Retratos íntimos ¿Género? ¿Estilo? ¿Psicología? Retrato íntimo (de cámara) (Rokotov, Levitsky).

Boudoir es una habitación de una mujer, un armario o dormitorio, en general, algo a lo que no todo el mundo tiene acceso, algo muy íntimo. Fotografía del lado privado e íntimo de la vida. se está convirtiendo ahora en uno de los mercados fotográficos de mayor crecimiento en el segmento de retratos del negocio de la fotografía moderna. La gente quiere mostrar lo que les importa, cómo trabajan, viven y quieren que todo luzca hermoso y elegante. Al mismo tiempo, los días en que las fotografías brillantes y brillantes tomadas en tono alto se están desvaneciendo en un segundo plano. Las mujeres empezaron a comprender cómo eran las fotografías impresas en revistas de moda, publicadas en blogs de moda y en recursos en línea como Pinterest. Si se mantiene al día, ahora debería estar listo para ingresar a este mercado y alejarse gradualmente del brillo.

¿Con qué frecuencia fotografías modelos profesionales? ¿Con qué frecuencia pasan por tu estudio? Así es, no tan a menudo. La mayor parte de nuestros clientes son personas corrientes que quieren tener fotografías profesionales en sus álbumes, pero al mismo tiempo no saben posar delante de una cámara. La tarea del fotógrafo es liberarlos y hacerlos sentir en su lugar. Como hombre de mediana edad, entiendo que este proceso requiere mucho tiempo. Después de 25 años de trabajar en la industria de la moda, puedo decir honestamente que he visto una gran variedad de tipos de cuerpos y rostros y, lo más importante, de personalidades de las personas.

Y lo primero que hago antes de empezar una sesión de fotos es conocer gente, hablar de mí, mostrar mi trabajo. Al mismo tiempo, trato de parecer lo más torpe e incluso un poco idiota posible. Esto resuelve dos problemas. Los clientes dejan de estar nerviosos, empiezan a comportarse con tranquilidad y, lo más importante, dejan de tener miedo de parecer estúpidos. En algún lugar, a nivel subconsciente, entienden que no existen las personas ideales y que para obtener fotografías de alta calidad solo necesitas relajarte y ser tú mismo. Recuerde esto, su comportamiento ayudará a relajar a su cliente.

Ahora intentemos ver los principales errores al fotografiar cualquier retrato de un "modelo" desprevenido.

En esta foto, el blanco de los ojos se destaca fuertemente y la mano se encuentra algo incómoda. La niña se ve tensa y en estado de malestar. Además, las caderas están demasiado llenas. Personalmente no estoy contento con esta foto.

En el siguiente cuadro, la niña bajó un poco las manos, giró la cabeza y los ojos hacia la cámara, sacó las caderas del cuadro y esto es lo que sucedió. Parecen pequeños cambios, pero cómo la cultura de la fotografía sube y cómo se vuelve más atractiva.

Elige el ángulo correcto, porque puede mejorar tu foto o arruinarla.

Muy a menudo, los clientes intentan levantar más la barbilla para estirar la piel, eliminar la papada y, en general, lucir más impresionante. Pero como suele ocurrir, el resultado es completamente opuesto. En la siguiente foto, la modelo simplemente levantó un poco la barbilla e inmediatamente aparece tensión en su figura y mirada, queda absolutamente claro para el espectador que la chica se siente completamente incómoda en esta posición.

Intentemos bajar un poco la barbilla. Como puedes ver en la siguiente foto, no pasó nada con la belleza de la niña, pero fue este pequeño matiz el que le dio un poco de misterio a la foto e hizo que la modelo pareciera relajada.

Observe la posición de sus manos.

Las manos son otro detalle importante que puede arruinar una foto. El siguiente tiro es bueno hasta que empiezas a mirar las manos. Se colocan como un portero de fútbol antes de ejecutar un penalti. En este caso, la mano de arriba parece más grande que la mano de abajo.

La siguiente foto parece ser mejor. Pero la modelo todavía parece incómoda y antiestética en esta pose. Se siente como si una mano creciera en la dirección equivocada, mientras que la otra sólo estorba y está completamente fuera de lugar.

Cambiemos de posición, liberando la mano cercana colocándola sobre el reposabrazos del sofá, que también ocultará algunos detalles. Y colocaremos el segundero a lo largo del cuerpo, lo que solo enfatizará las suaves líneas de la figura del modelo.

Pensar fuera de la caja.

A veces nos fascina tanto la modelo que tenemos delante que nos olvidamos de todo y pulsamos sin pensar el botón del obturador de la cámara. Pero, ¿qué podría ser más sencillo que ir más allá del pensamiento normal? Sólo mira a tu alrededor. Busque ángulos favorables, utilice los objetos circundantes.

Al realizar la siguiente toma, utilicé una ventana, o mejor dicho, fotografié de pie fuera de la ventana. Sinceramente, me quedé mucho tiempo junto a esta ventana, pensando en cómo podría utilizarla de forma rentable. Quería crear algo inusual. Después de configurar la exposición, “desarrollé” los reflejos en el vidrio y luego emparejé el modelo y los reflejos para crear una imagen impresionante.

Sé que ahora muchos de vosotros estáis pensando: “...todo está bien, pero es fácil enseñar trabajando con un modelo profesional...”. Sí, ella es una modelo real, pero a menudo los modelos no son perfectos cuando los ves por primera vez. Así es exactamente como se ve mi heroína en la vida cotidiana.

Fotógrafo Kevin Focht

El interés por el hombre llevó finalmente al talentoso pintor a crear expresivas imágenes íntimas que destacaban por la fuerza del sentimiento que en ellas se infundía. Argunov no llegó a esto de inmediato. Con el paso de los años, los gustos y la actitud del artista hacia su modelo fueron cambiando. Una actitud casi entusiasta al comienzo de un viaje creativo se vuelve ahora más profunda y compleja. El artista aprendió a ver no solo la apariencia externa de una persona, sino también a acercarse a comprender su mundo interior. Ahora encuentra tiempo para pintar retratos de personas que le gustan profundamente, tratando de expresar su actitud hacia ellos de manera más plena y profunda. Los retratos íntimos son, por tanto, la cúspide de la obra de Ivan Argunov. En estas obras estuvo menos limitado por las normas convencionales de representación ceremonial; en ellas, las características individuales de la obra del maestro se revelaron más plenamente: veracidad, espontaneidad y profunda humanidad.

A finales de 1757, Ivan Argunov pintó retratos de los maridos de los Khripunov, encarnando en ellos su idea de la personalidad humana, asociada a los ideales de la Ilustración. Los Khripunov pertenecían a una pequeña intelectualidad rusa a mediados del siglo XVIII y vivían en San Petersburgo, alquilando un apartamento en el edificio de apartamentos del conde Sheremetev en la calle Millionnaya, “de alquiler”, en el mismo lugar donde vivía el propio artista. La pareja era mucho mayor que el artista, pero aparentemente los unían intereses espirituales comunes.

Kozma Aksentievich Khripunov fue traductor y secretario del Colegio de Asuntos Exteriores. No era rico, pero el conde Sheremetev lo conocía y es posible que gozara de su favor. Argunov lo representó en un ambiente hogareño, con una revista o un periódico en la mano. Está claro que no fue casualidad que el artista eligiera un lienzo pequeño, una composición sencilla y una modesta gama de tonos. Khripunov está sentado ligeramente inclinado hacia atrás, lo que hace que su regordeta figura parezca aún más masiva. La mirada de los ojos pequeños con los párpados pesados ​​es pensativa, la frente arrugada, está pensando en algo. El artista logró ver y revelar su mundo interior en este hombre anciano y feo. Un rostro abultado, ligeramente rojizo, con una nariz grande y carnosa, ojos pequeños y labios gruesos, escrito de manera muy convincente. En el giro de la cabeza, en el gesto de la mano, en toda la postura, se siente claramente la dignidad de una persona inteligente y educada.
El retrato de la esposa de Khripunov se distingue por la misma expresividad. Sentada en una silla con un libro en las manos, mira atentamente al espectador. Un vestido gris azulado con un gran cuello de ardilla oculta el contorno de la figura.

Retrato de Khripunova

No hay ni una sombra de coquetería en su apariencia (pelo cuidadosamente peinado hacia atrás) y su comportamiento. Se trata de una mujer internamente en forma, de carácter fuerte y decidida, quizás bastante seca. Khripunova dedica su tiempo libre a la lectura, y esta actividad la coloca en una posición especial entre las mujeres de su círculo, ya que a mediados del siglo XVIII ese pasatiempo no era típico de sus contemporáneos. Con la señora Khripunova la joven artista pudo conversar mucho y con mucho gusto sobre temas científicos.

El retrato íntimo del siglo XVIII tiene sus propias características distintivas, todavía refleja fuertemente la idea de clase de una persona.

Un gran éxito creativo de Ian Argunov es el retrato de la niña kalmyk Annushka. Era la alumna favorita de la condesa Varvara Alekseevna Sheremeteva. Se trata de uno de los retratos más sentidos del artista, pintado con gran calidez.

En el retrato de Annushka, la artista transmitió el encanto de su espontaneidad infantil, su carácter sociable y vivaz y, sinceramente, sin exotismo, mostró la originalidad nacional de su apariencia. Un rostro moreno, ardiente, vivaz, rasgado, ojos negros de corte almendrado, elevados hasta las sienes a la manera oriental. La condesa Varvara Alekseevna los llamó en sentido figurado "pequeños ojos de cucaracha". El encanto infantil se transmite en los contornos limpios de la frente, en el diseño de las cejas, en el delicado óvalo del rostro con mejillas regordetas y hoyuelos en las comisuras de los labios. La niña está vestida con un elegante vestido rojo decorado con encaje y un gorro de encaje con lazos azules. En una mano de piel oscura hay una pulsera de terciopelo marrón. Pendientes en las orejas. Rodeada de sus damas, es amada y apreciada. Existe una moda entre los ricos de tomar a los kalmyks a su servicio, lo que se debió a la atención que les prestó la corte imperial, que quería lograr la anexión completa de los kalmyks a Rusia. Los cosacos a menudo llevaban consigo a los niños kalmyk cuando llegaban desde las estepas lejanas a la capital y le daban regalos a la reina y a su séquito, como pescado, caviar, carros y caballos. Tales fueron los caprichos de un siglo sabio y cruel. Cuando se encontraban en familias rusas, las niñas kalmyk recibían nombres rusos, pero normalmente las llamaban simplemente “condesa kalmyk tal y tal”. Por ejemplo, la carta de nuestra Annushka indicaba la dirección: "Petersburgo. Anna Nikolaevna, Kalmyk de la condesa Sheremeteva". Las responsabilidades de Annushka eran bastante variadas y dependían del ingenio de la anfitriona. El retrato fue pintado después de la muerte de Varvara Alekseevna. Al parecer, el Conde Sheremetev deseaba de esta manera perpetuar la memoria de su esposa y glorificar sus actividades educativas y caritativas. Annushka sostiene en sus manos un retrato de la dama y se lo muestra al espectador.

El retrato de una mujer kalmyk fue pintado con gran amor y atención por parte del artista a la modelo, sinceridad y calidez. Al parecer, Annushka era una de las amigas más cercanas del artista.
En 1785, Ivan Argunov creó una de sus mejores obras: un retrato de una campesina desconocida. La elección del modelo, al parecer, no fue casual para el artista. En el arte de la segunda mitad del siglo XVIII surgió un gran interés por los temas campesinos. En esta época, en las páginas de libros y revistas, en obras dramáticas, se reflejaba el noble carácter moral del campesino, su honestidad y trabajo duro, en contraste con la pereza y ociosidad de la nobleza. Argunov creó una imagen atractiva de una mujer rusa entre el pueblo, capturando su pureza espiritual, amabilidad y modestia.

Retrato de una campesina desconocida

El rostro de la mujer de rasgos suaves y pequeños ojos grises está lleno de calidez y amabilidad. En su imagen, el artista expresó su idea de la belleza y nobleza espiritual de una campesina. Su figura está ligeramente desplazada hacia la izquierda, las formas plásticas de su cuerpo joven y fuerte se transmiten con una tangibilidad casi escultórica. El cuello alto y cincelado fluye hacia los suaves contornos de la cabeza y el tocado bordado en oro. El colorido es cálido y rico: las combinaciones de un tocado rojo y dorado, tonos carnales de la cara, un collar de cuentas rojas en el cuello, una camisa blanca y un vestido rojo con bordados dorados crean un look elegante y, al mismo tiempo, paleta estricta, dando al retrato una integridad clara y armoniosa. El color rojo domina el retrato: los pendientes con colgantes largos y el botón en el cuello brillan en las piedras. La artista encarnó la tranquilidad, la majestuosidad y la dignidad interior de una mujer rusa del pueblo bajo la apariencia de una modelo desconocida.
¿Quién es ella? El tiempo no ha conservado el nombre de la belleza. Sin embargo, podemos decir con seguridad que no se trata de una actriz sierva ni de una socialité vestida con el traje ruso de una campesina de la provincia de Moscú. El único detalle de su atuendo que no se corresponde con la vestimenta campesina habitual es el escote demasiado grande de la camisa y el cinturón de color. Lo más probable es que nuestra heroína no sea una aldeana, sino una habitante de la ciudad que vive con los caballeros como nodriza. Hay imágenes similares de nodrizas en pinturas o retratos familiares de otros pintores que vivieron aproximadamente al mismo tiempo que Ivan Argunov. Tuvo la suerte de crear una imagen sublime y poetizada de una campesina rusa, que el arte del siglo XVIII aún no conocía.
En la década de 1790 y principios del nuevo siglo, Argunov casi dejó de crear. Esto también está relacionado con su posición forzada y esclava. En 1788, fue nombrado director de la “Casa de Moscú” de los Sheremetev y miembro de la junta de siervos, que estaba a cargo de todos los asuntos económicos del conde. Tras mudarse de San Petersburgo a Moscú y, aparentemente, sintiendo que su tiempo pasaba y una nueva generación de jóvenes pintores talentosos lo reemplazaba, Argunov obedeció la voluntad de su maestro, quien ahora se convirtió, después de la muerte de su padre, en Nikolai. Petrovich Sheremetev.
De los numerosos documentos conservados se sabe cuán aburrida y, a veces, humillante fue la vida del artista, que se convirtió en "el gerente de Argunov". El hijo del artista, Nikolai, recogió el pincel que se le había caído de la mano a su padre; sin embargo, al crear hermosos retratos de personalidades interesantes, no superó a su padre.
Ivan Petrovich Argunov murió a principios de 1802 a la edad de 73 años, siendo un siervo de los condes Sheremetev.

La fotógrafa Masha Kushnir no fotografía modelos ni celebridades. Sus héroes suelen ser gente corriente, vecinos, amigos y familiares, y sus herramientas son la luz natural y una cámara de cine de medio formato, que cada vez más acaba donde está su dueño.

Así son los baños Széchenyi en Budapest. A pesar de que es una de las atracciones más famosas de la ciudad, los lugareños también van allí. Y todo el tiempo. Llegamos casi a la inauguración, y entre los visitantes nos encontramos con húngaros jugando al ajedrez en la piscina, ancianos leyendo los últimos periódicos, mujeres pintadas con perlas y este hombre que, como veis, incluso cerró los ojos de placer.

Estos son mis amigos más cercanos, los fotografié a ambos mucho y con frecuencia. Pero por alguna razón nunca juntos. Al parecer, en vano.

Rara vez conozco personas que puedan moverse con tanta fluidez y gracia, como si hubieran pasado los últimos diez años en una escuela de ballet. Sin embargo, Vika es una de ellas. Haga lo que haga (sentarse en el suelo esperando un vuelo, correr una maratón o tomar té en su casa de campo), lo hace con tanta gracia y naturalidad que uno no puede dejar de admirar. Nunca le pido que pose y lo único que puede escuchar de mí es la orden "¡No te muevas!".

Una amiga diseñadora de moda cosió esta chaqueta como proyecto de graduación, para lo cual comenzó la sesión de fotos. Es muy complejo y muy bonito, lo cosió durante casi seis meses. Esta foto fue tomada unos diez minutos antes del final de la sesión, cuando la chaqueta ya había sido fotografiada desde todos los ángulos y finalmente era posible enfocar a la modelo.

Cada vez que vengo a Tel Aviv, voy a Siciliana, una cafetería que vende el helado de pistacho más delicioso. En la foto está mi amigo Ira, tomada a través del escaparate del establecimiento con la bocina que hice famosa.

Hace muchos años, estábamos sentados con amigos en un restaurante y pasó corriendo una niña armenia de unos cinco años, de pelo largo. Agarré la cámara y traté de tomarle una foto, cuando inmediatamente apareció su papá. No a todos los padres les gusta que fotografíen a sus hijos, y además sin preguntar, así que estaba preparado para un diálogo desagradable. Pero no, al contrario, el padre de la niña pidió que le enviara fotografías, le gustaron y quería una sesión de fotos. Así comenzó nuestra amistad con Maryana y sus padres.

Es bastante difícil capturar el momento con una cámara pesada de formato medio con enfoque manual y a menudo escucho que mis fotografías parecen pinturas. Pero aquí no sólo quería fotografiar a una chica hermosa, sino fotografiar a Vika. La dejé en el pasillo, me paré frente a ella, me concentré y comencé a charlar, tratando de hacerla reír. Cuando finalmente lo logré, tuve esta oportunidad.

Fotografiar a niños con una cámara de cine con enfoque manual es toda una aventura. Especialmente cuando son tres y dos cámaras. Sin embargo, esta foto resultó muy atemporal y seria. Pero no es por eso que la amo. El verdadero carácter de esta chica se evidencia mejor en el dedo gordo de su pie izquierdo, que está tan conmovedoramente enterrado en la alfombra.

El vendedor de quioscos fue filmado con una cámara que le prestó un amigo hace muchos años. En aquella época no conocía a ningún fotógrafo; creo que ni siquiera había oído hablar de Cartier-Bresson. Sin embargo, al igual que él (pido disculpas por la comparación), filmé mucho en París. Fue en esta ciudad donde empezó todo.

​Esta foto fue tomada en la Antigua Galería Nacional de Berlín. Ese día había poca gente y mi amigo y yo caminamos durante mucho tiempo por los pasillos, estudiando atentamente los cuadros. Este hombre estaba sentado en uno de ellos, completamente solo, miraba hacia un punto y, al parecer, escuchaba una audioguía. Parecería que no había nada inusual en la situación en sí, pero en su pose y mirada, en la forma en que se sentaba en el borde del banco, había tanta soledad y tristeza que era imposible no fotografiarla.

Esto es Londres, 2012. Hay muchos coches por ahí, la gente corre a algún lado, se adelantan con impaciencia, algunos miran nerviosamente sus relojes, otros miran los semáforos. Y entonces se enciende la luz verde, todo esto se disipa, y estas novias aparecen de la nada. Cruzan la calle tranquilamente, tomados del brazo y discutiendo algunos temas importantes para su edad. Probablemente así es como me gustaría afrontar mi vejez.

Realmente no quiero contar nada sobre esta foto, me parece que cualquier detalle destruirá su magia.

Fotografié al actor Yuri Kolokolnikov para Afisha en relación con el lanzamiento de la nueva temporada de Juego de Tronos, donde protagonizó. Para prepararme para el rodaje, recuerdo que tuve que llegar casi una hora y media antes de la reunión. Probablemente, a juzgar por el vaso de whisky y el contexto general, parezca que se trataba de una conversación tranquila sobre la vida, pero en realidad la entrevista y la sesión de fotos duraron unos quince minutos, y detrás de nosotros estaba esperando a Kolokolnikov una multitud de periodistas.

Nunca fotografié a niñas embarazadas y, hasta que tuve mis propios hijos, generalmente traté de evitar esas órdenes. Pero no podía rechazar a esta chica. Estaba a punto de dar a luz y yo estaba muy preocupada, porque entendí que ella se encontraba en ese estado por primera y tal vez la última vez en su vida. Tenía muchas ganas de transmitir toda la importancia y belleza del próximo evento.

Creo que este es el parque del Palais Royal en París. Una trama completamente normal para esta ciudad.

Fui a Petra con dos o tres cámaras, y parece que en mi mochila no cabe nada más. Pasamos un total de once horas, no las más agradables de mi vida, en el camino sólo para ver esta antigua ciudad. ¿Quién hubiera pensado que la fotografía favorita de allí no serían retratos de beduinos, ni criptas o templos, ni siquiera una vista de postal del mundialmente famoso mausoleo de Al-Khazneh, sino este burro jordano?

El retrato y el dibujo cuentan la historia de una persona, su belleza, carácter y aspiraciones. Un retratista se ocupa del carácter de una persona, de su compleja individualidad. Para comprender a una persona, para comprender su esencia a través de su apariencia, se necesita mucha experiencia vital y profesional. El artista debe tener un conocimiento profundo de la persona retratada. Además de los rasgos individuales de la persona retratada, también es importante transmitir aquellos rasgos que le impone su entorno profesional.

Retrato(Retrato francés - imagen): un género de bellas artes que representa a una persona o un grupo de personas. Además del parecido externo e individual, los artistas se esfuerzan en un retrato por transmitir el carácter de una persona, su mundo espiritual.

Hay muchos tipos de retrato. El género del retrato incluye: retrato de medio cuerpo, busto (en escultura), retrato de cuerpo entero, retrato de grupo, retrato interior, retrato sobre fondo paisajístico. Según la naturaleza de la imagen, se distinguen dos grupos principales: retratos ceremoniales y de cámara. Como regla general, un retrato ceremonial implica una imagen de cuerpo entero de una persona (montada a caballo, de pie o sentada). En un retrato de cámara, se utiliza una imagen hasta la cintura, hasta el pecho y hasta los hombros. En un retrato ceremonial, la figura suele aparecer sobre un fondo arquitectónico o paisajístico, y en un retrato de cámara, más a menudo sobre un fondo neutro.

Según el número de imágenes de un lienzo, además de las habituales, se distinguen los retratos dobles y grupales. Los retratos pintados sobre diferentes lienzos se denominan pareados si coinciden en composición, formato y color. La mayoría de las veces se trata de retratos de cónyuges. Los retratos suelen formar conjuntos completos: galerías de retratos.

Se denomina disfrazado a un retrato en el que una persona se presenta en forma de algún personaje alegórico, mitológico, histórico, teatral o literario. Los títulos de estos retratos suelen incluir las palabras "en la forma" o "en la imagen" (por ejemplo, Catalina II en la forma de Minerva).

Los retratos también se distinguen por el tamaño, por ejemplo en miniatura. También puede resaltar un autorretrato: la representación que el artista hace de sí mismo. Un retrato no sólo transmite las características individuales del retratado o, como dicen los artistas, del modelo, sino que también refleja la época en la que vivió el retratado.

El arte del retrato se remonta a varios miles de años. Ya en el Antiguo Egipto, los escultores crearon una imagen bastante precisa de la apariencia externa de una persona. A la estatua se le dio un retrato para que, después de la muerte de una persona, su alma pudiera entrar en ella y encontrar fácilmente a su dueño. Los pintorescos retratos de Fayyum, realizados con la técnica de la encáustica (pintura con cera) en los siglos I-IV, también sirvieron para el mismo propósito. Los retratos idealizados de poetas, filósofos y figuras públicas eran comunes en la escultura de la Antigua Grecia. Los bustos de retratos escultóricos romanos antiguos se distinguían por su veracidad y características psicológicas precisas. Reflejaban el carácter y la personalidad de una persona en particular.

La representación del rostro de una persona en esculturas o pinturas siempre ha atraído a los artistas. El género del retrato floreció especialmente durante el Renacimiento, cuando la personalidad humana humanista y eficaz fue reconocida como el valor principal (Leonardo da Vinci, Rafael, Giorgione, Tiziano, Tintoretto). Los maestros del Renacimiento profundizan el contenido de los retratos, dotándolos de inteligencia, armonía espiritual y, a veces, drama interno.

En el siglo 17 En la pintura europea, un retrato íntimo y de cámara pasa a primer plano, a diferencia de un retrato ceremonial, oficial y exaltante. Maestros destacados de esta época (Rembrandt, Van Rijn, F. Hals, Van Dyck, D. Velásquez) crearon una galería de maravillosas imágenes de personas sencillas y poco famosas, descubriendo en ellas la mayor riqueza de bondad y humanidad.

En Rusia, el género del retrato comenzó a desarrollarse activamente desde principios del siglo XVIII. F. Rokotov, D. Levitsky, V. Borovikovsky crearon una serie de magníficos retratos de personas nobles. Las imágenes femeninas pintadas por estos artistas eran especialmente encantadoras y encantadoras, imbuidas de lirismo y espiritualidad. En la primera mitad del siglo XIX. El personaje principal del retrato se convierte en una personalidad soñadora y al mismo tiempo romántica, propensa a impulsos heroicos (en las pinturas de O. Kiprensky, K. Bryullov).

El surgimiento del realismo en el arte de los Errantes se reflejó en el arte del retrato. Los artistas V. Perov, I. Kramskoy, I. Repin crearon una galería completa de retratos de contemporáneos destacados. Los artistas transmiten los rasgos individuales y típicos de los retratados, sus características espirituales con la ayuda de expresiones faciales, poses y gestos característicos. Se representó a la persona en toda su complejidad psicológica y también se evaluó su papel en la sociedad. En el siglo 20 el retrato combina las tendencias más contradictorias: características individuales realistas brillantes y deformaciones expresivas abstractas de los modelos (P. Picasso, A. Modigliani, A. Bourdelle en Francia, V. Serov, M. Vrubel, S. Konenkov, M. Nesterov, P .Korin en Rusia).

Los retratos nos transmiten no solo imágenes de personas de diferentes épocas, reflejan parte de la historia, sino que también hablan de cómo el artista veía el mundo, cómo se relacionaba con la persona retratada.

19.07.2013

¿Cuál es la diferencia entre un retrato ceremonial y uno de cortesía? ¿Qué pasa con lo psicológico y lo artístico? ¿Y un retrato formal puede ser, por ejemplo, psicológico?

Sin duda, todas las direcciones están dadas para simplificar y catalogar la creatividad. Por un lado, esto es cierto: para no ahogarse en el océano del arte, es necesario construir "piscinas para niños". Para el autor, tal definición lo lleva inconscientemente a ciertos marcos y restricciones. Después de todo, la gente se acostumbra al hecho de que un artista trabaja en una tonalidad, y cuando el vector de su desarrollo cambia un poco, esto provoca cierta resonancia de malentendido y el público exige un regreso a las raíces. Esto le facilita las cosas: ya tiene cierta comprensión. Las cosas nuevas siempre se aceptan con miedo y hostilidad. Pero sólo al principio. Con el tiempo se acostumbran.

Fotografío chicas y no puedo determinar claramente en qué dirección lo hago. Lo que me da algo de paz es que no tengo decorados locos, pabellones enormes ni siquiera accesorios. Tengo gente. Y luz: solar o pulsada. En este sentido estoy absolutamente tranquilo, sin preparativos. Nos reunimos a una hora determinada en un lugar determinado y trabajamos. Estoy tomando fotografías y la chica... No, no está posando en absoluto, cree que está posando.

Y, sin embargo, ¿por qué un “retrato íntimo”? "¿Dónde está la intimidad?" – me preguntó una vez mi amigo. ¿Realmente donde? Las chicas no están semidesnudas, sus poses no son nada divertidas y se comportan de forma bastante comedida. Sólo los ciegos pueden discernir aquí una franca intimidad.

¿Engañado?

Les daré una definición "seca". "Un retrato íntimo es un retrato sobre un fondo íntimo y uniforme, que muestra una relación de confianza entre la persona retratada y el artista". ¡Bingo!

Las personas (en mi caso, las niñas) son una fuente inagotable de investigación. Cada uno es increíblemente único. Carácter individual, comportamiento, apariencia, estilo de comunicación: nada se repite. Lo más importante es verlo y registrarlo a tiempo. Y para verlo hay que acercarse. Chica individual: enfoque individual. Es sencillo. Incluso demasiado.

A finales del siglo XIX, Van Gogh quedó fascinado por el tema de los campesinos. Vivió entre ellos durante algún tiempo y pintó cuadros. Pero una cosa es simplemente observar a los campesinos trabajar y luego transferir sus impresiones al lienzo, y otra cosa es convertirse en uno de ellos, pensar como uno de ellos y sentir exactamente lo mismo. Es decir, implementación completa en el medio ambiente.

Tengo un enfoque muy similar. Intento estar en pie de igualdad con las chicas, reducir al mínimo todas las diferencias entre nosotras, comprender su estilo de pensamiento, conocer sus experiencias y preocupaciones. Por supuesto, la tarea es muy difícil, ya que la visión del mundo de las mujeres es completamente diferente. Y a veces es imposible entenderle. ¡Qué podemos decir de meternos en sus cabezas! Esta es una súper tarea. Pero este es exactamente el objetivo que me propuse durante el rodaje. Si quiero que en la foto aparezca una chica, y no la “imagen de una chica” que se ha desarrollado durante mi trabajo, necesito ponerme de su lado, mirar el mundo a través de sus ojos y tratar de sentir cómo se siente ella. Es muy importante mirarse a sí mismo a través de los ojos de la persona que está fotografiando. Conviértete en uno de los "campesinos".

Da la casualidad de que me resulta mucho más fácil llegar a un acuerdo con las chicas que con la población masculina. Los primeros son demasiado ilógicos y los segundos demasiado tercos. Eligiendo el menor de dos males, me decidí por el primero y acerté.

Cada rodaje es una aventura durante la cual intentas descubrir qué preocupa a la persona retratada, sentir el hilo de sus pensamientos y captar el estado que surge entre ustedes. ¡Y todo esto de alguna manera debe conservarse en la fotografía! Y no olvides dejar una parte de ti como autor. En otras palabras, trabajar con un modelo es como modelar con plastilina. Al principio el material es bastante duro e inflexible, pero una vez que lo calientas un poco, te acostumbras a la textura y lo amasas en tus manos, empiezan a aparecer formas. Y queda por decidir en qué dirección avanzar: comenzar con algo familiar, modificándolo gradualmente, o desde el principio moverse intuitivamente, al tacto, sin pensar en el resultado. El último camino es muy intrigante: o se abrirá algo nuevo o te toparás con un patrón. ¡Pero vale la pena!

Lo más peligroso que puede acechar durante un rodaje son tus pensamientos. Pensamientos monstruosos, contradictorios, inquietos. Alguna pregunta estará constantemente dando vueltas en mi cabeza: ¿la modelo está parada correctamente, la configuración de la cámara es correcta, qué debo decirle, por qué me mira así? Este ruido es increíblemente peligroso. Gracias a él, es posible que no obtengas el cuadro final, porque te gritará: “¡Está bien, termínalo! Obtuvimos lo que queríamos. ¡Vamos a procesarlo rápidamente! Este ruido le proporcionará constantemente una nueva porción de pensamientos, impidiéndole concentrarse en lo principal: trabajar con el modelo, el estado de ánimo psicológico y el retorno emocional. A veces es muy difícil dejar todos los problemas cotidianos en casa. Si no cierras de golpe la puerta apropiada en tu cabeza a tiempo, es una causa perdida. Una fotografía se construye en tu mente y la cámara actúa como intermediaria entre tu cabeza, tu corazón y tu modelo. Despeja tu mente antes de hacer una declaración. Deja que tu corazón te guie. Discutirás y rechazarás más tarde. Sería algo.

Trabajar con un modelo recuerda un poco a trabajar como domador. ¡De otro modo no! Hay dos tipos de modelos: activo y pasivo. Los primeros son extremadamente proactivos, y si no los calmas a tiempo, puedes perder el timón del capitán del proceso de filmación. Cuando digo "tranquilo", por supuesto, exagero un poco: la modelo debe sentir tu confianza y conocimiento de lo que quieres obtener de ella, incluso si guardas silencio. De lo contrario, pensará que no sabes lo que quieres lograr con ella, dándole así la oportunidad de gestionar ella misma el proceso de filmación. Este camino conduce a un resultado completamente diferente al que pretendía. Sea lo suficientemente audaz en su trabajo y no permita que otros controlen sus pensamientos.

Los modelos pasivos son algo diferentes. Recuerdan un poco a la soja: es imposible comerlos sin su relleno. Estas chicas cumplen fielmente con todas tus exigencias: saben quién manda. Párese estáticamente, salte cien veces, cinco pasos hacia adelante y párese sobre su cabeza, siempre y cuando le diga qué hacer. Es poco probable que una chica discuta contigo; sabe que ese es su trabajo.

No se puede ignorar la cuestión de la luz. Y aquí siempre recuerdo a Yuri Norshtein, un maravilloso animador y director. ¡Una persona que está constantemente limitada por el arte crea arte ilimitado!

Una vez contó cómo, algún tiempo después del lanzamiento de Hedgehog in the Fog, lo invitaron a Pixar. La gente de California realmente quería saber cómo Norshtein hace sus dibujos animados, qué equipo utiliza y cuánto dinero invierte en ello. Contó, mostró e incluso reprodujo un fragmento de la caricatura ante sus ojos. ¿Te imaginas los ojos de estas personas, los gigantes de la animación por ordenador que crearon Toy Story, cuando Yuri Norshtein sacó de su maleta unas pinzas, papel de calco y un erizo recortado de cartón y empezó a moverlo todo sobre la mesa? El erizo no sólo se movía, sino que también estaba en la niebla: el papel de calco creaba ese efecto. No había límite para la sorpresa, porque esperaban de él algo diferente, definitivamente no una artesanía. Norstein era el ser humano prehistórico de Pixar y creaba arte rupestre en la era de las computadoras. Artista artesanal.

Norshtein no tenía computadoras caras, ni grandes estudios de cine ni súper equipos. Lo único que tenía eran pinzas, papel de calco y cartón. Estas son las limitaciones. Pero tenía un sueño: crear una caricatura de la que pudiera enamorarse. Y cuando te enamoras de ti mismo, haces que los demás también se enamoren de él. Esto es arte.

Para concluir, me gustaría citar a un crítico de arte, Francesco Bonami: “El arte existe para aquellos (y sobre todo para aquellos) que no tienen dinero, pero que saben soñar y que no necesitan nada más para ello. "