Видове улично изкуство. Улично изкуство и архитектура: най-известните проекти

История

Произход

Другари и граждани, ние, лидерите на руския футуризъм - революционното изкуство на младостта, заявяваме:

1. Оттук нататък, заедно с унищожаването на царската система, се премахва резиденцията на изкуството в складовете, амбарите на човешкия гений - дворци, галерии, салони, библиотеки, театри.

2. В името на великата стъпка на равенството на всички пред културата, нека Свободното слово на творческата личност бъде изписано по пресечките на стените на къщите, оградите, покривите, улиците на нашите градове, села и на задните части на колите, файтони, трамваи и върху роклите на всички граждани.

3. Нека картините (цветовете) се разпространяват като полускъпоценни дъги по улиците и площадите от къща на къща, радвайки и облагородявайки окото (вкуса) на минувача.

Художниците и писателите са длъжни незабавно да вземат гърнета с бои и четки на своето умение, за да осветят, да изрисуват всички страни, чела и гърди на градовете, гарите и вечно бягащите ята от железопътни вагони.

Нека отсега нататък, вървейки по улицата, гражданинът ще се наслаждава всяка минута на дълбочината на мисълта на великите съвременници, да съзерцава цветната яркост на красивата радост днес, да слуша музика - мелодии, рев, шум - прекрасни композитори навсякъде.

Нека улиците бъдат празник на изкуството за всички.

- Владимир Маяковски, Давид Бурлюк, А. Каменски (“Вестник на футуристите.” - М., 15 март 1918 г.)

Според легендата историята на графитите започва през 1942 г., по време на Втората световна война, когато работникът Килрой започва да пише „Килрой беше тук“ върху всяка кутия с бомби, произвеждани във фабрика в Детройт. Войници в Европа възпроизвеждат тази фраза върху стени, оцелели след бомбардировките. Тази първа проява на вируса по-късно се присъединява от подписите на Cornbread във Филаделфия през 50-те и 60-те години на миналия век. Художникът превзема града като буря заедно с Cool Erl и Top Cat. Тримата създават графити, в истинския смисъл на думата пораждат това движение.

1970 г

От Филаделфия движението дойде в Ню Йорк в края на 60-те години. Всичко започна там, в квартал Вашингтон Хайтс в Манхатън. През 1971 г. "етикетът" се разпространява навсякъде, покривайки стените на вагоните на метрото. Julio 204 е първият, който поставя номера на улицата до прякора си. Първият писател, разпознат извън собствения си квартал, е Таки 183. Той оставя следи от присъствието си в толкова много градски места, превръща се в своеобразен „подпалвач“ и предизвиква вълна от подражания сред много писатели.

В същото време започва да се появява нова форма. 1972 година бележи раждането на нов естетически език. Докато се разразява истинска война между писатели, търсещи слава чрез псевдонимите си, някои от тях, за да се разграничат по някакъв начин, използват неочаквани стилови включвания. Това беше началото на стила и кода на графитите, които се използват и днес.

1980 г

Бързото и неконтролирано разрастване на движението предизвиква известен интерес сред културните авторитети, от критиците до галериите. Следователно в началото на 80-те години на миналия век има впечатляващ брой изложби, на които младите писатели са признати за творци в пълния смисъл на думата. През 1981 г. престижното списание Art Forum посвещава статия на феномена Fashion Fashion. Същата година писателите участват в изложбата PSI New York/New Wave заедно с други художници, включително Жан-Мишел Баския, както и Джоузеф Косут, Уилям Бъроуз, Нан Голдин, Анди Уорхол и Лорънс Уайнър. През 1982 г. Fashion Moda излага в Документа 7 в Касел, Германия. Със същия озадачаващ привиден успех първите писатели са изложени в много музеи в Европа успоредно с изложби в най-добрите галерии в Ню Йорк.

Едновременно с артистичното признание изкуството на графитите преживява сурови санкции, които го принуждават да се развива извън метрото и улиците. Натискът оказва значително и понякога фатално влияние върху художественото развитие на много писатели. Но не всички приемат това и някои търсят нови пътища за развитие, които дават място за множество клонове. От този момент нататък движението получава втори вятър и осигурява по-нататъшното си развитие.

1990 г

2000-те

През последното десетилетие уличното изкуство пое в различни посоки. Докато се възхищават на по-старото поколение, младите писатели осъзнават важността на развитието на собствен стил. Така се появяват все повече нови клонове, предричащи богато бъдеще на движението. Новите и разнообразни форми на уличното изкуство понякога надминават по обхват всичко създадено преди.

Техника

Вижте също

Източници

Фондация Уикимедия. 2010 г.

• Заповед за изграждане на скинията и храма
• Тараторкина, Анна Георгиевна

Вижте какво е „улично изкуство“ в други речници:

улично изкуство- съществително име, брой синоними: 1 драскане (2) ASIS синонимен речник. В.Н. Тришин. 2013… Речник на синонимите

улично изкуство- ... Уикипедия

улично изкуство - … Речник на синонимите

Драскане (улично изкуство)- Скречингът е вид улично изкуство, при което етикети се драскат върху стъкло в градския транспорт или обществени институции. Феноменът датира от началото на 90-те г. Драскане по прозорците на метрото в Берлин... Wikipedia

Арт пънк- Посока: Рок Произход: Арт рок, Прото-пънк, Пънк рок, Краут рок, Експериментален рок Място и време на възникване: 1970 г., САЩ, Великобритания, Ирландия ... Wikipedia

Спрей арт- За други видове стенни надписи вижте статията Графити. Спрей изкуството е един от видовете графити (италиански графити), прилагането на рисунки и надписи върху сгради и други обекти на градския пейзаж с помощта на аерозол ... Wikipedia

Война (арт група)- Внимание! Тази страница или раздел съдържа ругатни. Този термин има други значения, вижте Война (значения) ... Уикипедия

Поп изкуство- Ричард Хамилтън, „Какво прави домовете ни днес толкова различни, толкова привлекателни?“ (1956) едно от първите произведения на поп изкуството Поп арт (английски поп арт, съкратено от popular a ... Wikipedia

Появата на уличното изкуство, трансформацията на неговия стил

Уличните художници са представители на културата на графитите, която се формира на Запад като субкултурно движение и сега е достигнала статута на една от формите на модерното изкуство. Все пак трябва да се отбележи, че по-голямата част от руснаците все още са склонни да разглеждат уличното изкуство, най-вече графитите, вандализъм и хулиганство, докато уличните художници на Запад отдавна са се отдалечили от подобни клишета и клишета по техния адрес и дори са спечелили световна слава , Дори човек, който е далеч от съвременното изкуство, вероятно познава творбите на световноизвестния уличен художник Банкси. Ако говорим за състоянието на руското улично изкуство, има общоприето мнение, че то „изостава, наваксва“, тъй като културата на графитите се появи у нас не толкова отдавна, с началото на перестройката - на вълната на проникване на западната масова култура, която заля Русия в края на 80-те - началото на 90-те години.

Уличното изкуство, според повечето, възниква през 70-те и 90-те години на миналия век, а предисторията му започва още през Втората световна война. Според легендата историята на графитите започва през 1942 г., по време на Втората световна война, когато работникът Килрой започва да пише „Килрой беше тук“ върху всяка кутия с бомби, произвеждани във фабрика в Детройт. Войници в Европа възпроизвеждат тази фраза върху стени, оцелели след бомбардировките. Тази първа проява по-късно се присъединява от подписите на Cornbread във Филаделфия през 50-те и 60-те години на миналия век. Заедно с Cool Erl и Top Cat, те създават графити, пораждайки това движение в истинския смисъл на думата.

От Филаделфия движението в края на 60-те години дойде в Ню Йорк, в квартал Вашингтон Хайтс в Манхатън и именно оттам през 70-те години на 20-ти век „етикетът“ се разпространи навсякъде, покривайки стените на вагоните на метрото. Julio 204 беше първият, който постави номера на улицата до прякора си. Първият графити артист, разпознат извън собствения си квартал, е Таки 183. Той оставя следи от присъствието си на много градски места, превръщайки се в своеобразен „подпалвач“ и провокира вълна от имитации сред много графити артисти.

От Ню Йорк през 80-те. ХХ век графитите, като специална субкултура, започнаха да се разпространяват по целия свят. Тази субкултура се е вкоренила особено добре в бедните райони на Латинска Америка, където още по-рано е възникнала собствена традиция - „стенопис“, т.е. рисунки върху къщи. До 90-те години се появиха художници, които до голяма степен се отдалечиха от графитите (писане на букви, имена) и напълно преминаха към създаване на изображения или директни послания, използвайки различни техники за това. Тук няма как да не споменем Blek le Rat, който, запознавайки се с уличното изкуство на Ню Йорк, пренася тази идея обратно в родината си, в Париж. Там той се отклонява от стандартите за подписи и започва да използва шаблон, който с времето се превръща в един от основните инструменти на всички художници. Blek le Rat става основна фигура в изкуството на уличното изкуство; според най-известния представител на уличната живопис Банкси именно той става бащата на съвременните тенденции.

До средата на 70-те години по улиците на Ню Йорк се появяват по-зрели графити, рисувани от първите истински улични художници: Лий Кинонес и Жан-Мишел Баския. Киньонес рисува цели влакове на метрото в родния си Ню Йорк и се озовава на първата изложба на улично изкуство в историята на Вашингтон през 1981 г. В същото време Batiscia е един от първите признати улични артисти, чиито творби в момента могат да бъдат закупени за $14 милиона или повече.
Случаят с Батисчия става доста необикновен за културата на уличното изкуство, а самият той скоро се отдалечава все повече от хулиганската живопис и се присъединява към неоекспресионизма. Междувременно уличното изкуство се развиваше и ставаше все по-дръзко и предизвикателно. Повратната точка бяха 90-те години на миналия век, когато все повече и повече художници започнаха да изоставят „стандартните“ графити (които вече почти престанаха да се свързват с уличното изкуство) и още през 90-те години, следвайки шаблоните, започнаха да използват плакати и стикери, видео арт и дори организират инсталации. Това време стана времето на ново поколение артисти за улично изкуство - Banksy, Shepard Fairey, Ces53, Space Invader, 108, Ash и много други.

Особено значима за съвременната стрийт арт култура е мистериозната личност на Банкси, който е една от най-влиятелните и търсени фигури в съвременното изкуство. Но самоличността му все още не е установена. През цялото това време той успява да скрие лицето си зад маски и качулки. Този английски художник на графити започва да рисува по улиците на родния си Бристол през 1993 г. и доста дълго време действа като обикновен художник на графити като част от екипа си, но с течение на времето, за да има време да рисува и да не бъде хванат от полицията, той започва да използва технологията на шаблони, като френския уличен художник Bleck le Rat, който рисува лондонското метро в края на 70-те години. Банкси спечели световна слава благодарение на шаблонните си рисунки на чувствителни социално-политически теми и осмиване на популярната култура.

Според самия художник „Графитите са едно от малкото средства за себеизразяване, които можете да си позволите, дори и да нямате нищо“.

Две традиции на уличното изкуство.

Има две традиции в уличното изкуство, различни по произход и характер, макар и като цяло конвенционални. Те обикновено се наричат ​​​​"френско" улично изкуство и "англо-американско".

В англоговорящия свят уличното изкуство израства от бедността, от „лошите райони“, предградията на работническата класа и до голяма степен от черната субкултура. Той дава началото на уличното изкуство, което оказва силно влияние върху Латинска Америка и континентална Европа.

„Англо-американското“ улично изкуство първоначално е имало протестен характер, създадено предимно от хора от пролетарски произход. Все още е доста чувствителен към всеки факт на сътрудничество между колеги и търговски организации. В същото време тази традиция не е чужда на някаква лекота, ирония и несериозност, а вандализмът често се възприема като чисто удоволствие от унищожаване и нарушаване на правилата.

Въпреки това, въпреки че европейските художници са вдъхновени от графитите в Ню Йорк, те скоро създават своя собствена традиция. „Френското“ улично изкуство се позиционира като „сериозно изкуство“. Почти всички художници са с висше образование и свързват художествените си идеи с философски размисли. Идеята на френското улично изкуство е да служи на общността и да се опитва да се впише в градския пейзаж, без да изкривява или разрушава околната среда. Трябва също да се отбележи, че френското улично изкуство бързо беше включено в системата на музеите и галериите - повечето от известните сега автори бързо получиха достъп до изложби. Последното обстоятелство принуждава значителна част от тази традиция да се разглежда не като улично изкуство, а като нещо друго (поп арт, глем арт...). В същото време съвременните френски улични художници говорят доста скептично за други традиции (например в статията „Епохата на развития вандализъм“ от списание „Комерсант - Сила“), френският художник Зевс казва: „Уважавам Банкси, но какво той прави е... това са по същество карикатури").

Ако търсим основните причини за разликите между двете традиции на уличното изкуство, то вероятно основната е, че англосаксонската традиция на графитите и уличното изкуство са здраво вкоренени и виждат основата си в примитивното, териториално начало на човека - уличното изкуство като чисто удоволствие от разрушаването на граници, като способност да „маркирате“ територия, не толкова собствена, колкото на някаква група. Френската традиция вижда целта си като създаване на допълнителни значения във визуално послание, а не унищожаване.

Любопитно е, че разликата между тези две традиции корелира и със способността на творците да отразяват. Отбелязва се, че творбите на френските улични художници се оказват хиперрефлексивни; посланията, които предават в предмети на изкуството, са изпълнени със смисъл. В същото време, според биографиите на авторите, прави впечатление, че представители на агло-саксонската традиция са предимно хора от по-ниските социални класи, докато във втората традиция има значителен брой професионални художници и дизайнери с един или две образования (често художествено плюс хуманитарно).

След описание на характеристиките на европейското и англосаксонското графити изкуство е необходимо да се проследи пътя на графитите в Русия и неговите характеристики.

Процесът на възникване и развитие на уличното изкуство в Русия

Формирането на руското улично изкуство, подобно на повечето други разновидности на западната култура, се случва в Русия от началото на перестройката. Около 1985 г. в Русия започва да се оформя мода за западните ценности и западната култура, включително хип-хопът и рапът стават популярни. Тъй като гражданите на Съветския съюз нямаха широк достъп до информация за западните културни феномени, информацията трябваше да се събира „по малко... от западни списания, филми и музикални продукти, донесени от късметлиите“. Ето защо съществува постоянен стереотип, че хип-хоп стилът се състои от три направления: брейк денс, рап и графити. Това клише все още е популярно в съвременното руско общество, въпреки че всъщност това не е съвсем вярно. След разпадането на СССР вълна от хип-хоп култура се втурна в Русия, появиха се танцови и музикални училища за рап и хип-хоп, започнаха да се провеждат множество фестивали. В същото време първите рапъри и брейкъри бяха едновременно и първите художници на графити, украсяващи в този стил декорациите на своите концертни и репетиционни зали, интериора на своите клубове, помещения и т.н. Сред първите представители на руските графити в онези дни бяха: Rat, Basket и Max-Navigator.

Руското улично изкуство се формира по западния път на развитие и произтича от посоката на графитите, този преход се извършва активно от 2000 г. На арената на руското улично изкуство се появяват имена като Code and Fet, Make, Who и други. През 2003 г. се проведоха първите руски събития за улично изкуство "Не ме копирай" и "Достъп", а от тази година в Русия редовно се провеждат руски фестивали за улично изкуство и улични арт шоута. В резултат на това руското улично изкуство преминава на ново ниво, вместо хулигански атаки се превръща в нов тип изкуство.Въпреки това повечето съвременни изследователи на уличното изкуство и дори самите художници често критикуват руското улично изкуство, наричайки го безлична имитация на западната школа.Но , въпреки това мнозина отбелязват положителната динамика на развитието на руското улично изкуство. Какви са причините за бавното развитие на оригиналното руско улично изкуство? Основната причина е очевидната централизация на руската школа за улично изкуство: повечето екипи, индивидуални художници и улично изкуство центровете са съсредоточени в Москва и Санкт Петербург.Такава географска пренаселеност се отразява негативно на развитието на руското улично изкуство, като често оставя провинциалните улични художници незабелязани.Друга причина за доминирането на западните шаблони в руското улично изкуство е използването от повечето улични художници на Латинска азбука, с надписи най-често на английски. В цялото руско улично арт пространство има само един забележителен стрийт арт екип, използващ руски като основен език. Това е междурегионалният екип „Защо“.

Друга причина е настоящата липса на легитимен статут на уличното изкуство в руското общество. От една страна, самото улично изкуство, както беше описано по-рано, е нелегална форма на изкуство. Но, от друга страна, в САЩ и на Запад има платформи за рисуване, където художниците могат да реализират идеите си, да тренират уменията си, а също така има платформи от галериен тип, където уличните артисти дори могат да представят своите творби. В Русия няма такива пространства.

Освен това има голямо отхвърляне на графити, което се изразява по-специално в това как по-нататък се третират обектите на уличното изкуство. Обръщайки се отново към западния опит, отбелязвам, че въпреки строгите санкции за боядисване на стени на неподходящи места, полицията не бърза да боядисва рисунките, направени от художници. В Обединеното кралство дори се реставрират графити (макар и пак от същия Банкси). В Русия етикетите веднага се боядисват (вижте фиг. 4 - рисуване върху графити близо до метростанция Ladozhskaya) и най-често цветът на боята, използвана за боядисване върху парче стена с изображението, се различава рязко от оригиналния цвят на стената, така че възникват съмнения, че стена с едноцветни петна с различен цвят е с по-голяма стойност и естетика от стена с ярко изображение. Заглавието на статията „В Обединеното кралство вандали рисуваха върху графитите на Банкси“ вече показва разликата: в Русия вандалите се наричат ​​графити артисти, във Великобритания вандал = тези, които покриват графити

Руското улично изкуство се отличава и с факта, че има още по-остър протестен елемент: много стикери и графити изразяват присмех и възмущение към управляващата класа.

И последната особеност на руското улично изкуство, която бих искал да отбележа, е, че в процеса на приобщаване към общността на уличното изкуство руският уличен артист преминава през определена „еволюция“: само след като влезе в субкултурата, той се радва да участва в различни събития, организирани „отгоре“, участва в създаването на стенописно изкуство, а след това, запознавайки се с негативното отношение на своята общност към поръчковата работа, отива в сянка и предпочита радикално незаконни начини за себеизразяване.

По този начин в развиващото се руско улично изкуство има редица предимства (като протестния компонент, който е ценен за оригиналната същност на уличното изкуство), но също така и редица проблеми и недостатъци.

улично изкуство (улично изкуство) е тенденция в съвременното изкуство, чиято характеристика е използването на вътрешноградски зони за различни видове арт проекти.

Трудно е да се назове точната дата на основаването на уличното изкуство като арт движение. Исторически самият термин стана популярен в началото на 80-те години, в същото време започна да навлиза в лексикона на различни видове изкуствоведи, но, разбира се, самият жанр възниква много по-рано.

защото уличното изкуство няма ясни концептуални или технически граници; невъзможно е да се идентифицират конкретни идеологически предшественици на уличното изкуство като такова. В този жанр можете да наблюдавате огромен брой различни поджанрове и всеки от тях често има своя собствена история. Например, в момента, когато уличното изкуство вече е признато за движение в изкуството, има гледна точка, която го „легализира“ в очите на широката публика, посочвайки, че уличните артисти често придават на невзрачните индустриални градове статута на нови културни центрове, създават нови естетически пространства, което подобрява качеството на живот на местното население. Ярък пример за такава трансформация може да се счита за града Бристол, предполагаемо родното място на Банкси, където сега не само се съхраняват негови творби, но дори се организират обиколки около тях. Освен това много други улични художници идват в този град и техните творби също са запазени. От тази гледна точка идеологическите предшественици на уличното изкуство могат да се считат за футуристите (включително руските), които призоваха да рисуват стените на къщите, „облагородявайки окото (вкуса) на минувача“.

В същото време трябва да се отбележи, че не всички представители на уличното изкуство са концептуализирани въз основа на идеята за разкрасяване на градската среда. Една от забележителните прояви на уличното изкуство са графитите. Тук (ако говорим за съвременния период от историята, тъй като за графити като цяло може да се говори във връзка с различни епохи), историята започва през 20-те години на миналия век, когато рисунки и надписи започват да се появяват върху товарни влакове, пътуващи из Съединените щати държави. По-късно това направление се превръща в начин за разпространение на политически и други идеи, както и в метод за осигуряване на територия за различни видове групи хора. В началото на 70-те години движението става изключително популярно, появяват се много писатели, чиято цел е да поставят етикета (подписа си) навсякъде, където е възможно. Пред лицето на конкуренцията от страна на други писатели имаше желание да направят работата си по-видима и подписите ставаха все по-сложни. Освен това често, независимо от първоначалната идея на автора, знак или надпис получава допълнително значение след създаването си. С други думи, колкото по-често човек вижда определено изображение, толкова по-вероятно е той да има въпрос: какво означава това? Хората започват да се питат един друг, знакът става част от културната среда, като постепенно получава нови интерпретации.

Развитието на графитите се свързва предимно със Съединените щати и по-точно с Ню Йорк. Там местното метро се превърна в основна платформа за различни видове улични артисти. Това се дължи на факта, че метрото по това време беше най-незащитената част на града, в която имаше много хора. Тези. беше сравнително безопасно да нарисуваш нещо в метрото и публиката за работата беше значителна. Че. това проявление на уличното изкуство се разви под външен натиск от властите и това, разбира се, повлия. През следващите години започна активна кампания за борба с графитите в метрото и това доведе до факта, че много художници започнаха да работят по улиците. Малко по-късно шаблонът започна да набира популярност, т.к по този начин художникът може да създаде своята рисунка по-бързо, което намалява вероятността от евентуален арест.

Трябва да се отбележи, че самият шаблон също е отделна посока в уличното изкуство. Смята се, че той придоби популярност в резултат на графитите и под влиянието на атмосфера, неблагоприятна за дълга и упорита работа, но в същото време би било неправилно да се каже, че шаблонът е изключително продължение на традицията на Ню Йорк графити. Този метод е интересен не само защото ви позволява бързо да създадете изображение, но и защото ви позволява да повтаряте един и същ модел много пъти и защото За да нанесете директно боя върху шаблон, не е необходимо да сте изключителен художник, етикетът, направен по този начин, се разпространява по-бързо в цялата условна територия. Може би за първи пример тук може да се приеме т.нар. „Килрой беше тук“(Английски) Килрой беше тук). Етикетът придоби огромна популярност в следвоенния период в САЩ и Европа. Самата фраза принадлежи на Джеймс Килрой, който инспектира корабостроителници и оставя такъв надпис на инспектираните кораби. Постепенно фразата започва да се забелязва и тълкува. Войниците започнаха да го възпроизвеждат в различни градове на Европа, а в следвоенните години в цяла Америка започна да се появява типичен образ на мъж с дълъг нос, който надничаше зад определен самолет и съответния надпис „Килрой беше тук“ .

През 90-те години на 20 век художниците започват да използват шаблони, които по-късно стават широко известни. Тук можем да отбележим компанията на Шепърд Фейри „Andre the Giant Has a Posse“, която по-късно се трансформира в компанията „Obey“, по време на която авторът разпространява около милион изображения на Андре Гиганта със съответния надпис, използвайки различни методи, включително шаблони . Повтарянето на едно и също изображение отново и отново влияе върху интерпретацията на това изображение от зрителя. Отчасти тук може да се намери известно сходство с идеите на поп изкуството, но трябва да се разбере, че ако понятието симулакрум включва създаването на копие без оригинал, символ без смисъл, тогава в този случай говорим за символ, който придобива значение след, или по-скоро, в хода на многократно копиране. Въпреки това, редица художници, които станаха известни в рамките на уличното изкуство, в някакъв момент започнаха да работят в жанра на поп изкуството, често използвайки изображения, измислени преди това за улицата.

Друга посока на уличното изкуство може да се счита за различни видове инсталации. Тук можем да подчертаем работата на Марк Дженкинс, който създава скулптури от филми и ленти, като по-късно ги поставя в градове по света. Уличното изкуство обаче може да включва всяко произведение на изкуството, изпълнено в определен град, което прави този жанр практически неограничен по отношение на броя на произведения, артисти, идеи и т.н.

Графитите във формата, в която ги разбираме сега, възникват през 60-те години и оттогава са изминали дълъг път като независима култура, като част от визуалното изкуство. Но дори и сред тези, които са родени много по-късно от графитите, все още има мнение, че уличното изкуство не може да се сравни (още по-малко високо ценено) с музейното, традиционно изкуство, чиято последователност се потвърждава от векове на съществуване и известни имена.

Разговаряхме със Сабина Чагина и Юлия Василенко ( на снимката), основателите на биеналето на уличното изкуство „Артмосфера“ и едноименното за това какво е улично изкуство или улично изкуство, колко широко е представено по улиците и в музейните пространства, как да го приемем правилно и дали си струва да инвестираме в него.

- Нека дефинираме понятието улично изкуство.

П: Започваш от болната точка. Това е въпрос, който мнозина си задаваха през последната година. Наскоро в Санкт Петербург се проведе симпозиум, посветен на изучаването на уличното изкуство, и в продължение на шест часа се опитахме да формулираме какво е стенопис, графити и улично изкуство. Уличното изкуство надхвърли границите на субкултурата и изисква нова терминология. Така че това, което попитахте, изисква шест часа разговор.

Това е градски феномен. Представете си, че говорим за скейтборд. Можете да си спомните Калифорния през седемдесетте години, изцедените басейни, в които сърфистите започнаха да карат дъски и така нататък. Но това вече не е актуално, няма връзка между това как е започнало и какво е сега скейтбордът. Това стана нещо обичайно в града. Графитите също започнаха с мощна субкултурна вълна в Ню Йорк, в Ню Йорк, който беше напълно различен от сегашния. В наши дни графитите надхвърлят субкултурата, развиват се и придобиват нови форми и дори значения. Момчетата от култовата графити група “Why!”, като се има предвид, че основно тагват, за мен са представители на съвременното изкуство и защото работят с контекст. Или екипът на “1up”, който обхвана цяла Европа с етикети и представи своя инсталация, направена от празни кутии в новооткрития Berlin Urban Nation Museum.

Работа на художника Sepe (Варшава), II биенале Artmossphere

Също така ми се струва, че в уличното изкуство е останала малко улица. Пренася ли се в изложбени пространства?

С: Съществува и тук, и там, и дори излиза извън границите на всяко конкретно пространство, например, много активно се използва в дизайна. През нощта художникът е на улицата, през деня в ателието. Или, като нашия добър приятел Алексей Лука, той отиде да учи за заварчик и сега заварява метал, тоест ще може да приложи това в изкуството, да създаде какъвто и да е дизайн за публично изкуство, например.

Ю: Наистина напоследък в Русия се появиха повече изложбени проекти с участието на сцената на уличното изкуство, но много от тези артисти продължават да работят на улицата.

S: И въпреки че сега това не е толкова забележимо, в сравнение например с Финландия, ние все още се справяме добре. На законодателно ниво има нулева толерантност, всяко улично изкуство по улиците е забранено. Познавам един човек, художник на графити от 90-те, който седеше там за плаката. Има, напротив, град Вантаа, където кметът умишлено е позволил рисуване по стените и това е навсякъде, но по такъв изкуствен начин можете просто да залепите тапети, това не ми харесва много.

Стенописът, създаден като част от фестивала „Най-добрият град на Земята“, от Агостино Якурчи (Италия), Москва, Гончарная насип, вече е боядисан

Според мен в Москва вече има положително отношение към уличното изкуство, свикнали са с него.

С: Нищо положително, Руслан! Те просто не могат да различат рекламата от изкуството! Спомням си един пример, когато боядисаха на Орликова алея и жителите на къщата му написаха: „Дима, не мисли, че не сме ние!“ Имаше фестивал - аз бях негов куратор, а Юлия беше изпълнителен продуцент на повечето от стените - по време на който успяхме да направим много улична работа, но почти всички вече са боядисани.

- Що за фестивал беше това?

С: Има такава практика - „процентно изкуство“. В много страни разработчиците - основните строители в града - отделят 1-1,5% от бюджета си за публично изкуство и озеленяване, за да направят градската среда по-удобна, приятна и красива. Освен това това е приложено на законодателно ниво. За тях това е незначителен разход, но за изкуството е доста сериозна сума, която отива в специален фонд, който след това я разпределя по фестивали, грантове и други проекти. Например, известното публично изкуство Cloud Gate в Чикаго е създадено с пари от предприемач, който е построил бизнес център. И сега е градска атракция, където идват тълпи. Кметът Сергей Собянин знаеше за тази практика и искаше да я въведе и тук. Заедно с Капков те измислиха фестивала „Най-добрият град на Земята“ и през 2012 г. обявиха, че Москва трябва да се промени и уличното изкуство трябва да се развива тук. Първият фестивал беше частично финансиран от един от разработчиците и всичко трябваше да бъде по световните стандарти. Но не се получи. И всичко започна мащабно - 150 стени. Тогава имах галерия StreetKit и моят приятел Фьодор Павлов-Андреевич ми се обади и ми предложи да стана куратор. През март дойдох в московското управление на културата при мъже в костюми и ми казаха, че всичко трябва да започне през май. Юлия и аз получихме 90 стени от тези 150.

- Как изобщо може да стане това?

С: За фанатизма. Джулия можеше да продуцира всичко това, а аз имах опит с артисти. Отначало сами направихме някои маркировки, почти смесвайки боята. Така беше: проект за много пари, с шест нули и просто нула за плащане на артистите. Очевидно се е предполагало, че всеки трябва да работи безплатно, в замяна на миризмата на боя. Беше възможно да се убеди, че са необходими такси и това беше революция в начина, по който градът и художниците работят. Но беше невъзможно да се направи такова количество работа за толкова кратко време и ние направихме около 30 художествени произведения на руски и чуждестранни художници и още 50 на стените на кабините на ТКП до детските площадки: прехвърлихме класически илюстрации от известни художници от детски книги - Булатов, Билибин и др.

- Колко от всичко направено днес е живо?

С: Почти нищо. Работи най-много 4. В Звонарски Лейн, дело на французина Нелио, на Третия пръстен, на Люблинка.

Стенопис, създаден като част от фестивала "Най-добрият град на Земята", автор Waone (екип "Интересни казки") Москва, улица "Люблинская", 111

Срамота е?

С: Жалко е. Идеята умря и на следващата година не беше възможно да се привлекат разработчици. По същество парите са пропилени. А самата идея сега е изкривена - много от рисунките по фасадите в Москва днес са рекламни: те открито експлоатират яркия и изразителен език на уличното изкуство за комерсиални цели или за да угодят на политическите стратези. Законът за рекламата не забранява рисунките като такива, за разлика например от дизайна на банери и всеки го използва. Разбира се, не можете да нарисувате кутия цигари на фасадата, но нещо неутрално е добре дошло. И минава човек и си мисли, че това е улично изкуство.

- Ако човек, който се интересува от улично изкуство, дойде в Москва, какво можете да му покажете, къде можете да го заведете?

Ю: Няма къде да вземем екскурзията. Наскоро намерихме момчета в интернет, които организират екскурзии с ретро скутери; те имаха предложение да видят московското улично изкуство. Обадихме им се да попитаме къде и как, може би ще си сътрудничим. Те казаха, че тази екскурзия е много популярна сред чужденците, но няколко пъти са идвали на адреса, където наскоро е имало работа, но сега вече не е там. Трябваше да отменя.

С: От една страна, това е спецификата на уличното изкуство, то е краткотрайно. Лошото е, че велики произведения са небрежно боядисани, но по-лошото е, че не се появяват нови, градът е станал безинтересен за това. И собствениците на сгради имат предложения за поставяне на реклами, така че защо им е необходимо вашето изкуство безплатно? Има висящи гуми на Paveletskaya, стюардеси на Aeroflot по целия Garden Ring.

- Какво заплашва човек, който е хванат от полицията да рисува на стена?

С: Има статия за вандализъм, плащаш глоба, можеш да те затворят за 3 месеца или да те пратят на поправителен труд. Това не е Европа, където всичко е супер трудно. Но в същото време всичко е скрито.

- Кой град е идеален за улично изкуство?

С: За мен - Сао Пауло. Някак си живее там органично и лесно. Традиционно се счита за Ню Йорк, но там има много комерсиална работа по поръчка. В Бруклин те все още раздават стени безплатно, но с оглед да отворят бутик или галерия наблизо по-късно. Не познавам такъв град в Европа. Беше Барселона и оттам дойде моята страст към уличното изкуство. Отидох там в средата на 2000-те и имаше изкуство на всяка крачка! И тогава дойде новият кмет и всичко беше боядисано с антивандална боя, с която рисунката се отмива с вода. Струва ми се, че Москва може да стане такъв град.

Има ли предпоставки? Досега всичко, което се чу за Москва, навеждаше на песимистични мисли.

С: Песимизъм, защото има много бюрократични и административни пречки и малко нови артисти със свежи идеи. Всички, които са там, работят отдавна и имената им са известни.

- Кой движи руското улично изкуство, кого трябва да следвате?

S: Много ми харесва това, което правят Миша Мост, Кирил Кто, 0331с, Лука, Толя Акуе, Ноотк, Дима Аске, Иван Наинти, Морик, Абер, Ведро, Пийкс. Но, разбира се, има и други... не можете да ги изброите всички.

- Предишната година няколко публикации писаха замащабиране

С: мащабиране- силен характер и добър човек. Направихме един проект с него в Саратов, вечерта се обадихме на вечеря и той каза: „Отивам да спя, трябва да ставам в пет сутринта, ще отида да рисувам“. И той стана, освен фестивалния, и нарисува работа върху бургер бара по съветски плакат" Родина". Той работи в техника на шаблон, която е разбираема за всички, това е език, който мнозина познават от произведенията на Банкси.

Work Zoom, Москва, лято 2017 г., печат върху банерна мрежа, Тверской булевард, 1

- Просто исках да попитам заБанкси.Изложеното улично изкуство ми се струва неоригинално – винаги е препратка към миналото, заигравка с нещо познато или шега.

П: Да, и започваме това обратно броене от Банкси. Дори не си спомням термина „улично изкуство“, преди да се появи. Когато се появи, беше бомба. Преди него субкултурата беше затворена, задушена в себе си. Това, което виждахме по-рано по улиците - етикети, бомбардировки, провали - не беше адресирано към жителите на града, а само към околната среда, към хора като самия уличен писател. Ето ни от графитите: аз го нарисувах - ти го прочете. И беше написано по такъв начин, че само тези, които знаеха, можеха да прочетат и дешифрират сложната типография. Нямаше диалог със случаен зрител. И Банкси започна диалог с властите и с обикновените хора. Разбира се, той не беше първият, но преди него този диалог не беше изграден толкова пряко и прецизно. Това е продължение на поп арта на Уорхол. Ясно послание с една дума. Там няма нужда да търсите второ дъно.

Ю: Уличното изкуство е незаконно и краткотрайно явление, така че посланието трябва да е възможно най-ясно. Зрителят трябва незабавно да обмисли идеята на творбата - утре тя ще бъде боядисана.

S: Уличното изкуство, за разлика от графитите, работи за зрителя: той видя и разбра.

Работата на Лондонската полиция, II биенале Artmossphere

Официални институции като музея на Пушкин или други обръщат ли внимание на уличното изкуство?

С: Започват бавно, защото не може да се пренебрегне развитието му. В „Гараж” на триеналето за съвременно изкуство например имаше раздел „Морфология на улиците”, Кирил Кой направи стената там.

Ю: Преди няколко години имаше изложба на Паша 183 в MOMMA. Миналата година, също в MOMMA, фондация RuArts представи творбите на 0331s и GRISHA по време на персонална изложба.

- В Третяковската галерия има отдел за съвременно изкуство.

Преди няколко години направиха опит да направят нещо с уличните артисти, а ние все още участваме в някои преговори. Имат добра връзка с московското метро, ​​може и да се получи нещо в тази посока. Имаме и добра връзка с MOMMA - през есента на булевард Гоголевски 10 ще има лична изложба на Шепърд Фейри, известен с успешния проект Obey, самият той ще дойде и ще направи стена в града.

- Вашата творческа асоциация сама ли произвежда смисли или сте по-скоро посредник между художника и клиента?

S: Нашият основен бизнес и основно значение е биеналето Artmossphere, единственото биенале в Русия, което представя художници с уличен произход. Целта му е да представи чуждестранната и местната сцена, да създаде пространство за диалог, културен обмен и платформа за развитие на местната общност. Всъщност нашето творческо сдружение има същите цели. За да съществува биеналето, ние периодично действаме като агенция, но сме много избирателни в избора на партньори.

Биеналето е със самостоятелен статут – провежда се със средства, които ние набираме сами, без подкрепата на институции, без държавно финансиране, с пари от търговски партньори, спечелени през годината. Имаме нужда от пари, но е много важно и посланието, подтекстът, с който идва партньорът. Няма да рекламираме цигари, първо ще разгледаме много внимателно алкохола. В крайна сметка можете да подкрепите изкуството с някакъв проект, да организирате заедно социално или благотворително събитие или просто да кажете на хората: „Пийте!“ Това не е нашият случай.

Ю: Заслужава да се отбележи отделно, че ние не се занимаваме с маркетинг като такъв - търговско развитие на марката на партньора. Всички наши проекти са много смислени, а художествената идея е от първостепенно значение за нас. Това отчасти е причината да не влизаме в лудия формат на агенция за събития и да организираме всякакви събития, а работим само с тези, с които имаме взаимно разбиране, които искат да инвестират средствата си в подкрепа на изкуството и артистите. Нашите художници винаги рисуват това, което искат, а не това, което клиентът е „измислил“. Винаги е преди всичко творчеството, никога не е имало момент, в който да се срамуваме да покажем резултата от работата си.

С: И, разбира се, в хода на проектите генерираме много значения и текстове, свързани със средата на уличното изкуство, събираме и натрупваме информация за нейните представители, стилове, движения. Предстои да претворим натрупаните знания и опит в енциклопедия на уличното изкуство, върху която екипът ни работи в момента.

Стенопис, създаден като част от фестивала "Най-добрият град на Земята", автор Рустам Qbic (Казан)

С какви оферти обикновено идват при вас?

S: Най-често от стари спомени за 2013 г. и фасадите на „Най-добрия град на Земята“ ни карат да нарисуваме реклами. Винаги отказваме. Не, веднъж нарисуваха маратонка за Adidas, беше интересно, но решиха да не продължават. Можем да правим такива проекти за марки, но марките не идват и не казват: „Имаме нужда от рисунка на такъв и такъв художник.“ Те искат нещо нарисувано по техен ред, по техните представи. Това е като с музикантите: можете да свирите навсякъде, но само ако хората искат да ви слушат.

Ю: Нов проект, върху който наистина ни беше интересно да работим - чието авторство принадлежи на художника Миша Мост - живописно изображение с площ от 10 800 м² на фасадата на металургичния завод Викса (област Нижни Новгород).

- Как на толкова голям и далеч от изкуството клиент му хрумна идеята за този проект?

Ю: Имат благотворителна фондация „OMK-Участие“, няколко години подред във Викса подкрепят фестивала „Art-ravine“, за да развият околната среда. Те ни поканиха да проведем голям международен конкурс „Vyksa 10 000“, ние свързахме нашата мрежа от контакти по целия свят, събрахме експертно жури, което от своя страна избра проекта на Миша Мост. Всичко беше истинско.

С: Всичко опира до директора на фондацията Ирина Седих, която има добър вкус и желание да подкрепя изкуството. Всичко винаги зависи от индивидите. Същото е и за марките: един маркетинг директор харесва една посока и когато той си тръгне, стратегията може да се промени драматично.

Работа на Кирил Кто, II биенале Artmossphere

Възможно ли е да се инвестира в улично изкуство или да се купи нещо? И струва ли си?

S: Разбира се, това е, което всички правят. С нашите приятели и партньори фондация RuArts ежегодно провеждаме търг на художници с опит в уличното изкуство - грубо казано, тези, които са излезли от графитите и уличното изкуство. Тази година търгът беше много успешен: от 60 лота бяха продадени 45, такава статистика е прекомерен показател за например съвременното изкуство. На аукционите за съвременно изкуство продажбите обикновено не са толкова активни.

- Посъветвайте в кого да инвестираме?

С: В Кирил Кой, в Миша Мост. Все същите имена. Аз самият събирам кофата, харесва ми.

- Купувачи на улично изкуство на търг - кои са тези хора?

Ю : Това са хора, които обичат изкуството - колекционери, или такива, които искат да се присъединят към такова изкуство и може би да станат колекционери в бъдеще.

С: Бог да пази Марианна Сардарова, Катрин Борисов и Фондация за насърчаване на съвременното изкуство RuArts, които първоначално ни подкрепиха и видяха потенциал в тази идея. От хората с възможности те бяха първите...

- Това не е ли на повърхността?

Ако! Тогава всеки ден продавахме нещо. Това не са Дубосарски и Виноградов. Кръгът на Марианна Сардарова, нейните приятели, бяха първите, които инвестираха в този пазар, но всяка година се появяваха и хора отвън. Тази година дойде един много известен футболист, няма да споменавам името му. От Спартак, разбира се. Беше ми приятно да видя, че спортистът има добър вкус - той купи точно тези произведения, които аз бих купил за собствената си колекция.

- Най-скъпият лот?

C: Работа на френския художник Ken Sortais, произведението е закупено за 4700 евро. Но през 2016 г. имаше лот за 17 000 евро, 183 творби на Паша Знаете ли какво казват? Колкото и тъжно да звучи, артистът най-често става известен след смъртта. Случаят е точно такъв. По принцип те се интересуваха от него приживе, Паша беше гений. Наричаха го „руския Банкси“, но това не му харесваше. И той не беше никакъв Банкси, имаше толкова много постсъветска романтика, която Банкси никога не е имал и никога няма да има, просто защото не живееше тук. И фактът, че техниката му беше шаблонна, като тази на Банкси, добре. Банкси също е заел плъховете си от Blek Le Rat.

- Това е най-лесният начин да отбележите художника.

П: По-лесно, но не му хареса. В края на краищата той сглоби всичко със собствените си ръце; вече не познавам друг DIY човек като него.

Ю: Изложбата му в MOMMA беше много популярна. Музеят дори трябваше да го разшири.

- Разгледах състава на екипа ви в сайта: от 17 служители 11 са момичета. Има ли някаква причина? Има някакъв вид музейно качество в това.

С: Стана случайно. Всички в нашия екип са предимно момичета, но артистите са предимно мъже. И се оказва балансирано.

- На кои артисти трябва да обърнете внимание?

S: Моят любим е Дарион Шабаш. Тя е от Казахстан, сега живее в Москва. И разбира се, Катя Куел, но тя се премести в Берлин.

Интересът към уличното изкуство е почти постоянен: Русия е домакин на десетки изложби и фестивали на сезон, марките охотно плащат на улични артисти за сътрудничество, а някои официални лица сериозно обсъждат легализирането на графитите. Но познаваме ли наистина тази култура и правилно ли я изучаваме, ако за руския зрител най-известният уличен артист си остава Банкси? Самиздат разговаря с художници, куратори, автори на проекта „Части от стените“, галеристи, изучава материали по съвет на представители на самата общност на уличното изкуство, за да разбере какво е руското улично изкуство, какъв е пътят на улицата артист в Русия и каква е свободата му .

Неизбежно уличната култура в Русия се счита за второстепенна, сравнява се с американската и европейската и цялата терминология се представя на чужд език. Съвременната руска улична култура в изследванията изглежда обобщена и сравнителна, следователно изглежда отделена от глобалния контекст и мнозинството от зрителите не разбират какво е улично изкуство и че има точно руско улично изкуство и руски графити. Идеята на мнозинството започва и завършва с Банкси - има го, а след това има и "руския Банкси".

Но около графитите се случват огромен брой събития - градски фестивали, биеналето на уличното изкуство Artmossphere, изложби в галерии за съвременно изкуство, колаборации, но публиката не навлиза по-дълбоко в проблема. В края на краищата има такива, които се занимават изключително със субкултурата и рисуват шрифтове, и има например издателите на вестник „Магията на влечугите“. Те нелегално организираха едноименна изложба на входа на Winzavod по време на биеналето Artmossphere и се занимават както с улично, така и със съвременно изкуство в цялото му многообразие.

Графити в съвременния смисъл се появяват в Русия в началото на 80-те години и са тясно свързани с хип-хоп културата. Самата общност посочва Плъх, Кошница и Навигатор като първите руски художници на графити. Много се промени оттогава: уличното изкуство израсна от графитите, уличните художници имаха възможност да си сътрудничат с галерии и се появиха нови имена. За дълбоко гмуркане в темата самата общност идва на помощ: книгите „Части от стени“ и „Части от стени 2“, документалният филм „На открито“, поредица от лекции на художника Дмитрий Аске за история на графитите и други проекти, които помагат да се разбере действителната ситуация на съвременното руско улично изкуство.

През 2013 г. Алексей Партола отиде в Берлин, за да представи книгата „Призраци“, проект на независимото издателство „Ос“ за атентата в руския влак. Оказа се, че там никой не знае за руските графити - само тези, които отдавна работят в световното улично изкуство, научават за руски улични художници чрез познати, а кураторите се интересуват от Русия само откъслечно. Но ако чужденец, който не е от областта на уличното изкуство, иска да научи за руското улично изкуство, той няма да намери необходимата литература в книжарниците, а в интернет основната информация ще бъде на кирилица. Така се появи идеята за проекта „Части от стени“ - книжна платформа, посветена на съвременното руско улично изкуство.

От Калининград до Петропавловск-Камчатски

„Части от стени“ е един от основните източници, към които трябва да се обърнете, за да разберете какво се случва с руското улично изкуство от 2013 г. насам и да разберете разнообразието от стилове и тенденции в руската улична култура. За целта Алексей Партола обиколи страната – Калининград, Санкт Петербург, Севастопол, Краснодар, Сочи, Москва, Нижни Новгород, Волгоград, Саратов, Перм, Екатеринбург, Тюмен, Новосибирск, Красноярск, Иркутск, Владивосток и Петропавловск-Камчатски .

По време на своето изследване Алексей попита артистите какво смятат за случващото се с уличната култура в други градове. Оказа се, че мнозина или са запознати бегло със ситуацията, или изобщо нямат представа за съседите си. Затова една от целите на проекта „Части от стени” е да помогне на общността да погледне на себе си отвън.

Трябваше да пътувам до някои градове по няколко пъти, защото е физически невъзможно да покрия всичко с едно пътуване. Сега в Русия има няколко центъра на уличното изкуство - Москва, Санкт Петербург, Нижни Новгород, Екатеринбург, Новосибирск. Хората се опитват сами да създават общоградски фестивали, където артисти идват и създават обекти специално за събитието. Имаше и градове като Тюмен, в които сега нищо не се случва. Там има няколко ентусиасти, но в по-голямата си част забележими рисунки върху сгради се появиха преди повече от десет години.

Нагар

художник, Петропавловск-Камчатски

Трудно е да се каже защо графитите и уличното изкуство не са толкова популярни в нашия регион. Но с голяма степен на вероятност географската отдалеченост на региона оставя своя отпечатък. Сигурен съм, че това, което е по-важно от масовостта, са талантите, малцината наистина запалени по него и тези, които не „изгарят“ с времето. В моя случай тласъкът за творчество беше пристигането на известния руски художник на графити Олег Баскет в нашия град през 1999 г. По аналогия ще предположа, че провеждането на събития и фестивали с участието на силни културни представители - както руски, така и чуждестранни, би повлияло благотворно на ситуацията.

Интернет също е важно средство за комуникация: там видях творбите на тези автори, които нямаше да видя дълго време, ако бях останал в моя град. Разбрах какво е това и по какви „правила“ работят артистите по света. Интернет дава възможност да се наблюдават промените, тенденциите и в същото време корените.

Снимка: Алексей Партола

Снимка: Алексей Партола

Снимка: Алексей Партола

През последните десет години уличната култура придоби съвсем различна форма, появи се вектор на развитие и навиците на артистите се промениха. Самата общност на уличното изкуство е разнородна: има художници на графити и бомбардировачи с влакове, има художници, които работят за масова публика, и има такива, които са отишли ​​в институционалните пространства и са спрели да правят графити.

Нужно ли е уличното изкуство да бъде институционализирано?

Сега има огромен брой музеи, институти и други организации, свързани с уличното изкуство, но не всички от тях всъщност се занимават с изследователска дейност. Основните дейности по темата се извършват от фондация RuArts - именно той организира поредица от лекции на художника Дмитрий Аске, отпуска грантове за улични артисти заедно с биеналето Artmossphere, подкрепя проекта „Части от стени“ и изложби Руски артисти в чужбина.

Много нови институции се опитват по всякакъв възможен начин да категоризират, опростят, събират и етикетират уличната култура, но тя расте с нас, развива се и като цяло все още е в младостта си. Затова сега е доста безразсъдно да формулираме термини, да точни насоки и да казваме накъде води всичко това. Много по-логично е да го разделим на определени събития, както направи Дмитрий Аске на изложбата „Улично изкуство в Русия: от 80-те години до наши дни“, излагайки всички ключови дати в уличното изкуство по времева линия, или Алексей Партола и Никита К. Скрябин в проект „Части от стени“, представящ напречно сечение на актуалната улична култура.

Улично изкуство в музей

За първия проект, „Части от стени“, уличните художници получиха задачата да създадат платно метър по метър като експеримент и да въведат всяка творба в пространството на галерията като част от изложбата. Във второто проучване - „Части от стени 2“ - художниците вече не са ограничени от форми: резултатът от експеримента е седемдесет и четири проекта, които имат както улични, така и изложбени части. Сред художниците самата идея за пренасяне на графити в чист вид в музейно пространство предизвиква ирония, защото това е невъзможно. Например, художник 0331c представи мащабна работа, направена с пожарогасител и боя за втората част на проекта „Части от стени“ на изложба в Централната изложбена зала Манеж в Санкт Петербург, за да демонстрира, че е невъзможно да покажете в музей нещо, което не може да бъде в тези стени.

Художникът Zmogk наскоро направи изложба в галерия Triumph Ретроспекции, където беше представена абстрактна живопис. Това не спира Zmogk да излезе на следващия ден и да направи графити на градската стена.

Възможно е да се създаде пространство за улични художници като част от проект - например, както се случи в случая с изложбата „Части от стени 2“ в Централната изложбена зала Манеж: тогава бяха издигнати стени близо до музея, върху които художниците можеше да рисува. От няколко години на територията на Winzavod има стена, която първо беше курирана от Кирил Kto, а след това от фестивала Artmossphere. Сега това е отворен дискусионен клуб, актуализиращ вътрешните и външните проблеми на графити културата. Създаването на такива пространства обаче не означава, че всички членове на общността ще рисуват там, защото всичко това ще бъде създадено изкуствено.

Вестникът за графити „Reptile Magic” иронично показва колко фрагментирана е общността на уличното изкуство, защото много от нейните представители се затрудняват едновременно да рисуват по улиците и да си сътрудничат с галерии. Съвременните художници все по-рядко излизат на улицата, ако рисуват, то е на легални стени, в ателиета или в колаборации с марка. Някои от художниците просто започват като художници на графити и след това преминават към работа в галерии. Има и такива, които като художника Акуе са еднакво умели да рисуват шрифтове на улицата и в същото време стават участници във Венецианското биенале, работейки в строго академично пространство.

Говорейки за проекта за изложбата „Части от стени“, като художник с уличен произход, исках да покажа многостранността на моя артистичен метод, независимо от средата и пространството. Върху платно в студиото използвам акрил и четка, върху стени отвън използвам аерозолна боя и създавам модели за мащабни скулптури в редактор за 3D моделиране.

В същото време произведенията, направени в толкова различни среди, се възприемат визуално в един стил, тъй като няма стилистична и техническа адаптация при преминаване към друг формат. Всъщност мога да нарисувам една и съща картина както на платно, така и на стена, само че в много по-голям мащаб. В този случай ще се промени само контекстът. Така стигаме до най-важното – умението да фокусираме вниманието си върху самото произведение и посланието, което предава, а не върху жанра, в който е направено.

Представете си Казимир Малевич да рисува една от своите супрематични композиции на улицата. Какво ще е по-важно за нас като зрители в случая? Самата творба или повърхността и мястото, където е намерила своето въплъщение? Ще обърнем ли внимание на динамиката на формата и цвета или на първо място ще твърдим, че това е „улично изкуство“, въпреки че едно и също произведение, рисувано върху платно, определено бихме класифицирали като супрематизъм?

Снимка: vivacity.ru/sy

Снимка: vivacity.ru/sy

Такова разсъждение може да бъде началото на интересен разговор, но ни отдалечава от самата същност на изкуството и защо е създадено. За мен като артист това, което правя, е много по-важно от етикета, който може да му се лепи. Рисуване на платно за галерия или стенопис на стена – същността е една и съща. Това са просто различни подходи във формата на изразяване и начина на взаимодействие с публиката, всеки от които е интересен по свой начин. Затова, когато започвам работа, не се замислям дали ще бъде улично изкуство или живопис, към какво трябва да се класифицира и как да се обозначи - това са въпроси от втори ред. Основното е да правиш изкуство.

Ако говорим за това как уличното изкуство отразява духа на времето, бих го описал с думата „достъпност“. За да видите уличното изкуство, не е нужно да ходите в музей или галерия; на теория то ще ви намери на улицата. Ако не сте в настроение за това, можете да разгледате уличното изкуство в интернет, превъртайки стотици снимки, повечето от които достъпни за възприятие. Освен това, ако наистина искате, можете да опитате да нарисувате себе си.

Очевидно е, че по един или друг начин руското улично изкуство ще приеме тенденциите и тенденциите на художествените процеси, протичащи в световен мащаб. Засега не виждам никакви предпоставки той да тръгне по свой собствен път, но това не отменя тази възможност.

Днес тенденцията към частично опростяване на изкуството набира скорост. През 90-те и 2000-те години имаше тенденция към изкуство с така наречения дълбок смисъл. Например YBA в Англия, нашият акционизъм или московският концептуализъм. Сега има мода за нещо красиво и малко дизайнерско. Графитите и това, което беше показано на изложбата „Части от стени 2” са по-абстрактни картини с ярки красиви цветове, по-лесно и по-бързо се изработват и са по-ефектни.

Когато описвах стила си в книгата „Части от стени 2“, споменах езика на Езоп. Под това имам предвид формата и съдържанието на обекта, неговата интерпретация от зрителя. Творбите ми са повече за мен и за това какво отношение имам към определени събития, как те ме карат да реагирам.

За изложбата направих проект за хора, които вече не съществуват. Много често, гледайки снимки, особено колективни, нямаме представа кои са всички тези хора, но те стояха до вас и имаха свой живот, свои проблеми, свои мисли и споменът за тях остана само в снимката. В обекта, който беше представен в Манежа, не се опитвах да се представя като уличен артист, а използвах част от материалите като цяло, защото нямах строги граници.

След като рисувах графити много дълго време, разбрах, че не е достатъчно да напиша само името си. Сега по-малко се занимавам с графити и улично изкуство, въпреки че на пръв поглед може да изглежда, че не е така. Много стенни рисунки използват по същество само самата стена и спрей, защото това е толкова удобен материал.