Umelecké prednosti drámy „The Thunderstorm. Krátky slovník estetiky Umelecké zásluhy

Príbeh

V roku 1240 na tomto mieste vznikol trh, kde sa obchodovalo s obilím v otvorenej lodžii s pilastrami, ktoré chránili pred dažďom. Na pamiatku kostola, ktorý sa na tomto mieste nachádzal, boli na stenách inštalované dva obrazy sv. Michala a Panny Márie. Verilo sa, že ten posledný má zázračnú moc.

Arkády na prízemí zdobené kružbovými oknami

Vonkajšie arkády s bohato zdobenými oknami sa objavili až v roku 1367. Svoju úlohu v dejinách umenia začal kostol zohrávať až v roku 1348, keď sa Európou prehnala prvá vlna moru. Kostol Orsanmichele v tomto období zbohatol: preživší moru darovali farnosti z viny alebo pokánia 350 tisíc florénov, čo prekročilo ročný rozpočet mesta a umožnilo kostolu postaviť veľký svätostánok vyrobený z mramoru. Keďže obchod s obilím nepasoval do veľkolepého svätostánku, ktorý vyrobila Orcagna, trh sa presunul na iné miesto. Od tejto doby slúžilo spodné poschodie Orsanmichele výlučne náboženským účelom a po prvý raz v histórii Florencie ustúpil obchod umeniu. Horné poschodia slúžili ako rezervná sýpka až do začiatku 16. storočia.

V XIV storočí. Budova dostala novú funkciu - stredisko remeselných dielní. V nasledujúcich desaťročiach cechy darovali finančné prostriedky na vytvorenie sôch svojich patrónov a iných svätých, ktoré boli umiestnené v 14 výklenkoch na štyroch vonkajších stenách kostola. Cechy boli dosť bohaté na to, aby si najali známych umelcov: Nanni di Banco, Donatello, Lorenzo Ghiberti a Andrea del Verrocchio.

·

Interiér Orsanmichele

Oltárny tabernákulum v Orsanmichel

Svätého Marka od Donatella

Pochybujúci Thomas od Verrocchio

katolícky kostol
Santa Maria dei Miracoli Santa Maria dei Miracoli
Autor projektu	Lombardo, Pietro
· San Giorgio Maggiore · Santi Giovanni e Paolo · Santa Maria dei Frari · Staviteľ Santa Maria della Salute	Lombardo, Pietro a Lombardo, Tullio
Stavebníctvo	20. februára 1367 - cca. 1422
Bočné kaplnky	Hĺbka 6,96 m a šírka 5,38 m
Relikvie a svätyne	fresky od Masolina, Masaccia a Filippina Lippiho

Kaplnka Brancacci(Taliančina Cappella Brancacci) je kaplnka v kostole Santa Maria del Carmine vo Florencii, ktorý je známy svojimi nástennými maľbami z ranej renesancie. Masacciove fresky v kaplnke Brancacci spôsobili revolúciu v európskom výtvarnom umení a predurčili vektor jeho vývoja na niekoľko storočí dopredu.

Kostol Santa Maria del Carminevo vo Florencii, kde sa nachádza kaplnka Brancacci, rovnako ako mnohé staroveké kostoly, sa vyznačuje mimoriadne nenáročnou fasádou, ktorá sa skrýva vo vnútri skutočnej perly maľby.

Piero di Puvicese Brancacci nariadil 20. februára 1367 postaviť rodinnú kaplnku v kostole Carmine, ktorý sa staval od roku 1268. Následne sa kaplnka Brancacci stala nielen súkromnou rodinnou kaplnkou, ale zohrávala významnú úlohu vo verejnom živote Florencie: bola v nej umiestnená slávna ikona z 13. storočia „Madonna del Popolo“, ktorá bola predmetom verejného uctievania (trofeje Pisanská vojna bola zavesená pred ňou). Preto ako píše V.N Lazareva a obraz, ktorý zdobil kaplnku, obsahoval množstvo jednoznačných narážok na vtedajšie spoločenské udalosti.

Madonna del Popolo

Táto miestnosť vďačí za svoj slávny freskový cyklus potomkovi zakladateľa kaplnky, rivalovi Cosima staršieho de Medici, vplyvného štátnika. Felice Brancacci(Taliančina Felice Brancacci; 1382-cca. 1450), ktorý okolo roku 1422 poveril Masolina a Masaccia vymaľovať kaplnku umiestnenú v pravej priečnej lodi kostola (presné zdokumentované dátumy prác na freskách sa nezachovali). Je známe, že Felice Brancacci sa 15. februára 1423 vrátil z veľvyslanectva v Káhire a krátko nato zamestnal Masolina. On to urobil prvá fáza maľovania: namaľoval dnes už stratené fresky lunety a klenby a potom umelec odišiel do Maďarska. Kedy to začalo druhá fáza maľovania, nie je s určitosťou známe - Masolino sa vrátil z Uhorska až v júli 1427, no možno jeho pracovný partner Masaccio začal pracovať ešte pred jeho návratom, v 1. pol. 20. roky 15. storočia

Práce na freskách boli prerušené v roku 1436 po návrate Cosima staršieho z exilu. Felice Brancacci bol ním v roku 1435 uväznený na desať rokov väzenia v Kapodistrias, po ktorom bol v roku 1458 vyhlásený za rebela aj s konfiškáciou všetkého majetku. Výmaľba kaplnky bola dokončená až o pol storočia neskôr, tretia etapa, v roku 1480 od umelca Filippina Lippiho, ktorému sa podarilo zachovať štýlové črty spôsobu svojich predchodcov, dôsledne kopírujúc. (Navyše, podľa súčasníkov sa sám chcel stať umelcom už v detstve po tom, čo videl fresky v tejto kaplnke).

Kaplnka patrila rodine Brancacciovcov viac ako štyristo rokov – až do 18. augusta 1780, kedy marky z Ricordi podpísali dohodu o odkúpení patrocínia za 2000 scudi. V 18. storočí boli fresky viackrát reštaurované a v roku 1771 ich značne poškodili sadze pri veľkom požiari. Reštaurácie sa realizovali začiatkom 20. storočia a v 40-50 rokoch. V roku 1988 sa uskutočnili záverečné rozsiahle reštaurátorské a vypratávacie práce.

Ako uvádza Lazarev, reštaurovanie z 18. storočia sa dotklo nielen maľby, ale aj architektúry miestnosti: zmenilo sa dvojkrídlové lancetové okno (bifórium), pod ktorým sa nachádzal oltár a ktoré siahalo až na vrchol. na obdĺžnikové okno, vstupný oblúk do kaplnky bol upravený z lancetového na polkruhový, úpravou prešla aj rebrová klenba a lunety. Kedysi architektúra kaplnky vyzerala viac „goticky“ ako dnes.

Popis

Masaccio. „Vyhnanie z raja“ (fragment, pred reštaurovaním)

Michelino da Besozzo, „Zasnúbenie sv. Catherine"- obraz namaľovaný aj v 20. rokoch 14. storočia, príklad medzinárodného gotického štýlu, v porovnaní s ktorým bol realizmus fresiek v kaplnke Brancacci skutočným šokom

Hlavnou témou fresiek podľa odporúčania zákazníka bol život apoštola Petra a prvotný hriech. Fresky sú umiestnené v dvoch radoch pozdĺž bočnej a zadnej steny kaplnky (tretí rad lunet sa stratil). V spodnej časti je panel imitujúci mramorový obklad.

Celkovo sa zachovalo dvanásť scén, z ktorých šesť úplne alebo takmer celé napísal Masaccio. Séria začína „Pádom“ Adama a Evy (pravá bočná stena hore) a pokračuje Vyhnaním z raja (ľavá bočná stena hore). Potom prídu „Zázrak na Statire“, „Petrova kázeň pre tri tisícky“, „Petrov krst novokňazov“, „Peterovo uzdravenie zmrzačených“, „Vzkriesenie Tabithy“. Vľavo dole: „Pavol navštevuje Petra vo väzení“; "Vzkriesenie Theophilovho syna"; „Peter uzdravuje chorých svojím tieňom“; „Peter rozdeľujúci majetok komunity medzi chudobných“; „Ukrižovanie Petra a spor medzi Petrom a Šimonom Mágom“; "Anjel oslobodzuje Petra z väzenia." Kompozície vertikálnych obrazov spravidla spájajú niekoľko epizód z rôznych čias, čo je poctou stredovekej tradícii vizuálneho rozprávania.

"Pád"

Na nárožiach kaplnky sú dvojité pilastre oddeľujúce fresky oltárneho výjavu od fresiek bočných stien. Tieto pilastre nesú rímsu s puklicami, ktorá prebieha medzi registrami (tá istá rímsa sa nepochybne nachádzala aj nad druhým registrom). Pravdepodobne podobné pilastre boli umiestnené aj na konci bočných registrov, v blízkosti vstupného oblúka (vonkajšie fresky boli pri jeho rekonštrukcii čiastočne odrezané).

• stratené fresky:
• V roku 1422 bol kostol vysvätený a Masaccio potom zachytil túto udalosť na jednej z fresiek kostola, nazývanej „Sagra“, ktorá bola vtedy veľmi slávna, no žiaľ, zničená začiatkom 17. storočia pri renovácii.
• maľby lunet (vrátane „Volania Petra a Ondreja“) a klenby od Masolina

Umelecké zásluhy

Masacciove fresky v kaplnke Brancacci sú považované za majstrovské dielo renesančného maliarstva, vyznačujú sa čistotou línií, živou konkrétnosťou v zobrazení postáv a schopnosťou preniknúť do charakterov zobrazovaných osôb. Veľký Masaccio navyše žil len 27 rokov a práve tento cyklus zostal jeho hlavným dielom.

Masacciove diela sa vďaka výtvarným riešeniam, ktoré používal – najmä využívaniu dovtedy málo známej lineárnej a leteckej perspektívy, okamžite stali vzorom, začali sa nazývať „základom, na ktorom stojí celá stavba európskeho maliarstva“. ." Životy najslávnejších maliarov obsahuje dlhý zoznam talianskych umelcov, ktorí podľa Vasariho vďačia za svoje úspechy vplyvu Masaccia:

„Všetci slávni sochári a maliari od tých čias až dodnes, ktorí v tejto kaplnke pôsobili a študovali, sa stali vynikajúcimi a slávnymi, menovite Fra Giovanni da Fiesole, Fra Filippo, Filippino, ktorý ju dokončil, Alessio Baldovinetti, Andrea del Castagno, Andrea del Verrocchio, Domenico Ghirlandaio, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Pietro Perugino, Fra Bartolomeo zo San Marco... a božský Michelangelo Buonarotti... Odtiaľ pochádza aj Raphael z Urbina počiatok svojich krásnych spôsobov... a, Všeobecne platí, že všetci, ktorí sa snažili naučiť toto umenie, sme neustále chodili študovať do tejto kaplnky, aby sme sa naučili pokyny a pravidlá dobrej práce od Masacciových figúrok.“

Dôležitou silnou stránkou Masacciovej práce bolo, že venoval osobitnú pozornosť autentickej anatómii svojich postáv, pričom uplatnil poznatky, ktoré získal zo starovekého sochárstva – takže sa zdá, že jeho ľudia majú skutočné, masívne telá. Okrem toho svoje fresky umiestňuje do skutočného architektonického prostredia, pričom dáva pozor na umiestnenie okna v kaplnke a maľuje predmety, ako keby boli osvetlené týmto svetelným zdrojom. Preto sa javia ako trojrozmerné: tento objem sa prenáša prostredníctvom výkonného modelovania cut-off. Okrem toho sú ľudia škálovaní vo vzťahu ku krajinnému pozadiu, ktoré je tiež maľované s ohľadom na svetlovzdušnú perspektívu.

Lazarev o sfarbení týchto fresiek píše: „Masaccio, ako všetci Florenťania, podriadil farbu forme, pomocou farby odhalil jej plasticitu. Bledé farby zmiznú z jeho palety, farba sa stáva hustou a vážnou. Majster uprednostňuje fialovú, modrú, oranžovo-žltú, tmavozelenú, tmavofialovú a čiernu farbu, biela hrá v jeho obrazoch veľmi skromnú úlohu, vždy tiahne k šedej. V porovnaní s odľahčenou neskorogotickou farebnosťou je Masacciova farba vnímaná ako oveľa hmotnejšia, úzko súvisiaca so štruktúrou formy. Všetko báječné a slávnostné zmizlo z farebnej schémy, ale stalo sa oveľa vážnejším a významnejším. A vďaka svetlu nadobudol takú plastickú výraznosť, že popri ňom vždy pôsobia koloristické riešenia majstrov neskorej gotiky akosi naivne.“

Umelecký koncept

slovo " umenie" v ruštine aj v mnohých iných jazykoch sa používa v dvoch významoch:

• V úzky v istom zmysle ide o špecifickú formu prakticko-duchovného skúmania sveta;
• V široký- najvyššia úroveň zručnosti, zručnosti bez ohľadu na to, ako sa prejavujú (umenie kachliara, lekára, pekára a pod.).

- osobitný subsystém duchovnej sféry spoločenského života, ktorý je tvorivou reprodukciou skutočnosti v umeleckých obrazoch.

Spočiatku sa umenie nazývalo vysokým stupňom majstrovstva v akejkoľvek záležitosti. Tento význam slova je stále prítomný v jazyku, keď hovoríme o umení lekára alebo učiteľa, o bojovom umení alebo oratóriu. Neskôr sa pojem „umenie“ začal čoraz viac používať na označenie špeciálnych aktivít zameraných na reflektovanie a pretváranie sveta v súlade s estetické štandardy, t.j. podľa zákonov krásy. Zároveň sa zachoval pôvodný význam slova, pretože na vytvorenie niečoho krásneho je potrebná najvyššia zručnosť.

Predmet umenie je svet a človek v celku ich vzájomných vzťahov.

Forma existencie umenie - umelecké dielo (báseň, maľba, performance, film atď.).

Umenie používa aj špeciálne prostriedky pre reprodukcia skutočnej reality: pre literatúru je to slovo, pre hudbu - zvuk, pre výtvarné umenie - farba, pre sochu - hlasitosť.

Cieľ umenie je dvojaké: pre tvorcu je to umelecké sebavyjadrenie, pre diváka je to pôžitok z krásy. Vo všeobecnosti platí, že krása úzko súvisí s umením ako pravda s vedou a dobro s morálkou.

Umenie je dôležitou zložkou duchovnej kultúry ľudstva, formou poznania a odrazu reality okolo človeka. Pokiaľ ide o potenciál na pochopenie a transformáciu reality, umenie nie je nižšie ako veda. Spôsoby chápania sveta vedou a umením sú však odlišné: ak na to veda používa prísne a jednoznačné pojmy, potom umenie.

Umenie ako samostatné odvetvie duchovnej výroby vyrástlo z materiálnej výroby a bolo do nej spočiatku votkané ako estetický, no čisto úžitkový moment. Od prírody je umelcom a snaží sa tak či onak priniesť krásu všade. Estetická činnosť človeka sa neustále prejavuje v každodennom živote, spoločenskom živote, a to nielen v umení. Deje sa estetické skúmanie sveta spoločenský človek.

Funkcie umenia

Umenie predvádza sériu verejné funkcie.

Funkcie umenia možno rozlíšiť a zhrnúť to, čo bolo povedané:

• estetická funkcia umožňuje reprodukovať realitu podľa zákonov krásy, formuje estetický vkus;
• spoločenská funkcia prejavuje sa v tom, že umenie má ideologický vplyv na spoločnosť, čím pretvára sociálnu realitu;
• kompenzačné funkcie umožňuje obnoviť pokoj mysle, riešiť psychologické problémy, na chvíľu „utiecť“ z fádneho každodenného života a kompenzovať nedostatok krásy a harmónie v každodennom živote;
• hedonická funkcia odráža schopnosť umenia priniesť človeku potešenie;
• kognitívna funkcia umožňuje pochopiť realitu a analyzovať ju pomocou umeleckých obrazov;
• prognostická funkcia odráža schopnosť umenia robiť prognózy a predpovedať budúcnosť;
• vzdelávacia funkcia sa prejavuje v schopnosti umeleckých diel formovať osobnosť človeka.

Kognitívna funkcia

V prvom rade toto vzdelávacie funkciu. Umelecké diela sú cenným zdrojom informácií o zložitých spoločenských procesoch.

Samozrejme, nie všetko vo svete okolo nás zaujíma umenie, a ak áno, tak v rôznej miere a samotný prístup umenia k objektu jeho poznania, perspektíva jeho videnia je v porovnaní s inými veľmi špecifická. formy spoločenského vedomia. Hlavným predmetom poznania v umení vždy bolo a zostáva. Preto sa umenie vo všeobecnosti a najmä beletria nazýva humanistika.

Výchovná funkcia

Vzdelávacie funkcia - schopnosť mať dôležitý vplyv na ideový a morálny vývoj človeka, jeho sebazdokonaľovanie alebo pád.

A predsa kognitívne a vzdelávacie funkcie nie sú špecifické pre umenie: tieto funkcie vykonávajú aj iné formy sociálneho vedomia.

Estetická funkcia

Špecifická funkcia umenia, ktorá z neho robí umenie v pravom zmysle slova, je jeho estetický funkciu.

Vnímaním a chápaním umeleckého diela nielen osvojujeme jeho obsah (ako obsah fyziky, biológie, matematiky), ale prenášame tento obsah cez srdce, emócie a dávame zmyslovo špecifickým obrazom vytvoreným umelcom estetické hodnotenie ako krásne alebo škaredé, vznešené alebo nízke, tragické alebo komické. Umenie v nás formuje schopnosť dať také estetické hodnotenia, rozlíšiť skutočne krásne a vznešené od všetkých druhov náplastí.

Hedonická funkcia

Kognitívne, vzdelávacie a estetické sa v umení spájajú do jedného. Vďaka estetickému momentu sa tešíme z obsahu umeleckého diela a práve v procese pôžitku sme osvietení a vzdelávaní. V tejto súvislosti hovoria o hedonistický(v preklade z gréčtiny - potešenie) funkcie umenie.

V spoločensko-filozofickej a estetickej literatúre už mnoho storočí pokračuje debata o vzťahu krásy v umení a reality. V tomto prípade sú odhalené dve hlavné pozície. Podľa jedného z nich (v Rusku to podporil N.G. Černyševskij) je krása v živote vždy a vo všetkých ohľadoch vyššia ako krásna v umení. Umenie sa v tomto prípade javí ako kópia typických postáv a predmetov samotnej reality a ako náhrada reality. Je zrejmé, že sa uprednostňuje alternatívny koncept (G.V.F. Hegel, A.I. Herzen atď.): krása v umení je vyššia ako krásna v živote, pretože umelec vidí presnejšie a hlbšie, cíti sa silnejší a jasnejší, a preto môže inšpirovať svojím umením iných. V opačnom prípade (byť zástupcom alebo dokonca duplikátom) by spoločnosť umenie nepotrebovala.

Umelecké práce, ktoré sú objektívnym stelesnením ľudského génia, sa stali najdôležitejšími duchovnými a hodnotami prenášanými z generácie na generáciu, majetkom estetickej spoločnosti. Zvládnutie kultúry a estetickej výchovy nie je možné bez vystavenia umeniu. Umelecké diela minulých storočí zachytávajú duchovný svet tisícok generácií, bez ktorého zvládnutia sa človek nemôže stať človekom v pravom zmysle slova. Každý človek je akýmsi mostom medzi minulosťou a budúcnosťou. Musí zvládnuť to, čo mu zanechala predchádzajúca generácia, tvorivo poňať svoje duchovné prežívanie, pochopiť jeho myšlienky, pocity, radosti i utrpenia, vzostupy i pády a to všetko odovzdať svojim potomkom. Len tak sa hýbu dejiny a v tomto pohybe patrí k umeniu obrovská armáda, ktorá vyjadruje zložitosť a bohatstvo duchovného sveta človeka.

Druhy umenia

Primárna forma umenia bola špeciálna synkretický(nediferencovaný) komplex tvorivej činnosti. Pre primitívnych ľudí neexistovala samostatná hudba, literatúra ani divadlo. Všetko sa spojilo v jedinom rituálnom úkone. Neskôr z tohto synkretického pôsobenia začali vznikať samostatné druhy umenia.

Druhy umenia- sú to historicky ustálené formy umeleckej reflexie sveta, využívajúce špeciálne prostriedky na budovanie obrazu - zvuk, farba, pohyb tela, slová atď. Každý druh umenia má svoje špeciálne odrody – rody a žánre, ktoré spolu poskytujú rôznorodosť umeleckých postojov k realite. Stručne zvážime hlavné druhy umenia a niektoré z ich odrôd.

Literatúra používa slovné a písané prostriedky na vytváranie obrazov. Existujú tri hlavné druhy literatúry - dráma, epická a lyrická poézia a početné žánre - tragédia, komédia, román, príbeh, báseň, elégia, poviedka, esej, fejtón atď.

Hudba používa zvukové prostriedky. Hudba sa delí na vokálnu (určenú na spev) a inštrumentálnu. Hudobné žánre – opera, symfónia, predohra, suita, romanca, sonáta atď.

Tancujte používa plastické pohyby na vytváranie obrázkov. Existujú rituály, ľudové, tanečné sály,

moderný tanec, balet. Tanečné smery a štýly - valčík, tango, foxtrot, samba, polonéza atď.

Maľovanie zobrazuje realitu v rovine pomocou farieb. Žánre maľby - portrét, zátišie, krajina, ako aj každodenné, živočíšne (zobrazovanie zvierat), historické žánre.

Architektúra tvorí priestorové prostredie v podobe stavieb a budov pre život človeka. Delí sa na obytné, verejné, záhradnícke, priemyselné atď. Existujú aj architektonické štýly - gotika, baroko, rokoko, secesia, klasicizmus atď.

Sochárstvo vytvára umelecké diela, ktoré majú objem a trojrozmerný tvar. Socha môže byť okrúhla (busta, socha) a reliéfna (konvexný obraz). Podľa veľkosti sa delí na stojanový, dekoratívny a monumentálny.

umenie a remeslá súvisiace s aplikovanými potrebami. Patria sem umelecké predmety použiteľné v každodennom živote – riad, látky, náradie, nábytok, odevy, šperky atď.

Divadlo organizuje špeciálne javiskové predstavenie prostredníctvom hereckých výkonov. Divadlo môže byť činoherné, operné, bábkové a pod.

Cirkus predstavuje veľkolepé a zábavné predstavenie s nezvyčajnými, riskantnými a vtipnými číslami v špeciálnej aréne. Ide o akrobaciu, balansovanie, gymnastiku, jazdu na koni, žonglovanie, kúzelnícke triky, pantomímu, klaunstvo, výcvik zvierat atď.

Film je rozvoj divadelného predstavenia na základe moderných technických audiovizuálnych prostriedkov. Typy kín zahŕňajú hrané filmy, dokumentárne filmy a animované filmy. Žánre zahŕňajú komédie, drámy, melodrámy, dobrodružné filmy, detektívky, trilery atď.

Foto zachytáva dokumentárne vizuálne obrazy pomocou technických prostriedkov – optických, chemických alebo digitálnych. Žánre fotografie zodpovedajú žánrom maľby.

Etapa zahŕňa malé formy scénického umenia – drámu, hudbu, choreografiu, ilúzie, cirkusové predstavenia, originálne predstavenia a pod.

K uvedeným druhom umenia môžete pridať grafiku, rádiové umenie atď.

Aby sa ukázali spoločné znaky rôznych druhov umenia a ich rozdiely, boli navrhnuté rôzne základy ich klasifikácie. Rozlišujú sa teda druhy umenia:

• podľa počtu použitých prostriedkov - jednoduché (maľba, sochárstvo, poézia, hudba) a zložité alebo syntetické (balet, divadlo, kino);
• z hľadiska vzťahu medzi umeleckými dielami a skutočnosťou - obrazové, zobrazujúce realitu, jej kopírovanie (realistická maľba, socha, fotografia) a expresívne, kde fantázia a predstavivosť umelca vytvárajú novú realitu (ornament, hudba);
• vo vzťahu k priestoru a času - priestorové (výtvarné umenie, sochárstvo, architektúra), časové (literatúra, hudba) a časopriestorové (divadlo, kino);
• podľa doby vzniku - tradičné (poézia, tanec, hudba) a nové (fotografia, kino, televízia, video), zvyčajne využívajúce pomerne zložité technické prostriedky na budovanie imidžu;
• podľa miery použiteľnosti v bežnom živote - úžitkové (dekoratívne a úžitkové umenie) a výtvarné (hudba, tanec).

Každý typ, rod alebo žáner odzrkadľuje osobitnú stránku alebo aspekt ľudského života, ale spolu tieto zložky umenia poskytujú komplexný umelecký obraz sveta.

Potreba umeleckej tvorivosti alebo radosti z umeleckých diel sa zvyšuje s rastom kultúrnej úrovne človeka. Umenie sa stáva potrebnejším, čím ďalej je človek od zvieracieho stavu.

UMELECKÁ HODNOTA - umelecké dielo vo vzťahu k najvyšším ľudským potrebám a záujmom, realizované vo svojich obsahovo-umeleckých prednostiach a funkciách, vďaka čomu pozitívne vplýva na city, myseľ, vôľu ľudí, prispieva k ich duchovnému rozvoju.

Umelecká hodnota predstavuje emocionálny, zmyslovo-psychologický, ideový obsah diela ako systému obrazov, súboru významov v ňom obsiahnutých a významov ním generovaných. Keďže tento obsah autor objektivizuje pomocou „konštruktéra-nosiča“ (vytvoreného z určitého materiálu v súlade so zákonitosťami tohto druhu umenia), kvality, ktoré vznikajú ako výsledok umeleckého spracovania tohto materiálu sú tiež cenné. Tieto vlastnosti (organická jednota formy a obsahu, kompozičná harmónia, harmónia, úplnosť, expresívnosť, umelecká pravdivosť prostriedkov, jazyková zrozumiteľnosť) nadobúdajú estetickú hodnotu ako dosiahnutá dokonalosť, prejav talentu, dôkaz zručnosti.

Umelecká hodnota je tvorená jednotou objektívnych hodnôt a významov, ktoré vznikajú pri vývoji diela. V závislosti od žánru diela, jeho účelu a obsahových aspektov, ktoré sú k nemu organické (psychologické, sociálno-analytické, filozofické atď.), môžu v tejto jednote prevládať niektoré z možných hodnotových významov (napríklad kognitívny, vzdelávací, spoločensky mobilizačné, hedonistické atď.).

Skutočne významné umelecké diela patria umelcom, ktorí tvoria v prospech človeka, a preto chránia, potvrdzujú a poetizujú významné hodnoty života a kultúry. Zároveň samotné dielo vzniká ako potenciálna umelecká hodnota. Stáva sa verejnou hodnotou do tej miery, do akej sa uznávajú významy a myšlienky autora v nej obsiahnuté, uznávajú sa jej prednosti a rozvíjajú a realizujú sa jej funkcie. Keďže túto asimiláciu vykonávajú subjekty, ktorých hodnotové zameranie nie je totožné, práca dostáva neidentické hodnotenie. Podľa relativistického konceptu, ktorý ignoruje dialektiku subjektovo-objektových estetických vzťahov, sa umelecká hodnota interpretuje ako funkcia hodnotenia a ukazuje sa, že je odvodená od orientácií, vkusu a názorov tej či onej časti verejnosti alebo jednotlivca. príjemcu. Do sféry umeleckej hodnoty sa tak zaraďujú avantgardné produkty, pseudoumelecké produkty, vnímané ako fenomény umenia. Primeraná kvalifikácia umeleckej hodnoty je podľa marxistickej koncepcie možná len za podmienky, že subjekt hodnotiaceho postoja má všeobecnú kultúru, primerané umelecké vzdelanie, dobrý estetický vkus a hodnotovú orientáciu, ktorá zodpovedá trendom spoločenského a kultúrneho pokroku. Historická variabilita umeleckého vkusu nielenže nevylučuje, ale predpokladá kontinuitu predstáv o presne definovaných prednostiach, ktoré majú trvalý hodnotový význam, ao zodpovedajúcich kritériách.

Umelecká hodnota je nerovnaká vo svojom objektívnom význame, ktorý je určený stupňom hĺbky predmetu zobrazenia, ideológie, tvorivej originality a inovácie. Najvyššiu hodnotu majú diela, ktoré s humanistickou ašpiráciou a pravdivosťou obsahujú tvorivé akvizície a objavy, stelesňujú hlboké zovšeobecnenia spoločenských vzťahov, ľudských charakterov a osudov, univerzálne významné psychické stavy a pocity. V závislosti od dejovej špecifickosti a problematiky diela môžu byť jeho hodnotové významy prevažne „situačné“, špecifické historické alebo univerzálne. Univerzálne hodnotové významy vznikajú v konkrétnych historických, spoločenských, národných podmienkach a kultúrnych súvislostiach. Ak sa však zmenia životné podmienky ľudí, ich psychologické stereotypy, morálka a zvyky, potom základné otázky o zmysle života a ľudskom šťastí, jeho dôstojnosti a hľadaní harmónie vo vzťahoch s inými ľuďmi zostávajú vo všeobecnosti významné. Diela, ktoré nastoľujú a diskutujú o týchto „večných“ otázkach a obsahujú univerzálne významy, ktoré si môžu prečítať ľudia rôznych národov a rôznych období, získavajú štatút univerzálnych umeleckých hodnôt. Vďaka istote vlastností „humánnej osoby“ a prítomnosti axiologických konštánt humanistického estetického vedomia je teda možné zdediť umelecké hodnoty, ich medzinárodnú výmenu, vznik a obohatenie ich univerzálneho fondu.

2. augusta 2010

Techniky dávajú právo považovať ho za jedno z majstrovských diel dramatickej literatúry. I. A. Goncharov obdivujúc hru v „Búrke“ napísal: „Bez ohľadu na to, z ktorej strany je braná, či z plánu stvorenia, dramatického pohybu, alebo napokon postáv – všade je zachytená so silou kreativity, jemnosť pozorovania a pôvab dokončovania“. Gončarov zdôraznil najmä typickosť obrazov „Búrka“: „Každá tvár v dráme je typická postava, vytrhnutá priamo z prostredia ľudového života. dal celý, rôznorodý svet osobností existujúcich na každom kroku.“ K tomu môžeme dodať, že samotné mesto Kalinov, vyobrazené v r.

Akcia drámy sa prejavuje hlbokým vnútorným vzorom, harmonickým a prirodzeným. Dramatik zároveň umne využíva kompozičné postupy, ktoré hre dodávajú osobitú scénickú kvalitu, pohyb deja – ostrosť a napätie. Toto je technika používania krajiny počas celej hry.

Krajina plní v The Thunderstorm dvojitú funkciu. Na začiatku hry je pozadím, na ktorom sa odohráva dramatická akcia.

Zdá sa, že zdôrazňuje rozpor medzi mŕtvym, nehybným životom Kalinovcov a ich „krutou morálkou“ na jednej strane a krásnymi darmi prírody, ktoré Kalinovčania nevedia oceniť, na strane druhej. Táto krajina je skutočne nádherná. Obdivuje ho a hovorí Borisovi:

• „Dobre, pane, teraz sa choďte prejsť.
• Ticho, skvelý vzduch,
• Kvôli Volge voňajú lúky kvetmi, obloha je jasná.
• Otvorila sa priepasť, pluk hviezd.
• Počet hviezd je ket, dno priepasti.“

Ale Kuligin, rojko, je v meste sám so svojím nadšeným vzťahom k prírode. O to zreteľnejšie sa ukazuje ľahostajnosť ku všetkému elegantnému a krásnemu zo strany Divokých a Kabanovcov, ktorí sú pripravení udusiť akýkoľvek prejav dobrého, prirodzeného cítenia vo svojom prostredí. Búrky hrajú v hre v prvom a štvrtom dejstve inú úlohu. Búrka v prírode, atmosférická búrka, tu priamo zasahuje do duchovnej drámy hrdinky a ovplyvňuje samotný výsledok tejto drámy. Prichádza vo chvíli Katerininých najintenzívnejších zážitkov.

V Katerininej duši pod vplyvom lásky k Borisovi začína zmätok. Prezradí Varvare svoje tajomstvo a zápasí medzi dvoma citmi: láskou k Borisovi a vedomím hriešnosti, „nezákonnosti“ tejto lásky. Katerina má pocit, akoby sa k nej blížila nejaká katastrofa, strašná a nevyhnutná, a v tom čase začína búrka. "Búrka! Utekajme domov! Ponáhľaj sa!" - zvolá s hrôzou. Ozve sa prvé tlesknutie hromu - a Kateřina Sková zvolá: "Ach, ponáhľaj sa, ponáhľaj sa!" Toto je v prvom dejstve hry. Teraz sa však búrka opäť blíži:

Žena. No, obloha zakryla všetko. Presne s uzáverom to zakrylo.

1. chodec. Eko, brat môj, je to ako keby sa oblak stáčal ako guľa, rovnako ako sa v ňom hádžu živé veci.

2. chodec. Pamätaj na moje slovo, že táto búrka nevyjde nazmar... Buď niekoho zabije, alebo zhorí dom...

Kateřina (počúva). Čo hovoria? Hovoria, že niekoho zabije... Tisha, ja viem, koho zabije... Zabije mňa. Vypuká búrka a Katerinine napäté nervy to nevydržia: verejne sa kajá zo svojej viny. Ozval sa hrom - a ona upadla do bezvedomia.

Kompozične dôležitá je aj rola starej „dámy s dvoma lokajmi“. Jeho vzhľad sa tiež zhoduje s obrázkami búrok. „Bol by to nejaký hriech,“ hovorí Kateřina, „prepadá ma taký strach, taký a taký strach! Akoby som stál nad priepasťou a niekto ma tam tlačil...“

Oka sa bojí pokušenia, „strašného hriechu“ zakázanej lásky - a potom sa stará žena objaví so svojimi zlovestnými rečami: „Čo, krásky? Čo tu robíš? Čakáte dobrých chlapov, páni? bavíš sa? smiešne? Robí vám radosť vaša krása? Tu, tu, v hĺbke,“ prorokuje Katerinin osud. V diaľke za Volgou sa plazia mraky a zahaľujú oblohu pred búrkou.

Dáma s palicou a dvaja lokaji s trojrohými klobúkmi sa opäť zobrazujú zozadu v momente najvyššieho napätia hry. Hrom udrie. Kateřina opäť počuje slová bláznivej starenky: „Prečo sa skrývaš? Nie je potrebné sa skrývať! Zjavne sa bojíš: nechceš zomrieť!... S krásou je lepšie ísť do bazéna. Všetci zhoríte v neuhasiteľnom ohni! Katerina zdesene pribehne k stene galérie a ako naschvál si kľakne vedľa obrazu znázorňujúceho „ohnivú Gehennu“: „Do pekla! Do pekla! Do pekla! Ohnivá gehenna! Kabanova, Kabanov a Varvara ju obklopujú. Celé moje srdce prasklo! Už to nevydržím. Matka! Tikhon! Pred Bohom som hriešnik“

Kudrjaš je na rozdiel od Borisa živý, statočný, obratný, dokáže sa postaviť za seba aj pred Divokou; jednoducho a ľahko sa pozrie na Varvaru, netrápi ho výčitky svedomia ako Katerina a ani nerozumie jej trápeniu. "Podľa môjho názoru," zdôvodňuje, "rob, čo chceš, pokiaľ je to bezpečné a zakryté." Varvara sa nenechá uraziť, svojej matke sa nepoddá a brániac si slobodu uteká s Kudryashom z domu.

Ostrovskij zdôrazňuje charakteristické vlastnosti hrdinov takzvanými významnými alebo obraznými priezviskami, pomocou ktorých autor odhaľuje vnútorný svet svojich hrdinov, dominantné črty ich charakteru (Dikoy - divoký muž, Kudryash - kučeravý -vlasý dobrák, Tikhon - tichý muž, Kuligin - podobný Kulibinovi). Tento spôsob charakterizácie je vo všeobecnosti v Ostrovského dramaturgii široko používaný a jeho hrdinovia nesú nielen alegorické rodové mená a mená: Gordey a Lyubim Tortsov v „Chudoba nie je neresť“, Moc hrozná v dramatických scénach „Pravda je dobrá, ale Lepšie“, Lup Lupych – úradník v „Abyss“ atď.

Takže Kuligin, obdivovateľ Lomonosova a Derzhavina, je trochu staromódny. Cítiť v nej vplyv knižných cirkevnoslovanských fráz. Kudrjašov jazyk je posiaty hovorovými slovami (slobodno, poďme... na besnenie) s ľudovými prísloviami, porekadlámi a prísloviami; Je v ňom viditeľná aj výrečnosť úradníka.

Tulák Feklusha spriada svoje lichotivé slová, hovorí o svojich úžasných „videniach“ a o krajinách, „kde všetci ľudia majú psie hlavy“ – a prirodzene sa vykresľuje ako pokrytečka a svätica, žijúca z filištínskej temnoty a nevedomosti.

Umelecké prednosti románu „Hrdina našej doby“

Po oboznámení sa so zložením románu „Hrdina našej doby“, ktorý je nezvyčajný a zložitý, by som rád poznamenal umelecké prednosti románu. Lermontovova krajina má veľmi dôležitú črtu: je úzko spätá so zážitkami postáv, vyjadruje ich pocity a nálady, celý román je presiaknutý hlbokou lyrikou. Tu sa rodí vášnivá emocionalita a vzrušenie v jeho opisoch prírody, ktoré v jeho próze vytvárajú pocit muzikálnosti. Strieborná niť riek a modrastá hmla kĺzajúca sa po vode, unikajúca pred teplými lúčmi do roklín hôr a lesk snehu na hrebeňoch hôr - presné a svieže farby Lermontovovej prózy sú veľmi spoľahlivé. V „Bel“ nás potešia pravdivo nakreslené obrázky mravov horárov, ich drsného spôsobu života, ich chudoby. Lermontov píše: „Saklya bola prilepená jednou stranou ku skale, k jej dverám viedli tri mokré schody.

"Obyvatelia Kaukazu žili ťažkým a smutným životom, utláčaní svojimi kniežatami, ako aj cárskou vládou, ktorá ich považovala za "rodákov Ruska." Lermontov ukazuje tienisté stránky života horalov a sympatizuje s Majestátne obrazy horskej prírody sú kreslené veľmi talentovane.

a to nám pomáha preniknúť do jeho duše, pochopiť mnohé črty jeho charakteru. Pečorin je poetický človek, ktorý vášnivo miluje prírodu a vie, ako obrazne sprostredkovať to, čo vidí. Často sa zdá, že jeho myšlienky o prírode sa prelínajú s myšlienkami o ľuďoch, o sebe samom. Pečorin majstrovsky opisuje povahu noci /jeho denník 16. mája/ so svetlami v oknách a „pochmúrnymi, zasneženými horami“. Niekedy obrázky prírody slúžia ako dôvod na premýšľanie, uvažovanie a porovnávanie. Príkladom takejto krajiny je opis hviezdnej oblohy v príbehu „Fatalista“, ktorého pohľad ho vedie k zamysleniu sa nad osudom generácie. Pečorin, vyhnaný do pevnosti, sa nudí, príroda sa mu zdá nudná.

"Taman". Obraz, ktorý sa Gregorovi zjaví z námestia, kde sa mal súboj odohrať, pohľad na slnko, ktorého lúče Pečorina po súboji nezohrievajú – celá príroda je smutná. Vidíme teda, že opis prírody zaberá veľké miesto a. odhalenie identity Pečorina.

Iba sám s prírodou prežíva Pečorin tú najhlbšiu radosť. "Nepamätám si hlbšie a sviežejšie ráno!" - zvolá Pečorin, ohromený krásou východu slnka v horách. Pechorinove posledné nádeje sú nasmerované k nekonečným šíram mora a šumu vĺn. V porovnaní s námorníkom, ktorý sa narodil a vyrastal na palube lúpežnej brigy, hovorí, že mu chýba pobrežný piesok, počúva hukot prichádzajúcich vĺn a hľadí do diaľky zahalenej hmlou. Lermontov veľmi miloval more, jeho báseň „Sail“ odráža román „Hrdina našej doby“.

Pečorin hľadá „plachtu“ v mori. Ani Lermontovovi, ani hrdinovi jeho románu sa tento sen nesplnil: „vytúžená plachta“ sa neobjavila a neodviedla ich do iného života, na iné brehy na posledných stranách románu. Pgchorin seba a svoju generáciu nazýva „úbohými potomkami, blúdiacimi po zemi bez presvedčenia a pýchy, bez potešenia a strachu“. Nádherný obraz plachty je túžbou po nenaplnenom živote. Príbeh „Princezná Mary“ sa otvára nádhernou krajinou. Pečorin si vo svojom denníku píše: "Mám nádherný výhľad z troch strán." Čechov ocenil Lermontova. Napísal; "Nepoznám lepší jazyk ako Lermontov. Naučil som sa písať od neho."

„Hrdina našej doby“ potešila najväčších majstrov slova. "Nikto v našej krajine nikdy nenapísal takú správnu, krásnu a voňavú prózu," povedal Gogoľ o Lermontovovi. Rovnako ako Puškin, aj Lermontov hľadal presnosť a jasnosť každej frázy, jej lesk. Jazyk románu je ovocím autorovej rozsiahlej práce na rukopisoch. Pečorinov jazyk je veľmi poetický, pružná štruktúra jeho reči svedčí o mužovi veľkej kultúry, ktorý má jemnú a bystrú myseľ. Bohatosť románového jazyka vychádza z osobného vzťahu Lermontova k prírode. Na Kaukaze napísal román, inšpirovala ho príroda.

"Pechorinov denník". Po prvýkrát sa v ruskej literatúre objavuje takéto nemilosrdné odhalenie osobnosti hrdinu. Hrdinove skúsenosti analyzuje s „prísnosťou sudcu a občana“. Pečorin hovorí: "Stále sa snažím sám sebe vysvetliť, aké pocity vrie v mojej hrudi." Zvyk sebaanalýzy dopĺňajú schopnosti neustáleho pozorovania druhých. V podstate všetky Pečorinove vzťahy s ľuďmi sú akýmsi psychologickým experimentom, ktorý hrdinu zaujme svojou komplexnosťou.“ Toto je príbeh s Belou, príbeh víťazstva nad Máriou.

„hra“ s Grushnitským, ktorého Pečorin oklame, keď vyhlási, že Mary mu nie je ľahostajná, aby neskôr dokázal svoj žalostný omyl. Pečorin tvrdí, že „ambicióznosť nie je nič iné ako smäd po moci a šťastie je len pompézna pýcha“. Ak je A. S. Pushkin považovaný za tvorcu prvého realistického poetického románu o moderne, potom je podľa mňa Lermontov autorom prvého sociálno-psychologického románu v próze, jeho román sa vyznačuje hĺbkou analýzy psychologické vnímanie sveta, zobrazujúce jeho éru, Lermontov podrobuje hlbokej kritickej analýze bez toho, aby podliehal ilúziám či zvodom.

„Hrdina našej doby“ sa v mnohom líši od realizmu Puškinovho románu. Odhliadnuc od každodenných prvkov a životnej histórie hrdinov, Lermontov sa zameriava na ich vnútorný svet a detailne odhaľuje motívy, ktoré podnietili toho či onoho hrdinu k akémukoľvek činu. Autor vykresľuje všelijaké prelivy pocitov s takou hĺbkou, prenikavosťou a detailom, aké literatúra jeho doby ešte nepoznala. Mnohí považovali Lermontova za predchodcu Leva Tolstého a ja s tým absolútne súhlasím; práve od Lermontova sa Tolstoj naučil techniky odhaľovania vnútorného sveta postáv, portrétovania a štýlu reči.

Dostojevskij vychádzal aj z Lermontovovej tvorivej skúsenosti, no Lermontovove úvahy o úlohe utrpenia v duchovnom živote človeka, o rozpoltenom vedomí, o kolapse individualizmu silnej osobnosti sa zmenili na Dostojevského stvárnenie bolestného napätia a bolestného utrpenia človeka. hrdinovia jeho diel. Pechorinova rebelská povaha odmieta radosť a pokoj v duši. Tento hrdina vždy „žiada búrku“. Jeho povaha je príliš bohatá na vášne a myšlienky, príliš slobodná na to, aby sa uspokojila s málom a nevyžadovala od sveta veľké pocity, udalosti a vnemy.

a jeho generácia. Pečorin's Journal odhaľuje živú, komplexnú, bohatú, analytickú prácu mysle. To nám dokazuje nielen to, že hlavná postava je typická postava, ale aj to, že v Rusku žijú tragicky osamelí mladí ľudia, Pečorin sa počíta medzi úbohých potomkov, ktorí blúdia po zemi bez presvedčenia. Hovorí: „Už nie sme schopní prinášať veľké obete, ani pre dobro ľudstva, ani pre naše vlastné šťastie. Tú istú myšlienku opakuje Lermontov v básni „Duma“: Sme bohatí, sotva z kolísky, z chýb našich otcov a ich neskorých myslí, A život nás už mučí, ako hladká cesta bez cieľa, Ako hostina na cudzom sviatku. Každý skutočne ruský človek sa cíti nesvoj pri myšlienke, že M. Yu. Lermontov zomrel predčasne.

"Prečo som žil? Za akým účelom som sa narodil? Ale je pravda, že som mal vysoký cieľ, pretože vo svojej duši cítim obrovskú silu," píše. V tejto neistote je pôvod Pečorinovho postoja k ľuďom okolo neho. Sú mu ľahostajné ich skúsenosti, a tak bez váhania prekrúca osudy iných ľudí.

Puškin o takýchto mladých ľuďoch napísal: „Existujú milióny dvojnohých tvorov, pre nich je to jedno meno. Pomocou Puškinových slov možno o Pečorinovi povedať, že jeho názory na život „odrážajú storočie a moderný človek je zobrazený celkom správne, so svojou nemorálnou dušou, sebeckou a suchou“. Takto videl Lermontov svoju generáciu.