Showforum como lo describe el artista. Sobre artistas y su trabajo.

Hoy presentamos a su atención veinte pinturas que son dignas de atención y reconocimiento. Estas pinturas fueron pintadas por artistas famosos, y deben ser conocidas no solo por quienes se dedican al arte, sino también por el común de los mortales, ya que el arte colorea nuestras vidas, la estética profundiza nuestra visión del mundo. Dale al arte el lugar que le corresponde en tu vida...

1. “La Última Cena”. Leonardo Da Vinci, 1495 - 1498

Pintura monumental de Leonardo da Vinci que representa la escena de la última comida de Cristo con sus discípulos. Creado en 1495-1498 en el monasterio dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán.

La pintura fue encargada por Leonardo a su mecenas, el duque Ludovico Sforza y ​​su esposa Beatrice d'Este. Los lunetos situados encima del cuadro, formados por un techo de tres arcos, están pintados con el escudo de armas de los Sforza. La pintura se inició en 1495 y se completó en 1498; el trabajo prosiguió de forma intermitente. La fecha de inicio de las obras no es segura, ya que "los archivos del monasterio fueron destruidos, y la ínfima parte de los documentos que poseemos se remonta a 1497, cuando la pintura estaba casi terminada".

La pintura se convirtió en un hito en la historia del Renacimiento: la profundidad de perspectiva correctamente reproducida cambió la dirección del desarrollo de la pintura occidental.

Se cree que en esta imagen se esconden muchos secretos y pistas; por ejemplo, se supone que la imagen de Jesús y Judas fue copiada de la misma persona. Cuando Da Vinci pintó el cuadro, en su visión Jesús personificaba el bien, mientras que Judas era puro mal. Y cuando el maestro encontró a “su Judas” (un borracho de la calle), resultó que, según los historiadores, este borracho unos años antes sirvió como prototipo para pintar la imagen de Jesús. Así, podemos decir que esta imagen capturó a una persona en diferentes períodos de su vida.

2. "Girasoles". Vicente Van Gogh, 1887

El título de dos ciclos de pinturas del artista holandés Vincent van Gogh. La primera serie se realizó en París en 1887. Está dedicado a las flores tumbadas. La segunda serie se completó un año después, en Arles. Representa un ramo de girasoles en un jarrón. El amigo de Van Gogh, Paul Gauguin, adquirió dos cuadros parisinos.

El artista pintó girasoles once veces. Las primeras cuatro pinturas fueron creadas en París entre agosto y septiembre de 1887. Grandes flores cortadas yacen como extrañas criaturas muriendo ante nuestros ojos.

3. "La novena ola". ¿Iván Konstantinovich Aivazovsky?, 1850.

Una de las pinturas más famosas del pintor marino ruso Ivan Aivazovsky se conserva en el Museo Ruso.

El pintor representa el mar después de una fuerte tormenta nocturna y náufragos. Los rayos del sol iluminan las enormes olas. El mayor de ellos, el noveno eje, está listo para caer sobre las personas que intentan escapar entre los restos del mástil.

A pesar de que el barco está destruido y sólo queda el mástil, las personas en el mástil están vivas y continúan luchando contra los elementos. Los colores cálidos de la imagen hacen que el mar no sea tan duro y dan al espectador la esperanza de que la gente se salvará.

Pintado en 1850, el cuadro "La novena ola" se convirtió inmediatamente en el más famoso de todos sus puertos deportivos y fue adquirido por Nicolás I.

4. "Makha desnuda". Francisco Goya, 1797-1800

Pintura del artista español Francisco Goya, pintada alrededor de 1797-1800. Pareja con el cuadro “Maja Vestida” (La maja vestida). Las pinturas representan a Macha, una ciudadana española de los siglos XVIII y XIX, uno de los temas favoritos del artista. "Maja Desnuda" es una de las primeras obras de arte occidental que representa a una mujer completamente desnuda sin connotaciones mitológicas o negativas.

5. “Vuelo de los amantes”. Marc Chagall, 1914-1918

El trabajo en la pintura "Above the City" comenzó en 1914, y el maestro no dio los toques finales hasta 1918. Durante este tiempo, Bella pasó de ser una amante no solo a una esposa adorada, sino también a la madre de su hija Ida, convirtiéndose para siempre en la principal musa del pintor. La unión de la rica hija de un joyero hereditario y un simple joven judío, cuyo padre se ganaba la vida descargando arenques, sólo puede considerarse una mala alianza, pero el amor fue más fuerte y superó todas las convenciones. Fue este amor el que los inspiró, elevándolos al cielo.

Karina interpreta a los dos amores de Chagall a la vez: Bella y Vitebsk, sus seres más queridos. Las calles se presentan en forma de casas separadas por una valla alta y oscura. El espectador no notará inmediatamente una cabra pastando a la izquierda del centro de la imagen y un hombre sencillo con los pantalones bajados en primer plano: humor del pintor, que rompe con el contexto general y el ambiente romántico de la obra, pero todo esto es Chagall...

6. "El rostro de la guerra". Salvador Dalí, 1940.

Cuadro del artista español Salvador Dalí, pintado en 1940.

La pintura fue creada de camino a Estados Unidos. Impresionado por la tragedia que se desarrolla en el mundo y la sed de sangre de los políticos, el capitán comienza a trabajar en el barco. Ubicado en el Museo Boijmans-van Beuningen de Rotterdam.

Habiendo perdido toda esperanza de una vida normal en Europa, el artista deja su amado París hacia América. La guerra cubre el Viejo Mundo y busca apoderarse del resto del mundo. El maestro aún no sabe que su estancia en el Nuevo Mundo durante ocho años le hará verdaderamente famoso y sus obras se convertirán en obras maestras de la pintura mundial.

7. "Grito" Edvard Munch, 1893

“El Grito” (Skrik noruego) es una serie de pinturas del artista expresionista noruego Edvard Munch creadas entre 1893 y 1910. Representan una figura humana que grita desesperada contra un cielo rojo sangre y un fondo paisajístico extremadamente generalizado. En 1895, Munch creó una litografía sobre el mismo tema.

El cielo rojo y ardiente cubrió el frío fiordo, que, a su vez, da origen a una sombra fantástica, similar a una especie de monstruo marino. La tensión ha distorsionado el espacio, las líneas se han roto, los colores son inconsistentes, la perspectiva se ha destruido.

Muchos críticos creen que la trama de la imagen es fruto de la imaginación enferma de un enfermo mental. Algunas personas ven en la obra una premonición de un desastre ambiental, otras deciden qué momia inspiró al autor a crear esta obra.

8. “La chica del pendiente de perla”. Jan Vermeer, 1665

El cuadro “La joven de la perla” (Países Bajos: “Het meisje met de parel”) fue pintado alrededor de 1665. Actualmente se conserva en el Museo Mauritshuis, La Haya, Países Bajos, y es el sello distintivo del museo. La pintura, apodada la Mona Lisa holandesa o la Mona Lisa del Norte, está pintada en el género Tronie.

Gracias a la película de Peter Webber "La joven de la perla" de 2003, un gran número de personas alejadas de la pintura conocieron al maravilloso artista holandés Johannes Vermeer, así como a su cuadro más famoso "La joven de la perla".

9. "Torre de Babel". Pieter Bruegel, 1563

Cuadro famoso del artista Pieter Bruegel. El artista creó al menos dos cuadros basados ​​en este tema.

La pintura se encuentra en el Kunsthistorisches Museum de Viena.

Hay una historia en la Biblia sobre cómo los habitantes de Babilonia intentaron construir una torre alta para llegar al cielo, pero Dios les hizo hablar diferentes idiomas, dejaron de entenderse y la torre quedó sin terminar.

10. "Mujeres argelinas". Pablo Picasso, 1955

“Mujeres de Argelia” es una serie de 15 pinturas creadas por Picasso en 1954-1955 basadas en las pinturas de Eugene Delacroix; los cuadros se distinguen por las letras asignadas por el artista de la A a la O. La “Versión O” fue pintada el 14 de febrero de 1955; Durante algún tiempo perteneció al famoso coleccionista de arte estadounidense del siglo XX, Victor Ganz.

El cuadro de Pablo Picasso "Mujeres de Argelia (Versión O)" se vendió por 180 millones de dólares.

11. "Nuevo Planeta". Konstantin Yuon, 1921

Pintor soviético ruso, maestro del paisaje, artista de teatro, teórico del arte. Académico de la Academia de Artes de la URSS. Artista del Pueblo de la URSS. Ganador del Premio Stalin, primer grado. Miembro del Partido Comunista de Toda la Unión desde 1951.

Esta asombrosa pintura "Nuevo Planeta", creada en 1921 y nada típica del artista realista Yuon, es una de las obras más brillantes que encarna la imagen de los cambios que supuso la Revolución de Octubre en la segunda década del siglo XX. Un nuevo sistema, una nueva forma y una nueva forma de pensar para la sociedad soviética emergente. ¿Qué le espera ahora a la humanidad? ¿Futuro brillante? No pensaron en ello entonces, pero el hecho de que la Rusia soviética y el mundo entero estaban entrando en una era de cambios era obvio, al igual que el rápido nacimiento de un nuevo planeta.

12. “Madonna Sixtina”. Rafael Santi, 1754

Un cuadro de Rafael que se encuentra en la Galería de los Antiguos Maestros de Dresde desde 1754. Pertenece a los picos generalmente reconocidos del Alto Renacimiento.

La pintura, de enormes dimensiones (265 × 196 cm, como se indica en el catálogo de la Galería de Dresde), fue creada por Rafael para el altar de la iglesia del monasterio de San Sixto en Piacenza, por encargo del Papa. Julio II. Existe la hipótesis de que el cuadro fue pintado en 1512-1513 en honor a la victoria sobre los franceses que invadieron Lombardía durante las guerras italianas y la posterior inclusión de Piacenza en los Estados Pontificios.

13. “María Magdalena arrepentida”. Tiziano (Tiziano Vecellio), pintado alrededor de 1565

Un cuadro pintado alrededor de 1565 por el artista italiano Tiziano Vecellio. Pertenece al Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo. A veces, la fecha de creación se indica como "década de 1560".

La modelo del cuadro fue Julia Festina, quien sorprendió al artista con su melena dorada. El lienzo terminado impresionó mucho al duque de Gonzaga y decidió encargar una copia. Más tarde, Tiziano, cambiando el fondo y la pose de la mujer, escribió un par de obras más similares.

14. "Mona Lisa". Leonardo Da Vinci, 1503-1505

Retrato de Sra. Lisa del Giocondo, (Italiano. Ritrato de Monna Lisa del Juego) - una pintura de Leonardo da Vinci, ubicada en el Louvre (París, Francia), una de las obras de pintura más famosas del mundo, que se cree que es un retrato de Lisa Gherardini, la esposa del comerciante de seda florentino Francesco. del Giocondo, pintado hacia 1503-1505.

Según una de las versiones presentadas, "Mona Lisa" es un autorretrato de la artista.

15. “Mañana en un bosque de pinos”, Shishkin Ivan Ivanovich, 1889.

Pintura de los artistas rusos Ivan Shishkin y Konstantin Savitsky. Savitsky pintó osos, pero el coleccionista Pavel Tretyakov borró su firma, por lo que a menudo se indica solo el autor del cuadro.

La idea de la pintura se la sugirió a Shishkin Savitsky, quien más tarde actuó como coautor y representó las figuras de los oseznos. Estos osos, con algunas diferencias en poses y números (al principio eran dos), aparecen en los dibujos y bocetos preparatorios. Savitsky representó tan bien a los animales que incluso firmó el cuadro junto con Shishkin.

16. "No lo esperábamos". Iliá Repin, 1884-1888

Pintura del artista ruso Ilya Repin (1844-1930), pintada en 1884-1888. Forma parte de la colección de la Galería Estatal Tretyakov.

La pintura, expuesta en la XII exposición itinerante, forma parte de un ciclo narrativo dedicado al destino del populista revolucionario ruso.

17. “Baile en el Moulin de la Galette”, Pierre Auguste Renoir, 1876.

Un cuadro pintado por el artista francés Pierre Auguste Renoir en 1876.

El lugar donde se encuentra el cuadro es el Museo de Orsay. Moulin de la Galette es una taberna económica en Montmartre, donde se reunían estudiantes y jóvenes trabajadores de París.

18. "Noche estrellada". Vicente Van Gogh, 1889.

De sterrennacht- un cuadro del artista holandés Vincent van Gogh, pintado en junio de 1889, con una vista del cielo antes del amanecer sobre una ciudad ficticia desde la ventana oriental de la casa del artista en Saint-Rémy-de-Provence. Desde 1941 se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Considerada una de las mejores obras de Van Gogh y una de las obras más significativas de la pintura occidental.

19. “La creación de Adán”. Miguel Ángel, 1511.

Fresco de Miguel Ángel, pintado hacia 1511. El fresco es la cuarta de nueve composiciones centrales del techo de la Capilla Sixtina.

“La Creación de Adán” es una de las composiciones más destacadas de la pintura de la Capilla Sixtina. Dios Padre vuela en el espacio infinito, rodeado de ángeles sin alas, con una ondeante túnica blanca. La mano derecha se extiende hacia la mano de Adam y casi la toca. El cuerpo de Adán que yace sobre la roca verde poco a poco comienza a moverse y despierta a la vida. Toda la composición se concentra en el gesto de dos manos. La mano de Dios da el impulso y la mano de Adán lo recibe, dando energía vital a todo el cuerpo. Por el hecho de que sus manos no se tocan, Miguel Ángel enfatizó la imposibilidad de conectar lo divino y lo humano. A imagen de Dios, según el plan del artista, no es el principio milagroso lo que prevalece, sino una gigantesca energía creativa. En la imagen de Adán, Miguel Ángel glorifica la fuerza y ​​la belleza del cuerpo humano. De hecho, lo que aparece ante nosotros no es la creación del hombre en sí, sino el momento en que recibe un alma, una búsqueda apasionada de lo divino, una sed de conocimiento.

20. “Beso en el cielo estrellado”. Gustavo Klimt, 1905-1907

Cuadro del artista austriaco Gustav Klimt, pintado en 1907-1908. El lienzo pertenece al período de la obra de Klimt, llamado el “dorado”, la última obra del autor en su “época dorada”.

Sobre una roca, al borde de un prado de flores, en un aura dorada, los amantes se encuentran completamente inmersos el uno en el otro, aislados del mundo entero. Debido a la incertidumbre sobre el lugar de lo que está sucediendo, parece que la pareja representada en la imagen está entrando en un estado cósmico no sujeto al tiempo ni al espacio, al otro lado de todos los estereotipos y cataclismos históricos y sociales. La completa soledad y el rostro del hombre vuelto sólo acentúan la impresión de aislamiento y desapego hacia el observador.

Fuente: Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me

20 cuadros que todo el mundo debería conocer (historia de la pintura) actualizado: 23 de noviembre de 2016 por: sitio web

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El arte elevado es algo complejo e incomprensible para muchos. La pintura renacentista con su imagen ideal atrae a muchos admiradores, pero no todo el mundo puede creer fácilmente que las obras de Picasso y Kandinsky puedan costar dinero fabuloso. La abundancia de personas desnudas en el cuadro es otro misterio, así como la paradoja de que los buenos cuadros no necesariamente tienen que ser bellos.

sitio web Aprendí las respuestas a varias preguntas interesantes sobre la pintura observando las obras de historiadores del arte y expertos culturales.

1. ¿Es realmente tan caro pintar?

De vez en cuando oímos hablar de cantidades exorbitantes de dinero pagadas por tal o cual cuadro. Pero en realidad, esa cantidad de dinero es la suerte de muy pocos puestos de trabajo. La mayoría de los artistas ni siquiera han visto grandes sumas de dinero. El crítico de arte Jonathan Binstock cree que sólo hay unos 40 autores en el mundo cuyas pinturas se valoran como una suma con muchos ceros.

Las marcas gobiernan el arte

Pongamos quizás el ejemplo más sorprendente. Probablemente hayas oído hablar del artista del graffiti Banksy. La aguda orientación social de las obras y la biografía, cubierta por un aura de secreto, hicieron su trabajo. Hoy Banksy es un artista cuyas obras están valoradas en sumas de varios dígitos. Su cuadro “La chica del globo” se vendió por 1.042 millones de libras y todo el mundo empezó a hablar de su destrucción inmediatamente después de la venta.

Banksy es una marca y las marcas se venden bien. De este modo, El coste de un cuadro está determinado en gran medida por la fama de su autor.

La venta exitosa de un cuadro es la clave del éxito de otros

El artista puede tener mala suerte durante mucho tiempo; vegetará en la pobreza y la oscuridad, sin poder vender sus obras de forma rentable. Pero en cuanto consiga vender uno de sus cuadros por mucho dinero, puedes estar seguro de que el precio de sus otras obras se disparará.

Rareza, escasez, singularidad.

El artista holandés Jan Vermeer hoy se considera de valor incalculable. No hay muchas pinturas de su pincel: solo 36. El artista pintó bastante despacio. El cuadro del holandés “El Concierto”, desaparecido en 1990, está ahora valorado en aproximadamente 200 millones de dólares. Rareza y escasez pinturas afecta el hecho de que sus precios son simplemente altísimos.

El legendario Van Gogh es una súper marca. Hay pocas pinturas del artista, y es obvio que ya no creará nada. Sus obras son únicas.

Hace 10 años, la “Composición suprematista” de Malevich se vendió por 60 millones de dólares. Tal vez, si no fuera por la crisis, se habría vendido por 100 millones de dólares. Las pinturas de Malevich abundan en colecciones privadas., y se desconoce cuándo será la próxima vez que aparezca en el mercado un artículo de esta clase. Quizás dentro de 10 años, o quizás dentro de 100.

En general, es obvio: los compradores están dispuestos a pagar cantidades exorbitantes de dinero. para artículos extremadamente raros.

La innovación es cara

Una de las obras de Richard Prince en la dirección del "préstamo artístico".

La pintura asume la función de atracción.

Hoy en día el nivel del turismo cultural está creciendo y la pintura cumple la función atracciones. Los turistas hacen cola durante horas en museos famosos. Y para poder declararse y reclamar fama mundial, la galería debe poseer ciertamente los originales de pintores famosos y populares.

También están creciendo los centros de turismo cultural creados artificialmente, por ejemplo en Oriente Medio y China. Recientemente la familia real Katar celebró un trato privado por la cantidad $ 250 millones- todo por el bien de que el país tenga una imagen Cézanne "Jugadores de cartas".

Cuando lo tienes todo, empiezas a sentirte atraído por el arte.

En 2017, el multimillonario Dmitry Rybolovlev vendió este cuadro a Leonardo da Vinci por 450 millones de dólares. Ahora es el acuerdo más caro del mundo de la pintura.

Cuando tienes 4 casas y un avión G5, ¿qué más puedes hacer? Sólo queda invertir dinero en pintura, porque una de las "monedas" más duraderas».

Pintura de Georges Seurat "Canal de Gravelines, Gran Fuerte Felipe".

Fragmento del fresco de Miguel Ángel "La creación de Adán".

Incluso los antiguos griegos creían que el cuerpo desnudo era increíblemente hermoso.

En el arte, la mayoría de las veces la desnudez. este es un símbolo. Símbolo de nueva vida, sinceridad, impotencia de un ser vivo, así como de vida y muerte.

Además, nada causa emociones tan fuertes en el espectador, como la desnudez. Podría ser interés, vergüenza, vergüenza o admiración.

4. ¿Por qué todo es tan plano y, en general, poco realista?

Cuadro del artista checo Bohumil Kubisty “El hipnotizador”.

Quizás una de las acusaciones más comunes contra los maestros modernos suene así: Los artistas parecen haber olvidado cómo transmitir la realidad.. De ahí la idea errónea de que los objetos parecen planos.

Pero miremos, por ejemplo, los lienzos. cubistas. Rompen la perspectiva, pero representan objetos simultáneamente desde diferentes ángulos y incluso en diferentes momentos. Por tanto, no se puede decir que la imagen sobre el lienzo sea bidimensional.

Ya no es necesario dibujar “lo que parece”: la fotografía puede hacerlo. Por lo tanto, para buscar una respuesta a la pregunta de por qué el artista representó la realidad plana en tal o cual imagen, es necesario buscar la idea del autor. Al eliminar algunos detalles de la imagen, el artista centra la atención en otros. Al simplificar la imagen, la hace más expresiva. Los artistas de la pintura ingenua no tenían formación académica. Pirosmani y Rousseau fueron sólo autodidactas, pero sus pinturas atrajeron a quienes ya lo habían visto todo y estaban aburridos de la pintura tradicional. Imágenes así eran como un soplo de sencillez vivificante.

Pero los profesionales artistas de vanguardia de los siglos XIX y XX Tenían una formación artística y una base sólida a sus espaldas. Ellos Podían escribir como quisieran., pero en algún momento decidió hacerlo así, imitando a los primitivistas. Como dicen, esto fue intencionado, porque es una forma completamente nueva (y por lo tanto interesante para aquellos que están cansados ​​​​de lo antiguo) de influir en el espectador.

Los artistas habrían hecho un gran trabajo con una pintura en el espíritu del clasicismo académico, y por eso les resultaba aburrida. El joven Picasso pintó retratos conmovedores y bastante realistas. Pero el artista maduro ha elegido un camino que impacta y vigoriza la vista, que ayuda a demostrar un sentido fresco del color y de la forma.

Opinión: decir que las pinturas deben ser ciertamente hermosas es lo mismo que decir que el verdadero cine es sólo una comedia romántica o un melodrama con final feliz. Y los dramas psicológicos, las películas de acción y los thrillers no son cine en absoluto. De acuerdo, hay lógica en esto.

El arte (incluida la pintura) debe hablar el lenguaje de su tiempo. Y para disfrutar de cualquier imagen, incluso realista, es necesario saber qué se representa en ella. En las exposiciones solemos leer los pies de foto de las pinturas e incluso utilizar una audioguía.

¿Qué tipo de pintura hay cerca de ti?

*La pintura dura a su manera. Martín Heidegger

*La pintura es conocimiento del mundo, accesible sólo a una larga experiencia humana. Al mismo tiempo un sueño y un recuerdo. Y penetración en la ciencia de las caricias, que el ardor de un joven amante descuida. Luis Aragón

*En pintura, como en otros géneros artísticos, no existe una sola técnica que pueda ajustarse a una formulación verbal. Augusto Renoir

*La humanidad siempre ha valorado aquellas obras de arte donde se expresa lo más plenamente posible el drama del corazón humano o simplemente el carácter interior de una persona. A menudo, la imagen de un personaje es suficiente para que el nombre del artista permanezca en la historia del arte. Ivan Nikolaevich Kramskoi
*La cuestión no es aprender a dibujar, sino aprender a pensar. Stendhal (Henri-Marie Bayle)

*En última instancia, el mundo está a nuestro alrededor, no frente a nosotros. La profundidad de la imagen pictórica surge de la nada, asentándose y creciendo en el lienzo. Maurice Merleau-Ponty

*Las acciones sucesivas no pueden, como tales, convertirse en objetos de pintura; debe contentarse con acciones simultáneas o con órganos cuya posición sugiere acción. Gotthold Efraín Lessing

*Si una imagen suscita conversaciones, incluso animadas, significa que hay algo en ella; por lo tanto, el arte puede desempeñar un papel de un orden algo superior al de decoración y diversión de la vida. Ivan Nikolaevich Kramskoi

*Cada pintura debe ser única y debe ser una imagen nueva en el rango de ideas de la mente humana sobre el mundo. Henri Matisse

* “Una vez vi un cuervo en la nieve. Un cuervo estaba sentado en la nieve con un ala extendida, sentado como una mancha negra en la nieve. Entonces no pude olvidar este lugar durante muchos años. Morózova”.
“La esencia de una imagen histórica son las adivinanzas” Vasily Ivanovich Surikov.

*Sobre el progreso del trabajo de Repin en la pintura: “Es como si de repente se enojara, se inflamara con toda su alma, tomara la paleta y los pinceles y comenzara a pintar sobre el lienzo como si estuviera furioso”.
"¿Qué es el arte? O más exactamente: ¿qué son los artistas? Una parte de la nación, libremente y por deseo, se ha propuesto la tarea de satisfacer las necesidades estéticas de su pueblo."
“...la máxima autoridad judicial para el artista siempre ha sido y será la impresión que miles de espectadores reciben de la imagen.”

*"Todo alumno en verano debe escribir bocetos y en ellos estudiar de todos lados lo que ha elegido como especialidad; además, tanto en invierno como en verano, debe llevar consigo un cuaderno y un álbum para acostumbrarse dibujando en ellos todo aquello que pueda centrar su atención en ti, y no confiar en tu memoria e imaginación..."
“El paisaje debe ser no sólo nacional, sino también local. La garantía de todo lo dicho serán mis muchos años de experiencia y todo mi deseo de servir a mi paisaje natal, y espero que llegue el momento en que toda la naturaleza rusa. , vivo y espiritual, se verá en los lienzos de los artistas rusos”. shishkin

* “Quiero ser así: despreocupado, en el siglo actual se escribe todo lo pesado, nada alegre. Quiero algo alegre y solo escribiré cosas alegres” Valentin Aleksandrovich Serov.

“Dicen: el arte no es ciencia, ni matemáticas, que es arte, estados de ánimo y que nada en el arte se puede explicar; mira y admira, en mi opinión, esto no es así, es explicable y muy lógico, es necesario. Puedes saberlo, es matemático. En este caso, puedes demostrar con precisión por qué la imagen es buena y por qué "Nikolai Petrovich Krymov" es mala.

*"Un pintor que estudia los colores de las cosas naturales, comprende así sus relaciones, determina la ubicación de una cosa en el mundo, es decir, la existencia de una cosa" Kuzma
"Los colores irritan y tranquilizan, gritan, discuten entre sí y viven afectuosamente uno al lado del otro. En su lucha o acuerdo está el efecto del color en una persona a través del sentido de la visión".

*“El tiempo se toma la molestia de terminar mis obras”.
"El color complementa el cuadro con decoración, pero no es más que una dama de la corte del séquito"
“Dibujar no significa simplemente hacer contornos; dibujar no consiste sólo en líneas. El dibujo es también expresividad, forma interna, plano, modelado”.
“En toda cabeza lo primero que hay que hacer es hacer hablar a los ojos”.
“Sólo en la naturaleza se puede encontrar la belleza, que es el gran objeto de la pintura; es allí donde hay que buscarla y en ningún otro lugar”.
“No hay remordimiento si se copia a los antiguos. Sus obras son una propiedad común, de la cual cada uno puede tomar lo que quiera. Se convierten en nuestra propiedad cuando sabemos cómo usarlas; Rafael, imitándolas incansablemente, siguió siendo él mismo”.
"Más decisión en la aplicación de los colores, más flexibilidad en los tonos. Más confusión en las poses de las páginas, demasiado calculadas. El dorado es más claro en las sombras y más delicado. Menos simetría en general."
"Los contornos exteriores nunca deben profundizarse... son convexos... Para lograr una forma perfecta, no se debe recurrir a volúmenes cuadrados y angulares: es necesario crear una forma redondeada y sin detalles internos que sobresalgan. Cuando solo hay uno figura en el cuadro, ésta debe estar modelada en relieve y así buscar un efecto pintoresco."
“Me reprocharon, y quizás con razón, que repito mis composiciones con demasiada frecuencia, en lugar de crear nuevas obras. Aquí está mi opinión al respecto: la mayoría de las obras que amaba en términos de trama me parecían dignas de dedicar el trabajo. y mejorarlos aún, repetirlos o terminarlos mejor, como me pasó muchas veces con mis primeros cuadros y, de paso, con la Capilla Sixtina. Cuando un artista, en virtud de su amor por el arte y del esfuerzo que ha realizado, tiene derecho a hacerlo. Con la esperanza de dejar su nombre a las generaciones futuras, intentará incansablemente hacer sus obras más bellas o al menos menos imperfectas. Un ejemplo para mí es el gran Poussin, que repitió a menudo las mismas tramas”.
"El dibujo contiene más de las tres cuartas partes de lo que es la pintura. Si pusiera un cartel en mi puerta, escribiría: 'Escuela de dibujo', y estoy seguro de que crearía pintores".

*"Es difícil tomar dos o tres tonos exactamente juntos, cinco es aún más difícil, y captar todo exactamente, como lo sientes con el ojo, es increíblemente difícil. Educa tu ojo poco a poco al principio; luego abre el ojo. más amplio, y al final todo lo que entra en el lienzo debe verse junto, y entonces lo que no se toma con precisión quedará desafinado, como una nota equivocada en una orquesta. Un artista experimentado ve todo al mismo tiempo, como si fuera un buen. El director escucha simultáneamente un violín, una flauta, un fagot y otros instrumentos”.
"Me gusta empezar por las zonas más espesas y oscuras. Esto no me permite adentrarme en el blanquecino. El color será rico y espeso".

*"El uso de toda la gama de intensidad luminosa, el máximo permitido por toda la paleta y el uso de todo el registro de pinturas y matices de colores sólo es posible sobre la base del conocimiento de diversas técnicas.
Estos matices y la saturación del color y la intensidad de la luz en la pintura dependen en gran medida de la preparación de la textura en cada etapa del trabajo.
La pintura que no respira en cada uno de sus colores mil matices que la enriquecen es pintura muerta.
La energía de los colores, al igual que la energía de la forma y la expresión, también lleva la energía del impacto.
El trabajo estudiantil, tímido, aunque sincero, pero protocolario es sólo el ABC del arte. Sólo cuando el pintor, como resultado de largas búsquedas, logra dos o tres pinceladas decisivas, resolviendo simple y claramente el problema de la forma y el color, aparece el grado necesario de persuasión. El laconismo en la pintura, como en el habla, es a menudo deseable como el camino más corto hacia la claridad absoluta: expulsa por su camino recto todo lo que es dudoso, confuso y sobrecargado." K. Yuon

*"La pintura es la vida misma. En ella, la naturaleza se presenta ante el alma sin intermediarios, sin coberturas, sin convenciones. La poesía es intangible. La música es intangible. La escultura es convencional. Pero la pintura, especialmente en el paisaje, es algo real. Poetas, músicos Escultores, no quiero disminuir vuestra gloria. ¡Pero que a todos se les haga justicia!
“Si echamos una mirada al entorno que nos rodea, ya sea un paisaje o un interior, notaremos que entre las cosas que aparecen ante nuestra mirada hay una conexión peculiar creada por la atmósfera que las envuelve y los distintos reflejos de la luz, que, por así decirlo, envuelven cada objeto en una cierta armonía general"
“Qué milagro es admirar en la pintura lo que no se admira en la realidad”.
"La pintura es un arte silencioso y, en mi opinión, ese es su considerable mérito".
“El realista más obstinado todavía se ve obligado, al transmitir la naturaleza, a recurrir a ciertas convenciones de composición o manera. Si hablamos de composición, no puede simplemente tomar una pieza separada o incluso varias piezas y hacer un cuadro con ellas. ponerle una idea para representar al espectador algo más que una conexión aleatoria de partes no relacionadas, sin esto no habría arte. Cuando un fotógrafo fotografía un paisaje, siempre ve sólo una parte, recortada del todo; el borde de la imagen es tan interesante como la parte central; sólo puedes imaginar el paisaje completo; sólo ves una pieza que parece haber sido elegida al azar. Lo secundario aquí exige la misma atención que lo principal; fotografía más que en la creación de la imaginación creativa. Las fotografías que producen la mayor impresión son aquellas en las que, debido a la imperfección del propio método de representación fiel, quedan ciertos huecos, lugares de descanso para la vista, que le permiten mirar. centra su atención en sólo unos pocos objetos. Si el ojo tuviera el poder de una lupa, la fotografía sería insoportable: notaríamos todas las hojas del árbol, todas las tejas del tejado, y todo el musgo de las tejas, todos los insectos, etc. ¿Qué decimos de las vistas desagradables que genera una perspectiva real? ¿Son quizás menos desagradables en un paisaje, donde las partes que sobresalen pueden ampliarse, incluso más allá de toda medida, sin ofender la vista como ocurre con la vista? figuras humanas! El realista más testarudo debe corregir en su pintura esta inflexibilidad de la perspectiva, que distorsiona la apariencia de los objetos precisamente por su precisión."
“Los artistas que no son coloristas se dedican a colorear, no a pintar. La pintura, en el sentido propio de la palabra, si no hablamos de pinturas monocromáticas, contiene la idea de color como uno de sus fundamentos necesarios, junto con el claroscuro. proporción y perspectiva.”

*"La técnica es el lenguaje del artista; desarróllala incansablemente, hasta el virtuosismo. Sin ella, nunca podrás contarle a la gente tus sueños, tus experiencias, la belleza que has visto."Pavel Petrovich Chistyakov

*"Dios es el Inmensurable, y lo siento en mí. Sólo en Él creo. No creo ni en lo que toco ni en lo que veo. Mi cerebro, mi mente, me parecen sólo una breve realidad dudosa. Sólo Considero que mi sentimiento interior es eterno y definitivo”.
"Contacta con los grandes maestros. Ellos nos enseñan a no crear arte pobre..."
“El color hay que pensarlo, inspirarlo, soñarlo”.
“Todo el valor de mis obras radica en el hecho de que les abrí la puerta que conduce al misterio, compuse las imágenes y ahora deben desarrollarse”.
"El cielo a través de las ramas, estas son perlas y piedras preciosas"
"La pintura es un silencio apasionado."

*"Todo el secreto está en la relación de apertura general. La luz viene como si estuviera dentro del propio lienzo. Mire a los venecianos, todo está inundado por una sola luz, y es como si el artista estuviera pintando con la misma pintura. ¿Por qué? Después de todo, ¿hay una sensación de rojo dentro de una sola cortina de color dorado o de un follaje verde? Tiziano solo satura la sombra con color y pinta la luz en todo el cuadro con casi una pintura, un tono al mismo tiempo. plano de la imagen, se conservan la profundidad y el juego de luces "Nikolai Mikhailovich Romadin.

*"Cuando intentas seguir concienzudamente a los grandes maestros, ves que en ciertos momentos todos están profundamente inmersos en la realidad. Quiero decir que las llamadas creaciones de los grandes maestros se pueden ver en la realidad misma, si miras mirarlo con los mismos ojos y con los mismos sentimientos que ellos... La realidad es la base eterna de la verdadera poesía, que se puede encontrar si se busca persistentemente y se profundiza lo suficiente..." Van Gogh

*"Todo el mundo intenta entender la pintura. ¿Por qué no intentan entender el canto de los pájaros?"
"La pintura es una actividad para ciegos. El artista no pinta lo que ve, sino lo que siente."
"¿Por qué intentar entender el arte? No estás intentando entender sobre qué canta un pájaro..."
Un millonario llegó al estudio de Picasso. 3 estaba interesado en un cuadro pintado en estilo cúbico:
- ¿Qué se dibuja aquí?
“Doscientos mil dólares”, respondió el artista.

Cuando le preguntaron a Picasso por qué no decoraba su casa
con sus propios cuadros, respondió: “¡No puedo pagarlos!”

“Estoy terminando tu retrato”, le dijo Picasso al hombre que estaba pintando. - Ahora intenta ser como él.

Picasso guía a los visitantes a través de su exposición.
- Este es mi autorretrato. Y este es un retrato de mi esposa.
- ¿Espero que no tengas hijos?

"Un artista es una persona que pinta lo que se puede vender. Y un buen artista es una persona que vende lo que escribe"

“Hay artistas que convierten el sol en una mancha amarilla, pero también hay quienes, usando su arte y su inteligencia, convierten una mancha amarilla en sol”.

"Y entre la gente hay más copias que originales". Pablo Picasso

“Si mi marido alguna vez se encontraba en la calle con una mujer que se pareciera a las mujeres de sus cuadros, inmediatamente se desmayaría y perdería el conocimiento”.

*"La diferencia entre los surrealistas y yo es que el surrealista soy yo"
"Pintar un cuadro es fácil o completamente imposible"
"Cuando pinto, me siento como si estuviera loco. La única diferencia entre un loco y yo es que yo no estoy loco." Dalí

*El ilustrador Favorsky, cuando hacía ilustraciones para libros, dibujaba un perro en un rincón. Cuando el editor comenzó a indignarse por el motivo de la aparición del perro, demostró cada vez que el perro era simplemente necesario para esta ilustración. Pero al final, después de terminar de discutir, accedió a sacar al perro de la foto. Cuando le preguntaron por qué dibuja este perro cada vez, respondió: "Y si no hubiera ningún perro, habría criticado a Favorsky".

*"En esencia, no existe un estilo hermoso, ni una línea hermosa, ni un color hermoso, la única belleza es la verdad que se hace visible."O. rodin

*"Un paisajista puede trabajar con tranquilidad; la naturaleza nunca insiste en la similitud." G. de la Serna

*“La significación de un artista se mide por el número de signos nuevos que introduce en el lenguaje plástico.”A. Matisse

* “La luz del arte impactará en numerosos corazones, iluminándolos con un nuevo amor. Al principio este sentimiento será inconsciente, pero luego purificará la conciencia humana”. Roerich

*"El dibujo no es una forma, sino una manera de verlo."

*Una obra de arte es la niebla esculpida en una imagen.
*La belleza no es una necesidad, sino un éxtasis. No es una imagen que te gustaría ver, ni una canción que te gustaría escuchar, sino una imagen que ves aunque cierres los ojos, y una canción que escuchas aunque cierres los oídos.

*Un artista es una persona que se aleja de la realidad porque es incapaz de aceptar la renuncia a la satisfacción instintiva que ésta requiere; abre espacio para sus planes egoístas y ambiciosos en el reino de la fantasía. Freud Sigmund

*Los buenos artistas crean, los grandes artistas roban y los verdaderos artistas entregan a tiempo... Steve Jobs

*Todo niño es un artista. La dificultad es seguir siendo artista más allá de la niñez. Pablo Picasso

*Todos tienen derecho a cambiar, incluso los artistas. Pablo Picasso

*¿Cuándo lo entenderás?
Que no eres hijo de la tierra,
Pero un viajero a través de los universos,
Cuando entiendes que una persona nace,
Para derretirlo fuera del mundo
Necesidad y razón -
El Universo de la Libertad y el Amor, -
Sólo entonces Tú te convertirás en un Maestro. Maximiliano Voloshin

*El artista es un mentiroso, pero el arte es la verdad.André Maurois

*No fue ni divertido ni triste - fue maravilloso...Vincent Van Gogh

*El artista es el foco de la conciencia de las cosas y fenómenos reflejados en él M.A. Voloshin.

* Las autobiografías de artistas en aquellos lugares donde hablan de cómo alcanzaron la fama suelen ser extensas. Ulrich Erkenbrecht

* El arte anticlásico, si es que se le puede llamar arte, es simplemente el arte de la gente perezosa. Es la doctrina de quienes quieren crear sin trabajo y conocer sin estudiar. Artista francés del siglo XIX. Juan Ingres

* Dios es un artista más. Inventó una jirafa, un elefante, un gato. No tiene letra establecida. Él simplemente sigue intentando crear cosas. Pablo Picasso

* A los veinticinco años cualquiera puede tener talento. La cuestión es tener talento a los cincuenta años. Edgar Degas, artista francés

* En nuestra época, los periódicos intentan obligar al público a juzgar a un escultor no por sus esculturas, sino por cómo trata a su esposa; sobre un artista, por el tamaño de sus ingresos, y sobre un poeta, por el color de su corbata. Oscar Wilde

* Hay suficiente artista en mí para dibujar libremente en mi imaginación. La imaginación es más importante que el conocimiento. El conocimiento es limitado. La imaginación abraza el mundo. A. Einstein

* Cada estrato social es curioso a su manera, y un artista puede representar con igual interés los modales de una reina y los hábitos de una modista. Sr. Proust

* El mayor elogio para un artista es cuando se olvida de los elogios frente a su obra. Gotthold Lessing

* Sí, señora, la Naturaleza [en los cuadros - D.D.] se cuela. La respuesta del artista J.A. McNeill Whistler a la frase de una señora de que cierto paisaje le recuerda a sus pinturas.

* Para un artista del siglo XV, la descripción de un lecho de muerte era un medio tan seguro de ganar popularidad como para un artista del siglo XX, una descripción de un lecho de amor. Aldous Huxley

* El único elogio que se le debe dar a un artista es comprar su obra. El artista impresionista francés Pierre Renoir.
* Si observas más de cerca su trabajo, notarás que parecen la trayectoria de vuelo cuidadosamente dibujada de una mosca traumatizada. Marina Rodna sobre las pinturas del artista abstracto estadounidense Jackson Pollock

* Si no hay nada bello en la apariencia de una mujer, dicen que tiene hermosos ojos. Si un artista no tiene talento, significa que está sinceramente dedicado a su trabajo. El crítico Stanislav Zelvensky sobre la exposición fotográfica de Stas Namin

* Si te ves bien y vistes bien, no necesitas una meta en la vida. Robert Pant, diseñador de moda estadounidense

* La sed de lucro aún no ha creado a ningún artista, pero ha destruido a muchos. alston

* La pintura es la profesión de los ciegos. El artista no pinta lo que ve, sino lo que siente, lo que significa para él lo que ve. Pablo Picasso

* ¡Nos preocupamos por la insatisfacción creativa de los artistas! Stanislav Jerzy Lec

* INTELECTUAL – una persona que habla de manera compleja sobre cosas simples; Un ARTISTA es una persona que simplemente habla de cosas complejas. Charles Bukowski

* Un verdadero artista crea la siguiente obra porque no está satisfecho con la anterior. Dmitri Shostakóvich

* Todo artista que represente el cielo verde y la hierba azul debe ser esterilizado. Adolf Gitler

* Cuando tengo que burlarme de la naturaleza, lo primero que intento hacer es olvidar que alguna vez he visto una sola imagen. pintor paisajista inglés John Constable

* Cuando era niño, mi madre me decía: “Si te conviertes en soldado, llegarás a general; si llegas a ser monje, llegarás a ser Papa”. Pero en lugar de eso me convertí en artista y descendí a Picasso. Pablo Picasso

* Cuando [el artista] Diego Rivera protestó por los cambios en su mural en el Rockefeller Center, Nelson Rockefeller supuestamente lo persuadió simplemente diciendo: "Este es mi muro". Eugenio McCarthy

* COLLAGE es una forma inteligente de transferir al lienzo diversos objetos cotidianos que el artista no quiere representar de la forma habitual. Marina Rodna

* ARTE CONCEPTUAL: el arte de artistas que sienten que están expresando ideas filosóficas profundas en absolutamente todo lo que hacen, incluso si los demás no ven ninguna idea en ello. Marina Rodna

* Sólo en el fracaso el artista aprende su verdadera actitud hacia la creatividad, sólo después de la derrota el comandante ve sus errores. S.Zweig

* Cualquier retrato realizado desde el corazón es un retrato del artista, y no de la persona que posó para él. Oscar Wilde

* Cualquier buen artista que se esfuerce por crear verdaderas obras maestras primero debe poder llevarse a mi esposa. Salvador Dalí

* Las memorias son la mejor fuente de información. Leerlos es un placer; Además, te espera una agradable sorpresa: resulta que el gran artista no sólo está dotado de manos hábiles, sino que también es capaz de pensar con bastante inteligencia sin la ayuda de un crítico. Marina Dana Rodna

*Siempre he sospechado de los artistas que alcanzaron el éxito antes de morir. John Murray Fitzgibbon

* Un verdadero artista es un diapasón; sólo puede tocar una nota: la suya. Olga Muravyova

* Un verdadero experto, que quiere mantener su reputación, inmediatamente después de la muerte de un artista famoso intenta publicar un catálogo completo de sus obras lo más rápido posible, después de lo cual los precios comienzan a subir incontrolablemente. Si alguna de las obras del artista no está incluida en este documento capital, será muy difícil demostrar no sólo su autenticidad, sino también su existencia misma. Marina Rodna

* No hay que temer especialmente atribuir a los artistas del pasado un ideal que nunca tuvieron. La admiración es imposible sin una mezcla de ilusión, y comprender una obra de arte perfecta significa, en general, recrearla en el mundo interior. Las mismas obras se reflejan de manera diferente en el alma de quien las contempla. Cada generación busca nuevas emociones en las creaciones de viejos maestros. El espectador más talentoso es aquel que encuentra, a costa de algunas interpretaciones falsas acertadas, la emoción más tierna y más fuerte. Por lo tanto, la humanidad experimenta un apego apasionado principalmente a aquellas obras de arte y poesía que contienen lugares oscuros que permiten la posibilidad de diferentes entendimientos. R. Francia

* Algunos se vuelven críticos porque son incapaces de ser artistas, de la misma manera que un hombre se convierte en delator porque es incapaz de ser soldado. Gustavo Flaubert

* Algunos artistas pintan flores. Dibujo lo que piensan las flores. Sylvester Stallone

* La educación es desastrosa para cualquiera que tenga madera de artista. La educación debería dejarse en manos de los funcionarios, e incluso ellos se sienten tentados a beber. George Moore

* Verás, tres cuartas partes de la humanidad piensan más en lo que se les muestra que en cómo se hace. El paisajista inglés John Sell Cotman

* ¿Por qué el arte no debería ser hermoso? El mundo ya está lleno de problemas. El artista impresionista francés Pierre Renoir.

*Siempre hay verdad, sólo hay que inventar mentiras. Georges Braque, artista francés

* Una vocación sólo puede ser reconocida y probada por el sacrificio que un científico o artista hace por su paz y bienestar. LN Tolstoi

* Pasé una mañana miserable comparándome con Rafael. Benjamin Haydon, artista inglés, entrada del diario

* Rafael recibió el encargo de pintar el Vaticano no porque fuera un gran artista, sino porque su tío era un arquitecto papal. Lord Melbourne, primer ministro británico

* REALISMO: reproducción escrupulosa de todos los detalles del objeto representado. Esto se hace para garantizar que cada espectador comprenda exactamente qué quería representar el artista. Marina Rodna

* Hoy, como sabes, soy famoso y muy rico. Pero cuando me quedo solo conmigo mismo, me falta el coraje de considerarme un artista, en el gran y antiguo sentido de la palabra... Sólo soy un artista de masas que comprende las necesidades de mi tiempo. Pablo Picasso en 1971

* La situación aquí es ideal: los banqueros sólo hablan de pinturas, los artistas sólo hablan de dinero. Tasador desconocido sobre subastas de arte.

* Sólo los malos artistas escriben demasiado. A. Matisse

* La buena pintura es como la buena cocina: se siente el sabor, pero no se puede explicar. Artista y escritor francés Maurice de Vlaminck

* Un buen artista no necesita poner nombre al cuadro, pero un mal artista sí. proverbio polaco

* Lo quiera o no el artista, la manzana seguirá cayendo al suelo. El director de cine Andréi Konchalovski

* ESCUELA DE ARTE es un lugar donde las jóvenes pasan el tiempo entre la universidad y el matrimonio. El artista estadounidense Thomas Hart Benton.

* ARTISTA: aquel que hace cosas que la gente no necesita. Andy Warhol
* Un artista es una síntesis de teórico y practicante. Novalis
* ARTISTA - exhibicionista profesional. Vincent Van Gogh

* Un artista puede incluso descubrir con asombro -como le ocurrió a Miró en cierta galería americana- que todas las obras expuestas allí bajo su nombre son falsificaciones. Peor aún, tuvo que soportar un shock aún mayor cuando lo arrastraron a los tribunales, donde tuvo que demostrar que él era el mismo Miro. Marina Rodna

* Un artista debe ser digno de la alta sociedad y mantenerse alejado de ella. John Ruskin

* El artista debe trazar su plan con fuego, pero ejecutarlo con compostura. Juan Winckelmann

* El artista piensa con el dibujo. San Dalí

* Un artista puede al menos colgar sus cuadros, pero un escritor sólo puede colgarse él mismo. Eduard Dahlberg (nombre completo John Emerich Eduard Dahlberg-Acton)

* Un artista nunca abandona el arte, pero sucede que el arte abandona al artista. G. Kozintsev

* Un artista debe ser vanidoso, pero tiene derecho al pudor. Karl Kraus

* ARTISTA – una criatura liderada por demonios. William Faulkner

* ¡Cualquiera puede ofender a un artista, pero un artista puede ofender a todos! Desconocido

* Los artistas son las únicas personas en el mundo que realmente viven. El resto sólo puede esperar llegar al cielo. El artista estadounidense John French Sloan.

* Los artistas tienen la responsabilidad de mostrarnos lo buena que es la vida. De lo contrario tendríamos dudas. anatol francia

* Los artistas del arte pop representan persistentemente todo lo que todos conocen bien, ven constantemente y estarían felices de olvidar. Marina Rodna

* Los artistas, ahogados en... un torrente de palabras sobre su trabajo, a su vez comienzan a idear sus propias teorías estéticas. Al mismo tiempo, se observa un patrón completamente lógico: cuanto más filosófico y abstruso se vuelve su discurso, más ordinarias y planas son las obras que crean. No es de extrañar que Matisse dijera que el artista “debe cortarse la lengua para poder expresarse únicamente con la ayuda del pincel”. Marina Rodna

* El objetivo de todo artista es utilizar medios artísticos para detener el flujo de la vida misma [en la imagen] y consolidarla para que incluso después de cien años, tan pronto como alguien mire, la acción continúe allí nuevamente, como en la vida. . William Faulkner

* Una persona puede nacer poeta, pero está obligada a convertirse en artista. Poeta inglés Siegfried Sasson

* Una persona se revela en sus obras. En las interacciones sociales, se muestra como quiere ser y sólo se puede juzgar correctamente por sus pequeñas acciones inconscientes y por su expresión facial que cambia involuntariamente. Al haberse apropiado de tal o cual máscara, una persona con el tiempo se acostumbra tanto a ella que en realidad se convierte en lo que al principio quería parecer. Pero en su libro o en su cuadro está desnudo e indefenso. Sus afirmaciones sólo enfatizan su vacío... Ningún intento de originalidad puede ocultar la mediocridad. Un conocedor perspicaz incluso en un boceto ve las profundidades espirituales ocultas del artista que lo creó. S. Maugham

* ¿En qué se diferencia un artista de un aficionado? Sólo el dolor que siente. El aficionado sólo busca placer en el arte. El artista simbolista francés Redon Odilon

* Convertirse en fotógrafo requiere mucha imaginación. Incluso un artista necesita menos imaginación porque puede inventar. Pero en fotografía todo es tan normal; hay que buscar durante mucho tiempo antes de aprender a ver lo ordinario. David Bailey

*Te escribiré más parecido que tú. Max Liebermann, artista alemán

*Seguí las reglas hasta que las odié a todas. La artista abstracta estadounidense Helen Frankenthaler

* Voy al estudio todos los días porque algún día podría encontrarme con un ángel allí. ¿Y si él viene y yo no? Philip Guston, artista estadounidense nacido en Canadá

* [Miguel Ángel] Buonarotti los elogió mucho [las pinturas de Tiziano], diciendo que le gustaba mucho su estilo y colorido, pero es una pena que [a los artistas] en Venecia no se les enseñe a dibujar bien desde el principio. Giorgio Vasari

*Gracias a Dios que siempre deseo más de lo que puedo lograr. Miguel Ángel Buonarroti

* MEJORA: la mejora consiste en nimiedades, pero la mejora no es nimiedad. Miguel Ángel Buonarotti

* La creación puede sobrevivir al creador: El Creador se irá, derrotado por la naturaleza, Sin embargo, la imagen que imprimió calentará los corazones durante siglos. Miguel Ángel Buonarroti

* Todavía estoy estudiando. El dicho favorito de Miguel Ángel Buonarotti

* Terminé la capilla que estaba pintando. Papá está feliz. Miguel Ángel Buonarotti, en una carta a su padre sobre la famosa Capilla Sixtina en el Vaticano

* Vivo en los corazones de miles de almas.
A todos los que aman, y eso significa que no soy polvo,
Y la decadencia mortal no me tocará. Miguel Ángel Buonarroti

* Pintar un buen cuadro no es más fácil que encontrar una perla o un diamante. Es difícil y pone en peligro la vida. Vincent Van Gogh, en una carta a su hermano en 1888

* A pesar de todas las explicaciones, tus pinturas producen tal efecto como si nos trataras con gasolina en lugar de vino. Georges Braque, impresiones de las primeras pinturas cubistas de Pablo Picasso

* Ella es más vieja que las rocas entre las que se sienta; Como un vampiro, ha muerto muchas veces y conoce los secretos de las tumbas. Walter Pater sobre el cuadro "Mona Lisa"

* Rembrandt pintó unos trescientos cuadros, de los cuales casi mil se encuentran en América.

* Sólo un ruso, mirando una bella imagen, puede maldecir con admiración.

* Una buena imagen entre las notoriamente malas se vuelve mala; el malo entre los buenos es bueno. Pablo Picasso

* Quería copiar la naturaleza, pero no pude. Pero me alegré cuando me di cuenta de que, aunque es imposible reproducir el sol [en una pintura], su resplandor se puede representar con el color [de toda la pintura]. Paul Cezanne

* Empezar a pintar sin talento innato es lo mismo que tirar una semilla a las olas. Paolo Veronés

* Representar un objeto significa dominarlo. La pintura es un acto que proporciona un conocimiento más profundo y una posesión más completa que el sexo; sólo el sueño o la muerte pueden compararse con él. Modigliani

* El dibujo es sólo un mal necesario, porque las proporciones son fáciles de determinar. El color es el objetivo, el principio y el fin de la pintura. El crítico de arte alemán Wilhelm Heinse

*La precisión aún no es cierta. Henri Matisse sobre la pintura

Resulta que otras imágenes se esconden bajo las pinturas de algunos artistas famosos. A veces, si miras de cerca, son visibles a simple vista. Pero los historiadores del arte los encuentran más a menudo mientras estudian pinturas de maestros famosos o restauradores que trabajan en la restauración de pinturas. En nuestra revisión, hay seis casos más interesantes en los que las pinturas ocultaban imágenes ocultas.

Respondiendo a la pregunta sobre las pinturas ocultas, los científicos señalan que las razones de su aparición en pinturas famosas son diferentes. A veces, al artista simplemente no le gustó la versión original, a veces la imagen tuvo que volver a dibujarse debido a la opinión pública, y también sucedió que los artistas se encontraron en una situación financiera desesperada, no podían permitirse el lujo de comprar un lienzo nuevo y usaban los viejos. por sus nuevos trabajos.

1. Busto del monarca en el cuadro de Jean Auguste Ingres

En el lado izquierdo del lienzo del artista neoclásico francés Ingres "Retrato de Jacques Marquet, barón de Montbreton de Norvin" (1811-12), que representa al jefe de policía de Roma después de la conquista de la ciudad por Napoleón, incluso con a simple vista se puede observar un busto de la cabeza de un niño. Se cree que se trata de un busto de la cabeza del hijo de Napoleón, a quien su padre proclamó rey de Roma. En 1814, cuando Napoleón finalmente fue derrotado y abdicó del trono, Ingres pintó sobre el cuadro por razones políticas y pintó uno nuevo encima.

2. La mujer del cuadro de Picasso “El viejo guitarrista”

Pablo Picasso pasó por un período difícil entre 1901 y 1904, cuando ni siquiera tenía dinero para comprar nuevos materiales para su obra. A menudo imprimaba lienzos viejos y los utilizaba para crear pinturas nuevas. Uno de los ejemplos más famosos de pentimento en la obra de Picasso es el cuadro "El viejo guitarrista", en el que se descubrió la figura pintada de una mujer.

Los historiadores del arte ya habían notado una silueta vaga detrás del cuello curvo del guitarrista, pero sólo iluminando la imagen con rayos X pudieron identificar una imagen antigua de una mujer alimentando a un niño pequeño, con un toro y una oveja al lado.

3. El hombre barbudo en el cuadro de Picasso “La habitación azul”

El cuadro de Picasso de 1901 "La habitación azul" también contiene un secreto, descubierto recientemente mediante tomografía óptica infrarroja. Si colocas la imagen verticalmente, debajo de la capa de pintura encontrarás a un hombre barbudo con muchos anillos en los dedos.

4. Correa del cuadro de John Singer Sargent "Retrato de Madame X"

El "Retrato de Madame X", que se exhibe en el Museo Metropolitano de Arte, se considera un ícono de estilo debido a la sencilla ropa negra de la dama representada en él, su figura escultural y su expresión altiva. Sin embargo, hubo un tiempo en que este retrato se consideró un insulto escandaloso a la decencia y tuvo un impacto muy negativo en la carrera del artista en Europa.

La mujer del retrato es la famosa socialité parisina Virginie Gautreau. La palidez de su piel, considerada el estándar de belleza en ese momento, llevó a un crítico contemporáneo a describir el tono de piel de Gautreau como "cadavérico". Este efecto se logró tomando arsénico. Gautreau también se tiñó el cabello con henna para darle mayor contraste. Sargent, para enfatizar la inusual belleza de Gautreau, la representó con un vestido negro, uno de cuyos tirantes caía coquetamente sobre su hombro.

Cuando el retrato se exhibió por primera vez en el Salón de París, el público estalló de indignación porque la correa medio bajada se consideraba muy obscena. Como resultado, Sargent reescribió este detalle del vestido, levantándolo hasta el hombro.

5. Mujer en la ventana

En la Galería Nacional de Londres, durante el proceso de restauración de una pintura del siglo XVI de un artista desconocido, se descubrió un “maquillaje” inusual. Resultó que la rubia de la imagen es en realidad morena, y el artista reescribió el color de su cabello sobre el original. Hoy la pintura ha sido restaurada a su estado original y colocada en la Galería Nacional.

6. Ballena en "Escena de playa" de Hendrik van Antonissen

Cuando esta pintura holandesa del siglo XVII fue donada al Museo Fitzwilliam, simplemente representaba una escena de playa. Sin embargo, los críticos de arte se preguntaron por qué la pintura representaba a una multitud reunida cerca del agua sin motivo aparente. Después de la restauración, bajo una capa de pintura, se descubrió la imagen de una ballena arrastrada a la orilla. Se cree que la ballena fue pintada por razones estéticas en los siglos XVIII o XIX.

Los conocedores del arte estarán interesados ​​en conocerlo.

Estos artistas sorprenden con su talento y la forma en que crean sus pinturas hiperrealistas. Es difícil de creer, pero estas no son fotografías, sino cuadros reales dibujados con lápiz, pinturas e incluso bolígrafos. ¡¿No entendemos cómo lo hacen?! Simplemente disfruta de su creatividad.

Omar Oritz- artista hiperrealista de México, Licenciatura en Diseño Gráfico. El tema principal de sus pinturas son figuras humanas, en su mayoría mujeres desnudas. En el cuadro, el artista destaca tres elementos: la figura humana, los drapeados y el color blanco. La peculiaridad de las obras de Omar es el estilo minimalista, el laconismo en la transmisión de las sutiles curvas y líneas del cuerpo y el trabajo al óleo.

Pablo Cadden es un artista contemporáneo de talla mundial de Escocia. Para sus obras, Paul utiliza únicamente tiza blanca y grafito, con los que puede recrear casi cualquier fotografía, prestando atención a los pequeños detalles imperceptibles. Como admite el propio artista, no inventa nuevos detalles, solo los enfatiza, creando así la ilusión de una nueva realidad, que a menudo no es visible en las fotografías originales.

Kamalky Laureano- artista nacido en República Dominicana en 1983, actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México. Kamalki se graduó en la Escuela de Diseño y Arte y se especializa en la creación de retratos hiperrealistas. Los motivos son difíciles de distinguir de las fotografías reales, aunque están pintados con pinturas acrílicas sobre lienzo. Para el autor, su obra no es sólo una imitación de fotografías, sino toda una vida plasmada en un lienzo.

Gregorio Thielker- Nació en Nueva Jersey en 1979, estudió historia del arte y pintura en la Universidad de Washington. Mudarse a Boston se convirtió en el punto de partida de su trabajo sobre los paisajes urbanos hiperrealistas que lo hicieron famoso en todo el mundo. Las pinturas de Tilker son como viajar en coche en un día frío y lluvioso. Inspirándose en las obras de artistas de los años 70, el autor crea sus pinturas realistas utilizando acuarelas y pinturas al óleo.

Lee precio- un artista de Nueva York, graduado de la universidad en pintura y se dedica a la pintura figurativa. La trama principal de las obras de Lee es la compleja relación de las mujeres con la comida. Es como si el espectador estuviera observando desde fuera a las mujeres que comen en secreto algo sabroso, pero dañino. La propia artista dice que en sus obras intenta mostrar que las mujeres dotan a la comida de cualidades que no le son inherentes y buscan consuelo en una fuente inadecuada. Las pinturas transmiten lo absurdo de la situación, un intento de escapar de la realidad, de aliviar sensaciones desagradables.

Ben Weiner Nació el 10 de noviembre de 1980 en Burlington, Vermont, se graduó en la Universidad de Arte, pinta al óleo sobre lienzo. La peculiaridad de las obras del artista es una trama inusual. ¡Ben pinta! Primero, el artista aplica pinturas sobre la superficie de trabajo, las fotografía y luego pinta un cuadro sobre lienzo a partir de la foto terminada.

Nacido en 1950 en el norte de California, es conocido por sus pinturas realistas en acrílico sobre lienzo. Cuando era niño, el autor compartía su amor por el dibujo con su éxito en los deportes, pero una lesión en la espalda determinó la ocupación principal de Ray. Como admitió el artista, el dibujo lo distrajo del constante dolor de espalda. Incluso en su juventud, el maestro recibió un amplio reconocimiento y numerosos premios en concursos de arte.

Alyssa Monjes Vive y crea sus pinturas en Brooklyn, se ha hecho ampliamente conocida por sus pinturas realistas "húmedas". El artista utiliza filtros como agua, vidrio o vapor para crear diseños abstractos. Para su trabajo, Alyssa suele utilizar fotografías de archivos personales de familiares y amigos. Los rostros y figuras de las mujeres en las pinturas son similares entre sí: la artista pinta a menudo autorretratos, ya que afirma que le resulta “más fácil” crear la trama necesaria.

Pedro Campos- hiperrealista madrileño, comenzó a pintar al óleo recién a los 30 años. El artista crea sus naturalezas muertas realistas utilizando pintura al óleo. Campos ha trabajado como diseñador de interiores, ilustrador y restaurador de muebles, esculturas y pinturas. El artista cree que fue su trabajo como restaurador lo que le ayudó a perfeccionar sus habilidades.

Dirk Dzimirsky- artista alemán, nacido en 1969, recibió formación artística, trabaja con la técnica del lápiz. El artista dibuja a partir de fotografías, sin entrar en los más mínimos detalles, e improvisa mucho. Dirk dice que cuando trabaja en un cuadro, imagina un modelo vivo, por lo que utiliza fotografías sólo para transmitir meticulosamente proporciones predeterminadas. El autor considera que su tarea principal es crear una sensación de presencia del sujeto en la imagen.

Thomas Arvid es un artista hiperrealista estadounidense de Nueva Orleans, que nació y creció en Detroit, no tiene formación formal y es un maestro de la llamada naturaleza muerta “oversized”. Su serie de pinturas realistas “Wine Cellar” son corchos, botellas, vasos con bebidas espumosas o de color rojo intenso. Críticos y publicaciones de renombre destacaron más de 70 obras del artista. Las pinturas del maestro adornan no sólo las paredes de bodegas y prestigiosos salones de vino, sino también colecciones y galerías privadas.

Robin Eley Nació en Gran Bretaña, creció y continúa viviendo y trabajando en Australia, tiene una Licenciatura en Bellas Artes y ha sido galardonado con el Premio Nacional de Retrato Doug Moran. Crea sus pinturas hiperrealistas al óleo y considera que el tema “las personas y el celofán” es su principal “caballo”. El maestro trabaja en un cuadro durante aproximadamente 5 semanas, 90 horas a la semana, casi todos los cuadros representan personas envueltas en celofán.

Samuel Silva- un artista aficionado portugués sin educación especial, que demuestra con su ejemplo personal que se puede crear una obra maestra a partir de cualquier cosa. Al crear pinturas, el artista utiliza una paleta de ocho colores de bolígrafos de Bic. Silva es abogado de profesión y considera que su pasión por el dibujo no es más que un hobby. Hoy en día, el artista autodidacta de fama mundial domina nuevas técnicas de pintura utilizando pinturas, tizas, lápices de colores, pasteles, etc.

Gottfried Helnwein- Artista austriaco, autor de pinturas hiperrealistas sobre temas sociales, políticos e históricos, "un maestro del reconocimiento inesperado", como lo llamó el escritor W. Burroughs. El autor se formó en la Academia de Bellas Artes de Viena y es un artista de alto nivel profesional. Su fama se debió en cierta medida a temas controvertidos y composiciones surrealistas. El maestro a menudo representaba personajes de cómics en sus cuadros y admite que "aprendió más del Pato Donald que en todas las escuelas a las que asistió".

franco clun- Artista autodidacta italiano que prefiere el dibujo en grafito a todas las demás técnicas artísticas. Sus pinturas realistas en blanco y negro son el resultado del estudio independiente de Franco de diversa literatura sobre técnicas pictóricas.

Kelvin Okafor- artista hiperrealista, nacido en 1985, vive y trabaja en Londres. Kelvin se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Middlesex. El autor crea sus cuadros con un simple lápiz; el tema principal de su obra son los retratos de celebridades.

amy robins es una artista británica que utiliza lápices de colores y papel grueso para sus obras hiperrealistas. El artista tiene experiencia en arte y diseño y una licenciatura en Bellas Artes y vive y trabaja en Bristol. Poco se sabe sobre la joven autora, pero sus obras ya se han hecho famosas en todo el mundo, destacando por su realismo y técnica de ejecución.

Roberto Longo- Artista y escultor estadounidense, nacido en Brooklyn en 1953, galardonado con el legendario premio Goslar Kaiser Ring. El artista dibuja sus imágenes tridimensionales de explosiones nucleares, tornados, huracanes y tiburones con carboncillo sobre papel. A Longo a menudo se le llama el "pintor de la muerte". El famoso cuadro Sin título (La isla calavera), que representa una ola, se vendió en la subasta de Christie's en Londres por 392 mil dólares.

Diego Fazio- artista autodidacta, nacido en 1989 en Italia, no tiene educación artística, comenzó desarrollando bocetos para tatuajes y con el tiempo desarrolló su propia técnica de dibujo. El joven artista participó en numerosos concursos internacionales, donde ganó premios y estuvo representado en exposiciones en todo el mundo. El artista trabaja bajo el seudónimo de DiegoKoi.

Bryan Drury Nacido en 1980 en Salt Lake City, diplomado por la Academia de Artes de Nueva York, crea pinturas en el género del realismo. El artista pinta sus cuadros con pinturas al óleo. Como admite el autor, en sus obras intenta centrarse en las cualidades orgánicas de la piel y sus defectos.

Steve Mills es un artista estadounidense que vendió su primer cuadro a los 11 años. El artista crea sus cuadros con pinturas al óleo, centrándose en los detalles más pequeños de la vida cotidiana, que a menudo no notamos en nuestro eterno ajetreo. El artista señala que representa los objetos tal como son en la vida real, sin cambiar ni exagerar su forma original.

Pablo Pulmón Nacida en Hong Kong, dibuja con lápiz automático en hojas A2. La peculiaridad de la técnica de creación de pinturas es la negativa fundamental a utilizar un borrador; todas las obras están dibujadas en su totalidad. Las principales “musas” del artista son los gatos, aunque también pinta personas y otros animales. Cada obra le toma al autor al menos 40 horas.

Roberto Bernardi Nacido en Italia, se interesó por el hiperrealismo a los 19 años, trabajó como restaurador en la Iglesia de San Francisco. Para crear cuadros utiliza pinturas al óleo. Una serie de obras que representan objetos característicos de una sociedad de consumo le dieron al artista fama mundial. Cuadros con dulces, máquinas expendedoras, estantes de refrigeradores son la tarjeta de presentación del artista, aunque su arsenal incluye paisajes, naturalezas muertas y mucho más.

Juan Francisco Casas es un artista español que crea sus cuadros con un bolígrafo Bic normal. Casas fue un artista tradicional que decidió demostrar a los demás que lo importante no es el material de trabajo, sino el método y la técnica de pintar. La primera exposición del creativo español le dio fama mundial. La mayoría de las pinturas de Casas representan a sus amigos.

Teresa Elliott es un artista estadounidense que, antes de crear pinturas al óleo realistas, trabajó con éxito como ilustrador durante 26 años. Teresa es licenciada en Bellas Artes, volvió al arte clásico y se hizo famosa en todo el mundo por sus retratos, veraces hasta el más mínimo detalle.