Пресс-релиз

V Дальневосточный Зимний фестиваль, посвященный

55-летию Дальневосточного государственного института искусств

В 2017 году Дальневосточный государственный институт отмечает 55-летний юбилей.

Первый в России вуз, объединивший три вида искусства – музыку, театр, живопись – был создан как Дальневосточный педагогический институт искусств. В год своего 30-летия (1992) он был переименован в Дальневосточный государственный институт искусств, в 2000 году институт стал академией, в 2015 – вновь переименован в Дальневосточный государственный институт искусств.

В совместном обучении музыкантов, художников, драматических артистов и режиссеров предполагалось найти множество точек соприкосновения: общие или родственные дисциплины, широкие возможности, открывающиеся в сфере синтетических видов искусств, например – оперы, где объединены музыка, живопись и театр, творческое взаимообогащающее общение.

Министерство культуры серьезно отнеслось к созданию нового вуза. Были изданы соответствующие приказы: о поручении шефства над музыкальным факультетом – Московской государственной консерватории им. Чайковского; над театральным факультетом – Государственному институту театрального искусства им. Луначарского; над художественным факультетом – Институту живописи, скульптуры и архитектуры им. Репина. Кроме того, этим учебным заведениям было предписано безвозмездно выделить из своих фондов мольберты, книги по искусству, академические работы, слепки с античных голов для рисунка, музыкальные инструменты, ноты, книги для библиотеки. Средним учебным заведениям – обеспечить достаточное количество абитуриентов для Дальневосточного педагогического института искусств.

Создание института искусств стало событием в культурной жизни Приморского края и всего Дальнего Востока. Появилась возможность подготовки кадров высокой квалификации для театров, оркестров, преподавателей для школ и училищ, художников.

Фундамент высшего образования в сфере искусства на Дальнем Востоке заложили прекрасные педагоги, выпускники центральных вузов: Московской консерватории: В.А. Гутерман, М.Р. Дрейер, В.М.Касаткин, Е.А.Калганов, А.В.Митин; выпускники Ленинградской консерватории: А.С. Введенский, Е.Г. Уринсон; Уральской консерватории – А.И.Жилина, Одесской консерватории - С.Л.Ярошевич, ГИТИСа - О.И. Старостина и Б.Г. Кульнев, выпускник Ленинградского художественного института им. Репина В.А.Гончаренко и другие. Музыкальный факультет начал заниматься по обычному плану консерваторий, художественный – по плану института им. Сурикова, театральный – по плану училища им. Щепкина.

С самого начала и по настоящее время Дальневосточный государственный институт искусств является центром профессионального музыкального, театрального и художественного образования на Дальнем Востоке. В Институте создана трехуровневая система художественного образования (детская школа искусств – училище – творческий вуз):

детский эстетический центр «Мир искусства», детская школа искусств;

музыкальный колледж;

вуз: программы специалитета, бакалавриата, магистратуры, аспирантуры и ассистентуры-стажировки; дополнительные программы повышения квалификации и профессиональной переподготовки.

В состав Института входят три факультета: музыкальный (консерватория), театральный и художественный, создано иностранное отделение (с1998 года).

Дальневосточный государственный институт искусств – член объединённого диссертационного совета Д 999.025.04 при Дальневосточном федеральном университете (по специальностям 17.00.02 – Музыкальное искусство (искусствоведение) и 24.00.01 – Теория и история культуры (искусствоведение и культурология).

Научная и творческая деятельность института обширна и разнообразна. Вот только некоторые, наиболее значимые проекты:

«Культура Дальнего Востока России и стран АТР: Восток – Запад» - ежегодная научная конференция

I и II Всероссийский музыкальный конкурс (региональные этапы).

Международный конкурс молодых музыкантов-исполнителей «Музыкальный Владивосток»

«Арт Владивосток» - Международная выставка-конкурс творческих работ студентов и молодых художников Дальнего Востока, России и стран АТЭС.

Всероссийская Олимпиада по музыкально-теоретическим предметам «Шедевры мировой музыкальной культуры» для учащихся профессиональных образовательных учреждений и детских школ искусств.

Региональная творческая школа «Театральный прибой»

«Дебют молодых музыкантов-исполнителей, лауреатов международных конкурсов – жителям городов и поселений Дальнего Востока» .

Повышение квалификации преподавателей образовательных учреждений отрасли культуры и искусства культуры и общеобразовательных школ «Академии искусств».

I Дальневосточный конкурс-фестиваль эстрадной музыки.

Краевой фестиваль детского творчества.

Дальневосточный Зимний фестиваль искусств

Дальневосточный конкурс исполнительского мастерства «Золотой ключ» преподавателей детских музыкальных школ и детских школ искусств им. Г.Я.Низовского.

I Международный российско-китайский детский фестиваль искусств «Восточный калейдоскоп».

Дальневосточный конкурс чтецов «Моя любовь – моя Россия»

Краевой Конкурс исполнителей современной музыки .

Конкурс на лучшее исполнение произведений композиторов второй половины XX века

«Ткачевские чтения» – конкурс чтецов им. народного артиста РФ Л.А.Ткачева, «Театральная надежда»

«Пленэр»

Дистанционные мастер-классы с использованием Дисклавира. Владивосток – Москва.

«Из истории творческих школ Института искусств: истоки, традиции, выдающиеся педагоги…».

ДЕЙСТВУЮЩИЕ ТВОРЧЕСКИЕ КОЛЛЕКТИВЫ:

Симфонический оркестр – лауреат Гран-при VII Дальневосточного конкурса инструментальной музыки «Метроном».

Оркестр народных инструментов - лауреат первых премий IV и V Международных конкурсов молодых музыкантов-исполнителей «Музыкальный Владивосток» 2005–2007 гг., обладатель Гран-при V Всероссийского конкурса им. Н.Н. Калинина (Санкт-Петербург, 2009 г.)

Академический хор – лауреат краевого конкурса «Поющий океан», обладатель Гран-при VI Международного конкурса «Музыкальный Владивосток».

Ансамбль камерной музыки «Кончертоне» - лауреат Международного конкурса им. Шендерева (1997 г., III премия), II Международного конкурса в Пекине (1999 г., II премия).

Русское инструментальное трио «Владивосток» в неизменном составе со дня основания в 1990 году: заслуженные артисты РФ Николай Ляхов (балалайка), Александр Капитан (баян), Сергей Арбуз (балалайка-контрабас).

Лауреаты: Международного конкурса им. Г.Шендерева (Россия, 1997 г. - Серебряный диплом); 17-го Международного конкурса «Grand Prix» (Франция, г.Бишвиллер, 1997 г. - Гран-при и Золотая медаль); II Международного конкурса баянистов-аккордеонистов (Китай, г.Пекин, 1999 г. - 1-я премия); 38-го Международного конкурса баянистов-аккордеонистов, (Германия, г.Клингенталь, 2001 г.- 3-я премия).

Оперная студия – лауреат I премии Международного конкурса «Музыкальный Владивосток» (2014, 2016 г.г.)

Трио «Экспекто» - лауреат международных конкурсов баянистов-аккордеонистов в г. Харбине (КНР, 2014 г., 1 премия), в Кастельфидардо (Италия), 2015г, 1 премия, «золотая медаль»).

Квартет «Коллаж» лауреат международных конкурсов баянистов-аккордеонистов в г. Харбине (КНР, 2016 г., 1 премия).

Трио «Ориент» лауреат международного конкурса в г. Ланчано (Италия, 2014 г., 1 премия).

Выпускники, внесшие значительный вклад в развитие культуры,

искусства и художественного образования

Музыковеды, доктора искусствоведения: профессор РГПУ им. Герцена Е.В. Герцман, профессор Санкт-Петербургской консерватории, заслуженный деятель искусств Карелии У Ген-Ир, профессор Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского Р.Л. Поспелова, профессор РАМ им. Гнесиных Е.М. Алкон, профессор кафедры изобразительного искусства Школы искусства культуры и спорта ДВФУ Г.В. Алексеева, профессор Московского государственного института культуры Н.И. Ефимова, профессор, и.о. заведующего кафедрой философии, истории, теории культуры и искусства Московского государственного института музыки им. А.Г. Шнитке А.Г. Алябьева, профессора ДВГИИ О.М. Шушкова, Ю.Л. Фиденко.

Музыканты-исполнители: Заслуженный артист РФ, руководитель ансамбля «Джанг» Н.И. Эрденко, Заслуженный артист РФ, заведующий кафедрой оркестрового дирижирования, профессор РАМ им. Гнесиных Б.С. Ворон, заслуженный артист РФ, профессор Ф.Г. Кальман, заслуженный артист РФ, профессор А.К. Капитан, Лауреат международного конкурса, Заслуженный деятель искусств РС(Я), профессор кафедры оркестровых струнных инструментов Высшей школы музыки РС (Я) (института) им. В.А. Босикова О.Г. Кошелева.

Актеры: Народные артисты РФ А.Михайлов, С. Степанченко, Ю. Кузнецов, С. Стругачев, Лауреат Государственной премии В. Приемыхов, Заслуженная артистка РФ В. Цыганова; Народные артисты РФ, актеры Приморского краевого драматического театра им. Горького, профессора кафедры мастерства актера А.П. Славский, В. Н. Сергияков, Народный артист РФ, лауреат премии Правительства РФ в области культуры, художественный руководитель Приморского краевого академического театра имени М.Горького Е.С. Звеняцкий, заслуженные артисты А.И. Запорожец, С. Салахутдинова.

Заслуженные художники РФ С.А. Литвинов, С.М. Черкасов, И.И. Дункай.

Приглашаем всех на концерты

V Дальневосточного зимнего фестиваля искусств,

Информация о концертах – на сайте www.dv-art.ru

Главная > Документ

Дмитрий Боровский, май 1998 года

Искусство: Дальний Восток: обзор

Огромный регион, условно именуемый Дальним Востоком, включает в себя Китай, Японию, Корею, Монголию и Тибет - страны, имеющие ряд сходных черт, но одновременно и значительные различия в культуре.

Все страны Дальнего Востока испытывали воздействие древних цивилизаций Китая и Индии, где ещё в 1 м тысячелетии до нашей эры возникли философско-религиозные учения, положившие начало представлению о природе как всеобъемлющем Космосе - живом и одухотворённом организме, который живёт по своим собственным законам.

Природа оказалась в центре философских и художественных исканий всего средневекового периода, а её закономерности считались универсальными, определявшими жизнь и взаимоотношения людей. С многообразными проявлениями природы сопоставлялся внутренний мир человека. Это повлияло на развитие символического метода в изобразительном искусстве, определив его иносказательный поэтический язык. В Китае, Японии и Корее под влиянием подобного отношения к природе формировались виды и жанры искусства, строились архитектурные ансамбли, тесно связанные с окружающим ландшафтом, зарождалось садово-парковое искусство и, наконец, происходил рассвет пейзажной живописи.

Под влиянием древнеиндийской цивилизации стал распространяться буддизм, а в Монголии и Тибете - также индуизм. Эти религиозные системы принесли в страны Дальнего Востока не только новые для них идеи, но и оказали непосредственное влияние на развитие искусства. Благодаря буддизму во всех странах региона появился неизвестный прежде новый художественный язык скульптуры и живописи, были созданы ансамбли, характерной особенностью которых стало взаимодействие архитектуры и изобразительного искусства.

Особенности изображения буддийских божеств в скульптуре и живописи складывались на протяжении многих веков как особый язык символов, выражавший представления о мироздании, нравственных законах и предназначении человека. Таким образом закреплялись и сохранялись культурный опыт и духовные традиции многих народов. В образах буддийского искусства воплощались идеи противоборства добра и зла, милосердия, любви и надежды. Все эти качества определили своеобразие и общечеловеческую значимость выдающихся творений дальневосточной художественной культуры.

Искусство: Япония

Япония расположена на островах Тихого океана, протянувшихся вдоль восточного побережья Азиатского материка с севера на юг. Японские острова находятся в зоне, подверженной частым землетрясениям и тайфунам. Жители островов привыкли постоянно быть настороже, довольствоваться скромным бытом, быстро восстанавливать жилище и хозяйство после стихийных бедствий. Несмотря на природные стихии, постоянно угрожающие благополучию людей, японская культура отражает стремление к гармонии с окружающим миром, умение видеть красоту природы в большом и малом. В японской мифологии родоначальниками всего в мире считались божественные супруги, Идзанаги и Идзанами. От них произошла триада великих богов: Аматэрасу - богиня Солнца, Цукиёми - богиня Луны и Сусаноо - бог бури и ветра. По представлениям древних японцев, божества не имели зримого облика, а воплощались в саму природу - не только в Солнце и Луны, но и в горы и скалы, реки и водопады, деревья и травы, которые почитались как духи-ками (слово ками в переводе с японского означает божественный ветер ). Такое обожествление природы сохранялось на протяжении всего периода Средневековья и получило название синто - путь богов , став японской национальной религией; европейцы называют её синтоизмом.

Истоки японской культуры уходят корнями в глубокую древность. Самые ранние произведения искусства относятся к 4..2 му тысячелетиям до нашей эры. Наиболее длительным и самым плодотворным для японского искусства был период Средневековья (6..19 й века).

Искусство: Япония: архитектура: традиционный японский дом

Конструкция традиционного японского дома сложилась к 17..18 м векам. Он представляет собой деревянный каркас с тремя подвижными стенами и одной неподвижной. Стенами не несут функций опоры, поэтому они могут раздвигаться или даже сниматься, служить одновременно и окном. В тёплый сезон стены представляли собой решётчатую конструкцию, оклеенную полупрозрачной бумагой, пропускавшей свет, а в холодное и дождливое время их прикрывали или заменяли деревянными панелями. При большой влажности японского климата дом необходимо проветривать снизу. Поэтому он приподнят над уровнем земли на 60 см. Чтобы предохранить опорные столбы от гниения, их устанавливали на каменные основания.

Лёгкий деревянный каркас обладал необходимой гибкостью, что уменьшало разрушительную силу толчка при частых в стране землетрясениях. Кровля, черепичная или тростниковая, имела большие навесы, которые предохраняли бумажные стены дома от дождя и палящего летнего солнца, но не задерживали низких солнечных лучей зимой, ранней весной и поздней осенью. Под навесом кровли располагалась веранда.

Пол жилых комнат покрывали циновками - татами , на которых главным образом сидели, а не стояли. Поэтому и все пропорции дома были ориентированы на сидящего человека. Поскольку в доме не было постоянной мебели, спали на полу, на специальных толстых матрацах, которые убирали днём в стенные шкафы. Ели, сидя на циновках, за низкими столиками, они же служили для различным занятий. Раздвижные внутренние перегородки, обтянутые бумагой или шёлком, могли делить внутренние помещения в зависимости от потребностей, что позволяло использовать его более разнообразно, однако полностью уединится внутри дома каждому его обитателю было невозможно, что повлияло на внутрисемейные отношения в японской семье, а в более общем смысле - на особенности национального характера японцев.

Важная деталь дома - располагавшаяся у неподвижной стены ниша - токонама , где могла висеть картина или стоять композиция из цветов - икэбана. Это был духовный центр дома. В украшении ниши проявлялись индивидуальные качества обитателей дома, их вкусы и художественные наклонности.

Продолжением традиционного японского дома был сад . Он исполнял роль ограждения и одновременно связывал дом с окружающей средой. Когда раздвигали наружные стены дома, исчезала граница между внутренним пространством дома и садом и создавалось ощущение близости к природе, непосредственного общения с ней. Это было важной особенностью национального мироощущения. Однако японский города росли, размеры сада уменьшались, нередко его заменяла небольшая символическая композиция из цветов и растений, которая выполняла ту же роль соприкосновения жилища с миром природы.

Искусство: Япония: икэбáна

Искусство расстановки цветов в вазах - икэбáна (жизнь цветов ) - восходит к древнему обычаю возложения цветов на алтарь божества, который распространился в Японии вместе с буддизмом в 6 м веке. Чаще всего композиция в стиле того времени - рикка (поставленные цветы ) - состояла из ветки сосны или кипариса и лотосов, роз, нарциссов, установленных в старинных бронзовых сосудах.

С развитием светской культуры в 10..12 м веках композиции из цветов устанавливали во дворцах и жилых покоях представителей аристократического сословия. При императорском дворе стали популярны особые состязания по составлению букетов. Во второй половине 15 го века появилось новое направление в искусстве икэбаны, основателем которого был мастер Икэнобо Сэнъэй . Произведения школы Икэнобо отличались особой красотой и изысканностью, их устанавливали у домашних алтарей, преподносили в качестве подарков.

В 16 м столетии с распространением чайных церемоний сформировался специальный вид икэбаны для украшения ниши-токонома в чайном павильоне. Требование простоты, гармонии, сдержанной цветовой гаммы, предъявлявшейся ко всем предметам чайного культа, распространялись и на оформление цветов - тябана (икэбана для чайной церемонии ). Знаменитый мастер чая Сэнно Рикю создал новый, более свободный стиль - нагэирэ (небрежно поставленные цветы ), хотя именно в кажущейся беспорядочности заключалась особая сложность и красота образов этого стиля. Одним из видов нагэирэ была так называемая цурибана, когда растения помещались в подвешенном сосуде в форме лодочки. Такие композиции подносили человеку, вступавшему в должность или оканчивающему учёбу, так как они символизировали «выход в открытое житейское море».

В 17..19 м веках искусство икэбаны получило широкое распространение, возник обычай обязательного обучения девушек искусству составления букетов. Однако из-за популярности икэбаны композиции упростились, пришлось отказаться от строгих правил стиля рикка в пользу нагэирэ , из которого выделился ещё один новый стиль сэйка или сёка (живые цветы ). В конце 19 го века мастер Охара Усин создал стиль морибана , основное новшество которого заключалось в том, что цветы размещались в широких сосудах.

В композиции икэбаны присутствует, как правило, три обязательных элемента, обозначающие три начала: Небо, Землю и Человека. Они могут воплощаться цветком, веткой и травой. Их соотношение друг с другом и дополнительными элементами создаёт разные по стилю и содержанию произведения. Задача художника состоит не только в том, чтобы создать красивую композицию, но и наиболее полно передать в ней собственные раздумья о жизни человека и его месте в мире. Произведения выдающихся мастеров икэбаны могут выражать надежду и грусть, душевную гармонию и печаль.

По традиции в икэбане, обязательно воспроизводится время года, а сочетание растений образует общеизвестные в Японии символические благопожелания: сосна и роза - долголетие; пион и бамбук - процветание и мир; хризантема и орхидея - радость; магнолия - духовная чистота итп .

Искусство: Япония: скульптура: нэцкэ

Миниатюрная скульптура - нэцкэ получила широкое распространение в 18..19 веках как один из видов декоративно-прикладного искусства. Появление её связано с тем, что национальный японский костюм - кимоно - не имеет карманов и все необходимые мелкие предметы (трубка, кисет, коробочка для лекарств итп ) прикрепляются к поясу с помощью брелока-противовеса. Нэцкэ поэтому обязательно имеет отверстие для шнурка, с помощью которого к нему прикрепляется нужный предмет. Брелоки в виде палочки и пуговицы употреблялись и раньше, но с конца 18 го века над созданием нэцкэ уже работали известные мастера, ставившие свою подпись на произведениях.

Нэцкэ - искусство городского сословия, массовое и демократичное. По сюжетам нэцкэ можно судить о духовных запросах, повседневных интересах, нравах и обычаях горожан. Они верили в духов и демонов, которых часто изображали в миниатюрной скульптуре. Они любили фигурки «семи богов счастья», среди которых наиболее популярны были бог богатства Дайкоку и бог счастья Фукуроку. Постоянными сюжетами нэцкэ были следующие: растрескавшийся –баклажан со множеством семян внутри - пожелание большого мужского потомства, две уточки - символ семейного счастья. Огромное число нэцкэ посвящено бытовым темам и повседневной жизни города. Это бродячие актёры и фокусники, уличные торговцы, женщины за разными занятиями, странствующие монахи, борцы, даже голландцы в их экзотической, с точки зрения японцев, одежде - широкополых шляпах, камзолах и брюках.

Отличаясь тематическим разнообразием, нэцкэ сохраняли свою изначальную функцию брелока, и это предназначение диктовало мастерам компактную форму без хрупких выступающих деталей, округлённую, приятную на ощупь. С этим связан и выбор материала: не очень тяжёлого, прочного, состоящего из одного куска. Самыми распространёнными материалами были разные породы дерева, слоновая кость, керамика, лак и металл.

Искусство: Япония: живопись и графика

Японская живопись очень разнообразна не только по содержанию, но и по формам: это настенные росписи, картины-ширмы, вертикальные и горизонтальные свитки, исполнявшиеся на шёлке и бумаге, альбомные листы и веера.

О древней живописи можно судить лишь по упоминаниям в письменных документах. Самые ранние из сохранившихся выдающихся произведений относятся к периоду Хэйан (794..1185 годы). Это иллюстрации знаменитой «Повести о принце Гэндзи» писательницы Мурасаки Сикибу. Иллюстрации были выполнены на нескольких горизонтальных свитках и дополнены текстом. Их приписывают кисти художника Фудзивара Такаёси (первая половина 12 века).

Характерной особенностью культуры той эпохи, созданной довольно узким кругом аристократического сословия, был культ красоты, стремление найти во всех проявлениях материальной и духовной жизни свойственное им очарование, под час неуловимое и ускользающие. Живопись того времени, получившая в последствии название ямато-э (в буквальном переводе японская живопись ), передавала не действие, а состояние души.

Когда пришли к власти суровые и мужественные представители военного сословия, наступил закат культуры Хэйанской эпохи. В живописи на свитках утвердилось повествовательное начало: это полные драматических эпизодов легенды о чудесах, жизнеописания проповедников буддийской веры, сцены сражений воинов.

В 14..15 веках под воздействием учения секты Дзэн с его особым вниманием к природе начала развиваться пейзажная живопись (первоначально под влиянием китайских образцов).

В течение полутора веков японские художники осваивали китайскую художественную систему, сделав одноцветную пейзажную живопись достоянием национального искусства. Её наивысший расцвет связан с именем выдающегося мастера Тоё Ода (1420..1506), больше известного под псевдонимом Сэссю. В своих пейзажах он, пользуясь одними лишь тончайшими оттенками чёрной туши, сумел отразить всю многоцветность мира природы и её бесчисленных состояний: насыщенную влагой атмосферу ранней весны, невидимый, но ощущаемый ветер и холодный осенний дождь, неподвижную застылость зимы.

16 столетие открывает эпоху так называемого позднего Средневековья, продолжавшегося три с половиной столетия. В это время получили распространение настенные росписи, украшавшие дворцы правителей страны и крупных феодалов. Одним из основоположников нового направления в живописи был знаменитый мастер Кано Эйтоку, живший во второй половине 16 века. Гравюра на дереве (ксилография), расцвет которой относится к 18..19 векам, стало ещё одним видом изобразительного искусства Средневековья. Гравюру, как и жанровую живопись, назвали укиё-э (картины повседневного мира). В создании гравюры помимо художника, который создавал рисунок и писал своё имя на готовом листе, участвовали резчик и печатник. Сначала гравюра была однотонной, её раскрашивал от руки сам художник или покупатель. Затем изобрели печать в два цвета, а в 1765 художник Судзуки Харунобу (1725..1770) впервые применил многоцветную печать. Для этого резчик накладывал на специально подготовленную доску продольного распила (из древесины груши, вишни или японского самшита) кальку с рисунком и вырезал необходимое количество печатных досок в зависимости от цветового решения гравюры. Иногда их было больше 30 и. После этого печатник, подбирая нужные оттенки, на особой бумаге делал оттиски. Его мастерство состояло в том, чтобы добиться точного совпадения контуров каждого цвета, получаемых с разных деревянных досок.

Все гравюры подразделялись на две группы: театральные, на которых изображали актёров японского классического театра Кабуки в различных ролях, и бытописательные, посвященные изображению красавиц и сцен из их жизни. Самым знаменитым мастером театральной гравюры был Тосюсяй Сяраку, который крупным планом изображал лица актёров, подчёркивая особенности исполнявшейся ими роли, характерные черты человека, перевоплотившегося в персонаж пьесы: гнев, страх, жестокость, коварство.

В бытописательной гравюре прославились такие выдающиеся художники как Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро. Утамаро был создателем женских образов, воплощавших национальный идеал красоты. Его героини как будто застыли на мгновение и сейчас продолжат своё плавное грациозное движение. Но эта пауза - наиболее выразительный момент, когда наклон головы, жест руки, силуэт фигуры передают чувства, которым они живут.

Самым известным мастером гравюры был гениальный художник Кацусика Хокусай (1776..1849). Творчество Хокусая основывается на многовековой живописной культуре Японии. Хокусай исполнил более 30 000 рисунков и проиллюстрировал около 500 книг. Будучи уже семидесятилетним стариком, Хокусай создал одно из самых значительных произведений - серию «36 видов Фудзи», позволяющую поставить его в один ряд с самыми выдающимися художниками мирового искусства. Показывая гору Фудзи - национальный символ Японии - из разных мест, Хокусай впервые раскрывает образ родины и образ народа в их единстве. Художник увидел жизнь как единый процесс во всём многообразии её проявлений, начиная от простых чувств человека, его повседневной деятельности и заканчивая окружающей природой с её стихиями и красотой. Творчество Хокусая, вобравшее в себя многовековой опыт искусства своего народа, - последняя вершина в художественной культуре средневековой Японии, её замечательный итог.

Искусство: Япония: источники информации

Microsoft Encarta 97 Encyclopedia World English Edition . Корпорация «Microsoft Corp.», Редмонд, 1996 год;

Ресурсы Интернета (Worldwide Web);

«Энциклопедия для детей», том 6 («Религии мира»), часть вторая. Издательство «Аванта+», Москва, 1996 год;

«Энциклопедия для детей», том 7 («Искусство»), часть первая. Издательство «Аванта+», Москва, 1997 год;

Энциклопедия «Мифы народов мира». Издательство «Советская энциклопедия», Москва, 1991 год.

Искусство: Япония: глоссарий

Гравюра - вид графики , в котором изображение является печатным оттиском рисунка, нанесённого на доску из дерева, линолеума, металла, камня; само изображение на дереве, линолеуме, картоне итп .

Икэбана («живые цветы») - японское искусство составления букетов; сам букет, составленный по принципам икэбаны.

Кóндо (Золотой Зал) - главный храм буддийского японского монастырского комплекса; позднее стал называться Хондо.

Каидзýма - в японской архитектуре массивная двускатная кровля синтоистского храма; изготовлялась из соломы или коры кипариса, позже - из черепицы.

Ксилография - гравюра на дереве.

Н ´ эцкэ - миниатюрная фигурка из слоновой кости, дерева или других материалов; служила брелоком, с помощью которого к поясу прикреплялись мелкие предметы (например, кошелёк); принадлежность японского национального костюма.

Пáгода - в буддийской архитектуре стран Дальнего Востока и Юго-Восточной Азии многоярусная мемориальная башня-реликварий с нечётным (счастливым) числом ярусов.

Р ´ импа - школа японской живописи 17..18 веков; тяготела к литературным сюжетам прошлых веков; передавала лирические переживания героев.

Реликварий - вместилище для хранения реликвий.

Тянивá («чайный сад») - в архитектуре Японии сад, связанный с чайной церемонией - тяною ; составляет единый ансамбль с чайным павильоном - тясицу.

Тяно ´ ю («чайная церемония») - в духовной жизни Японии философско-эстетический ритуал единения людей, помогающий им выключиться из житейской суеты.

Укиё-э («картины повседневного мира») - школа японской живописи и ксилографии 17..19 веков, отражающая быт и интересы городского населения; наследовала традиции жанровой живописи 15..16 веков.

Хáнива («глиняный круг») - древняя японская погребальная керамика; названа по методу изготовления: вылепленные вручную глиняные кольца накладывают одно на другое; период рассвета - 5..6 века.

Ямато- ´ э («японская живопись») - в изобразительном искусстве Японии с 10..11 веков самостоятельное направление, противопоставленное китайской живописи; воспроизводились сюжеты средневековых японских повестей, романов и дневников; выразительно сочетались силуэты, яркие цветовые пятна, вкрапления золотых и серебряных блёсток.

Искусство Японии, страница 7 из 7

Искусство Индии

Первой цивилизацией на индийской земле была Хараппская культура в долине Инда, процветавшая за 2500 лет до н.э. Прежде чем исчезнуть под натиском арийских племён, она увековечила себя рядом замечательных шедевров скульптуры и градостроительства. Со временем арии завладели всей Северной Индией, но за тысячелетнее владычество не оставили после себя никаких памятников искусства. Основы индийской художественной традиции были заложены лишь в III веке до н.э.

Индийское искусство изначально носило религиозный характер, отражая мировоззрения индуизма, джайнизма и буддизма. Индусы издревле отличались обострённым восприятием окружающего мира, и главное место в их искусстве по праву занимала архитектура.

В древних скульптурах, вышедших из-под резца представителей аскетического буддизма, ещё нет и следа бьющего через край жизнелюбия. Одно время было даже запрещено создавать портретные изображения Будды. Однако после отмены запрета в северо-восточной провинции Гандхара начали появляться изваяния Будды в образе человека, созданные в эллиническом «греко-буддийском» стиле, оказавшем заметное влияние на искусство всего региона.

В провинции Гандхара в первые века н.э. появилась новая художественная школа, соединившая традиционные буддийские каноны с некоторыми чертами греческого искусства, принесённого в Индию войсками Александра Македонского (конец IV века до н.э.). Так, бесчисленные изображения Будды из камня и стука (смесь гипса, мраморной крошки и клея) приобрели характерно удлинённое лицо, широко открытые глаза и тонкий нос.

Сравнительно сдержанный стиль преобладал и в классическую эпоху Гуптов (320-600 гг. н.э.), хотя к этому времени буддизм впитал многие элементы индуистских мифов. К примеру, якшини – лесные божества женского рода – буддистскими ваятелями изображались в облике пышнотелых танцовщиц в манере, весьма далёкой от аскетизма.

В любом из произведений индийского искусства – буддийском или индуистском – изначально заложена в закодированном виде религиозно-философская информация. Так, чрезвычайно важна поза, в которой изображён Будда: медитация или поучения. Существуют канонические особенности облика Будды: удлинённые мочки ушей, деформированные украшениями, которые он носил в молодости, когда был принцем; волосы, собранные в спиралевидные пучки на голове, и т.д. Такие детали дают зрителю ключ, помогающий определить идею и, соответственно, необходимый для общения с божеством ритуал. Индуистское искусство также в значительной мере закодировано. Здесь важна любая, даже мелкая, деталь – поворот головы божества, положение и количество рук, система украшений. Знаменитая статуэтка танцующего бога Шивы – целая энциклопедия индуизма. Каждым прыжком своего танца он создаёт или разрушает Миры; четыре руки означают бесконечное могущество; дуга с язычками пламени – символ космической энергии; маленькая женская фигурка в волосах – богиня реки Ганг и т.д. Зашифрованность смысла свойственна искусству ряда стран Юго-Восточной Азии, входящих в ареал индуистской культуры.

Яркую картинку жизни Древней Индии воссоздают настроение росписи пещерных храмов Аджанты, поражающие красочностью и гармонией многофигурных композиций.

Аджанта – это своеобразный монастырь – университет, где живут и учатся монахи. Храмы Аджанты вытесаны в 29 скалах, которые находятся рядом с красочными берегами реки Вагхаро. Фасады этих скальных храмов относятся к Гупту – периоду роскошных декоративных скульптур.

Скульптурные памятники Аджанты продолжают старые традиции, но формы намного свободны, усовершенствованы. Внутри храма почти всё исписано. Сюжеты живописи взяты из жизни Будды и связаны с мифологическими сценами Старой Индии. Здесь мастерски изображены люди, птицы, звери, растения и цветы.

Индийскою архитектуру можно назвать разновидностью скульптуры, так как многие святилища не возводились из отдельных орнаментов, а высекались из каменного монолита и по ходу работ покрывались богатейшим ковром скульптурных украшений.

С особой силой эта черта проявилась в тысячах храмов, выросших в период возрождения индуизма между 600 и 1200 годами н.э. Похожие на горы многоярусные башни покрыты резными барельефами и статуями, придающими храмам Мамаллапурама и Эллоры на редкость органичный облик.

Влияние буддийского и индуистского искусства ощущается далеко за пределами Индии. Ангкор Ват – крупнейший из множества индуистских храмов, возведённых в Калебодже в Х – ХII веках. Это огромный, обнесённый рвом комплекс из пяти резных конических башен, центральная из которых взметнулась в высь на 60 метров. Среди буддийских храмов не знает себе равных уникальное святилище на холме. Боробудур, что на острове Ява, в котором богатство скульптурного декора подчинено строгому архитектурному замыслу. В других краях – Тибете, Китае и Японии – буддизм тоже дал начало высокоразвитым и самобытным художественным традициям.

Значительные перемены в традициях художественного творчества произошли с распространением новой религии – ислама, принесённого в Индию арабскими завоевателями ещё в VIII веке. Своего апогея влияние исламской культуры достигло при Великих Моголах, правивших большей частью Индии с XVI века. Возведением великолепных мечетей и усыпальниц прославились султан Акбар (1556 – 1605) и его приемники – Джан-Игр и Шах-Джахан.

Тадж-Махал – жемчужина индийской архитектуры. Скорбя по умершей при родах супруге, император Шах-Джахан возвёл в Агре этот беломраморный мавзолей, искусно украшенный мозаикой из драгоценных камней. Окружённая садом царская усыпальница расположена на берегу реки Джамны. Беломраморное здание поднято на семиметровом постаменте. В плане оно представляет восьми угольник, точнее квадрат со срезанными углами. Все фасады прорезаны высокими и глубокими нишами. Мавзолей увенчан круглым «луковичным» куполом, за лёгкость и стройность сравнивавшимся поэтами с «облаком, опирающимся на воздушный трон». Его внушительный объём подчёркивается четырьмя небольшими куполами минаретов, стоящих по краям платформы. Внутреннее пространство невелико и занято двумя кенотафами (ложными гробницами) Мумтаз и самого Шах-Джахана. Сами захоронения в склепе под зданиями.

При Моголах наступил расцвет пришедшего из Персии искусства миниатюры. Термином «миниатюра» принято называть живописные книжные иллюстрации любого формата. К их созданию султан Акбар привлёк художников со всей Индии, в том числе индусов. В придворных мастерских сложился энергичный светский стиль, во многом отличавшийся от декоративной персидской традиции. Сверкающие, словно самоцветы, полные динамизма миниатюры эпохи Моголов открывают перед нами поразительно живую картину индийской жизни до воцарения фанатичного Аурангзеба (1658-1707).

Искусство Китая

Китайская цивилизация единственная из всех сохранила многовековую преемственность культурных традиций. Некоторые типично китайские черты – пристрастие к игре полутонов и шелковистой фактуре нефрита – уходят корнями ещё в доисторические времена. Великое китайское искусство зародилось примерно за 1500 лет до н.э., в эпоху династии Шан-Инь, с возникновением иероглифического письма и приобретением верховным правителем божественного статуса «сына неба».

К этому длящемуся 500 лет периоду относятся великое многообразие массивных, мрачноватых бронзовых сосудов для жертвоприношений предкам, украшенный отвлечёнными символами. На самом деле это предельно стилизованные изображения мифических существ, в том числе драконов. Присущий многим цивилизациям культ предков занял главное место в верованиях китайцев. Однако в искусстве позднейших веков дух магической таинственности постепенно уступил место холодной созерцательности.

В эпоху Шан-Инь начал формироваться старый опаясывающий план городов (Аньян), в центре которых строили дворец владыки и храм. Жилые дома и дворец строили из твёрдой смеси земли (лёсс) и деревянной добавки без камней. Появились пиктография и иероглифические записи, основы лунного календаря. Именно в это время сформировался стиль орнамента, сохранившийся ещё долгие века. Простая бронзовая посуда снаружи украшалась символическими образами, а внутри – иероглифическими записями, с именами знатных людей или дарственными надписями. В этот период символические образы далеки от реальности и отличались абстрактной формой.

Система религиозно – философского даосизма и конфуцианства сделали большой вклад в культуру и искусство. В середине первого тысячелетия до н.э. сформировались основные принципы архитектуры и планировки городов. Строили много фортификационных сооружений, отдельные защитные стены с севера империи стали объединяться в одну сплошную Великую китайскую стену (3 век до н.э. – 15 век; высота от 5 до 10 метров, ширина от 5 до 8 метров и длина 5000 км.) с четырёхугольными охранными башнями. Формируются каркасные конструкции, деревянная (позже кирпичная) типы прямоугольного плана строения. Двускатные крыши построек покрылись соломой (позже черепицей). Распространяются подземные двухэтажные мавзолеи. Их стены и потолки украшались стенной живописью, инкрустацией, около ставились каменные статуи фантастических животных. Появились характерные виды китайской живописи.

После многовековых междоусобиц Китай был объединён императором династии Цинь (ок. 221 – 209 гг. до н.э.). О маниакальной жажде самовозвеличения этого владыки говорит уникальная археологическая находка. Сделанная в 1974 г.: в гробнице императора обнаружили целую армию терракотовых (из неглазурованной керамики) воинов в человеческий рост, призванных служить ему в загробной жизни.

За годы правления династии Хань (209 г. до н.э. – 270 г. н.э.) Китай превратился в огромную империю со сложной социальной структурой. Конфуцианство – этическое учение, проповедовавшее умеренность и верность семейному и гражданскому долгу, оказало глубокое влияние на мировоззрение китайцев, особенно на касту учёных чиновников, сформированную системой экзаменов на допуск к государственной службе. Чиновники, часто будучи художниками и поэтами, играли заметную роль в развитии китайского искусства. Новые элементы были привнесены даосизмом – близким к природе интуитивно – магическим учением, возникшим в эпоху Хань.

Ханьское искусство дошло до нас прежде всего в виде погребальных даров – одежды, украшений и косметики, а также бронзовых и керамических статуэток, барельефов и фигурной черепицы. Пришедшей из Индии буддизм вдохновил китайских мастеров на поиск новых форм и художественных приёмов, проявившихся в высеченных на индийский манер пещерных храмах и статуях Юныгана.

Судя по немногочисленным дошедшим до нас памятникам, в эпоху Хань сложились прочные традиции живописи, отличавшейся удивительной лёгкостью и свободой кисти. Впоследствии живопись стала поистине массовым искусством, и за многие века Китай дал миру немало выдающихся художников, школ и течений. Тонкое восприятие красоты окружающей природы вывело на первый план жанр пейзажа, особенно горного, значение которого в китайском искусстве очень велико – данный жанр не имеет аналогов в культурах. Картины нередко создавались как иллюстрации к поэмам или другим произведениям, а безукоризненная каллиграфия надписей сама по себе почиталась как искусство.

Хотя керамика производилась в Китае не одну тысячу лет, в эпоху Тан (618-906) данное ремесло обрело черты подлинного искусства. Именно в это время появились новые формы и цветная глазурь, придававшая изделиям красочный вид. К числу наиболее известных памятников этой династии принадлежат погребальные керамические статуэтки людей и животных, не уступавшие по выразительности крупным структурным формам. Особой красотой и экспрессией отличаются прекрасные конные фигурки эпохи Тан.

На заре эпохи Тан китайцы овладели секретом изготовления фарфора. Этот тонкий, твёрдый, полупрозрачный, белоснежный материал не имел себе равных по изяществу, которое было доведено до совершенства изысканной отделкой в эпоху Сун (960-1260) и при последующих династиях. Знаменитый бело-голубой фарфор изготавливался в эпоху монгольской династии Юань (1260-1368).

Большую роль в истории китайской культуры сыграла древняя китайская книга мудрости и предсказания судьбы, называемая «книга перемен». Здесь мир понимается как своеобразный зародыш, внутри которого соединялись мужская светлая сила – янь и женская тёмная – инь. Эти два начала не существуют один без другого. «Книга перемен» имела большое влияние на дальнейшее развитие эстетической мысли и китайского искусства.

В начале эпохи Сун китайцы стали коллекционировать произведения искусства минувших династий, а художники нередко возрождали стили древних времён. Впрочем, искусство эпохи Мин (1368-1644) и ранней эпохи Цин (1644-1912) ценно само по себе, несмотря на постепенное угасание творческой энергии.

В период династии Мин и Цин формировались симметричные, правильного плана города с внутренней и внешней частью. Почти заново перестроена столица Пекин. Прикладное искусство достигло такого уровня, что создало образ Китая в Европе.

Искусство Японии

Из века в век Япония развивалась обособленно от всех цивилизаций, за исключением Китая. Рост китайского влияния начался в V-VI вв., когда вместе с новой системой государственного правления в Японию с континента пришли письменность, буддизм и различные искусства. Японцы всегда умели впитывать иноземные новшества, придавая им национальные черты. К примеру, японская скульптура придавала куда большее значение портретному сходству, нежели китайская.

Развитию японской живописи способствовали контакты с континентом, откуда в начале VII века было позаимствовано искусство изготовления красок, бумаги и туши.

Большое значение для судеб японской живописи, равно как и скульптуры, имело распространение в стране буддизма, поскольку потребности буддийской культовой практики создавали определённый спрос на произведения этих видов искусства. Так, с Х века с целью распространения среди верующих знаний о событиях буддийской священной истории в массовом порядке создавались так называемые эмакимоно (длинные горизонтальные свитки), на которых изображались сцены из буддийской священной истории или из связанных с нею притч.

Японская живопись в VII веке была весьма ещё проста и безыскусна. Представления о ней дают росписи на ковчеге Тамамуси из храма Хорюдзи, отображавшие те же сцены, которые воспроизводились на эмакимоно. Росписи выполнены красной, зелёной и жёлтой краской на чёрном фоне. Некоторые росписи на стенах храмов, относящиеся к VII веку, имеют много общего с аналогичными росписями в Индии.

С VII века в Японии начинается развитие жанровой и пейзажной живописи. До наших дней дошла ширма под условным названием «Женщина с птичьими перьями». На ширме изображена женщина, стоящая под деревом, волосы и кимоно её украшены перьями. Рисунок исполнен лёгкими, струящимися линиями.

Первоначально японские художники, от части в связи с характером тематики, над которой они работали (буддийская живопись), находились под сильным китайским влиянием: писали в китайском стиле, или стиле кара-э. Но со временем в противовес картинам в китайском стиле кара-э стали появляться светские по тематике картины в японском силе, или стиле ямато-э (живопись Ямато). В X-XII веках стиль ямато-э стал господствующим в живописи, хотя произведения сугубо религиозного характера всё ещё писались в китайском стиле. В этот период получила распространение техника нанесения контуров рисунка мельчайшей золотой фольгой.

Одним из образцов исторической живописи эпохи Камакура является знаменитый свиток XIII века «Хэйдзи-моногатари», на котором запечатлено восстание, поднятое в 1159 г. главой крупного самурайского клана Ёсимото Минамото. Как и миниатюры в древнерусских летописях, свитки, подобные «Хэйдзи-моногатари», являются не только выдающимися памятниками искусства, но и историческими свидетельствами. Соединяя текст и изображение, они воспроизводили по горячим следам бурные события княжеских усобиц второй половины XII века, воспевали военные подвиги и высокие моральные качества вышедшего на арену истории нового военно-дворянского сословия – самураев.

Величайшим художником периода Муромати является Сэссю (1420-1506), который создал свой собственный стиль. Ему принадлежит выдающееся произведение японской живописи «Длинный пейзажный свиток», датированное 1486 г., имеющее в длину 17 м при ширине 4 м. На свитке изображены четыре времени года. Сэссю был отличный портретист, о чём свидетельствует написанный им портрет Масуда Канэтака.

В последние десятилетия периода Муромати происходит процесс интенсивной профессионализации живописи. В начале XVI века возникает знаменитая школа Кано, основанная Кано Масанобу (1434-1530), который заложил основы декоративного направления в живописи. Одним из ранних произведений жанровой живописи школы Кано является роспись художником Хидзёри ширмы на тему «Любование клёнами в Такао».

С конца XVI века основными формами живописи становятся стенопись, картины на складных ширмах. Произведения живописи украшают дворцы аристократов, дома горожан, монастыри и храмы. Развивается стиль декоративных панно – да-ми-э. Такие панно писали сочными красками на золотой фольге.

Признаком высокого уровня развития живописи является существование в конце XVI века ряда живописных школ, в том числе Кано, Тоса, Ункоку, Сога, Хасэгава, Кайхо.

В течение XVII-XIX веков исчезает ряд некогда прославленных школ, но их место занимают новые, такие как школа гравюры на дереве укиё-э, школы Маруяма-Сидзе, Нанга, европейской живописи. Центрами культуры и искусства позднего средневековья (оно затянулся в Японии практически до XIX века) становятся наряду с древними городами Нара и Киото новая столица Эдо (современный Токио), Осака, Нагасаки и др.

Искусство эпохи Эдо (1615-1868) характеризуется особым демократизмом и сочетанием художественного и функционального. Примером такого сочетания является живопись на ширмах. Именно на парных ширмах написаны «Красные и белые цветы сливы» - самое значительное и знаменитое из сохранившихся произведений великого художника Огата Корина (1658-1716), шедевр, по праву причисляемый к лучшим созданиям не только японской, но и мировой живописи.

Одним из наиболее популярных жанров японской мелкой пластики были нэцкэ. В нэцкэ преломился художественный канон средневековья в сочетании с ренесеансной раскованностью искусств в эпоху Эдо. Эти произведения миниатюрной пластики как бы сфокусировали в себе тысячелетия пластического опыта Японии: от диковатых догу Дзёмона, ханива Поздних Курганов до канонической культуры средневековья, каменных будд и живого дерева Энку. Из классического наследия заимствовали мастера нэцкэ богатство экспрессии, чувство меры, завершённость и точность композиции, совершенство деталей.

Материал для нэцкэ был самым различным: дерево, слоновая кость, металл, янтарь, лак, фарфор. Над каждой вещью мастер трудился иногда целые годы. Тематика их варьировалась безгранично: изображения людей, животных, богов, исторических лиц, персонажей народных поверий. Расцвет того чисто городского прикладного искусства приходится на вторую половину XVIII века.

В своё время в прошлом столетии, Европа, а затем и Россия именно через гравюру впервые познакомилась с феноменом японского искусства. Мастера укиё-э добивались максимально простоты и доходчивости как в выборе сюжетов, так и в их воплощении. Сюжетами гравюр были в основном жанровые сценки из повседневной жизни города и его обитателей: торговцев, артистов, гейш.

Укиё-э, как особая художественная школа, выдвинула целый ряд первоклассных мастеров. Начальный этап в развитии сюжетной гравюры связан с именем Хисикава Моронобу (1618-1694). Первым мастером многоцветной гравюры был Судзуки Харанобу, творивший в середине XVIII века. Главные мотивы его творчества – лирические сцены с преимущественным влиянием не к действию, а к передаче чувств и настроений: нежности, грусти, любви.

Подобно древнему изысканному искусству эпохи Хэйан, мастера укиё-э возрождали в новой городской среде своеобразный культ утончённой женской красоты, с той только разницей, что вместо горных хэйанских аристократок героинями гравюр стали изящные гейши из увеселительных кварталов Эдо.

Художник Утамаро (1753-1806) представляет собой, может быть, уникальный в истории мировой живописи пример мастера, безраздельно посвятившего своё творчество изображению женщин – в разных жизненных обстоятельствах, в разнообразных позах и туалетах. Одна из лучших его работ – «Гейша Осама».

Высочайшего уровня жанр японской гравюры достиг в творчестве Кацусика Хокусая (1760-1849). Ему свойственны неизвестные ранее в японском искусстве полнота охвата жизни, интерес ко всем её сторонам – от случайной уличной сцены до величественных явлений природы.

В возрасте 70 лет Хокусай создаёт свою самую знаменитую серию гравюр «36 видов Фудзи», за нею последовали серии «Мосты», «Большие цветы», «Путешествия по водопадам страны», альбом «100 видов Фудзи». Каждая гравюра – ценный памятник живописного искусства, а серии в целом дают глубокую своеобразную концепцию бытия, мироздания, места человека в нём, традиционную в лучшем смысле слова, т.е. укоренённую в тысячелетней истории японского художественного мышления, и совершенно новаторскую, временами дерзкую, по средствам исполнения.

Творчество Хокусая достойно связывает многовековые художественные традиции Японии с современными установками художественного творчества и его восприятия. Блистательно возродив пейзажный жанр, давший в средние века такие шедевры, как «Зимний пейзаж» Сэссю, Хокусай вывел его из канона средневековья прямо в художественную практику XIX-XX веков, оказав и оказывая влияние не только на французских импрессионистов и постимпрессионистов (Ван Гога, Гогена, Матисса), но и на русских художников «Мира искусства» и другие, уже современные школы.

Искусство цветной гравюры укиёэ явилось в целом прекрасным итогом, и, может быть, даже своеобразным завершением неповторимых путей японского изобразительного искусства.



Малая история искусств. Искусство стран Дальнего Востока. Виноградова Н.А., Николаева Н.С.

М.: 1979. - 374 с.

Настоящий том "Малой истории искусств" посвящен искусству стран Дальнего Востока. Он принадлежит перу советских исследователей Н. Виноградовой и Н. Николаевой. На огромной территории, условно обозначаемой как Дальний Восток, развивалась яркая и самобытная культура, оставившая выдающиеся произведения человеческого гения в литературе, философии, изобразительном искусстве. На материале архитектуры, скульптуры, живописи и декоративных ремесел Китая, Кореи, Японии и Монголии, охватывающем хронологические рамки от глубокой древности до конца XIX века, авторы убедительно показывают, что искусство стран Дальнего Востока, не будучи изолированным от историко-культурного процесса, подчиняясь его самым общим законам, в то же время представляет собой самостоятельное явление в мировом искусстве. Книга снабжена научным аппаратом - синхронистической таблицей, словарем, библиографией. Богато иллюстрирована цветными и тоновыми иллюстрациями.

Формат: pdf

Размер: 24 Мб

Скачать: yandex.disk

СОДЕРЖАНИЕ
6 Предисловие Я. С. Николаева
9 КИТАЙ Н.А.Виноградова
10 Введение
16 Искусство древнейшего и древнего периодов (IV тыс. до н. э. - III в. н.э.)
31 Искусство IV-VI веков
47 Искусство VII-XIII веков
117 Искусство конца XIII-XIV века
125 Искусство конца XIV-XIX века
153 КОРЕЯ Н. А. Виноградова
154 Введение
158 Искусство древнейшего и древнего периодов (III тыс. до н. э. -первые века до н. э.)
163 Искусство периода трех государств - Когурё, Пэкче и Силла (первые века до н. э. - VII в. н. э.)
177 Искусство VIII-IX веков. Период объединенного Силла
189 Искусство Х-XIV веков. Период Коре
196 Искусство XIV - начала XIX века
207 ЯПОНИЯ Н. С. Николаева
208 Введение
211 Искусство древнейшего и древнего периодов (IV тыс. до н. э. - VI в. н. э.)
220 Искусство VI-VIII веков
242 Искусство IX-XII веков
263 Искусство XIII-XV веков
289 Искусство XVI - начала XVII века
306 Искусство второй половины XVII-XIX века
329 МОНГОЛИЯ Н.А.Виноградова
330 Введение
333 Искусство древнейшего и древнего периодов
337 Искусство феодального периода (XIII - начало XX века)
353 ПРИЛОЖЕНИЯ
354 Словарь терминов
357 Синхронистическая таблица
367 Краткая библиография
371 Указатель имен
художников и архитекторов

Настоящий том посвящен истории искусства народов Китая, Кореи, Японии и Монголии с древности до XIX века. На протяжении нескольких тысячелетий на огромной территории, условно обозначаемой как Дальний Восток, развивалась яркая и самобытная культура, оставившая выдающиеся произведения человеческого гения в литературе, философии, изобразительных искусствах, архитектуре.
Рассматриваемый в книге длительный исторический период включает два последовательно сменявших друг друга типа культуры - древнюю и средневековую. Уже в древности народами Дальнего Востока были созданы значительные памятники духовной и материальной культуры. Но их главный вклад в культуру человечества - выдающиеся произведения живописи, скульптуры, архитектуры и декоративных искусств, созданные в эпоху средневековья.

Официальная история организации началась в октябре 1938 года по инициативе В. В. Безродного. Художник, педагог и общественный деятель Василий Васильевич Безродный закончил Санкт-Петербургскую академию художеств им. И. Е. Репина, факультет театрального оформления. По оценкам современников он был современно мыслящим, обладающим знаниями и высокой художественной культурой человеком.

Во Владивостоке тех лет высшее художественное образование было редким явлением. Профессиональные навыки и видение искусства В. В. Безродного формировалось в бывшей императорской академии художеств, где в то время преподавали А. П. Остроумова-Лебедева, И. И. Бродский, М. П. Бобышев, Б. В. Иогансон, Д. Н. Кардовский.

Об атмосфере в академии тех лет позволяет судить специальный зал, открытый в 2013 году в Научно-исследовательском музее Российской Академии художеств (НИМ РАХ) в Санкт-Петербурге. Это зал, посвященный Академии художеств в один из сложных для нее периодов – 1920- начало 1930‑х годов, когда здесь существовала необычная, пестрая картина разнообразных, иногда взаимоисключающих направлений. Это повлияло на становление художника.

Одним из качеств В. В. Безродного, сформированных в то время, можно назвать многогранность его творческой натуры. Это сказалось и на атмосфере во вновь созданной в Приморье организации, и на характере деятельности самого В. В. Безродного, занимавшегося не только делами местного союза художников, но и стремящегося наладить художественное образование.

О первых шагах Приморской организации художников В. И. Кандыба писал следующее: «10 октября 1938 года впервые в истории края собрались вместе художники из разных мест Приморья.

Это собрание стало учредительным. Его результат – образование организационного комитета Союза приморских художников, который 1 августа 1939 года был взят на учет оргкомитетом Союза советских художников в Москве.

Председателем избрали В. В. Безродного, заместителем председателя и председателем выставочного комитета – В. Ф. Иноземцева, техническим секретарем – Т. Г. Алешунина приморские художники взяли за образец передвижническую «Артель свободных художников», переняв прежде всего формы творческого общения. Знаменитые «четверги» у Н. И. Крамского с рисованием, разговорами об искусстве преобразились во Владивостоке в студию повышения квалификации для художников. Были регулярные встречи, работа над собой. Здесь царил студийный, неповторимый дух товарищества, солидарности, энтузиазма и творческой устремленности. Недаром уже в 1939 году по плану оргкомитета открылась совместная выставка работ художников Приморья. В ней участвовали 18 человек со 120 работами».

В состав творческой организации вошли И. А. Зырянов, П. В. Мулдин, О. Я. Богашевская-Сушкова, С. С. Сережин, М. А. Цыганов, В. М. Фомин, Н. А. Мазуренко, В. М. Свиридов, Ф. И. Родионов, С. П. Колабухов, Д. С. Будрин, Д. П. Праведников, А. В. Зевин, Т. И. Образков, И. Ф. Палшков (Сучан, с 1972 года – Партизанск), П. П. Медведев (Артем), В. М. Зотов (Уссурийск), С. П. Чайка (Уссурийск), И. С. Дерека (Уссурийск), С. Ф. Арефин (Уссурийск), Ю. Л. Арс (Уссурийск), Г. К. Асланов (Уссурийск).

Члены первого состава организации имели разный образовательный уровень и разный профессиональный опыт. Так, М. А. Цыганов окончил клубно-инструкторское отделение техникума в Ростове, далее работал в клубе полка в качестве художника в период службы в РККА (1932-34), П. В. Мулдин начал творческий путь с ученика художника кинотеатра «Уссури». С. Ф. Арефин получил подготовку в Студии военных художников. И. Ф. Палшков (1887-1954) закончил в 1912 году Центральное училище технического рисования барона Штиглица и имел опыт работы на ситце-набивных фабриках Серпухова, Ивано-Вознесенска, а также опыт участника выставок Общества непартийных художников в Санкт-Петербурге (1914-1915) и получил признание за пейзажи, этюды и графику. В 1916‑м году И. Ф. Палшков принимал участие в устройстве церкви при школе народного искусства императрицы Александры Фёдоровны, за что был пожалован драгоценной булавкой с изображением государственного герба. Но, не смотря на эти различия, художников объединяло одно: в их творчестве отражалась природа и многогранная жизнь Приморского края.

Оргкомитет Товарищества приморских художников в 1939 году работал дома у В. В. Безродного по адресу Пушкинская, 12. Этот дом не сохранился. Во Владивосток В. В. Безродный переезжает из Уссурийска в 1936 году.

Он начинает работать в театре Тихоокеанского флота, создает эскизы декораций и костюмов. Одновременно художник выступает с образовательными инициативами: создает «Студию флотских художников» при Матросском клубе, располагавшемся в то время в здании лютеранской кирхи, где занимаются краснофлотцы и красноармейцы.

В 1939 году в Клубе моряков (сегодня Пушкинский театр, ул. Пушкинская, 27) по инициативе Безродного создается школа-студия, в которой обучались по программе средней художественной школы. Сознание необходимости профессионального (а не студийного образования) побуждает В. В. Безродного проявлять настойчивость в вопросе создания Владивостокского художественного училища. В 1943 году Наркомат просвещения СССР утвердил решение об открытии во Владивостоке художественного училища, директором которого был назначен Т. Г. Алешунин (впоследствии перешедший в организованный в 1962 году Дальневосточный педагогический институт искусств на должность проректора по хозяйственным вопросам). В 1944 году был сделан первый набор студентов, к следующему учебному году 1945‑1946 в училище было два курса живописного и театрального отделений и один – скульптурного.

В 2014 году Владивостокское художественное училище отметило семидесятилетие, и в настоящее время формируется материал для создания альбома, посвященного истории училища и его роли в становлении и развитии художественного образования в Приморском крае и на Дальнем Востоке. В данной статье хотелось бы подчеркнуть связь творческой организации и училища: преподаватели ВХУ того периода В. В. Безродный, Б. Ф. Лобас, В. С. Зданович, Г. М. Цаплин, Ф. Н. Бабанин, К. И. Шебеко, В. И. Прокуров, А. М. Родионов, М. А. Костин, Н. П. Жоголев, Д. П. Косницкий, Ю. А. Земсков и др. и настоящего времени Л. Т. Убираева, С. И. Герасимов, Н. М. Тимофеев, Е. Е. Макеев, Л. А. Козьмина, А. А. Обманец, М. В. Холмогорова, А. П. Жоголева, В. В. Медведев и др. являлись и являются членами Приморской организации Союза художников России.

Со временем организационная и творческая работа Приморской организации художников вышла на качественно новый уровень: краевые художественные выставки стали регулярными, выпускники Владивостокского художественного училища приходили в художественную жизнь. В 1959 году Приморская организация вселилась в новое здание по ул. Алеутской, 14‑а.

Новый, яркий этап начинается в жизни Приморского союза художников в середине 1950‑х. Это годы профессионального становления И. В. Рыбачука, К. И. Шебеко, К. П. Коваля, Н. А. Мазуренко, С. Ф. Арефина, В. Н. Герасименко, Т. М. Кушнарева, В. М. Медведского, В. М. Свиридова, Б. Ф. Лобаса, А. В. Телешов и др. В эти годы появляются первые обзоры творчества приморских художников в журнале «Художник». Общую характеристику этого десятилетия сформулировал В. И. Кандыба: «…это скорее период становления и накопления сил, укоренения на приморской почве молодой поросли художников-начинателей». Роль художников-начинателей в художественном освоении дальневосточной действительности велика.

В конце 1950‑х закладываются те особенности, которые позволили на последующих зональных выставках именовать искусство приморским. Это преобладающая роль пейзажа, стремление к освоению жанра сюжетно-тематической картины, связанной с историей края, характером труда в нем (Приморский край – территория моряков, рыбаков, шахтеров), интерес к теме Севера, Чукотки, Камчатки, Курил.

И. В. Рыбачук, К. И. Шебеко считаются открывателями северной темы не только в дальневосточном, но и в советском искусстве. Выставка «Три мастера» в залах Приморского отделения ВТОО «Союз художников России» в 2014 году с участием И. В. Рыбачука и К. И. Шебеко позволила посмотреть на этот материал с точки зрения современного видения темы в искусстве и еще раз оценить масштаб сделанного. Север притягивал В. М. Медведского, И.А. Ионченкова, Н. Д. Волкова (Уссурийск) и др. художников, побуждая к поискам особых художественных средств адекватного отражения природы и человека Севера.

Другой не менее значительной темой в искусстве приморских художников явилась шикотанская тема. Ставшая предметом новейших исследований в связи с вниманием к отечественному искусству 1960‑х в целом, эта тема оказалась связанной с творчеством более чем двух десятков художников Приморского края и продлилась не одно десятилетие, дав импульс существованию Шикотанской группы. Первый период существования группы связан с именами Ю. И. Волкова, И. А. Кузнецова, В. С. Рачева, Е. Н. Коржа. История создания группы связана с личностью О. Н. Лошакова, после окончания Московского художественного института им. В. И. Сурикова приехавшего во Владивосток для преподавательской работы в художественном училище. Пейзаж, портрет, сюжетно-тематическая картина – эти жанры воплотились в десятках полотен, основным содержанием которых были «природа Дальнего Востока, затем – человек в простых и сильных отношениях с ней». В работах шикотанцев реализовался суровый стиль – направление в искусстве 1960‑х, короткое по времени, но, не смотря на это, повлиявшее на последующее мироощущение советских художников вплоть до конца 1980‑х. Выставки группы прошли во Владивостоке, Москве.

В осенней выставке 2014 года О. Н. Лошаков участвует в качестве почетного гостя.

Период 1960‑х В. И. Кандыба и столичные искусствоведы связывают с развитием сюжетно-тематической картины: «Вторая половина 1960‑х отмечена событием большой важности для приморской живописи – становлением сюжетно-тематической картины. Из редкого, но всегда желанного гостя она превратилась в обязательного завсегдатая большинства наших выставок.

Острый дефицит на нее явно пошел на убыль». В числе «картинщиков» В. И. Бочанцев, Ю. И. Волков, В. Н. Доронин, Н. П. Жоголев, К. И. Шебеко, С. А. Литвинов и др. Вторым жанром, призванным воплотить образ «героя времени» и положительно оцениваемым критикой, был портретный. Важнейшей темой выставки «Советский Дальний Восток», открывшейся в 1965 году во Владивостоке, был рассказ о современнике: «моряки, китобои, рыбаки, строители, оленеводы – вот это золотые россыпи удивительных характеров». В этом жанре работают И. В. Рыбачук, К. И. Шебеко, В. А. Гончаренко, В. Н. Доронин, А. В. Телешов, М. И. Таболкин. Этот период отличается стремлением к широкому охвату тем, отражающих все стороны жизни Приморья и Дальнего Востока. Успехи в этой области связаны с важными событиями в художественной жизни.

В 1962 году был организован Дальневосточный педагогический институт искусств с музыкальным, театральным и художественным факультетами (назывался так до 1992 года, с 1992 по 2000 – Дальневосточный государственный институт искусств, с 2000 – Дальневосточная государственная академия искусств). Этот шаг был обусловлен ситуацией с кадрами в творческих организациях, которую первый ректор института Г. В. Васильев в докладной записке министру культуры РСФСР А. И. Попову назвал «катастрофически плохой». В. А. Гончаренко, декан института, а с 1973 по 1993 ректор, пишет, что открытие вуза во Владивостоке было воспринято художниками (в том числе), как «подарок судьбы, нежданный-негаданный шанс. И, надо сказать, его использовали каждый в полную меру своих сил. Из них (студентов первого выпуска – прим. авт.) вышли яркие художники и замечательные педагоги: Ю.И. Волков, О. П. Григорьев, И. А. Ионченков, Д. П. Косницкий, П. Я. Рогаль, В. А. Снытко, Ю. В. Собченко, В. Н. Старовойтов, Г. М. Цаплин. Особо выделяю С. А. Литвинова, выросшего в нашей Академии, первого профессора от живописи на Дальнем Востоке, целиком и полностью сформированного художественной жизнью Приморья».

Во вновь образованный институт на преподавательскую работу пришли выпускники художественных вузов Ленинграда и Москвы – В. А. Гончаренко, К. И. Шебеко, В. И. Кандыба (искусствовед) – Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина, В. Н. Доронин, В. И. Бочанцев – Московский художественный институт им. В. И. Сурикова. В 1967 году на педагогическую стезю ступили С. А. Литвинов и Ю. В. Собченко из числа выпускников института первого выпуска.

В 1977 году в число преподавателей вошел Н. П. Жоголев (Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина). Их педагогическая и творческая работа, участие в выставках, творчество их учеников сделали художественную жизнь региона «органичной, равноправной, творчески самобытной частью общероссийской жизни». Поступать на живописный факультет в ДВГИИ стали не только выпускники Владивостокского художественного училища, но и училищ Сибири и центральной России (Иркутское, Кемеровское, Благовещенское, Новоалтайское, Ивановское, Рязанское и др.).

Вторым фактором, повлиявшим на развитие художественной жизни, явилась организация зоны «Дальний Восток».

В 1960‑м создается Союз художников Российской Федерации. В 1960‑м в Москве проходит 1‑я республиканская выставка «Советская Россия», а перед ней в местных организациях проходят зональные выставки, в которых участвуют все члены творческих коллективов. Серьезная работа выставочных комитетов способствует большой профессиональной отдаче, также художники получают возможность соотносить свое творчество с творчеством художников других территорий. По итогам зональных выставок производился отбор работ на всероссийский уровень. Эта система сохранялась долгие годы, позволяя войти в общую художественную жизнь страны, и сохраняется сегодня. К слову, Владивосток был трижды местом проведения зональной выставки – в 1967, 1974 и 1985 гг.

Заложенные в 1960‑х годах традиции развивались вплоть до конца 1980‑х. Персональные выставки приморских художников проходят в Москве, альбомы репродукций К. И. Шебеко и К. П. Коваля выходят в серии «Художники Российской Федерации». Успехи приморских художников заключаются не только в живописи, но и в станковой и книжной графике, искусстве плаката (наиболее заметным художником в этом направлении был Е. И. Дацко, который участвует в данной выставке в качестве почетного гостя), скульптуре, декоративно-прикладном и монументальном искусстве.

Так, для Дальневосточного книжного издательства, издательства Дальневосточного государственного университета, издательства «Дальнаука» работает группа художников, внесших замечательный вклад в развитие книжной графики Приморского края, – В. С. Чеботарев, С. М Черкасов, Ф. Г. Зинатулин, Е. И. Петровский, В. И. Воронцов, В. Г. Убираев, С. В. Горбач и др. Так как приехавший преподавать графику в Дальневосточном институте искусств О. Иванов вернулся через 3 года в Ленинград для поступления в аспирантуру, по этой причине «художественный факультет стал исключительно живописным факультетом», подготовку в области графики давало Владивостокское художественное училище. Здесь с 1960 года преподает В. С. Чеботарев, окончивший Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина (мастерская А. Ф. Пахомова по специальности художник-график). В. С. Чеботарев участвует в выставках графическими произведениями. Работает для книжных издательств Дальнего Востока. Подъем приморской графики, который связывают с именем художника, означает, что в этой области искусства начали работать многие его выпускники.

В 1978 году появилась секция декоративно-прикладного искусства в Приморской организации, она объединила художников из Владивостока, Артема, Находки, пос. Кавалерово. В связи с открытием ковровой фабрики и фарфорового завода в Артеме, фабрики сувениров и фарфорового завода во Владивостоке, завода художественной керамики в Спасске-Дальнем в Приморский край приехали молодые, творчески активные художники, закончившие Московское высшее художественно-промышленное училище, Одесское художественное училище им. М. Грекова, Ленинградское высшее художественно-промышленное училище, Московский технологический институт, Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. В. Мухиной, Иркутское училище искусств.

На выставках декоративно-прикладного искусства художники секции экспонировали художественный текстиль (гобелен, батик, макраме), фарфор, керамику, декоративные изделия из металла, дерева, камня с дальневосточными мотивами. В разные годы в секцию входили А. В. Кацук, П. Ф. Федотов, А. С. Песегов, О. П. Григорьев, О. Г. И А. Г. Калюжные, А. П. Онуфриенко, В.Ф. Косенко, В. К. Захаренко (Находка), Т. Г. Матюхина (Артем), Т. Г. Лимоненко, Г. М. Максимюк, Г. Г. Добрынина, Т. М. Суслова и др. В области скульптуры заявили себя Э. В. Барсегов, Н. М. Шайморданова, В. Г. Ненаживин.

В публикациях, посвященных Приморской организации Союза художников России, отмечают равновесие разных жанров живописи, в большом количестве произведений графики, скульптуры, декоративно-прикладного и монументального искусства. Художники Приморья являются авторами хорошего уровня станковых произведений, активно участвуют в региональных, республиканских, всероссийских выставках, вносят вклад в формирование облика города (мозаичные панно, художественные формы в различных районах города, оформление интерьеров и фасадов зданий общественного назначения). В целом 1960‑80‑е годы можно считать периодом формирования многогранного, обладающего своим лицом приморского искусства.

В 1990‑е перемены, произошедшие в общественно-политической жизни страны, отражаются на художественной жизни. Основной тезис этого времени художники, пришедшие в искусство в конце 1980‑х, сформулировали в буклете выставки «Поколение 80‑х»: «Поколению 80‑х выпало время, в котором ему как первопроходцу, позволялось творить вне всякой идеологии, самому по себе… Полная свобода самовыражения, к которой надо, однако, еще привыкнуть. Поколению, выросшему в одном времени, а обязанному жить в другом – сложнее всего. Тут выживают сильнейшие, точнее, одержимые, для которых живопись – это жизнь». Основной проблемой становится с одной стороны поиск возможностей через искусство выразить проблемное видение современной жизни, с другой – стремление к индивидуальности, определяющей место художника в общем ряду. В этот период особую роль играют молодые художники. Их выставки указывают на «существование диаметрально противоположных тенденций и направлений в искусстве, несовместимость установок и вкусов, взаимоисключающих подходов к изображению человека. Палитра эстетических исканий молодых живописцев…усложнилась,…на место ведущего принципа претендует сразу несколько способов интерпретации действительности – от безусловного раскрытия натуры и прямых высказываний о мире до иносказательных образов и символических конструкций, а также целого конгломерата приемов, заимствованных из технических арсеналов современного модернизма». Этот тезис раскрывают выставки творческих групп «Владивосток», «Штиль», «Лик», чья деятельность приходится на конец 1980‑начало 1990‑х.

Одной из знаковых выставок этого времени можно считать 2‑ю выставку молодых художников Дальнего Востока «Территория надежды» (1995, Владивосток). Анализируя представленный материал, В. И. Кандыба пишет: «Мы сейчас болезненно много говорим о трудностях жизни художника в России. Но как хочется, чтобы вопреки им, несмотря ни на что, наш Дальний Восток стал для творчества благословенной территорией надежды. Такой же, какой является для нас эта выставка, излучающая свет молодости и надежды». Что побуждает одного из ведущих искусствоведов Дальнего Востока смотреть в будущее с оптимизмом? Помимо общего прогноза он отмечает работы Л. А. Козьминой, И. Г. и О. Г. Ненаживиной, Е. А. Ткаченко, А.Г. Филатова, И. И. Бутусова и др., хотя и считая их доступными не всем, но отмечая работу с формой и цветом, смыслами и ассоциациями. С точки зрения сегодняшней художники, чьи имена назвал в своей статье В. И. Кандыба, ответили на вызовы времени, их творчество является безусловным тому подтверждением.

Но в 1990‑е эти вызовы приобрели острый характер. Актуальной была проблема новых форм, выдвинутая техническим прогрессом: в художественной жизни формируется актуальное искусство, не связанное с традиционными навыками работы художника. Кризис происходил и в области художественной критики, которая ранее анализировала и обобщала явления художественной жизни, а в новых условиях стала походить на арт-журналистику, хотя и вносящую лепту в создание картины дня, но не способную отразить ситуацию в целом.

Если говорить о творческом союзе, как о хозяйственном организме, кардинальные перемены затронули и эту сферу жизни: художественный фонд, как форма организации занятости художника, в Приморском крае перестает существовать. Безусловно, 1990‑е можно назвать кризисным периодом для искусства региона.

Вместе с тем жизнь побуждает искать новые формы взаимоотношений с социумом. В 1992 году Владивосток утрачивает статус закрытого города-порта, становятся возможными и складываются контакты с художниками других стран. Приморцы начинают участвовать в крупных художественных событиях Азиатско-Тихоокеанского региона и входить в арт-рынок. Появляются негосударственные галереи «Артэтаж» (основатель и директор А. И. Городний), «Арка» (основатель и директор В. Е. Глазкова). Благодаря им формируется первичное понимание фигуры куратора, который выдвигает идею выставки сообразно собственному видению художественного процесса, темы и обеспечивает их реализацию. Следует отметить усилия А. И. Городнего по формированию коллективных выставок с большим количеством участников-членов Союза художников, дающих срез того или иного художественного явления: «110 автопортретов», «Детский портрет», «Владивосток: пейзажи и лица», «Художники в Андреевке» и др. Опыт ведения работы на этих площадках, давших возможность знакомства с искусством художников других регионов России и зарубежных, представляющих актуальное искусство, фотоискусство, безусловно, нуждается в глубоком исследовании и обобщении. В данной статье отметим следующее: и музей «Артэтаж», и галерея «Арка» работали и продолжают работать с художниками-членами Союза художников России. «Артэтаж» является неизменным партнером Приморского отделения в проведении масштабных выставок (Приморская организация ВТОО «Союз художников России»: 70 лет», «Дальневосточная государственная академия искусств: 50 лет», «Художники флоту» и др.)

К 2000‑м годам складывается современная картина художественной жизни. Члены творческого союза активно участвуют в выставках различного уровня в России и за рубежом., в крупнейших арт-ярмарках Азиатско-Тихоокеанского региона (KIAF, Guangzhou Art Fair и др.). Крупные художественные выставки с участием художников Владивостока прошли в рамках саммита АТЭС-2012, Биеннале визуальных искусств Владивостока и др. Художники становятся инициаторами различных акций. Из наиболее значительных можно назвать организованную в середине 1990‑х С. Д. Горбачевым серию арт-круизов на яхте «Аллегро».

Идея создания в 2001 году движения «Дом Пришвина» (руководитель Заслуженный художник Российской Федерации В. И. Олейников), объединившего писателей, художников, краеведов в связи с творческим переосмыслением пребывания М. Пришвина в Приморье, повлекла не только ряд выставок, но и серию творческих встреч в библиотеках Приморского края.

В 2006 В. Ф. Косенко, А. П. Онуфриенко и еще ряд художников, дизайнеров и архитекторов выступили с идеей проекта «Гармония среды», который включил ряд выставок. Наиболее яркой из них получилась выставка «Город, море, ветер, парус» (была приурочена к дню рождения Владивостока). Были представлены монументальное искусство, живопись, графика, декоративно-прикладное искусство, архитектурные и дизайн-проекты. Идея выставки – определить место художника в городской среде. К моменту формирования выставки уже был положительный опыт восстановления железнодорожного вокзала и арки Цесаревича во Владивостоке силами членов Приморской организации Союза художников России. Проект сопровождался серией публикаций в периодической печати, что говорит о попытках не только создания собственно художественного продукта, но формирования общественного мнения (эта идея получила продолжение на современном этапе: в сентябре 2014 года «Альянс-Франсез Владивосток» представил образовательный проект «Современное искусство в архитектуре города», вызвавший большой энтузиазм у студентов, обучающихся на специальностях «архитектура» и «дизайн»). В некотором смысле в 2006 году приморские художники предвосхитили время. А в 2013 году продолжением проекта стало оформление кинотеатра «Владивосток» серией керамических панно Г.Г. Добрыниной и В.Ф. Косенко.

Еще одной интересной инициативой явилось создание некоммерческого Фонда визуальных искусств «МОСТ» в 2009 году, автором которой выступили А. Л. Арсененко и В. Н. Старовойтов. Основным видом деятельности организаторы назвали деятельность в области искусства. Одна из акций фонда «Дары Волхвов» – благотворительная выставка работ приморских художников в музейно-выставочном комплексе ПГОМ им. В. К. Арсеньева на ул. Петра Великого, 6 – по замыслу организаторов проводилась для последующей передачи средств от реализации картин на создание соответствующего пространства в музее для маломобильных групп населения.

Эти примеры говорят о том, что на современном этапе поле творческих исканий художника оказалось расширенным.

Дальневосточная государственная академия искусств также расширяет привычные рамки деятельности. К 2009 году на кафедре живописи формируется новый состав преподавателей. Обновленная кафедра заявляет о себе выставкой в залах Приморской государственной картинной галереи «Окрашено», что само по себе является неординарным шагом. Во вступительной статье к каталогу выставки В. И. Кандыба пишет о том, что за без малого полвека существования академии о коллективной выставке педагогов факультета замысла не возникало. Выставка явилась вехой, означающей смену поколений не только в мастерских, но и в учебных классах академии, в которых в 2009 году преподают И. И. Бутусов, А. В. Глинщиков, А. А. Енин, Е. Е. Макеев, В. В. Медведев, И. Б. Обухов, Н. А. Попович, которые «став членами единого коллектива, художниками и педагогами в одном лице, вместе олицетворяют и творческий потенциал факультета и магистральный путь его развития в будущем».

В 2009 впервые по инициативе Дальневосточной государственной академии искусств проводится международный конкурс для молодых художников «АртВладивосток», который завершается выставкой по итогам. Становятся ежегодными выставки в залах Приморского отделения ВТОО «Союз художников России» и Приморской государственной картинной галереи по итогам пленеров и 2‑го и 3‑го конкурсов «АртВладивосток». В списке выставок и художественных событий молодые художники – недавние выпускники академии указывают пленеры в Санкт-Петербурге, Флоренции, участие во всероссийских художественных акциях (выставка «Это здорово!» в музее «Артэтаж» в рамках подготовки к Олимпиаде-2014).

В период работы председателем А. А. Пыркова усилиями декана живописного факультета Н. А. Попович формируется молодежная секция Приморского отделения ВТОО «Союз художников России».

В настоящее время Приморское отделение ВТОО «Союз художников России» насчитывает 124 человека, включая искусствоведов: доктор искусствоведения В. М. Марков, кандидат искусствоведения О. И. Зотова, Заслуженный работник культуры РФ Л. И. Варламова, Заслуженный работник культуры РФ Н. А. Левданская. Также членом СХР является директор музея «Артэтаж» А. И. Городний.

До 2003 года в состав Приморского отделения ВТОО «Союз художников России» входило Находкинское отделение (сегодня НАХОДКИНСКОЕ ГОРОДСКОЕ ОТДЕЛЕНИЕ ВТОО « С ОЮЗ ХУДОЖНИКОВ Р ОССИИ »). Находкинская группа художников была основана по инициативе руководителей города Находка в 1980 году. Были приглашены и обеспечены жильем выпускники художественных вузов страны: В. В. Захаренко, В. К. Захаренко – выпускники Московского высшего художественно-промышленного училища, В. Е. Ежков – выпускник института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина, Ю. А. Резниченко, Н. П. Саунин – выпускники Дальневосточного института искусств. В 1982 году был приглашен член Союза художников СССР, лауреат премии Приморского комсомола В. П. Лаханский. С 1982 года он был избран членом правления Приморской организации и возглавил творческую группу Находки. В это же время в городе работали художники Н. М. Кублов, В. П. Воднев, В. А. Горбань, В. П. Попов, Ю. И. Тухов, Г. А. Омельченко и др. Так, интересными графическими работами еще в 1980‑х гг. заявила себя О. П. Козич (выпускница Дальневосточного института искусств). Графика Козич отличается точностью композиционного решения, уверенным рисунком, сложной цветовой гаммой. Большой вклад в искусство графики внесли В. П. Быков (в советское время художники много путешествовали по Чукотке, запечатлев Север в сериях графических листов) и Ф. Ф. Конюхов. С Находкой связано творчество Г. А. Омельченко. В 1‑й зональной выставке «Советский Дальний Восток» художник участвовал графической серией «Рыбацкие будни» и «Дальневосточные рубежи», но потом полностью посвятил себя живописи. Находка стала одним из основных сюжетов плакатиста В. А. Горбаня. Заметным явлением было творчество пейзажиста Н. П. Саунина. С 1964 года жил и работал в Находке Н. М. Кублов, главной темой его работ являлась тема любви к малой родине, воплотившейся в богатых по колориту полотнах. С 1983 года в Находке живет и работает скульптор Е. К. Самбурский (окончил Фрунзенское художественное училище, мастерскую Н. И. Ладягина). В 1987 году в Находку были приглашены выпускники Дальневосточного института искусств В. К. и Н. С. Усовы.

Восьмидесятые годы были творчески насыщенным периодом. Ядро группы – молодые художники и члены СХР В. П. Лаханский и Г. А. Омельченко, активно работали в живописи, графике, декоративно-прикладном искусстве. Ежегодные городские выставки (с 1980 года по настоящее время) – в залах Музейно-выставочного центра, в которых участвуют художники разных поколений, привлекают внимание жителей города. Также художники участвуют в краевых, зональных, республиканских и всесоюзных выставках, налаживают международные связи. Так, В. П. Лаханский, В. В. Захаренко, В. П. Быков стали участниками международного проекта в городе Отару (Япония), Г. А. Омельченко, В. П. Лаханский, В. П. Быков явились участниками выставки в городе Майдзуру (Япония), прошли обменные выставки между художниками города Находки и художниками городов Майдзуру и Отару (Япония). Осуществляются творческие поездки на академические дачи СХР, проводятся пленеры, организуются встречи между художниками и зрителями, встречи с учащимися художественных школ города, проводятся конкурсы. В Союз художников приняты художники В. В. Захаренко, В. К. Захаренко, В. П. Быков, Ф. Ф. Конюхов, Н. П. Саунин, Ю. А. Резниченко, В. Е. Ежков, О. П. Козич, В. К. Усов, Н. С. Усова. Благодаря руководству города практически все члены Союза художников были обеспечены творческими мастерскими.

1990‑е оказались для художников Находки такими же кризисными, как и для других. В связи с территориальной отдаленностью города Находки от Владивостока (180 км) и составом членов СХР в городе Находке более 10 человек, по инициативе К. Р. Аварского было принято решение о создании Находкинского отделения СХР. Регистрация Управлением юстиции по Приморскому краю состоялась в июне 2003 года.

До 1990 года в состав Приморской организации входило Уссурийское отделение Союза художников России (сегодня УССУРИЙСКАЯ ГОРОДСКАЯ ОРГАНИЗАЦИЯ ВТОО «СОЮЗ ХУДОЖНИКОВ Р ОССИИ »). Уссурийск является вторым художественным центром Приморского края. Художественные традиции здесь были заложены еще в 1940‑х годах. Уссурийская организация ВТОО «Союз художников России» образовалась 20 июня 1943 года как отделение Приморской организации Союза художников России. 12 марта 1944 года организация открыла 1‑ю выставку уссурийских художников.

Большую роль в создании творческой группы уссурийских художников сыграла Студия военных художников, которую в январе 1940 основали выпускники Академии художеств Санкт-Петербурга братья Фридманы – Овсей Исакович, художественный руководитель студии военных художников, преподаватель факультета батальной живописи в Академии художеств, и Рафаил Исакович, директор студии и художественной мастерской. Для студии и работы художников в Уссурийске было построено специальное здание по ул. Володарского, 42. В военные год студией при доме офицеров руководил А. Н. Ромашкин.

В 1950 годы начали работу художественно-производственные мастерские. Уссурийская организация не была многочисленной: 10‑15 человек составляли ее творческое ядро. Жизнь небольшой организации всегда имеет свои положительные и отрицательные стороны. В данной ситуации положительным явилось то, что компактный коллектив мог увлечь идеей один человек – лидер. В 1950‑х лидером считали С. Ф. Арефина, начавшего участвовать в краевых выставках, начиная с 1940‑х. С. Ф. Арефин вырос в Уссурийске, в годы Великой Отечественной войны служил в штабе Дальневосточного округа, где и закончил курсы военных художников. Вернувшись в Уссурийск, вступил в Союз художников, активно занимался не только творческой, но и общественной работой в организации. В 1966 году художник переезжает во Владивосток и на долгие годы практически отказывается от станковой живописи, став художником театра.

Несомненно, ведущую роль в творческом развитии сыграл К. П. Коваль. Его работы появились на всесоюзных и республиканских выставках в конце 1950‑х. Выпускник Студии военных художников в Уссурийске, главной школой для себя он считал Академическую дачу им. И. Е. Репина. Благодаря творческим заездам на Академичку К. П. Коваля хорошо знали в Москве и называли «Коваль из Уссурийска». Он был замечательным педагогом, продолжив и традицию студийного обучения в Уссурийске, и некоторым образом продолжил педагогическую линию В. В. Безродного на уссурийской земле. Учеников его студии называли «ковалятами». Весь свой щедрый, сильный талант К. П. Коваль посвятил приморскому пейзажу, достоинства которого отмечал мастер-пейзажист А.А. Грицай. Природная одаренность, огромная работоспособность позволили К. П. Ковалю стать высокопрофессиональным художником, личностью, обладавшей «созидательным началом». Благодаря ему появилось определение «уссурийская школа живописи» на выставках дальневосточного региона и общероссийских. Увлекающая сила его дарования сплотила и вдохновила уссурийских художников. Об этом пишет редактор городской газеты Уссурийска М. Дубранов: «Есть люди, которым самой судьбой предначертано оставить сроку в человеческой истории. Из … истории Уссурийска к таким людям без всяких натяжек можно отнести художника Кима Петровича Коваля».

В 1940‑е годы С. Ф. Арефин, Г. К. Асланов, Ю. Л. Арс, В. М. Зотов, С. П. Чайка, С. И. Дерека заложили крепкие основы стабильной художественной жизни города. В 1950‑1970‑е годы к ним присоединились и стали членами Союза художников России Н. П. Борисов, Б. А. Вялков, К. П. Коваль, В. М. Медведский, Н. Я. Грицук, П. Я. Герман, А. В. Ткаченко, Б. Н. Лошкарев, В. А. Лутченко, Н. Д. Волков, В. А. Серов, Г. Г. Лагерев, А. А. Усенко, в 1980‑е – Ю. П. Галютин, О. К. Никитчик, И. Т. Никитчик, А. В. Пихтовников. В 1990‑е организацию пополнили новые члены – Ю. П. Ларионов, М. Р. Пихтовникова, Е. А. Пихтовников, Н. Н. Казанцев, С. В. Горбач, М. П. Соболевский.

18 марта 1985 года состоялось открытие построенного стараниями художников Уссурийска здания Дома художников. Большую роль в этом деле сыграл в том числе А.В. Пихтовников, который возглавлял комиссию по культуре в городском совете депутатов. За вклад в развитие искусства России и Дальнего Востока художникам организации присвоено звание Заслуженный художник РФ и Заслуженный деятель искусств РФ (К. П. Коваль), Заслуженный художник РФ (А. В. Ткаченко, В. А. Серов, Н. Д. Волков, О. К. Никитчик, И. И. Дункай).

С Уссурийской организацией тесно связана тема Творческой дачи в Андреевке. Андреевка, именуемая в художественной среде «дача художников», оказалась удивительно притягательным местом не только для отдыха и рыбалки. Здесь на землях Хасанского района Приморья были продолжены традиции домов творчества центральной полосы России. Одна из них – Академическая дача им. И. Е. Репина в Вышнем Волочке – служила для приморцев и местом общения, и местом обучения, где участниками творческих заездов были и маститые художники Москвы, Ленинграда и других городов Советского Союза, и те, кому еще предстояло стать мастером.

Приморцы проторили в Вышний Волочек постоянную дорогу. На исконно русских землях в тесном общении с известными художниками-шестидесятниками А. А. Грицаем, В. Н. Гавриловым, А. Д. Романычевым, А. П. и С. П. Ткачевыми происходило постижение глубин профессии художника. У каждого в творческом багаже найдется этюд с Академички, где, к слову, они бывают и сегодня, не смотря на кардинально изменившиеся обстоятельства художественной жизни.

В 1970‑е, после серии дальних поездок, было решено сделать свою творческую дачу: «несколько приморских живописцев К. Коваль, А. Ткаченко, А. Телешов, В. Прокуров, В. Медведский впервые приехали в Андреевку. Андреевка – небольшое село на юге Приморья в Хасанском районе, расположенное на берегу бухты Троица Японского моря. Место удивительно красивое. Здесь теперь находится творческая дача «Андреевка». Содержит ее Уссурийская организация Союза художников России. Сюда приезжают работать и отдыхать художники дальнего Востока – Приморья, Хабаровска, Благовещенска, а в добрые времена приезжали художники из Москвы, Ленинграда, Прибалтики, из Центральной России» – пишет референт ВТОО «Союз художников России» Р. П. Кошелева. Редактор газеты нашел место для публикации об Андреевке на странице с рубрикой «В домах творчества» рядом с материалом об Академической даче в Вышнем Волочке, что не случайно. Андреевка явилась местом вдохновения и работы для десятков художников разных поколений и одновременно своего рода связующим звеном с центром России.

В 1990 году при численности 10 человек Уссурийское отделение отделилось от Приморского и приобрело статус самостоятельной организации.

Сегодня Приморское отделение, Находкинская городская и Уссурийская городская организации ВТОО «Союз художников России» тесно взаимодействуют в организации художественных выставок и пленэров в России и за рубежом.

Ольга ЗОТОВА

член ВТОО «Союз художников России»,

ответственный секретарь Приморского отделения

ВТОО «Союз художников России»,

кандидат искусствоведения,

доцент Школы гуманитарных наук ДВФУ

© П РИ КОПИРОВАНИИ И ЦИТИРОВАНИИ МАТЕРИАЛОВ С САЙТА,

В настоящее время на Дальнем Востоке насчитывается двенадцать творческих организаций художников: Приморское отделение ВТОО «Союз художников России» - вторая по численности.

Деятельность организации тесно связана с историей изобразительного искусства не только Приморья и Дальнего Востока, но и всей России.