Literatura de América Latina del siglo XIX. Tema: El fenómeno de la literatura latinoamericana

Pasemos a otra literatura igualmente talentosa: la latinoamericana. Edición El Telégrafo ha creado una selección de las 10 mejores novelas de escritores de América Latina y obras ambientadas allí. Realmente vale la pena leer la selección durante el verano. ¿Qué autores has leído ya?

Graham Greene "Poder y gloria" (1940)

Esta vez, una novela del escritor británico Graham Greene sobre un sacerdote católico en México en las décadas de 1920 y 1930. Al mismo tiempo, tuvo lugar en el país una brutal persecución a la Iglesia católica por parte de la organización militar “Camisas Rojas”. El personaje principal, contrariamente a las órdenes de las autoridades, bajo pena de ejecución sin juicio ni investigación, continúa visitando aldeas remotas (en una de ellas viven su esposa y su hijo), oficia misas, bautiza, confesa y da la comunión a sus feligreses. En 1947, la novela fue filmada por John Ford.

Ernesto Che Guevara "Diarios de motocicleta" (1993)

La historia trata sobre cómo un joven Che Guevara, un estudiante de medicina de 23 años, parte desde Argentina en un viaje en motocicleta. Regresa como un hombre con una misión. Según su hija, regresó de allí aún más sensible a los problemas de América Latina. El viaje duró nueve meses. Durante este tiempo recorrió ocho mil kilómetros. Además de en motocicleta, viajó a caballo, en barco, en ferry, en autobús y haciendo autostop. El libro es la historia de un viaje de autodescubrimiento.

Octavio Paz "Laberinto de la soledad" (1950)

"La soledad es el significado más profundo de la existencia humana"- escribió el poeta mexicano Octavio Paz en este famoso poemario. “Una persona siempre está anhelando y buscando pertenencia. Por eso, cada vez que nos sentimos una persona, sentimos la ausencia de otra, nos sentimos solos”. Y muchas más cosas hermosas y profundas sobre la soledad fueron comprendidas por Paz y convertidas en poesía.

Isabel Allende "Casa de los espíritus" (1982)

La idea de Isabel Allende para esta novela comenzó cuando recibió la noticia de que su abuelo de 100 años estaba muriendo. Ella decidió escribirle una carta. Esta carta se convirtió en el manuscrito de su primera novela. "Casa de los espíritus" En él, el novelista creó la historia de Chile tomando como ejemplo una saga familiar a través de historias de heroínas femeninas. "Cinco años", dice Allende, Yo ya era feminista, pero nadie conocía esta palabra en Chile”. Esta novela está escrita en las mejores tradiciones del realismo mágico. Antes de convertirse en un éxito de ventas en el mundo, fue rechazado por varias editoriales.

Paulo Coelho "Alquimista" (1988)

Un libro que fue incluido en el Libro Guinness de los Récords por el número de traducciones de un autor moderno. La novela alegórica del escritor brasileño cuenta la historia del viaje de un pastor andaluz a Egipto. La idea principal del libro es que si realmente quieres algo, sucederá.

Roberto Bolaño "Detectives salvajes" (1998)

“Nació en 1953, el año en que murieron Stalin y Dylan Thomas”, escribió Bolaño en su biografía. Esta es la historia de la búsqueda de un poeta mexicano en la década de 1920 por parte de otros dos poetas: Arturo Bolaño (el prototipo del autor) y el mexicano Ulises Lima. Por ello, el autor chileno recibió el Premio Rómulo Gallegos.

Laura Esquivel "Como agua para chocolate" (1989)

“Todos nacemos con una caja de cerillas dentro, y como no podemos encenderlas nosotros mismos, necesitamos, como ocurre durante el experimento, oxígeno y la llama de una vela”, escribe Esquivel en este encantador y realista melodrama mexicano. La característica principal de la obra es que las emociones de la protagonista Tita recaen en todos los deliciosos platos que prepara.

La victoria sobre el fascismo implicó perturbaciones y el colapso del sistema colonial en varios países anteriormente dependientes del continente africano y América Latina. La liberación de la dominación militar y económica y de las migraciones masivas durante la Segunda Guerra Mundial condujo a un aumento de la autoconciencia nacional. La liberación de la dependencia colonial en la segunda mitad del siglo XX condujo al surgimiento de nuevos continentes literarios. Como resultado de estos procesos, conceptos como la nueva novela latinoamericana, la prosa africana moderna y la literatura étnica en Estados Unidos y Canadá entraron en la lectura y el uso literario. Otro factor importante fue el crecimiento del pensamiento planetario, que no permitía el “silencio” de continentes enteros y la exclusión de la experiencia cultural.

Es de destacar que en la década de 1960. En Rusia está surgiendo la llamada "prosa multinacional": escritores de entre los pueblos indígenas de Asia Central, el Cáucaso y Siberia.

La interacción de las literaturas tradicionales con las nuevas realidades ha enriquecido la literatura mundial e impulsado el desarrollo de nuevas imágenes mitopoéticas. Hacia mediados de los años 1960. Quedó claro que las literaturas étnicas, anteriormente condenadas a la extinción o la asimilación, podían sobrevivir y desarrollarse a su manera dentro de las civilizaciones dominantes. El fenómeno más sorprendente de la relación entre el factor etnocultural y la literatura fue el auge de la prosa latinoamericana.

Incluso en la primera mitad del siglo XX, la literatura de los países latinoamericanos no podía competir con los países de Europa (e incluso del Este), porque eran en su mayoría epígonos estéticos. Sin embargo, a partir de la segunda mitad del siglo XX, muchos escritores jóvenes comenzaron a construir su camino creativo, centrándose en las tradiciones locales. Habiendo absorbido la experiencia de la escuela experimental europea, pudieron desarrollar un estilo literario nacional original.

Para los años 1960-70. Este es el período del llamado “boom” de la novela latinoamericana. Durante estos años, el término “realismo mágico” se difundió en la crítica europea y latinoamericana. En sentido estricto, denota cierto movimiento en la literatura latinoamericana de la segunda mitad del siglo XX. En sentido amplio, se entiende como una constante del pensamiento artístico latinoamericano y una propiedad general de la cultura del continente.

El concepto de realismo mágico latinoamericano pretende resaltarlo y distinguirlo de la mitología y la fantasía europeas. Estas características quedaron claramente plasmadas en las primeras obras del realismo mágico latinoamericano: la historia de A. Carpentier "El reino oscuro" (1949) y la novela de M.A. Asturias “El Pueblo del Maíz” (1949).

En sus héroes, el elemento personal está silenciado y no interesa al escritor. Los héroes actúan como portadores de la conciencia mitológica colectiva. Es esto lo que se convierte en el objeto principal de la imagen. Al mismo tiempo, los escritores reemplazan su visión de una persona civilizada por la de una persona primitiva. Los realistas latinoamericanos resaltan la realidad a través del prisma de la conciencia mitológica. Como resultado de esto, la realidad representada sufre fantásticas transformaciones. Las obras de realismo mágico se construyen a partir de la interacción de recursos artísticos. La conciencia “civilizada” es comprendida y comparada con la mitológica.

A lo largo del siglo XX, América Latina avanzó hacia un florecimiento de la creatividad artística. En el continente se han desarrollado una amplia variedad de tendencias. El realismo se desarrolló activamente, surgió una dirección elitista-modernista (con ecos del existencialismo europeo) y luego una posmodernista. Jorge Luis Borges, Julio Cartazar y Octavio Paz desarrollaron técnicas y métodos de “corriente de conciencia” tomados de Europa, la idea del absurdo del mundo, la “alienación” y el discurso lúdico.

Los escritores latinoamericanos de élite (Octavio Paz, Juan Carlos Onetti, Mario Vergas Llos) conversaron consigo mismos, tratando de identificar su singularidad personal. Buscaron la identidad nacional dentro de los límites de técnicas narrativas europeas bien establecidas. Esto les dio una fama muy limitada.

La tarea de los “realistas mágicos” era diferente: dirigieron directamente su mensaje a la humanidad, combinando lo nacional y lo universal en una síntesis única. Esto explica su fenomenal éxito en todo el mundo.

La poética y los principios artísticos del realismo mágico latinoamericano se formaron bajo la influencia del vanguardismo europeo. El interés general por el pensamiento primitivo, la magia y el arte primitivo que se apoderó de los europeos en el primer tercio del siglo XX estimuló el interés de los escritores latinoamericanos por los indios y los afroamericanos. En el seno de la cultura europea se creó el concepto de la diferencia fundamental entre el pensamiento prerracionalista y el pensamiento civilizado. Este concepto será desarrollado activamente por los escritores latinoamericanos.

De los artistas de vanguardia, principalmente de los surrealistas, los escritores latinoamericanos tomaron prestados algunos principios de la transformación fantástica de la realidad. El "salvaje" abstracto europeo adquirió concreción y claridad etnocultural en las obras del realismo mágico.

El concepto de diferentes tipos de pensamiento se proyectó en el ámbito del enfrentamiento cultural y civilizacional entre América Latina y Europa. El sueño surrealista europeo fue reemplazado por un mito real. Al mismo tiempo, los escritores latinoamericanos se basaron no sólo en la mitología india y sudamericana, sino también en las tradiciones de las crónicas americanas de los siglos XVI y XVII. y su abundancia de elementos milagrosos.

La base ideológica del realismo mágico fue el deseo del escritor de identificar y afirmar la originalidad de la realidad y la cultura latinoamericana, que se combina con la conciencia mitológica de un indio o afroamericano.

El realismo mágico latinoamericano tuvo un impacto significativo en la literatura europea y norteamericana, y especialmente en la literatura del Tercer Mundo.

En 1964, el escritor costarricense Joaquín Gutiérrez escribió en un artículo “En vísperas del gran florecimiento” reflexionó sobre el destino de la novela en América Latina: “Hablando de los rasgos característicos de la novela latinoamericana, debemos señalar en primer lugar que es relativamente joven. Han pasado poco más de cien años desde su creación, y en América Latina hay países donde la primera novela apareció recién en nuestro siglo. Durante el período colonial de trescientos años de la historia latinoamericana, no se publicó ni una sola novela y, hasta donde sabemos, ¡ni se escribió!... En los últimos veinte años, la novela latinoamericana ha avanzado con gran impulso... Si bien sigue siendo latinoamericana, nuestra novela recientemente se ha vuelto más universal. Y creo que podemos predecir con seguridad que se encuentra en vísperas de una era de gran prosperidad... Aún no ha aparecido en nuestra literatura un novelista colosal, pero no nos estamos quedando atrás. Recordemos lo que dijimos al principio: que nuestro romance se remonta a poco más de cien años, y esperemos un poco más”..

Estas palabras resultaron proféticas para la novela latinoamericana. En 1963 apareció la novela “Rayuela” de Julio Cortázar, en 1967 “Cien años de soledad” de Gabriel García Márquez, que se convirtió en un clásico de la literatura latinoamericana.

Tema: Literatura japonesa.

En 1868, tuvieron lugar en Japón acontecimientos llamados la “Restauración Meiji” (traducido como “gobierno ilustrado”). Hubo una restauración del poder del emperador y la caída del sistema de gobierno samurái del shogunato. Estos acontecimientos llevaron a Japón a seguir el camino de las potencias europeas. La política exterior está cambiando drásticamente, se anuncia la “apertura de puertas”, el fin del aislamiento externo que ha durado más de dos siglos y la implementación de una serie de reformas. Estos dramáticos cambios en la vida del país quedaron reflejados en la literatura del período Meiji (1868-1912). Durante este tiempo, los japoneses pasaron del entusiasmo excesivo por todo lo europeo a la decepción, del deleite ilimitado a la desesperación.

Una característica distintiva del método tradicional japonés es la indiferencia del autor. El escritor describe todo lo que aparece en la realidad cotidiana, sin emitir juicios. El deseo de representar cosas sin introducir nada de uno mismo se explica por la actitud budista hacia el mundo como inexistente, ilusorio. Las propias experiencias se describen de la misma manera. La esencia del método tradicional japonés radica precisamente en la no implicación del autor en lo que se está discutiendo, el autor "sigue el pincel", el movimiento de su alma. El texto contiene una descripción de lo que el autor vio, escuchó, experimentó, pero no hay deseo de comprender lo que está sucediendo. No contienen el analitismo europeo tradicional. Las palabras de Daiseku Suzuki sobre el arte zen se pueden atribuir a toda la literatura japonesa clásica: “Buscaban transmitir con su pincel lo que les mueve desde dentro. Ellos mismos no sabían cómo expresar el espíritu interior y lo expresaban con un grito o un golpe de cepillo. Quizás esto no sea arte en absoluto, porque no hay arte en lo que hicieron. Y si lo hay, es muy primitivo. ¿Pero es? ¿Podríamos tener éxito en la “civilización”, en otras palabras, en el artificio, si nos esforzáramos por lograr la sencillez? Éste era precisamente el objetivo y la base de todas las búsquedas artísticas”.

En la cosmovisión budista, que subyace a la literatura japonesa, no podría haber ningún deseo de explorar la vida humana, de comprender su significado, porque la verdad se encuentra al otro lado del mundo visible y es inaccesible a la comprensión. Sólo se puede experimentar en un estado mental especial, en un estado de máxima concentración, cuando una persona se fusiona con el mundo. En este sistema de pensamiento no existía la idea de crear el mundo; Buda no creó el mundo, sino que lo entendió. Por lo tanto, no se consideraba al hombre como un creador potencial. Desde el punto de vista de la teoría budista, un ser vivo no es un ser que vive en el mundo, sino un ser que experimenta el mundo. En este sistema de valores no podría aparecer un método de análisis que presuponga la separación. De ahí la actitud indiferente ante lo representado, cuando el escritor se siente partícipe y espectador de los hechos descritos.

Por lo tanto, la literatura tradicional japonesa no se caracteriza por el tormento, el lamento y la duda. No hay luchas internas, ni deseo de cambiar el destino, de desafiar al destino, todo eso impregna la literatura europea, empezando por la tragedia antigua.

Durante muchos siglos, el ideal estético ha estado plasmado en la poesía japonesa.

Yasunari Kawabata (1899-1975)- un clásico de la literatura japonesa. En 1968 recibió el Premio Nobel por “un escrito que expresa con gran fuerza la esencia del pensamiento japonés”.

Yasunari Kawabata nació en Osaka en la familia de un médico. Perdió temprano a sus padres y luego a su abuelo, quien lo crió. Vivía con familiares, sintiendo amargamente la orfandad. Durante mis años escolares soñaba con ser artista, pero mi pasión por la literatura resultó ser más fuerte. Su primera experiencia escribiendo fue "El diario de un joven de dieciséis años", que transmitía sentimientos de tristeza y soledad.

Sus años de estudiante los pasó en la Universidad de Tokio, donde Kawabata Yasunari estudió filología inglesa y japonesa. En este momento, se conoció las obras de los más grandes escritores japoneses y europeos y la literatura rusa. Después de graduarse de la universidad, trabaja como crítico, publicando reseñas de libros publicados. Durante estos años formó parte de un grupo de escritores “neosensualistas” sensibles a las nuevas tendencias de la literatura del modernismo europeo. Una de las historias de Kawabata Yasunari, "Fantasía de cristal" (1930), a menudo se llamaba "joyceana"; en su estructura y estilo de escritura se sentía la influencia del autor de "Ulises". La historia es una corriente de recuerdos de la heroína, toda su vida surge en una serie de momentos "cristalinos" que destellan en su memoria. Al reproducir el flujo de la conciencia y transmitir el trabajo de la memoria, Kawabata se guió en gran medida por Joyce y Proust. Como otros escritores del siglo XX, no ignoró los experimentos modernistas. Pero al mismo tiempo, sigue siendo un exponente de la originalidad y originalidad del pensamiento japonés. Kawabata mantiene fuertes vínculos con la tradición nacional japonesa. Kawabata escribió: " Fascinado por la literatura occidental moderna, a veces intentaba imitar sus imágenes. Pero soy fundamentalmente oriental y nunca he perdido de vista mi propio camino. ».

La poética de las obras de Kawabata Yasunari se caracteriza por los siguientes motivos tradicionales japoneses:

Espontaneidad y claridad al transmitir un sentimiento sincero por la naturaleza y el hombre;

Fusionándose con la naturaleza

Mucha atención al detalle;

La capacidad de revelar una belleza encantadora en las cosas cotidianas y pequeñas;

Laconismo en la reproducción de los matices del estado de ánimo;

Tristeza tranquila, sabiduría que otorga la vida.

Todo esto te permite sentir la armonía de la existencia con sus secretos eternos.

La originalidad de la prosa poética de Kawabata Yasunari se manifestó en los cuentos "El bailarín de Izidu" (1926), "País de nieve" (1937), "Las mil grullas" (1949), "Lago" (1954), en las novelas " El gemido de la montaña” (1954), “Capital vieja” (1962). Todas las obras están imbuidas de lirismo y un alto nivel de psicologismo. Describen las tradiciones, costumbres, características de la vida y el comportamiento de las personas japonesas. Por ejemplo, en el cuento "Las mil grullas", se reproduce con todo detalle el ritual de beber té, la "ceremonia del té", que es importante en la vida de los japoneses. La estética del ritual del té, así como otras costumbres siempre escritas en detalle, de ninguna manera aíslan a Kawabata de los problemas de la era moderna. Sobrevivió a dos guerras mundiales, a la destrucción de Hiroshima y Nagasaki por explosiones de bombas atómicas y a las guerras entre Japón y China que quedan en su memoria. Por lo tanto, le son especialmente queridas las tradiciones asociadas con el concepto de paz, armonía y belleza, y no con la exaltación del poder militar y el valor samurái. Kawabata protege las almas de las personas de la crueldad del enfrentamiento

La obra de Kawabata se desarrolló bajo la influencia de la estética zen. De acuerdo con las enseñanzas del Zen, la realidad se entiende como un todo indivisible y la verdadera naturaleza de las cosas sólo puede comprenderse intuitivamente. No es el análisis y la lógica, sino el sentimiento y la intuición los que nos acercan a revelar la esencia de los fenómenos, el misterio eterno. No todo se puede expresar con palabras y no es necesario decir todo hasta el final. Una mención o una pista es suficiente. El encanto de la subestimación tiene un poder impresionante. Estos principios, desarrollados a lo largo de los siglos en la poesía japonesa, también se materializan en la obra de Kawabata.

Kawabata ve la belleza de lo ordinario, el entorno de su vida. Representa la naturaleza, el mundo de las plantas y escenas de la vida cotidiana de forma lírica, con la sabiduría perspicaz de la humanidad. El escritor muestra la vida de la naturaleza y la vida del hombre en su comunidad, en continua interpenetración. Esto revela un sentimiento de pertenencia a lo absoluto de la naturaleza, el universo. Kawabata tiene la capacidad de recrear la atmósfera de la realidad, para ello selecciona con precisión colores y olores auténticos de su tierra natal.

Uno de los aspectos centrales de la estética del arte japonés es la idea del triste encanto de las cosas. Lo bello en la literatura japonesa clásica tiene un tono elegíaco, las imágenes poéticas están imbuidas de un estado de ánimo de tristeza y melancolía. En la poesía, como en un jardín tradicional, no hay nada superfluo, nada innecesario, pero siempre hay imaginación, una insinuación, una cierta incompletitud y sorpresa. El mismo sentimiento surge al leer los libros de Kawabata; el lector descubre la compleja actitud del autor hacia sus personajes: simpatía y simpatía, piedad y ternura, amargura, dolor. La obra de Kawabata está llena de contemplación tradicional japonesa, humor y una comprensión sutil de la naturaleza y su impacto en el alma humana. Revela el mundo interior de una persona que lucha por la felicidad. Uno de los temas principales de su obra es la tristeza, la soledad y la imposibilidad de amar.

En lo más común, en un pequeño detalle de la aburrida vida cotidiana, se revela algo esencial, que revela el estado de ánimo de una persona. Los detalles están constantemente en el centro de la visión de Kawabata. Sin embargo, su mundo objetivo no suprime el movimiento del personaje; la narrativa contiene análisis psicológico y se distingue por un gran gusto artístico.

Muchos capítulos de las obras de Kawabata comienzan con líneas sobre la naturaleza, que parecen marcar el tono de la narrativa posterior. A veces la naturaleza es sólo el telón de fondo en el que se desarrolla la vida de los personajes. Pero a veces parece adquirir un significado independiente. La autora parece animarnos a aprender de ella, a comprender sus secretos desconocidos, viendo en la comunicación con la naturaleza formas únicas de mejora moral y estética del hombre. El trabajo de Kawabata se caracteriza por una sensación de grandeza de la naturaleza y la sofisticación de la percepción visual. A través de imágenes de la naturaleza, revela los movimientos del alma humana y, por eso, muchas de sus obras son multifacéticas y tienen un subtexto oculto. El idioma de Kawabata es un ejemplo del estilo japonés. Breve, conciso, profundo, tiene imaginería y metáfora impecable.

La poesía de la rosa, la gran habilidad literaria, el pensamiento humanista sobre el cuidado de la naturaleza y el hombre, de las tradiciones del arte nacional: todo esto hace del arte de Kawabata un fenómeno excepcional en la literatura japonesa y en el arte mundial de la palabra.

Dictaduras, golpes de Estado, revoluciones, terrible pobreza de unos y fantástica riqueza de otros y, al mismo tiempo, exuberante diversión y optimismo de la gente corriente. Así es como se puede describir brevemente a la mayoría de los países latinoamericanos del siglo XX. Y no debemos olvidarnos de la asombrosa síntesis de diferentes culturas, pueblos y creencias.

Las paradojas de la historia y el color desenfrenado inspiraron a muchos escritores de esta región a crear auténticas obras maestras literarias que enriquecieron la cultura mundial. Hablaremos de las obras más llamativas de nuestro material.

Capitanes de la arena. Jorge Amado (Brasil)

Una de las principales novelas de Jorge Amado, el escritor brasileño más famoso del siglo XX. “Capitanes de la Arena” es la historia de una pandilla de niños de la calle que se dedicaban a hurtos y robos en el estado de Bahía en los años 1930. Fue este libro el que formó la base de la película "Los generales de las canteras de arena", que fue muy popular en la URSS.

Adolfo Bioy Casares (Argentina)

El libro más famoso del escritor argentino Adolfo Bioy Casares. Una novela que se balancea hábilmente al borde del misticismo y la ciencia ficción. El personaje principal, huyendo de la persecución, se encuentra en una isla lejana. Allí conoce a gente extraña que no le presta la menor atención. Observándolos día tras día, aprende que todo lo que sucede en este pedazo de tierra es una película holográfica grabada hace mucho tiempo, realidad virtual. Y es imposible salir de este lugar... mientras el invento de un tal Morel esté funcionando.

Señor Presidente. Miguel Ángel Asturias (Guatemala)

Miguel Angel Asturias - ganador del Premio Nobel de Literatura de 1967. En su novela, el autor retrata a un típico dictador latinoamericano, el Señor Presidente, en la que refleja toda la esencia de un gobierno autoritario cruel y sin sentido, cuyo objetivo es enriquecerse mediante la opresión y la intimidación de la gente corriente. Este libro trata sobre un hombre para quien gobernar un país significa robar y matar a sus habitantes. Recordando la dictadura del mismo Pinochet (y otros dictadores no menos sangrientos), entendemos cuán certera resultó ser esta profecía artística de Asturias.

Reino de la Tierra. Alejo Carpentier (Cuba)

En su novela histórica "Reino Terrestre", el escritor cubano Alejo Carpentier habla sobre el misterioso mundo de los haitianos, cuyas vidas están indisolublemente ligadas a la mitología y la magia del vudú. De hecho, el autor puso en el mapa literario del mundo esta pobre y misteriosa isla, en la que la magia y la muerte se entrelazan con la diversión y el baile.

Espejos. Jorge Luis Borges (Argentina)

Una colección de cuentos seleccionados del eminente escritor argentino Jorge Luis Borges. En sus cuentos aborda los motivos de la búsqueda del sentido de la vida, la verdad, el amor, la inmortalidad y la inspiración creativa. Utilizando magistralmente los símbolos del infinito (espejos, bibliotecas y laberintos), el autor no sólo da respuestas a preguntas, sino que hace pensar al lector en la realidad que lo rodea. Después de todo, el significado no está tanto en los resultados de la búsqueda, sino en el proceso mismo.

Muerte de Artemio Cruz. Carlos Fuentes (México)

En su novela, Carlos Fuentes cuenta la historia de vida de Artemio Cruz, un exrevolucionario y aliado de Pancho Villa, y ahora uno de los magnates más ricos de México. Habiendo llegado al poder como resultado de un levantamiento armado, Cruz comienza a enriquecerse frenéticamente. Para satisfacer su codicia, no duda en recurrir al chantaje, la violencia y el terror contra cualquiera que se interponga en su camino. Este libro trata sobre cómo incluso las mejores y más elevadas ideas mueren bajo la influencia del poder y cómo las personas cambian hasta quedar irreconocibles. De hecho, se trata de una especie de respuesta al “Señor Presidente” de Asturias.

Julio Cortázar (Argentina)

Una de las obras más famosas de la literatura posmoderna. En esta novela, el famoso escritor argentino Julio Cortázar cuenta la historia de Horacio Oliveira, un hombre que tiene una relación difícil con el mundo que lo rodea y reflexiona sobre el significado de su propia existencia. En "El juego de la rayuela", el propio lector elige la trama de la novela (en el prefacio, el autor ofrece dos opciones de lectura: según un plan que desarrolló especialmente o según el orden de los capítulos), y el contenido de la El libro dependerá directamente de su elección.

Ciudad y perros. Mario Vargas Llosa (Perú)

La ciudad y los perros es una novela autobiográfica del célebre escritor peruano ganador del Premio Nobel de Literatura 2010, Mario Vargas Llosa. El libro se desarrolla dentro de los muros de una escuela militar, donde intentan convertir a los niños adolescentes en "verdaderos hombres". Los métodos de educación son simples: primero, quebrantar y humillar a una persona, y luego convertirla en un soldado irreflexivo que vive de acuerdo con las reglas.

Tras la publicación de esta novela pacifista, Vargas Llosa fue acusado de traición y de ayuda a los emigrantes ecuatorianos. Y varios ejemplares de su libro fueron quemados solemnemente en el patio de armas de la escuela de cadetes Leoncio Prado. Sin embargo, este escándalo sólo contribuyó a la popularidad de la novela, que se convirtió en una de las mejores obras literarias de América Latina del siglo XX. También se ha filmado muchas veces.

Gabriel García Márquez (Colombia)

La legendaria novela de Gabriel García Márquez, el maestro colombiano del realismo mágico y ganador del Premio Nobel de Literatura en 1982. En él, el autor cuenta los 100 años de historia de la ciudad provincial de Macondo, ubicada en medio de la selva de América del Sur. Este libro es reconocido como una obra maestra de la prosa latinoamericana del siglo XX. De hecho, en una obra Márquez logró describir todo un continente con todas sus contradicciones y extremos.

Cuando quiero llorar, no lloro. Miguel Otero Silva (Venezuela)

Miguel Otero Silva es uno de los más grandes escritores de Venezuela. Su novela "Cuando quiero llorar, no lloro" está dedicada a la vida de tres jóvenes: un aristócrata, un terrorista y un bandido. A pesar de tener diferentes orígenes sociales, todos comparten el mismo destino. Todos buscan su lugar en la vida y todos están destinados a morir por sus creencias. En este libro, el autor pinta magistralmente un cuadro de Venezuela bajo una dictadura militar y también muestra la pobreza y la desigualdad de esa época.

Dictaduras, golpes de estado, revoluciones, la terrible pobreza de algunos y la fantástica riqueza de otros, y al mismo tiempo la exuberante diversión y optimismo de la gente común: así es como se puede describir brevemente la mayoría de los países de América Latina en el siglo XX. Y no debemos olvidarnos de la asombrosa síntesis de diferentes culturas, pueblos y creencias.

Las paradojas de la historia y el color desenfrenado inspiraron a muchos escritores de esta región a crear auténticas obras maestras literarias que enriquecieron la cultura mundial. Hablaremos de las obras más llamativas de nuestro material.

"Capitanes de la arena" Jorge Amado (Brasil)

Una de las principales novelas de Jorge Amado, el escritor brasileño más famoso del siglo XX. “Capitanes de la Arena” es la historia de una pandilla de niños de la calle que se dedicaban a hurtos y robos en el estado de Bahía en los años 1930. Fue este libro el que formó la base de la legendaria película "Los generales de las canteras de arena", que adquirió un estatus de culto en la URSS.

"La invención de Morel". Adolfo Bioy Casares (Argentina)

El libro más famoso del escritor argentino Adolfo Bioy Casares. Una novela que se balancea hábilmente al borde del misticismo y la ciencia ficción. El personaje principal, huyendo de la persecución, se encuentra en una isla lejana. Allí conoce a gente extraña que no le presta la menor atención. Observándolos día tras día, aprende que todo lo que sucede en este pedazo de tierra es una película holográfica grabada hace mucho tiempo, realidad virtual. Y es imposible salir de este lugar... mientras el invento de un tal Morel esté funcionando.

"Señor Presidente". Miguel Ángel Asturias (Guatemala)

La novela más famosa de Miguel Ángel Asturias, premio Nobel de Literatura en 1967. En él, el autor representa a un típico dictador latinoamericano: el señor presidente. En este personaje, el escritor refleja toda la esencia de un gobierno autoritario cruel y sin sentido, cuyo objetivo es el enriquecimiento personal mediante la opresión y la intimidación de la gente corriente. Este libro trata sobre un hombre para quien gobernar un país significa robar y matar a sus habitantes. Recordando la dictadura del mismo Pinochet (y otros dictadores no menos sangrientos), entendemos cuán certera resultó ser esta profecía artística de Asturias.

"Reino de la Tierra". Alejo Carpentier (Cuba)

Una de las obras más famosas del gran escritor cubano Alejo Carpentier. En la novela histórica "Reino Terrestre", habla sobre el misterioso mundo de los haitianos, cuyas vidas están indisolublemente ligadas a la mitología y la magia del vudú. De hecho, puso esta pobre y misteriosa isla en el mapa literario del mundo, en el que la magia y la muerte se entrelazan con la diversión y el baile.

"Aleph". Jorge Luis Borges (Argentina)

La colección de cuentos más famosa del destacado escritor argentino Jorge Luis Borges. En "Aleph" abordó los motivos de la búsqueda: la búsqueda del sentido de la vida, la verdad, el amor, la inmortalidad y la inspiración creativa. Utilizando magistralmente símbolos del infinito (especialmente espejos, bibliotecas (¡que tanto amaba Borges!) y laberintos), el autor no sólo da respuestas a preguntas, sino que hace pensar al lector en la realidad que lo rodea. La cuestión no está tanto en los resultados de la búsqueda, sino en el proceso en sí.

"La Muerte de Artemio Cruz". Carlos Fuentes (México)

La novela central de uno de los prosistas mexicanos más famosos del siglo pasado. Cuenta la historia de vida de Artemio Cruz, exrevolucionario y aliado de Pancho Villa, y ahora uno de los magnates más ricos de México. Habiendo llegado al poder como resultado de un levantamiento armado, Cruz comienza a enriquecerse frenéticamente. Para satisfacer su codicia, no duda en recurrir al chantaje, la violencia y el terror contra cualquiera que se interponga en su camino. Este libro trata sobre cómo incluso las mejores y más elevadas ideas mueren bajo la influencia del poder y cómo las personas cambian hasta quedar irreconocibles. De hecho, se trata de una especie de respuesta al “Señor Presidente” de Asturias.

"Juego de rayuela" Julio Cortázar (Argentina)

Una de las obras más famosas de la literatura posmoderna. En esta novela, el famoso escritor argentino Julio Cortázar cuenta la historia de Horacio Oliveira, un hombre que tiene una relación difícil con el mundo que lo rodea y reflexiona sobre el significado de su propia existencia. En "El juego de la rayuela", el propio lector elige la trama de la novela (en el prefacio, el autor ofrece dos opciones de lectura: según un plan que desarrolló especialmente o según el orden de los capítulos), y el contenido de la El libro dependerá directamente de su elección.

"La ciudad y los perros" Mario Vargas Llosa (Perú)

“La ciudad y los perros” es una novela autobiográfica del célebre escritor peruano ganador del Premio Nobel de Literatura 2010, Mario Vargas Llosa. El libro se desarrolla dentro de los muros de una escuela militar, donde intentan convertir a los niños adolescentes en "verdaderos hombres". Los métodos de educación son simples: primero, quebrantar y humillar a una persona, y luego convertirla en un soldado irreflexivo que vive de acuerdo con las reglas. Tras la publicación de esta novela pacifista, Vargas Llosa fue acusado de traición y de ayuda a los emigrantes ecuatorianos. Y varios ejemplares de su libro fueron quemados solemnemente en el patio de armas de la escuela de cadetes Leoncio Prado. Sin embargo, este escándalo sólo contribuyó a la popularidad de la novela, que se convirtió en una de las mejores obras literarias de América Latina del siglo XX. También se ha filmado muchas veces.

"Cien Años de Soledad." Gabriel García Márquez (Colombia)

La legendaria novela de Gabriel García Márquez, maestro colombiano del realismo mágico y ganador del Premio Nobel de Literatura en 1982. En él, el autor cuenta los 100 años de historia de la ciudad provincial de Macondo, ubicada en medio de la selva de América del Sur. Este libro es reconocido como una obra maestra de la prosa latinoamericana del siglo XX. De hecho, Márquez logró describir todo el continente con todas sus contradicciones y extremos.

"Cuando quiero llorar, no lloro". Miguel Otero Silva (Venezuela)

Miguel Otero Silva es uno de los más grandes escritores de Venezuela. Su novela "Cuando quiero llorar, no lloro" está dedicada a la vida de tres jóvenes: un aristócrata, un terrorista y un bandido. A pesar de tener diferentes orígenes sociales, todos comparten el mismo destino. Todos buscan su lugar en la vida y todos están destinados a morir por sus creencias. En este libro, el autor pinta magistralmente un cuadro de Venezuela bajo una dictadura militar y también muestra la pobreza y la desigualdad de esa época.