Cantante de blues estadounidense. Los intérpretes de blues más famosos.

El mundo del blues está lleno de músicos brillantes que lo dieron todo en cada álbum, ¡y algunos de ellos se convirtieron en leyendas sin siquiera publicar un solo disco! JazzPeople ha seleccionado los 5 mejores álbumes de blues grabados por grandes músicos que influyeron no sólo en sus propias vidas y obras, sino que también influyeron en todo el desarrollo de la música en este género.

BV King - Por qué canto blues

El "Rey del Blues" ha lanzado más de 40 álbumes durante su larga carrera creativa y permanecerá para siempre en los corazones de millones de fanáticos en todo el mundo. En 1983, se lanzó su álbum número 17, Why I Sing the Blues, que literalmente respondió a la pregunta de por qué King canta blues.

El tracklist incluye composiciones tan famosas del músico como Ain't Nobody Home, Ghetto Woman, Why I Sing the Blues, To Know You is To Love You y, por supuesto, la primera de ellas fue la famosa The Thrill is Gone, que En un momento recibió una enorme popularidad y muchos premios. La música del maestro del blues siempre ha evocado emociones profundas y sentimientos recíprocos en los oyentes, y en este disco se recopilaron las canciones más "ácidas" de King, lo que esencialmente nos permite "entrar en conversación" con el bluesman y escuchar su apasionante historia. en este caso, más de uno.

Robert Johnson - Rey de los cantantes de Delta Blues

El gran Robert Johnson, que según la leyenda vendió su alma al diablo a cambio de aprender a tocar blues, no grabó un solo álbum durante su corta vida (Johnson murió a los 27 años), pero sin embargo, su música no sólo está viva. hasta el día de hoy, persigue tanto a músicos famosos como a aficionados al blues. Toda la vida del guitarrista estuvo envuelta en un aura de misticismo y extrañas coincidencias, que se reflejó directamente en su obra.

Además de numerosas remakes y reediciones de sus composiciones, el álbum de 1998 (el relanzamiento oficial del álbum de 1961) definitivamente merece atención. Rey de los cantantes de blues delta. La propia portada del disco ya crea el ambiente para una escucha solitaria y una inmersión total en el complejo mundo de Robert Johnson, como si todavía estuviera vivo. Si quieres intentar entender el blues, empieza con Johnson, con su conmovedor Cross Road Blues, Walking Blues, Me and the Devil Blues, Hellhound on My Trail y Travelling Riverside Blues.

Stevie Ray Vaughan - Inundación de Texas

Murió trágicamente (se estrelló en un helicóptero en 1990, cuando tenía 35 años), pero aun así logró dejar una enorme huella en la historia de la música blues. El trabajo del cantante y guitarrista destacó por su originalidad y poderosa manera de interpretar. El músico colaboró ​​​​y actuó en conciertos con muchas figuras del blues igualmente famosas, por ejemplo, Buddy Guy, Albert King y otros.

En cualquier improvisación, Vaughn transmitía sus sentimientos y emociones con brillantez y genuina apertura, gracias a lo cual el mundo del blues se reponía con nuevos éxitos.

Su colorido álbum Texas Flood, grabado con el equipo Double Trouble y lanzado en 1983, incluía las composiciones más famosas que luego le dieron mayor popularidad al músico, entre ellas Pride and Joy, Texas Flood, Mary Had a Little Lamb, Lenny y de Por supuesto, el lánguido y pausado Tin Pan Alley. El bluesman comparte con sus oyentes no sólo su música, sino una parte de su alma en cada melodía que interpreta, y todas ellas son ciertamente dignas de especial atención.

Buddy Guy - Maldita sea, tengo tristeza

No es de extrañar que un músico de blues con tal talento musical fuera rápidamente notado y puesto bajo su protección. La interpretación única y virtuosa de Buddy Guy y su carisma rápidamente le dieron fama y respeto entre colegas y oyentes de todo el mundo, y un álbum con un título llamativo. Maldita sea, tengo tristeza Recibió un premio Grammy en 1991.

El disco está repleto de letras excelentes, interpretaciones únicas y transmisión emocional en las composiciones y en el estilo: electro-blues, Chicago y, a veces, incluso blues arcaico. La dinámica y el carácter del disco quedan fijados inmediatamente por la primera canción: Damn Right, I've Got the Blues, continúa en Five Long Years, There Is Something on Your Mind, nos adentra en el mundo nocturno del músico en Black Night, después que nos despierta con la dinámica Let Me Love You Baby, y al final del disco el músico rinde homenaje a Stevie Ray Vaughn, fallecido en 1990, en el tema Rememberin' Stevie.

T-Bone Walker – Buen sentimiento

Puedes sumergirte en el espíritu del verdadero blues de Texas escuchando el álbum del temperamental T-Bone Walker, Good Feelin', grabado en 1969 y que recibió un Grammy un año después. El disco contiene los grandes temas del artista: Good Feelin’, Every Day I Have the Blues, Sail On, Little Girl, Sail On, See You Next Time, Vacation Blues.

El bluesman tuvo una influencia significativa en el trabajo de muchos músicos talentosos, entre ellos Otis Rush, Jimi Hendrix, BB King, Freddie King y muchos otros. El álbum revela el verdadero carácter de Walker, mostrando la grandeza de su interpretación, virtuosismo y técnica vocal. Lo que hace especial al disco es que comienza y termina con la narración informal de Walker, en la que se acompaña al piano. El músico saluda al público y los invita a concentrarse en lo que viene a continuación.

Ahora veremos las mejores bandas de blues rock de todo el mundo. Además, te daré una lista de buenos álbumes y bandas rusas de este género.

Las mejores bandas de blues rock.

La combinación del blues y el rock temprano para desarrollar el género blues rock no se produjo en el vacío. Esto es en gran medida invención de los niños británicos blancos. Estaban enamorados de los discos de blues de Muddy Waters, Howlin' Wolf y otros artistas importados a Gran Bretaña.

Los padrinos del blues, Alexis Korner y John Mayall crearon el género. Todavía hoy resuena en los corazones de muchos oyentes. Aquí están los primeros y mejores artistas de blues rock.

Alexis Korner (Alexis Korner)

Conocido como " padre del blues británico" Músico y director de banda, Alexis Korner fue una parte integral de la escena del blues de los años 60 en Inglaterra.

Sus propias bandas ayudaron a popularizar el blues. Y a principios de esta década, Korner actuó con una larga lista de música real británica.

En toda su obra, nunca disfrutó de un gran éxito comercial. Por tanto, su influencia en el desarrollo del blues rock está fuera de toda duda. No se puede decir lo mismo de sus compañeros y asistentes más jóvenes.

John Mayall (John Mayall)

El músico británico John Mayall ha contribuido significativamente al desarrollo de géneros como el jazz, el blues y el blues rock a lo largo de sus cincuenta años de carrera.

Descubrió y comenzó a desarrollar los talentos instrumentales de Eric Clapton, Peter Green y Mike Taylor.

Mayall tiene muchos álbumes en su equipaje. Presentan blues, blues rock, jazz y estilos musicales africanos.

Peter Green y Fleetwood Mac

Fleetwood Mac es conocido principalmente en todo el mundo por ser un grupo de pop rock innovador que encabeza las listas de éxitos. Dirigida por el guitarrista Peter Green, la banda se hizo un nombre como banda de blues psicodélico.

El grupo se formó en 1967. Y lanzó el primero en 1968. Una combinación de composiciones originales y portadas de blues, el álbum se convirtió en un éxito comercial en el Reino Unido y pasó un año en las listas de éxitos.

En 1970, debido a su enfermedad, Peter Green abandonó el grupo. Pero incluso después de su partida, Fleetwood Mac continuó actuando y trabajando en nuevas composiciones.

Rory Gallagher y el gusto

En la segunda mitad de la década de 1960, en el apogeo de la moda del blues rock británico, bajo la influencia de la multitud, Rory Gallagher presentó actuaciones de su banda Taste.

Gracias a su dinámico talento para el espectáculo, el grupo ha realizado giras con las superestrellas Yes y Blind Faith. Incluso actuó en 1970 en la Isla de Wight.

La banda fue formada en 1966 por Rory Gallagher, el bajista Eric Keatherin y el baterista Norman Damery.

Después de un concierto en el Reino Unido, la banda de Rory Gallagher se disolvió.

Después de mudarse a Londres, el guitarrista de veinte años formó una nueva versión de su banda Taste con el bajista Richard McCracken y el baterista John Wilson. Después de firmar un contrato con Polydor, comenzaron las grabaciones y las giras por Estados Unidos y Canadá.

Durante décadas, los Rolling Stones fueron la banda de rock más cool del planeta. Tenía los álbumes más vendidos. Especialmente en Estados Unidos. Por eso los músicos tienen tanto éxito. Su contribución al desarrollo de la música rock es enorme.

Los Yardbirds y el blues rock británico

Los Yardbirds fueron una de las bandas británicas de blues rock más influyentes e innovadoras de principios de los años 1960. Su influencia se siente mucho más allá de sus fugaces éxitos comerciales.

Formado a principios de la década de 1960 como el cuarteto Blues Metropolis, en 1963 el grupo era conocido como Yardbirds.

Con el vocalista Keith Relf, ​​los guitarristas Chris Drach y Andrew Topham, el bajista Paul Samwell-Smith y el baterista Jimi McCarthy, la banda rápidamente se hizo un nombre con una mezcla electrizante de blues clásico y R&B.

El primer álbum de los Yardbirds se llamó Five Live Yardbirds. Fue grabado en 1964 en el club Marquee. Los artistas comenzaron a agregar elementos de pop, rock y jazz.

Eric Clapton dejó la banda en 1965 para tocar blues puro con los Bluesbreakers de John Mayall. El nuevo guitarrista Jeff Beck aportó una nueva dimensión al sonido de la banda. En 1968, el equipo se disolvió.

Los mejores álbumes de blues rock.

A continuación quiero presentarles los mejores álbumes de blues rock. Recomiendo escucharlos en su tiempo libre. Aquí está la lista:

Los intérpretes de blues casi nunca han gozado de la misma popularidad que los reyes de la música pop, y no sólo en nuestro país, sino también en la patria de este estilo: Estados Unidos. El sonido complicado, la melodía menor y las voces peculiares a menudo repelen al oyente en masa, acostumbrado a ritmos más simples.

Los músicos que adaptaron esta música del Sur negro y crearon derivados más accesibles (rhythm and blues, boogie-woogie y rock and roll) ganaron gran fama. Muchas superestrellas (Little Richard, Ray Charles y otros) comenzaron sus carreras como intérpretes de blues y regresaron muchas veces a sus raíces.

El blues no es sólo un estilo y una forma de vida. Cualquier narcisismo y optimismo irreflexivo le son ajenos, rasgos característicos de la música pop. El nombre del estilo se deriva de la frase blue devils, que literalmente significa "diablos azules". Son estos malos habitantes del inframundo los que atormentan el alma de una persona para quien todo está mal en esta vida. Pero la energía de la música demuestra una renuencia a someterse a circunstancias difíciles y expresa una total determinación de luchar contra ellas.

La música folclórica, formada estilísticamente a lo largo del siglo XIX, se hizo conocida por los oyentes masivos en los años veinte del siglo siguiente. Huddie Ledbetter y Lemon Jefferson, los primeros artistas populares de blues, en cierto sentido rompieron la imagen cultural monolítica de la era del jazz y diluyeron el dominio de las grandes bandas con un nuevo sonido. Mamie Smith grabó el álbum Crazy Blues, que de repente se hizo muy popular entre la gente blanca y de color.

Los años treinta y cuarenta del siglo XX se convirtieron en la era del boogie-woogie. Esta nueva dirección se caracterizó por un mayor papel en el uso de los órganos, un tempo más rápido y una mayor expresividad de las voces. La armonía general siguió siendo la misma, pero el sonido se acercó lo más posible a los gustos y preferencias del oyente en masa. El blues de mediados y finales de los años cuarenta (Joe Turner, Jimmy Rushing) sentó las bases de lo que unos años más tarde se llamaría rock and roll, con todos los rasgos característicos de este estilo (un sonido potente y rico creado, por regla general, por cuatro músicos, un ritmo de baile y un estilo escénico sumamente exaltado).

Los intérpretes de blues de principios de los años cuarenta y sesenta, como B.B. King, Sony Boy Williamson, Ruth Brown, Besie Smith y muchos otros, crearon obras maestras que enriquecieron el tesoro de la música mundial, así como obras prácticamente desconocidas para los oyentes modernos. Esta música sólo la disfrutan unos pocos fans que conocen, aprecian y coleccionan grabaciones de sus artistas favoritos.

El género es popularizado por muchos intérpretes de blues moderno. Músicos extranjeros como Eric Clapton y Chris Rea interpretan composiciones y, en ocasiones, graban álbumes conjuntos con clásicos más antiguos que contribuyeron enormemente a la formación del estilo.

Los músicos de blues rusos ("Chizh and Co", "Road to Mississippi", "Blues League", etc.) siguieron su propio camino. Crean sus propias composiciones, en las que, además de la característica melodía menor, juegan un papel importante las letras irónicas, expresando la misma rebeldía y dignidad de una buena persona que se siente mal...

Lance es uno de los pocos guitarristas que puede presumir de haber comenzado su carrera profesional a los 13 años (a los 18 ya había compartido escenario con Johnny Taylor, Lucky Peterson y Buddy Miles). Desde pequeño, Lance se enamoró de las guitarras: cada vez que pasaba por una tienda de música, su corazón daba un vuelco. Toda la casa del tío Lance estaba llena de guitarras, y cuando llegó a él, no pudo separarse de este instrumento. Sus principales influencias siempre han sido Stevie Ray Vaughan y Elvis Presley (el padre de Lance, por cierto, sirvió con él en el ejército y siguieron siendo amigos cercanos hasta la muerte del rey). Ahora su música es una mezcla combustible del blues-rock de Stevie Ray Vaughan, la psicodelia de Jimi Hendrix y el melodicismo de Carlos Santana.

Como todo verdadero bluesmen, su vida personal es un agujero negro y sin esperanza, sin mencionar los problemas con las drogas. Sin embargo, esto no hace más que estimular su creatividad: entre largas borracheras, graba álbumes inéditos que pretenden ser los más apasionantes. Lance escribió la mayoría de sus canciones mientras estaba de gira, ya que durante mucho tiempo tocó en bandas de famosos músicos de blues. Su formación musical le permite pasar de un género a otro sin perder su sonido único. Si bien su álbum debut Wall of Soul era blues-rock, su álbum de 2011 Salvation From Sundown se inclinaba fuertemente hacia el blues tradicional y el R&B.

Si cree que el verdadero blues sólo se puede escribir si su autor está constantemente atormentado por la desgracia, le demostraremos lo contrario. Entonces, en 2015, Lance se deshizo de su adicción a las drogas y al alcohol, luego se casó y formó uno de los supergrupos más geniales de la última década: Supersonic Blues Machine. En el álbum se puede escuchar al baterista de sesión Kenny Aaronoff (Chickenfoot, Bon Jovi, Alice Cooper, Santana), Billy Gibbons (ZZ Top), Walter Trout, Robben Ford, Eric Gales y Chris Duarte. Aquí hay muchos músicos únicos, pero su filosofía es simple: una banda, como una máquina, consta de muchas partes, y la fuerza motriz de todas ellas es el blues.

Robin Trower

Robin es considerado uno de los músicos clave que dieron forma a la visión del blues británico en los años 70. Inició su carrera profesional a los 17 años, cuando formó la banda favorita de los Rolling Stones en aquel momento, The Paramounts. Sin embargo, su verdadero éxito llegó cuando se unió a Procol Harum en 1966. El grupo influyó mucho en su trabajo y lo puso en el camino correcto.

Pero ella tocaba rock clásico, por lo que inmediatamente nos remontamos a 1973, cuando Robin decidió comenzar una carrera en solitario. En ese momento ya estaba escribiendo mucha música de guitarra, por lo que se vio obligado a dejar el grupo. El debut de Twice, Removed From Yesterday, apenas llegó a las listas, pero a pesar de esto, su siguiente álbum, Bridge Of Sights, inmediatamente se disparó al primer puesto y hasta el día de hoy vende 15.000 copias al año en todo el mundo.

Los primeros tres álbumes del power trío son famosos por su sonido hendrixiano. Por la misma razón, por su hábil combinación de blues y psicodelia, a Robin lo llaman el Hendrix “blanco”. El grupo tenía dos miembros fuertes: Robin Trower y el bajista James Dewar, que se complementaban perfectamente. El pico de su creatividad llegó en 1976-1978, con los álbumes Long Misty Days e In City Dreams. Ya en el cuarto álbum, Robin comenzó a centrarse nuevamente en el hard rock y el rock clásico, dejando el sonido del blues en un segundo plano. Sin embargo, no se deshizo de él por completo.

Robin también era famoso por su proyecto con el bajista de Cream, Jack Bruce. Lanzaron dos álbumes, pero todas las canciones fueron escritas solo por Trower. Los álbumes presentan tanto el graznido de la guitarra de Robin como el sonido agudo y funky del bajo de Jack, pero a los músicos no les gustó esta colaboración y su proyecto pronto dejó de existir.

JJ Cale

John es literalmente el músico más humilde y ejemplar del mundo. Es un tipo sencillo y con alma de pueblo, y sus canciones, tranquilas y conmovedoras, son como un bálsamo para el alma en medio de constantes preocupaciones. Fue adorado por los íconos del rock Eric Clapton, Mark Knopfler y Neil Young, y el primero hizo famoso su trabajo en todo el mundo (las canciones Cocaine y After Midnight fueron escritas por Cale, no por Clapton). Llevó una vida tranquila y mesurada, nada que ver con la vida de la estrella de rock que se le considera.

Cale comenzó su carrera en los años 50 en Tulsa, donde compartió escenario con su amigo Leon Russell. Durante los primeros diez años saltó de la costa sur a la costa oeste, hasta que se instaló en 1966 en el club Whiskey A Go Go, donde actuó como telonero de Love, The Doors y Tim Buckley. Se rumoreaba que fue Elmer Valentine, el dueño del legendario club, quien lo bautizó JJ para distinguirlo de John Cale, miembro de Velvet Underground. Sin embargo, el propio Cale lo llamó un engaño, ya que Velvet Underground era poco conocido en la costa oeste. En 1967, John grabó el álbum A Trip Down the Sunset Strip con el grupo Leathercoated Minds. Aunque Cale odiaba el disco y "si pudiera destruir todos esos discos, lo haría", el álbum se convirtió en un clásico psicodélico.

Cuando su carrera comenzó a decaer, John regresó a Tulsa, pero el destino quiso que regresara a Los Ángeles en 1968, instalándose en el garaje de la casa de Leon Russell, donde lo dejaron solo y a sus perros. Cale siempre prefirió la compañía de animales a la de humanos, y su filosofía era simple: “la vida entre los pájaros y los árboles”.

A pesar de que su carrera se desmoronaba lentamente, John lanzó su primer álbum en solitario, Naturally, en el sello Shelter de Leon Russell. El álbum fue tan fácil de grabar como el temperamento de Cale: estuvo listo en dos semanas. Casi todos sus álbumes se grabaron a este ritmo, y algunas de sus canciones más famosas fueron grabaciones de demostración (por ejemplo, Crazy Mama y Call Me the Breeze, de las que Lynyrd Skynyrd grabó más tarde su famosa versión). A esto le siguieron los álbumes Really, Oakie y Troubadour, que engancharon a Eric Clapton y Karl Radle a su “cocaína”.

Después del famoso concierto de 1994 en el Hammersmith Odeon, él y Eric se hicieron buenos amigos (Eric también era conocido por su modestia al principio de su carrera) y permanecieron en contacto constante. El fruto de su amistad fue el álbum de 2006 Road to Escondido. Este álbum ganador de un Grammy es una representación idealista del blues. Los dos guitarristas se equilibran tanto que se crea una sensación de completa paz.

JJ Cale murió en 2013, dejando al mundo su trabajo, que continúa inspirando a los músicos hasta el día de hoy. Eric Clapton lanzó un álbum tributo a John, al que invitó a sus fans: John Mayer, Mark Knopfler, Derek Trucks, Willie Nelson y Tom Petty.

Gary Clark Jr.

Gary, el músico favorito de Barack Obama, es el artista más innovador de la última década. Mientras todas las chicas de Estados Unidos están locas por él (bueno, John Mayer también, sin él), Gary, con su fuzz, convierte la música en una mezcla psicodélica de blues, soul y hip-hop. El músico se crió bajo la estricta dirección de Jimmy Vaughn, el hermano de Stevie Ray, y escuchaba todo lo que encontraba, desde country hasta blues. Todo esto se puede escuchar en su primer disco, 2004, 110, donde se escucha blues clásico, soul y country, y nada destaca del estilo del disco, la música folk negra del Mississippi de los años 50.

Después del lanzamiento del álbum, Gary pasó a la clandestinidad y tocó con numerosos músicos. Regresó en 2012 con un álbum melódico y eléctrico que dejó boquiabiertos a todos, desde Kirk Hammett y Dave Grohl hasta Eric Clapton. Este último le escribió una carta de agradecimiento y le dijo que después de su concierto quería volver a tocar la guitarra.

Desde entonces, se ha convertido en una sensación del blues, “el elegido” y “el futuro de la guitarra de blues”, participando en el concierto benéfico Crossroads de Eric Clapton y ganando un Grammy por la canción “Why Come Home”. Después de un debut así es difícil mantener el listón alto, pero a Gary nunca le importaron las opiniones de los demás. Lanzó su siguiente álbum “por la música misma” y, en su caso, esta filosofía funcionó bien. The Story of Sonny Boy Slim resultó ser menos pesado, pero su soul-blues eléctrico encaja perfectamente con el estilo de todo el álbum. Aunque algunas de sus canciones suenan pop, tienen algo de lo que carece la música moderna: individualidad.

Este álbum puede tener un sonido más suave porque era muy personal (la esposa de Gary dio a luz a su primer hijo mientras lo grababa, lo que lo obligó a repensar su vida), pero era igual de blues y melódico, llevando su trabajo a un nivel completamente nuevo. .

Joe Bonamassa

Existe la opinión popular de que Joe es el guitarrista más aburrido del mundo (y por alguna razón nadie llama aburrido a Gary Moore), pero cada año se vuelve cada vez más popular, agotando las entradas para sus shows en el Royal Albert Hall y viajando. el mundo con conciertos. En general, digan lo que digan, Joe es un guitarrista talentoso y melódico que ha avanzado mucho en su trabajo desde el inicio de su carrera.

Se podría decir que nació con una guitarra en las manos: a los 8 años ya abría un show para B.B. King, y a los 12 tocaba a tiempo completo en clubes de Nueva York. Lanzó su álbum debut bastante tarde, a la edad de 22 años (antes tocó en el grupo Bloodline junto con los hijos de Miles Davis). A New Day Yesterday se lanzó en 2000, pero no llegó a las listas de éxitos hasta 2002 (alcanzando el puesto número 9 entre los álbumes de blues), lo cual no es sorprendente: consistía principalmente en versiones. Sin embargo, dos años después, Joe lanzó su álbum más emblemático, So, It's Like That, que fue amado por todos los que pudieron.

Desde entonces, Joe ha lanzado habitualmente álbumes cada uno o dos años que fueron muy criticados, pero que terminaron al menos entre los cinco primeros según Billboard. Sus álbumes (especialmente Blues Deluxe, Sloe Gin y Dust Bowl) suenan viscosos, pesados ​​​​y blueseros, y no sueltan al oyente hasta el final. De hecho, Joe es uno de los pocos músicos cuya visión del mundo evoluciona de un álbum a otro. Sus canciones se vuelven más cortas y vivas, y sus álbumes se vuelven conceptuales. Su último lanzamiento fue literalmente grabado por primera vez. Según Joe, el blues moderno es demasiado elegante, los músicos no le dedican mucho esfuerzo, ya que todo se puede formatear o reproducir de nuevo, han perdido toda la energía y el impulso. Por eso este álbum se grabó durante cinco días de improvisación y se escucha todo lo que pasó allí (sin segundas tomas y con una posproducción mínima para preservar la atmósfera).

Por tanto, la clave de su trabajo es no escuchar canciones de álbumes (especialmente los primeros trabajos: tu cerebro será violado por solos interminables y una tensión que solo aumenta hacia el final del álbum). Si eres fanático de la música técnica y los solos retorcidos, definitivamente te encantará Joe.

Felipe dice

Philip Says es un guitarrista radicado en Toronto cuya forma de tocar es tan impresionante que fue invitado a participar en el Crossroads Guitar Festival de Eric Clapton. Creció escuchando la música de Ry Cooder y Mark Knopfler, y sus padres tenían una enorme colección de álbumes de blues, que inevitablemente influyeron en su trabajo. Pero Philip debe su avance en el escenario profesional al legendario guitarrista Geoff Healy, quien lo tomó bajo su protección y le brindó una excelente educación musical.

Jeff fue una vez al concierto de Philip en Toronto y le gustó tanto su forma de tocar que la siguiente vez que se encontraron, lo invitó a subir al escenario para tocar. Philip estaba en el club con su manager y tan pronto como se sentaron, Jeff se acercó a ellos e invitó a Philip a unirse a su banda, prometiéndole ayudarlo a ponerse de pie y enseñarle cómo actuar en grandes lugares.

Philip pasó los siguientes tres años y medio de gira con Geoff Healy. Actuó en el famoso Festival de Jazz de Montreux, donde compartió escenario con gigantes del blues como B.B. King, Robert Cray y Ronnie Earle. Jeff le dio una tremenda oportunidad de aprender de los mejores, jugar con los mejores y convertirse él mismo en una mejor persona. Fue telonero de ZZ Top y Deep Purple, y su música es un viaje sin fin.

Philip lanzó su primer álbum en solitario, Peace Machine, en 2005, y este es su mejor trabajo hasta el día de hoy. Combina la energía cruda de la guitarra blues-rock y el soul. Sus álbumes posteriores (deben destacarse Inner Revolution y Steamroller) se vuelven más pesados, pero aún conservan ese impulso de blues al estilo de Stevie Ray Vaughn que es parte de su estilo; esto se puede ver solo por el loco vibrato que usa cuando toca en vivo.

Muchos encontrarán similitudes entre Philip Sayce y Stevie Ray (la misma Stratocaster desnuda, shuffle y shows locos) y algunos pensarán que se parece demasiado a él. Sin embargo, el sonido de Philip difiere del de su autor intelectual: suena más moderno y más pesado.

Susan Tedeschi y Derek camiones

Como dijo el ícono de la guitarra slide de Luisiana, Sonny Landreth, supo en cinco segundos que Derek Trucks iba a ser el guitarrista más prometedor en la escena del blues blanco. Sobrino del baterista de Allman Brothers, Butch Trucks, se compró una guitarra acústica por cinco dólares a los 9 años y comenzó a aprender a tocar la guitarra slide. Sorprendió a todos con su técnica de juego, sin importar con quién jugara. A finales de los 90, ganó un Grammy por su proyecto en solitario, tocó con The Allman Brothers Band y estuvo de gira con Eric Clapton.

Susan se hizo famosa no sólo por su habilidad para tocar la guitarra, sino también por su mágica voz, que cautiva a los oyentes desde el primer momento. Desde que lanzó su álbum debut Just Won't Burn, Susan ha realizado giras incansables, grabado con Double Trouble, compartido escenario con Britney Spears en los premios Grammy, actuado con Buddy Guy y B.B. King, e incluso cantado al lado de Bob Dylan.

Décadas después de comenzar sus carreras, Susan y Derek no solo se casaron, sino que también crearon su propio equipo llamado Tedeschi Trucks Band. En realidad, es muy difícil encontrar las palabras para expresar lo buenos que son: Derek y Susan son como los Delaney y Bonnie de hoy en día. Los fans del blues todavía no pueden creer que dos leyendas del blues hayan creado su propia banda, y además una inusual: Tedeschi Trucks Band está formada por los 11 mejores músicos de la escena moderna del blues y el soul. Comenzaron como una banda de cinco y gradualmente agregaron más músicos. Su último álbum cuenta con dos bateristas y una sección de trompeta completa.

Las entradas para todos sus conciertos en los EE. UU. se agotan instantáneamente y todos están simplemente encantados con sus espectáculos. Su grupo conserva todas las tradiciones del blues y el soul americano. La guitarra slide complementa perfectamente la voz aterciopelada de Tedeschi, y si en términos de técnica Derek es en algunos aspectos mejor que su esposa guitarrista, no la eclipsa en absoluto. Su música es una fusión perfecta de blues, funk, soul y country.

John Mayer

Incluso si escuchas este nombre por primera vez, créeme, John Mayer es muy famoso. Es tan famoso que ocupa el séptimo lugar en número de seguidores en Twitter, y la prensa en Estados Unidos habla de su vida personal de la misma manera que la prensa amarilla en Rusia habla de Alla Pugacheva. Es tan famoso que todas las niñas, mujeres y abuelas estadounidenses no sólo saben quién es, sino que también desearían que todos los guitarristas del mundo lo admiraran, y no a Jeff Hanneman.

También es el único instrumentista que está a la altura de los ídolos del pop moderno. Como él mismo dijo una vez a una revista británica: “No se puede hacer música y ser popular. Las celebridades hacen música realmente mala, así que yo escribo la mía como músico”.

John tomó una guitarra por primera vez a la edad de 13 años, inspirado por el bluesman de Texas Stevie Ray Vaughn. Tocó en bares locales en su ciudad natal de Bridgeport hasta que se graduó de la escuela secundaria y fue a Berklee College of Music. Allí estudió dos semestres hasta que se fue a Atlanta con 1.000 dólares en el bolsillo. Tocó en bares y escribió tranquilamente canciones para su álbum debut de 2001, Room For Squares, que obtuvo multiplatino.

John tiene múltiples premios Grammy a su nombre, y su combinación de melodías impecables, letras de calidad y arreglos bien pensados ​​lo han hecho tan grande como Stevie Wonder, Sting y Paul Simon, los músicos que convirtieron la música pop en una forma de arte.

Pero en 2005 se apartó del camino del artista pop, no tuvo miedo de perder a sus oyentes, reemplazó su Martin acústico por una Fender Stratocaster y se unió a las filas de las leyendas del blues. Tocó con Buddy Guy y B.B. King, e incluso fue invitado por el propio Eric Clapton al Crossroads Guitar Festival. Los críticos se mostraron escépticos ante este cambio de escenario, pero John sorprendió mucho a todos: su trío eléctrico (junto con Pino Palladin y Steve Jordan) produjo un blues-rock sin precedentes con un ritmo asesino. En el álbum de 2005 ¡Pruébalo! John se centró en el lado más suave de Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan y B.B. King, y con sus solos melódicos tocó brillantemente todos los clichés del blues.

John siempre ha sido melódico, incluso su último álbum de 2017 resultó sorprendentemente suave: aquí se puede escuchar soul e incluso country. Con sus canciones, John no sólo vuelve locas a las chicas de 16 años en los EE. UU., sino que también sigue siendo un verdadero músico profesional, en constante evolución y cada vez aportando algo nuevo a su música. Equilibra perfectamente su reputación como artista pop con su desarrollo como músico. Si tomas incluso sus canciones más pop y las desglosas, te sorprenderás de todo lo que sucede allí.

Sus canciones tratan de todo: amor, vida, relaciones personales. Si las cantara otra persona, lo más probable es que se convirtieran en canciones folklóricas comunes y corrientes, pero la suave voz de John combinada con blues, soul y otros géneros las convierte en lo que son. Y que definitivamente no querrás apagar.

El blues, una vasta capa de cultura musical, apareció hace más de cien años. Sus orígenes hay que buscarlos en el continente norteamericano. El estilo de la música blues estuvo inicialmente determinado por las tendencias del jazz y el desarrollo posterior fue completamente independiente.

El blues se divide en dos estilos principales: "Chicago" y "Mississippi Delta". Además, la música blues tiene seis direcciones en la estructura de la composición:

• espirituales: una melodía lenta y reflexiva, llena de tristeza desesperada;
• evangelio (evangelio): himnos de la iglesia, generalmente navideños;
• alma: caracterizada por un ritmo sobrio y un rico acompañamiento de instrumentos de viento, principalmente saxofones y trompetas;
• swing: un patrón rítmico variado que puede cambiar de forma a lo largo de una melodía;
• boogie-woogie: música muy rítmica y expresiva, generalmente interpretada en piano o guitarra;
• Rhythm and blues (R&B): composiciones generalmente exuberantes y sincopadas con variaciones y arreglos ricos.

Los intérpretes de blues son en su mayoría músicos profesionales con experiencia en conciertos. Y lo característico es que entre ellos no encontrarás ninguno con formación académica; cada uno domina dos o tres instrumentos y tiene una voz bien entrenada.

Patriarca de los azules

La música en cualquier forma es un asunto responsable. Por eso, por regla general, los intérpretes de blues se dedican sin reservas a su obra favorita. Un buen ejemplo de ello es el recientemente fallecido patriarca de la música blues, B.B. King, una leyenda a su manera. Los intérpretes de blues de cualquier nivel podían admirarlo. El músico de 90 años no soltó la guitarra hasta su último día. Su canción característica fue The Thrill Is Gone, que interpretó en todos los conciertos. B.B. King fue uno de los pocos músicos de blues que gravitaron hacia los instrumentos sinfónicos. En la composición The Thrill Is Gone, el fondo lo crea un violonchelo, luego, en el momento adecuado, “con el permiso” de la guitarra, entran los violines, liderando su parte, entrelazándose orgánicamente con el instrumento solista.

Voz y acompañamiento

Hay muchos intérpretes interesantes de blues. La reina del soul Aretha Franklin y Anna King, Albert Collins y el inigualable Wilson Pickett. Uno de los fundadores del blues, Ray Charles, y su seguidor, Rufus Thomas. El gran maestro de la armónica Curry Bell y el virtuoso vocal Robert Gray. No puedes enumerarlos todos. Algunos artistas de blues se van y otros nuevos ocupan su lugar. Siempre ha habido cantantes y músicos talentosos y, con suerte, siempre los habrá.

Los intérpretes de blues más famosos.

Entre los cantantes y guitarristas más populares se encuentran los siguientes:

• Lobo aullador;
• Alberto Rey;
• amigo chico;
• Bo Didley;
• Sellos solares;
• James Brown;
• Jimmy Reed;
• Kenny Neal;
• Lutero Ellison;
• aguas fangosas;
• Otis Rush;
• Sam Cooke;
• Willie Dixon.