Modernistické obrazy jsou malovány s oslím ocasem. Tvůrčí sdružení „Oslí ocas

Výstava „Oslí ocas“ (1912), kterou uspořádali vůdci ruského primitivismu M. F. Larionov a N. S. Gončarova, se mnohým zdála výzvou nejen pro konzervativní veřejnost, ale i pro spolek Jack of Diamonds. Podle Larionova členové „Jack of Diamonds“ zacházeli se západním uměním s přehnanou pozorností a podceňovali ruské umělecké tradice.

Umělci účastnící se výstavy Donkey's Tail se snažili spojit obrazové techniky evropské školy s úspěchy ruské výšivky, populárních tisků a malby ikon. Skrytý protest proti západnímu vlivu byl obsažen v samotném názvu spolku. To byl náznak skandální situace, která vznikla v pařížském Salon des Indépendants v roce 1910. Odpůrci nových forem v malbě se snažili vydávat plátno namalované oslím ocasem za mistrovské dílo avantgardního umění.

Účastníkům výstav se nepodařilo vytvořit ucelený směr a každý se vydal vlastní cestou, ale pro většinu badatelů je název „Oslí ocas“ pevně spojen s pojmem „primitivismus“, a především s prací jeho vůdců. .

Michail Fedorovič Larionov (1881 - 1964) se narodil ve městě Tiraspol v provincii Cherson v rodině vojenského zdravotníka. V letech 1898 až 1910 studoval na Moskevské škole malířství, sochařství a architektury; jeho učiteli byli Valentin Alexandrovič Serov, Isaac Iljič Levitan, Konstantin Alekseevič Korovin. V roce 1900 se Larionov setkal s Natalií Sergejevnou Gončarovou (1881 - 1962), která zde studovala. Vzali se a od té doby jsou jejich životní a tvůrčí cesty nerozlučně spjaty.

V roce 1906 začali mladí malíři aktivně vystavovat: jména Larionov a Gončarova se do povědomí široké veřejnosti dostala díky výstavě Moskevského sdružení umělců. V témže roce se zúčastnili expozice Svazu ruských umělců. A dva roky před tím, v roce 1904, se Larionov setkal se slavnou divadelní a uměleckou osobností Sergejem Pavlovičem Diaghilevem a v roce 1906 na jeho pozvání ukázal své dílo na výstavě sdružení "World of Art" v Petrohradě. Brzy se spolu s Diaghilevem a výtvarníkem Pavlem Varfolomeevičem Kuzněcovem vydal do Londýna a Paříže, kde Diaghilev ze vzdělávacích důvodů ve dvanácti sálech Podzimního salonu prezentoval ruské umění různých období a směrů. Díla Larionova, Gončarova a Kuzněcova byla zařazena do sekce „nejmodernější“.

Po roce 1907 se Larionov začal zajímat o primitivismus. Svědčí o tom energické tahy, šťavnaté, barevné skvrny, jasné kontury, neomezená fantazie a především zápletky převzaté z provinčního městského života: „Procházka v provinčním městě“, „Kavárna pod širým nebem“, „Provinční franciha“ (všechna díla z roku 1907). V roce 1907 se Larionov sblížil s básníkem a umělcem Davidem Davidovičem Burliukem (1882-1967), jedním ze zakladatelů ruského futurismu; společně uspořádali výstavu Stefanos v Moskvě. A v roce 1910 byl malíř mezi zakladateli spolku Jack of Diamonds, kolem kterého se sdružovali příznivci primitivistického hnutí. Ale v roce 1912 Larionov a Goncharova opustili "Jack of Diamonds" a zorganizovali expozici "Oslí ocas". O rok později byla otevřena nová výstava „Target“ a po ní se objevila kreativní skupina pod stejným názvem.

V letech 1912-1913. Larionov a Gončarova tvrdě pracovali na designu knih futuristických básníků. Jednalo se o tzv. litografické knihy – ručně psané na litografický kámen a ilustrované stejnou technikou.

Na počátku 10. let. mistr přišel na myšlenku rayonismu - jedné z prvních variant neobjektivní malby. Ve stejnojmenné brožuře vysvětlil tento pojem takto: "Luchismus znamená prostorové formy, které mohou vzniknout průnikem paprsků různých předmětů, formy zvýrazněné vůlí umělce." Na prvních „zářivých“ plátnech Larionova jsou jasně viditelné motivy přírody: „Žlutý podzim“, „Kohout“ („Zářivá studie“), „Zářivá krajina“ (všechna díla z roku 1912).

V roce 1914 pomohl Larionov Gončarově vytvořit kulisy pro operu-balet Nikolaje Andrejeviče Rimského-Korsakova Zlatý kohoutek pro Ďagilevova Ruská roční období, vyrobený v avantgardním stylu.

Pak začala první světová válka, která se stala těžkou zkouškou v životě mistra. Kreativní plány musely být odloženy na neurčito. Larionov, povolaný do armády, se zúčastnil bitev ve východním Prusku, byl po ošetření v nemocnici ostřelován a demobilizován. Po uzdravení nastoupil do baletního souboru Diaghilev ve Švýcarsku jako scénograf a do Ruska se již nevrátil.

V dílech Natálie Gončarové lze vysledovat poněkud odlišné motivy. Náměty některých jejích děl jsou jasně inspirovány obrazy Paula Gauguina a Vincenta van Gogha („Velníci sbírají jablka“, 1911; „Slunečnice“, 1908-1909; „Rybaření“, 1909). Vliv Gauguina je cítit v měkkých, jakoby viskózních konturách postav, v kontrastech hutných, lehce matných barev, ale stejně silně Gončarovovou přitahovaly ruské folklorní tradice. Na plátně "Phoenix Bird" (1911), odkazujícím na pohádkový obraz, umělec zprostředkovává atmosféru fantastické akce především prostřednictvím barev - neobvykle jasných, jakoby planoucích zevnitř. V díle Natálie Gončarové jsou obzvláště dobré obrazy, při jejichž tvorbě se inspirovala ikonami. Výrazným příkladem toho je „Spasitel v síle“ (1911).

"Donkey Tail" je jedním z nejznámějších a dokonce senzačních uměleckých spolků u nás. Sdružení zorganizovali v roce 1912 ruští avantgardní umělci Michail Fedorovič Larionov a Natalja Sergejevna Gončarovová. Tato organizace umělců od samého počátku přitahovala pozornost veřejnosti. Spojovala tvůrce podobného ducha, kteří měli blízko k avantgardním směrům umění.

N Goncharova "Sklizeň"

Název „Oslí ocas“ pochází z jednoho z obrazů, který byl vystaven na výstavě v Paříži v roce 2010. Tento obraz byl neobvyklý tím, že byl namalován oslím ocasem.

Naneštěstí přes svůj rychlý nástup a dokonce lehce skandální oblibu neměl spolek umělců dlouhého trvání a v roce 1913 se rozpadl a zanechal po sobě jen vzpomínku na historickou událost avantgardního umění.

N. Gončarová "Kulatý tanec"

N. Gončarová "Chlapec s kohoutem"

N. Gončarová "Koupací koně"

N. Gončarová "Autoportrét se žlutými liliemi"

M. Larionov "Kouřící voják"

Kromě Michaila Larionova a Natalie Gončarové byli v „Oslím ocasu“ takoví umělci jako Kazimir Malevič, Vladimir Tatlin, V. Bart, A. Ševčenko a další.

K.Malevich "leštičky podlah"

Na rozdíl od jiných avantgardních uměleckých sdružení umělci z Oslího ocasu prosazovali sjednocení evropské školy a tradice ruského lidového umění, ruský primitivismus, populární tisky a tak dále.

Obrazy těchto umělců plně potvrdily jejich teze. Záměrně zjednodušené formy, někde připomínající etnoprimitivismus, spojené s avantgardními styly, které byly běžné na počátku 1910.

V. Tatlin "Autoportrét"

Pro mnohé je "Oslí ocas" úzce spojen s konceptem primitivismu v malbě. Ke zhroucení skupiny došlo v důsledku skutečnosti, že mnoho umělců, kteří byli součástí sdružení, se po vyzkoušení v tomto stylu postupně začali pohybovat různými směry a zkoušeli se v jiných žánrech a směrech.

V.Tatlin "Model"

W. Barth "Dvojitý autoportrét"

A. Shevchenko "Žena v červeném (Portrét umělcovy manželky N.S. Psishcheva-Shevchenko)"

"Oslí ocas" - skupina ruských avantgardních umělců spojená se stejnojmennou výstavou, uspořádanou v roce 1912 v Moskvě. Svůj pobuřující název odvozuje od skandálu na Salon des Indépendants v Paříži (kde v roce 1910 skupina podvodníků vystavila abstraktní obraz, ve skutečnosti „namalovaný“ oslem s ocasem). Jádrem moskevské výstavy bylo dílo skupiny M.F.Larionova, který se krátce před tím společně s N.S.Gončarovou a řadou dalších umělců ze sdružení Jack of Diamonds rozhodl uspořádat vlastní, mnohem radikálnější avantgardu výstava. Zde byla ukázána díla největších mistrů ruského futurismu (vedle Larionova a Gončarové - K.S. Maleviče, V.E. Tatlina a M.Z. Shagala).

Stylu dominoval záměrně primitivní, mocný barevný formální projev, motivy venkovského archaického či drsného městského folklóru.

Na rozdíl od "Jack of Diamonds", který se stal tradicí a dlouhodobým stylovým trendem, "Oslí ocas", organizačně nezformovaný, se rozpadl již v roce 1913, aniž by vytvořil společné umělecké paradigma. V každém případě efemérní skupina vstoupila do dějin jako důležitá etapa ruského futurismu, který v tomto krátkém období přešel z „neofolklorního“ primitiva do spontánní „rayončikovské“ abstrakce.

M.F. Larionov studoval na Moskevské škole malířství, sochařství a architektury u V.A. Serova, I.I. Levitana. Tam se setkal s N.S. Goncharovou, která se stala nejen jeho manželkou, ale také stejně smýšlející osobou v kreativitě. Od počátku 20. století se Larionov aktivně účastnil uměleckého života, vystavoval nejen v Rusku, ale i v Evropě a francouzský malíři měli na Larionova velký vliv. V letech 1902-06 pracoval ve stylu pozdního impresionismu ("Šeříkový keř v květu"). V roce 1907, ovlivněn fauvismem a naivním uměním, přešel k primitivistickému způsobu a vytvořil nezapomenutelná (šťavnaté barvy, ostré linie, ostré scény) plátna („Odpočívající voják“; „Jaro“).

V čele tehdejšího uměleckého života vytvořil v roce 1912 nový umělecký koncept – Rayonismus, jeden z prvních příkladů abstraktního umění v kategorii tzv. „neobjektivní kreativity“, ve které se formovaly formy. v důsledku průniku paprsků odražených od různých objektů.

Malba a grafika N. S. Gončarové - původně impresionistická, později řešená v duchu fauvismu - stojí u zrodu ruského futurismu. V letech 1907-1911 se jí podařilo – možná organičtěji než komukoli z jejích současníků – spojit tradice „primitiva“ (lubok, malované znaky atd.), stejně jako tradice ikony, s novými avantgardními trendy. . Zvláštní místo v její tvorbě zaujímá žánrová a každodenní témata („Senoseče“, „Prání plátna“) a také náboženské motivy (cyklus „Evangelisté“). Hrozně-apokalyptický výraz imponuje „Mystical Images of War“. Po rozkladu forem viditelného světa se umělec obrátil ke kubofuturismu („Cyklista“).

Gončarová a Larionov, kteří přeměnili avantgardu na „umění života“, se věnovali divadlu (projekt uměleckého kabaretu „Růžová lucerna“) a kině (účast na natáčení prvního ruského futuristického filmu „Drama v kabaretu č. . 13"). Proto byl jejich přechod ke scénografii tak organický (na pozvání S.P. Diaghileva). Mohutná obrazová plasticita Gončarové inscenované inscenace N. A. Rimského-Korsakova Zlatý kohoutek měla v Paříži obrovský úspěch. Při práci v ruských ročních obdobích opustila Gončarová se svým manželem Moskvu a nakonec se v roce 1919 usadila v hlavním městě Francie.

Organizace byla založena v roce 1911. Organizátory „Oslího ocasu“ byli K. Malevič, M. Larionová, A. Ševčenko, N. Gončarová. Moskevští umělci, kteří byli součástí „Oslího ocasu“, dali své společnosti toto jméno kvůli tehdejší popularitě obrazu namalovaného ocasem osla. Obraz byl představen společnosti v roce 1910 na výstavě v Paříži.

Činnost organizace

Členové uměleckého spolku pořádali výstavy, kde předváděli nejen vlastní plátna, ale i obrazy svých žáků – začínajících umělců. Bohužel se organizace v roce 1913 rozpadla, ještě dříve, než se stihla oficiálně zaregistrovat. Výsledkem činnosti umělecké skupiny byly dnes populární obrazy: „Umývačky“ a „Sedláci sbírají jablka“ od N. Gončarové, „Ráno v kasárnách“ a „Odpočívající voják“ od M. Larionova, „Polišky“ od K. Malevich, „Námořník“ a „Prodavač ryb“ od V. Tatlina. Sbírka ruských avantgardních umělců „Oslí ocas“ i přes svou krátkou existenci zanechala znatelnou stopu v historii ruské malby.

Oslí ocas"- jeden z nejznámějších a dokonce senzačních uměleckých spolků u nás. Sdružení zorganizovali v roce 1912 ruští avantgardní umělci Michial Fedorovič Larionov a Natalja Sergejevna Gončarovová. Tato organizace umělců od samého počátku přitahovala pozornost veřejnosti. Spojovala tvůrce podobného ducha, kteří měli blízko k avantgardním směrům umění.

Název „Oslí ocas“ pochází z jednoho z obrazů, který byl vystaven na výstavě v Paříži v roce 1910. Tento obraz byl neobvyklý tím, že byl namalován oslím ocasem. Naneštěstí přes svůj rychlý nástup a dokonce lehce skandální oblibu neměl spolek umělců dlouhého trvání a v roce 1913 se rozpadl a zanechal po sobě jen vzpomínku na historickou událost avantgardního umění.

Kromě Michaila Larionova a Natalie Gončarové byli v „Oslím ocasu“ takoví umělci jako Kazimir Malevič, Vladimir Tatlin, V. Bart, A. Ševčenko a další. Na rozdíl od jiných avantgardních uměleckých sdružení umělci z Oslího ocasu prosazovali sjednocení evropské školy a tradice ruského lidového umění, ruský primitivismus, populární tisky a tak dále. Obrazy těchto umělců plně potvrdily jejich teze. Záměrně zjednodušené formy, někde připomínající etnoprimitivismus, spojené s avantgardními styly, které byly běžné na počátku 1910. Pro mnohé je "Oslí ocas" úzce spojen s konceptem primitivismu v malbě. Ke zhroucení skupiny došlo v důsledku skutečnosti, že mnoho umělců, kteří byli součástí sdružení, se po vyzkoušení v tomto stylu postupně začali pohybovat různými směry a zkoušeli se v jiných žánrech a směrech.

Kreativita K. Malevich

Kazimir Severinovič Malevič (1878 - 1935) - umělec proslulý v žánru avantgardy, impresionismu, futurismu, kubismu.

Jeho první obrazy vznikaly pod vlivem francouzských impresionistů a vznikaly samozřejmě také v impresionistickém stylu. Po nějaké době se začal vášnivě zajímat o futurismus. Byl téměř nejaktivnějším účastníkem všech futuristických výstav a dokonce pracoval na kostýmech a kulisách, jedním slovem navrhl futuristickou operu s názvem „Vítězství nad sluncem“ v roce 1913. Toto představení, které se konalo v Petrohradě, se stalo jednou z nejdůležitějších etap ve vývoji celé ruské avantgardy.

Právě geometrizace forem a maximální zjednodušení v designu přiměly Kazimira Maleviče k zamyšlení nad vytvořením nového směru – suprematismu.

Kreativita Malevich

Umělec udělal revoluci, udělal krok, o kterém před ním nemohl rozhodnout nikdo na světě. Zcela opustil figurativnost, až fragmentovanou figurativnost, která dříve existovala ve futurismu a kubismu.

Umělec ukázal světu svých prvních čtyřicet devět obrazů na výstavě v Petrohradě v roce 1915 – „0,10“. Pod svá díla umělec umístil nápis: "Suprematismus v malbě." Mezi těmito plátny bylo i světoznámé „Černé náměstí“, napsané v roce 1914 (?), které vyvolalo prudké útoky kritiků. Tyto útoky však neustupují dodnes.

Hned příští rok vydal Kazimir Malevič brožuru s názvem „Od kubismu k suprematismu. Nový obrazový realismus “, ve kterém jasně zdůvodnil svou inovaci.

V důsledku toho měl suprematismus tak obrovský dopad nejen na malířství, ale také na architektonické umění Západu a Ruska, že přinesl svému tvůrci skutečně světovou slávu.

Suprematismus

Hudební nástroj

květinářka

Jako všichni umělci nestandardního, „levicového“ směru byl Kazimir Malevič během revoluce velmi aktivní.

Umělec se zabýval kulisami pro první představení Vladimíra Majakovského "Mystery - buff" v roce 1918, měl na starosti umělecké oddělení na Moskevské radě. Když se přestěhoval do Petrohradu, vedl a učil na Free Art Workshops.

Na podzim roku 1919 odjel Kazimír do města Vitebsk vyučovat na Lidové umělecké škole, kterou organizoval Marc Chagall a která byla brzy přeměněna na Umělecko-praktický institut. Vitebsk opustil až v roce 1922, aby se vrátil do Petrohradu a pracoval v továrně na porcelán, vynalézal stále nové a nové formy malby a studoval možnosti uplatnění suprematismu v architektuře.

V roce 1932 dosáhl Malevich funkce vedoucího experimentální laboratoře v Ruském muzeu, kde rozvinul teorii „nadbytečného prvku v malbě“, kterou předložil dříve.

Ve stejném roce 1932 se Malevich náhle znovu obrátil k tradičnímu realismu. Možná to bylo kvůli trendům nové doby, ale tak či onak Kazimir Malevich nemohl dokončit toto nové období své práce. V roce 1933 vážně onemocněl a o dva roky později, v roce 1935, zemřel.

Kreativita P. Filonov

Pavel Nikolajevič Filonov (8. ledna 1883 Moskva - 3. prosince 1941 Leningrad) - ruský, sovětský umělec, zakladatel, teoretik, praktik a učitel analytického umění - jedinečný reformní směr v malbě a grafice první poloviny 20. století.

Kreativita Filonov

První významná díla Filonova, psaná obvykle kombinovanou technikou na papíře (Muž a žena, Svátek králů, Východ a Západ, Západ a Východ; všechna díla - 1912-1913, Ruské muzeum, Petrohrad), těsně sousedí se symbolikou a modernost - s jejich alegorickými postavami-personifikacemi a vášnivým zájmem o "věčná témata" bytí.

Rozvíjejí originální způsob umělce stavět obraz s krystalickými barevnými buňkami - jako pevně „vyrobenou“ věc. Ten však (na rozdíl od V.E. Tatlina) zůstává jakoby „futuristicko-konzervativní“ a nepřechází k designu, zůstává v rámci čisté, jiskřivé, pestré malebnosti.

V roce 1913 navrhl kulisy na jevišti k tragédii Vladimíra Majakovského Vladimír Majakovskij, další dva roky působil Pavel Filonov jako ilustrátor futuristických sešitů, vydal svou transracionální báseň Kázání o přerůstání světa a začal rozvíjet umělecké teorie : Ideologie analytického umění a principy Madeness.

V roce 1919 umělcovy obrazy byly vystaveny na první státní volné výstavě dělnického umění v Petrohradě. Vzhledem k pokračující ostré kritice a útokům proti Filonovovi byla jeho výstava plánována na roky 1929-1930. se v Ruském muzeu nekonal.

V roce 1932 Jeho život a dílo nepřerušila válka. Zemřel na zápal plic během obléhání Leningradu v roce 1941. V roce 1967 V Novosibirsku se konala posmrtná výstava děl Pavla Filonova.

Teprve v posledních letech získal Filonovův obraz celosvětové uznání. Obrazy vytvořené jeho myšlenkou daly obrovský impuls rozvoji avantgardy v SSSR. Svůj umělecký styl našel díky těm nekompromisním ideálům, kterým věřil.

Již v jeho raných dílech je jasně patrné odmítání ideologie malířské akademie v Petrohradě. Filonov opustil akademii v roce 1910 a rozhodl se ignorovat mainstreamovou malbu, aby mohl dále rozvíjet svůj styl.

Pavel Filonov ve svém obraze pozoroval a realizoval síly, které tvoří existenci lidstva. Jeho cílem bylo dosáhnout systematického poznání světa a jeho lidské populace.

Filonovovy obrazy byly výsledkem nejen sémantických obrazů. Jeho malba je prohlášením intelektuálních principů, z nichž některé jsou převzaty z teorie a ideologie umělce. Na Filonovově obraze je na obrázku vidět „designová inteligence“.

Pavel Filonov věnoval x mnoho času a úsilí

umělecké vynálezy a kreativní nápady. Pracoval 18 hodin denně.

V roce 1925, když našel mnoho následovníků a příznivců svého stylu vyjadřování, založil školu v Petrohradě. Tato škola byla uzavřena vládou v roce 1928. spolu se všemi soukromými uměleckými a kulturními organizacemi.

Umělcovo dílo

• Symfonie od Šostakoviče
• svatá rodina
• Kolchoznik

Kolchoznik

Ti, kteří nemají co ztratit

Jarní formule

Muž a žena

Svátek králů

Zvířata

Ti, kteří nemají co ztratit