Artistas talentosos que crean pinturas extraordinarias. Pinturas de artistas contemporáneos del mundo. Pintores paisajistas del siglo XXI.
La pintura rusa se distingue legítimamente del arte mundial. El caso es que hasta el siglo XVII la pintura rusa se asociaba exclusivamente con temas religiosos. La situación cambió con la llegada al poder del zar reformador Pedro el Grande. Gracias a sus reformas, los maestros rusos comenzaron a dedicarse a la pintura secular y la pintura de iconos se separó como una dirección separada. El siglo XVII es la época de artistas como Simon Ushakov y Joseph Vladimirov. Luego, el retrato surgió en el mundo del arte ruso y rápidamente se hizo popular. En el siglo XVIII aparecieron los primeros artistas que pasaron del retrato a la pintura de paisaje. Se nota la marcada simpatía de los artistas por los panoramas invernales. El siglo XVIII también fue recordado por el surgimiento de la pintura cotidiana. En el siglo XIX, tres movimientos ganaron popularidad en Rusia: el romanticismo, el realismo y el clasicismo. Como antes, los artistas rusos continuaron recurriendo al género del retrato. Fue entonces cuando aparecieron los mundialmente famosos retratos y autorretratos de O. Kiprensky y V. Tropinin. En la segunda mitad del siglo XIX, los artistas representaron cada vez más al pueblo ruso común en su estado oprimido. El realismo se convierte en el movimiento central de la pintura de este período. Fue entonces cuando aparecieron los artistas itinerantes, que representaban sólo la vida real. Bueno, el siglo XX es, por supuesto, la vanguardia. Los artistas de esa época influyeron significativamente tanto en sus seguidores en Rusia como en todo el mundo. Sus pinturas se convirtieron en las precursoras del arte abstracto. La pintura rusa es un mundo enorme y maravilloso de artistas talentosos que han glorificado a Rusia con sus creaciones.
El ranking de las obras más caras de artistas vivos es una construcción que dice mucho menos sobre el papel y el lugar del artista en la historia del arte que sobre la edad y la salud.
Las reglas para elaborar nuestra calificación son simples: en primer lugar, sólo se tienen en cuenta las transacciones con obras de autores vivos; en segundo lugar, sólo se tienen en cuenta las ventas en subasta pública; y en tercer lugar, se observa la regla “un artista, una obra” (si en la clasificación de obras dos registros pertenecen a Jones, solo queda el más caro y el resto no se tiene en cuenta). La clasificación se realiza en términos de dólares (al tipo de cambio de la fecha de venta).
1. JEFF KOONS Conejo. 1986. $91.075 millones
Cuanto más observas la carrera en subastas de Jeff Koons (1955), más te convences de que nada es imposible para el arte pop. Puedes admirar las esculturas de Koons en forma de juguetes con globos, o puedes considerarlas kitsch y de mal gusto: tienes razón. Una cosa no se puede negar: las instalaciones de Jeff Koons cuestan enormes cantidades de dinero.
Jeff Koons comenzó su camino hacia la fama como el artista vivo más exitoso del mundo en 2007, cuando su gigantesca instalación de metal "Hanging Heart" fue comprada por 23,6 millones de dólares en Sotheby's por la galería de Larry Gagosian, que representa a Koons. (a la prensa que esto redundaba en interés del multimillonario ucraniano Viktor Pinchuk). La galería adquirió no sólo una instalación, sino, de hecho, una obra de joyería. Aunque la obra no estaba hecha de oro (el material era inoxidable acero) y era claramente más grande que un colgante normal (la escultura mide 2,7 m de altura y pesa 1.600 kg), pero tiene un propósito similar: se dedicaron más de seis mil quinientas horas a producir la composición con un corazón. Se cubrió con diez capas de pintura, por lo que se pagaron enormes sumas de dinero por su espectacular “decoración”.
La siguiente fue la venta de “Balloon Flower” en color púrpura por £12,92 millones ($25,8 millones) en la subasta de Christie's en Londres el 30 de junio de 2008. Curiosamente, siete años antes, los anteriores propietarios de “Flor” compraron la obra por 1,1 millones de dólares, y es fácil calcular que durante ese tiempo su precio de mercado se multiplicó por casi 25.
La caída del mercado del arte en 2008-2009 dio a los escépticos motivos para quejarse de que la moda de Koons había pasado. Pero se equivocaron: junto con el mercado del arte, revivió el interés por las obras de Koons. El sucesor de Andy Warhol como rey del arte pop actualizó su récord personal en noviembre de 2012 con la venta en Christie's de una escultura multicolor "Tulips" de la serie "Celebration" por 33,7 millones de dólares, comisión incluida.
Pero los "tulipanes" eran "flores" en sentido literal y figurado. Un año más tarde, en noviembre de 2013, se puso a la venta la escultura de acero inoxidable “Balloon Dog (Orange)”: ¡el precio de remate ascendió a 58,4 millones de dólares! Una suma fabulosa para un artista vivo. Una obra de un autor contemporáneo se vendía por el precio de un cuadro de Van Gogh o Picasso. Estas ya eran bayas...
Con este resultado, Koons reinó durante varios años en lo más alto del ranking de artistas vivos. En noviembre de 2018, fue superado brevemente por David Hockney (ver segundo puesto en nuestro ranking). Pero apenas seis meses después, todo volvió a la normalidad: el 15 de mayo de 2019, en Nueva York, en la subasta de arte contemporáneo y de posguerra de Christie's, se puso a la venta una escultura de libro de texto para Koons de 1986: una "de plata". Rabbit” fabricado en acero inoxidable, imitando un globo de forma similar.
En total, Koons creó 3 chistes de este tipo más una copia original. La subasta incluyó una copia de "Rabbit" número 2, de la colección de la editorial de culto Cy Newhouse, copropietaria de la editorial Condé Nast (revistas Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, etc.). El "Conejo" plateado fue comprado por el "padre del glamour" Cy Newhouse en 1992 por una suma impresionante para los estándares de aquellos años: 1 millón de dólares. Después de 27 años de lucha entre 10 postores, el precio de remate de la escultura fue 80 veces mayor que el precio de venta anterior. Y teniendo en cuenta la comisión del Buyer’s Premium, el resultado final fue de 91.075 millones de dólares, un récord para todos los artistas vivos.
2. DAVID HOCKNEY Retrato del artista. Piscina con dos figuras. 1972. $90.312.500
David Hockney (1937) es uno de los artistas británicos más importantes del siglo XX. En 2011, según una encuesta realizada a miles de artistas y escultores británicos profesionales, David Hockney fue elegido el artista británico más influyente de todos los tiempos. Al mismo tiempo, Hockney venció a maestros como William Turner y Francis Bacon. Su obra suele clasificarse como arte pop, aunque en sus primeras obras se inclinó más hacia el expresionismo en el espíritu de Francis Bacon.
David Hockney nació y creció en Inglaterra, en el condado de Yorkshire. La madre del futuro artista mantuvo a la familia en un rigor puritano, y su padre, un simple contable que se dedicaba a dibujar como aficionado, animó a su hijo a dedicarse a la pintura. Cuando tenía veinte años, David se mudó a California, donde vivió durante un total de unas tres décadas. Todavía tiene dos talleres allí. Hockney convirtió a los héroes de sus obras en personas ricas locales, sus villas, piscinas y jardines bañados por el sol de California. Una de sus obras más famosas del período americano, el cuadro "Splash", es la imagen de un haz de salpicaduras que emerge de una piscina después de que un hombre saltara al agua. Para representar esta gavilla, que “vive” no más de dos segundos, Hockney trabajó durante dos semanas. Por cierto, este cuadro se vendió en Sotheby's en 2006 por 5,4 millones de dólares y durante algún tiempo fue considerado su obra más cara.
Hockney (1937) ya tiene más de ochenta años, pero todavía trabaja e incluso inventa nuevas técnicas artísticas utilizando innovaciones técnicas. Una vez se le ocurrió la idea de hacer enormes collages con Polaroids, imprimió sus obras en máquinas de fax y hoy el artista domina con entusiasmo el dibujo en el iPad. Las pinturas dibujadas sobre tablilla ocupan un lugar digno en sus exposiciones.
En 2005, Hockney finalmente regresó de Estados Unidos a Inglaterra. Ahora pinta al aire libre y en el estudio paisajes enormes (a menudo compuestos por varias partes) de bosques y brezales locales. Según Hockney, durante los 30 años que pasó en California, se desacostumbró tanto al simple cambio de estaciones que realmente lo fascina y fascina. Ciclos enteros de sus obras recientes están dedicados, por ejemplo, al mismo paisaje en diferentes épocas del año.
En 2018, los precios de las pinturas de Hockney superaron varias veces la marca de los 10 millones de dólares. Y el 15 de noviembre de 2018, Christie's registró un nuevo récord absoluto para la obra de un artista vivo: 90.312.500 dólares por el cuadro "Retrato de un artista (piscina con dos figuras)".
3. GERHARD RICHTER Pintura abstracta. 1986. 46,3 millones de dólares
Clásico vivo Gerhard Richter (1932) ocupa el segundo lugar en nuestro ranking. El artista alemán era líder entre sus colegas vivos hasta que se batió el récord de 58 millones de Jeff Koons. Pero es poco probable que esta circunstancia afecte la ya férrea autoridad de Richter en el mercado del arte. A finales de 2012, el volumen de ventas anual en subastas del artista alemán es sólo superado por el de Andy Warhol y Pablo Picasso.
Durante muchos años, nada presagiaba el éxito que ahora ha tenido Richter. Durante décadas, el artista ocupó un lugar modesto en el mercado del arte contemporáneo y no buscó en absoluto la fama. Podemos decir que la fama lo superó por sí sola. Muchos consideran que el punto de partida fue la compra por parte del MoMA de Nueva York en 1995 de la serie de obras de Richter "18 de octubre de 1977". El museo estadounidense pagó 3 millones de dólares por 15 cuadros en tonos grises y pronto empezó a pensar en realizar una retrospectiva completa del artista alemán. La grandiosa exposición se inauguró seis años después, en 2001, y desde entonces el interés por la obra de Richter ha crecido a pasos agigantados. De 2004 a 2008, los precios de sus cuadros se triplicaron. En 2010, las obras de Richter ya recaudaron 76,9 millones de dólares; en 2011, según el sitio web Artnet, las obras de Richter en subastas ganaron un total de 200 millones de dólares, y en 2012 (según Artprice) - 262,7 millones de dólares - más que la obra de cualquier otro artista vivo.
Mientras que, por ejemplo, el abrumador éxito de Jasper Johns en las subastas acompaña principalmente sólo a sus primeras obras, una división tan marcada no es típica de las obras de Richter: la demanda es igualmente estable para cosas de diferentes períodos creativos, de las cuales había muchas en La carrera de Richter. Durante los últimos sesenta años, este artista se ha esforzado en casi todos los géneros pictóricos tradicionales: retrato, paisaje, marina, desnudo, naturaleza muerta y, por supuesto, abstracción.
La historia de los discos de subasta de Richter comenzó con una serie de naturalezas muertas "Velas". 27 imágenes fotorrealistas de velas de principios de los años 80, durante el período en que fueron pintadas, costaban sólo 15.000 marcos alemanes (5.800 dólares) por obra. Pero todavía nadie compró “Velas” en su primera exposición en la galería Max Hetzler de Stuttgart. Entonces el tema de las pinturas se llamó anticuado; hoy “Velas” es considerada una obra de todos los tiempos. Y cuestan millones de dólares.
En febrero de 2008, "Vela", escrito en 1983, fue comprado inesperadamente por £ 7,97 millones ($16 millones). Este récord personal duró tres años y medio. Entonces en octubre de 2011 otro "Vela" (1982) fue subastado en Christie's por £ 10,46 millones ($16,48 millones). Con este disco, Gerhard Richter entró por primera vez entre los tres artistas vivos más exitosos, ocupando su lugar detrás de Jasper Johns y Jeff Koons.
Entonces comenzó la marcha victoriosa de las “Pinturas abstractas” de Richter. El artista pinta estas obras utilizando su técnica única: aplica una mezcla de pinturas simples sobre un fondo claro y luego, usando un raspador largo del tamaño del parachoques de un automóvil, las unta sobre el lienzo. Esto produce intrincadas transiciones de color, manchas y rayas. Examinar la superficie de sus “Pinturas abstractas” es como una excavación: en ellas, a través de los huecos de numerosas capas de colores, se pueden ver huellas de varias “figuras”.
9 de noviembre de 2011 en la subasta de arte contemporáneo y de posguerra de Sotheby's, una subasta a gran escala "pintura abstracta (849-3)" 1997 quedó bajo el martillo por 20,8 millones de dólares (£13,2 millones). Y seis meses después, 8 de mayo de 2012 en la subasta de arte contemporáneo y de posguerra en Christie's en Nueva York "pintura abstracta (798-3)" 1993 batió récord 21,8 millones de dólares(incluida la comisión). Cinco meses después, otro récord: "pintura abstracta (809-4)" de la colección del músico de rock Eric Clapton el 12 de octubre de 2012 en Sotheby's en Londres fue subastado por £ 21,3 millones (34,2 millones de dólares). Richter superó la barrera de los 30 millones con tanta facilidad, como si no estuviéramos hablando de pintura moderna, sino de obras maestras que ya tienen cien años, nada menos. Aunque en el caso de Richter, parece que la inclusión en el panteón de los “grandes” se produjo en vida del artista. Los precios de las obras del alemán siguen subiendo.
El siguiente disco de Richter perteneció a una obra fotorrealista: paisaje "Plaza de la Catedral de Milán (Domplatz, Mailand)" 1968. La obra fue vendida por 37,1 millones en la subasta de Sotheby's 14 de mayo de 2013. La vista de la plaza más bella fue pintada por un artista alemán en 1968 por encargo de Siemens Electro, especialmente para la oficina de Milán de la empresa. En el momento de su redacción, era la obra figurativa más grande de Richter (mide casi tres por tres metros).
El récord de la Plaza de la Catedral duró casi dos años, hasta 10 de febrero de 2015 no lo interrumpió "Pintura abstracta" ( 1986): El precio de remate alcanza las libras esterlinas. 30.389 millones ($46,3 millones). La "Pintura abstracta", que mide 300,5 × 250,5 cm, subastada en Sotheby's, es una de las primeras obras a gran escala de Richter con su técnica especial de autor de raspar capas de pintura. La última vez, en 1999, esta “Pintura abstracta” fue comprada en una subasta por 607 mil dólares (desde este año hasta la venta actual, la obra se exhibió en el Museo Ludwig de Colonia). En la subasta del 10 de febrero de 2015, un cliente americano alcanzó en subasta 2 millones de libras un precio de remate de 46,3 millones de dólares, es decir, ¡desde 1999 el precio de la obra ha aumentado más de 76 veces!
4. CUI ZHUZHO “Grandes Montañas Nevadas”. 2013. $39.577 millones.
Durante mucho tiempo no seguimos de cerca la evolución de la situación en el mercado del arte chino, porque no queríamos sobrecargar a nuestros lectores con demasiada información sobre arte que “no es nuestro”. Con la excepción del disidente Ai Weiwei, que ni siquiera es tan caro como artista resonante, los autores chinos nos parecían demasiado numerosos y lejanos para ahondar en lo que estaba sucediendo en su mercado. Pero las estadísticas, como dicen, son serias, y si hablamos de los autores vivos más exitosos del mundo, todavía no podemos prescindir de una historia sobre los destacados representantes del arte contemporáneo en el Imperio Celeste.
Empecemos por el artista chino. Cui Ruzhuo. El artista nació en 1944 en Beijing y vivió en Estados Unidos de 1981 a 1996. Después de regresar a China, comenzó a enseñar en la Academia Nacional de las Artes. Cui Ruzhuo reinterpreta el estilo tradicional chino de pintura con tinta y crea enormes pinturas en pergamino que a los empresarios y funcionarios chinos les encanta regalarse unos a otros. En Occidente, se sabe muy poco sobre él, aunque muchos deben recordar la historia del pergamino valorado en 3,7 millones de dólares, que fue arrojado por error por los limpiadores de un hotel de Hong Kong, confundiéndolo con basura. Entonces, fue precisamente el pergamino de Cui Ruzhuo.
Cui Ruzhuo ya tiene más de 70 años y el mercado para su trabajo está prosperando. Más de 60 obras de este artista han superado el millón de dólares, aunque hasta ahora sus obras sólo han logrado éxito en las subastas chinas. Los récords de Cui Ruzhuo son realmente impresionantes. primero el "paisaje en la nieve" en la subasta Poly en Hong Kong 7 de abril de 2014 logró un precio de remate de 184 millones de dólares de Hong Kong ( 23,7 millones de dólares estadounidenses).
Exactamente un año después 6 de abril de 2015, en una subasta especial de Poly en Hong Kong dedicada exclusivamente a las obras de Cui Ruzhuo, serie "El gran paisaje nevado de la montaña Jiangnan"(Jiangnan es una región histórica de China que ocupa la margen derecha del curso inferior del Yangtze.) de ocho paisajes en tinta sobre papel alcanzó un precio de remate de 236 millones de dólares de Hong Kong ( 30.444 millones de dólares estadounidenses).
Un año después, la historia se repitió nuevamente en la subasta individual de Cui Ruzhuo realizada por Poly Auctions en Hong Kong. 4 de abril de 2016 políptico de seis partes "Grandes Montañas Nevadas" En 2013 se alcanzó un precio de remate (incluida la comisión de la casa de subastas) de HKD 306 millones. (39,577 millones de dólares estadounidenses)). Hasta el momento, se trata de un récord absoluto entre los artistas asiáticos vivos.
Según el comerciante de arte Johnson Chan, que trabaja con arte contemporáneo chino desde hace 30 años, existe un deseo incondicional de subir los precios de la obra de este autor, pero todo esto sucede a un nivel de precios que los coleccionistas experimentados difícilmente querrán. para comprar cualquier cosa. “Los chinos quieren aumentar las calificaciones de sus artistas inflando los precios de sus obras en grandes subastas internacionales como la organizada por Poly en Hong Kong, pero no hay duda de que estas calificaciones son completamente inventadas”, comenta Johnson Chan sobre Cui. El último disco de Ruzhuo.
Por supuesto, esto es sólo la opinión de un distribuidor individual, pero tenemos un historial real registrado en todas las bases de datos. Así que lo tendremos en cuenta. El propio Cui Ruzhuo, a juzgar por sus declaraciones, está lejos de la modestia de Gerhard Richter en lo que respecta a sus éxitos en las subastas. Parece que esta carrera por los récords le fascina seriamente. “Espero que en los próximos 5 a 10 años los precios de mis obras superen los precios de las obras de maestros occidentales como Picasso y Van Gogh. Éste es el sueño chino”, afirma Cui Ruzhuo.
5. JASPER JONES Bandera. 1983. 36 millones de dólares
El tercer lugar en el ranking de artistas vivos pertenece a un estadounidense Jasper Johns (1930). El precio récord actual por el trabajo de Jones es de $ 36 millones. Pagaron tanto por su famoso "Bandera" en la subasta de Christie 12 de noviembre de 2014.
La serie de pinturas "banderas", iniciada por Jones a mediados de la década de 1950, inmediatamente después de que el artista regresara del ejército, se convirtió en una de las centrales de su obra. Ya en su juventud, el artista se interesó por la idea del readymade, la transformación de un objeto cotidiano en una obra de arte. Sin embargo, las banderas de Jones no eran reales, estaban pintadas al óleo sobre lienzo. Así, la obra de arte adquirió las propiedades de una cosa de la vida ordinaria; era al mismo tiempo imagen de la bandera y la bandera misma. Una serie de trabajos con banderas le dieron fama mundial a Jasper Johns. Pero sus obras abstractas no son menos populares. Durante muchos años, la lista de las obras más caras, compilada de acuerdo con las reglas anteriores, estuvo encabezada por su resumen. "Inicio en falso". Hasta 2007, se consideraba que este lienzo muy brillante y decorativo, pintado por Jones en 1959, tenía un precio casi inaccesible para un artista vivo (incluso un clásico de toda la vida): $ 17 millones. Eso es lo que pagaron en oro para el mercado del arte. 1988.
Curiosamente, el mandato de Jasper Johns como poseedor del récord no fue continuo. En 1989, fue interrumpido por el trabajo de su colega Willem de Kooning: la abstracción de dos metros "Blending" se vendió en Sotheby's por 20,7 millones de dólares. Jasper Johns tuvo que mudarse. Pero ocho años después, en 1997, De Kooning murió. y “ False Start de Jones volvió a ocupar el primer lugar en el ranking de subastas de artistas vivos durante casi 10 años.
Pero en 2007 todo cambió. El récord de False Start fue eclipsado por primera vez por las obras de los jóvenes y ambiciosos Damien Hirst y Jeff Koons. Luego hubo una venta récord por 33,6 millones de dólares del cuadro “El inspector de beneficios durmientes” de Lucien Freud (ya fallecido y, por lo tanto, no participa en esta clasificación). Entonces comenzaron los discos de Gerhard Richter. En general, hasta ahora, con un récord actual de 36 millones, Jasper Johns, uno de los maestros del arte estadounidense de posguerra, que trabaja en la intersección del neodadaísmo, el expresionismo abstracto y el arte pop, ocupa el honorable tercer lugar.
6. ED RUSHEY Aplastar. 1963. 30,4 millones de dólares
El repentino éxito del cuadro “Smash” del artista estadounidense Edward Rushay (n. 1937) en la subasta Christie's 12 de noviembre de 2014 convirtió a este autor en uno de los artistas vivos más caros. El precio récord anterior por la obra de Ed Rusha (el apellido Ruscha a menudo se pronuncia en ruso como “Rusha”, pero la pronunciación correcta es Rusha) fue de “sólo” 6,98 millones de dólares: esa cantidad se pagó por su lienzo “The Burning Gas” Estación” en 2007. Siete años despues "Aplastar" con una estimación de entre 15 y 20 millones de dólares alcanzó el precio de remate 30,4 millones de dólares. Es obvio que el mercado de las obras de este autor ha alcanzado un nuevo nivel: no en vano Barack Obama decora la Casa Blanca con sus obras y el propio Larry Gagosian las exhibe en sus galerías.
Ed Ruscha nunca gravitó por la Nueva York de la posguerra con su locura por el expresionismo abstracto. En cambio, durante más de 40 años, buscó inspiración en California, donde se mudó desde Nebraska a los 18 años. El artista estuvo en los orígenes de un nuevo movimiento artístico, llamado pop art. Junto con Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud y otros cantantes de la cultura popular, Edward Ruscha participó en la exposición "Nuevas imágenes de cosas ordinarias" en el Museo de Pasadena en 1962, que se convirtió en la primera exposición de museo de arte pop estadounidense. Sin embargo, al propio Ed Rusha no le gusta que su obra sea clasificada como arte pop, conceptualismo o algún otro movimiento artístico.
Su estilo único se llama "pintura de texto". A finales de la década de 1950, Ed Ruscha comenzó a pintar palabras. Así como para Warhol una lata de sopa se convirtió en una obra de arte, para Ed Rushay eran palabras y frases comunes, tomadas de un cartel publicitario o del empaque de un supermercado, o de los créditos de una película (Hollywood siempre estuvo “cerca” para Rushay y, a diferencia de muchos otros artistas, Rusche respetaba la “fábrica de sueños”). Las palabras en sus lienzos adquieren las propiedades de objetos tridimensionales, son verdaderas naturalezas muertas de palabras. Al mirar sus lienzos, lo primero que me viene a la mente es la percepción visual y sonora de la palabra pintada, y solo entonces el significado semántico. Este último, por regla general, no se puede descifrar sin ambigüedades; La elección de palabras y frases de Rushay se puede interpretar de diferentes maneras. La misma palabra de color amarillo brillante "Smash" sobre un fondo azul intenso puede percibirse como una llamada agresiva a destrozar algo o a alguien; como un adjetivo solitario sacado de contexto (parte de algún titular de periódico, por ejemplo), o simplemente como una palabra separada atrapada en el flujo urbano de imágenes visuales. Ed Ruscha disfruta de esta incertidumbre. "Siempre he tenido un profundo respeto por las cosas extrañas e inexplicables... Las explicaciones en cierto sentido matan las cosas", dijo en una entrevista.
7. LANA CRISTÓBAL Sin título (RIOT). 1990. 29,93 millones de dólares
artista americano cristóbal lana(1955) entró por primera vez en el ranking de artistas vivos en 2013, después de vender su obra "Apocalypse Now" por 26,5 millones de dólares, récord que inmediatamente lo puso a la par de Jasper Johns y Gerhard Richter. El importe de esta transacción histórica - más de 20 millones de dólares - sorprendió a muchos, ya que antes los precios de las obras del artista no superaban los 8 millones de dólares, pero el rápido crecimiento del mercado de las obras de Christopher Wool ya era evidente en aquel momento: el Su trayectoria incluye 48 transacciones de subasta por montos superiores a $1 millón, y 22 de ellas (casi la mitad) tuvieron lugar en 2013. Dos años más tarde, el número de obras de Chris Wool vendidas por más de 1 millón de dólares llegó a 70, y un nuevo récord personal no se hizo esperar. en la subasta Obra de Sotheby's del 12 de mayo de 2015 “Sin título (RIOT)” se vendió por $ 29,93 millones incluyendo la Prima del Comprador.
Christopher Wool es conocido principalmente por sus obras a gran escala de letras negras sobre láminas de aluminio blanco. Ellos son los que, por regla general, establecen récords en las subastas. Todas estas son cosas de finales de los 80 y principios de los 90. Según cuenta la leyenda, un día Wool caminaba por Nueva York por la noche y de repente vio graffitis en letras negras en un camión blanco nuevo: las palabras sexo y amor. Esta visión le impresionó tanto que inmediatamente regresó al taller y escribió su propia versión con las mismas palabras. Era 1987, y la búsqueda adicional del artista de palabras y frases para sus obras de “letras” refleja el espíritu contradictorio de esta época. Se trata del lema “vender la casa, vender el coche, vender los niños”, tomado por Wool de la película “Apocalypse Now”, y la palabra “FOOL” (“tonto”) en mayúsculas, y la palabra “RIOT” (“rebelión”), que a menudo se encuentra en los titulares de los periódicos de la época.
Wool aplicó palabras y frases a láminas de aluminio utilizando plantillas con pinturas alquídicas o esmaltadas, dejando deliberadamente gotas, marcas de plantilla y otras evidencias del proceso creativo. El artista dividió las palabras de tal manera que el espectador no entendió inmediatamente el significado. Al principio, ves sólo un grupo de letras, es decir, percibes la palabra como un objeto visual, y solo entonces lees y descifras el significado de la frase o palabra. Wool utilizó una fuente que fue utilizada por el ejército estadounidense después de la Segunda Guerra Mundial, lo que realza la impresión de una orden, una directiva, un eslogan. Estas obras de “letras” se perciben como parte del paisaje urbano, como graffitis ilegales que han vulnerado la limpieza de la superficie de algún objeto callejero. Esta serie de obras de Christopher Wool está reconocida como una de las cumbres de la abstracción lingüística y, por ello, tan valorada por los amantes del arte contemporáneo.
8. PETER DOIG Rosedale. 1991. 28,81 millones de dólares
británico Pedro Doig(1959), aunque pertenece a la generación de los posmodernistas Koons y Hirst, eligió un género de paisaje completamente tradicional, que durante mucho tiempo no fue del agrado de los artistas avanzados. Peter Doig reaviva con su obra el cada vez más débil interés del público por la pintura figurativa. Sus obras son muy apreciadas tanto por los críticos como por los no especialistas, y prueba de ello es el rápido aumento de los precios de sus obras. Si a principios de los años 1990 sus paisajes costaban varios miles de dólares, ahora cuestan millones.
El trabajo de Doig a menudo se llama realismo mágico. A partir de paisajes reales, crea imágenes fantásticas, misteriosas y, a menudo, sombrías. Al artista le encanta representar objetos abandonados por la gente: un edificio ruinoso construido por Le Corbusier en medio del bosque o una canoa blanca vacía en la superficie de un lago del bosque. Además de en la naturaleza y la imaginación, Doig se inspira en películas de terror, postales antiguas, fotografías, vídeos amateur, etc. Las pinturas de Doig son coloridas, complejas, decorativas y no provocativas. Es un placer poseer una pintura así. El interés de los coleccionistas también se ve alimentado por la baja productividad del autor: el artista que vive en Trinidad no crea más de una docena de cuadros al año.
A principios de la década de 2000, algunos paisajes del artista se vendieron por varios cientos de miles de dólares. Al mismo tiempo, las obras de Doig se incluyeron en la Galería Saatchi, en la Bienal del Museo Whitney y en la colección del MoMA. En 2006 se superó el nivel de subasta de 1 millón de dólares, y al año siguiente se produjo un avance inesperado: la obra "Canoa blanca", ofrecida en Sotheby's el 7 de febrero de 2007 con una estimación de entre 0,8 y 1,2 millones de dólares, fue cinco veces mayor. que la estimación preliminar y se vendió por £5,7 millones (11,3 millones de dólares). En aquel momento, se trataba de un precio récord para las obras de un artista europeo vivo.
En 2008, Doig realizó exposiciones individuales en la Tate Gallery y el Museo de Arte Moderno de París. Los precios multimillonarios por el trabajo de Doig se han convertido en la norma. El registro personal de Peter Doig ha comenzado recientemente a actualizarse varias veces al año; todo lo que tenemos tiempo para hacer es cambiar la imagen y el lugar de este artista en nuestro ranking de autores vivos.
La obra más cara de Peter Doig hasta la fecha es el paisaje nevado “Rosedale” de 1991. Curiosamente, el récord no se estableció en Sotheby's o Christie's, sino en la subasta de arte contemporáneo de la casa de subastas Phillips. Esto sucedió el 18 de mayo de 2017. Una vista del nevado barrio de Rosedale en Toronto se vendió a un comprador de teléfonos por 28,81 millones de dólares, unos 3 millones de dólares por encima del récord anterior (25,9 millones de dólares por “Swallowed by the Mire”). "Rosedale" participó en la exposición clave de Doig en la Whitechapel Gallery de Londres en 1998 y, en general, esta obra era nueva para el mercado y, por lo tanto, el precio récord es bien merecido.
9. FRANK STELLA Cabo de Pinos. 1959. 28 millones de dólares
Frank Stella es un destacado representante de la abstracción pospictórica y el minimalismo en el arte. En cierto momento, se le clasifica como representante del estilo de pintura de borde duro. Al principio, Stella contrastó la estricta geometría, la monocromía ascética y la estructura de sus pinturas con la espontaneidad y el caos de las pinturas de expresionistas abstractos como Jackson Pollock.
A finales de los años 50, el famoso galerista Leo Castelli se fijó en el artista y le concedió por primera vez una exposición. En él presentó las llamadas “Pinturas Negras”, lienzos pintados con líneas negras paralelas con finos espacios de lienzo sin pintar entre ellas. Las líneas forman formas geométricas, que recuerdan un poco a las ilusiones ópticas, esas mismas imágenes que parpadean, se mueven, se retuercen, crean una sensación de espacio profundo si las miras durante mucho tiempo. Stella continuó el tema de las líneas paralelas con finas franjas divisorias en sus obras sobre aluminio y cobre. Los colores, la base pictórica e incluso la forma de las pinturas cambiaron (entre otras, destacan obras en forma de las letras U, T, L). Pero el principio fundamental de su pintura seguía siendo la claridad de contorno, la monumentalidad, la forma simple y la monocromía. En las décadas siguientes, Stella se alejó de la pintura geométrica hacia formas y líneas suaves y naturales, y de las pinturas monocromáticas hacia transiciones de color brillantes y variadas. En los años 70, Stella quedó cautivada por los enormes motivos utilizados para pintar barcos. El artista los utilizó para cuadros enormes con elementos de ensamblaje: incluyó en sus obras trozos de tubos de acero o mallas de alambre.
En sus primeras entrevistas, Frank Stella analiza abiertamente los significados que se le dan a sus obras, o más bien, la falta de ellos: "Lo que ves es lo que ves". Un cuadro es un objeto en sí mismo y no una reproducción de algo. "Es una superficie plana con pintura y nada más", dijo Stella.
Bueno, firmada por Frank Stella, esta "superficie con pintura" podría valer millones de dólares hoy. Por primera vez, Frank Stella entró en el ranking de artistas vivos en 2015 con la venta de la obra “Crossing the Delaware” (1961) por 13,69 millones de dólares, comisión incluida.
Cuatro años después, el 15 de mayo de 2019, la primera obra (1959) “Cabo de Pinos” estableció un nuevo récord: el precio de remate superó los 28 millones de dólares, comisión incluida. Esta es una de las 29 “pinturas negras”, las mismas con las que Stella debutó en su primera exposición en Nueva York. Frank Stella, graduado de la Universidad de Princeton, tenía 23 años en ese momento. A menudo no tenía suficiente dinero para comprar pinturas al óleo para los artistas. El joven artista ganaba dinero haciendo trabajos de reparación, le gustaban mucho los colores puros de la pintura y entonces surgió la idea de trabajar con esta pintura sobre lienzo. Usando pintura de esmalte negro, Stella pinta rayas paralelas, dejando finas líneas de lienzo sin imprimación entre ellas. Además, escribe sin reglas, a ojo, sin boceto previo. Stella nunca supo exactamente cuántas líneas negras habría en una pintura en particular. Por ejemplo, en la pintura "Cabo de Pinos" había 35. El título de la obra hace referencia al nombre del cabo en la Bahía de Massachusetts - Punta de Pinos. A principios del siglo XX era un gran parque de atracciones y hoy es una de las zonas de la ciudad de Revere.
10. YOSHITOMO NARA Cuchillo a la espalda. 2000. 24,95 millones de dólares
Yoshitomo Nara (1959) es una de las figuras clave del arte neopop japonés. Japonés, porque a pesar de la fama mundial y de muchos años de trabajo en el extranjero, su trabajo todavía se distingue por una marcada identidad nacional. Los personajes favoritos de Nara son las niñas y los perros al estilo de los cómics manga y anime japoneses. Las imágenes que inventó “han ido al pueblo” desde hace muchos años: están impresas en camisetas, souvenirs y con ellas se fabrican diversos “merchandising”. Nacido en una familia pobre, lejos de la capital, no sólo es amado por su talento, sino también valorado como un hombre hecho a sí mismo. El artista trabaja de forma rápida y expresiva. Se sabe que algunas de sus obras maestras se completaron literalmente de la noche a la mañana. Las pinturas y esculturas de Yoshitomo Nara suelen ser muy lacónicas, si no mezquinas, en sus medios de expresión, pero siempre conllevan una fuerte carga emocional. Las adolescentes de Nara a menudo miran al espectador con ojos entrecerrados y crueles. En sus ojos hay audacia, desafío y agresión. En sus manos hay un cuchillo o un cigarrillo. Existe la opinión de que las perversiones de comportamiento representadas son una reacción a la moral social opresiva, varios tabúes y los principios de educación adoptados por los japoneses. La severidad y la vergüenza casi medievales empujan los problemas hacia adentro y crean el terreno para una explosión emocional tardía. “El cuchillo detrás de tu espalda” refleja sucintamente una de las ideas principales del artista. En esta obra hay una mirada llena de odio de una niña y una mano colocada amenazadoramente detrás de su espalda. Hasta 2019, las pinturas y esculturas de Yoshitomo Nara ya habían alcanzado el millón, o incluso varios millones, más de una vez. Pero veinte millones es la primera vez. Nara es uno de los artistas nacidos en Japón más famosos del mundo. Y ahora el más caro del mundo. El 6 de octubre de 2109, en Sotheby's de Hong Kong, le quitó este título a Takashi Murakami y superó notablemente a la artista de vanguardia Yayoi Kusama, de 90 años (los precios máximos de subasta de sus pinturas ya se acercan a los 9 millones de dólares).
11. ZENG FANZHI Última cena. 2001. 23,3 millones de dólares
En la subasta de Sotheby's en Hong Kong 5 de octubre de 2013 año lienzo a gran escala "La última cena" artista de pekin Zeng Fanzhi (1964) se vendió por una cantidad récord de 160 millones de dólares de Hong Kong. 23,3 millones de dólares EE.UU. El coste final de la obra de Fanzhi, escrita, por supuesto, bajo la influencia de la obra de Leonardo da Vinci, resultó ser el doble de la estimación preliminar de unos 10 millones de dólares. El precio récord anterior de Zeng Fanzhi era de dólares 9,6 millones, pagado en la subasta de Christie's en Hong Kong en mayo de 2008 por la obra. "Serie de máscaras. 1996. No. 6".
“La Última Cena” es la pintura más grande (2,2 × 4 metros) de Fanzhi de la serie “Máscaras”, que abarca el período de 1994 a 2001. El ciclo está dedicado a la evolución de la sociedad china bajo la influencia de las reformas económicas. La introducción de elementos de una economía de mercado por parte del gobierno de la República Popular China condujo a la urbanización y la desunión del pueblo chino. Fanzhi representa a los residentes de las ciudades chinas modernas que tienen que luchar por un lugar bajo el sol. La conocida composición del fresco de Leonardo en la lectura de Fanzhi adquiere un significado completamente diferente: la escena de la acción se traslada de Jerusalén a un aula de una escuela china con los típicos tableros de jeroglíficos en las paredes. "Cristo" y los "apóstoles" se han convertido en pioneros con corbatas escarlatas, y sólo "Judas" lleva corbata dorada; esta es una metáfora del capitalismo occidental que penetra y destruye la forma de vida habitual en un país socialista.
Las obras de Zeng Fanzhi son estilísticamente cercanas al expresionismo europeo e igualmente dramáticas. Pero al mismo tiempo están llenos de simbolismo y especificidad chinos. Esta versatilidad atrae a coleccionistas chinos y occidentales a la obra del artista. Una confirmación directa de esto es la procedencia de “La Última Cena”: la obra fue subastada por el famoso coleccionista de la vanguardia china de los años 80 y principios de los 90, el barón belga Guy Ullens.
12. ROBERT RYMAN Puente. 1980. 20,6 millones de dólares
en la subasta Christie's 13 de mayo de 2015 trabajo abstracto "Puente" Artista estadounidense de 85 años Robert Ryman(Robert Ryman) fue vendido por 20,6 millones de dólares teniendo en cuenta la comisión: el doble que la estimación más baja.
Robert Ryman(1930) no se dio cuenta de inmediato de que quería convertirse en artista. A la edad de 23 años, se mudó a Nueva York desde Nashville, Tennessee, con el deseo de convertirse en saxofonista de jazz. Hasta convertirse en un músico famoso, tuvo que trabajar como guardia de seguridad en el MoMA, donde conoció a Sol LeWitt y Dan Flavin. El primero trabajó en el museo como secretario nocturno y el segundo como guardia de seguridad y ascensorista. Impresionado por las obras de los expresionistas abstractos que vio en el MoMA (Rothko, De Kooning, Pollock y Newman), Robert Ryman comenzó a pintar él mismo en 1955.
Ryman es a menudo considerado un minimalista, pero prefiere que lo llamen “realista” porque no le interesa crear ilusiones, solo demuestra las cualidades de los materiales que utiliza. La mayoría de sus obras están pintadas con pinturas de todos los tonos posibles de blanco (desde el grisáceo o amarillento hasta el blanco deslumbrante) basándose en una forma cuadrada lacónica. Durante su carrera, Robert Ryman probó muchos materiales y técnicas: pintó al óleo, acrílico, caseína, esmalte, pastel, gouache, etc. sobre lienzo, acero, plexiglás, aluminio, papel, cartón ondulado, vinilo, papel pintado, etc. Su amigo, el restaurador profesional Orrin Riley, le aconsejó sobre la corrosividad de los materiales que pensaba utilizar. Como dijo una vez el artista: "Nunca tengo una pregunta Qué escribir, lo principal es Cómo escribir". Se trata de la textura, la naturaleza de los trazos, el límite entre la superficie de la pintura y los bordes de la base, así como la relación entre la obra y la pared. Desde 1975, un elemento especial de su trabajo han sido los montajes, que Ryman diseña él mismo y deja deliberadamente visibles, enfatizando que su trabajo es “tan real como las paredes de las que cuelgan”. Ryman prefiere dar a sus obras "nombres" en lugar de "títulos". El "nombre" es lo que ayuda a distinguir una obra de otra, y Ryman a menudo nombra sus obras mediante marcas de pintura, empresas, etc., y el "título" afirma algún tipo de alusiones y significados profundos y ocultos, cuya presencia en sus obras. el artista lo niega regularmente. Nada importa excepto el material y la técnica.
13. DAMIEN HURST Primavera soñolienta. 2002. 19,2 millones de dólares
Al artista inglés Damien Hirst (1965) Estaba destinado a ser el primero en ocupar el primer lugar en esta clasificación en una disputa con el clásico vivo Jasper Johns. El trabajo ya mencionado "False Start" podría haber seguido siendo un líder insumergible durante mucho tiempo si 21 de junio de 2007 instalación de Hirst, que entonces tenía 42 años "Primavera soñolienta"(2002) no se vendió en Sotheby's por £ 9,76 millones, es decir, por $19,2 millones. La obra, por cierto, tiene un formato bastante inusual. Por un lado, una vitrina con muñecos de pastillas (6.136 pastillas), una instalación esencialmente clásica. Por otro lado, esta vitrina se hace plana (10 cm de profundidad), se coloca en un marco y se cuelga en la pared como un panel de plasma, garantizando así plenamente la comodidad de posesión típica de los cuadros. En 2002, la hermana de esta instalación, Sleepy Winter, se vendió por 7,4 millones de dólares, más de la mitad del precio. Alguien “explicó” la diferencia de precio diciendo que las pastillas se decoloran más en invierno. Pero está claro que esta explicación es absolutamente infundada, porque el mecanismo de fijación de precios para tales cosas ya no está relacionado con su carácter decorativo.
En 2007, muchos reconocieron a Hirst como el autor de la obra más cara entre los artistas vivos. La pregunta, sin embargo, es de la categoría de “según cómo se cuente”. El hecho es que Hirst se vendió por libras caras y Jones por dólares ahora más baratos, e incluso hace veinte años. Pero incluso si contamos al pie de la letra, sin tener en cuenta la inflación de 20 años, entonces el trabajo de Hirst era más caro en dólares y el de Jones en libras. La situación era límite y cada uno era libre de decidir quién era considerado más querido. Pero Hearst no duró mucho en el primer lugar. En el mismo 2007, fue desbancado del primer lugar por Koons con su “Hanging Heart”.
Justo en vísperas de la caída mundial de los precios del arte contemporáneo, Hirst emprendió una tarea sin precedentes para un joven artista: una subasta en solitario de sus obras, que tuvo lugar el 15 de septiembre de 2008 en Londres. La noticia de la quiebra del banco Lehman Brothers, anunciada la víspera, no estropeó en absoluto el apetito de los amantes del arte contemporáneo: de las 223 obras ofrecidas por Sotheby's, sólo cinco no encontraron nuevos propietarios (uno de los compradores, por cierto, fue Víctor Pinchuk). Trabajar "Tauro dorado"- un enorme toro disecado en formaldehído, coronado con un disco de oro - trajo tanto £10,3 millones (18,6 millones de dólares). Este es el mejor resultado de Hirst si se calcula en libras (la moneda en la que se realizó la transacción). Sin embargo, estamos clasificando en términos de dólares, por lo que (que el Becerro de Oro nos perdone) seguiremos considerando “Sleepy Spring” como la mejor venta de Hirst.
Desde 2008, Hirst no ha tenido ventas al nivel de “Sleepy Spring” y “The Golden Calf”. Los nuevos registros de la década de 2010, para las obras de Richter, Jones, Fanzhi, Wool y Koons, llevaron a Damien al sexto lugar en nuestro ranking. Pero no emitamos un juicio categórico sobre el fin de la era Hearst. Según los analistas, Hirst como "superestrella" ya ha pasado a la historia, lo que significa que será comprado durante mucho tiempo; Sin embargo, el mayor valor en el futuro se augura para las obras creadas durante el período más innovador de su carrera, es decir, en los años noventa.
14. MAURIZIO CATTELAN A él. 2001. 17,19 millones de dólares
El italiano Maurizio Cattelan (1960) llegó al arte tras trabajar como guardia de seguridad, cocinero, jardinero y diseñador de muebles. El artista autodidacta se ha hecho mundialmente famoso por sus esculturas e instalaciones irónicas. Dejó caer un meteorito sobre el Papa, convirtió a la esposa de un cliente en un trofeo de caza, hizo agujeros en el suelo del Museo de los Antiguos Maestros, mostró un dedo medio gigante a la Bolsa de Milán y llevó un burro vivo a la feria Frieze. Cattelan promete instalar en un futuro próximo un retrete dorado en el Museo Guggenheim. Al final, las payasadas de Maurizio Cattelan recibieron un amplio reconocimiento en el mundo del arte: fue invitado a la Bienal de Venecia (la instalación "Otros" en 2011, una bandada de dos mil palomas que miran amenazadoramente desde todos los tubos y vigas a la multitud de visitantes que pasan por debajo), organizó una retrospectiva en el Museo Guggenheim de Nueva York (noviembre de 2011) y finalmente le pagaron mucho dinero por sus esculturas.
Desde 2010, la obra más cara de Maurizio Cattelan ha sido una escultura de cera de un hombre mirando desde un agujero en el suelo, similar en apariencia al propio artista (Sin título, 2001). Esta escultura-instalación, que existe en tres copias más la copia del autor, se mostró por primera vez en el Museo Boijmans van Beuningen de Rotterdam. Entonces este travieso personaje se asomó desde un agujero en el suelo de la sala con cuadros de pintores holandeses de los siglos XVIII y XIX. En esta obra, Maurizio Cattellan se asocia con un atrevido criminal que invade el espacio sagrado de una sala de museo con pinturas de grandes maestros. Quiere así privar al arte del halo de santidad que le confieren las paredes de los museos. La obra, que requiere agujeros en el suelo para mostrarse cada vez, se vendió por 7.922 millones de dólares en Sotheby's.
El récord duró hasta el 8 de mayo de 2016, cuando la obra aún más provocativa de Cattelan, “Él”, que representa a Hitler arrodillado, fue subastada por 17.189 millones de dólares. El nombre es extraño. Elegir un personaje es arriesgado. Como todo de Cattelan. ¿Qué quiere decir Él? ¿“Suyo” o “Su infernal majestad”? Está claro que definitivamente no estamos hablando de glorificar la imagen del Führer. En esta obra, Hitler aparece más bien de forma impotente y lamentable. Y es absurdo: la encarnación de Satanás es tan alta como un niño, vestida con un traje de colegial y arrodillada con una expresión humilde en su rostro. Para Cattelan, esta imagen es una invitación a pensar en la naturaleza del mal absoluto y una forma de deshacerse de los miedos. Por cierto, la escultura "Él" es muy conocida por el público occidental. Sus hermanos de la serie han sido expuestos más de 10 veces en los principales museos del mundo, incluidos el Centro Pompidou y el Museo Solomon Guggenheim.
15. MARK GROTJAN Sin título (S III lanzado a Francia Cara 43.14). 2011. $16,8 millones
El 17 de mayo de 2017, una de las pinturas más poderosas de Mark Grotjahn jamás subastadas apareció en la subasta nocturna de Christie's en Nueva York. El cuadro "Sin título (S III lanzado a Francia Cara 43.14)" fue exhibido por el coleccionista parisino Patrick Seguin con una estimación de entre 13 y 16 millones de dólares, y como la venta del lote estaba garantizada por un tercero, nadie se sorprendió especialmente. por el establecimiento de un nuevo récord personal en subasta por parte del artista de 49 años. El precio de remate de 14,75 millones de dólares (incluyendo la prima de compra de 16,8 millones de dólares) superó el récord de subasta anterior de Grotjahn en más de 10 millones de dólares, colocándolo en el club de artistas vivos cuyas obras se venden por sumas de ocho cifras. Ya hay unos treinta resultados de siete cifras (ventas superiores a 1 millón de dólares, pero no más de 10 millones de dólares) en el tesoro de subastas de Mark Grotjahn.
Mark Grotjahn (1968), en cuya obra los expertos ven la influencia del modernismo, el minimalismo abstracto, el pop y el op art, alcanzó su estilo característico a mediados de la década de 1990, después de mudarse con su amigo Brent Peterson a Los Ángeles y abrir una galería allí. "Habitación 702" Como recuerda el propio artista, en ese momento empezó a pensar en lo que para él era primero en el arte. Buscaba un motivo con el que experimentar. Y me di cuenta de que a él siempre le habían interesado la línea y el color. Los experimentos en el espíritu del rayonismo y el minimalismo con perspectiva lineal, numerosos puntos de fuga y formas triangulares abstractas multicolores finalmente dieron a Grotjahn fama mundial.
A partir de paisajes abstractos y coloridos con múltiples líneas de horizonte y puntos de perspectiva que se desvanecen, finalmente llegó a formas triangulares que recuerdan a las alas de una mariposa. Las pinturas de Grotjahn 2001-2007 Eso es lo que llaman “mariposas”. Hoy en día, mover el punto de fuga o utilizar varios puntos de fuga a la vez, espaciados en el espacio, se considera una de las técnicas más poderosas del artista.
La siguiente gran serie de obras se llamó "Rostros"; en las líneas abstractas de esta serie se pueden distinguir los rasgos de un rostro humano, simplificado al estado de una máscara en el espíritu de Matisse, Jawlensky o Brancusi. Hablando de la extrema simplificación y estilización de las formas, de la solución compositiva de las pinturas, cuando los contornos dispersos de ojos y bocas parecen mirarnos desde la espesura del bosque, los investigadores notan la conexión entre los "Rostros" de Grotjahn y el arte de las tribus primitivas de África y Oceanía, mientras que al propio artista simplemente “le gusta la imagen de ojos mirando desde la jungla. A veces me imaginaba caras de babuinos o monos. No puedo decir que fui influenciado consciente o inconscientemente por el arte africano primitivo; más bien, fui influenciado por artistas que fueron influenciados por él. Picasso es el ejemplo más obvio."
Las obras de la serie "Faces" se consideran brutales y elegantes, agradables a la vista y agradables a la mente. Con el tiempo, la textura de estas obras también cambia: para crear el efecto del espacio interior, el artista utiliza amplias pinceladas de pintura espesa, incluso salpicando al estilo de Pollock, pero la superficie de la pintura se nivela de modo que, tras un examen detenido, parece absolutamente plano. El cuadro “Sin título (S III Released to France Face 43.14)”, que estableció un récord en subasta, pertenece precisamente a esta famosa serie de Mark Grotjahn.
16. TAKASHI MURAKAMI Mi vaquero solitario. $15,16 millones
japonés Takashi Murakami (1962) entró en nuestra calificación con escultura. "Mi vaquero solitario", vendido en Sotheby's en mayo de 2008 por $ 15,16 millones. Con esta venta, Takashi Murakami fue considerado durante mucho tiempo el artista asiático vivo de mayor éxito, hasta que fue eclipsado por la venta de La última cena de Zeng Fanzhi.
Takashi Murakami trabaja como pintor, escultor, diseñador de moda y animador. Murakami quería tomar algo verdaderamente japonés como base para su trabajo, sin préstamos occidentales ni de ningún otro tipo. Durante sus años de estudiante, quedó fascinado por la pintura tradicional japonesa nihonga, que luego fue reemplazada por el arte popular del anime y el manga. Así nació el psicodélico Mr DOB, patrones de flores sonrientes y esculturas de fibra de vidrio brillantes y relucientes, como sacadas directamente de las páginas de los cómics japoneses. Algunos consideran que el arte de Murakami es comida rápida y la encarnación de la vulgaridad, otros llaman al artista el japonés Andy Warhol, y en las filas de este último, como vemos, hay muchas personas muy ricas.
Murakami tomó prestado el nombre de su escultura de la película de Andy Warhol "Lonely Cowboys" (1968), que los japoneses, como él mismo admitió, nunca habían visto, pero le gustó mucho la combinación de palabras. Murakami complació a los fanáticos de los cómics eróticos japoneses y se rió de ellos con una escultura. Aumentado en tamaño, y también tridimensional, el héroe del anime se convierte en un fetiche de la cultura de masas. Esta declaración artística está bastante en el espíritu del arte pop occidental clásico (recuerde el conjunto de muebles de Allen Jones o “La Pantera Rosa” de Koons), pero con un toque nacional.
17. KAWS. Álbum de KAWS. 2005. $14,784,505
KAWS es el seudónimo del artista estadounidense Brian Donnelly de Nueva Jersey. Es el participante más joven de nuestro ranking, nacido en 1974. Donelly comenzó como animador en Disney (pintó fondos para la caricatura “101 Dálmatas” y otras). Desde joven se interesó por el graffiti. Al principio, su diseño característico era una calavera con "X" en lugar de las cuencas de los ojos. Las obras del joven escritor fueron amadas por figuras del mundo del espectáculo y gente de la industria de la moda: creó la portada del álbum de Kanye West y lanzó colaboraciones con Nike, Comme des Garçons y Uniqlo. Con el tiempo, KAWS se convirtió en una figura muy conocida en el mundo del arte contemporáneo. Su figura característica, que recuerda a Mickey Mouse, ha echado raíces en museos, espacios públicos y colecciones privadas. Érase una vez, KAWS lanzó una edición limitada de juguetes de vinilo junto con la marca My Plastic Heart, e inesperadamente se convirtieron en objeto de gran interés coleccionable. Uno de los apasionados coleccionistas de estos “juguetes” es el fundador de Black Star, el rapero Timati: ha coleccionado casi por completo toda la serie “Cavs Companions”.
La obra de KAWS estableció un récord para la obra del artista (14,7 millones de dólares) en la subasta de Sotheby's en Hong Kong el 1 de abril de 2019. Anteriormente, estuvo en la colección del diseñador de moda japonés Nigo. El álbum KAWS es un homenaje a la portada del famoso álbum de 1967 de The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Sólo que en lugar de personas aparecen los Kimpson, personajes estilizados de la serie animada Los Simpson con una "X" en lugar de ojos.
18. JIN SHANI Novia tayika. 1983. 13,89 millones de dólares
Entre los artistas chinos relativamente jóvenes y contemporáneos, que pertenecen todos a la llamada “nueva ola” del arte chino de finales de los años 1980, nuestra calificación incluyó inesperadamente a un representante de una generación y una escuela completamente diferentes. Jin Shangyi, que ahora tiene más de 80 años, es uno de los representantes destacados de la primera generación de artistas de la China comunista. Las opiniones de este grupo de artistas se formaron en gran medida bajo la influencia de su aliado comunista más cercano: la URSS.
El arte oficial soviético, el realismo socialista y la pintura al óleo, que entonces era inusual en China (a diferencia de la pintura tradicional china con tinta), alcanzaron la cima de su popularidad en la década de 1950, y el artista soviético Konstantin vino a enseñar en la Universidad de Arte de Beijing. durante tres años (de 1954 a 1957) Methodievich Maksimov. Jin Shani, que en ese momento era el más joven del grupo, terminó en su clase. El artista siempre recordó a su maestro con gran calidez y dijo que fue Maksimov quien le enseñó a comprender y representar correctamente un modelo. K. M. Maksimov formó a toda una galaxia de realistas chinos, ahora clásicos.
En la obra de Jin Shan se puede sentir la influencia tanto del “estilo severo” soviético como de la escuela de pintura europea. El artista dedicó mucho tiempo a estudiar la herencia del Renacimiento y el clasicismo, al tiempo que consideraba necesario preservar el espíritu chino en sus obras. El cuadro “La novia tayika”, pintado en 1983, se considera una obra maestra universalmente reconocida, un nuevo hito en la obra de Jin Shan. Fue subastado por China Guardian en noviembre de 2013 y se vendió varias veces más de lo estimado: 13,89 millones de dólares, comisión incluida.
19. BANKSY Parlamento descompuesto. 2008. $12,14 millones
Los murales con la etiqueta de Banksy comenzaron a aparecer en las murallas de las ciudades (primero en Gran Bretaña y luego en todo el mundo) a finales de los años 1990. Sus graffitis filosóficos y al mismo tiempo conmovedores estaban dedicados a los problemas del ataque estatal a las libertades de los ciudadanos, los crímenes contra el medio ambiente, el consumo irresponsable y la inhumanidad del sistema de migración ilegal. Con el tiempo, los “reproches” del muro de Banksy ganaron una popularidad mediática sin precedentes. De hecho, se convirtió en uno de los principales exponentes de la opinión pública condenando la hipocresía de los estados y las corporaciones, produciendo una creciente injusticia en el sistema capitalista.
La importancia de Banksy, el sentido del "nervio del tiempo" y la precisión de sus metáforas fueron apreciados no sólo por los espectadores, sino también por los coleccionistas. En la década de 2010, se donaron cientos de miles, o incluso más de un millón de dólares, por sus obras. Llegó al punto en que los graffitis de Banksy fueron arrancados y robados junto con pedazos de las paredes.
En una era de vigilancia digital avanzada, Banksy todavía se las arregla para mantener el anonimato. Existe una versión de que ya no se trata de una sola persona, sino de un grupo de varios artistas, encabezados por una mujer talentosa. Eso explicaría mucho. Y la disimilitud externa de los escritores, captada por las lentes de las cámaras de los testigos, y el método impersonal de aplicación de la plantilla (proporciona alta velocidad y no requiere la participación directa del autor), y el conmovedor romance de los sujetos de las pinturas ( bolas, copos de nieve, etc.). Sea como fuere, la gente del proyecto Banksy, incluidos sus asistentes, saben mantener la boca cerrada.
En 2019, la obra más cara de Banksy se convirtió inesperadamente en el lienzo de cuatro metros Parlamento Devuelto (parlamento “degradado”, “decaído” o “devuelto”). Los chimpancés que discuten en la Cámara de los Comunes parecen burlarse del público en el año del escandaloso Brexit. Es sorprendente que el cuadro haya sido pintado 10 años antes de este punto de inflexión histórico, por lo que alguien lo considera profético. En una subasta de Sotheby's el 3 de octubre de 2019, durante una feroz puja, un comprador desconocido compró este aceite por 12.143.000 dólares, seis veces más caro que la estimación preliminar.
20. JOHN CURREN “Dulce y sencillo”. 1999. $12.007 millones
artista americano John Curran (1962) conocido por sus pinturas figurativas satíricas sobre provocativos temas sexuales y sociales. Las obras de Curren logran combinar las técnicas pictóricas de los viejos maestros (especialmente Lucas Cranach el Viejo y los manieristas) y fotografías de moda de revistas de moda. Para lograr una mayor grotescaidad, Curren a menudo distorsiona las proporciones del cuerpo humano, agranda o reduce sus partes individuales y representa a los héroes en poses rotas y amaneradas.
Curren comenzó en 1989 con retratos de niñas extraídos de un álbum escolar; continuó a principios de la década de 1990 con pinturas de bellezas tetonas, inspiradas en fotografías de Cosmopolitan y Playboy; en 1992 aparecieron retratos de ancianas adineradas; y en 1994, Curren se casó con la escultora Rachel Feinstein, quien se convirtió en su principal musa y modelo durante muchos años. A finales de la década de 1990, la maestría técnica de Curren, combinada con el kitsch y lo grotesco de sus pinturas, le dieron popularidad. En 2003, Larry Gagosian se encargó de promocionar al artista, y si un marchante como Gagosian se hace cargo del artista, el éxito está garantizado. En 2004, se celebró una retrospectiva de John Curran en el Museo Whitney.
Por esta época, sus obras comenzaron a venderse por sumas de seis cifras. El récord actual para una pintura de John Curren pertenece a la obra "Sweet and Simple", vendida en Christie's el 15 de noviembre de 2016 por 12 millones de dólares. La pintura con dos desnudos apenas superó la estimación más baja de 12 a 18 millones de dólares. Y, sin embargo, Para John Curran, quien ahora tiene más de 50 años, este es definitivamente un gran avance en mi carrera. Su anterior récord, en 2008, fue de 5,5 millones de dólares (pagados, por cierto, por el mismo trabajo, “Sweet and Simple”).
21. BRYCE MARDEN Los atendidos. 1996-1999 $10.917 millones
Otro artista abstracto estadounidense vivo que figura en nuestro ranking es Brice Marden (1938). Las obras de Marden en el estilo minimalista y, desde finales de la década de 1980, la pintura gestual, destacan por su paleta única y ligeramente apagada. Las combinaciones de colores en las obras de Marden están inspiradas en sus viajes por el mundo: Grecia, India, Tailandia, Sri Lanka. Entre los autores que influyeron en el desarrollo de Marden se encuentran Jackson Pollock (a principios de la década de 1960, Marden trabajó como guardia de seguridad en el Museo Judío, donde presenció con sus propios ojos el "goteo" de Pollock), Alberto Giacometti (conoció sus obras en París) y Robert Rauschenberg (un tal Marden trabajó como su asistente durante un tiempo). La primera etapa del trabajo de Marden estuvo dedicada a lienzos minimalistas clásicos que consisten en bloques rectangulares de colores (horizontales o verticales). A diferencia de muchos otros minimalistas, que buscaban la calidad ideal de obras que parecieran impresas por una máquina en lugar de dibujadas por una persona, Marden conservó rastros de la obra del artista y combinó diferentes materiales (cera y pinturas al óleo). Desde mediados de la década de 1980, bajo la influencia de la caligrafía oriental, la abstracción geométrica fue reemplazada por líneas sinuosas en forma de meandros, cuyo fondo eran los mismos campos de color monocromáticos. Una de estas obras “significativas”, “The Attended”, se vendió en Sotheby’s en noviembre de 2013 por 10,917 millones de dólares, comisión incluida.
22. Pierre Soulages Pintura 186 x 143 cm, 23 de diciembre de 1959. 10,6 millones de dólares.
23. ZHANG XIAOGAN Amor eterno. 10,2 millones de dólares
Otro representante del arte moderno chino: simbolista y surrealista. Zhang Xiaogang (1958). En la subasta de Sotheby's en Hong Kong 3 de abril de 2011, donde se vendía arte de vanguardia chino de la colección del barón belga Guy Ullens, un tríptico de Zhang Xiaogang "Amor eterno" se vendió por $ 10,2 millones. En aquel momento, esto supuso un récord no sólo para el artista, sino para todo el arte contemporáneo chino. Dicen que la obra de Xiaogang fue comprada por la esposa multimillonaria Wang Wei, que planea abrir su propio museo.
Zhang Xiaogang, interesado en el misticismo y la filosofía oriental, escribió la historia del "Amor eterno" en tres partes: vida, muerte y renacimiento. Este tríptico se incluyó en la icónica exposición China/Vanguardia de 1989 en el Museo Nacional de Arte. También en 1989, las manifestaciones estudiantiles fueron brutalmente reprimidas por los militares en la Plaza de Tiananmen. Después de este trágico acontecimiento, las cosas empezaron a apretarse: la exposición en el Museo Nacional se dispersó y muchos artistas emigraron. En respuesta al realismo socialista impuesto desde arriba, surgió la dirección del realismo cínico, uno de cuyos principales representantes fue Zhang Xiaogang.
24. BRUCE NAUMAN Henry Moore indefenso. 1967. 9,9 millones de dólares
Americano Bruce Nauman (1941), ganador del premio principal de la 48ª Bienal de Venecia (1999), tardó mucho en alcanzar su récord. Nauman inició su carrera en los años sesenta. Los conocedores lo consideran, junto con Andy Warhol y Joseph Beuys, una de las figuras más influyentes del arte de la segunda mitad del siglo XX. Sin embargo, la intensa intelectualidad y la absoluta falta de decoración de algunas de sus obras obviamente impidieron su rápido reconocimiento y éxito entre el público en general. Nauman a menudo experimenta con el lenguaje y descubre significados inesperados en frases familiares. Las palabras se convierten en los personajes centrales de muchas de sus obras, incluidos pseudoletreros y paneles de neón. El propio Nauman se llama a sí mismo escultor, aunque durante los últimos cuarenta años se ha probado en géneros completamente diferentes: escultura, fotografía, videoarte, performances, gráficos. A principios de los años noventa, Larry Gagosian pronunció palabras proféticas: “Aún tenemos que darnos cuenta del verdadero valor del trabajo de Nauman”. Así sucedió: 17 de mayo de 2001 en Christie's, obra de Nauman de 1967 "Henry Moore indefenso (vista trasera)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) estableció un nuevo récord en el segmento del arte de posguerra. Un molde de las manos de Nauman atadas a la espalda, hecho de yeso y cera, fue subastado por $ 9,9 millones a la colección del magnate francés Francois Pinault (según otras fuentes, la estadounidense Phyllis Wattis). El presupuesto para el trabajo fue de sólo 2 o 3 millones de dólares, por lo que el resultado fue una verdadera sorpresa para todos.
Antes de esta venta legendaria, sólo dos de las obras de Nauman habían superado la marca del millón de dólares. Y en toda su carrera en subastas, hasta el momento sólo seis obras, además de “Henry Moore...”, han conseguido sumas de siete cifras, pero sus resultados aún no pueden compararse con los nueve millones.
"Helpless Henry Moore" forma parte de una serie de obras polémicas de Nauman sobre la figura de Henry Moore (1898-1986), artista británico que en los años sesenta fue considerado uno de los más grandes escultores del siglo XX. Los autores jóvenes, que se encontraban a la sombra del maestro reconocido, lo atacaron con ardientes críticas. La obra de Nauman es una respuesta a esta crítica y al mismo tiempo una reflexión sobre el tema de la creatividad. El título de la obra se convierte en un juego de palabras, ya que combina dos significados de la palabra inglesa atado: atado (en el sentido literal) y condenado a un destino determinado.
¡Atención! Todos los materiales del sitio y la base de datos de resultados de subastas del sitio, incluida la información de referencia ilustrada sobre las obras vendidas en una subasta, están destinados a ser utilizados exclusivamente de acuerdo con el art. 1274 del Código Civil de la Federación de Rusia. No se permite el uso con fines comerciales o en violación de las normas establecidas por el Código Civil de la Federación de Rusia. el sitio no es responsable del contenido de los materiales proporcionados por terceros. En caso de violación de los derechos de terceros, la administración del sitio se reserva el derecho de eliminarlos del sitio y de la base de datos previa solicitud del organismo autorizado.
Aquí hay una selección de pinturas de artistas aún poco conocidos pero con mucho talento. Todos los chicos son de Rusia y de nuestros contemporáneos. Mira, lee y disfruta.
Chicos, escribo aquí todo el tiempo sobre personalidades bastante famosas y consumadas. Por supuesto, sería mucho más interesante para mí escribir sobre aquellos artistas que nadie conoce todavía, pero ¿qué se puede hacer? En el público de VKontakte puedes escribir sobre cualquier tema, pero en un blog solo puedes escribir lo que la gente dice. Busque en Yandex y Google; de lo contrario, nadie irá allí excepto usted. Pero por variedad y placer, decidí hacer una selección "Artistas contemporáneos poco conocidos de Rusia y sus pinturas".
- ¿Qué más es interesante? (enlaces a otros artículos).
- Pinturas de Marchuk, uno de los artistas ucranianos contemporáneos más famosos.
- El legendario decano de la Facultad de Gráfica de la famosa “Repinka”.
Algunos de estos muchachos todavía están en el comienzo de su camino, mientras que otros ya están relativamente establecidos y venden con éxito sus trabajos en VKontakte o en mercados como una feria de artesanía e incluso son conocidos en círculos estrechos, pero todos tienen una cosa en común. - Todavía no son conocidos por el público en general. Pero ser desconocido no significa carecer de talento, así que creo que te interesará verlo. Decidí incluir aquí no sólo a los propios dibujantes, sino también a varios escultores.
Artistas contemporáneos poco conocidos de Rusia y sus pinturas. Ilustradores y pintores.
Artistas poco conocidos. Modernismo surrealista coloreado en las pinturas de Maria Susarenko.
Conocí a esta artista no hace mucho y casi de inmediato me enamoré de sus pinturas. En parte porque está muy cerca de mí en espíritu como artista, en parte por mi admiración por la técnica y el derroche de imaginación. Maria Susarenko es una dulce chica de San Petersburgo y graduada de la famosa Academia Estatal de Arte e Industria de San Petersburgo que lleva su nombre. ALABAMA. Stieglitz. Las pinturas de Maria Susarenko son una mezcla desenfrenada de modernismo y surrealismo. Se ven muy brillantes y decorativos.
Pinturas de artistas poco conocidos. Obras de María Susarenko
¡Increíble detalle!Artistas poco conocidos. Subbotina Dasha.
El motivo eterno de Yuralga son los gatos. 
Un bicho raro gracioso. Este es el tipo de broche que usaría.
MOAR - https://vk.com/shamancats
Artistas contemporáneos poco conocidos de Rusia. Escultores.
Aunque aquí no hay cuadros, sino adornos, son tan encantadores y cariñosos que no pude resistirme. Al final un escultor es también un artista. Sí, un artista puede ser pintor, artista gráfico, ilustrador o escultor (tu capitán, obvio). Aquí hay dos chicas cuyas joyas no avergonzarían a René Lalique.
Artistas poco conocidos. Grimorio del Pollo Negro.
El taller "Grimoire La poule noire", que se traduce como "El Grimorio de la gallina negra" (su capitán, la obviedad), está dirigido por Lera Prokopets. Lera es una escultora miniaturista y simplemente una dama hermosa. Trabaja principalmente con arcilla polimérica y piedras. Lera crea joyas impresionantes en un estilo que yo llamaría gótico “art nouveau”. Una belleza ligeramente bruja, oscura pero elegante. Bueno, por supuesto, este es el "grimorio de la gallina negra".
Artistas poco conocidos. Joyas originales de estilo art nouveau. Foto del taller “Grimorio de la Gallina Negra”.
Hécate, diosa griega de la noche. 
Morfina. Delgado:) 
Demonios o vampiros con la lengua fuera es uno de los motivos favoritos de Lera. ¿Cuánto cuesta el arte contemporáneo? ¿Cuál de los artistas vivos goza de mayor reconocimiento, cuya medida son los billetes? El sitio web Artnet respondió a esta pregunta analizando los resultados de las subastas de 2011 a 2015 y compilando una lista. artistas contemporáneos más vendidos. Lamentablemente, no había ningún creador de Rusia en la lista.
10. Ed Rusha
En los años 60 del siglo pasado, Ed, junto con artistas ahora famosos como Andy Warhol y Jim Dine, participó en el evento histórico "Nueva imagen de objetos ordinarios". Fue una de las primeras exposiciones del estilo Pop Art emergente en Estados Unidos. Para el ojo no ilustrado, las pinturas de Rushei se parecen más a inscripciones estarcidas sobre un fondo de paisajes o un alegre toque de flores. Sin embargo, en 4 años sus creaciones se vendieron por un total de $129,030,255.
9. Ricardo Príncipe
Richard se hizo un nombre refotografiando imágenes de anuncios impresos, editándolas en orden aleatorio y embelleciéndolas con eslóganes contundentes. Vaqueros de Marlboro, celebridades, estrellas porno, enfermeras y novias motociclistas han sufrido en sus manos. También pinta capós de coches. El público apreció sus obras. $146,056,862– esta es exactamente la cantidad por la que se vendieron varias de las obras del artista.
8. Yayoi Kusama
Al artista, que padece una enfermedad mental, le gusta cubrir las superficies con puntos de pintura, llamados "redes infinitas". Logró convertir este guisante y su propia enfermedad en una marca registrada y ahora es la artista contemporánea más vendida en el mundo ( $152,768,689).
7. Pedro Doig
Uno de los representantes de la pintura de paisaje tradicional. Su obra goza de una popularidad constante entre los espectadores cansados del posmodernismo hiperirónico; después de todo, después de las inscripciones, los collages de fotografías y las sillas de lunares, es muy agradable detener la mirada en el paisaje nocturno tropical. En el transcurso de 4 años, las pinturas se vendieron por $155,229,785.
6. Fan Zeng
También se venden bien las inscripciones caligráficas, los paisajes transparentes en acuarela y los retratos en estilo tradicional chino. $176,718,242 de 2011 a 2015.
5. Cui Ruzhou
Este artista chino contemporáneo es famoso por sus pinturas en tinta de flores, pájaros y paisajes. Sin embargo, la gente corriente no es capaz de comprender el poderoso poder del arte, y en 2012, una señora de la limpieza del hotel Grand Hayatt arrojó accidentalmente a la basura una de sus obras valorada en 3,7 millones de dólares. Las obras de Cui Ruzhou se han vendido durante los últimos 4 años $223,551,382.
4. Zeng Fanzhi
Las complejas obras multicolores de otro artista chino, en las que seres vivos y objetos están enredados en una red o perdidos en un bosque invernal, así como siniestros pioneros con las manos ensangrentadas, también se vendieron bien entre 2011 y 2015, por $267,949,220.
3. Cristóbal Lana
La marca registrada de Christopher son los enormes lienzos blancos con letras negras. Cuatro de estas letras que forman la palabra Riot se vendieron en Sotheby's por 29,9 millones de dólares. Y en sólo 4 años, las obras del artista se vendieron por una cantidad de $323,997,854.
2. Jeff Koons
El exmarido de la estrella porno Cicciolina prefiere trabajar en el género neopop. Es especialmente famoso por sus esculturas de acero que imitan juguetes hechos con globos alargados. Por una de las obras (un perro naranja de acero) se pagaron 58,4 millones de dólares en la subasta de Christie's. Jeff también planea instalar una grúa frente al Museo de Arte de Los Ángeles de la que se colgará una locomotora de vapor para que sople y emita nubes de humo. De 2011 a 2015, Koons vendió obras por un total de $379,778,439.
1. Gerard Richter
En primer lugar en el ranking de artistas con las pinturas más vendidas se encuentra un maestro que ni siquiera se considera tal. Según Gerard, durante mucho tiempo creó algo que no tenía nada que ver con el arte, la composición, el color, la creatividad, etc. Es decir, cubría lienzos con manchas de pintura utilizando raspadores y espátulas. Uno de estos cuadros llamado “Imagen abstracta”, que más recuerda a una sandía que murió en agonía, fue valorado en la subasta de Sotheby’s por 43,6 millones de dólares, y las obras del artista se vendieron por una modesta cantidad de $1,165,527,419.
Hoy en día, la pintura contemporánea ha ganado una popularidad increíble, por lo que se ha hecho conocida no sólo por su tendencia a ampliar fronteras y explorar nuevos medios de expresión, sino también por cifras récord de ventas en el mercado del arte contemporáneo en los últimos años. Además, artistas de casi todo el mundo, desde América hasta Asia, disfrutan del éxito. A continuación descubrirá quiénes son los nombres que representan la mejor pintura contemporánea del mundo, quién es, quién es el artista contemporáneo más caro y quién no alcanzó este título.
Los artistas contemporáneos más caros.
Entre los innumerables nombres que tiene la pintura moderna, sólo las pinturas de ciertos artistas gozan de un éxito excepcional. Entre ellos, los cuadros más caros pertenecían al famoso neoexpresionista y grafitero Jean-Michel Basquiat, quien, sin embargo, murió a la edad de 27 años. En nuestra lista verá sólo los primeros siete de esos artistas ricos que todavía están vivos hoy.
Brice Marden
Las obras de este autor estadounidense son bastante difíciles de clasificar y conducen a un solo movimiento artístico, aunque a menudo se le clasifica como representante del minimalismo o del abstraccionismo. Pero a diferencia de los artistas de estos estilos, cuyas pinturas parecen nunca haber sido tocadas, la pintura moderna de Marden conserva los trazos de la espátula y otros rastros de su obra. Se considera que uno de los que influyó en su obra es otro artista contemporáneo, Jasper Johns, cuyo nombre veremos más adelante.
Zeng Fanzhi
Este artista contemporáneo es una de las principales figuras del panorama artístico chino actual. Fue su obra llamada “La Última Cena”, basada en la famosa obra de Leonardo da Vinci, la que se vendió por 23,3 millones de dólares y se convirtió en la pintura más cara de la que puede presumir la pintura asiática moderna. También son famosas las obras del artista "Autorretrato", el tríptico "Hospital" y las pinturas de la serie "Máscaras".
En los años 90, su estilo pictórico sufrió a menudo cambios y finalmente pasó del expresionismo al simbolismo.
Pedro Doig
Peter Doig es un artista contemporáneo escocés de renombre internacional cuyo trabajo está impregnado del tema del realismo mágico. Muchas de sus obras tienden a desorientar al espectador, incluso cuando representan imágenes reconocibles como figuras, árboles y edificios.
En 2015, su cuadro “Swamped” logró batir el récord y convertirse en el cuadro más caro de artistas contemporáneos de Escocia, vendiéndose en una subasta por 25,9 millones. También son populares las pinturas de Doig "La casa del arquitecto en el hueco", "Canoa blanca", "Reflexión", "Roadside Diner" y otras.
cristóbal lana
En su obra, el artista contemporáneo Christopher Wool explora diversas ideas postconceptuales. Las pinturas contemporáneas más famosas del artista son letras mayúsculas representadas en negro sobre un lienzo blanco.
Estas pinturas de artistas contemporáneos causan mucha controversia y descontento entre los seguidores de la pintura tradicional, pero, de una forma u otra, una de las obras de Wool, "Apocalipsis", le reportó 26 millones de dólares. Wool no piensa mucho en los títulos de las pinturas, sino que las nombra según las inscripciones: "Blue Fool", "Trouble", etc.
Jasper Johns
El artista contemporáneo Jasper Johns es conocido por su actitud rebelde hacia el expresionismo abstracto, que dominó el ámbito de la pintura al principio de su carrera. Además, trabaja creando costosos lienzos con banderas, matrículas, números y otros símbolos conocidos que ya tienen un significado claro y no necesitan ser descifrados.
Por cierto, entre las pinturas más caras de artistas contemporáneos se encuentra la obra estadounidense “Flag”, vendida en una subasta en 2010 por 28 millones de dólares. También puedes mirar las obras "Three Flags", "False Start", "From 0 to 9", "Target with Four Faces" y muchas otras.
Gerhard Richter
Este artista moderno de Alemania, como muchos pintores al comienzo de su carrera, estudió pintura académica realista, pero luego se interesó por el arte más progresista.
En la obra del autor se puede ver la influencia de muchos movimientos artísticos del siglo XX, como el expresionismo abstracto, el arte pop, el minimalismo y el conceptualismo, pero al mismo tiempo Richter mantuvo una actitud escéptica hacia todas las creencias artísticas y filosóficas establecidas, confiando en que la pintura moderna es dinámica y búsqueda. Las obras del artista incluyen “Land of Meadows”, “Reading”, “1024 Colors”, “Wall”, etc.
Jeff Koons
Y finalmente aquí está: el artista contemporáneo más caro del mundo. El estadounidense Jeff Koons trabaja en el estilo neo-pop y es conocido por su creatividad pegadiza, kitsch y desafiante.
Se le conoce principalmente como autor de un gran número de esculturas modernas, algunas de las cuales se exhibieron en el propio Versalles. Pero también entre las obras del artista hay pinturas por las que los conocedores especiales están dispuestos a pagar millones de dólares: "Bell of Liberty", "Auto", "Girl with a Dolphin and a Monkey", "Saddle" y otras.
¡Tómalo tú mismo y cuéntaselo a tus amigos!
Lea también en nuestro sitio web:
mostrar más
- Masajeador de pies US Medica Acupuncture
- botella de agua alcalina i-water
- Cómo elegir medias para venas varicosas para mujeres embarazadas: ayuda para elegir medias Bragas de compresión para mujeres embarazadas
- Cinturón adelgazante del vientre: revisión de los mejores modelos.
- Sillón de masaje YAMAGUCHI MERCURY modos cómodos para masaje
- Juegos y entretenimiento de Año Nuevo.
- Concursos y entretenimiento de Año Nuevo Juegos para el Año Nuevo en casa.
- ¡Letreros para la semana de Maslenitsa para niñas y más!
- ¿Es posible lavarse el Domingo de Ramos?
- Regalos para el Año Nuevo: qué regalar a familiares, amigos, colegas y niños.
- Regalos para el Año Nuevo: qué regalar a familiares, amigos, colegas y niños.
- Juegos congelados para calificar
- Ejemplos de escritura de palabras en una oración.
- Juegos de moda para chicas online.
- Juegos de princesas de Disney para niñas.
- Prueba de juegos para niñas.
- Cómo hacer un cartel de dulces con tus propias manos; diferentes ideas y fotos
- Cómo diseñar un cartel de cumpleaños
- Felicitaciones con tus propias palabras por el Día del Minero Felicitaciones por el Día del Minero en prosa
- Masaje de senos al vacío en casa y en el salón: foto, video.