, el sistema y la época, denunciando a los tontos y a los tontos, la escasez de salchichas y a los jefes arribistas. la falta de nueces, la vida "a través de conexiones" y "las personas adecuadas".

Por instigación de Raikin, los jóvenes residentes de Odessa se mudaron a Leningrado y se convirtieron en artistas de su teatro: Mikhail Zhvanetsky, Roman Kartsev, Viktor Ilchenko y Lyudmila Gvozdikova. Vladimir Polyakov, Mark Azov, Viktor Ardov, Mikhail Zoshchenko, Semyon Altov, Evgeny Schwartz y muchos otros escribieron para Raikin.

Raikin, un hombre de vacaciones, nunca pidió premios, pero los recibió en su totalidad al final de su vida. A la edad de 57 años se convirtió en Popular, a los 69, ganador del Premio Lenin, a los 70, Héroe del Trabajo Socialista. Mientras tanto, en Leningrado era considerado un antisoviético.

Cinco años antes de su muerte, cuando las relaciones con las autoridades locales se deterioraron por completo, Raikin, con el permiso de su ferviente admirador, el secretario general Leonid Brezhnev, se mudó con el teatro a Moscú. Más tarde, el teatro pasó a llamarse "Satyricon" y, tras la muerte de Raikin padre, el trabajo de su padre fue continuado por su hijo Konstantin.

Nos conocimos en algún lugar, 1954

Una ingeniosa parodia de numerosos funcionarios soviéticos, filmada según el guión de Vladimir Polyakov. El personaje principal de la comedia, el artista Gennady Maksimov (el primer papel principal de Arkady Raikin), va de vacaciones a Crimea con su esposa, la artista pop (Lyudmila Tselikovskaya). En el último momento, llaman a la esposa al teatro (hay que reemplazar a una actriz enferma) y la sacan del tren. Maksimov primero se queda solo y luego se queda completamente atrás del tren. En una ciudad extranjera (la estación fue filmada en Eupatoria), conoce a todo tipo de personas.

Citas: "Pensé que otro engaño, resultó ser óptico", "En este espíritu, en este contexto", "La cultura está dentro de una persona, y si no está allí, entonces no hay entradas para el Teatro Bolshoi o conversaciones pomposas pueden comprarlo.”, “¿No estás mordiendo esto… cómo se llama, sigo olvidando esta palabra… conciencia?”, “A veces puedes derrotar a la gente con sus propias armas: por ejemplo , indiferencia”, “Nadie salva a nadie, no hay persecución, tampoco hay fútbol, ​​se permite la entrada a niños de hasta dieciséis años, ¡qué cuadro es este! ¡Prefiero comprar dos porciones de helado!

En el Salón Griego, 1970

Uno de los monólogos más populares escrito por Mikhail Zhvanetsky para Arkady Raikin.

Citas: “A estas mujeres les dieron dos días libres y se volvieron locas. Matan el tiempo al azar”, “Pensé en un museo como un museo. Y esto no es un museo, sino peor que un restaurante: no hay comida caliente, sólo queso y café”, “...¿Quién es Apolo?... ¿Soy yo Apolo? Él es Apolo. Bueno, adelante, Apolo...", "¡Esta es pintura italiana del siglo XVII! “No lo entiendes”, le digo, “no te estoy preguntando de dónde sacaste el cuadro, sino “¿hay un sacacorchos?”

El poder mágico del arte, 1970

Una ex alumna ayuda a una profesora anciana a rehabilitar a sus groseros vecinos en un apartamento comunal, utilizando sus propios métodos. En la película dirigida por Naum Birman, basada en el guión de Viktor Dragunsky, Raikin se interpretó a sí mismo. La película incluye tres cuentos: “Los Vengadores de 2da B”, “¡Hola, Pushkin!” y “El poder mágico del arte”.

Citas: “Lo principal en este mundo es seguir siendo humano, y contra cualquier mala educación, tarde o temprano, habrá una palanca confiable. Por ejemplo, la misma mala educación”, “¡Por ​​principios, cambiaré!”, “¿Lavar? - No nobles. Te lavarás en la cocina... Bueno, el 1 de mayo, en Año Nuevo, ve a la casa de baños, si te apetece, claro... ", "¡El baño está bueno, profundo! ¡Y encurtiremos pepinos para el invierno! ¡Vaya!, una merienda para mi hermano…”, “No te despedimos… Ay, ¿qué te pasó? ¿Has cambiado algo en tu cara? No hay forma de que te enfermes…”, “Bueno, está bien, Condesa no…”.

Escasez, 1972

Una parodia colorida y brillante de los vendedores de tiendas de comestibles y tiendas de segunda mano: durante los tiempos de escasez total en la Unión Soviética, los trabajadores del comercio se sentían personas poderosas y exitosas.

Citas: “¡Todo apunta al hecho de que todo estará en todas partes, habrá abundancia! ¿Pero será bueno?”, “Vienes a mí, ¡obtuve la escasez a través del gerente del almacén, a través del director de la tienda, a través del comerciante, a través del porche trasero!”, “Escucha, nadie lo tiene, yo lo tengo !” Lo intentaste, ¡te quedaste sin palabras!”, “¡El sabor es específico!”, “Me respetas. Te respeto. Tú y yo somos personas respetadas".

Sobre la educación, 1975

Otra miniatura famosa, desglosada entre comillas. Habla de los padres, sus tipos, la moral y los psicólogos, que tienen su propio punto de vista sobre todo.

Citas: "Cada uno tiene su propia verdad", "¡Camaradas padres y camaradas, en términos generales, madres!", "Lo principal es dar a luz a un niño".

¿Cuál es el poder mágico del arte? ¿Qué papel juega en la vida de una persona? ¿Es cierto que el arte refleja el alma de un pueblo? El autor del texto propuesto para el análisis, el escritor V. Konetsky, intenta dar respuesta a estas y otras preguntas. Por ejemplo, al reflexionar sobre la singularidad de la pintura rusa, llama la atención sobre el trabajo de artistas como Savrasov, Levitan, Serov, Korovin, Kustodiev. “Estos nombres esconden no sólo la eterna alegría de vivir en el arte. Es la alegría rusa la que se esconde, con toda su ternura, modestia y profundidad. Y así como una canción rusa es sencilla, la pintura también lo es”, señala el autor. Destaca que el trabajo de estos artistas refleja la cosmovisión de nuestro pueblo, su capacidad para disfrutar de la belleza de su naturaleza nativa, la capacidad de apreciar su sencillez y sencillez, de encontrar la armonía donde otros no la sienten.

El arte para una persona es también una especie de salvavidas, porque no es solo un medio de autoexpresión, sino también una fuerza que nos conecta con la historia y la cultura de nuestro país natal, no nos permite olvidar su inmensidad y Una y otra vez recuerda a todos lo hermosa que es Rusia. V. Konetsky considera que esta propiedad del arte genuino es muy importante, porque ayuda a las personas a darse cuenta de su participación en su historia, su gente, su Patria: “En nuestro siglo, los artistas no deben olvidarse de una simple función del arte: despertar y iluminar en un miembro de la tribu un sentido de patria ".

Las obras de pintura, literatura, música también tienen un papel muy importante que no se puede ignorar. En resumen, el escritor expresa confianza: “El arte es arte cuando evoca en una persona un sentimiento de felicidad, aunque sea fugaz”.

Estoy de acuerdo con el punto de vista del autor: el verdadero arte siempre encontrará la manera de tocar los hilos de nuestra alma, de llegar hasta el corazón más duro. Puede levantar de rodillas a una persona que ha perdido la esperanza e incluso salvarle la vida.

Así, el arte revivió el deseo de vivir en el héroe de la novela épica de L. Tolstoi "Guerra y paz". Nikolai Rostov, habiendo perdido una gran cantidad de dinero ante Dolokhov en las cartas, simplemente no vio una salida a esta situación. Había que pagar la deuda de juego, pero el joven oficial no tenía tanto dinero. En esta situación, quizás tenía la única opción para el desarrollo de los acontecimientos: el suicidio. El héroe de la novela se distrajo de sus oscuros pensamientos con la voz de su hermana. Natasha estaba aprendiendo una nueva aria. En ese momento, Nikolai, encantado por la música, encantado por la belleza de la voz de Natasha, se olvidó de los problemas que hace apenas un minuto le parecían insolubles. Escuchó el canto y sólo le preocupaba si la chica alcanzaría la nota más alta. Su suave voz y el encanto de la mágica melodía devolvieron la vida a Nikolai: el héroe se dio cuenta de que, además de la adversidad y la tristeza, hay belleza y felicidad en el mundo, y para ellos vale la pena vivir. ¡Esto es lo que hace el verdadero arte!

También salvó a Jonesy, la heroína del cuento de O'Henry "La última hoja". La niña, que enfermó de neumonía, perdió por completo la esperanza de recuperarse. Al ver caer la hiedra fuera de la ventana, decide que morirá cuando caiga la última hoja de su rama. Un viejo vecino, el artista Berman, al enterarse de sus intenciones por medio de un amigo de la heroína, decide engañar al destino. Por la noche, durante la fría lluvia otoñal y el fuerte viento, crea su cuadro principal, una verdadera obra maestra: pinta una pequeña hoja de hiedra en la pared de ladrillos de la casa de enfrente. Por la mañana, Jonesy ve cómo la valiente última hoja luchó valientemente contra la tormenta durante toda la noche. La niña también decide recomponerse y creer en la vida. Se recupera gracias al poder del amor que el viejo artista puso en su obra, y por tanto gracias al arte. Esto es lo que le da la oportunidad de seguir viviendo, creer en sí misma y ser feliz.

Por tanto, el arte juega un papel vital en nuestras vidas. Te brinda la oportunidad de expresar tus sentimientos y pensamientos, une a una variedad de personas y te ayuda a vivir.

Una obra de arte puede captar la atención del espectador, lector u oyente de dos maneras. Uno está determinado por la pregunta "qué", el otro por la pregunta "cómo".

“Qué” es el objeto que se representa en la obra, un fenómeno, evento, tema, material, es decir, lo que se llama el contenido de la obra. Cuando hablamos de cosas que interesan a una persona, esto naturalmente genera en ella el deseo de ahondar en el significado de lo dicho. Sin embargo, una obra rica en contenido no tiene por qué ser necesariamente una obra de arte. Las obras filosóficas, científicas y sociopolíticas no pueden ser menos interesantes que las artísticas. Pero su tarea no es crear imágenes artísticas (aunque a veces recurran a ellas). Si una obra de arte atrae el interés de una persona únicamente por su contenido, entonces en este caso sus méritos artísticos (de la obra) pasan a un segundo plano. Entonces, incluso una representación menos artística de lo que es de vital importancia para una persona puede herir profundamente sus sentimientos. Con un gusto poco exigente, una persona puede estar completamente satisfecha con esto. Un gran interés por los hechos descritos permite a los amantes de las novelas policíacas o eróticas vivir emocionalmente estos hechos en su imaginación, a pesar de la ineptitud de su descripción, los estereotipos o la miseria de los medios artísticos utilizados en la obra.

Es cierto que en este caso las imágenes artísticas resultan ser primitivas, estándar, que estimulan débilmente el pensamiento independiente del espectador o lector y dan lugar sólo a complejos de emociones más o menos estereotipados.

Otra forma relacionada con la pregunta “cómo” es la forma de una obra de arte, es decir, las formas y medios de organizar y presentar el contenido. Aquí es donde acecha el “poder mágico del arte”, que procesa, transforma y presenta el contenido de la obra para que se materialice en imágenes artísticas. El material o tema de una obra en sí no puede ser artístico ni de no ficción. Una imagen artística está formada por el material que constituye el contenido de una obra de arte, pero se forma sólo gracias a la forma con la que se reviste este material.

Consideremos los rasgos característicos de la imagen artística.

La característica más importante de una imagen artística es que expresa una actitud emocional y basada en valores hacia el objeto. El conocimiento sobre un objeto sirve sólo como fondo sobre el cual emergen las experiencias asociadas con ese objeto.

I. Ehrenburg en el libro "Gente, años, vida" habla de su conversación con el pintor francés Matisse. Matisse pidió a Lydia, su asistente, que le trajera una escultura de un elefante. Vi, escribe Ehrenburg, una escultura negra, muy expresiva; el escultor talló en madera un elefante enojado. “¿Te gusta?”, preguntó Matisse. Yo respondí: “Mucho”. - “¿Y nada te molesta?” - “No”. - "Yo también. Pero entonces llegó un europeo, un misionero, y empezó a enseñarle al negro: “¿Por qué los elefantes tienen los colmillos levantados?” Un elefante puede levantar su trompa, pero sus colmillos pueden levantar sus dientes, no se mueven." "El negro escuchó..." Matisse volvió a gritar: "Lydia, por favor trae otro elefante". Riendo maliciosamente, me mostró una figura similar a las que se venden en los grandes almacenes europeos: "Los colmillos están en su lugar, pero el arte se acabó". El escultor africano, por supuesto, pecó contra la verdad: representó al elefante no como Realmente lo es. Pero si hubiera hecho una copia escultórica anatómicamente exacta del animal, es poco probable que la persona que lo mira pudiera experimentar, experimentar, "sentir" la impresión de la vista de un elefante enojado... El elefante está enloquecido, su trompa está levantada, todo está en un movimiento violento, los colmillos levantados, la parte más formidable de su cuerpo, parecen a punto de caer sobre la víctima. Al moverlos de su posición normal habitual, el El escultor crea una tensión emocional en el espectador, que es señal de que la imagen artística genera una respuesta en su alma.

Del ejemplo considerado se desprende claramente que una imagen artística no es solo una imagen como resultado del reflejo de objetos externos que surgen en la psique. Su propósito no es reflejar la realidad tal como es, sino evocar en el alma humana experiencias asociadas con su percepción. No siempre es fácil para el espectador expresar con palabras lo que está viviendo. Al mirar una figura africana, esto puede ser una impresión del poder, la furia y la furia de un elefante, una sensación de peligro, etc. Diferentes personas pueden percibir y experimentar lo mismo de diferentes maneras. Mucho depende aquí de las características subjetivas del individuo, de su carácter, puntos de vista y valores. Pero, en cualquier caso, una obra de arte puede evocar experiencias en una persona sólo cuando incluye su imaginación en la obra. Un artista no puede hacer que una persona experimente ciertos sentimientos simplemente nombrándolos. Si simplemente nos dice que debemos tener tales o cuales sentimientos y estados de ánimo, o incluso los describe en detalle, entonces es poco probable que los tengamos. Excita experiencias modelando las razones que les dieron origen utilizando un lenguaje artístico, es decir, plasmando estas razones en algún tipo de forma artística. Una imagen artística es un modelo de la causa que da lugar a las emociones. Si el modelo de la causa "funciona", es decir, la imagen artística se percibe y recrea en la imaginación humana, entonces también aparecen las consecuencias de esta causa: emociones evocadas "artificialmente". Y entonces ocurre un milagro del arte: su poder mágico encanta a una persona y la lleva a otra vida, a un mundo creado para él por un poeta, escultor y cantante. “Miguel Ángel y Shakespeare, Goya y Balzac, Rodin y Dostoievski crearon modelos de causas sensoriales que son casi más impresionantes que los que la vida nos presenta. Por eso se les llama grandes maestros”.

Una imagen artística es una “llave de oro” que pone en marcha el mecanismo de la experiencia. Al recrear con el poder de su imaginación lo que se presenta en una obra de arte, el espectador, lector, oyente se convierte, en mayor o menor medida, en “coautor” de la imagen artística contenida en ella.

En el arte "objetivo" (bello) - pintura, escultura, obra dramática, película, novela o cuento, etc. - una imagen artística se construye sobre la base de una imagen, una descripción de algunos fenómenos que existen (o se presentan como existentes). ) en el mundo real . Las emociones que evoca una imagen tan artística son dobles. Por un lado, se relacionan con el contenido de la imagen artística y expresan la valoración que hace una persona de aquellas realidades (objetos, objetos, fenómenos de la realidad) que se reflejan en la imagen. Por otro lado, se refieren a la forma en que se materializa el contenido de la imagen, y expresan una valoración de los méritos artísticos de la obra. Las emociones del primer tipo son sentimientos evocados "artificialmente" que reproducen las experiencias de acontecimientos y fenómenos reales. Las emociones del segundo tipo se llaman estéticas. Están asociados con la satisfacción de las necesidades estéticas humanas: la necesidad de valores como la belleza, la armonía y la proporcionalidad. Una actitud estética es “una evaluación emocional de cómo se organiza, construye, expresa y materializa un contenido determinado, y no de este contenido en sí”.

Una imagen artística es esencialmente no tanto un reflejo de los fenómenos de la realidad como una expresión de su percepción humana, las experiencias asociadas con ellos y la actitud emocional y valorativa hacia ellos.

Pero, ¿por qué la gente necesita emociones evocadas artificialmente, nacidas en el proceso de percepción de imágenes artísticas? ¿No tienen suficientes experiencias relacionadas con su vida real? Hasta cierto punto esto es cierto. Una vida monótona y monótona puede provocar “hambre emocional”. Y luego la persona siente la necesidad de algunas fuentes adicionales de emociones. Esta necesidad los empuja a buscar “emociones” en el juego, a correr riesgos deliberadamente y a crear voluntariamente situaciones peligrosas.

El arte brinda a las personas la oportunidad de tener “vidas extra” en los mundos imaginarios de las imágenes artísticas.

“El arte “transfirió” a una persona al pasado y al futuro, la “reasentó” en otros países, permitió que una persona “reencarnara” en otra, se convirtiera por un tiempo en Espartaco y César, Romeo y Macbeth, Cristo y el Demonio, incluso Colmillo Blanco y el patito feo; convirtió a un adulto en un niño y en un anciano, permitió que todos sintieran y supieran lo que nunca podrían comprender y experimentar en su vida real”.

Las emociones que las obras de arte evocan en una persona no sólo hacen que su percepción de las imágenes artísticas sea más profunda y emocionante. Como lo muestra V.M. Allahverdov, las emociones son señales que vienen del área del inconsciente a la esfera de la conciencia. Señalan si la información recibida refuerza el "modelo del mundo" que se ha desarrollado en las profundidades del subconsciente o, por el contrario, revela su carácter incompleto, inexacto e inconsistente. Al "entrar" en el mundo de las imágenes artísticas y experimentar en él "vidas adicionales", una persona recibe amplias oportunidades para probar y aclarar el "modelo del mundo" que se ha formado en su cabeza sobre la base de su estrecha experiencia personal. Las señales emocionales rompen el "cinturón protector" de la conciencia y alientan a la persona a darse cuenta y cambiar sus actitudes previamente inconscientes.

Por eso las emociones que evoca el arte juegan un papel importante en la vida de las personas. Las experiencias emocionales de "vidas adicionales" conducen a la expansión de los horizontes culturales de una persona, al enriquecimiento de su experiencia espiritual y a la mejora de su "modelo del mundo".

A menudo escuchamos cómo la gente, al mirar un cuadro, admira su parecido con la realidad (“¡La manzana es como una verdadera!”; “¡En el retrato está como si estuviera viva!”). Está muy extendida la opinión de que el arte, al menos el arte "objetivo", radica en la capacidad de lograr similitud entre una imagen y lo representado. Incluso en la antigüedad, esta opinión formó la base de la "teoría de la imitación" (en griego, mimesis), según la cual el arte es una imitación de la realidad. Desde este punto de vista, el ideal estético debe ser la máxima similitud de la imagen artística con el objeto. En la antigua leyenda griega, el deleite del público fue causado por un artista que pintó un arbusto con bayas tan similares que los pájaros acudían en masa para comérselas. Y dos mil quinientos años después, se sospechaba que Rodin había logrado una verosimilitud asombrosa al cubrir con yeso a un hombre desnudo, hacer una copia de él y hacerlo pasar por una escultura.

Pero una imagen artística, como se desprende de lo anterior, no puede ser simplemente una copia de la realidad. Por supuesto, un escritor o artista que se propone representar cualquier fenómeno de la realidad debe hacerlo de tal manera que los lectores y espectadores puedan al menos reconocerlo. Pero el parecido con lo representado no es en absoluto la principal ventaja de una imagen artística.

Goethe dijo una vez que si un artista dibuja un caniche muy parecido, entonces uno puede alegrarse de la aparición de otro perro, pero no de una obra de arte. Y Gorky, sobre uno de sus retratos, que se distinguía por la precisión fotográfica, lo expresó de esta manera: “Este no es mi retrato. Este es un retrato de mi piel." Las fotografías, los moldes de manos y rostros y las figuras de cera pretenden copiar los originales con la mayor precisión posible.

Sin embargo, la precisión no las convierte en obras de arte. Además, el carácter emocional de la imagen artística, como ya se ha demostrado, presupone un alejamiento de la objetividad desapasionada en la representación de la realidad.

Las imágenes artísticas son modelos mentales de los fenómenos, y la similitud de un modelo con el objeto que reproduce es siempre relativa: cualquier modelo debe ser diferente de su original, de lo contrario sería simplemente un segundo original y no un modelo. "El dominio artístico de la realidad no pretende ser la realidad misma; esto distingue al arte de los trucos ilusionistas diseñados para engañar a la vista y al oído".

Al percibir una obra de arte, parecemos “dejar de lado el hecho de que la imagen artística que porta no coincide con la original. Aceptamos la imagen como si fuera la encarnación de un objeto real, “acordamos” no prestar atención a su “carácter falso”. Esta es la convención artística.

La convención artística es una suposición conscientemente aceptada en la que una causa de experiencia “irreal” creada por el arte se vuelve capaz de causar experiencias que se sienten “como reales”, aunque seamos conscientes de que son de origen artificial. “Derramaré lágrimas por la ficción”, así expresó Pushkin el efecto de la convención artística.

Cuando una obra de arte genera determinadas emociones en una persona, ésta no sólo las experimenta, sino que también comprende su origen artificial. Comprender su origen artificial les ayuda a encontrar alivio en la reflexión. Esto permitió a L.S. Vygotsky dijo: "Las emociones del arte son emociones inteligentes". La conexión con la comprensión y la reflexión distingue las emociones artísticas de las emociones provocadas por circunstancias de la vida real.

V. Nabokov en sus conferencias sobre literatura dice: “De hecho, toda la literatura es ficción. Todo arte es un engaño... El mundo de cualquier escritor importante es un mundo de fantasía con su propia lógica, sus propias convenciones...” El artista nos engaña y nosotros voluntariamente sucumbimos al engaño. Según expresión del filósofo y escritor francés J.-P. Sartre, el poeta miente para decir la verdad, es decir, para suscitar una experiencia sincera y veraz. El destacado director A. Tairov dijo en broma que el teatro es una mentira elevada a sistema: “La entrada que compra el espectador es un acuerdo simbólico de engaño: el teatro se compromete a engañar al espectador; el espectador, un verdadero buen espectador, se compromete a sucumbir al engaño y a ser engañado... Pero el engaño del arte se hace realidad gracias a la autenticidad de los sentimientos humanos”.

Existen varios tipos de convenciones artísticas, entre ellas:

“significante”: separa la obra de arte del entorno. Esta tarea la cumplen las condiciones que determinan el área de percepción artística: el escenario de un teatro, el pedestal de una escultura, el marco de un cuadro;

“compensador”: introduce en el contexto de la imagen artística la idea de sus elementos que no están representados en la obra de arte. Dado que la imagen no coincide con el original, su percepción siempre requiere conjeturas en la imaginación de lo que el artista no pudo mostrar o deliberadamente no dijo.

Ésta es, por ejemplo, la convención espacio-temporal en la pintura. La percepción de la pintura supone que el espectador imagina mentalmente la tercera dimensión, que se expresa convencionalmente mediante la perspectiva en un plano, dibuja en su mente un árbol cortado por el borde del lienzo, introduce el paso del tiempo en la imagen estática y , respectivamente, cambios temporales que se transmiten en la pintura utilizando algún tipo de fondos convencionales;

“acentuar”: enfatiza, realza y exagera elementos emocionalmente significativos de la imagen artística.

Los pintores suelen conseguirlo exagerando el tamaño del objeto. Modigliani pinta mujeres con ojos anormalmente grandes que se extienden más allá de sus rostros. En el cuadro de Surikov "Ménshikov en Berezovo", la increíblemente enorme figura de Ménshikov crea la impresión de la escala y el poder de esta figura, que era la "mano derecha" de Pedro;

“complementario”: aumentar la variedad de medios simbólicos del lenguaje artístico. Este tipo de convención es especialmente importante en el arte "no objetivo", donde se crea una imagen artística sin recurrir a la representación de ningún objeto. Los medios simbólicos no figurativos a veces no son suficientes para construir una imagen artística, y la convención “complementaria” amplía su alcance.

Así, en el ballet clásico, los movimientos y posturas, naturalmente asociados con experiencias emocionales, se complementan con medios simbólicos convencionales para expresar ciertos sentimientos y estados. En este tipo de música, los medios adicionales son, por ejemplo, ritmos y melodías que dan sabor nacional o recuerdan acontecimientos históricos.

Un símbolo es un tipo especial de signo. El uso de un signo como símbolo nos permite, a través de la imagen de una cosa específica e individual (la apariencia externa del símbolo), transmitir pensamientos de naturaleza general y abstracta (el significado profundo del símbolo).

Recurrir a los símbolos abre amplias posibilidades para el arte. Con su ayuda, una obra de arte puede llenarse de contenido ideológico que va mucho más allá de las situaciones y acontecimientos específicos que se representan directamente en ella. Por tanto, el arte, como sistema de modelado secundario, utiliza ampliamente una variedad de símbolos. En los lenguajes del arte, los medios simbólicos se utilizan no sólo en su significado directo, sino también para "codificar" significados simbólicos profundos y "secundarios".

Desde un punto de vista semiótico, una imagen artística es un texto que contiene información estéticamente rica y emocionalmente rica. Mediante el uso del lenguaje simbólico, esta información se presenta en dos niveles. En el primero, se expresa directamente en el "tejido" sensualmente percibido de la imagen artística: en la apariencia de personas, acciones y objetos específicos que se muestran en esta imagen. En segundo lugar, debe obtenerse penetrando en el significado simbólico de una imagen artística, interpretando mentalmente su contenido ideológico. Por tanto, una imagen artística lleva consigo no sólo emociones, sino también pensamientos. El impacto emocional de una imagen artística está determinado por la impresión que nos deja tanto la información que recibimos en el primer nivel, a través de la percepción de la descripción de fenómenos específicos que se nos da directamente, como la información que captamos. en el segundo nivel interpretando el simbolismo de la imagen. Por supuesto, comprender el simbolismo requiere un esfuerzo intelectual adicional. Pero esto realza significativamente las impresiones emocionales que nos causan las imágenes artísticas.

El contenido simbólico de las imágenes artísticas puede ser de muy distinta naturaleza. Pero siempre está presente hasta cierto punto. Por tanto, una imagen artística no puede reducirse a lo que en ella se representa. Siempre nos “cuenta” no sólo de esto, sino también de algo más que va más allá del objeto específico, visible y audible que en él se representa.

En el cuento de hadas ruso, Baba Yaga no es sólo una anciana fea, sino una imagen simbólica de la muerte. La cúpula bizantina de la iglesia no es sólo una forma arquitectónica del techo, sino un símbolo de la bóveda celeste. El abrigo de Gogol para Akaki Akakievich no es sólo ropa, sino una imagen simbólica de la inutilidad de los sueños de un hombre pobre de una vida mejor.

El simbolismo de una imagen artística puede basarse, en primer lugar, en las leyes de la psique humana.

Así, la percepción del color por parte de las personas tiene una modalidad emocional asociada a las condiciones bajo las cuales se suele observar un determinado color en la práctica. El color rojo (el color de la sangre, el fuego, las frutas maduras) despierta una sensación de peligro, actividad, atracción erótica y el deseo de las bendiciones de la vida. El verde, el color de la hierba y el follaje, simboliza el crecimiento de la vitalidad, la protección, la confiabilidad y la tranquilidad. El negro se percibe como la ausencia de los colores brillantes de la vida, recuerda a la oscuridad, el misterio, el sufrimiento, la muerte. El violeta oscuro, una mezcla de negro y rojo, evoca un estado de ánimo pesado y sombrío.

Los investigadores de la percepción del color, a pesar de algunas diferencias en la interpretación de los colores individuales, llegan a conclusiones básicamente similares sobre sus efectos psicológicos. Según Frieling y Auer, los colores se caracterizan de la siguiente manera.

En segundo lugar, una imagen artística puede construirse a partir de un simbolismo históricamente establecido en una cultura.

A lo largo de la historia, resultó que el verde se convirtió en el color de la bandera del Islam, y los artistas europeos, que representan una neblina verdosa detrás de los sarracenos que se oponen a los cruzados, señalan simbólicamente el mundo musulmán que se encuentra en la distancia. En la pintura china, el color verde simboliza la primavera, y en la tradición cristiana actúa a veces como símbolo de estupidez y pecaminosidad (el místico sueco Swedishberg dice que los tontos en el infierno tienen ojos verdes; una de las vidrieras de la catedral de Chartres muestra un Satán de piel y ojos verdes).

Otro ejemplo. Escribimos de izquierda a derecha y el movimiento en esa dirección parece normal. Cuando Surikov representa a la noble Morozova en un trineo que viaja de derecha a izquierda, su movimiento en esta dirección simboliza una protesta contra las actitudes sociales aceptadas. Además, en el mapa está el oeste a la izquierda y el este a la derecha. Por eso, en las películas sobre la Guerra Patria, el enemigo suele avanzar por la izquierda y las tropas soviéticas por la derecha.

En tercer lugar, al crear una imagen artística, el autor puede darle un significado simbólico basado en sus propias asociaciones, que a veces iluminan inesperadamente cosas familiares desde una nueva perspectiva.

La descripción del contacto de los cables eléctricos se convierte aquí en una reflexión filosófica sobre la síntesis (¡no sólo el “plexo”!) de los opuestos, sobre la convivencia muerta (como ocurre en la vida familiar sin amor) y el destello de vida en el momento de la muerte. . Las imágenes artísticas nacidas del arte a menudo se convierten en símbolos culturales generalmente aceptados, una especie de estándares para evaluar los fenómenos de la realidad. El título del libro de Gogol "Dead Souls" es simbólico. Manilov y Sobakevich, Plyushkin y Korobochka: todos estos son "almas muertas". Los símbolos fueron Tatyana de Pushkin, Chatsky de Griboyedov, Famusov, Molchalin, Oblomov y Oblomovismo de Goncharov, Judushka Golovlev de Saltykov-Shchedrin, Ivan Denisovich de Solzhenitsyn y muchos otros héroes literarios. Sin el conocimiento de los símbolos que entraron en la cultura desde el arte del pasado, a menudo resulta difícil comprender el contenido de las obras de arte modernas. El arte está completamente impregnado de asociaciones históricas y culturales, y quienes no las notan a menudo encuentran inaccesible el simbolismo de las imágenes artísticas.

El simbolismo de una imagen artística se puede crear y capturar tanto a nivel de conciencia como de forma subconsciente, "intuitiva". Sin embargo, en cualquier caso hay que entenderlo. Esto significa que la percepción de una imagen artística no se limita sólo a una experiencia emocional, sino que también requiere comprensión y comprensión. Además, cuando el intelecto entra en juego a la hora de percibir una imagen artística, éste potencia y amplía el efecto de la carga emocional inherente a ella. Las emociones artísticas que experimenta una persona que comprende el arte son emociones asociadas orgánicamente con el pensamiento. Aquí, en un aspecto más, se justifica la tesis de Vygotsky: “las emociones del arte son emociones inteligentes”.

También hay que agregar que en las obras literarias el contenido ideológico se expresa no solo en el simbolismo de las imágenes artísticas, sino también directamente en boca de los personajes, en los comentarios del autor, ampliándose en ocasiones a capítulos enteros con reflexiones científicas y filosóficas (Tolstoi en “Guerra y Paz”, T. Mann en “La Montaña Mágica”). Esto demuestra además que la percepción artística no puede reducirse únicamente al impacto en la esfera de las emociones. El arte requiere tanto de los creadores como de los consumidores de su creatividad no sólo experiencias emocionales, sino también esfuerzos intelectuales.

Cualquier signo, dado que su significado puede ser fijado arbitrariamente por una persona, es capaz de ser portador de diferentes significados. Esto también se aplica a los signos verbales: las palabras. Como lo muestra V.M. Allahverdov, “es imposible enumerar todos los significados posibles de una palabra, porque el significado de esta palabra, como cualquier otro signo, puede ser cualquier cosa. La elección del significado depende de la conciencia que percibe esta palabra. Pero “la arbitrariedad de la relación signo-significado” no significa imprevisibilidad. El significado una vez asignado a un signo determinado debe seguir asignándose persistentemente a ese signo si se preserva el contexto de su aparición”. Así, el contexto en el que se utiliza nos ayuda a comprender qué significa un signo.

Cuando nos proponemos comunicar conocimientos sobre un tema a otra persona, intentamos asegurarnos de que el contenido de nuestro mensaje se comprenda sin ambigüedades. En ciencia, para ello se introducen reglas estrictas que determinan el significado de los conceptos utilizados y las condiciones para su aplicación. El contexto no permite ir más allá de estas reglas. Se da a entender que la conclusión se basa únicamente en la lógica y no en las emociones. Se excluyen de la consideración todos los matices secundarios de significado no especificados en las definiciones. Un libro de texto sobre geometría o química debe presentar hechos, hipótesis y conclusiones de tal manera que todos los estudiantes que lo estudien perciban su contenido sin ambigüedades y en total conformidad con las intenciones del autor. De lo contrario, tendremos un mal libro de texto. La situación es diferente en el art. Aquí, como ya se mencionó, la tarea principal no es transmitir información sobre algunos objetos, sino influir en los sentimientos, despertar emociones, por lo que el artista busca medios simbólicos que sean efectivos en este sentido. Juega con estos medios, conectando esos matices sutiles y asociativos de su significado que quedan fuera de las definiciones lógicas estrictas y cuyo atractivo no es permisible en el contexto de la prueba científica. Para que una imagen artística cause impresión, despierte interés y despierte emociones, se construye con la ayuda de descripciones no estándar, comparaciones inesperadas, metáforas vívidas y alegorías.

Pero la gente es diferente. Tienen diferentes experiencias de vida, diferentes habilidades, gustos, deseos y estados de ánimo. El escritor, al seleccionar medios de expresión para crear una imagen artística, parte de sus ideas sobre la fuerza y ​​​​la naturaleza de su impacto en el lector. Los utiliza y los evalúa a la luz de sus puntos de vista en un contexto cultural particular. Este contexto está asociado a la época en que vive el escritor, a los problemas sociales que preocupan a las personas de esta época, al enfoque de intereses y al nivel de educación del público al que se dirige el autor. Y el lector percibe estos medios en su propio contexto cultural. Los diferentes lectores, en función de su contexto y simplemente de sus características individuales, pueden ver a su manera la imagen creada por el escritor.

Hoy en día, la gente admira las pinturas rupestres de animales hechas por artistas anónimos de la Edad de Piedra, pero cuando las miran, ven y experimentan algo completamente diferente de lo que vieron y experimentaron nuestros ancestros lejanos. Un no creyente puede admirar la "Trinidad" de Rublev, pero percibe este ícono de manera diferente que un creyente, y esto no significa que su percepción del ícono sea incorrecta.

Si una imagen artística evoca en el lector exactamente aquellas experiencias que el autor quería expresar, él (el lector) experimentará empatía.

Esto no significa que las experiencias e interpretaciones de las imágenes artísticas sean completamente arbitrarias y puedan ser cualquier cosa. Después de todo, surgen a partir de la imagen, surgen de ella y su carácter está determinado por esta imagen. Sin embargo, esta condicionalidad no es inequívoca. La conexión entre una imagen artística y sus interpretaciones es la misma que existe entre una causa y sus consecuencias: una misma causa puede dar lugar a muchas consecuencias, pero no a ninguna, sino sólo a las que se derivan de ella.

Existen varias interpretaciones de las imágenes de Don Juan, Hamlet, Chatsky, Oblomov y muchos otros héroes literarios. En la novela Anna Karenina de L. Tolstoi, las imágenes de los personajes principales se describen con una viveza asombrosa. Tolstoi, como nadie, sabe cómo presentar a sus personajes al lector de tal manera que se conviertan, por así decirlo, en sus conocidos más cercanos. Parecería que la apariencia de Anna Arkadyevna y su esposo Alexei Alexandrovich, su mundo espiritual, se nos revela hasta lo más profundo. Sin embargo, los lectores pueden tener actitudes diferentes hacia ellos (y en la novela, la gente los trata de manera diferente). Algunos aprueban el comportamiento de Karenina, otros lo consideran inmoral. A algunas personas no les agrada en absoluto Karenin, otras lo ven como una persona extremadamente digna. El propio Tolstoi, a juzgar por el epígrafe de la novela (“Mía es la venganza y yo pagaré”), parece condenar a su heroína e insinuar que ella está sufriendo una justa retribución por su pecado. Pero al mismo tiempo, en esencia, con todo el subtexto de la novela, evoca compasión por ella. ¿Qué es superior: el derecho al amor o el deber conyugal? No hay una respuesta clara en la novela. Puedes simpatizar con Anna y culpar a su marido, o puedes hacer lo contrario. La elección depende del lector. Y el campo de elección no se limita sólo a dos opciones extremas: probablemente existan innumerables opciones intermedias.

Por tanto, cualquier imagen artística en toda regla es polisemántica en el sentido de que permite la existencia de muchas interpretaciones diferentes. Parecen estar potencialmente incrustados en él y revelar su contenido cuando se los percibe desde diferentes puntos de vista y en diferentes contextos culturales. No empatía, sino cocreación es lo que se necesita para comprender el significado de una obra de arte y, además, una comprensión asociada a la percepción y experiencia personal, subjetiva, individual de las imágenes artísticas contenidas en la obra.

El arte enriquece nuestras vidas. Y uno de sus tipos, la literatura, nos encuentra al comienzo mismo del viaje de nuestra vida y permanece para siempre. El libro, como padres cariñosos, nos educa y enseña. Al leer cuentos de hadas cuando somos niños, aprendemos a distinguir el bien del mal, la verdad de la mentira, la virtud de la mezquindad.
La literatura te enseña a sentir, comprender y empatizar. Al fin y al cabo, cada libro nos hace pensar en lo que el autor quería transmitir con su obra. ¿Qué pensamiento puso en su creación? Al conocer nuevos personajes, comprender sus sentimientos y pensamientos, comenzamos

Es mejor comprender a las personas que nos rodean y, lo más importante, a nosotros mismos. No en vano muchas grandes figuras culturales y científicas, en momentos de excitación emocional, retomaron la ficción. Encontraron paz y satisfacción en ello. Los libros pueden ayudarnos a encontrar el camino correcto en la vida, pero mientras lo buscamos a menudo nos confundimos.
Pero estas no son todas las ventajas de la literatura. Gracias a ella aprendimos mucha información necesaria y útil. Por ejemplo, se han conservado muy pocas fuentes sobre la campaña del príncipe Igor, y la obra literaria "La historia de la campaña de Igor" arrojó luz sobre muchos hechos desconocidos.
Al describir la vida y las costumbres de su siglo, el escritor nos ayuda a formarnos una imagen de la época.
El libro puede incluso influir en el curso de la vida real del lector. Por ejemplo, después de leer la historia de Sholokhov "El destino de un hombre", muchas personas cuyas vidas eran similares al destino del héroe de esta obra se animaron y encontraron la fuerza para seguir viviendo.
Creo que este es el gran poder del arte de la literatura.