Radishevsky Museum. Umění a řemesla

Odraz přelomového období petřínské éry v umění a řemeslech. Západoevropské umělecké vlivy (Holandsko, Anglie, Francie, Itálie). Procesy formování stavovského systému a posilování světské kultury a jejich vliv na rozvoj uměleckých řemesel. Mnohovrstevné umělecké řemeslo, nerovnoměrný vývoj jeho jednotlivých oblastí. Uchování a rozvoj tradičních směrů (krajinská a lidová kultura, církevní umění).

Zdokonalování technologie řemeslné a manufakturní výroby. Zrod uměleckého průmyslu (výroba tapisérií, umělecké sklo, fajáns, kamenictví, výroba hedvábí a soukenictví). Manufakturní výroba módních věcí, luxusních předmětů. Objev a rozvoj ložisek mědi, cínu, stříbra, barevného kamene, vysoce kvalitních jílů.

Role Akademie věd v „blahobytu svobodných umění a manufaktur“, odraz nových přírodovědných a technických zájmů v umění a řemeslech. Nové formy výchovy a vzdělávání mistrů v uměleckých manufakturách. Uzavření dílen Zbrojnice. Odchod do důchodu a jeho role v rozvoji některých druhů umění a řemesel. Vznik cechovních organizací řemeslníků v Rusku. Práce zahraničních mistrů v různých oblastech umění a řemesel.

Umělecký styl v umění a řemeslech. Móda, její vliv na změnu vkusu, změnu předmětného prostředí. Vznik nových typů předmětů, obnova estetických představ v umění a řemeslech. Trendy v syntéze umění. Úloha architektury, monumentálního umění, grafiky a ilustrovaných edic ve vývoji uměleckého řemesla. Dekorativní trendy barokní kultury v designu slavností, komplexů triumfálních bran, zahradního a parkového umění.

Umění interiérového designu jako zvláštní druh umělecké činnosti v tvorbě architektů první čtvrtiny 18. století. První interiérové ​​práce a hlavní stylové trendy (baroko, rokoko, klasicismus). Nové typy prostor (pracovny, přední ložnice, obývací pokoje, "soustružna", "obrazové sály") a jejich náplň (Letní palác, Palác A.D. Menšikova, Palác Grand Peterhof, Monplaisir). Díla francouzských mistrů. "Chinoiserie" v interiérech petřínské éry.

Souborové řešení prostředí předmětu. Vznik projekční činnosti v oblasti hmotné kultury a uměleckých řemesel.

Rozvoj obchodu s nábytkem. Nové druhy a formy nábytku, materiály a způsoby zdobení. Vliv anglického a holandského nábytku. Barokní a rokokový nábytek.

Dřevořezba, její role v interiéru. Vyřezávané reliéfy. Ikonostas katedrály Petra a Pavla. Řezbářství a přeprava lodí.

Stříbrný byznys. Zachování tradic XVII století. Zřizování prodejen zlatníků a stříbrníků. Umění šperků. Portrétní miniatura na smaltu. Objednávky a "stěžované" osoby. Prvními mistry obrazových miniatur byli Grigory Musikisky a Andrey Ovsov.

Keramika a fajáns petrinské doby. Holandská dlažba v interiéru. Rozšíření dovozu fajánsových výrobků z Anglie a Holandska. První soukromá manufaktura A. Grebenshchikova v Moskvě, vzhled domácí jemné fajánse.

Zvýšení spotřeby skla, založení skláren v Yamburgu a Zhabino u Petrohradu. Zrcadla a svítidla. Formování stylu obřadního palácového náčiní s matným rytím. Malcovova první soukromá továrna na sklo a křišťál v okrese Mozhaisk.

Kamenořezba a řezání drahokamů. Založení prvních továren na řezání v Peterhofu a Jekatěrinburgu. Vyřezávání kostí. Základní řezbářské techniky, stylistické prostředky. Kholmogorské tradice. Vzhled soustruhů, změna tvaru výrobků. Petrovský soustružna a A. Nartov. Vliv rytiny a ilustrované knihy na kostní řezbu. Založení Tulského zbrojního závodu, rozvoj umění uměleckého zpracování oceli v dekorativních předmětech.

Typologie kostýmů. Změna středověkého oděvu na oblek evropského vzorku. Petr stanovil pravidla pro nošení a druhy ušlechtilého oděvu. Zavedení statutárního oděvu a uniforem pro armádu a námořnictvo, pro úředníky. Vznik nových manufaktur v důsledku změn v kroji. Výměna orientálních látek za západoevropské. Ukázky pánského obleku ze šatníku Petra I.

Založení petrohradské manufaktury na mřížovinu. Školení ruských mistrů.

Dekorativní a užité umění éry Anny Ioannovny. Umělecké stříbro. Založení státní sklářské továrny na Fontance v Petrohradě. Činnost gobelínové manufaktury. Tapiserie styl a aplikace v interiéru. L.Karavak a jeho projekty v oblasti dekorativního umění.

Oživení umělecké kultury za vlády Alžběty Petrovny. Převaha francouzských vlivů. Baroko a rokoko v ruském umění. Rokoko v interiéru, kostýmy, šperky, zahradnické umění. Syntéza architektury a uměleckých řemesel v barokních a rokokových interiérech. Práce VV Rastrelliho a A. Rinaldiho v oblasti interiérového designu. Dekorativní materiály a techniky pro výzdobu interiérů. Typy barokního a rokokového nábytku. Tkaniny v interiéru. Osvětlení. Soubor v různých typech uměleckých řemesel poloviny a druhé poloviny století.

Stříbrný byznys. potvrzení barokního slohu. Monumentální a dekorativní práce. Velké slavnostní bohoslužby. Změna tvaru předmětů, nové druhy nádobí za nové produkty. Umění šperků. Činnost hofmistrů. Rokokový styl ve šperkařském umění. Druhy dámských šperků. Barevný kámen ve špercích.

Oblek, jeho image, typ střihu, materiály, doplňky, povaha povrchové úpravy. Vliv francouzské módy. Baroko a rokoko v dámském a pánském kroji.

Vynález domácího porcelánu. Založení porcelánové manufaktury v Petrohradě. Aktivity D.I.Vinogradova a „Vinogradovské“ období vývoje ruského porcelánu. První palácové služby, vázy, malý plast. Vytvoření státní továrny na fajáns v Petrohradě.

Leptané sklo z alžbětinské doby. Činnost petrohradské státní sklárny a továrny na řece. Nazie. Baroko a rokoko v uměleckém skle. Sklo ve výzdobě palácových interiérů VV Rastrelli. Soukromé továrny Němčinovů a Malcovů. Experimenty M. V. Lomonosova v oblasti barevného skla, začátek jeho výroby v továrně Ust-Ruditskaya.

Vyřezávání kostí. Rokokový styl, dílo řezbáře Osipa Dudina.

Dekorativní a užité umění 2. poloviny 18. století.

Klasicismus v dekorativním umění 1760–1790 Kombinace rokokového stylu s antickými motivy. Role architektů v umění a řemeslech klasické éry. Školení mistrů uměleckých řemesel na Akademii umění.

Interiér raného klasicismu. Materiály a formy, barevnost, sochařská výzdoba, zlevnění dekoračních úprav. Interiérové ​​práce C. Camerona. Řada dekorativních technik, nové materiály, image areálu a souboru. Interiéry V. Brenna.

Klasicismus nábytek, charakter, formy, vlivy. starověké prototypy. Nové typy nábytku. Účast architektů na rozvoji nábytkářského umění v Rusku (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). Nábytek D. Roentgen v Rusku. Workshop G. Gambse a I. Otta. Jacob styl v ruském nábytku. Změna materiálů v nábytkářském umění (mahagon, zlacené dřevo, topol, karelská bříza). Látka a výšivky v nábytku.

Dílna Spol v Moskvě. Vyřezávaný dekor v interiérech M. Kazakova. Vyřezávaný nábytek paláce Ostankino. Rozkvět techniky setu v ruském nábytku ve druhé polovině století, způsoby provedení a materiály. Výroba nábytku na Okhtě v Petrohradě. Papier-mâché jako materiál pro nábytek a dekorativní umění.

Ruský a francouzský umělecký bronz. Hlavní druhy výrobků a dekorativní techniky. Bronz a sklo ve svítidlech. Bronz ve výzdobě kamenných a porcelánových váz a nábytku. Činnost Slévárenského domu. Zahraniční bronzoví mistři v Petrohradě (P. Azhi, I. Tsekh a další).

Kostým. Měnící se typy a siluety oděvů v 70.-80. letech 18. století. Zavedení jednotného šlechtického oděvu. Slavnostní dvorní oděv, použití stylizovaných národních forem. „Řecký styl“ 90. let 18. století v kostýmech a účesech. Radikální změna v designu obleku. Móda na šátky, šátky, peleríny, mantily, šátky.

Umění šperků. Aktivity I.Poziera, Dubulona, ​​J.Adora, I.G. Scharf, I. V. Bukh, bratři Duvalové. Velká císařská koruna. Dvorní diamantová dílna. Umělecké stříbro. Vliv francouzského stříbra ve stylu Ludvíka XVI. Umění černé na stříbře. Rostoucí role severních klenotnických center - Vologda, Veliky Ustyug. Továrna na niello a smaltované výrobky bratří Popovů ve Velkém Usťjugu. Smalt se stříbrným lemováním.

Porcelán, výrobní a dekorační techniky. Imperial Porcelain Factory. Raný klasicismus ve formách a zdobení výrobků. Vliv evropského porcelánu a fajánse. Aktivity J.-D. Rashetta. Kontakty ÚFV s Akademií umění. Dekorativní vázy a palácové služby v interiéru klasicismu. Velké obřadní bohoslužby, jejich skladba, povaha provedení. Hledání vhodných forem předmětů a technik zdobení výrobků. Porcelánová socha (série postav "Lidé Ruska", "Obchodníci a kramáři"). Žánrová kresba a rytina v porcelánu sochařství a malba na porcelán. Výrobky ze sušenek. „Pavlovský“ porcelán z konce 90. let 18. století.

Továrna F. Gardnera ve Verbilki. Objednat služby.

Umělecké sklo. Závod G. Potěmkina v Ozerkách. Barevné sklo a křišťál. Sklo v interiérech C. Camerona. Císařská sklárna v 90. letech 18. století. Komunikace výrobků císařské porcelánky a skláren. Bakhmetevův závod v provincii Penza. Vzestup malby na skle v 80. a 90. letech 18. století. Gotické motivy v uměleckém skle.

Činnost gobelínové manufaktury. Propojení tapisérií s obecným trendem v ruské malbě (historické téma, alegorie, portrét v tapisérii). Přechod od rokoka ke klasicismu. Tapiserie v interiérovém designu.

Kamenořezba. Role C. Camerona ve vývoji kultury barevného kamene a jeho použití v interiéru. Nové metody použití kamene, "ruská mozaika". Činnost továrny na lapidárium Peterhof. Objev nových ložisek barevného kamene na Uralu a Altaji. Továrna v Jekatěrinburgu a továrna Kolyvan. Vynález strojů na opracování kamene. Vázy navržené A. Voronikhinem a D. Quarenghim.

Doba rozkvětu oceli Tula (nábytek a dekorativní předměty). Šlechtické a kupecké továrny. Továrna na lakové miniatury P.I. Korobov. Vznik řemesel v uměleckých manufakturách. Rozvoj uměleckých řemesel ve 2. polovině 18. století: chochlomské malířství, tkaní krajek, vzorované tkaní, kobercové tkaní, umělecký kov atd.

Rozvoj dekorativního a užitého umění přispěl ke zdokonalování řemeslných a manufakturních výrobních technik, ke vzniku uměleckého průmyslu (výroba tapisérií, uměleckého skla, fajánse, kamenictví, výroba hedvábí a soukenictví), manufakturní výrobě módních věcí, luxusního zboží, objevování a rozvoji nalezišť z mědi, cínu, stříbra, barevného kamene, vysoce kvalitních jílů.

Významná je role Akademie věd v „prosperitě svobodného umění a manufaktur“, odrážející nové přírodovědné a technické zájmy v dekorativním a užitém umění. V první polovině 18. století se objevují nové formy výchovy a vzdělávání mistrů v uměleckých manufakturách; v Rusku existují cechovní organizace řemeslníků, což nepopírá širokou distribuci zahraničních mistrů v různých oblastech dekorativního a užitého umění.

V umění a řemeslech (interiérové ​​předměty, nábytek, výzdoba) je styl aktivně diktován módou. V důsledku toho se objevují nové typy předmětů, aktualizují se estetické nápady v umění a řemeslech. V dekorativním a užitém umění poloviny 18. století je tendence k syntéze umění, kde se architektura, sochařství, malířství a užité řemeslo spojují do dekorativního celku.

V důsledku toho se umění interiérového designu stává zvláštním druhem umělecké činnosti v tvorbě architektů 18. století. Tento typ umělecké činnosti způsobuje vznik nových typů prostor (studovny, přední pokoje, ložnice, obývací pokoje, "obrazové sály") a jejich obsahu (Letní palác, Palác AD Menšikova, Palác Velký Petrohrad, Monplaisir).

To vše přispívá k rozvoji nábytkářského podnikání, objevují se nové typy a formy nábytku, materiály a způsoby jeho zdobení. Vliv anglického a holandského nábytku je zde velmi silný. Pod vlivem Evropy se v Rusku formuje i barokní a rokokový styl v nábytku.

Klasicistický nábytek má charakteristický charakter a podobu. Antické motivy lze do značné míry vysledovat ve formách a výzdobě nábytku. V polovině 18. století se architekti zabývali vývojem nových typů nábytku, v Rusku se objevilo nábytkářské umění a autorský nábytek (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). Ve 2. polovině 18. století se objevují první nábytkářské dílny (dílna G. Gambse a I. Otta). Pro toto období se v nábytkářském umění vyznačuje stylem "Jacob". Ve druhé polovině 18. století se materiály v nábytkářském umění měnily: objevil se zde mahagon, zlacené dřevo, topol, karelská bříza; Při výrobě nábytku se stále častěji používají textilie a výšivky.

Zvláštní místo v dekorativním a užitém umění zaujímá keramika a fajáns. Děje se tak nejprve v důsledku rozšíření dovozu fajánsových výrobků z Anglie a Holandska. Brzy se však v Moskvě objevila první soukromá manufaktura A. Grebenshčikova, vyrábějící ruskou jemnou fajáns. Později se zformoval styl slavnostního palácového nádobí s matným rytím a rozšířila se móda křišťálu jako interiérového předmětu. To znamená otevření první Malcovovy soukromé továrny na sklo a křišťál v okrese Mozhaisk.

V 18. století se díky vzrůstající oblibě uměleckých řemesel, výzdoby interiérů, zvýšila spotřeba skla, ze kterého se vytvářela nejrůznější zrcadla a svítidla.

Sochařství a malířství 2. poloviny 18. století.

Významnou roli ve vývoji malířství 18. století sehrál stvoření Vladimír Lukič Borovikovský. Navzdory tomu, že umělec nebyl oficiálně uveden jako student Akademie, nepochybně využil rady jejích učitelů a především Levitského. Přirozený talent a železná vytrvalost mladého umělce brzy vedly k tomu, že se Borovikovský stal jedním z prvních mistrů konce 18. století. Vytvořil sérii vynikajících portrétů svých současníků, mj. G. Deržavina, V. Arsenyeva, M. Lopukhiny, O. Filippové a mnoha dalších. Neustálý zájem o duchovní prožitky člověka, zdůrazněná lyrika a kontemplace, rozdmýchané oparem sentimentality, tak charakteristické pro éru, jsou charakteristické pro většinu Borovikovského děl. Umělec nikdy nešel cestou vnějších, povrchních charakteristik obrazu, neustále se snažil zprostředkovat nejjemnější duchovní pohyby portrétovaných tváří.

Jeho tvorbě dominuje komorní portrét. Borovikovsky se snaží potvrdit sebehodnotu a mravní čistotu člověka (portrét Lizynky a Dashinky, portrét E.N. Arsenyeva aj.). Borovikovského na přelomu 18.-19. století přitahovaly silné, energické osobnosti, zaměřuje se na občanství, šlechtu, důstojnost portrétovaných. Vzhled jeho modelů se stává zdrženlivějším, krajinné pozadí je nahrazeno obrazem interiéru (portréty A.A. Dolgorukova, M.I. Dolgoruky atd.).

Borovikovský je také uznávaným mistrem portrétních miniatur. Sbírka Ruského muzea obsahuje díla patřící k jeho štětci - portréty A.A. Menelase, V.V. Kapnista, N.I. Lvova a dalších. Umělec často používal cín jako základ pro své miniatury.

Ruské portrétování 18. století dosahuje svého skutečného vrcholu v tvorbě D.G. Levitsky . Již v jednom ze svých raných děl - portrétu architekta A. Kokořinova - Levitskij prokázal vynikající schopnosti jako malíř. Vysokou uměleckou hodnotu má portrét velkého francouzského materialistického filozofa D. Diderota, který namaloval Levitskij v Petrohradě v roce 1773, a série portrétů žáků Smolného institutu vytvořené umělcem. Obrazy těchto dívek se vyznačují upřímností a vřelostí, originalita každé z nich je mistrovsky zprostředkována.

Portréty z následujících let - Lvova, umělcův otec, Bakuninovi, Anna Davia a mnoho dalších mistrovských děl Levitského - jsou jasným důkazem jeho skvělého talentu.

Levitsky vytvořil rozsáhlou galerii portrétů svých současníků, zachycující živé obrazy lidí té doby tak široce a plně jako kdokoli jiný. Umění Levitského završuje historii vývoje ruské portrétní malby v 18. století. Je však třeba si také všimnout některých historicky podmíněných omezení jeho díla: stejně jako ostatní pozoruhodní umělci své doby, Levitsky nedokázal odrážet sociální rozpory reality. Lidé vyobrazení umělcem v souladu s převládajícími estetickými představami vždy poněkud pózují, jako by se snažili divákovi ukázat v tom „nejpříjemnějším“ světle. V řadě svých děl však umělec dosahuje úžasné jednoduchosti a vitality.

Levitského odkaz je obrovský a dodnes v publiku vyvolává pocit přímého estetického potěšení. Profesionální dokonalost jeho děl a jejich realistická orientace řadí umělce na jedno z nejčestnějších míst v celé historii ruského umění.

Mezi nejznámější díla D.G. Levitského patří: „Portrét E.A. Vorontsové“, „Portrét architekta A.F. Kokorinova“, „Portrét N.A. Lvova“, „Portrét M.A. Dyakové“, „Portrét Ursuly Mniszek“, „ Portrét dcery Agashi v ruském kostýmu“ atd.

V oblasti portrétování řekli své nové slovo i ruští umělci druhé poloviny 18. století. Ostrost psychologických charakteristik, která poznamenala mnohé portréty této doby, je nápadná - štětec nejlepších ruských mistrů stále více tíhne k pravdivému přenosu obrazu člověka. Je příznačné, že již v této době vznikaly portréty nejen šlechty a „mocných tohoto světa“, ale i řady pokrokových osobností veřejného života. Na těchto portrétech zcela chybí prvky nádhery a vnějšího lesku; umělci obracejí svou pozornost k přenosu vnitřního obsahu člověka, k odhalení síly jeho mysli, ušlechtilosti jeho myšlenek a tužeb.

Vývoj ruského portrétu našel svůj výraz v dílo F. Rokotova.

Fedor Stěpanovič Rokotov- jeden z nejlepších ruských portrétistů. Po uměleckém vzdělání pod vedením L.-J. Le Lorraine a hrabě Pietro Rotary pracovali způsobem druhého jmenovaného, ​​ale více než on se nořil do přírody a byl pilný v popravě. V roce 1762 byl přijat jako adjunkt do nově založeného Petrohradu. Akademie umění za obraz „Venuše“ jí předložený a za portrét císaře Petra III.

Portréty tohoto umělce odlišuje jemná obrazová zručnost. Intimní spiritualita obrazu, zejména v ženských portrétech, přináší Rokotov velkou expresivitu a sílu. Vysoce technická dokonalost umělcových děl - co do povahy kresby a malířské dovednosti se s ním může srovnávat pouze Levitsky. Portréty vytvořené Rokotovem se vyznačují rafinovaností kresby a elegancí barev.

Mezi nejznámější díla Rokotova patří: "Portrét neznámé ženy v růžových šatech", "Portrét A.I. Voroncova", "Portrét G.G. Orlova v brnění", "Korunovační portrét Kateřiny II", "Portrét A.P. Struyskaja" , "Portrét básníka V.I. Maikova", "Portrét Surovcevy" atd.

Ve druhé polovině XVIII století. v ruském malířství se začalo rozvíjet žánr domácnosti. Žánrová malba však byla vedením Akademie umění a privilegovanými vrstvami společnosti považována za něco podlého, nehodného umělcova štětce. Navzdory tomu po selské válce vedené E. Pugačevem jak v literatuře, divadle a hudbě, tak v malířství 70.-80. let 18. století. začal projevovat zájem o rolnictvo, jeho způsob života, způsob života. Často to byly sentimentální obrazy idylických pastýřů a pastýřů, kteří neměli nic společného se skutečným selským životem. Byly však i výjimky.

Jeden z prvních v ruském malířství, rolnické téma rozvinul nevolník princ G. A. Potěmkin Michail Šibanov . Maloval obrazy „Sedlácká večeře“, „Svátek svatebního paktu“ atd. V Šibanovových obrazech není žádné odsouzení poddanství, ale na těchto plátnech není žádná idealizace selského života. Umělec se vyznačuje znalostmi a pochopením života a charakteru ruského rolníka.

Selská tematika se promítla do tvorby výtvarníka I. M. Tankova (1739 - 1799), autora obrazu "Hostiny na vsi" a I. A. Ermeněva (1746 - po 1792), který namaloval akvarely "Selský oběd", " Žebráci zpěváci“ atd.). Poprvé v historii ruského umění umělec zprostředkoval ponurou stránku lidového života, bídu chudoby.

Ve druhé polovině XVIII století. začíná skutečný rozkvět ruského sochařství. Rozvíjelo se pomalu, ale ruské osvícenské myšlení a ruský klasicismus byly největšími podněty pro rozvoj umění velkých občanských idejí, rozsáhlých problémů, které vedly k zájmu o sochařství v tomto období. Shubin, Gordeev, Kozlovský, Shchedrin, Prokofjev, Martos - každý sám o sobě byl nejjasnější individualitou, zanechal v umění svou stopu. Všechny je ale spojovaly společné tvůrčí principy, které se naučili od profesora Nicolase Gilleta, který v letech 1758 až 1777 vedl sochařskou třídu na Akademii, společné myšlenky občanství a vlastenectví a vysoké ideály starověku.

Hledání zobecněné krásy nevylučuje plnou hloubku pochopení lidského charakteru, touhu zprostředkovat jeho všestrannost. Tato snaha je citelná v monumentální a dekorativní sochařství a sochařském stojanu druhé poloviny století, ale především v portrétním žánru.

Jeho největší úspěchy jsou spojeny především s kreativitou. Fedot Ivanovič Šubin (1740-1805), krajan Lomonosov, který přijel do Petrohradu již jako umělec, který pochopil složitost kostěného řezbářství. První Šubinovo dílo v jeho vlasti je busta A.M. Golitsyn již svědčí o plné zralosti mistra. Veškerá všestrannost vlastností modelu se ukáže při jeho kruhové prohlídce, i když je zde nepochybně hlavní hledisko sochy.

Shubin pracoval nejen jako portrétista, ale také jako dekoratér. Zhotovil 58 oválných mramorových historických portrétů pro palác Chesme (nachází se ve Zbrojnici), sochy pro Mramorový palác a pro Peterhof, sochu Kateřiny II. - zákonodárce (1789-1790). Není pochyb o tom, že Shubin je největším fenoménem ruské umělecké kultury 18. století. Spolu s ruskými mistry působil v Rusku francouzský sochař Etienne-Maurice Falconet, který v pomníku Petra Velikého na Senátním náměstí v Petrohradě vyjádřil pochopení Petrovy osobnosti a jeho historické role v osudech Ruska.

Fjodor Fjodorovič Ščedrin(1751-1825). Prošel stejnými fázemi výcviku na Akademii a odchodem do důchodu v Itálii a Francii jako Shubin. „Marsyas“, popravený v roce 1776, je plný bouřlivého pohybu a tragického vidění světa. Stejně jako všichni sochaři klasické éry je i Shchedrin fascinován starověkými obrazy („Spící Endymion“; „Venuše“), přičemž do jejich světa ukazuje zvláště poetický průnik.

Již v umění 17. století, zejména v jeho druhé polovině, jsou pozorovány takové trendy, které otevřely cestu k prudkému rozvoji světského realistického umění 18. století. Ikonomalba ustupuje životní reprodukci lidí, krajiny a historických událostí. Tradiční květinový ornament, který byl interpretován spíše podmíněně, je nahrazen reprodukcí realisticky ztvárněných květů, plodů, listů, girland a mušlí. Na dílech užitého umění nabývá malba na náboženská témata téměř světský charakter, někdy důrazně dekorativní a divadelní. Formy předmětů se stávají velkolepými, slavnostními, s širokou škálou dekorací. Mnoho starodávných druhů domácích potřeb mizí, jako jsou šálky s plochými policemi, stříbrní bratři. Tradiční starodávné naběračky se mění v čistě dekorativní prémiové předměty, které ztratily svůj praktický význam. Objevují se nové druhy nádobí: poháry zdobené barokními ornamenty, každodenní výjevy a nápisy světského obsahu, poháry v podobě orla, poháry z rohoviny na stojanech a mnohé další. Církevní náčiní a domácí potřeby duchovenstva se nyní svým stylem nelišily od věcí čistě světských a někdy je dokonce převyšovaly větší nádherou a materiální hodnotou.

Po sekularizaci pozemků v roce 1764 Trinity-Sergius Lavra ztrácí své majetky, ale její bohatství v té době bylo tak velké, že tato reforma neovlivnila ani rozsah stavebních prací v klášteře, ani bohatou úpravu interiérů kostela. , osobní ubikace místodržitele a metropolity, kteří v klášteře bydleli, i na bohatství jeho sakristie a pokladnice. Klášter nadále dostával příspěvky od císařoven a nejvyšších dvorních hodnostářů, moskevského metropolity a dalších duchovních. Zpravidla se jednalo o díla nejlepších mistrů Moskvy, Petrohradu, Velkého Usťjuga, Rostova-Jaroslavle a dalších center užitého umění. Proto sbírka užitého umění Lavra XVIII století. představuje nejrozmanitější druhy šperkařské techniky této doby.

Umění pronásledovat stříbro nabývá svérázné podoby zejména od poloviny 18. století. Jedná se převážně o velké barokní kadeře, mistrovsky provedené v poměrně vysokém reliéfu, v kombinaci s obrazem ovoce, košíků květin, amorů, girland z květin a listů. Pronásledování bylo často prolamované a v tomto případě mělo další pozadí, které vzoru osvětlovalo.

Klasickým příkladem takového ražení mincí je masivní oklad evangelia vyrobený v Moskvě v roce 1754 za přispění císařovny Alžběty1. Stříbrné talíře s malovanými smaltovanými obrazy Nejsvětější Trojice, evangelistů a výjevů z Kristova života jsou zasazeny do vysokých rozebíraných krabic a čtverců. Jsou sekulární.

Moskevský řemeslník P. Vorobey vyrobil v roce 17682 stříbrnou misku (která se v klášteře používala jako miska na vodu). Zdobí ji vynikající honěný ornament původních vinutých kartuší a širokých listů na zlaceném pozadí. Nohy misky jsou lví tlapy držící v drápech hladké kuličky. Slánka z roku 1787, zdobená ražbou a niello, byla darem moskevského mistra metropolitovi Platonovi3.

Nové centrum šperkařství - Petrohrad - představuje ve sbírce muzea honěná stříbrná rukojeť s výlevkou v podobě hlavy orla, vyrobená v roce 1768 řemeslníkem Claesem Johannem Ehlersem4. Tentýž řemeslník zhotovil přes pole honěnou stříbrnou misku s barokním ornamentem a vyobrazením biblického výjevu: velryba vrhá Jonáše na břeh5. Zároveň zde mistr zobrazil pobřeží Petrohradu s Petropavlskou pevností a věží katedrály. Rukoma a miska - příspěvek Metropolitan Platon.

Věci rituálního účelu získaly také světský dekorativní charakter a jejich vážnost byla zdůrazněna nebývale velkou velikostí. Typické pro 18. století. soubor liturgických nádob (kalich, paténa, hvězda a dva talíře) vyrobený v roce 1789 A. V. Šeremetějevem6. Vysoká mešní mísa zde má velký podnos ve tvaru zvonu, prolamovaný stříbrný obal na těle mísy a kalich s malovaným smaltem. Velkoprůměrové diskotéky a talíře speciálně vyrobené pro tento kalich jsou zdobeny rytinami, které zprostředkovávají tradiční ikonografické výjevy.

Umění filigránu získává zcela jiný charakter. Místo ploché kadeře s výhonky, vinoucí se na hladkém povrchu kovu ve starověkých dílech, filigránská kresba 18. století. komplikované dalšími dekoracemi překrývajícími se nahoře, někdy v kombinaci se smaltem a drahými kameny. V některých případech je filigrán vyroben jako prolamovaný a položený na dodatečném pozadí. Někdy byla věc vyrobena z naskenovaných vláken.

Mimořádným filigránským dílem je svatostánek z roku 1789 za přispění Metropolitan Platon7. Na hladkém stříbrném podkladu je překryt prolamovaný filigrán, filigrán kombinovaný se smaltem a filigrán. Svatostánek vypadá jako světská rakev, o čemž svědčí jeho zcela necírkevní tvar, elegantní výzdoba a květiny zasazené v rozích z tenkých kovových částí se smaltem.

Ukázku obratného reliéfního filigránu lze nalézt v platu knihy „Důstojník biskupské služby“, rovněž příspěvek metropolity Platona z roku 17898.

Velký rozvoj je přijat v XVIII století. Smalty Solvychegodsk a Veliky Ustyug s jejich jednobarevným (modrým nebo bílým) pozadím, na kterém jsou překryty lidské postavy, květiny a další obrazy ve formě samostatných kovových desek, někdy navíc dobarvených emaily. Muzeum má velkou sbírku domácích potřeb ze Solvychegodsku a Ustyug.

V XVIII století. pro interiér chrámů Lávry byly vyrobeny také monumentální stříbrné stavby podle kreseb slavných umělců Moskvy a Petrohradu. Pro oltář katedrály Nejsvětější Trojice byl na příkaz metropolity Platona vyroben velký stříbrný sedmisvícen v podobě vavřínu9, ozdobil také stříbrnou tablu ikonostasu katedrály Nejsvětější Trojice. Moskevský řemeslník David Prif zhotovil stříbrný baldachýn nad svatyní Sergia z Radoněže (na objednávku císařovny Anny Ivanovny10) podle kresby Caravaccy. Tedy užité umění XVIII století. zastoupena v muzejní sbírce nejcharakterističtějšími díly.

Díla uměleckého řemesla ve sbírce muzea umožňují sledovat jeho vývoj od raných památek velkovévodské Moskvy až do konce 18. století. Během tohoto dlouhého období se měnily a zdokonalovaly technické dovednosti, mizely staré formy předmětů a objevovaly se nové formy, měnil se charakter výzdoby, vždy v závislosti na estetických názorech, určovaných společensko-ekonomickými a politickými podmínkami své doby, vývojem domácí a zahraniční trhy, rozsah a způsob výroby.

O dílech XIV-XV století. odkrývá obraz postupného oživení uměleckých řemesel po tatarsko-mongolské zřícenině ruské země ve 13. století. Mistři Moskvy a dalších uměleckých center starověké Rusi ovládají různé umělecké techniky a zdokonalují techniku ​​řemesla.

V XVI století. Moskva konečně získává přední místo v kulturním životě země. Užité umění této doby se vyznačuje rozmanitostí forem a uměleckých dekorací a také velkou technickou dovedností. Zdokonaluje se komplexní umění smaltu, které nabylo převážně ornamentálního charakteru, větší dovednosti dosahuje umění niello na zlatě, honění a rytí.

Díla ze stříbra pro domácí a církevní účely navazují na tradice lidového umění a jsou spojeny s životními podmínkami lidí, jejich rituály a způsobem života.

Brilantnost a dekorativnost výrobků 17. století, složitost zdobení, vzhled malovaných emailů, použití velkého množství drahých kamenů, perel a barevných skel dodávají užitému umění světštější charakter.

V XVIII století. byly přijaty nové formy předmětů, realistický charakter ornamentu a malba na smaltu.Ve sbírce Zagorského muzea je toto období zastoupeno nejlepšími dílnami v Moskvě a Petrohradu. Jejich díla nám umožňují posoudit nové proměny užitého umění.

Vysoká umělecká zručnost děl užitého umění, prezentovaná po více než pět století, staví sbírku Zagorského muzea na přední místo v dějinách ruské umělecké kultury.

Historie Ruska na konci 17. – první čtvrtiny 18. století neodmyslitelně patří ke jménu jedné z největších politických osobností Ruska – Petra I. Významné inovace v této době pronikají nejen do oblasti kultury a umění. , ale i průmysl - hutnictví, stavba lodí aj. Počátkem 18. století se objevují první mechanismy a obráběcí stroje na zpracování kovů. Hodně v této oblasti udělali ruští mechanici Nartov, Surnin, Sobakin a další.

Současně se pokládají základy státního systému všeobecného a speciálního školství. V roce 1725 byla zřízena Akademie věd, pod kterou bylo otevřeno oddělení uměleckých řemesel.

A. Nartov. Soustruh. Petrova éra. 18. století

V 18. století se formovaly nové principy architektury a urbanismu, toto období bylo poznamenáno nárůstem tvarování výrobků s charakteristickými rysy západoevropského baroka (Holandsko, Anglie).

V důsledku závazků Petra I. předměty tradičních ruských forem rychle mizí z královského a šlechtického života v paláci a stále zůstávají v obydlích mas venkovského a městského obyvatelstva a také v kostele. Právě v první čtvrtině 18. století se narýsoval výrazný rozdíl ve slohovém vývoji, který zůstal po dlouhou dobu charakteristický pro profesionální tvořivost a lidová umělecká řemesla. V posledně jmenovaném se přímo a organicky rozvíjejí staleté tradice ruského, ukrajinského, estonského atd. užitého umění.

Normy ušlechtilého života vyžadují v životě suverénního člověka demonstraci bohatství, sofistikovanosti a lesku. Formy starého způsobu života, včetně Petrova (stále obchodního, přísného), byly definitivně vytlačeny v polovině 18. století. Dominantní postavení v ruském umění zaujímá tzv. rokoko, které logicky dotvářelo trendy pozdního baroka. Obřadní interiéry této doby, například některé pokoje paláců Peterhof a Carskoje Selo, jsou téměř celé vyzdobeny propracovanými řezbami.

Obecné rysy rokajové výzdoby (zakřivení linií, hojné a asymetrické uspořádání stylizovaných nebo přírodě blízkých květin, listů, mušlí, očí atd.) jsou plně reprodukovány v ruské architektuře a nábytku té doby, keramice, oděvu, kočárech, slavnostních zbraní atd. Vývoj ruského užitého umění se však přesto ubíral zcela samostatnou cestou. Navzdory nepopiratelné podobnosti forem našich vlastních výrobků se západoevropskými není těžké všimnout si rozdílů mezi nimi. Takže, ale ve srovnání s Francouzi, ruské nábytkové výrobky mají mnohem volnější formy a jsou měkčí v obrysu a kresbě. Mistři si stále zachovali dovednosti lidového řezbářství, větší a obecnější než na Západě. Neméně charakteristická je polychromie ruských výrobků a ve Francii vzácná, ale všude v Rusku akceptovaná kombinace zlacení a malby.

Od 60. let 18. století začal v ruské architektuře přechod ke klasicismu s jejími lakonickými a přísnými formami, obrácenými k antice a poznamenanými velkou zdrženlivostí a grácií. Stejný proces probíhá v užitém umění.

V plánování, vybavení a výzdobě městských sídel a paláců (architekti Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov atd.) existuje jasná symetrie, proporční jasnost. Stěny prostor (mezi okny nebo naproti nim) skrývají zrcadla a panely z hedvábného damašku, dekoračních bavlněných látek a látky.

.

Pohovka - rokokový styl. Rusko (detail). Polovina 18. století

Křeslo klasického stylu. Rusko. Druhá polovina 18. století

Podlahy jsou vyrobeny ze dřeva různých druhů a někdy pokryty plátnem nebo látkou; stropy jsou malovány (např. technikou grisaille imitující reliéfní lištu). Místo skládaných parket se používají podlahy ze smrkových prken „pod voskem“. Stěny a stropy jsou často čalouněné látkou nebo tapetovány. Pokud jsou v předních místnostech uspořádány mramorové krby působivých rozměrů, pak v intimních komnatách jsou postavena tradičnější kamna na podstavcích nebo nohách, obložená kachlemi. Rozdíl mezi lampami je stejně patrný: v sálech - to jsou šperky vyrobené a drahé lustry, svícny, svícny, v komorách - mnohem skromnější svícny a lampy. Ještě větší kontrast je ve formách předního a bytového nábytku. To vše nevypovídá ani tak o touze majitelů paláců a sídel ušetřit, ale o zohlednění objektivního prostředí jako důležitého faktoru psychologicky vhodné atmosféry.

Většina nábytku a řada dalších výrobků na konci 18. až 1. poloviny 19. století nebyla neustále potřeba; pokud to nebylo potřeba, byly buď odstraněny, nebo přeneseny do neaktivně využívaných částí areálu. Sedací nábytek musí být zakrytý. Ve stejném spojení transformovatelný nábytek s pracovní rovinou - čajové a karetní stolky, skládací jídelní stůl, stůl na vyšívání, soustava stolů různých výšek, které zapadají pod sebe atd. různé vzhledy prostor v různých každodenní situace. Zároveň byla vyzdvihnuta řada domácích procesů, které se v teplém období odehrávaly mimo budovu – na terase a v parku. Díky tomu se rozšiřují nové druhy výrobků - zahradní nábytek, deštníkové markýzy, parkové lampy atd. V 18. století byly na jednotlivých panstvích organizovány poddanské dílny, které vyráběly poměrně velké série nábytku, porcelánu, koberců a dalších výrobků.

Na konci 18. století došlo ve vybavení velkých paláců k oddělení vlastního designu výrobků (nábytek, lampy, hodiny, gobelíny a další nádobí a dekorace) jako zvláštní oblast tvůrčí činnosti od jejich řemeslná výroba již výrazně ovlivňuje. Designéři jsou především architekti a profesionální umělci. Při výrobě produktů pro masový trh se používají stroje a mechanické metody zpracování materiálů, které dělají z inženýra vedoucí osobnost ve výrobě. To vede k pokřivení a ztrátě vysokých estetických kvalit, které jsou vlastní spotřebnímu zboží, k oddělení průmyslu od umění. Tento trend byl v podmínkách kapitalistického vývoje společnosti přirozený a jeden z hlavních po celé 19. století.

V průběhu intenzivního rozvoje kapitalistických vztahů v Rusku v 19. století se zvýšily kapacity průmyslové výroby. V polovině 19. století byla již naléhavě pociťována potřeba umělecky profesionálního personálu vývojářů produktů a řemeslníků. Pro jejich školení jsou otevřeny specializované vzdělávací instituce v Moskvě (hrabě Stroganov) a Petrohradu (baron Stieglitz). Už jejich název – „školy technického kreslení“ – hovoří o vzniku nového typu umělce. Od roku 1860 se rozvíjí speciální řemeslné vzdělávání mistrů umělců. Vychází mnoho knih o technologii zpracování různých materiálů: dřevo, bronz, železo, zlato atd. Vycházejí obchodní katalogy, které nahrazují dříve vydávaný časopis „Ekonomický obchod“. Od poloviny 19. století se formovaly vědy související s problematikou ochrany zdraví při práci a používání předmětů pro domácnost. Po celé 19. století však veškerá masová tovární výroba z uměleckého hlediska zůstala zcela podřízena jednoznačně dominantní myšlence krásy jako dekorativního a ornamentálního designu výrobků. Důsledkem toho bylo uvedení do podoby většiny výrobků slohových prvků klasicismu: složité profilové dostavby, kanelované sloupy, rozety, girlandy, ornamenty na antické motivy atd. V řadě případů byly tyto prvky zaveden do forem i průmyslových zařízení - obráběcích strojů.

Ve stylovém vývoji užitého umění a výrobků pro domácnost v 19. století se konvenčně chronologicky rozlišují tři hlavní období: pokračování tendencí klasicismu v souladu s tzv. empírovým stylem (první čtvrtina století); pozdní klasicismus (asi 1830-1860) a eklektismus (po 60. letech 19. století).

První čtvrtina 19. století byla poznamenána všeobecným vzepětím ideového a stavebního záběru ruské architektury, což způsobilo výrazné oživení i v užitém umění.

Křeslo v empírovém stylu. První čtvrtina devatenáctého století.

Vítězství ve válce v roce 1812 do jisté míry urychluje a završuje proces formování ruské národní kultury, která nabývá celoevropského významu. Činnost nejslavnějších architektů - Voronikhina, Quarenghiho, Kazakova, úzce spjatá s klasicismem předchozího období, spadá pouze do prvního desetiletí století. Nahrazuje je plejáda tak pozoruhodných mistrů jako Rossi, Stasov, Grigorjev, Beauvais, kteří do ruského umění vnesli nové nápady a jiného stylového ducha.

Přísnost a monumentalita jsou charakteristické rysy architektury a forem různých domácích potřeb empírového stylu. V posledně jmenovaných se dekorativní motivy znatelně mění, přesněji se jejich typologie rozšiřuje o použití dekorativních symbolů starověkého Egypta a Říma - gryfů, sfing, fascií, vojenských atributů („trofejí“), věnečků atd. Ve srovnání s příklady raný klasicismus obecně vzrůstá množství dekoru, jeho „vizuální váha“ v kompozičním řešení výrobků. K monumentalizaci, někdy jakoby zhrubnutí forem, dochází v důsledku větší generalizace a geometrizace klasických ornamentálních motivů - lemování, věnců, lyr, brnění apod., které se stále více vzdalují svým reálným předobrazům. Malebná (scény, krajiny, kytice) malba předmětů téměř úplně mizí. Ornament se snaží o spot, konturu, aplikovatelnost. Výrobky z velké části, zejména nábytek, se stávají velkými, masivními, ale rozmanitými v obecné konfiguraci a siluetě. Těžkost empírového stylu v kusech nábytku téměř zmizela již ve 30. letech 19. století.

Od poloviny 19. století začaly nové rešerše v oblasti architektury, užité a průmyslové kreativity.

Zrodilo se celoevropské umělecké hnutí, nazývané „Biedermeier“, pojmenované podle měšťáctví jedné z postav německého spisovatele L. Eichrodta (dílo vyšlo v 70. letech 19. století) s jeho ideálem pohodlí, intimity.

Tovární železo. Rusko. Druhá polovina 19. století

V druhé polovině 19. století byla ruční práce dále vytlačována z výroby užitkových výrobků pro domácnost. Postupy a techniky jejich výtvarného řešení, principy tvarování, které se po staletí vyvíjely, se po staletí dostávají do rozporu s novými ekonomickými trendy v masovém charakteru a rentabilitě výroby věcí na trhu. Reakce na měnící se situaci je dvojí. Někteří mistři – většina z nich – dělá kompromisy. Vzhledem k tomu, že tradiční pohled na vše všední jako předmět dekorativního a užitého umění je nezničitelný, začínají ornamentální motivy klasicismu přizpůsobovat možnostem strojních a sériových technologií. Objevují se „efektivní“ typy dekorací a dekorací výrobků. Již ve 30. letech 19. století v Anglii prosadil Henry Cool navenek reformistický slogan zdobení továrních výrobků prvky „ze světa forem výtvarného umění“. Mnoho průmyslníků se dychtivě chopí tohoto hesla a snaží se využít připoutanosti spotřebitelské masy k navenek zdobeným, ornamentálně obohaceným formám bytového zařízení.

Jiní teoretici a praktici užitého umění (D. Reskin, W. Morris) naopak navrhují zorganizovat bojkot tohoto odvětví. Jejich krédem je čistota tradic středověkých řemesel.

V zemích západní Evropy a v Rusku poprvé přitáhli pozornost teoretiků i profesionálních umělců řemeslní artelové a řemeslníci, v jejichž tvorbě se stále uchovávaly hluboké lidové tradice. V Rusku veletrhy v Nižním Novgorodu v 70. až 90. letech 19. století demonstrují životaschopnost těchto tradic v nových podmínkách. Mnoho profesionálních umělců - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich a další - se s nadšením obrací k lidovému původu dekorativního umění. V různých regionech a provinciích Ruska, ve městech jako Pskov, Voroněž, Tambov, Moskva, Kamenec-Podolsk a dalších, vznikají řemeslné podniky, jejichž základem je ruční práce. Pro oživení vymírajícího tvůrčího řemesla měla mimořádný význam práce dílen v Abramcovu u Moskvy, v Talaškinu u Smolenska, podniku P. Vaulina u Petrohradu a keramického artelu Murava v Moskvě.

Samovar. 19. století

Rusko. Druhá polovina

Průmyslové čerpadlo. 19. století

Výrobky všech těchto dílen však tvořily tak nepatrnou část celkové spotřeby, že nemohly mít žádný znatelný vliv na masovou výrobu, ačkoliv prokázaly oprávněnost existence dekorativního umění, které uchovává lidové tradice spolu s masovou strojní výrobou. věcí. Později to potvrdil i vpád strojní techniky do oblastí dekorativního a užitého umění, jako je šperkařství (bižuterie), tkaní koberců, krejčovství, což vedlo k prudkému poklesu jejich umělecké kvality.

V podobách převážné části vyráběných produktů druhé poloviny 19. století se prakticky nic nového nevyvíjí. Novost nejobecnější situace však již v této době přispívá k doplnění vnitřních předpokladů pro novátorské rešerše - uvědomění si slohových rešerší jako důležité tvůrčí potřeby, jako projevu umělecké individuality mistra. Jestliže se až dosud slohové směry (gotika, renesance, baroko, klasicismus atd.) rodily a šířily zpravidla v důsledku všeobecných, téměř „globálních“, spontánně vykrystalizovaných trendů v estetickém vývoji světa, pak od r. poloviny 19. století je stylová originalita považována za přímý tvůrčí počin individuálního umělce, architekta. V tomto ohledu se prudce aktivuje zájem o dědictví umění všech dob a národů. Toto nejbohatší dědictví se stává zdrojem napodobenin, přímých výpůjček nebo prochází bizarním kreativním zpracováním.

Stůl s moderním křeslem. Konec 19. století

Výsledkem je, že převážnou část produktů tvoří neobvykle pestrý obraz, ve kterém se mihnou jasné nebo jemné reminiscence na starověk, románskou dobu, gotiku, italskou nebo francouzskou renesanci, umění Byzance a starověkého Ruska, baroka atd. , často eklekticky mísící v designu jednoho produktu, interiéru, budovy. Proto bylo toto období v dějinách architektury a užitého umění nazýváno eklektickým. Přesto jsou předměty (lampy, kovová vědra, žlaby, nádobí, taburetky atd.) relativně levné, ale vyrobené bez jakéhokoli uměleckého účelu, často v nevzhledných podobách a nekvalitní.

Hledání nového stylu se provádí s přihlédnutím ke skutečné potřebě v podmínkách strojní výroby, zásadně novému přístupu k tvorbě výrobků na jedné straně a zachování dekorativních tradic minulosti na straně jedné. jiný. Buržoazie, která na konci 19. století zaujala silnou pozici v ruské ekonomice, usilovala o vlastní uměleckou ideologii v architektuře a designu - kult racionálna, relativní svobodu od archaismů vznešené kultury, povzbuzující vše v umění, které by mohlo konkurovat stylům minulosti. Takový byl na konci 19. století secesní styl – „nové umění“ v Belgii, Velké Británii a USA, „Jugendstil“ v ​​Německu, „secesní styl“ v Rakousku, „free style“ v Itálii. Jeho jméno – „moderní“ (z francouzštiny moderne) znamenalo „nový, moderní“ – z lat. modo - "právě teď, nedávno." Ve své čisté podobě, doznívající a mísící se s jinými stylovými směry, nevydržel dlouho, asi do roku 1920, tedy asi 20-25 let, jako téměř všechny stylové směry 17.-20.

Secese je různorodá v různých zemích i v tvorbě jednotlivých mistrů, což komplikuje pochopení jím řešených úkolů. Charakteristické však bylo téměř úplné vymýcení všech dříve používaných dekorativních a ornamentálních motivů a technik, jejich radikální obnova. Tradiční římsy, rozety, hlavice, flétny, pásy „incoming wave“ atd. jsou nahrazeny stylizovanými místními rostlinami (lilie, kosatec, karafiáty atd.), ženskými hlavami s dlouhými kudrnatými vlasy atd. Často chybí dekorace vůbec a uměleckého efektu je dosaženo díky expresivitě siluety, členitosti formy, liniím, zpravidla tence vysledovaným, jakoby volně plynoucím, pulzujícím. V podobách secesních výrobků je téměř vždy cítit nějaká rozmarná vůle umělce, napětí pevně napnuté struny, přehnané proporce. V extrémních projevech je to vše prudce vyhrocené, povýšené na princip. Občas se objeví přehlížení konstruktivní logiky formy, téměř předstíraná vášeň pro spektakulární stránku úkolu, zejména při řešení interiérů, často efektně divadelních.

Se všemi slabinami - okázalostí, místy hlasitostí forem, vznikl nový přístup k řešení stavby, interiéru, vybavení s logikou funkčního, konstruktivního a technologického řešení.

Svícen v moderním stylu. Počátek 20. století

Sada nádobí. Konec XIX století.

Moderní toaletní stolek. Počátek 20. století

Secese v drtivé většině svých vzorků neopustila zdobení výrobků, ale pouze nahrazovala staré dekorativní motivy a techniky novými. Již na počátku 20. století, v době triumfů nového stylu, se opět, zprvu nesměle, pak široce, vracela móda starých stylů, což mělo určitou souvislost s přípravami na oslavu sv. stého výročí vlastenecké války z roku 1812. Výstava „Moderní umění“, uspořádaná v Petrohradě v roce 1903, jasně ukázala zrod „klasifikující moderny“.

Výsledky modernity jsou složité. Toto je očista užitého umění od eklekticismu a od „antimachinismu“ šampionů ručních řemesel a od neúspěšných pokusů obnovit styly minulosti. To jsou první příznaky odchodu architektury a užitého umění na cestu funkcionalismu a konstruktivismu, na cestu moderního designu. Ve stejné době, když secese brzy objevila trend směrem ke znárodnění stylu, vyvolala novou vlnu čistě dekorativních rešerší. Mnoho malířů se obrací k užitému umění a interiérovému designu (S. Maljutin, V. Vasněcov, A. Benois, S. Golovin aj.), tíhnoucí k barvitosti ruské pohádky, k „perníku“ atd. V perspektivě následného historického procesu, řešícího naléhavé problémy masové průmyslové výroby, takové experimenty nemohly mít vážný ideologický a umělecký význam, ačkoli daly impuls k rozvoji dalšího odvětví užitého umění - uměleckého řemesla a zejména divadelního a dekorativního umění. .

Secese jakoby vyčistila a připravila cestu pro nastolení nových estetických a tvůrčích principů v umění tvořit věci každodenní potřeby, urychlila vznik nové umělecké profese - uměleckého designu (designu).

K formování funkcionalismu a konstruktivismu do zvláštních směrů v architektuře a uměleckém designu západních zemí došlo koncem 10. let v souvislosti se stabilizací života a úspěchem ekonomiky po první světové válce. Ale základní základy nové moderní architektury byly určeny již v předválečném období v dílech architektů jako T. Garnier a O. Perret (Francie), X. Berlaga (Holandsko), A. Loos (Rakousko), P. Behrens (Německo), F. Wright (USA), I. Shekhtel, I. Rerberg (Rusko) aj. Každý z nich překonal vliv moderny po svém a bojoval.

V roce 1918 byla vytvořena speciální oddělení pro architekturu a umělecký průmysl v rámci oddělení výtvarných umění Lidového komisariátu pro vzdělávání. Vážná pozornost je věnována školení specialistů. V.I.Lenin v roce 1920 podepsal dekret o zřízení Vyšších státních uměleckých a technických dílen (VKHUTEMAS). Absolventi vytvořili nové vzorky látek, nábytku, nádobí atp.

Výuka v dílnách (v roce 1927 byly přeměněny na Všesvazový umělecko-technický ústav VKhUTEIN), probíhala na fakultách: architektury, keramiky, textilu atd. Na fakultě zpracování dřeva a kovů pod vedením A. Rodčenko, D . Lissitzky, V. Tatlin a další mistři hledali nové formy a designy různých předmětů. Všechny aktivity VKHUTEMAS byly zaměřeny na rozvoj dovedností studentů integrovaného přístupu k navrhování předmětového prostředí každodenního života a výroby.

Ve 20. letech 20. století se rozvinul trend „produkčního umění“, rozvíjející principy funkcionalismu a konstruktivismu, usilující o zakotvení estetického ideálu racionálně organizované materiálové produkce v myslích umělců. Jakékoli dřívější formy umění byly „výrobci“ prohlášeny za buržoazní, pro proletariát nepřijatelné. Odtud jejich popírání nejen „prakticky neužitečného“ výtvarného umění, ale i veškerého čistě dekorativního umění, jako je šperkařství.Ve dvacátých letech minulého století u nás ještě nedozrály technicko-ekonomické podmínky pro realizaci jejich nápadů.

VKHUTEMAS a „výrobní dělníci“ 20. let byli ideově i esteticky úzce spjati s „Bauhausem“ a v řadě významných momentů s ním představovali v podstatě jediný směr tehdejšího výtvarného designu. V rámci tohoto nového hnutí se formovala estetika moderního designu, překonávající rozpory v užitém umění předchozího období. Praktickou uměleckou činností zakladatelů designu byl i rozvoj arzenálu výtvarných a výrazových prostředků umění tvořit věci. V jejich dílech (nábytek, lampy, nádobí, látky atd.) byla největší pozornost věnována takovým vlastnostem materiálů a forem, jako je textura, barva, plastická expresivita, rytmická struktura, silueta atd., které nabyly rozhodujícího významu v kompoziční produkty, aniž by byly v rozporu s požadavky konstruktivní logiky a vyrobitelnosti formy. Další oblastí, která se u nás ve 20. letech úspěšně rozvíjela, je inženýrský design. V roce 1925 byla v Moskvě podle projektu vynikajícího inženýra V. Šuchova vztyčena slavná rozhlasová věž, jejíž prolamovaná silueta se na dlouhou dobu stala symbolem sovětského rozhlasu. O rok dříve vytvořil J. Gakkel na základě nejnovějších technologických výdobytků první sovětskou dieselovou lokomotivu, jejíž tvar i dnes působí docela moderně. Ve 20. letech 20. století se realizovala potřeba vědeckého výzkumu zákonitostí lidské činnosti v jím uměle vytvořeném objektivním prostředí. Organizuje se Ústřední ústav práce, v jeho zdech probíhá výzkum v otázkách vědecké organizace práce, kultury výroby. Pozornost vědců a konstruktérů přitahují otázky biomechaniky, organoleptiky atd. Mezi pozoruhodná díla tehdejších let patří projekt pracoviště řidiče tramvaje (N. Bernshtein).

I. Gakkel. Lokomotiva. Počátek třicátých let 20. století

Důležité místo v kultuře XVIII století. zabýval dekorativním a užitým uměním. Rokoková výzdoba interiéru prosvětlila prostor, stěny se zdály tenké, skryté dekorativními panely a zrcadly, které se odrážely v sobě, důležitou roli hrály obrazovky. Nábytek se stává elegantním, působí křehce, získává bizarní obrysy. Barvám tapet a nábytku dominují pastelové barvy.

Místnost měla působit dojmem budoáru, (místnost určená pouze pro komunikaci s blízkými lidmi).

Rokokové interiéry byly často doplňovány buď autentickými čínskými výrobky: paravány, porcelánem, malbami v laku nebo dekorativními kompozicemi stylizovanými do čínské malby.

Od poloviny XVIII století. s rozvojem neoklasicismu se interiérový design stal jednoduchým a spíše přísným. Jestliže francouzské interiéry byly vzorem rokoka, pak anglické interiéry byly vzorem neoklasicismu. Proslulé byly především interiéry anglického architekta Robert Adam(1728-1792). Umělec vytvořil panská sídla a vyzdobil je sloupy, pilastry a sochami. Tento styl se nazývá "Adamův styl". Vyznačuje se elegancí, dekorativností, organicky včetně někdy pravých starověkých předmětů.

V oblečení a účesech XVIII století. jsou také detekovány změny stylu. V době Ludvíka XV. se vzhled člověka stal uměleckým dílem: záchody šlechty byly okázalé a rafinované, fantastické účesy (do módy přišly paruky), černé mušky na napudrované tváři se staly zvláštním jazykem lásky dialog. „Žena, oblečená a učesaná jako hračka a obutá do úzkých bot s podpatky, musela šlapat velmi opatrně, aby udržela rovnováhu a nerozpadla se – to si vytvořilo zvyk plovoucí chůze a plynulé pohyby menuetu. . Chtěli vidět ženu jako vzácnou panenku, rajského ptáka, nádhernou květinu. Taková stvoření se hodila do fantastického a rozmarně vzdušného prostředí rokajových interiérů“ (2, 45).

Kostým, zvláště pro ženy, se stává uměleckým dílem. Takový oblek byl nepohodlný a nepraktický, ale neobvykle atraktivní.

Pánský oblek byl stejně elegantní jako dámský a byly zvoleny jemné odstíny pastelových barev.

Láska ke všemu elegantnímu přispěla k rozkvětu šperků a porcelánu.

Rozkvět evropského porcelánového umění spadá také do poloviny 18. století. a souvisí s rokokovým stylem. Nejznámější jsou francouzský porcelán z města Sevres a německý porcelán z Míšně (Sasko). Míšeňští mistři ve svých skladbách zobrazovali „galantní slavnosti“ – vytříbenou zábavu aristokratů.

Rokoko nebylo stylem jako gotika a baroko, nestalo se velkým a celistvým uměleckým hnutím. Šíření chutí éry Regentů připravil samotný osud francouzské šlechty, která prosperovala v 18. století. pouze v jednom - v uspořádání bezpečného a šťastného života. Byl to zahálčivý život obklopený elegantním luxusem. Umění bylo ozdobou nečinného života francouzské šlechty.

Zvláštní roli hraje dekorativní umění (i gastronomie je povýšena na uměleckou úroveň).

Hlavním úkolem umění je potěšit, umění samo se ztotožňuje s luxusem, hravostí a výsměchem.

Zrcadla se stávají oblíbenou dekorací na zeď, jsou umístěna proti sobě a dávají nekonečné množství odrazů.

Potřeba luxusního zboží vytvořila ve Francii celá odvětví umělecké výroby díky práci nábytkářů, tkalců, sochařů, šperkařů a vyšívaček.

Oblíbenými dekorativními motivy rokoka jsou mušle, stonky a květiny.

V oblasti dekoru se neoklasicismus obrátil k interiéru sálů, které byly zařízeny starožitným způsobem. Zásahy napoleonské armády přinesly nové dekorativní motivy: meče, prapory. V napoleonské éře dochází ke změnám v oblečení a účesech. Šíří se móda všeho starožitného: od siluety a střihu šatů, připomínajících chitony a tuniky, až po volně padající volné kadeře. Zmizely nejen krinolíny a fizhmy, ale do módy přišly i diamanty, tesané kameny zasazené do rámu (drahokamy).

Na rozdíl od jiných forem umění v hudbě XVIII století. baroko jako stylový směr bylo stále hojně zastoupeno. Největšími hudebními mistry barokní éry byli Bach a Händel.

Johann Sebastian Bach(1685-1750) byl největším hudebníkem 18. století a vliv jeho hudby stále roste. Jeho skladatelská tvorba byla i přes navenek skromný život překvapivě všestranná (byl kantorem - vedoucím a dirigentem chrámového sboru). Od dětství byl Bach hluboce náboženský a držel se protestantské víry. Byla to reformace v Německu, která prosadila zápal protestantského chorálu (sborového chorálu). Protestantismus tím, že církevní obřad zjednodušil a zpřísnil, zvýšil v něm význam hudby. Kostel se stal centrem hudebního umění a jeho představitelem byl chrámový varhaník. Varhanní umění bylo v Německu mimořádně rozšířené, a proto není divu, že varhany provázely celý Bachův život. Jeho varhanní dědictví zahrnuje několik žánrů, mezi nimiž vynikají chorálové preludia a dvoudílné polyfonní cykly. l fuga. Bachova hudba vyjadřuje náboženskou pokoru, patos, lyričnost a impuls. Spolu s přirozeností a jednoduchostí jsou jeho spisy vlastní vznešenost a význam. Mezi hudebními výtvory Bacha existuje obrovské množství skutečných mistrovských děl, která získala celosvětové uznání.

Vedle Bacha se tyčí další významná osobnost hudebního baroka - Georg Friedrich Händel(1685-1759). Život prožil ve velkých evropských městech, získal vynikající hudební vzdělání. Úplně první opera Rinaldo, inscenovaná v Londýně, přinesla Händelovi slávu. Händel psal hudbu v různých žánrech, ale vrchol jeho odkazu tvoří oratoria (rozsáhlá vokálně-symfonická díla s rozvinutým dějem). Literárním zdrojem skladatelových nejznámějších oratorií byla první část Bible – Starý zákon. Händel žil v Anglii a události jejích politických dějin, stejně jako epický rozsah biblických příběhů, nemohly nevzbudit jeho zájem.

Skladatele charakterizovala především civilní témata. Händel si vybírá biblická témata a obdivuje sílu lidských vášní. Právě vášeň, dynamika, obraz konfrontace byly pro baroko charakteristické.

Jestliže první polovina XVIII století. v hudbě bylo baroko definováno jako hudební styl, jeho druhá polovina se pak stala rozkvětem skladatelů vídeňské klasické školy:

Gluck, Haydn, Mozart a Beethoven. Nejvyšší úspěchy klasicismu byly spojeny s Vídní, hlavním městem rozsáhlé rakouské říše, městem důkladně prosyceným hudbou.

Vídeňská klasická škola reagovala na nálady a myšlenky osvícenství. Hudební umění odráželo duchovní hledání a rozporuplné umělecké procesy své doby. Například Lessing ovlivnil dílo Mozarta.

Principy klasicismu našly své ztělesnění v hudbě osvícenství.

Christoph Willibald Gluck(1714-1787) se do dějin hudby zapsal jako reformátor operního umění, který položil základ novému opernímu stylu. Opery, které Gluck napsal, byly neobvyklé jak obsahem, tak způsobem vyjadřování pocitů postav. Gluckovy aktivity se odehrávaly ve Vídni a Paříži a byly spojeny i s polemikou ve filozofii a estetice, do níž byli zapojeni osvícenci. Kritizovali dvorní operu a věřili, že antické divadlo ideálně spojuje hudbu, plasticitu a recitaci.

Gluck se snažil operu zdramatizovat, dát jí pravdivost a přirozenost. Všechny nejlepší Gluckovy opery, počínaje Orfeem, byly napsány přesně na antická témata, v nichž skladatel našel silné postavy a silné vášně. Za Gluckova života vyvolaly jeho opery divoké kontroverze, ale čas ukázal životaschopnost principů a není náhoda, že je realizovali i další vynikající skladatelé.

Josef Haydn(1732-1809) zůstal téměř tři desetiletí kapelníkem (vedoucím sboru a orchestrální kaple) a komponování hudby se věnoval pouze ve svém volném čase. Jestliže Gluck reformoval operu, pak Haydn vytvořil dokonalé symfonie. Jeho tvůrčí cesta procházela různými uměleckými epochami, ale skladatelova tvorba byla spjata právě s dobou osvícenství. Osvícenci věřili v pokrok společnosti a člověka a Haydnova hudba vyjadřuje optimismus a snahu o štěstí. Haydnovy výtvory jsou značně racionalistické: vyznačují se promyšleností a harmonií, což je rovněž v souladu s racionalistickými principy osvícenství.

Haydn se ve svých oratoriích věnuje tématu přírody, jejíž kult byl charakteristický pro takového pedagoga, jakým byl Rousseau. Byl to Haydn, kdo se stal nejjasnějším skladatelem osvícenství.

Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) začal skládat již v raném věku, hodně cestoval, brzy se proslavil. Mozart se stal stejně jako Gluck velkým reformátorem opery, nejen ji symfonizoval, ale i aktualizoval. Výběrem takové hry, jako je Bláznivý den nebo Figarova svatba, Mozart ukázal svůj závazek k výchovným myšlenkám. V Kouzelné flétně skladatel představuje jakousi utopii, blízkou víře osvícenců v mravní pokrok lidstva. Mozartova hudba překvapivě spojuje přirozenost a harmonii, upřímnost a dokonalost, dokonalou jasnost a chvějící se vzrušení. Nejvyšším počinem Mozartovy hudby bylo slavné „Requiem“ – jeho poslední skladba.

Němec skladatel Ludwig van Beethoven(1770-1827) strávil většinu svého života ve Vídni. Jeho spisy také nesou otisk osvícenství. Skladatel se projevil právě v žánrech sonáty a symfonie, které se nakonec zformovaly právě v této době. Jeho díla odhalují promyšlenost celé myšlenky i jednotlivých detailů, jasnost forem.

V jeho nejznámějších dílech je ztělesněno hrdinské téma, téma boje, které souvisí jak s osobností samotného skladatele, tak se zvláštnostmi jeho biografie: události Velké francouzské revoluce přežil jako devatenáctiletý roční mládež. I když myšlenky osvícenství byly pro Beethovenovu hudbu charakteristické, představuje již novou éru, předjímající romantismus. Skladatelův hudební styl se od umění ostatních vídeňských klasiků liší rozsahem, dramatičností a emocionální silou. Takové jsou „Patetická sonáta“, Třetí symfonie („Hrdinská“), Pátá a Devátá symfonie, zejména „Óda na radost“, která završuje poslední. Celý odkaz Beethovena jako celek měl ohromný vliv na vývoj hudby, zejména na formování romantismu.